La escultura del siglo XX

Los rasgos definitorios primordiales del arte escultórico durante el siglo

XX fueron la pérdida de la condición figurativa y, a través del amplio
abanico de opciones abierto por las sucesivas vanguardias, la
aproximación al concepto de obra de arte de cualquier objeto
tridimensional, convenientemente sometido a la acción o a la
interpretación del creador.

Las vanguardias históricas

El espíritu rupturista de las denominadas vanguardias históricas, que
revolucionaron el mundo del arte durante las primeras décadas del siglo XX,
reavivó el interés por la escultura, que había permanecido en segundo plano en
épocas anteriores.

A este respecto cabe destacar como primera línea evolutiva la de los

escultores cubistas, futuristas y constructivistas.

• Cubismo: a fines de la primera década del siglo Pablo Picasso (1881-

1973) y George Braque (1882-1963) crearon el cubismo. El propio
Picasso aproximó pintura y escultura a través de la técnica del collage y
desarrolló después su obra escultórica, fundamentalmente en hierro.
Otros artistas que, desde diferentes perspectivas, aplicaron los
preceptos cubistas a la escultura fueron Alexandre Archipenko (1887-
1964), Jacques Lipchitz (1891-1973) y Pablo Gargallo (1881-1934).
En la obra de todos ellos se percibe la articulación de planos y la síntesis
de formas propias del cubismo.
• Futurismo: la escultura del futurismo italiano aportó dinamismo y
percepción de movimiento a los principios cubistas de descomposición
de perspectivas. El más destacado escultor futurista fue Umberto
Boccioni (1882-1916).
• Constructivismo: los escultores del constructivismo ruso adoptaron
preceptos semejantes, aunque orientados hacia el maquinismo y el uso
de materiales industriales. En esta corriente sobresalieron Anton
Pevsner (1886-1962) y Naum Gabo (1890-1977).

Dadaístas y surrealistas
El anti-arte planeado por los dadaístas y la valoración del trasfondo
psicológico de los objetos y las formas de los surrealistas dieron lugar a
creadores de importancia capital para la evolución escultórica del siglo XX.
Entre estas figuras destacan las siguientes:

• Marcel Duchamp (1887-1968) revolucionó el mundo de la escultura al

presentar como obras de arte, en la década de 1910, una serie de
 objetos de la vida cotidiana. Sobresale por su espíritu transgresor su
célebre Urinario (1917).
• Kurt Schwitters (1887-1948) fue, junto a Duchamp, el otro gran
exponente de la escultura dadaísta. Alcanzó su mayor dimensión
creativa trabajando con materiales toscos y de desecho, a partir de los
cuales obtenía piezas de notable belleza.
• Alberto Giacometti (1901-1966), aportó una personal interpretación del
surrealismo a partir de sus longilíneas imágenes, la mayoría de ellas en
hierro.
• Jean Arp (1887-1966) y Joan Miró (1893 -1983 ) realizaron una obra
escultórica afín, resultado de una refinada interpretación de las formas
desde postulados surrealistas.

Cabe citar, por último, al rumano Constantin Brancusi (1876-1957), en

cuya obra convergen los principios escultóricos clásicos, refundidos en clave de
vanguardia, aunque sin vinculación a un movimiento concreto.

La escultura de la segunda mitad del siglo XX

Después del final de la Segunda Guerra Mundial,muchas de las grandes
personalidades de la escultura de vanguardia del primer tercio de siglo
continuaron su producción sin grandes cambios evolutivos.

Junto a los ya citados Duchamp, Miró o Giacometti, desarrollaron sus

singulares estilos una serie de escultores que aportaron visiones e
interpretaciones muy personales y que, en buena medida, influirían en los
movimientos plásticos de fin de siglo. Cabe destacar entre ellos a los
siguientes:

• David Smith (1906-1965) realizó obras de un estilo rígidamente

abstracto, precursor del minimal art.
• Alexander Calder (1898-1976), norteamericano, como el anterior, fue el
creador de los singulares móviles, conjuntos de piezas de hierro,
pintadas y articuladas, que constituyeron el primer antecedente de la
escultura cinética.
• Jorge Oteiza (1908) y Eduardo Chillida desplegaron una plástica
esquemática en sus planteamientos, pero incorporando elementos
naturalistas.
• Henry Moore, por último, desarrolló sobre premisas muy personales una
obra encuadrada dentro del organicismo, en la que adquiría especial
importancia la figura humana deformada a través de huecos, líneas
curvas y grandes volúmenes.
Alexander Calder, móvil, escultura cinética al aire libre, (París).

Del pop art al minimal art

La década de los sesenta fue un periodo de renovación de los
planteamientos estéticos de la escultura. La era del pop art abrió paso a la
exaltación visual de lo doméstico, expuesto de la manera más descarnada. En
este movimiento destacaron Claes Oldenburg (n. en 1919), y George Segal
(n. en 1924) y Duane Hanson (n. en 1925), que centraron su creación en los
vaciados en plástico de modelos humanos propios de la era de la publicidad.

Sobre la premisa de prescindir del elemento humano como medio de

expresión, la escultura de las últimas décadas del siglo XX experimentó una
serie de transformaciones que dieron lugar a escuelas específicas como las
que se enumeran a continuación:

• La corriente arte povera italiana utilizó materiales de desecho sin

ninguna tradición escultórica, como trapos, muebles viejos o residuos de
todo tipo.
• El minimal art redujo a su expresión más exigua la expresividad de los
objetos, con frecuente recurso a juegos de iluminación e instalaciones
provisionales.
• El land art propuso la intervención del escultor en la naturaleza para
emplearla como medio de expresión.

La tendencia a prescindir de la perspectiva humana se rompería con el

llamado body art, en el que el propio cuerpo humano hace las veces de
soporte de la obra escultórica.
George Segal, Bus riders, 1964, (Hirshhorn Museum, Washington).
 Le Corbusier

• TEST: ¿Verdadero o falso?

• EXTRA: La zonificación en Le Corbusier
• BIBLIO: Bibliografia (3)

Charles-Edouard Jeanneret, más conocido como Le Corbusier, nació

en 1887 en La Chaux-de-Fonds, Suiza. Desde muy temprana edad
demostró gran habilidad para el dibujo, por lo que, a la edad de 14 años,
fue aceptado en la Escuela de Artes de La Chaux-de-Fonds. También se
dedicó a la pintura (a lo largo de su vida pintará muchos cuadros); sin
embargo, el profesor L'Eplattenier le inculcó el amor por la
arquitectura.

A la edad de 18 años, le propusieron que construyera una casa para uno

de los miembros de la directiva de la Escuela de Arte, villa Fallet,
concretamente. Con las ganancias de su primera construcción, realizó un viaje
a Italia, Budapest y Viena.

Formación en arquitectura europea

En 1908 viajó por primera vez a París y residió allí durante un larga
temporada. Trabajó durante quince meses junto al arquitecto Auguste Perret.
Después se marchó a Alemania enviado por la Escuela de Artes de La Chaux-
de-Fonds con el fin de conocer los entresijos del movimiento de artes aplicadas
que se estaba cultivando en aquel país.
Villa Fallet, 1905, La Chaux-de-Fonds, Suiza

En 1911 realiza un viaje, que le llevará a recorrer ciudades como Berlin,

Praga, Viena, Budapest, Belgrado, Bucarest, Costantinopla, Salónica y Atenas.
Estos viajes constituirán una excelente ocasión para descubrir los grandes
edificios que se están erigiendo en Europa y le proporcionarán los
conocimientos necesarios para dedicarse a la arquitectura.

En 1917, a la edad de 30 años, se instala definitivamente en París. En

1920, funda la revista de vanguardia L'Espirit Nouveau junto al poeta Paul
Dermée y el pintor Amedée Ozenfant. En ella expusieron sus ideas y
desarrollaron nuevos conceptos sobre urbanismo, arquitectura y otros campos
de la cultura. Desde el primer ejemplar de la publicación, Edouard Jeanneret
tomará el pseudónimo Le Corbusier, con el que será más conocido
popularmente. En 1922 abrió un estudio en la calle Sevres de París junto a su
primo y colaborador Pierre Jeanneret, que se conservaría hasta su muerte.

En 1914-1915 presenta el proyecto Domino, una unidad de estructura

prefabricada con hormigón armado; sin embargo, en los proyectos de la casa
Citroen (1919-1921), refleja gran parte de sus teorías más importantes sobre
arquitectura: plano libre, volumen cúbico sustentado por ipilastras y la
utilización del tejado.

Entre 1929 y 1930 se dedicó a realizar proyectos para vivendas

unifamliares: villa Viraucresson (1922-1923, cerca de París), la casa-estudio de
Ozenfant (1922-1923), villa Roche (1923, París) y un complejo de alojamientos
en Pessac (1925), entre otros. Fue uno de los iniciadores de CIAM (Congreso
Internacional de Arquitectura Moderna) en 1929. Todos estos edificios, excepto
la villa Roche, se modificaron drásticamente.

Los principios arquitectónicos de Le Corbusier

En 1926, Le Corbusier resume en cinco puntos sus principios
arquitectónicos; magnificamente ejemplificados en la villa Savoye, su obra más
emblemática:
1. Casa sobre pilotes o columnas; de esta manera, el suelo queda libre. El suelo debe quedar
reservado para el movimiento, el tráfico o la vegetación; el trabajo y la vivienda se instalan en
los pisos superiores.

2. Tejado-terraza. En las regiones nórdicas y montañosas, el uso de los tejados-terraza facilita

la rápida evacuación de las aguas procedentes del deshielo; de esta manera, además, el
peligro de la helada queda eliminado. Aplicó por primera vez esta idea en 1916, en La Chaux-
de-Fonds. Después propugnó la idea de cubrir la terraza con una fina capa de tierra, para que
las semillas y las hierbas transportadas por el viento pudiera crecer en ella.

3. Planta libre. Los tabiques se colocan de acuerdo a la distribución interna de la casa y no

dependiendo de los muros de sustentación.
4. Ventana alargada o, a ser posible, que ocupe todo el muro. La ventana es uno de los
complementos más importantes de la vivienda. Comenzó a aplicar esta idea en la villa
Vaucresson.

5. Fachada libre. En la vivienda, al igual que en un cuadro, tiene que haber una división
equilibrada entre partes abiertas y partes ciegas.

En la década de 1930, Le Corbusier es reconocido internacionalmente y

comienza a realizar importantes edificaciones en países como la URSS o
Brasil: pabellón suizo de la Ciudad Universitaria de París (1930-1935),
Ministerio de Salud Pública e Instrucción Pública (1937-1942, junto a Oscar
Niemeyer y Lucio Costa).

El Modulor y las Unidades de Habitación

En 1950 desarrolla el concepto de módulo, un nuevo sistema de
proporciones basado en el Renacimiento, que sustituye al sistema métrico
decimal tradicional.

Este sistema de medición se basa en las medidas del ser humano, todo lo
contrario al sistema decimal. En palabras de Le Corbusier, "una máquina, un
mueble o un periódico son prolongaciones del hombre. Y la arquitectura, y en
consecuencia, todo objeto creado por el hombre, debe impactarnos no sólo a
nivel anímico o mental sino también a nivel más físico o corporal". Proyectos
como la Unidad de Habitación de Marsella (1947-1952, Francia), la capilla de
Ronchamp (1950-1954, Francia) y la ciudad Chandigarh de India se basaron en
en el sistema modular.
El Modulor, sistemá de medición creado a escala humana.

Tras la II Guerra Mundial, comienza a desarrollar los proyectos

denominados "Unidades de Habitación", claros ejemplos del aprovechamiento
del espacio. El proyecto de Unidades de Habitación de Marsella está
constituído por una unidad arquitectónica que alberga a 1600 personas, donde
los apartamentos se adecúan a personas individuales o núcleos urbanos.

Unidad de Habitación de Marsella, 1947-1952

A partir de entonces, Le Corbusier creará edificios cada vez más

arriesgados como el Convento de La Tourette (1957-1960, Evreux) o, dentro de
la planificación urbanística de Chandigarh, nueva capital de Punjab, la
Asamblea (1953-1961), el Palacio de Justicia (1952-1956) o la Secretaría
(1958). Le Corbusier realizó grandes aportaciones a la arquitectura del siglo
XX.

Murió en agosto de 1965 en Cap Martin, Francia.

Convento de La Tourette, Francia, 1959
 Alberto Giacometti

• TEST: ¿Verdadero o falso?

• EXTRA: La Fundación Alberto y Annette Giacometti
• BIBLIO: Bibliografia (5)

Alberto Giacometti nació en Borgonovo, Stampa, (Suiza) en 1901, en

el seno de una familia de artistas. Su padre era Giovanni Giacometti,
pintor neoimpresionista y su tío, Augusto Giacometti, también era
pintor. Desde muy temprana edad demostró una habilidad especial
para la escultura y la pintura. A los doce años pintó su primer óleo y con
trece años realizó su primera escultura: un busto de su hermano Diego.

En 1919 se marcha a Ginebra para realizar estudios de escultura y pintura

en la Escuela de Bellas Artes. Para entonces comienza a tener dilemas entre la
escultura y la pintura. Posteriormente, tras un viaje a Italia en el que descubre
la pintura de maestros como Giotto y Tintoretto, decide dedicarse durante dos
años al estudio de los maestros italianos.

De Venecia se marchó a París en 1922, donde vivió durante casi toda su

vida. Recibió clases del maestro escultor Émile-Antoine Bourdelle y se
relacionó con otros artistas suizos. Las obras que realiza durante esta época
son simples y con connotaciones eróticas: La femme cuillère (Mujer cuchara),
Le couple (La pareja) o Boule souspendue (Bola suspendida), por ejemplo.
La femme cuillère (1932-33)

Miembro del movimiento surrealista

En 1925, abandona la escultura realista y comienza a experimentar y
realizar figuras de bronce de clara influencia cubista. Posteriormente, pequeñas
esculturas realizadas en madera con forma de extrañas jaulas, le introducen en
el movimiento surrealista. André Breton lo convida a entrar en el grupo de los
surrealistas.

Para entonces, ya es considerado como uno de los escultores surrealistas

más importantes de la década de 1930; sus obras reflejan gran ingenio e
imaginación. Según los expertos, The palace at 4 a.m. (El palacio de las cuatro
de la mañana, 1932-33) es su obra surrealista más brillante: se trata de una
estructura arquitectónica que sostiene figuras y objetos suspendidos y expresa
la subjetividad y la fragilidad del ser humano en el tiempo y en el espacio.

The palace at 4 am (1932)

Buscando reflejar la debilidad del ser humano

Hacia 1935 comienza a experimentar con otros métodos y a separarse del
movimiento surrealista, sin cortar completamente sus relaciones con ellos.
Vuelve a realizar una escultura más realista, esta vez, sin embargo,
experimentando a base de reducir el volumen de las formas. Realizando
dibujos de gente que pasea por las calles, Giacometti llegará gradualmente a
conseguir esas figuras alargadas con las que alcanzará la madurez de su estilo
y caracterizarán su obra escultórica.
 En 1943 conoce a Annette Arm, con quien se casará en 1950. A partir de
entonces Annette se convertirá, junto con Diego, el hermano de Alberto, en
modelo de la mayor parte de las esculturas y pinturas que realizará el artista.

Durante los años que vivió en París, viajó a menudo a Stampa, su pueblo
natal, donde residía la mayor parte de su familia. Durante esas estancias,
Alberto realizó bustos de varios miembros de su familia. Sin embargo, será a
partir de 1945, tras recuperar la mirada hacia la naturaleza y el entorno que le
rodea, cuando realice la mayor parte de sus obras escultóricas y pictóricas.

En 1948, tras doce años de experimentación en el campo de la escultura y

de la pintura, expuso sus obras. Las esculturas y pinturas de ésta época nos
muestran figuras frágiles y melancólicas, a través de las cuales el artista
pretende reflejar la debilidad de la existencia del ser humano, como si sus
personajes estuvieran contínuamente amenazados por el medio que les rodea.
Standing woman (Mujer en pie, 1948) y Walking man (Caminante, 1947)
reflejan perfectamente ese característico estilo de Giacometti.

Standing woman (1948)

Su olvidada obra pictórica

A partir de 1951, el artista suizo experimenta con bustos de Diego,
buscando orientar su escultura hacia nuevos caminos y dejando de lado la
excesiva delgadez de sus anteriores esculturas. Comienza a pintar paisajes.

En 1952, el escritor estadounidense James Lord visitará habitualmente el

estudio de Alberto Giacometti y entablará una gran amistad con Alberto y su
hermano Diego. Gracias a esa amistad el escritor tendrá la oportunidad de
acercarse a ellos y conocer muy de cerca el trabajo y la vida privada del artista.
Gracias al material que fue recopilando durante esas visitas, James Lord
publicó en 1985 la biografía de Giacometti.
 Hacia el final de su carrera, aclamado unánimemente como uno de los
escultores más importantes del siglo XX, luchó por que se reconociera su
trabajo pictórico. El artista suizo pintó 350 cuadros a lo largo de su vida. A
pesar de ello, los cuadros de Giacometti nunca pudieron lograr la importancia y
la magnitud de sus esculturas.

Self-portrait (1921)

En 1962 gana el Gran Premio de Escultura en la Bienal de Venecia. Los

últimos años de su vida se caracterizan por una actividad frenética y por una
sucesión de grandes exposiciones en toda Europa. A pesar de estar
gravemente enfermo, en 1965 marcha a Nueva York para su exposición en el
Museo de Arte Moderno. Como último trabajo, redacta el texto del libro Paris
sans fin, una secuencia de 150 litografías que reflejan los recuerdos de todos
los sitios en que ha vivido.

El 11 de enero de 1966, gravemente enfermo y sin interés ni fuerzas para

seguir trabajando, murió en el hospital de Chur, en Francia.

«« La escultura del siglo XX

Henry Moore »»
¿Qué expresan las figuras de Giacometti?
Las esculturas de Alberto Giacometti son llamativas y curiosas:
predominan las figuras delgadas con largos brazos y piernas. Su significado ha
sido muy discutido. Algunos han querido ver una expresión del pensamiento
existencialista que sucede a los horrores de la II Guerra Mundial. El propio
Giacometti lo negaba.

A partir de la invitación de incorporarse al movimiento surrealista que le

hace el líder de éste, André Breton Giacometti realizó un fecundo trabajo. En
ese tiempo hizo grandes aportaciones a la escultura de forma abierta, al arte
cinético y a la construcción escultórica.

Refleja el interés del surrealismo por el inconsciente y su preocupación por

el sexo y la violencia.
 Cuando en el invierno de 1934-35 se aleja de los surrealistas y comienza a
trabajar otra vez con modelos, comienza para él una nueva fase. No quiere
representar en sus esculturas únicamente la apariencia de la figura humana
sino la percepción completa que tenemos de la persona. Parece que para
manifestar esta visión de la realidad necesita adelgazar la imagen de la
persona y desnudarla de detalles. Cuando observamos a alguien en la lejanía
su aspecto externo se nos desvanece, se nos pierde, pero su esencia
permanece.
 Henry Moore

• TEST: ¿Verdadero o falso?

• BIBLIO: Bibliografia (3)

Henry Moore nació en 1898 en Yorkshire, Castleford, Inglaterra. A

pesar de su temprana atracción por la escultura, respetando los deseos
de su padre, se convirtió primero en maestro de escuela de su pequeño
pueblo. Entonces, estalló la I Guerra Mundial y formó parte del 15
Regimiento de Londres. Sin embargo, se envenenó con los gases tras un
ataque en Bélgica y fue enviado de vuelta a Inglaterra para su
recuperación.

Tras el armisticio, gracias al dinero que le fue otorgado por el Gobierno

británico para su rehabilitación, pudo inscribirse en la Escuela de Artes de
Leeds, donde estudió durante dos años. Allí conoció a la escultora Barbara
Hepworth. La relación entre ellos fue muy productiva; ambos intercambiaron
ideas y se influyeron artísticamente.

Posteriormente, se marchó a Londres y continuó sus estudios en el Royal

College of Art hasta 1924. Fue una época de intensa actividad y desarrollo de
ideas, muchas de ellas recogidas en el cuaderno de notas que ha sobrevivido
de aquella época. Tras finalizar sus estudios, fue nombrado profesor del mismo
colegio y obtuvo una beca para viajar por Italia y Francia, gracias a la cual tuvo
la oportunidad de descubrir a los grandes maestros. Fue profesor del Royal
College entre 1925 y 1932 y fue allí donde conoció a Irina Radetsky, estudiante
de pintura, con quién se casó en 1929.

Lejos de las tendencias académicas tradicionales y del realismo de Rodin,

Henry Moore encontró en los pueblos primitivos y en el arte egipcio y etrusco
su fuente de inspiración. El posterior descubrimiento de la escultura de las
civilizaciones maya y azteca ejercería una influencia decisiva en la obra del
escultor británico. Durante esta época creó una colección de figuras femeninas
reclinadas, en las que realizó toda clase de experimentos que iban desde un
modelado redondeado o geométrico hasta casi tocar la abstracción. En la
década de 1920 destacan Maternity (Maternidad, 1924) y Mother and Child
(Madre e hijo, 1924-25).

Mother and child, 1924-25

La primera exposición de Moore fue apoyada y presentada por Jacob

Epstein, pero no tuvo éxito alguno. Sus obras fueron criticadas violentamente y
Moore se vio convertido en una figura de escándalo. La tradición escultórica
inglesa era muy pobre en aquel momento y las corrientes de vanguardia que
cultivaban artistas como Moore eran mal vistas por el público y la crítica
conservadora.

Figuras reclinadas y maternidades

A partir de la década de 1930 las figuras reclinadas y la maternidad serán
los dos temas predilectos de Henry Moore; después se sumarán a éstos
pequeñas cabezas y grupos de familia. Siguió experimentando y en su obra
cultivó dos corrientes opuestas: la abstracción y el surrealismo. En 1933
comenzó a tomar parte en diversas actividades de los surrealistas y así se
convirtió en uno de los fundadores del grupo surrealista de Inglaterra. Entre
1932 y 1939, además, fue profesor de la Escuela de Artes de Chelsea.

Entre las obras de esta época son destacables Composition (1931), Head
and ball (Cabeza y pelota, 1934); Bird and egg (Pájaro y huevo, 1934) o Mother
and child (Madre e hijo, 1936), etc. La pieza Head and ball (en la siguiente
imagen), por ejemplo, refleja una estrecha relación con los movimientos
surrealista y constructivista.

Head and ball, 1934

La importancia del vacío
En 1934 Moore comienza a horadar los materiales y a partir de 1940 los
agujeros o vacíos y las masas tendrán la misma importancia en las obras de
Moore, en la búsqueda de la complementariedad de la forma y el espacio.

Entre 1937 y 1939, inició un nuevo tema basado en construcciones

geométricas o de volúmenes redondeados, con cuerdas o hilos que recorren
los espacios. El uso de la cuerda o el hilo tenía como objetivo mejorar la
visibilidad interior de las estructuras, más orgánicas y antropomórficas, como
es el caso de Bird basket (Cesta de pájaros, 1939).

Sus dibujos sobre refugios antiaéreos, reconocidos

por el público
Durante la Segunda Guerra Mundial, la escasez de materiales lo obligó a
realizar esculturas de pequeñas dimensiones y a dedicarse al dibujo. A partir de
1940 comenzó una serie de dibujos basados en la experiencia vivida por los
británicos, que tuvieron que buscar refugio en el metro londinense para
defenderse de los bombardeos. Irónicamente, fueron estos dibujos de los
refugios antiaéreos y no sus esculturas los que le otorgaron el merecido
reconocimiento al escultor británico. Por primera vez la gente tomaba en cuenta
su obra, y su reputación comenzó a extenderse a otros países. Además, en
1941, el entonces director de la National Gallery, Kenneth Clark, nombró a
Henry Moore artista oficial de guerra.

Por otro lado, entre 1943 y 1944 realizó para la iglesia de St. Matthew en
Northampton, una estatua de la Madonna con el Niño y, en 1946, nació su
única hija Mary, hechos éstos que le inspiraron para seguir tratando el tema de
la maternidad. En esa época empezó también a crear una serie de grupos
familiares, por lo general en bronce.

Después de la guerra, el arte de Henry Moore fue finalmente aceptado y el

arte moderno, en general, fue reconocido en Inglaterra como parte de la
tradición artística nacional.

Premios y reputación
En 1948 Henry Moore recibió el Premio Internacional de Escultura en la
XXIV Bienal de Venecia, lo que aumentó la reputación internacional del artista.
El aislamiento y las críticas sufridas durante los primeros años se traducirán a
partir de entonces en premios y honores. Además recibirá encargos
importantes, la mayoría de ellos para exteriores, que le llevarán a aumentar el
tamaño de sus obras. Por ejemplo, King and Queen (Rey y reina, 1952-53), la
escultura que le fue encargada para la coronación de la reina Isabel II o
Reclining figure (Figura reclinada, 1958) realizada por mandato de la UNESCO.
Reclining figure, 1957

Convertido en uno de los más grandes escultores del siglo XX, Moore
continuó realizando esculturas hasta que en 1986, a la edad de 86 años, murió
en Much Hadham, Hertfordshire. Sus obras pueden ser admiradas en los
principales museos de arte moderno del mundo y en muchos países, en
edificios, plazas, parques y jardines.

La figura humana como centro de su preocupación

La intensa observación de la naturaleza y la figura humana como centro de
su preocupación son constantes en la obra de Moore, que siempre ha oscilado
entre la figuración y la abstracción. Su universo de formas parece venir de la
más remota antigüedad, sin embargo, son una expresión profunda y vital de la
realidad contemporánea.

Su escultura se caracteriza por la incansable investigación de formas y

materiales y por la fuerza y profundidad de sus figuras (que parecen animadas
por una intensa vida interior), en las que opone con maestría los volúmenes
cóncavos y convexos. Y es que, en las esculturas de Moore, el espacio forma
parte de la obra
 Joan Miró Ferrá

• BIBLIO: Bibliografia (31)

(Barcelona, 1893-Palma de Mallorca, 1983). Artista catalán hijo de

Miquel Miró Adzeriases y Dolors Ferrá Oromí. En 1907 asistió a la
Escola de Comerç de Barcelona, que compaginó durante tres años con la
Escola d'Arts i Oficis de la Llotja. En 1910 trabajó como contable y
participó, por vez primera, en una exposición de retratos y dibujos. En
1912 decidió dedicarse plenamente a la pintura y se inscribió en la
Escuela d'Art de Francesc Galí, a la que fue hasta 1915. En 1913 se
inscribió en el Cercle Artístic de Sant Lluc.

En 1918 hizo su primera exposición individual en Barcelona. En 1920 visitó

a Picasso en París y al año siguiente hizo su primera exposición individual en
dicha ciudad. En1923 comenzó a pintar en Mont-roig, donde sus padres tenían
una masía, Tierra labrada, Paisaje catalán y Pastorale, que marcaron una
nueva trayectoria en su obra. En 1926 realizó junto con Max Ernst los
decorados y el vestuario del ballet Romeo y Julieta, para los Ballets Rusos de
Diagilev.

Joan Miró en 1931

Comienza a experimentar nuevas técnicas

Dos años más tarde realizó los primeros collages-objeto, que tituló
Bailarina española y también pintó Interiores holandeses.
Interior holandés II

En 1929 contrajo matrimonio con Pilar Juncosa y se instalaron en París.

Trabajó en la serie denominada Retratos imaginarios. En 1930 nació su única
hija, Maria Dolors. Ese mismo año hizo su primera exposición individual en
Estados Unidos, en Nueva York.

Tierra labrada (1923-1924)

En 1932 decidió establecerse en Barcelona y ese mismo año hizo su

primera exposición individual en EEUU en la Pierre Matisse Gallery de Nueva
York. Al año siguiente trabajó en una serie de dieciocho collages y en pinturas
que derivaron de ellos y en 1934 firmó un contrato con Pierre Matisse para que
éste fuera su representante en Estados Unidos.
Guerra Civil y II Guerra Mundial
A consecuencia de la Guerra Civil Española vivió en París hasta 1940. En
1937 realizó una gran pintura mural, El segador para el pabellón de la
República Española en la Exposición Internacional de París. En verano de
1939 abandonó París y fue a Normandía donde permaneció hasta mayo de
1940 ya que tuvo que regresar a Palma de Mallorca a consecuencia de los
bombardeos del ejército alemán. Durante ese año y el siguiente realizó la serie
de aguadas conocida como Las constelaciones.

Constelación

Primera etapa de colaboración con Artigas

En 1941 comenzó a colaborar con el artista Josep Llorens Artigas, con
quien elaboró piezas de cerámica hasta 1947. En 1946 realizó sus primeras
esculturas en bronce. Al año siguiente fue a Estados Unidos, donde hace una
pintura mural para el Terrace Plaza Hotel de Cincinnati. Durante esos años su
actividad en el campo de la cerámica y en escultura fue cada vez más intensa.

Comienza a recibir prestigiosos galardones

En 1950 empezó a trabajar en la pintura mural del comedor de Harkness
Commons, en la Harvard University, que concluyó al año siguiente. En 1954
inició una nueva etapa de colaboración con Josep Llorens Artigas en Gallifa en
la que hicieron más de 200 piezas de cerámica. En 1956 se trasladó
definitivamente a Palma de Mallorca y en 1958 recibió el Guggenheim
International Award por dos murales que hizo en la sede de la UNESCO en
París.

Catálogo de la exposición hecha en 1999 en Aubagne

La escultura cada vez más importante en su obra

En 1966 hizo sus primeras esculturas monumentales en bronce: Pájaro
solar y Pájaro lunar y al año siguiente se instaló un mural de cerámica suyo en
el Solomon R. Guggenheim Museum de New York. Ese mismo año le
concedieron el Carnegie International Grand Prize de pintura por un mural de
cerámica realizado en colaboración con Josep Llorens Artigas.
Pájaro lunar

Más premios y reconocimientos

En 1968 fue nombrado doctor honoris causa por la Harvard University. En
1970 elaboró un mural de cerámica y pintura mural para el Pabellón de la Risa
en la Exposición Internacional de Osaka. Hizo un mural de cerámica
monumental junto con Artigas para el aeropuerto de Barcelona. En 1976 se
instaló el pavimento de cerámica en la Rambla de Barcelona. En 1977 y con la
colaboración de Josep Royo, realizó un tapiz monumental para la National
Gallery de Washington. En 1978 pintó las máscaras y decorados para el
espectáculo Mori el Merma y se inauguró la escultura monumental Couple d
´amoureux aux jeux de fleurs d´amandier en París.

En 1979 fue nombrado doctor honoris causa por la Universidad de

Barcelona y en 1980 le entregaron la Medalla de Oro de las Bellas Artes
españolas. En 1981 se inauguró la escultura monumental conocida como ?Miss
Chicago?, en la capital de Illinois.