PERIODICO DI INFORMAZIONE, ATTUALITÀ E CULTURA MUSICALE

MANGIARE 68 FOGLIE IL ROBOT LITTLE DRUMMER BOY

Novembre-Dicembre 2009

CHE
VOLEVA
SUONARE

Periodico di informazione, attualità e cultura musicale a cura del Saint Louis College of Music
di Flavio Fabbri

di Adriano Mazzoletti
P er l’Orchestra J
Futura la musi-
ca è prima di

N on si può dire quale eredità sia stata

lasciata o cosa abbia significato il jazz
nel 1968 senza accennare alla «rivolu-
zione culturale» che invase il mondo a metà
degli anni Sessanta e che raggiunse la sua apo-
teosi nel 1968. In Occidente - Europa e Stati
Uniti - un numero imponente di studenti e ope-
rai prese posizione contro l’ideologia della
società dei consumi, che proponeva il valore del
denaro come punto centrale della vita sociale.
Nel blocco orientale le popolazioni si sollevaro-
no per denunciare la mancanza di libertà e l’in-
vadenza della burocrazia di partito, gravissimo
problema sia dell’Unione Sovietica che dei
Paesi legati ad essa. (...)
! CONTINUA NELLO SPECIALE SESSANTOTTO
tutto immaginazione:
una macchina non è
una macchina, un
robot non è un robot, un uomo non è un uomo.
Ma tutti suonano. In ogni sperimentazione è
presente la possibilità di assaporare a livello
multisensoriale una forma di inquietudine, di
fastidio, per ciò che non si comprende e non si
riesce a tradurre con i tradizionali strumenti
cognitivi. La sperimentazione vera, autentica,
significativa, deve rompere un equilibrio menta-
le, sociale, storico, percettivo e sensitivo, porta-
re con sé una rara sapienza sovversiva e avere
l’ardire di mostrarsi spudoratamente coraggio-
sa, anzi arrogante nel suo essere ribelle. (...)
! CONTINUA NELLA PAGINA CLASSICA-MENTE
T
di Nicola Cirillo
he little drummer boy («Il piccolo tamburi-
no»), scritta nel 1941 da Katherine K.
Davis, suggerisce un tema natalizio, la sto-
ria di un ragazzino povero che propone in dono a
Gesù, poiché non ha nulla, di suonare per lui il
tamburo. Shall I play for you, pa rum pum pum
pum, On my drum? Oggi c’è un nuovo little
drummer boy: Gianluca Pellerito, 15 anni. Nato a
Palermo il 1° maggio del 1994 sotto il segno del
Toro, del Toro ha la determinazione. Conosce la
batteria dall’età di 4 anni - énfant prodige - e gioca
con amici tipo Peter Erskine, Alex Acuna, Gigi
Cifarelli, Davide Ghidoni e Michael Rosen. (...)
! CONTINUA NELLA PAGINA BEYOND

SPECIALE SESSANTOTTO
J AZZ
&blues SONNY ROLLINS ALTNATIVE
ER CHICKS ON SPEED

Direttore Responsabile
Salvatore MASTRUZZI
Direttore
ROMINA CIUFFA
Redazione
Romina CIUFFA redazione@musicin.eu
Flavio FABBRI classica@musicin.eu
Rossella GAUDENZI jazzblues@musicin.eu
Valentina GIOSA alt@musicin.eu
Roberta MASTRUZZI soundtrack@musicin.eu

Contributi
Lorenzo Bertini, Rita Barbaresi, Luca Bussoletti
Nicola Cirillo, Stefano Cuzzocrea, Alessandra Fabbretti
Attilio Fontana, Gianluca Gentile, Adriano Mazzoletti
Corinna Nicolini, Livia Oreste, Paolo Romano
Sabrina Simonetti, Donato Zoppo

MUSICALL TRAINING
Music In Video
Videointerviste
‘68 ITALIAN ROCK MUSICAL LA «TAV» DEL JAZZ
Romina CIUFFA
Sabrina SIMONETTI
www.youtube.com/musicinchannel
Web > www.musicin.eu
www.myspace.com/musicinmagazine
Progetto grafico
«VUOI» SI DICE AGLI ARTISTI
Romina CIUFFA Avviserei, prima che sia troppo tardi. Chiediamo venia. Chiediamo agli stonati di Youtube; dimenticando che i networks sono solo
Cristina MILITELLO Oggi sono un Bianconiglio e, con un smettere di tormentarci dal web, di cercarsi un un biglietto da visita, al cui indirizzo deve corri-
orologio al collo, corro gridando: lavoro, di iscriversi a un corso di canto ed armo- spondere un citofono che non suoni una nota sola.
Redazione «Presto, che è tardi!». Tra le pagine nia, se tenaci; perché crediamo che non esistano Continuiamo flebilmente a sostenere che il vero
Via del Boschetto, 106 - 00184 Roma della cronaca romana il Corriere stonati dove la voce e l’orecchio siano allenati artista debba saper non solo cantare e suonare
Tel. 06.4544.3086 della Sera titola: «Troppo con tecnica accurata e sacrificio. Chiediamo almeno due strumenti, ma anche solfeggiare; che
Fax 06.4544.3184 Facebook? Si cura al Gemelli», soprattutto ai loro amici di esser sinceri con loro, il vero scrittore non debba confondere «roman-
Mail redazione@musicin.eu e un occhiello: «Dipendenza come si deve a un amico. La tecnologia non può zo» con «alfabetizzazione»; e che il vero regista
dal pc, apre un nuovo repar- significare questo, l’abbassamento se non l’azze- debba saper sceneggiare. In poche parole, che in
Marketing e Pubblicità to». C’è un neonato ambula- ramento della qualità: è lo scotto da pagare? ogni settore creativo siano richieste 3 condizioni,
Mail marketing@musicin.eu torio psichiatrico sulle dipen- Piuttosto ci pignorino il pianoforte. Parliamo, qui necessarie ma non sufficienti: una profonda umil-
Tipografia denze patologiche ed è in nella rubrica ClassicaMente, di robots che suo- tà, studio incessante e fiere di paese.
Ferpenta Editore Srl fibrillazione: chi dovrebbe nano e congegni che consentono di eseguire con- Sì, proprio la porchetta o i funghi, il vino rosso, la
Via R. Gabrielli di Montevecchio, 17 - far musica trascorre il tempo certi in streaming a distanza intercontinentale, nocciola tonda gentile romana. Non è il web che
ad «addare». Non scherzia- ma siamo privi di orecchio umano: giudichiamo consacra il talento, ma il palchetto. L’evoluzione.
Roma mo. La vera musica si fa al l’artista dalle visite che riceve in termini di click, E gli artisti da web sono fermi, riversi sulle loro
Anno III n. 11 pianoforte, piegati sulla chi- nemmeno si trovasse in una stanza di ospedale. pagine online a fare spamming, chiedere amici-
Novembre-Dicembre 2009 tarra, sfiatati nel sax, alle Si visita un malato, un artista lo si ascolta. zie, creare gruppi, invitare ad ascoltare qualcosa
feste di paese e in locali sco- Mi rifiuto ancora di pensare che il parametro per che dovrebbe esser convertito in manodopera o
Registrazione presso il Tribunale di Roma nosciuti la cui insegna domani inserire una band nel palinsesto musicale sia volontariato. Ad appoggiare cause cantando testi
n. 349 del 20 luglio 2007 recherà: «Chiuso per fallimen- costituito dai downloads gratuiti: la musica non sulla guerra in congiuntivi sbagliati, senza muo-
to». Odore di anice, sigari, consta del numero di amici contati nel network, la versi dalla stanza. Forse, allora, una visita di cor-
legno, odor di muffa e di perife- musica è l’artista, è lui che ascolteremo cantare tesia gliela dovremmo fare davvero, e portar loro
STEFANO ria. Sta per: «Fatemi suonare, io stasera, non il click metallico e falso di un «add a le nocciole tonde di Ronciglione.
MASTRUZZI devo suonare, io adoro la muffa comment». Siamo tutti cantanti allora, tutti scrit-
EDITORE mentre suono». tori, tutti registi, perché ci sono i blog, Myspace e Romina Ciuffa
 J AZZ
& blues SALVATORE RUSSO Esce JOE BONAMASSA Quando a 12 anni MILES DAVIS Ai tempi del bebop, tutti suonavano velo-
Music In ! Novembre-Dicembre 2009

«La Touche Manouche» per la si partecipa a un tour di B.B. King è ine- cissimi. Sentivo gli altri musicisti suonare tutte quelle scale
a cura di ROSSELLA GAUDENZI
label Saint Louis Jazz Collection vitabile cadere nella malia del blues. e quelle note, e mai niente che valesse la pena di ricordare.

QUESTAGITANOMANIA
Occorre risalire all’anno 1000 d.C. circa e alla cacciata degli zingari dall’India e dal Pakistan da parte
del re afgano Mahmud di Ghazni per capire Salvatore Russo. E ascoltare «La Touche Manouche»

a cura di Rossella Gaudenzi
za di Michael Wegen, costruttore di plettri olan-
dese e gran conoscitore dei chitarristi di jazz
manouche.
«Stiamo parlando del miglior costruttore di
plettri per chitarra gipsy: un vero artista, oltre-
tutto profondo amante dell’Italia, dei nostri Da
Vinci e Michelangelo. Nel momento in cui deci-
do di acquistare una seria chitarra gipsy mi
reco dal liutaio Leo Eimers ed è lì che nel 2007
mi imbatto in Stochelo Rosenberg, il più gran-
de chitarrista di gipsy jazz vivente, indiscusso
talento internazionale e grande compositore».
Tra Salvatore Russo e Stochelo Rosenberg
è feeling immediato. Grande stima da parte
to dal padre per sfuggire alle persecuzioni naziste. Egli suona
gipsy jazz dall’età di 10 anni seguendo le orme paterne ed ispiran-
dosi al caposcuola della chitarra del genere, Django Reinhardt, e
forte di un trio che suona moltissimo a livello internazionale.
«Si percepisce la complessità di questo genere, ma arriva al
cuore, te ne arrivano le vibrazioni. In Italia siamo sommersi dalla
pop music, ma in fondo la chitarra elettrica è uno strumento sordo,
a differenza della chitarra gipsy; il gipsy jazz nasconde pochissi-
me star e vi si riscontra un’umiltà non presente altrove: la tradi-
zione musicale zingara, tzigana, fa sì che i musicisti abbiano biso-
gno gli uni degli altri, per suonare. Il jazz manouche è un genere
per addetti ai lavori, forse di nicchia, poiché percepito come anti-
co. Il tramandarsi lo rende unico».
Oggi - per tramandare, appunto - esce La Touche Manouche

SALVATORERUSSO
del musicista olandese, leader del Rosenberg
Trio, per il talento made in Italy: ascolta brani
composti da Salvatore e inizia a chiedergli di
incidere insieme un disco. «Mi prendo il pieno
merito di aver fatto conoscere Rosenberg nel
nostro Paese: ho organizzato due concerti in
Italia e quasi immediatamente è arrivata la
per l’etichetta Saint Louis Jazz Collection e contiene 13 brani,
di cui 4 composti da Salvatore Russo, 2 da Stochelo Rosenberg
(il suo inedito dà il titolo al disco) e i restanti pezzi di Django
Reinhardt e della tradizione gipsy rivisitati. Un intero anno di
lavoro. «Make the cd, Sal!, m’incitava Rosenberg fino a che non
ho deciso di mettermi al lavoro. È un musicista che incide rara-
mente e sentirmi così sollecitato è stato estremamente gratifican-

I ntramontabile, il tempo dei gitani. È accaduto che per una richiesta del bis. L’idea di registrare un disco insieme a lui era
casualità Salvatore Russo, chitarrista di fama internaziona- talmente lusinghiera che, partiti dalla proposta di fargli regi-
le, professionista da oltre 20 anni in contesti pop-rock ed strare solo due brani come special guest, il suo tocco ha invece
te. Si tratta del mio terzo lavoro discografico, successivo a dischi
rock e fusion (Salvatore Russo, 2000; Contact, 2004). I temi
gipsy mi hanno spinto a ricominciare. Ci sono temi riconoscibi-
orchestrali e neo-direttore didattico del Saint Louis di impresso tutto il disco. Ci siamo incontrati a Lecce dov’è stato li, cantabili, comprensibili. Un anno di lavoro: buttavo giù le
Brindisi, ascoltasse Nuages di Django Reinhardt e ne rimanesse registrato metà del lavoro». parti, Rosenberg le demoliva e si ricominciava, più volte ci
colpito al punto da voler conoscere a fondo questo jazz «poco La storia è antica e affascinante: occorre risalire all’anno 1000 siamo incontrati in Olanda. Difficile spiegare questo mio lavoro
ortodosso». Siamo nel 2004 e stiamo mettendo piede nel mondo d.C. circa e alla cacciata degli zingari dall’India e dal Pakistan da ai produttori...».
del gipsy jazz, o jazz manouche. parte del re afgano Mahmud di Ghazni; le varie etnie sono appro- «Da parte di Stefano Mastruzzi ho trovato il supporto neces-
Ciò che lo calamita è, ovviamente, la centralità della chitarra: date in Europa dopo una migrazione cinquecentenaria, stanziando- sario: ha avuto una visione chiara del progetto che era un pac-
basti pensare che nel ‘35 il quintetto di Reinhardt - caposcuola si, se così si può dire per una popolazione nomadica, in Ungheria, chetto finito da stampare interamente ideato da me. Il riscontro
della chitarra gipsy - comprendeva una chitarra solista, due chitar- Francia, Spagna, Grecia, ed altri Stati europei. Musicalmente le è stato molto buono, da subito: dovrò spedire una trentina di
re di accompagnamento, contrabbasso e violino, quest’ultimo etnie risultanti dai vari ceppi, migrazioni e persecuzioni, si sono copie in America perché in una settimana ne sono state vendute
nella persona di Grappelli. fuse con le culture circostanti. Il musicista tzigano unisce il gusto venti. È un disco che ha le carte in regola per diventare un best-
Nella sua ricerca e sete di conoscenza Salvatore procede dappri- musicale alla tecnica per colpire gli ascoltatori e stupirli con effet- seller. Il 2010 sarà il centenario della nascita di Django
ma a tentoni: innanzitutto su internet non trova una quantità di ti quasi circensi. Non conoscono la musica, non sono in grado di Reinhardt e spero che apra le porte alla conoscenza della musi-
informazioni paragonabile a quella oggi fruibile; inoltre come leggerla né di scriverla, occorre sempre ricordare che la loro tradi- ca manouche. Dovremmo prender parte al Fara Festival, in esta-
musicista rimane dapprima isolato in questa sua ricerca, non riesce zione musicale è legata all’oralità dalla notte dei tempi. Rosenberg te. E vogliamo diffondere un diverso modo di stare e comunica-
a trovare contatti con altri musicisti. La vera svolta è la conoscen- è di etnia sinti al 100 per 100: il nome però è stato scelto e stabili- re con gli altri. Voglio portare Rosenberg in Italia».

di Rossella
Gaudenzi

S icipa
comincia con il suonare la chitarra classica, ma quando a 12 anni si parte-
a un tour di B.B. King è inevitabile cadere nella malia del blues. Ci si
fa conoscere nei primi anni del XXI secolo, ma dopo aver affiancato, a
Londra nel 2008, il mito Eric Clapton, oggi, all’età di 32, si è consacrati a pieno
diritto tra i migliori chitarristi blues contemporanei, a livello internazionale.
Sono linee guida della biografia di Joe Bonamassa, lo statunitense chitarrista
dalla voce suadente propria dei veri e buoni bluesman, a breve sui palchi italia-
ni; nonché valido compositore, definito erede dallo stesso B.B. King in perso-
na. Lui allieta il nostro dicembre 2010 - con qualche buona azione ce lo sare-
mo meritato - imprimendo di sé con un tocco la rassegna La Chitarra, dopo il
successo di quella dello scorso anno legata ai grandi nomi del basso elettrico in
circolazione. Nel 2009 è uscito l’album celebrativo di 20 anni di carriera, The
Ballad of John Henry, con brani originali e rivisitazioni di pezzi di Ailene
Bullock, Tom Waits e Tony Joe White. Ora l’Europa lo attende, attende il suo
show teatrale e il cambio delle sue trenta (o giù di lì) chitarre sulla scena da fis-
sare entro il 13 dicembre sul palco dell’Auditorium Parco della Musica.
Da tenere a mente questa Chitarra, che durerà una lunga stagione invernale.
Sciorino in ordine sparso: non solo blues, ma ottimo jazz, musica folk, rock, pop
da Bill Frisell al leggendario Paco de Lucia, da Pat Metheny a Tuck & Patti, a
John Abercrombie; da Mark Knopfler a Mike Stern, alla nostra Carmen Consoli.

WEWANTMILES
Vogliamo miglia e miglia da percorrere con Davis. Ne facciamo anche fino a Parigi
che fino al 17 gennaio 2010 ci fa viaggiare tra Saint Louis e l’odio di sé, l’uscita del
cool, la libertà controllata, la pulsazione del funk, la distorsione del rock, la solitudine.
arigi celebra ancora una volta Miles
P Davis. La riuscita Cité de la Musique,
struttura risalente al ‘95 che ospita il
Conservatorio, il Museo della Musica ed
una vasta sala concerti, fino al 17 gennaio 2010
apre le porte ad un’esposizione, una serie di con-
certi di prestigio, film, workshops, conferenze e
molto altro. Il tutto incentrato sull’uomo, il musi-
cista, l’artista Miles Davis qui racchiuso in un per-
corso suddiviso in otto stanze: Da Saint Louis alla
52ma Strada (1926-1948); L’uscita del Cool: l’in-
venzione e l’odio di sé (1949-1954); Miles Ahead:
in studio per la Columbia (1955-1962); Miles
Smiles: la libertà controllata (1963-1967); Miles
elettrico: la distorsione Rock (1968-1971);
All’angolo: la pulsazione del Funk (1972-1975);
Silenzio, solitudine e requiem (1976-1980); Star
People: l’icona interplanetaria (1980-1891).
Sono stanze che ripercorrono i periodi della sua
vita attraverso fotografie, estratti video dei concer-
ti, strumenti, partiture, costumi di scena, manife-
sti, oltre a dipinti e sculture, in una mostra che ha
voluto focalizzarsi sulla musica, la prima a così
larga scala sul leggendario trombettista statuniten-
se. Tra le formazioni musicali che lo rappresente-
ranno: Jimmy Cobb’s So What Band, Joe Lovano
Nonet, Paolo Fresu Quintet, Laurent Cugny
Enourmous Band. (Rossella Gaudenzi)
Music In ! Novembre-Dicembre 2009

NUNZIO ROTONDO Nella notte fra il 14 e il 15 settembre è scomparso a Roma SONNY ROLLINS Per chiunque studi il linguaggio del jazz è un’estasi e un tor-
J AZZ
& blues
Nunzio Rotondo. Di lui parla, con un’anteprima del suo libro, Adriano Mazzoletti, mento. Per chiunque ami ed ascolti il jazz è un irraggiungibile, complesso labirin-
giornalista e scrittore, dirigente Rai e conduttore radio, che si occupa di jazz dal 1955 to di idee. Sonny Rollins vincerebbe una gara spirometrica con un quindicenne

JAZZROTONDO
Se il nostro Alessandro di Paolo Romano Il Solo Album di Sonny
Manzoni, tormentato Rollins: 50 e passa
dai dubbi di lingua e di minuti di improvvisa-
stile, esponeva le bozze zione completamente
dei suoi sposi promessi da solo. Un torrente
in una casa aperta in piena di idee.
al pubblico per poterle Sconvolgente. Non una
liberamente correggere, frase uguale all’altra,
Sonny Rollins ma un perfetto
di giorno studiava marchingegno
il rapporto tra improv- di struttura e melodia.
visazione e struttura, E là, in quelle circostan-
di sera lo sperimentava ze, presi definitivamente
sul Williamsburg atto del canyon che
Bridge, nell’East Side separa un musicista,
di NYC, per capire le pur talentuoso,
reazioni della gente da un genio

di ADRIANO MAZZOLETTI

La personalità di Nunzio Rotondo è assai complessa. Dava voce jazzistica

al «fanciullino» pascoliano: pieno di speranza e insieme di timore del mondo,
SONNY, PLEASE
P
er chiunque studi il linguaggio Per i cultori delle etichette, il suo fu
incline a ripiegare in una malinconia senza altro sfogo che l’amarezza solitaria. del jazz è un’estasi e un tormen- presto definito «hard bop», come dire
to. Per chiunque ami ed ascolti un bebop più aggressivo, torrenziale,

N
ella notte fra il 14 e il 15 settembre è scom-
parso a Roma Nunzio Rotondo. La sua
morte a 85 anni segue di poche settimane
quella di un altro nostro musicista di jazz, Gianni
Basso, di qualche anno più giovane. Nato a
Palestrina nel 1924, figlio di un clarinettista e di
una cantante, venne subito avviato allo studio
della tromba e nel 1944, quando Roma non era
stata ancora liberata, faceva già parte della sezio-
ne trombe di una orchestra dell’Eiar, quella diret-
ta da Piero Rizza con Armando Trovajoli con il
quale Nunzio avrebbe avuto, negli anni successi-
vi, occasione di esibirsi spesso.
La personalità di Rotondo è assai complessa.
Dava voce jazzistica al «fanciullino» pascolia-
no: pieno di speranza e insieme di timore del
mondo, incline a ripiegare in una malinconia
senza altro sfogo che l’amarezza solitaria. Di
sicuro c’è che Rotondo non ha mai voluto stac-
carsi da Roma, anche quando ebbe offerte allet-
tanti da grandi musicisti, come Lionel Hampton,
Clark Terry, Sonny Rollins o Dizzy Gillespie
sempre alla ricerca di giovani talenti. Il suo
rifiuto di inserirsi nel mondo del jazz internazio-
nale, che forse considerava difficile o insidioso,
che lo avrebbe allontanato dalla semplice e tran-
quilla vita romana, lo indusse a trovare rifugio
per lungo tempo negli studi della Radio e cam-
biare spesso partner, anche se per lui era diffici-
le trovare musicisti alla sua altezza.
Il suo debutto discografico avvenne il 9
marzo 1950. Quella prima seduta ebbe grande
significato per il jazz italiano: un giro di boa di
notevole importanza. Dei tre brani incisi il
primo è il bel tema di Piero Piccioni Boppin’ for
Bop, in cui Rotondo si limita a suonare sedici
battute, incastonate fra uno splendido Marcello
Boschi e un modesto Bruno Campilli, pianista
che scomparve dal mondo del jazz così come
era apparso. Dove invece Rotondo è realmente
superbo è in The Man I Love. Un Rotondo davi-
siano non per scelta estetica ma per urgenza
interiore - lo sarebbe stato anche senza Miles
Davis - e il modello sono le ballad incise dal
quintetto di Charlie Parker, come ricorda anche
Marcello Piras.
Ma a parte che qui i ruoli sono invertiti-pre-
dominante la tromba, secondario il sax alto-,
Rotondo ha personalità tanto forte da ripensare
ADRIANO MAZZOLETTI, «IL JAZZ IN ITALIA DALL’ERA DELLO SWING AGLI ANNI 70»
ANTEPRIMA DAL VOLUME DI PROSSIMA PUBBLICAZIONE EDITO DA EDT
tutto a modo suo. Esordisce con un rubato per
tromba sola, come una invocazione tenera e
struggente; e si inoltra quindi nel giro armonico
gershwiniano, a tempo lentissimo, senza vinco-
li nel suo più libero canto. Del tema originario
egli espone poche note e subito se le scrolla di
dosso: è se stesso, lamentoso e commosso,
implorante e disperato. Sotto il volo della sua
tromba ha predisposto un fondale scritto per sax
alto e tenore, che evocano a note lunghe il fami-
liare disegno del tema di Gershwin. Dopo il suo
assolo, Rotondo lascia spazio al sax alto di
Marcello Boschi, che vi colloca il più bell’asso-
lo della sua vita, perfetto e quasi furioso nella
sua ansia scalpitante.
Non so se qualcuno nel lontano 1950 abbia
sottoposto qualche studioso americano o
anche europeo a un blindfold test. Con ogni
probabilità sarebbe rimasto assai sorpreso
nell’apprendere che quella tromba e quel sax
alto erano due ragazzi provenienti da quella
che all’epoca era considerata la più inaccessi-
bile periferia del jazz.
Nel corso della sua continua evoluzione è
possibile individuare due momenti topici. Il
primo copre il periodo 1950-54, caratterizzato
da una produzione discografica con formazioni
di sei-sette elementi e da una notevole attività
concertistica. Il secondo periodo, 1958-1975,
segna invece gli anni più intensi del lavoro
negli studi radio con complessi di quattro-cin-
que musicisti.
Della sua lunga attività sono attualmente
reperibili solo quattro cd. Il primo è la riedizio-
ne del long playing Rca Romano Mussolini con
Nunzio Rotondo e Lilian Terry, con una splen-
dida copertina in cui i tre protagonisti sono
fotografati, in una bella giornata di sole roma-
no, sulla terrazza del Pincio che si affaccia su
piazza del Popolo. Il secondo una riedizione
delle sue prime incisioni, con The Man I Love,
in un cd della Riviera Jazz Record.
La cospicua produzione realizzata per la
radio e la tv giace ancora negli archivi del
nostro servizio pubblico. Solo di recente la gio-
vane etichetta Via Asiago Dieci, che si prefigge
di rendere pubblico l’archivio radiofonico, ha
diffuso due cd con ventinove brani del periodo
1964-1980.
il jazz è un irraggiungibile, complesso
labirinto di idee. Da 65 anni (sic!) è
nei più importanti santuari del mondo
di musica afroamericana e conta una
produzione in studio e live da doverla
almeno dividere in decadi per provare
a repertarla con dovizia. È Sonny, al
secolo Theodor Walter, Rollins, il
ragazzo ottantenne di Harlem che se
c’è un solo appassionato che, non
avendolo ancora fatto, si perde la
chance di ascoltarlo l’11 novembre al
Parco della Musica capitolino, beh...
dovrebbe per penitenza essere costret-
to ad un anno di ascolto forzato e con-
tinuo di Korn e Sepultura.
I suoi solos sono materia di studio
obbligatoria per diplomarsi alla
Berklee di Boston, dove ti fanno rom-
pere le corna sulla trascrizione ritmica
esatta della sua più celebre St. Thomas:
una manciata di poche note messe là a
costruire il principio di una storia da
raccontare, con intervalli desueti piaz-
zati a prolusione di uno dei più intri-
ganti, lucidi e complessi assoli del jazz
(provare per credere). Sarà che il gusto
per il calypso gliel’avevano trasmesso i
genitori delle Isole Vergini, sarà che il
blues l’ascoltava da ragazzino per stra-
da, ma Sonny si ritrovò a 16 anni a
padroneggiare ogni più sottile sfumatu-
ra della musica di Harlem e a buttarsi
in uno studio disperato, che - a sentir le
interviste, cui mite e umile si sottomet-
te da altrettanti 65 anni - continua come
se fosse il primo giorno di alfabetizza-
zione musicale.
Se il nostro Alessandro Manzoni,
tormentato dai dubbi di lingua e di
stile, esponeva le bozze dei suoi sposi
promessi in una casa aperta al pubbli-
co perché le potesse liberamente cor-
reggere, il buon Sonny - troppo presto
assediato da un travolgente successo -
decise di darsi uno stop, basta serate e
basta registrazioni: di giorno studio
del rapporto tra improvvisazione e
struttura armonica, di sera via a speri-
mentarlo per strada, sul Williamsburg
Bridge, nell’East Side di NYC, per
capire la reazione della gente, perché
la musica jazz è della gente.
spesso frammentato e con zero con-
cessioni ai melodici di Saint Louis,
prima, di Chicago, poi, di inizio seco-
lo. Il resto è storia. Collaborazioni
sterminate con i mammasantissima
che, di decennio in decennio, andava-
no affermandosi. Indomito scopritore
di giovani talenti, Rollins ha sfatato,
tra gli altri, i cliché per cui i sassofo-
nisti «vecchi» non hanno più fiato
(vincerebbe una gara spirometrica con
un quindicenne) e non hanno più idee
(visto che continua a sfornare nuovi
album di una bellezza imbarazzante).
Ripropone all’Auditorium di Roma
una capacità pressoché infinita di
inventare storie che inchiodano alla
poltrona e tolgono il fiato; lui le chia-
ma «creative session», spettacolari
giochi al rilancio con i suoi musicisti,
tutti rivolti a seguire un’idea e a dire
la loro: con Rollins Bob Cranshaw al
contrabbasso, Kobie Watkins alla
batteria, Victor Y See Yuen alle per-
cussioni e Bobby Broom al piano, gli
stessi che hanno suonato nel suo ulti-
mo Sonny, please e che compaiono
anche nel recentissimo Road Show,
Vol. 1 che dovrebbe iniziare a racco-
gliere le migliori session effettuate
per il mondo, molte delle quali
appartenenti a registrazioni private
del Colosso del Sassofono. Mi cor-
reggo, lasciamo a Roma il suo, di
Colosseo, e apriamo il cuore e le
orecchie all’ultimo dei grandi gladia-
tori del bop.
Post Scriptum. La recensione è fini-
ta. Per i più pazienti, spiego la prima
riga. Qualche anno fa, al Saint Louis
College of Music di Roma, il giova-
ne e bravo chitarrista Antonio Nasone
mi diede da ascoltare il Solo Album di
Sonny Rollins: 50 e passa minuti di
improvvisazione completamente da
solo. Un torrente in piena di idee.
Sconvolgente. Non una frase uguale
all’altra, ma un perfetto marchinge-
gno di struttura e melodia. E là, in
quelle circostanze, presi definitiva-
mente atto del canyon che separa un
musicista, pur talentuoso, da un genio.
 CLASSICA
MENTE
Music In ! Novembre-Dicembre 2009

MARIO BRUNELLO Shuffle Bach Perché nel ‘capannon’, luogo che useremo per dar vita ai pen- PLACIDO DOMINGO
a cura di FLAVIO FABBRI
sieri e alle idee, una volta si lavorava il ferro. Lavoro duro, materia di fuoco e terra, che la tenacia, la Eccellenza spagnola a ser-
passione, l’intelligenza arriva a piegare e dar forma. Non lasciamo la nostra mente alla ruggine vizio di sua Maestà svedese

di Flavio Fabbri

Viene da pensare che la metafisica è anche ritmica, che le suggestioni sonore e magiche di atmosfere eteree hanno molto
in comune con la modernità aggressiva del Barocco. Si sperimenta - con uno sperimentatore dall’intelligenza vorace,
Mario Brunello - come l’ibridazione, nella sua semplicità naturale, venga crescendo e mutando nell’esecuzione, fino
a lacerare la «pupa» culturale degli ambienti più conservatori, in una prova di volo libero e contaminazione artistica

Il
g enio è sempre moderno. Bach in quattro serate, ma non
solo. L’opera d’arte musicale che Mario Brunello ha fatto
risuonare nel Teatro Palladium della Garbatella romana, è
un fulgido esempio di forza creativa, ibridazioni e rovesciamenti
sonori, con un’idea forte di fondo: raccontare la tradizione classi-
ca attraverso la musica contemporanea, quella che nasce a cavallo
tra Ottocento e Novecento, fino ai giorni nostri.
Si chiama Shuffle Bach il suo nuovo lavoro, presentato al
Romaeuropa Festival 2009 e dedicato al Concerto Brandeburghese
di Johann Sebastian Bach. Un singolare quanto originalissimo tito-
lo tecnico, in cui il genio di Eisenach viene fuso, come in un’alche-
mica pozione di metalli, con un secolo barocco e denso di ritmi per
la musica di Charles Ives e Philip Glass, Alfred Schnittke e Giya
Kancheli, George Crumb e Giovanni Sollima.
Brunello si è presentato al pubblico nelle vesti di violoncellista
e di direttore, accompagnato dall’Orchestra dell’Accademia di
Santa Cecilia. Allo spettatore è toccato il compito di stabilire quali,
tra i brani eseguiti nelle prime tre serate, siano stati i più belli ed
esaltanti e i componimenti più votati hanno dato vita alla serata
finale, entrando di fatto nella ‘top chart’ di Shuffle Bach. È come
immaginare il pubblico e gli esecutori all’interno di in un gigante-
sco iPod che interagiscono con la struttura e i file virtualizzati dalle
onde sonore, per un risultato assolutamente divertente e unico nel
suo genere: «Prove dove si concerta-scrive Brunello nel suo blog-
concerti dove... si riprova». Anche l’aspetto tecnologico e comuni-
cativo, quindi, come in molti altri artisti sensibili al tempo che
vivono, ha avuto il suo peso in questo nuovo progetto.
Mario Brunello prima ancora di essere un artista di fama mon-
diale è uno sperimentatore dall’intelligenza vorace, in cerca di
soluzioni sempre nuove in grado di soddisfare le proprie curiosità
culturali e artistiche. Fondatore e direttore dell’Orchestra d’archi
italiana, nel 1986 ha vinto il primo premio al Concorso
Internazionale Ciajkovskij di Mosca, nella categoria dedicata al
violoncello, esibendosi poi nelle maggiori sale da concerto di tutto
il mondo, diretto da nomi di grande prestigio quali Claudio
Abbado, Myung-Whun Chung, Valery Gergiev, Carlo Maria
Giulini, Eliahu Inbal, Marek Janowski, Riccardo Muti, Zubin
Mehta e Seiji Ozawa. Molto attivo in formazioni cameristiche, ha
collaborato con diversi solisti di fama, come il pianista Andrea
Lucchesini e i violinisti Gidon Kremer, Salvatore Accardo e Frank
Peter Zimmermann, a cui si aggiungono il progetto tutt’ora in
corso con Vinicio Capossela, Uri Caine e Gian Maria Testa e gli
spettacoli teatrali con Maddalena Crippa e Marco Paolini.
Shuffle Bach, in anteprima assoluta per l’Italia, è il tentativo
coraggioso e difficile di far dialogare e interagire secoli diversi,
culture lontane, intelligenze e sensibilità poco affini, che solo la
passione e l’amore per la musica possono vantare in comune.
Un’opera, ma soprattutto una performance, in cui Brunello fa gira-
re la testa al pubblico del Palladium, mischiando i secoli, riempien-
do gli spazi vuoti dell’arte e invitando il pubblico a giocare con la
storia. Ascoltando Unanswered Question di Ives del 1906, o
Violoncelles vibrez! di Sollima del 1993, ma anche Concerto gros-
so di Al Fred Garryevi Schnittke o i Morning Prayers di Giya
Kanchel, viene da pensare che la metafisica è anche ritmica, che le
suggestioni sonore e magiche di atmosfere eteree hanno molto in
comune con la modernità aggressiva del Barocco.
Si è così sperimentato come l’ibridazione, nella sua semplicità
naturale, venga crescendo e mutando nell’esecuzione, fino a lace-
rare la «pupa» culturale degli ambienti più conservatori in una
prova di volo libero e contaminazione artistica. «Perché nel
‘capannon’, luogo che useremo per dar vita ai pensieri e alle idee,
una volta si lavorava il ferro. Lavoro duro, materia di fuoco e
terra, che la tenacia, la passione, l’intelligenza arriva a piegare e
dar forma. Non lasciamo la nostra mente alla ruggine».
Musica come antiruggine, insomma, un lubrificante per l’intelli-
genza, la creatività, la sensibilità, che il maestro di Castelfranco
Veneto diluisce per bene, passa con cura, accertandosi che nessun
meccanismo culturale e sociale sia tralasciato. Solo in questo
modo la musica creativa, le opere d’arte, i linguaggi del futuro
avranno vita assicurata anche in tempi di omologazione e irrigidi-
menti ideologici.
Bach sarà sempre moderno, incredibilmente più di un iPod.

È la storia di un’amicizia, quella tra il tenore Placido

Domingo e la soprano Birgit Nilsson, e di un premio
da un milione di dollari consegnatogli dal Re di Svezia

PLACIDA MENTE Center Honors» del governo statunitense, la Legione d’Onore

francese, il titolo di Cavaliere Onorario dell’Impero Britannico,
la Laurea ad honorem dell’Università di Oxford e il Premio
Mikhail Gorbachov per le cause umanitarie.
È stata la stessa Nilsson, prima di morire, a decidere che il
primo vincitore del premio a lei intitolato fosse il celebre tenore,
amico e direttore d’orchestra spagnolo Placido Domingo.
«Desiderava onorare uno dei più grandi cantanti lirici di tutti i
tempi; un artista che ha saputo offrire un contributo senza egua-
li alla musica operistica e concertistica», ha spiegato Rutbert

IL 13 ottobre 2009 il Maestro Placido Domingo ha ricevu-

to, dalle mani di Re Gustavo di Svezia, il premio di un
milione di dollari assegnato ogni due o tre anni dalla
Fondazione Birgit Nilsson, un premio tra i più alti mai conferiti
nella storia della musica classica, quasi un Nobel, attribuito pro-
babilmente a uno dei maggiori tenori della storia contempora-
nea. A render solenne l’evento c’erano, oltre alla Regina Silvia
con la famiglia reale al completo, numerose personalità del
mondo musicale ‘colto’, operistico e lirico, tutti a corte del gran-
de Domingo.
Tra discorsi ufficiali, brani di opera eseguiti dalla soprano
Nina Stemme con l’orchestra reale svedese e filmati tratti
dall’Otello e la Turandot, la cerimonia ha dato anche occasione
al tenore di ricordare la Nilsson: «Provo tanta emozione, ma
anche tristezza e rimpianto per una grande artista, una donna
che ha certamente influenzato la mia carriera».
Placido Domingo ha attraversato tutta la storia della concerti-
stica, fin da quel febbraio del 1969 quando al Metropolitan di
New York si trovò a duettare proprio con il soprano Birgit
Nilsson: due voci dalle straordinarie qualità artistiche, unite dal
lavoro e dall’amicizia. Per questo un cenno deve andare, qui, a
lei (1918-2005), che esordì all’Opera di Stoccolma nel 1946. La
sua carriera internazionale ebbe inizio nei primi anni Cinquanta
con i debutti a Glyndebourne, Bayreuth, Vienna e Monaco di
Baviera, a cui ne seguirono altri, pochi anni dopo, in America del
Nord e in America Latina. La sua apertura della stagione 1958
alla Scala di Milano nei panni di Turandot, il suo debutto come
Isotta presso il Metropolitan di New York nel 1959 e le sue esi-
bizioni nei ruoli di Isotta e di Brunilde nelle produzioni di
Wieland Wagner a Bayreuth, sono considerate pietre miliari della
sua carriera e della storia della lirica. Lasciò le scene nel 1982.
Di leggenda si può già parlare in vita anche per Placido
Domingo, uomo cordiale, estroverso, sorridente, amabile con
tutti ma duro e rigoroso con se stesso, considerato a ragione dai
critici e dalla stampa un tenore inarrivabile, per potenza ed ele-
ganza. Una carriera stupenda, ma non senza problemi e momen-
ti drammatici, soprattutto negli anni delle difficoltà economiche,
con una moglie (la soprana Marta Ornelas) anche lei impegnata
nel ‘Bel canto’ e un figlio da crescere.
«Studiavamo ore ed ore, ogni giorno. Dovevamo fermarci a
Tel Aviv sei mesi e ci restammo quasi tre anni. La nostra vita era
miserrima, 330 dollari al mese in due. I soldi ci bastavano appe-
na per sfamarci. Non potemmo mai permetterci uno svago, un
capriccio», ha raccontato Domingo in un’intervista al giornalista
Renzo Allegri. Tanto studio, assoluto impegno, fede e rinuncia,
fino all’agognato e meritato successo planetario. 130 i ruoli ope-
ristici sostenuti, più di qualsiasi altro artista. Nel 2009 sono esat-
tamente 40 gli anni che separano Domingo dalla sua prima esibi-
zione al Metropolitan, dove ha poi inaugurato la stagione per ben
21 volte.
Eccellenza artistica e professionale, testimoniata non solo
dalla straordinarietà del suo repertorio e della sua carriera operi-
stica, ma anche dai risultati ottenuti come direttore d’orchestra,
amministratore, responsabile di iniziative umanitarie e ideatore
di concorsi e programmi per giovani artisti, vanta innumerevoli
onorificenze, tra cui la «Medal of Freedom» e il «Kennedy
Reisch, presidente della Birgit Nilsson Foundation. «Attraverso
la scelta del primo vincitore, Birgit Nilsson ha voluto sottolinea-
re come lo scopo del premio da lei istituito sia il riconoscimento
dell’eccellenza nell’arte dell’esecuzione musicale».
Un premio immaginato dalla mirabile soprano svedese quale
riconoscimento formale e materiale dedicato a tutti quegli artisti
che si sono distinti come cantanti nel campo dell’opera, del con-
certo e dell’oratorio; come direttori d’orchestra nel campo del-
l’opera e del concerto; o come produzione specifica di una com-
pagnia operistica, a condizione che questa produzione sia realiz-
zata e diretta in modo magistrale e, soprattutto, che venga rappre-
sentata nello spirito del compositore.
Una serata di metà ottobre indimenticabile, quella alla Royal
Opera House di Stoccolma, in cui un commosso e solare Placido
Domingo ha ricevuto uno dei premi più ‘consistenti’ della storia
della musica classica, ma anche un abbraccio caloroso da parte
di un’amica dalla voce indimenticabile. Investirà la vincita in
giovani artisti, consolidando il concorso per voci nuove
«Operalia» da lui fondato anni fa. A chi gli ha chiesto quali fos-
sero le registrazioni discografiche che preferiva dell’amica
Nilsson, il tenore ha risposto: “Una delle mie preferite di tutti i
tempi è ‘In questa reggia’, ma il disco non regge assolutamente
il confronto con il suono che ho sentito cantando insieme a lei».
Una storia d’amicizia che sfida il tempo e la sorte, dunque,
incompiuta teoria di voci svolta ‘in un tempo di favole’ dove
sempre cantando, come recita la Turandot di Giacomo Puccini:
«... In gioia pura, sfidasti inflessibile e sicura l’aspro dominio e
oggi rivivi in me!». (Flavio Fabbri)
Music In ! Novembre-Dicembre 2009
ORCHESTRA J FUTURA Opere per robots Una macchina
non è una macchina, un robot non è un robot, un uomo non è
uomo. Ma tutti suonano, e sognano di diventare musicisti
! CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA
Robot che suonano e un’opera pensata per automobile e orchestra: ma riusciremo a convivere davvero con
il rumore tecnologico, le spigolosità, le superfici metalliche, le densità gassose di scarto della nostra band?
(...) A Kourliandski
ncora oggi, grazie ad artisti come Dmitri
e Suguru Goto, è possibile
immergersi in ambienti negativi e rabbiosi.
La Biennale di Venezia 2009 ce ne ha dato la possibilità
quest’anno, ospitando alcune delle più rare performances
musicali di questi tempi, al limite tra sperimentazione e
provocazione, tra avanguardia e creatività: «Il Corpo del
suono», un’arca musicale su cui sono saliti 73 compositori
da tutto il mondo - Stati Uniti, Giappone, Germania,
Svezia, Russia, Norvegia, Grecia, Belgio, Svizzera, Serbia,
Cile, Francia, Spagna, Italia - per 87 esecuzioni, con 26
novità di cui 16 assolute, distribuite nell’arco di 9 giorni.
Nove puntate di un libro fantastico, fatto di installazioni,
incontri, laboratori e convegni, in cui si parla di corpo e di
sue estensioni, di ‘body and machine’, di tentativi di fon-
dere le due dimensioni plurime attraverso la comunicazio-
ne emotiva, quindi la musica principalmente.
Niente di nuovo, in fin dei conti, se non un ritorno a
determinate sensibilità che hanno fatto la storia dell’arte e
dell’espressione artistica: futurismo o dadaismo, tanto per
iniziare. Due volani culturali epocali che hanno trasporta-
to, con le macchine e con la fantasia, l’essere umano avan-
ti di 100 anni rispetto alla tabella di marcia degli ultimi mil-
lenni. Dal momento che la tecnologia ha fatto ingresso
nella società degli uomini con essi s’innesca un rapporto
indissolubile, fatale, appassionante, moltiplicante potenzia-
lità insite e ignote. Ma questa domanda non se la sono pro-
prio posta i primi pionieri
della musica-macchina, del
rumore come sinfonia del
futuro, della musica con-
creta od elettronica.
Un primo esempio di
estemporaneità espressiva
e musicale è la Robot
Music di Suguru Goto,
eclettico artista giapponese
affascinato dalla robotica,
dai new media, dalla possi-
bilità di interagire con le
macchine e dalla loro
improbabile attitudine alla
musica e alla lettura delle
note. Tant’è che i suoi
‘musicisti artificiali’ si
sono cimentati con stru-
menti percussivi, sugge-
rendo lampi di luce colora-
ta e ritmi stravaganti.
Anche i Robot suonano, sentono o si emozionano? Anche
loro sognano di diventare dei musicisti? Una cosa è certa
secondo Goto, già noto per l’invenzione della ‘body suite’
(tuta digitale per danzatori in grado di produrre musica a
partire dai movimenti): la musica delle macchine (fatta
dalle e con le macchine) è l’inizio di una nuova forma
espressiva del suono, per capacità esecutive infinitamente
più grandi delle nostre: «Un giorno presenterò un’intera
orchestra di robot che non si stancherà mai di suonare».
Oltre a due computer e un programma musicale che
garantisce interazione continua con l’ambiente, è stato il
pubblico a dare l’input finale con un ‘click’ del mouse. Un
omaggio al genio musicale e all’ardore futurista di
Giovanni Russolo forse, ma che non ha convinto fino in
fondo il pubblico del teatro. Certo è che presto dovremo
abituarci al fatto che le macchine faranno parte integrante
della nostra vita, assolutamente più di adesso e in modo
decisamente diverso; esse saranno più autonome, interatti-
ve e vogliose di comunicare con noi, anche suonando.
Riusciremo a convivere davvero con il loro ‘rumore’ tec-
nologico, con le loro spigolosità, le superfici metalliche,
con le loro densità gassose di scarto?
Chi ha avuto la fortuna di assistere all’altra grande per-
formance Emergency Survival Guide, di Dmitri
Kourliandski, eseguita in prima assoluta e commissionata
proprio dalla Biennale, probabilmente potrebbe dire la sua
anche su queste tematiche complesse. Un’opera pensata e
realizzata per automobile e orchestra: una Porsche 2000
del 1976 e la meravigliosa Orchestra J Futura. Quale
migliore cornice sonora poteva accogliere le opere in pro-
CLASSICA
MENTE
GARR Oggi Lola non è solo un/a amante dei Kinks ma un
sistema audio visuale di LOw LAtency che consente a più
musicisti di suonare insieme essendo fisicamente lontani
IL ROBOT ESSERE di FLAVIO FABBRI
CHE
VOLEVA
SUONARE
UBIQUI
gramma di Ansgar Beste, Edgar Varése e Georges Antheil,
se non il rombo universale di una Porsche accompagnato
da clacson, frecce, tergicristalli e luci? Nessun’altra, è Il Conservatorio di Musica Giuseppe Tartini di Trieste
ovvio, perché si parla qui di lavori leggendari, come il e la New World Symphony di Miami, collegatisi
Ballet mècanique del 1924, pensato per 16 tastiere mec- in streaming con le istituzioni musicali del Texas, di Seattle,
caniche sincronizzate, 2 pianoforti con pianisti dal vivo, di Yale e di Barcellona, hanno dimostrato l’efficacia
percussioni (3 xilofoni, 4 grancasse, 1 gong, incudini), 3
eliche d’aeroplano di dimensione e materiali diversi, 7 dei nuovi sistemi EchoDamp e Lola sulla trasmissione sonora
campane elettriche e, incredibile per il tempo, il clacson.
Ma c’è anche Hyperprism del 1923, composizione basa- di Flavio Fabbri
ta sull’idea di scomporre i suoni come il prisma con i colo-
U
ri, isolandone i singoli componenti tra frequenza, durata e na grande opportunità per e complesse apparecchiature per
intensità. Qualcosa che non fu capita, perché nuova, trop- quanti sono coinvolti nella gestione audio di una sala concerto
po presto svelata e che per questo ha dovuto pagare lo produzione di eventi arti- o di un intero teatro, in grado di eli-
scotto di un senso comune della melodia vecchio e in crisi: stici e musicali, una grande speran- minare echi ed effetti indesiderati
«Non è troppo presto, ma forse troppo tardi», amava affer- za per i molti che stanno faticosa- che le lunghe distanze sulla rete
mare tristemente Varése. mente emergendo dall’anonimato e causano nella gestione dell’audio.
Dimensioni estreme del pensiero e dell’esecuzione che vedono nel progresso tecnolo- Per meglio calarsi nella dimensio-
musicale, senza ritegno alcuno, dedicate a spostare in gico dei prossimi anni una reale ne digitale e multimediale del con-
avanti le lancette del tempo, vecchie pratiche e tronfi orgo- chance professionale. Ad alimenta- vegno sono stati effettuati diversi
gli neoclassici, ma così intense che solo per un attimo re questo bagaglio di aspettative è collegamenti streaming con eleva-
hanno lasciato passare un po’ di luce dal piano orizzonta- stato il Garr, l’Associazione che tissima capacità di banda tra il
le del futuro. Sonorità ottenute da materiali eterodossi per gestisce la Rete Italiana Conservatorio di Musica G. Tartini
il panorama classico, come pettini, vetri, polistirolo, cam- dell’Università e della Ricerca che, e gli Stati Uniti: due dimostrazioni
panelli, sirene e motori d’aereo. Gli oggetti ritrovano uno in un incontro (il «Terena- con la New World Symphony
spazio fisico riempiendo uno straordinario teatro cinque- Internet2-Garr: Performing Arts (NWS) di Miami, una con la TCU
centesco, da cui poi si elevano a musica con un arsenale di Production Workshop») tenuto School of Music del Texas e la
inusitati e sorprendenti presso il Conservatorio di Musica Washington University di Seattle,
effetti percettivi. Giuseppe Tartini di Trieste, ha pre- un’altra con la Yale School of
Qui, tra autentiche aurore sentato al pubblico due novità tec- Music e un’altra ancora con il
boreali sonore, trova posto nologiche importanti - EchoDamp Grand Teatre del Liceu di
reale il gesto nuovo di e Lola (LOw LAtency audio visual Barcellona, durante le quali i parte-
Kourliandski, la sua «musi- streaming system) - che consento- cipanti hanno avuto l’occasione di
ca oggettiva» e il suo «cata- no la prima di controllare l’audio e ascoltare in altissima qualità brevi
strofismo tecnologico». l’eco in modo integrato e digitaliz- performance eseguite da archi, pia-
L’artista russo pensa i musi- zato; la seconda di ottenere flussi noforte e fagotto, oltre a qualche
cisti e i loro strumenti come streaming audiovisivi ad alta defi- minuto dell’opera La Cenerentola
parti di un oggetto monoliti- nizione, con latenze infinitesimali di Gioachino Rossini.
co, impegnati a suonare tali da garantire performance musi- Il Garr è stata la prima rete euro-
‘tutti’ dall’inizio alla fine, cali e artistiche di qualità mai rag- pea dell’Università e della Ricerca
come un unico meccani- giunta prima. a collaborare in quest’ambito con
smo. Nella sua musica non Fino ad oggi per due musicisti Internet2, consorzio non-profit di
c’è maestro né esecutori, c’è che avessero voluto esibirsi da 207 tra università, imprese e fonda-
solo un bottone da premere ‘luoghi’ diversi, ma in una stessa zioni, che sviluppa tecnologie e
per far partire una macchina esecuzione musicale, non c’era applicazioni avanzate per la rete e
in grado di suonare la com- altra via se non la tecnologia Dvts, per trasferimenti ad alta velocità
plessità non robotica del- che permetteva interazioni multi- negli Usa. L’idea animatrice e la
l’anima. Concetti difficili e mediali e video a lunghe distanze, speranza latente di questa prima
semplici allo stesso tempo. ma con latenze enormi dell’ordine edizione europea è stata quella di
Oggi viviamo l’era del digitale e della riproduzione infi- di 400 millisecondi. Oggi, con immaginare la nascita di una
nita di un brano, del premi e scrolla sul mouse, nelle molte- Lola, si può scendere a 30 millise- comunità più ampia di utenti e arti-
plici forme del remastering e del mixaggio, ma oltre condi, su distanze di centinaia di sti, che possa beneficiare dello
all’aspetto tecnico e tecnologico c’è assolutamente una chilometri. Praticamente suonare scambio di esperienze e costruire
dimensione spirituale che subisce un’accelerazione eccezio- insieme essendo fisicamente lonta- nuove e più strette collaborazioni
nale. Diceva Kourliandski: «Un oggetto trasferito dal ni, molto lontani. «Un sogno nato tra i protagonisti del settore musi-
mondo materiale allo spazio artistico diventa un’immagine, nel 2005, assistendo alla prima cale e, più in generale, delle arti
da vedere o da ascoltare, esattamente come la pipa di MasterClass intercontinentale alla espressive in Europa. La tecnologia
Magritte non è assolutamente una pipa». Una macchina Conferenza Garr e oggi finalmente viene qui a mostrarsi come possibi-
non è una macchina, quindi, un robot non è un robot, un realizzato qui dal nostro lità e opportunità di fare musica,
uomo non è un uomo, ma tutti insieme sono dei suoni e suo- Conservatorio», ha dichiarato buona musica, senza limiti geogra-
nano. Un punto di vista non significativamente definitivo, Massimo Parovel, direttore del fici e temporali, grazie a piattafor-
ma segnato dal senso transitorio di una dimensione musica- Conservatorio di Musica di Trieste. me digitali di alta qualità, diffuse,
le temporanea e caratterizzata dall’esigenza e dal caso, una L’utilizzo di EchoDamp, unita- orizzontali, culturalmente ‘open
‘situazione’ tipica dell’Orchestra J Futura. mente alla piattaforma Lola, con- source’, effettivamente aperte a
Un compito per molti sicuramente ingrato, ma per tanti sente un processo d’integrazione nuove soluzioni ed applicazioni, in
altri davvero imperdibile, ricco di bizzarrie filosofiche, tec- delle funzioni di un singolo com- cui le prossime generazioni possa-
nologiche, poetiche, musicali e artistiche. Qui si è ritrovata puter, equivalente oggi alle costose no affacciarsi concretamente.
e ha incantato l’Orchestra J Futura, composta da giovani di
età compresa tra i 18 e i 30 anni. ‘J’ sta per Jeunesse, Junior,
Juventud, ma anche Joy, Jump, Joke, Juego, e rappresenta
un modo per rapportarsi al mondo, agli altri e alla vita attra-
verso un complesso di idee portatrici di grande versatilità
stilistica ed esecutiva. Le stesse da cui discende la sensibi-
lità artistica e la caparbietà imprenditoriale di Paola Stelzer,
fondatrice dell’Orchestra, accompagnata in quest’avventura
dal direttore artistico e co-fondatore Maurizio Dini Ciacci.
‘Futura’, infine, sta proprio per tutto ciò che ancora avre-
mo modo di aspettarci dal mondo della musica ‘colta’ in
trasformazione digitale ed espressiva irreversibile.
 BEY&further
OND Music In ! Novembre-Dicembre 2009

GIANLUCA PELLERITO Ha 15 anni, NAKED MUSICIANS Sono folli CARMINE TORCHIA Piazze
a cura di ROMINA CIUFFA
una batteria, nell’iPod la scaletta del suo creatori rapiti dalla lucida forza d’Italia Il diario di una strampala-
prossimo concerto e un po’ di Frank Sinatra emotiva di un collettivo siciliano ta discesa nell’Ade della musica

! CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA a cura di NICOLA CIRILLO

LITTLE DRUMMER BOY

Pa rum pum pum pum.
Gianluca Pellerito è un piccolo tamburino,
a soli 15 anni si è già esibito a New York e,
per la ricreazione, ha amici davvero «grandi».
Quando «play» vuol dire davvero due cose

(...) G ianluca Pellerito si prepara a diventare la nuova stel-

la italiana del jazz. Un adolescente, con amici così,
a ricreazione pensa al futuro in modo diverso dai
suoi coetanei. Tra i prodigi, come lui, oggi c’è lo sbalorditivo e
altrettanto piccolo Igor Falecki, polacco di 6 anni, i cui video già da
qualche anno popolano la rete; ieri c’era il pugliese Michelino Uli,
che a 4 anni debuttava in un live al Kandysky di Foggia con un
grande solo di batteria. Ma ora, davanti a noi, c’è Pellerito.
Gianluca, la tua biografia ufficiale dice che suoni da quando
avevi 4 anni. Ci spieghi come è accaduto?
È stata un’enorme fortuna. Mi sono ritrovato in casa la batteria di
mio padre, che suonava da autodidatta. È cominciata così. A 8 anni
ho partecipato alla Berklee Summer School at Umbria Jazz Clinics
e sono entrato nel circuito del Berklee College of Music di Boston.
Quando sono tornato a Palermo, a 10 anni, alla scuola di musica
internazionale mi hanno accolto a braccia aperte.
I tuoi genitori sono musicisti?
No, mio padre suonava la batteria solo da autodidatta. Mia madre
ascolta tanta musica da sempre, e la mia sorellina più piccola balla
da quando aveva 5 anni. Ora ne ha 10.
Che genere si ascolta in casa?
Funk, jazz e latin. Io preferisco la latin e la funk, ma da quando
sono andato alla Berklee ho cominciato ad apprezzare il jazz, che
è la madre di tutti gli altri generi. Io non sono pop e non sono rock.
Il rock non lo apprezzo, il metal neanche: è pesante e non ho
pazienza nell’ascoltarlo.
La tua popolarità sta crescendo. Forse anche grazie alla tua
presenza nella trasmissione di Fiorello.
È stata l’esperienza più bella della mia vita, grazie alla quale ho
conosciuto Michael Rosen, una persona fantastica, un grande
musicista e un amico. Ed ora anche il mio direttore artistico.
Chi sono i tuoi fan e cosa ti chiedono?
Molti coetanei. Un commento che mi ha colpito, pubblicato di
recente su un social network, diceva: «Non smettere mai di suona-
re». Non me lo aveva mai detto nessuno. Per ora nessun feedback
negativo: temo commenti
non veritieri. Un po’ me la
prenderei. Penso di essere
umile: a scuola non si parla
Michael Rosen; Giuseppe Milici, grandissimo armoni-
cista; Michael Eknasten al pianoforte e Marco
Panacia al contrabbasso. So che dovrò tornare ma
ancora non so quando. C’è gente che pensa che quan-
mai della mia attività musi- do vado via a suonare me ne frego della scuola. Invece
cale, anche se tutti lo sanno no: quando torno devo studiare il doppio.
e fanno il tifo per me. Qual è il tuo genere preferito?
Cosa studi? Ascolto il mio gruppo preferito, gli Incognito, ma
Secondo anno di liceo anche il jazz puro, soprattutto i grandi padri come
classico. Ho bei voti e le Charlie Parker, Duke Ellinghton, Charles Mingus.
mie materie preferite sono Cos’hai ora nel tuo Ipod?
storia e italiano. La scaletta del mio prossimo concerto e un po’di Frank
Come è il rapporto con i Sinatra. A differenza dei miei coetanei non lo ritengo
tuoi compagni? un pezzo d’antiquariato. Lo swing è molto piacevole.
Sono molto «amiciaro», Quali sono i tuoi modelli, chi ammiri?
come si dice a Palermo. E Peter Erskine, uno dei miei batteristi preferiti; con lui
questa è una delle poche cose che so in siciliano, che non conosco. ho suonato il 31 luglio al Teatro di Verdura di Palermo nel «Three
E come vive a Palermo un giovane musicista? Drums Show», accompagnati dall’Orchestra della Fondazione The
Io ci vivo benissimo. Davvero, non ho nessun tipo di problema. Brass Group. Il terzo «drum» era Alex Acuna: di lui mi affascina la
Credo che Palermo sia una città bellissima, ma non soddisfa tutte capacità di poter suonare benissimo sia la batteria che le percus-
le mie aspirazioni. Vorrei diventare un batterista di livello interna- sioni. È una cosa che piacerebbe poter fare anche a me. Ci sono
zionale e in questo la mia città non può aiutarmi per niente. Dopo altri due batteristi che adoro: Dave Weckl e Steve Gadd.
la maturità verrò a Roma, una città che mi piace moltissimo e che Se non avessi trovato una batteria in casa, cosa avresti suonato?
mi dà la possibilità di crescere nella musica. Ci sono molti posti Per il momento penso solo alla batteria. Sicuramente non la tastie-
dove poter studiare bene, poi andrò all’estero. ra, anche se la studio per una formazione a livello personale.
I tuoi «friends» sono tutti più grandi di te... L’unico strumento che mi potrebbe attirare adesso è il sassofono.
Io non ho mai suonato con dei miei coetanei. Proprio mai. Cosa hai sacrificato per la musica?
Ti sei mosso spesso per suonare? Niente. Forse un po’ di gioco, ma la musica per me è anche gioco.
Suono soprattutto a Palermo. Certo più grande divento, più le date A cosa pensi prima di salire sul palco?
crescono e più mi dovrò muovere. La cosa che faccio sempre è il segno della croce. Può sembrare
Lo scorso 8 luglio, a New York con il tuo Quartet, sei stato ospi- strano ma è vero. Sono cattolico e credente e prego sempre che il
te dell’ Istituto Nazionale di Cultura: il più giovane musicista Signore mi accompagni. È una cosa che faccio da sempre.
italiano a suonare a Park Avenue. Vero?
Un grande sogno che si è avverato, perché desideravo vedere la Proprio come nel popolare canto natalizio, quando il little drum-
città. Anche se ho fatto un solo concerto mi sono trattenuto una set- mer boy, povero e senza doni, decide di regalare al suo piccolo Dio
timana e mezzo. L’ho presa come una vacanza. Lì ho suonato con un concerto. E quegli gli sorride: a lui e al tamburino.

NAKED
IMPR CARMINE TORCHIA
OVVI
di Luca Bussoletti

BARBONE
SARE Quella che sembra la degenerazione
di un artista in barbonaggio

MUSICIANS di Flavio Fabbri

è in realtà il ritorno fulgido
all’essenza reale di questo mestiere
di una jeep ma con i treni, non tra i bao-
bab del Kenya ma nelle piazze nostra-
Naked perché sono corpi, poliformi, aperti, porosi, bianchi, neri, rossi e gialli. ne. Apre la custodia della chitarra e
Tutta carne da macello e del perché è impossibile che l’uomo sia atterrato sulla Luna canta. La gente si ferma e si stupisce. E
gli compra i dischi. Con la cacciagione
della giornata ci si paga un albergo e da

C i sono tanti modi di dare nome a un buon

disco, ma ‘Carne da cavallo’ è più una defi-
nizione che un semplice titolo. I Naked
Musicians, d’altronde, non sono un gruppo
musicale tradizionale, o per meglio dire norma-
le, visto che nel nome che hanno scelto si fon-
dono tradizioni lontane, metafore accattivanti e
sapori antichi della terra di Sicilia. Naked?
Perché sono corpi, poliformi, aperti, porosi,
bianchi, neri, rossi, gialli. Vivi come il sangue,
la luce, il sole, la terra e la carne degli emisferi
meridionali del mondo.
L’uscita del loro terzo lavoro, Emiliano
Culastrisce, ne è stata la dimostrazione antropo-
logica ed etnomusicale di come all’evoluzione
delle idee segue necessariamente la trasforma-
zione della musica e la trasposizione di un con-
cetto di arte, da verticale a orizzontale, da chiu-
so ad aperto, da selettivo a contaminato.
Il gruppo di artisti, prodotti dalla vivace eti-
chetta siciliana Improvvisatore Involontario
che conta ormai oltre 30 membri tra Roma,
Bologna, Venezia, Udine, Parigi e New York,
ha scelto inequivocabilmente la strada del-
l’improvvisazione e della performance teatral-
musicale certamente, ma nel delirio delle per-
cezioni visive, uditive e cromatiche del corpo
improvvisatore che si agita tra scrittura, lettu-
ra, musica, design, video e fotografia.
Un fronte ‘teatral-visual-performativo di
jazzisti rinomati e rocker rampanti, disturbato-
ri d’ogni sorta e voci angeliche’ (si definisco-
no), in cui la musica si assaggia come fosse
carne di cavallo, da macello anche, esposta al
pubblico, che si narra, si fa notizia, luce,
immagine, urgenza comunicativa.
Un lavoro che segue i precedenti A sicilian
way of cooking mind (2004) e Antivatican
Coalition against the Hippies Resistance
(2008), che vede ancora il poliedrico batteri-
sta-compositore-presidente-fondatore
Francesco Cusa dirigere 24 musicisti senza
partitura o note, in preda all’improvvisatore
esaltato, lanciati in un progetto originalissimo
e avanguardista: una conduction: «Un sistema
non convenzionale di direzione semiotica in
cui si utilizzano dei simboli appositamente
creati», un piano espressivo dettato diretta-
mente da uno sguardo destro derivato dalla
tradizione jazzistica e uno sinistro da quella
cameristica e colta.
Si dice «free jazz», ma è fatto anche con
violoncello, clarinetto, pianoforte, tromba,
contrabbasso, viola, chitarra e se non bastasse
ci sono anche gli electric live, i videosaxopho-
nics e i visuals. Ci sono Biagio Guerrera,
Riccardo Pittau, Mauro Schiavone, Carlo
Natoli, Toni e Carlo Cattaneo, Maurizio
Morello e tanti altri artisti-musicisti, che non
sono (solo) dei folli, ma creatori e innovatori
rapiti dalla lucida forza emotiva di un colletti-
vo siciliano entrato a far parte della grande
famiglia dell’Improvvisatore Involontario,
uno degli attori più interessanti della scena
delle etichette e dei collettivi indipendenti ita-
liani. Giustappunto, nessuno di prevedibile.
S e non v’interessa morire di televoto
e pochi mesi dopo morire artistica-
mente, vuol dire che forse ancora
credete nel peso delle canzoni originali.
Sicuramente crede nelle sue creazioni
Carmine Torchia, artista che dal
MySpace ha iniziato un lungo viaggio di
note che lo ha fatto passare dai click da
social-network ai la maggiore dei concerti.
Il cantautore calabrese è d’animo nobile e
i suoi brani ne sono uno specchio pulito.
C’è gentilezza e ricercatezza. Non c’è
voglia di urlare né di apparire. È eviden-
te da subito che il percorso promoziona-
le per dare un senso alla sua carriera
debba essere altro da quello che predilige
la major. Spenta la tivù Carmine accende
il computer. Fino a qui è storia di molti.
Il risvolto degno di nota, però, è che
poi anche il computer si spegne magica-
mente. Forte di un pubblico creato attra-
verso la rete, il pescatore Torchia infila i
piedi nell’acqua per toccare con mano i
pesci finiti nella sua tonnara dolce. Non
c’è sangue però, ma l’amore della gente
che esce di casa e si infila nei piccoli loca-
li di tutta Italia per ascoltare dal vivo
Trema la foglia e tu e L’astrologo. Ma non
basta. Il cacciatore imbraccia un fucile a 6
corde e si getta nella savana. Non a bordo
mangiare e via verso una nuova città.
È una scelta atavica, quasi nostalgica,
ma allo stesso tempo moderna e corag-
giosa. Carmine Torchia tiene un diario
di questa strampalata discesa nell’Ade
della musica: Piazze d’Italia consente a
tutti di scoprire che quella che a molti
sembra la degenerazione di un artista in
barbonaggio è in realtà il ritorno fulgi-
do all’essenza reale di questo mestiere.
In fondo scriviamo canzoni e le can-
tiamo in giro. Nulla di più. «Ho compre-
so che quando non si muovono le cose intor-
no a te, devi muoverle tu», commenta il
musico nel frontespizio del libro. Così il
Maometto Carmine ha girato nelle sue
scarpe su e giù per la penisola (o mon-
tagna, se vogliamo rimanere nella meta-
fora) e nel frattempo ha scritto, ha dise-
gnato, ha studiato, ha vissuto.
Ora è tornato a casa e forse il compu-
ter lo riaccenderà, ma con la dimostra-
zione pratica - messa su carta stampata
- che il pubblico che si crea attraverso il
web, se coltivato con i concerti, è un
pubblico reale. Più reale di chi preferi-
sce schierarsi con la squadra blu o con
quella rossa pur di non uscire dalle
quattro mura della propria sicurissima
prigione... scusate, volevo dire casa.
Music In ! Novembre-Dicembre 2009
COORDINAMENTO NAZIONALE PER L’ALTA FORMAZIONE MUSICALE Sta per MICHEL AUDISSO Docet
nascere la TAV della didattica della musica jazz, una linea ad alta velocità con tappe: Civici Corsi Parigi, Verona, Roma, Brindisi,
di Jazz di Milano - Fondazione Siena Jazz - Saint Louis College of Music di Roma e Brindisi.
LATAVDELJAZZ
DI PAOLO ROMANO
In Europa si sta definendo l’impianto didattico dell’Alta formazione musicale e, con esso,
quello inerente il Jazz. Un sistema di curricula didattici leggibili e comparabili, processi di
verifica e percorsi formativi trasparenti e svolti nella piena condivisione dei risultati di appren-
dimento attesi, tra l’altro, sono necessari per creare standard riconoscibili e misurabili. A ciò
sono particolarmente attente tre istituzioni private: il Saint Louis College of Music di Roma,
i Civici Corsi di Jazz di Milano e la Fondazione Siena Jazz, che oggi creano il Coordinamento
nazionale delle Scuole dell’Alta formazione jazzistica. E chi c’è, c’è. A Faenza, Palazzo delle
Esposizioni, venerdì 27 novembre 2009, la Jazz Convention «L’Alta Formazione Jazzistica
nelle Istituzioni pubbliche e private in Italia: obiettivi comuni e collaborazioni».
A
lle 10.10 di una tiepida mattina romana d’ot-
tobre un’agenzia di stampa che recita nel
titolo «Il meeting degli indipendenti apre al
Jazz» scuote il vostro annoiato redattore, che
ancora impigrito la legge, quella e le altre che di
là a pochi minuti inizieranno a tamburellare sul
monitor. Niente male: la notizia, per una volta,
c’è ed è di quelle di cui è bene parlare, di quel-
le di cui c’è, in qualche misura, bisogno.
Approfondisco un po’ ed eccoci a raccontarlo ai
nostri lettori. Di che si tratta?
Sta per nascere, per così dire, la TAV della
didattica della musica jazz, una linea ad alta
velocità che parte dai Civici Corsi di Jazz di
Milano, passa per la Fondazione Siena Jazz e
arriva a Roma al Saint Louis College of
Music. E mentre parte l’alta velocità di alcuni
dei più prestigiosi istituti di formazione jazzisti-
ca nazionale già dotatisi delle adeguate «infra-
strutture», i pachidermici benemeriti
Conservatori (ingessati in una soffocante buro-
crazia autoreferenziale e in programmi che per
vetustà annoierebbero Orlando di Lasso) conti-
nuano felici a viaggiare sullo scarto ridotto,
accumulando ritardi davvero imperdonabili e
chiusure a stento giustificabili.
Un po’ di storia: dieci anni fa a Bologna si
incontrarono ben 29 ministri e dirigenti del-
l’istruzione da tutta Europa; definirono un per-
corso attraverso il quale armonizzare i sistemi
di istruzione superiore, spesso disomogenei tra
loro, e arrivare alla creazione di uno standard
qualitativamente misurabile attraverso il quale
agevolare lo scambio culturale, la formazione e
i percorsi di accesso alle professioni. La musi-
cale compresa. Provate a indovinare qual’era la
nazione con il maggior deficit da recuperare per
varietà dell’offerta formativa, programmi e cicli
di studio in tutta Europa? No, non era la
Grecia... poveri noi.
Insomma, queste linee guide, filtrate poi nel
gergo comune come Dichiarazione di Bologna
e ancora parzialmente ignorate dai tanti gover-
ni che si sono succeduti (è sempre bene non
investire denari pubblici per progetti solidi di
formazione superiore, o no?), hanno costituito
il preambolo perché i tre suddetti istituti italia-
ni promuovessero tra loro un «Coordinamento
nazionale delle Scuole dell’Alta formazione
jazzistica».
Il Coordinamento ha individuato da subito
dei princìpi e delle linee guida chiare ed inequi-
voche per consentire, previa presentazione dei
requisiti richiesti, l’adesione di altri istituti
dello stesso genere. Come dire, un protocollo
ISO con obiettivo la realizzazione di program-
mi didattici condivisi e comparabili per conse-
guire l’eccellenza degli studenti, l’interscambio
professionale dei giovani musicisti diplomati
presso le istituzioni facenti parte del coordina-
a passo di danza e sax
mento stesso e la creazione di uno schema for-
mativo utile ad individuare il riconoscimento di
titoli congiunti fra gli associati.
Detto fuor di tecnicismi, con poca diplomazia
e un tocco di politica: si verrà a formare una
importante lobby (uh, che scandalo, le lobbies
che nel mondo anglosassone sono addirittura
agevolate e favorite dalla legge) che porrà le
fondamenta per un riconoscimento, anche nor-
mativo, degli istituti d’eccellenza nella forma-
zione musicale jazzistica.
E il panorama che si va delineando, senza il
bisogno di essere delle grandi «cassandre» di
predittività, è quello di una progressiva erosio-
ne dell’autorità formativa dei Conservatori che,
a forza di non voler volgere lo sguardo alla real-
tà dei fatti, resteranno chiusi nella loro caverna
baronale, mentre opportunamente i risultati
conseguiti e tangibili delle istituzioni del
Coordinamento offriranno un solido percorso di
avviamento professionale ai giovani e talentuo-
si musicisti (che si suderanno un diploma degno
per davvero degli standard anglosassoni ed
internazionali).
Ed ecco perché l’alta velocità è già partita e
non nasce come un fenomeno «contro», ma nel
segno opposto della progettualità. Effetto: chi
fino ad oggi il dialogo l’ha rifiutato rischia di
trovarsi inesorabilmente al palo a stretto giro di
posta. Basta scorrere i princìpi costituenti del
Coordinamento nazionale per accorgersi quanto
il progetto sia strutturato: anche solo da un
punto di vista logistico gli istituti che vorranno
entrare a far parte di questo nuovo «sistema
didattico formativo» dovranno (oltre ad avere
tutte le certificazioni di agibilità lato sensu pre-
scritte dalla legge) impiegare un corpo docente
qualificato, avere la disponibilità di strutture
qualificate predisposte specificamente per la
musica jazz e fornire, di conseguenza, tutta la
strumentazione idonea per il corretto svolgi-
mento dei corsi jazz e soprattutto dovranno uni-
formarsi agli stardard qualitativi di verifica delle
competenze e abilità d’ingresso e di uscita dei
propri allievi.
Il Saint Louis College of Music, la Fondazione
Siena Jazz ed i Civici Corsi di Milano raccolgo-
no una sfida importantissima, alla quale si sono
andati preparando nel corso degli anni da un lato
maturando un’esperienza preziosa nel settore
della didattica jazz, dall’altro soffrendo tutti gli
effetti distorsivi legati alla difficoltà tutta italiana
di fare impresa, vuoi per la nefasta congiuntura
economica di medio-lungo periodo vuoi per la
giungla normativa ed impositiva vigente.
La buona, edificante notizia, allora, è la
seguente: in questo Paese c’è ancora qualcuno
che crede che investire nella formazione e
nella cultura può essere una gran buona idea.
E non lo dice solo, lo fa.
TRAINING
MICHELAUDISSO SECONDA PELLE
a cura di
Rossella Gaudenzi
il
privilegio di inaugurare la Stagione di
Balletto 2009-2010 della Fondazione
Arena di Verona spetta quest’anno a
Michel Audisso, autore delle musiche della
nuova produzione Seconda Pelle del coreografo
canadese di origine haitiana Hans Camille
Vancol, in scena il 7, 8, 13, 14 e 15 novembre al
Teatro Filarmonico. Polistrumentista e compo-
sitore francese residente in Italia da quasi 30
anni, vanta un’esperienza musicale diversificata:
jazz, musica leggera, spettacoli teatrali e danza
contemporanea. Fa da tempo parte del corpo
docente del Saint Louis di Roma come coordina-
tore della sezione fiati, docente di sax e direttore
della promettente, neonata, Marching Band.
«Non conoscevo personalmente Hans Camille
Vancol; mi ha contattato dopo aver apprezzato il
disco del 2004 Petits Voyages del gruppo che
dirigo, Escaping Strings, in cui un quintetto jazz
e un quintetto d’archi si affiancano in un connu-
bio di jazz, musica classica e sonorità elettroni-
che. Nel dicembre 2008 mi ha proposto di com-
porre le musiche per un balletto da rappresenta-
re nel giugno 2009. Baudelaire e Les Fleurs du
Mal, erano l’idea originaria, ho inizialmente
ricevuto delle poesie della raccolta; poi mi sono
concentrato sulla suddivisione del balletto in tre
atti: mattino, pomeriggio e sera».
Michel inizia a lavorare; poi incontra a Verona
il coreografo per definire due temi fondamenta-
JAZZ
CONTEST
I TALENTI
VANNO PREMIATI
I talenti vanno premiati. E quale miglior rico-
noscimento può ricevere un musicista che
non sia quello di suonare su un palco?
Questa è la filosofia che fin dalla sua prima edi-
zione nel 2008 ha ispirato il Jazz Contest, con-
corso per giovani jazzisti organizzato dal Saint
Louis College of Music. È per questo che i vin-
citori hanno avuto sempre più di un’occasione
per farsi notare. La prossima? L’European Jazz
Expo di Cagliari, che quest’anno premia la car-
riera di un ospite d’onore, Enrico Rava, e ascol-
ta esibirsi (il 22 novembre) Laura Lala e il suo
quartetto, vincitrice del Jazz Contest 2008, e gli
Ipocontrio, freschi di «incoronazione» al
Festival estivo di Atina Jazz.
Il meccanismo del concorso musicale è sem-
plice: l’iscrizione è gratuita e aperta a tutti quegli
artisti portatori di un progetto musicale originale
in stile jazzistico. Le selezioni avvengono duran-
te serate nei locali romani - nell’ultima edizione
sono stati ospitati dal Bebop Jazz Club di Roma,
ma per la prossima edizione si prevede una fase
eliminatoria in quattro città (Roma, Milano,
Siena, Brindisi), per dare più spazio ai gruppi
provenienti da tutta Italia - e arrivano alla fase
finale i gruppi selezionati da una giuria tecnica
formata da musicisti come Enzo Pietropaoli,
Maurizio Giammarco, Paolo Damiani, Bruno
a cura di ROBERTA MASTRUZZI
li ricorrenti nell’opera, di vaga ispirazione
all’Amélie di Yann Tiersen. I musicisti scelti
sono quelli degli Escaping Strings, il sound
degli archi è adatto al genere balletto. La confer-
ma dell’Arena di Verona arriva in estate.
L’impronta al balletto viene data dalle musiche
composte da Michel Audisso. Ha avuto quasi
carta bianca, poche linee guida: qualche indica-
zione sulla durata e sulla ritmica. Ma l’espe-
rienza del compositore legata alla danza ha
radici remote.
«Lavoro a contatto con la danza dal 1978,
quando a Parigi muovevo i primi passi in duo
con un amico ballerino -sax e danza-. Un paio
di anni dopo ho collaborato con la bravissima
Karine Saporta, divenuta celebre nella danza
contemporanea. L’arrivo in Italia è legato
soprattutto al jazz, ma al 1983 risale l’impor-
tante collaborazione con Virgilio Sieni. Nel
1995 torno a far parte delle orchestre, per 10
anni accanto alla compagnia di Aurelio Gatti
(La Fabula di Orfeo, Tango Eros, L’Orfeo dei
Pazzi). Oggi compongo per l’Arena di Verona:
una prova inattesa intensa e gratificante».
Seguirà a breve la produzione del disco delle
musiche del balletto Seconda Pelle, registrate
presso il Saint Louis Recording Studio per l’eti-
chetta Saint Louis Collection. Un nuovo genere
per l’etichetta, quello della musica per balletto,
che va ad ampliare un catalogo già in crescita.
Biriaco e giornalisti specializzati, come la stori-
ca penna di Adriano Mazzoletti. Al concerto
finale che si svolge nell’ambito dell’Atina Jazz
Festival accede anche il gruppo più votato dalla
giuria popolare, ovvero il pubblico presente alle
varie serate nei locali. Il premio per il vincitore
consiste nella possibilità di pubblicare un cd per
l’etichetta Saint Louis Jazz Collection e in un
contratto di management per un anno con l’op-
portunità di partecipare ad alcune tra le più
importanti manifestazioni jazzistiche.
Il Laura Lala Quartet è in studio per ultimare
le registrazioni di Pure Songs, dodici composi-
zioni originali incise con la partecipazione stra-
ordinaria al piano di Salvatore Bonafede. Gli
Ipocontrio, trio salernitano formato da Bruno
Salicone al piano, Franceseo Galatro al contrab-
basso e Armando Luongo alla batteria, sarà
invece impegnato in una serie di concerti che
culmineranno nella partecipazione al concerto
finale presso il Teatro comunale di Cassino nel-
l’ambito dell’Atina Jazz Festival 2010.
Il Jazz Contest non si ferma qui: per la prossi-
ma edizione prevede di allargare letteralmente le
sue frontiere, coinvolgendo nel concorso artisti e
festival europei, per dare alla competizione un
respiro assolutamente internazionale, come si
addice a chi è talentuoso. (Roberta Mastruzzi)
 speciale
1968 MANGIAR LA FOGLIA In questo contesto nacque il movimento «hippy», parola JOHNNY È il Sessantotto, taciturno in
gergale che stava a significare «uno che ha mangiato la foglia», in seguito ribattezzato un lucido silenzio riflessivo, perché cono-
a cura di ROMINA CIUFFA
«figlio dei fiori». Si distinse per costumi liberali e ampio uso di droghe, soprattutto LSD. sce il futuro e non glielo fanno dire
! CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA
HAMANGIATO68FOGLIE
Il «nostro ‘68» arriverà tardi. Solo negli anni Settanta quando, sotto la spinta politica dell’estrema sinistra, inizieranno le
contestazioni ai grandi del jazz classico. Count Basie, Duke Ellington, Stan Getz, furono accusati di «fascismo» e d’esser
«servi della Cia» da alcuni fra i più accaniti contestatori che frequentavano Umbria Jazz. La quale fu sospesa per tre anni.
(...) D
iffusa in buona parte del mondo, dall’Occidente
all’Est comunista, la contestazione generale ebbe
come nemico comune il principio dell’autorità.
Nelle scuole gli studenti contestavano i professo-
ri, la cultura ufficiale e il sistema scolastico clas-
sista. Nelle fabbriche gli operai rifiutavano l’organizzazione del lavo-
ro e i principi dello sviluppo, che mettevano in primo piano il profitto
a scapito dell’elemento umano. In famiglia veniva contestata l’autori-
tà dei genitori. Facevano esordio nuovi movimenti che mettevano in
discussione le discriminazioni di sesso e di razza. Gli obiettivi comuni
dei diversi movimenti erano il principio di uguaglianza, il rinnovamen-
to della politica in nome della partecipazione di tutti alle decisioni,
l’eliminazione di ogni forma di oppressione sociale e di discriminazio-
ne e l’estirpazione della guerra.
Negli Stati Uniti già negli anni 50 era venuto maturando un movi-
mento nero per l’eguaglianza, promosso dalle comunità di colore.
Uno dei momenti più significativi fu il boicottaggio nel 1955 degli
autobus di Montgomery (Alabama) per protesta contro la segrega-
zione razziale. Anche gli studenti bianchi del Nord affiancarono le
proprie proteste alla popolazione di colore. Le battaglie per il rico-
noscimento dei diritti civili ai neri si dividevano in due filoni: il
primo, pacifista, auspicava la progressiva integrazione delle masse
di colore nella società bianca; era guidato da Martin Luther King,
apostolo della «non violenza», che si era dedicato alla lotta contro la
discriminazione razziale. Il suo celebre discorso, «I have a dream»,
in cui auspicava l’uguaglianza tra i popoli, scatenò un’ondata di pro-
teste e di violenze, culminate nel suo assassinio nel 1968.
Il secondo, più intransigente, fu quello delle Black Panther, che
chiedevano la formazione di un potere contrapposto a quello dei bian-
chi, libertà e occupazione, case e istruzione per tutti, la fine delle
oppressioni verso le minoranze etniche. Il movimento era guidato da
Angela Davis, Elridge Cleaver e Malcolm X, che preferì cancellare il
suo cognome americano «Little» sostituendolo con una «X». Era pro-
penso ad un’alleanza tra tutti i popoli neri e lottava per la superiorità
razziale del proprio. Dopo un viaggio in Egitto ed Arabia Saudita rin-
negò le sue teorie e disse che «esistevano dei bianchi sinceri» e che
era «amico di buddisti, cristiani, indù, agnostici, atei, bianchi, neri,
gialli, marroni, capitalisti, comunisti, socialisti, estremisti e modera-
ti». Morì nel 1965 assassinato da tre membri della Nation of Islam.
Negli Stati Uniti le lotte si polarizzarono contro la guerra del
Vietnam, assumendo la forma di un conflitto antimperialista. Essa,
iniziata nella prima parte degli anni 60, cambiò il modo di guardare
l’America. In questo contesto nacque il movimento «hippy», parola
gergale che stava a significare «uno che ha mangiato la foglia», in
seguito ribattezzato «figlio dei fiori». Si distinse per costumi liberali
e ampio uso di droghe, soprattutto LSD, un allucinogeno di cui si
teorizzavano le doti di espansione della mente.
Gli elementi di novità erano molteplici. Innanzitutto era ritenuto
importante il riferimento alle lotte dei popoli del terzo mondo e alla
rivoluzione cubana. Una situazione diversa si stava verificando,
invece, nei Paesi del Patto di Varsavia. Le manifestazioni chiedeva-
no maggiore libertà; la più alta fra di esse fu la rivolta studentesca in
Cecoslovacchia, che condusse alla Primavera di Praga. La presenza
di giovani operai a fianco degli studenti fu la caratteristica del
Sessantotto italiano, il più ampio con quello francese tra tutti quelli
dell’Europa occidentale. In Italia la contestazione era il risultato di
un malessere sociale, accumulato negli anni Sessanta e dovuto al
fatto che il boom economico non era stato accompagnato da un ade-
guato aumento del livello sociale ed economico della classe operaia.
La contestazione negli anni Settanta degenerò in seguito negli «anni
di piombo» che culminarono con il rapimento e l’assassinio di Aldo
Moro da parte delle Brigate Rosse.
Il jazz in quanto tale inizialmente non venne influenzato da quel
movimento. La sua «rivoluzione» l’aveva già vissuta anni prima con
Miles Davis e John Coltrane, Ornette Coleman e Don Cherry i cui
importanti lavori: Kind of Blue, Something Else e Tomorrow is a
Question furono pubblicati, suscitando perplessità, ma anche grande
interesse, nel 1958 e ‘59. Negli Stati Uniti nel 1968 gli avvenimenti
più significativi furono invece la creazione della World Greatest Jazz
Band, un’orchestra che annoverava al suo interno alcuni fra i miglio-
ri esponenti del jazz classico di Chicago e New York, la nascita del
quartetto della tromba Chuck Mangione, l’unione fra Gerry Mulligan
e Dave Brubeck, la nuova Reunion Band di Dizzy Gillespie, ma
soprattutto la cosiddetta «svolta elettrica» di Miles Davis, mentre
Don Cherry, abbandonato Ornette Coleman, iniziava a collaborare
con il pianista sud-africano Dollar Brand, che in seguito assumerà il
nome musulmano di Abdullah Ibrahim.
Se negli Stati Uniti il jazz alla fine degli anni Cinquanta sembrava
non aver ancor assunto connotazioni politiche, alcuni musicisti ave-
vano però preso coscienza dell’annoso problema dei diritti civili e
contribuirono alla lotta dei neri per la conquista della parità. I più
sensibili furono Max Roach, Sonny Rollins e Charles Mingus che
crearono composizioni dedicate al movimento. Fra le molte Original
Fables of Faubus che Mingus indirizzò al governatore razzista
dell’Arkansas, oppure Freedom Suite incisa da Sonny Rollins nel
1958. Fu però il mondo della canzone a prendere posizione con i
maggiori interpreti del pacifismo e della solidarietà tra i popoli, Joan
Baez e Bob Dylan.
In Italia dal punto di vista musicale, le prime tracce della ribellio-
ne appaiono nel 1966, quando Franco Migliacci e Mauro Lusini
scrissero C’era un ragazzo che come me amava i Beatles e i Rolling
Stones, cantata da Gianni Morandi, anche se per quanto riguarda il
cantante bolognese la sua avventura «politica» terminò presto perché
scoraggiata soprattutto dalla Rai, la cui censura finì con l’abbattersi
di ADRIANO MAZZOLETTI
inesorabilmente sul testo. Ma la canzone di Migliacci fu ripresa da
Joan Baez che ne fece un vero e proprio inno alla pace. Altre canzo-
ni cosiddette «di protesta» vennero composte e cantate da Lucio
Battisti, Fabrizio De Andrè, Francesco Guccini e i Nomadi.
Contrariamente alla canzone, il jazz italiano negli anni precedenti al
‘68 non aveva ancora assunto quelle caratteristiche, non solo musi-
cali, che lo avrebbero contraddistinto in ambito europeo.
Il boom economico, con la ritrovata tranquillità che toccò l’apice
all’inizio degli anni Sessanta, coinvolse anche il mondo del jazz che
ottenne vasta popolarità in quanto tale. Il rock’n’roll apparso in Italia
intorno al 1958, quando la RCA iniziò a pubblicare i primi dischi di
Elvis Presley, non influì negativamente sui gusti del pubblico e non
creò soverchi problemi di lavoro ai musicisti. Affondava le radici nel
rhythm’n’blues che molti musicisti italiani conoscevano per averlo
ascoltato e praticato già nel dopoguerra. Little Richard o Fats
Domino, che si trovavano al centro del movimento, erano epigoni
diretti della tradizione del blues nero, dove non mancavano né swing
né improvvisazione. Musicisti jazz come i sax Gabriele Varano e
Paolo Tomelleri, il pianista Nando De Luca non ebbero soverchie
difficoltà ad inserirsi nei gruppi r’n’r di Peppino Di Capri e Adriano
Celentano.
Per contro, quei primi anni Sessanta furono per il jazz italiano un
momento di grande vivacità e affermazione. Tutti «si buttarono alla
scoperta del jazz». Il jazz passò dalle sale da ballo a quelle da con-
certo ed anche nei night club i musicisti di jazz erano scritturati come
«attrazione». Quando però, verso il 1965, l’Italia fu invasa dalla
musica inglese, dove la tradizione nero-americana e l’improvvisazio-
ne erano assenti e lo strumentario era fatto in gran parte di chitarre e
bassi elettrici, i musicisti jazz ebbero meno lavoro. Molti furono
costretti a riciclarsi. Altri si rifugiarono all’estero in attesa di tempi
migliori. Altri entrarono in complessi che accompagnavano cantanti
di gusto e stile più vicini alla loro sensibilità: Bruno Martino, Gino
Paoli, Bruno Lauzi, Mina, Ornella Vanoni o Fred Bongusto. Alcuni
vennero assunti nelle tre orchestre di musica leggera della RAI. Altri
ancora, soprattutto a Roma, lavorarono negli studi per la sincronizza-
zione delle colonne sonore cinematografiche.
I gusti del pubblico indirizzati verso la musica dei Beatles e dei
loro innumerevoli imitatori, la conseguente scomparsa dei night,
sostituiti da discoteche con musica riprodotta, la massiccia program-
mazione di musica cosiddetta «beat» alla radio pubblica, causarono
una lenta ma inarrestabile erosione del favore che il jazz aveva otte-
nuto presso vasti strati di pubblico. Bisognerà attendere i secondi
anni Settanta, con i grandi festival, per vedere nelle nuove generazio-
ni un rinnovato interesse per il jazz. Il «nostro ‘68» arriverà tardi.
Solo negli anni Settanta quando, sotto la spinta politica dell’estrema
sinistra, inizieranno le contestazioni ai grandi del jazz classico.
Count Basie, Duke Ellington, Stan Getz, furono accusati di «fasci-
smo» e d’essere «servi della Cia» da alcuni fra i più accaniti conte-
statori che frequentavano Umbria Jazz, che fu costretta a sospendere
la manifestazione per tre anni. Ma questa è un’altra storia.
C’è da registrare che nel 1968 alcuni musicisti romani iniziarono,
con un ritardo di almeno dieci anni, ad interessarsi al «free jazz».
L’atteggiamento di forte reazione di questi musicisti causò inizial-
mente numerosi problemi alla diffusione del jazz presso molti strati
del pubblico. Per quanto riguarda il jazz, il 1968 non fu certo un anno
di grandi cambiamenti come lo furono il 1917, quando i dischi della
Original Dixieland Jazz Band invasero il mondo, il 1935 quando
esplose «l’era dello swing», il 1945 quando si assistette alla nascita
del «bop» o quando nel 1958 e 1959 «il modale» e il «free jazz»
modificarono il linguaggio del jazz.
Music In ! Novembre-Dicembre 2009
di ATTILIO FONTANA e ROMINA CIUFFA
JOHNNY
SULLA LUNA
COS’È «’68 ITALIAN ROCK MUSICAL»?
Innanzitutto un’epoca. I Beatles, Bob
Dylan, Mina, Guccini ed altri poeti. Le nostre
madri e i padri fumatori, le zampe d’elefante
e il rosso politica. Ma anche un musical per
noi, nuovi pezzi, nuovi artisti, vecchie cose da
gridare: vogliamo esser liberi, vogliamo lavo-
rare, vogliamo contestare etc. Lo facciamo
seguendo Johnny, che è il ‘68: un ragazzo al
confine della gravità, con sogni grandi in un
mondo stretto. Voler andare sulla luna prima
ancora di cambiar le cose, far gridare la chitar-
ra oltre il rumore assordante della vita terre-
stre, dei quiz, della politica e della famiglia
ossessiva, della borghesia e del proletariato, di
professori, dittatori, laureati e notai. Il sogno di
cambiare bastando solo dita su fili di metallo e
un alfabeto sonoro, quello di una musica
nuova. A noi è piaciuto insegnarla, riscriverla,
a noi piace cantarla e ballarla.
Così abbiamo preso Johnny e lo abbiamo
messo in mezzo a un palco, sempre in silenzio,
con una chitarra in mano e i dubbi affissi negli
occhi. Un trascinatore silenzioso, attento alle
masse ma anche disinteressato, un fatalista se
vogliamo, che non reagisce ma che è causa di
reazioni. Johnny non è solo il 1968, ma anche il
2010, il significante di un contenitore che tra-
sporta merce usata, il «visto uno visti tutti»
emblema del cambiamento necessario e di una
rivoluzione stridente che avviene senza corag-
gio, in cuor proprio, nella rabbia e nello sdegno
presenti quando i tempi devono di nuovo cam-
biare e non sono solo maturi, ma scaduti.
Oggi che si rimasterizzano i Beatles, proposti
come unica grande zattera della nostalgia sulla
quale salvarsi dal grande naufragio - mentre la
politica sbiadisce, la tv è lo zoo dei padroni, chi
la guarda pecore impazzite e noi tifosi da
acquario - un gruppo di autori, talent scouts,
musicisti, allievi, insegnanti, ballerini, che si
muovono all’interno del Saint Louis College of
Music, ha ripescato il 1968 facendolo specchia-
re in una scatola a forma di tv, l’embrione di ciò
che siamo diventati: innocenti sognatori di
scene violente, con pretese semplici che le
menti della comunicazione strumentalizzano e
trasformano in irrinunciabili necessità. Uno
spaesato Johnny - in un lucido silenzio musica-
le - fa da perno a un’umanità confusa mentre
l’atteso mondo «migliore» woodstockiano si
riversa su un mero «bisogno di nostalgia» e sul
senso di frustrazione che aleggia, soprattutto
tra i giovani, sopra la consapevolezza che un
«meglio» c’è già stato e che non ci sia più spa-
zio per l’arte e le forme innocenti di crescita.
È perché abbiamo ancora argomenti che
abbiamo fatto un musical «contromano».
Prodotto e creato da un team di professionisti
dello spettacolo e da una coraggiosa produzio-
ne, con un cast di 22 giovanissimi talenti «non»
provenienti da talent show, Sessantotto vuole
divertire, innanzitutto, ma senza cancellare la
facoltà di pensare, rivedere e rivivere un
momento delicato della storia dei nostri cro-
mosomi senza associarla a qualcosa di pesante
o distante. Dopo il successo dell’anteprima,
debutta ufficialmente a Roma, per poi toccare
Milano e partire in tour nazionale.
Così noi siamo un po’ Malcolm X (siamo
ordigni non scoppiati) ma in un animo di arti-
sti (non scoppiamo, cantiamo).

Music In ! Novembre-Dicembre 2009
‘68 ITALIAN ROCK MUSICAL Torna al Teatro
Greco, dal 9 al 20 dicembre. Il servizio di MUSIC IN
VIDEO su www.youtube.com/musicinchannel
IL MUSICAL
Videointervista
www.youtube.com/musicinchannel
D
al 9 al 20 dicembre al Teatro Greco di
Roma replica il 1968. Tornano gli hippies,
l’hashish, i megafoni, la rabbia, il gioco
della sedia, ma soprattutto una musica di qualità.
Il Saint Louis College of Music fa l’en plein di
talenti: Fabrizio Giorgi (Ernesto), Marco Meccoli
(Johnny), Nicole Di Gioacchino (Lauretta), Elena
Allegri (Patty), Francesco Mantuano (Silvio),
Giovanbattista Mazza (armonica) e tutti gli artisti
che hanno frequentato il corso Andiamo in Scena
di Maria Grazia e Attilio Fontana, Franco Ventura,
Michela Andreozzi, Orazio Caiti e Giulio Costa.
Allievi e autori hanno compiuto un miracolo:
rappresentare l’unico musical italiano in cui
tutti sanno cantare, ballare, recitare, interpreta-
re. Ossia dare. Vivere un ‘68 nel 2009. Ricreare
il bianco e nero. Fare un twist. Mangiare una
Dufour, la caramella che ci piace tanto.
Va detto, manca qualcosa rispetto agli altri
musical. Innanzitutto, la spocchia. Gli artisti di
Sessantotto sono ragazzi normali - non piacerà al
mercato nepotistico ed eccentrico delle grandi
produzioni - e, ancor più grave, studiano. Canto,
ballo, recitazione, storia del musical, regia, back-
side, coreografia, repertorio, vocal ensemble.
Tale dettaglio li colloca totalmente controcorren-
te ed è destinato a causar loro disagi nello scon-
trarsi con la preparazione dei colleghi italiani.
Manca il diavolo: non piacerà all’industria
che gli stessi non s’interessino ai reality e non
vendano l’anima alle majors per scrivere, pre-
parare, ultimare, mandare in scena uno dei
migliori spettacoli musicali degli ultimi anni.
AA.VV. - ‘68 ITALIAN ROCK MUSICAL
FEED
back
L’amore è libero e siamo liberissimi
di amare ‘68 Italian Rock Musical
come fosse Mamma mia!. Ci piace-
rebbe esser giustificati a cantarne i motivi -
intonare Sfatti, Carosello, Se mi vuoi mi sposi,
Democrato praticità - come quando, dal nulla,
si sente fischiettare Take a chance on me degli
Abba o si vive il «dramma-mia», quella reitera-
ta tentazione, durante una lunga giornata, di
gracchiare «mamma mia» senza pudore.
Simile sindrome colpirà chi darà fiducia a
questo gioiellino di produzione indipendente
(Saint Louis College of Music, D’AltroCanto
Produzioni). Se i nostri tic non ci bastano,
potremo affidarci ai loro. Che, direttamente
dal ‘68, ci consegnano - pronti da canticchia-
re nel secondo millennio - brani di elevata qua-
FRATELLI FONTANA Labicarte è
una piazza monumentale, loro ne sono
la fontana al centro che zampilla talenti
di ROMINA CIUFFA
Manca la strumentalizzazione: Sessantotto non
pretende di raccontare ciò che accadde allora per
regalarlo alla politica, ma attraversa con obiettivi-
tà, in un flusso continuo e corale, tutti gli ambiti
che risentirono del cambiamento - famiglia, uni-
versità, boom economico, fabbrica, scontri con la
polizia, musica, minigonna e Rischiatutto - senza
macchiarsi di significati da asservire ad altri
scopi. Manca la dipendenza, il fine di lucro.
A questo musical, siamo sinceri, manca il
Musical stesso. È la sua salvezza: in un parallelo
troverebbe perfetta collocazione nel circuito off-
Broadway e consentirebbe all’industria italiana di
esser rivalutata per qualità e meriti dell’investi-
mento privato. Per questi motivi Sessantotto ha,
come il negativo di una foto d’epoca, tutti i requi-
siti per entrare in una nuova storia, quella in cui i
giovani riprendono, oggi come allora, possesso di
se stessi e delle proprie, frustrate ambizioni.
lità e testi che si addicono ai grandi parolieri.
Un lavoro che si apprezza ancor di più dinanzi
a un dettaglio: quando nel 2008 iniziò il corso
«Andiamo in Scena» da cui il cd è tratto, per
scelta non si conosceva il leitmotiv del
Musical e lo si affidava alla personalità dell’in-
tero corpo allievi che avrebbe superato le
audizioni e reso questo uno spettacolo cucito
a pennello dal sarto: i fratelli Fontana.
Per la nostra doccia il rock del titolo, corali-
tà, blues e pop, un duo (Emanuela Monni alla
batteria e Alessandro De Panfilis al basso) che
suona dal vivo anche sulle scene, ampie citazio-
ni tematiche e twist intorno alle sedie fino al
Ritorno dalla luna di Johnny (Marco Meccoli),
unico momento in cui il ‘68 da lui rappresenta-
to apre bocca (non sarà un caso che il
Carosello fu interrotto solo per
trasmettere la missione lunare
dell’Apollo 14). Oltre alla luna
lavatrici, mariti, Beghelli, quiz
televisivi, sesso e bigotte.
Dalla luna anche le voci, che
son di stelle: limpide, preparate,
emotive. Talenti che sono come
il salame Negroni: le stelle sono
tante, milioni di milioni, la stella
di Negroni vuol dire qualità. E le
stelle di questo musical sem-
brano uscir proprio da questo
carosello. (Romina Ciuffa)
‘68 Recensione Loro sono
stelle e questo cd un salame
Negroni: vuol dire qualità.
FONTANA
Se le fontane richiamano arte,
allora questa famiglia è come
un monumento, a Roma:
un fontanone che zampilla talenti
F ontana e arte, un
connubio reso
ufficiale dai fratelli
Maria Grazia e Attilio
Fontana al punto da
creare Labicarte, un
luogo dove esercitare
libera creatività senza
l’ossessione di cerca-
re situazioni definitive. «Quant’abbondanza c’è».
Lei, pianista diplomata al Conservatorio di Santa
Cecilia, a soli 13 anni aveva già prestato la voce
per la colonna sonora di Profondo Rosso, capola-
voro horror di Dario Argento; una vita dedicata
all’insegnamento, alla tv, al musical, alla scrittu-
E DOPO IL CAROSELLO
TUTTI A NANNA
di Romina Ciuffa
Carosello sostituiva le benzodia-
IL zepine, lo zapping furioso, il bran-
co, l’aperitivo alla milanese, i rea-
lity, la politica. Il Carosello non
sostituiva il bacio della buona-
notte, una cena in famiglia, la let-
tura di un libro, il cinematografo, il muretto
sotto casa. Per 20 anni fu trasmesso tutti i
giorni, dalle 20.50 alle 21, interrotto solo della
morte del Papa e dei Kennedy, dalla strage di
Piazza Fontana e dallo sbarco sulla Luna.
Più che pubblicità, un teatrino con palchetto
e sipario. Qualità in bianco e nero, un braccio
di ferro tra il consumismo scalpitante e la
povertà di una guerra da cui facevano capolino
i prodotti pubblicizzati da Carmencita e
Caballero (Carmencita, sei già mia, chiudi il gas
e vieni via), Calimero (Uh Ava, come lava!), la
Linea di Osvaldo Cavandoli. Carosello faceva
rima con manganello e si era tutti, come
Agostino Lagostina, una linea virtualmente infi-
nita di cui si formava parte integrante ma che,
perso il proprio disegnatore, si bloccava su se
stessa, proprio in pizzo.
ERBA DA MOTEL
POTAREWOODSTOCK
L’ altra faccia di Woodstock. Lo storico con-
certo che riunì sullo stesso palco il meglio
del rock - Jimi Hendrix, Janis Joplin, Who,
Jefferson Airplane, Grateful Dead e altri - «per 3
giorni di pace e musica» visto da una prospettiva
insolita e finora inesplorata: quella di chi su quel
prato ci è nato e cresciuto e, fiutando l’affare, ha
affittato i propri pascoli agli organizzatori del
mega-raduno. La musica non è solo lo slogan
hippy peace and love, ma è anche guerra di soldi.
Ce lo ricorda uno dei protagonisti di Motel
Woodstock, l’ultimo film di Ang Lee che si rive-
la un regista eclettico capace di passare da una
sceneggiatura all’altra - da Banchetto di nozze a
Tempesta di ghiaccio, da I segreti di Brokeback
Mountain a Lussuria - senza mai ripetersi, pur
mantenendo lo sguardo disincantato sul mondo
che lo contraddistingue. In Motel Woodstock
svela anche un lato ironico, dando vita ad una
commedia che si regge in equilibrio tra cinismo
e spensieratezza, tra momenti comici e drammi
speciale
1968
CAROSELLO Siamo tutti una
lunga, spezzata Linea di Cavandoli.
ra, alla ricerca di
talenti, all’accompa-
gnamento artistico
dei grandi nomi
della musica italiana.
Lui, il fratello mino-
re, bravo paroliere
anche nel suo ultimo
cd «A», era uno dei
Ragazzi Italiani che nel 1997 cantavano a
Sanremo Vero amore; Lucio Dalla lo sceglie per
la sua Tosca ed Elisa per il musical Hair; scrive
l’opera Actor Dei insieme alla sorella. Entrambi
collaborano con il Saint Louis College of Music
e sono autori di ‘68 Italian Rock Musical. (RC)
Guarda quant’è bello, guarda il Carosello
mentre tuo fratello muore in piazza!
Johnny perde sangue, il padre sta in
mutande, il fratellino piscia al letto,
la mamma sta in cucina. Arriva l’arrotino,
Agostino è sul pulmino
perché la Polizia se l’è portato via!
familiari, tra conformismo e voglia di libertà.
Motel Woodstock è la storia di Elliot, architet-
to trentenne che lascia New York per aiutare i
genitori a risollevare le sorti di un vecchio motel
nella sconosciuta cittadina di Bethel sulle rive
del White Lake. Quando Elliot scopre che una
vicina località ha rifiutato di accogliere il festival
di Woodstock, contatta gli organizzatori offrendo
loro ospitalità e la sua licenza per organizzare un
festival da camera nei suoi terreni.
Il festival da camera si trasforma nel più gran-
de concerto rock mai organizzato e la tranquilla
vita di provincia viene invasa da migliaia di per-
sone: artisti, musicisti, attivisti pacifisti, giornali-
sti. L’invasione sarà compensata da un mucchio
di dollari che, da sempre, fanno girare il mondo.
Ma sarà anche l’occasione per entrare in contat-
to con una cultura diversa che sognava di cam-
biare il mondo e per tre giorni trasformò una col-
lina nel centro dell’universo di allora.
In un film ambientato nel 1969 ti aspetti come
minimo di ascoltare un riff distorto di Hendrix o
la voce roca di Janis Joplin, ma nel film di Ang
Lee non ce n’è quasi traccia. Come Bob Dylan a
Woodstock, la musica del festival è la grande
assente. Il concerto sarà una eco lontana, che
viene dalla stanza accanto, sogno che non si fa
prendere. Come dicono i saggi, il bello non è la
destinazione ma il viaggio in sé. Nel suo tentati-
vo di raggiungere il concerto, il protagonista spe-
rimenterà il gusto della ricerca e, inciampando in
droghe, amore libero, omosessualità, nuove filo-
sofie di vita, cambierà percorso più volte per
conquistare una nuova consapevolezza di sé.
Alla fine rimane il solito prato da ripulire per
tornare alla normalità, per tornare ognuno al pro-
prio business. Che sia il prossimo concerto da
organizzare o il prossimo affare da concludere
poco conta. (Roberta Mastruzzi)
 ALTER
NATIVE
Music In ! Novembre-Dicembre 2009

C.O.S. La chitarra-stiletto la colleghiamo ad un pedale e poi al Marshall: que- BLACK HEART PROCESSION I BHP sono
a cura di VALENTINA GIOSA sto strumento è nato dalla mia frustrazione di non poter usare tacchi alti visto «un uomo ubriaco senza scarpe», disse una
che ho dei piedi enormi. Così ho riciclato un paio di scarpe economiche di Zara. volta Pall Jenkins. Tanto per capire il mood.

CHICKS ON SPEED
PATCHWORK DI ARTE POP
a cura di Valentina Giosa
L’
electro pop fem-band più folle sin dal 1997 è tornata a stupire con
un nuovo album e nuovi progetti che, come sempre, riescono a
racchiudere come solo pochi sanno fare musica, moda, sperimen-
tazione. Un gruppo multidisciplinare d’arte o, che dir si voglia, un col-
lettivo dove si fa tutto ciò che è artistico e che ammette in entrata e usci-
ta personalità artistiche di vario tipo, mentre trova nell’australiana Alex
Murray-Leslie e nell’americana Melissa Logan le due anime stabili. Sin
dalle serate nei bar di Monaco di Baviera guidate da un’etica di perfor-
mances fatte di arte, grafica e collages fatti in casa, queste chicks fan da
sé i costumi di scena al più basso costo e con materiale riciclato, senza
escludere sacchetti di plastica e nastro gaffer.
Con la tedesca Kiki Moorse avevano cantato I don’t play guitar e ave-
vano fatto il botto, un botto fai-da-te. Ma poi videoinstallazioni e proget-
ti fuori norma son ciò che le distingue: le «pollastre veloci», tra l’altro,
hanno disegnato un enorme seno all’esterno di un palazzo di Melbourne
e fatto un concerto in un parco per il principe di Norvegia. «Crediamo in
un nuovo tipo di femminismo: esci e realizza ciò che vuoi. Si tratta di
libertà, e dovrebbe essere possibile per tutti» dichiaravano. Oggi - inno-
vative e sempre al passo con i tempi - le Chicks on Speed raccontano a
Music In com’è nato il quinto lavoro registrato in ben 10 città diverse
tramite il media che ha ormai conquistato il mondo rendendo ogni
distanza un soffio, Skype.
Alex Murray-Leslie e Melissa Logan ci rivelano come nascono i loro
curiosi «oggetti-strumento», anticipandoci inoltre nuove collaborazioni
in vista fra cui quella con Yoko Ono e Brian Eno.
Il vostro quinto album, Cutting The Edge, prende il nome da uno dei
vostri «oggetti-strumento», le forbici elettroniche. Come è nato e
cosa lo differenzia dagli altri vostri lavori?
AML Consideriamo questo album un disco «bubble gum pop intelligen-
te», un mix di pop e arte, diciamo un «patchwork di arte pop». È la defi-
nizione giusta per descrivere l’ispirazione che abbiamo preso dagli anni
Sessanta tanto quanto dalle girls-band che abbiamo voluto «sporcare»
un po’. Il bubble gum pop è la radice dell’ondata femminile, alla Kylie
Minogue o alla Madonna, l’opposto delle ‘girl monsters’ (The Slits, The
Raincoats) in cui invece ci riconosciamo molto.
ML Direi che è un album frivolo ma nello stesso tempo con un contenu-
to, un messaggio. Divertitevi sì, ma andate anche più a fondo se volete.
Gonne-amplificatori, chitarre-stiletto, sassofoni-chitarra elettrica…
Come nascono i vostri «oggetti-strumento»?
AML L’ idea è nata nel corso degli ultimi 5 anni. Abbiamo cominciato
connettendo un microfono su scatole di sigari, pietre e forbici. Poi
abbiamo iniziato a pensare di sviluppare questo discorso soprattutto
dopo aver scoperto Hangar a Barcellona, un media-art space dedicato
solo a questo. È lo spazio più incredibile che abbia mai visto e al mondo
ci sono pochi posti simili. Abbiamo così iniziato a collaborare con il
direttore Pedro Soler, Alex Posada, Merche Blasco e il resto del team. La
chitarra-stiletto è certamente uno degli strumenti che più usiamo dal
vivo. La colleghiamo ad un pedale e poi al Marshall.
Credo che questo strumento sia nato dalla mia frustrazione di non poter
usare tacchi alti visto che ho dei piedi enormi! Perciò è una sorta di
oggetto fetish del desiderio. Ho riciclato un paio di scarpe economiche
di Zara. Fra i nostri progetti c’è anche quello di realizzare un’intera
& SCALZI
UBRIACHI
A
ppuntamento all’Alpheus il 6
dicembre con l’indie d’essai dei
Black Heart Procession, tra i gruppi più
rappresentativi della scena a stelle e stri-
sce, in tour per presentare il loro ultimo
album, Six (uscito in ottobre per la
Temporary Residence), già dal titolo
significativo ritorno alle «nude» origini
di 2, del 1999, vero e proprio album-
testamento che segnò la loro ascesa nel
firmamento post-rock accanto agli allora
emergenti Sigur Ros, Elbow e Low. Nati
a San Diego dalle ceneri dei Three Mile
Pilot, formati sulla dorsale della premiata
coppia Pall Jenkins e Tobias Nathaniel, i
BHP hanno dato vita a sei album (da 1,
Come scegliete di solito gli artisti con cui lavorare? del 1997, per passare a 3, Amore del
ML Scegliamo sempre di lavorare con amici-artisti che poi diventano Tropico e The Spell) in una dozzina d’an-
collaboratori e parte della grande «famiglia Chicks» cosi come è stato ni, tracciando un percorso tortuoso fatto
con Fred Schneider, che è forse una delle nostre più lunghe conoscenze. di illuminazioni e cadute. Un chiaroscuro
La collaborazione più bizzarra? che ben si adatta alle loro atmosfere
AML Mark Stewart. È arrivato, ha urlato nel microfono, lo ha rotto ed minimali e intimiste, giocate su ipnotiche
è andato via: eccezionale! linee di piano e tesi feedback di chitarra,
Quella che ancora non avete realizzato? violini e fisarmoniche di sapore zigano,
AML Ci piacerebbe lavorare con Yoko Ono per una performance di accompagnati dallo straniato canto alla
arte e poi ci sarebbe il progetto con Brian Eno insieme alla nostra luna di Jenkins. I BHP sono «un uomo
Chitarra-stiletto Orchestra. Vorremmo includerlo in una performance ubriaco senza scarpe», disse una volta
di moda e arte. Jenkins, tanto per capire il mood. Con o
Cosa vi ispira da anni e vi fa essere sempre piene di brillanti idee? senza scarpe, con Six la processione dei
AML Prendiamo inputs da diverse cose, arte, musica, moda, new-medias cuori neri riprende a marciare, e anche
o anche esperienze di vita quotidiana che contribuiscono in misura ugua- piuttosto spedita. Ascoltare ad esempio
le alla nostra ispirazione. Per l’ultimo album sono stati fondamentali, per Witching Stone, pilotato sulla progressio-
esempio, Scott Walker, Yoko Ono, The Slits, il bubble gum pop degli anni ne batteria-basso-chitarra, e Drugs, per
Sessanta, il Jpop, Clara Rockmore, Eartha Kitt, Joni Mitchell e l’artista solo voce e piano, ballata magica e
surrealista Helen Vanel. sospesa con relativo video da «Gabinetto
La contaminazione di diverse forme d’espressione è molto evidente. Vi del Dr. Caligari» e un occhio verso
dividete con disinvoltura fra moda, musica e design dando vita ad un Mercury Rev e Dresden Dolls. Per resta-
singolare crossover fra le arti. Come vi definireste esattamente? re nei dintorni di fine millennio.
AML Ci piace chiamare il nostro stile «Objektifications». Siamo molto
ispirate da artisti come Elsa Schiaparelli, Meret Oppenheim, Salvador LORENZO BERTINI
Dali, Oscar Schlemmer e anche da Bauhaus e Shiburi per esempio. Il

ORRORI
serie di chitarre-stiletto con Max Kibardin. Vorremmo creare la nostro designer preferito del momento è Pelican Avenue che ha ispirato il
«Chitarra-stiletto Orchestra» e fare un concerto per l’apertura della nostro ultimo video «Terrible Twins».
mostra «The Making of Art» alla Shirn Kunsthalle di Francoforte. A proposito di moda, avete disegnato collezioni per Crystal Ball e

Innovative e sempre al passo con i tempi, avete registrato l’album in
diverse locations tra cui treni, toilettes di gallerie d’arte e stanze
d’albergo utilizzando anche Skype. Com’è andata?
AML Abbiamo letteralmente registrato in 10 Paesi diversi (Vienna, una
fattoria di Oxford, una camera di albergo di New York, un aereo verso
Riga, Lettonia) on line e off line. L’idea di creare uno studio «portatile»
ha influenzato molto il taglio e lo stile dell’album. Nello studio degli
Astrud a Barcellona abbiamo addirittura ballato nude sul tetto e girato
un video mentre registravamo simultaneamente la canzone.
ML Skype è fondamentale per noi, lo usiamo per provare e per sperimen-
tare e serve anche a tenere insieme il gruppo. Inoltre ha contribuito tanto
alla versatilità dell’album. Gli stili e i diversi tipi di musica sono frutto
dei nostri viaggi e delle tante persone con cui abbiamo collaborato.
Infatti il nuovo disco ospita nomi importanti come Fred Schneider e Tina
Weymouth.
MALEDETTI
Yoox, ed ora la collezione Insight on Chicks on Speed…
ML Abbiamo creato trenta capi ispirati al surf; abbiamo anche fatto una
canzone abbinata alla collezione che è poi diventata un video. L’idea è
nata quando ci siamo rese conto che non esisteva un abbigliamento idoneo
per le surfiste, ma tutte dovevano rifarsi all’ immagine maschile stereotipa-
ta. Eppure ci sono figure femminili leggendarie che hanno rivoluzionato il
mondo del surf, ad esempio Isabel Letham. Noi le celebriamo così.
Fra gli altri progetti c’è anche la pubblicazione del secondo libro…
ML Sì, ma questo è un segreto.
Avete dichiarato recentemente in un’intervista: «Adoriamo l’Italia ma
nessuno ci invita mai». È vero?
AML Non esattamente. Abbiamo suonato in Italia molto spesso durante la
nostra carriera. Negli ultimi anni Yoox è stato uno dei nostri maggiori
sostenitori, ma anche la Diesel. Ci siamo esibite proprio pochi mesi fa per
il grande anniversario del brand. In Italia torneremo presto, in jeans.

LET’S DANCE P
robabilmente una delle band
al momento più amate in
Inghilterra, i Golden Silvers
sono stati fra gli headliner del
della disco psycho-pop di True
Romance (True No. 9 Blues) che ha
scatenato tutti in pista, la band ritor-
na con un nuovo video dal titolo 10
a nni fa cinque ragazzi dal fascino mau-
dit e con la passione per il garage e le
GOLDEN SILVERS

NME Radar Tour 2009, festival
inglese che ha aperto la strada a
Maximo Park, Glasvegas, Crystal
Castles, La Roux, Friendly Fires,
White Lies, Heartbreak, Blood Red
Shoes, Forward Russia, Howling
Bells. Vincitori della Glastonbury
Festival 2008’s New Talent
Competition e dopo il successo
Please Venus, un tuffo nella spen-
sieratezza e leggerezza della disco-
soul anni 70 arricchito di un pizzico
di psichedelia di beatlesiana memo-
ria. Semplice e quanto mai attuale
la formula dei Golden Silvers:
intrattenimento, kitsch «intelligen-
te» e (l’oramai immancabile) retro.
E funziona. (Valentina Giosa)
sonorità «oscure» si aggiravano nel-
l’area di Southend suonando The Witch dei The
Sonics e Jack the Ripper degli Screaming Lord
Sutch. Il successo per i The Horrors non tarderà
ad arrivare una volta che i brani originali verran-
no alla luce.
Con sonorità e atmosfere garage, shoegaze,
post punk e gothic rock e un look già ben defini-
to, la band inglese comincia a farsi un nome già
con il primo disco Strange House, a cui seguiran-
no importanti esibizioni come il Glastonbury
Festival, il Carling Weekend, diversi festival
scandinavi, il Summer Sonic Festival in
Giappone e Splendour in the Grass in Australia.
La band è ora in tour in Europa (a Roma il 18
novembre al Circolo degli Artisti) per pro-
muovere il secondo album Primary Colours
pubblicato a maggio, prodotto da Craig Silvey,
Geoff Barrow dei Portishead e Chris
Cunningham, e nominato per il 2009 Mercury
Prize. (Valentina Giosa)
Music In ! Novembre-Dicembre 2009 PO P C K
pop&rock
PIETRA MONTECORVINO Nascondi la UN TRENO ROCK Senza i limiti delle 4 piste, diffi- FUMETTI POP Ma no, di
mano perché sai che la responsabilità di una cilmente i Beatles e George Martin avrebbero tirato fuori che m’illudo? Ancora è tutto a cura di ROMINA CIUFFA
passione mediterranea non la puoi sostenere le geniali sovraincisioni di «Revolver» e «Sgt. Pepper». nuvole e niente che si afferri.

!"#$%&'%()*"&(&#"+$,#-%&!"&."#,
a cura di Sabrina Simonetti
e Romina Ciuffa

di somigliare sempre di più a tutto quello che c’è

Videointervista
www.youtube.com/musicinchannel
S i chiama Barbara D’Alessandro, è cono-
sciuta come Pietra Montecorvino («per-
ché quando si apriva la porta di San
Pietro, che si apre ogni 7 anni, io mi tro-
vavo lì») e siede accanto a Eugenio
Bennato, Sanremo compreso. Questo non vuol
dir nulla: una pietra è una pietra, si provi a lan-
ciarla e lei sarà forte ovunque cada, anche in
fondo a un lago, perché avrà sempre il proprio
spazio. E, soprattutto, a morra cinese la batte
solo la carta: carta canta, appunto.
Da cui una riflessione: ascoltando il suo ultimo
album, Italiana, la signora Montecorvino fa
rimpiangere una Salerno-Reggio Calabria non
ancora pronta, fa cinicamente soffrire perché ce
lo offre ora che è inverno e poi ci spiega: «Di
getto, è venuto di getto». Con la complicità del
tarantico potere di Eugenio che firma la direzio-
ne musicale, di Erasmo Petringa agli arrangia-
menti e in chitarra battente, e di tutti loro: Luigi
Tenco, Domenico Modugno, Fred Buscaglione,
Lucio Battisti, Mogol e quanti altri, che lei qui
interpreta «mediterraneamente».
E un inedito - Amante italiana, scritto col com-
pagno di una vita Bennato - ancor più mediter-
raneo in un bel video che parla di mare napole-
tano e rende Pietra una gemma, ma anche una
fata. Perché (un omaggio al cognato Edoardo
per il suo Pinocchio?) i capelli li ha turchini.
Come nasce la tua carriera artistica?
Nel 1983 in un film di Renzo Arbore, «F.F.S.S.
Che mi ha portato a fare a Posillipo se non mi
PHOTOCREDITS ARIANNA TONDO
vuoi più bene?», la mia prima esperienza.
Cantavo «Sud», scritta da Claudio Mattone e
Renzo Arbore.
Cosa c’è di nuovo oggi in te?
Tanta nicotina in più, ma soprattutto creder-
mi tutti i giorni un’artista alle prime armi.
Chi ha suonato con te in Italiana?
Gli arrangiamenti sono di Eugenio Bennato,
che lavora con me da sempre. Ha curato quasi
tutti i miei dischi tranne uno che ho scritto io, un
disco di tanghi, «La stella nel cammino». Oggi
esce un album di cover anni 60, con un inedito
scritto da me e Eugenio, «Amante italiana».
Che influenze ci sono nella tua musica?
Sicuramente ho il Mediterraneo nelle vene ed è
parte della mia espressione artistica, ma appar-
tengo al mondo e non cesso di esplorarlo. Spero
da vivere, senza rimanere ferma alle mie radici.
Scopriamo nel tuo album miscugli di cori
africani e indiani: da dove provengono?
Da musicisti arrivati coi barconi. Non portano
solo cose brutte come può sembrare, ma arte e un
grandissimo contributo alla musica.
Perché è difficile avere successo in Italia?
Perché non c’è spazio per le cose che dura-
no, ma solo per l’usa e getta. Ormai nella musi-
ca c’è un cambio velocissimo tra un artista e
l’altro e, alla fine, non ci si ricorda di nessuno,
solo tanto anonimato.
Quali sono i tuoi prossimi impegni artistici?
Spagna innanzitutto, perché è lì che sta
uscendo il mio disco: sarò presto a Malaga,
Barcellona, Pamplona. Poi in Belgio, in
Francia e in altri Paesi d’Europa.
Come hai scelto le tue cover?
Con naturalezza: andavamo sempre a finire
sui sentimenti e sempre su pezzi degli anni 60,
un momento in cui la musica costituiva una
visione del mondo ben determinata. Ho preferi-
to Tenco, che è un po’ l’eroe di quel periodo, ma
anche Modugno e Battisti (che mi ricorda l’in-
fanzia) e Umberto Balsamo, una canzone poco
nota che si chiama «Tu non mi manchi».
È tutta emozione o anche un briciolo di reci-
tazione?
Un insieme, perché c’è un po’ di tutto.
Presunzione, insicurezza, passione, anche reci-
tazione: ci sono io, io come sono.
E il cinema, quanto ti appartiene?
È una passione che non si spegne, e che vor-
rei si accendesse sempre di più nella mia vita.
Ho da poco finito di girare un film con John
Turturro, che sarà al Festival di Berlino a feb-
braio, e spero di aver fatto una bella figura.

MEMORIE La casa editrice

DI MONDI
La storia del rock parte da Abbey Road Lightbox fissa
e dai limiti delle 4 tracce della Emi gli incubi
di artisti pop

UN TRENO NOTTURNI
(CristinaDonà,
Piero Pelù,
Morgan, Meg,
Irene Grandi,

ROCK
di Donato Zoppo
di Romina
Ciuffa
The Niro e
molti altri) in
un fumetto,
che è poi

C osa c’è da raccontare sul rock? Una

domandina del genere me la porto dietro
da anni. Tempi foschi quelli dell’univer-
sità, quando frequentavo Giurisprudenza per far
contenti i miei, ma per far contento il mio
demone davo sfogo a una malsana passione per
il rock. Ascoltando, studiando, scrivendo a più
non posso. A mio modo, raccontando. Era tanto
simpatico il professore di Economia Politica,
esperto di qualsiasi dettaglio relativo alle curve
dell’offerta e della domanda, all’oligopolio e
alla stagflazione, ma il rock non era pane per i
suoi denti. «E cosa c’è da raccontare sul rock?»,
mi chiese quando gli spiegai che studente non
lo ero a tempo pieno, che dedicavo le mie ener-
gie da gavetta come scribacchino in un giorna-
le locale, che già cominciavo a tenere i miei
incontri sulla storia del rock. E questa domanda
si è presentata nuovamente - sotto altre vesti,
con un’altra ben più insidiosa questione - quan-
do sono stato invitato a tenere il workshop
Rock’n’ Roll Train presso il Forum dei Giovani
di Quadrelle il 10 ottobre 2009.
Cosa c’è da raccontare sul rock, ma soprattut-
to, come narrare i suoi 55 anni? Come farlo in
un’oretta a disposizione, di fronte a giovanissi-
mi che hanno scoperto il celebre riff di Smoke
On The Water perché lo fischiettava il papà?
Non si può che puntare alla sintesi estrema,
esponendo personaggi, decadi e correnti, dagli
anni 50 di Chuck Berry al recente In Rainbows
dei Radiohead. Senza dimenticare, però, che il
rock è una cosa seria, soprattutto per me che
ogni sera, prima di addormentarmi, recito le
giaculatorie a San Jimi, Madonna Janis,
l’Arcangelo Brian Jones e Beato John Lennon.
Perché trattasi di cosa sacra. Come ogni concer-
to d’altronde. Pensate al rito celebrato dal Gran
Sacerdote Elvis Presley, alla grandiosa liturgia
amministrata dai Led Zeppelin, alla dimensione
mistica di un live degli U2, a quella orgiastica e
dionisiaca dei Mars Volta. Volendo si potrebbe
raccontare il rock attraverso i suoi concerti, e
non mancano studi del genere. Ma se avete
tempo e pazienza di spulciare, scoprirete che il
mezzo secolo che ci separa dal 5 luglio 1954 -
Elvis varca la soglia degli studi Sun Records di
Sam Phillips per registrare That’s All Right - è
ricco di eventi, di contatti con altre forme di
arte, di sapere e di attività umane.
Parlare di rock significa parlare di storia con-
temporanea: è una musica che nasce registrata,
dunque è il prodotto dell’industria discografi-
ca, segue e asseconda l’evoluzione del mercato
e della tecnologia. Tanto per intenderci: senza i
limiti delle 4 piste degli studi Emi di Abbey
Road, difficilmente i Beatles e George Martin
avrebbero tirato fuori le geniali sovraincisioni
di Revolver e Sgt. Pepper. La stessa tecnologia
ha consentito ad un Anton Corbjin di realizza-
re il visionario videoclip di Heart Shaped Box
dei Nirvana e a Woodroffe e Fisher di progetta-
re il trionfale Bridges To Babylon Tour dei
Rolling Stones.
Se poi volessimo parlare del parallelismo tra
l’evolversi del rock’n’roll e del costume, dei
rapporti con l’arte grafica, la letteratura, la foto-
grafia, la spiritualità e le droghe, ci sarebbe da
far spaventare sul serio il docente di Economia
Politica. Caro professore, e se facessimo una
bella cattedra di storia del rock? Nell’attesa,
cordiali saluti.
«Q ui tutto
pesa poco,
tutto è neb-
bia, è vapore senza
appiglio, ogni forma
dura appena, come
una nuvola, poi cam-
bia. E come nuvole,
queste forme, a guar-
dare da vicino sono
ancora e solo nebbia.
Vorrei la gravità, vor-
rei la vecchia terra,
quella pressione antica sui talloni...». Questo è
precipitare durante un sogno.
Graziano Staino racconta, nella collana «ipota-
lamica» Black Books della casa editrice venezia-
na Lightbox, «una monocromatica storia a fumet-
ti» in cui sognano i personaggi della scena musi-
cale italiana - Manuel Agnelli degli Afterhours,
Cristina Donà, Morgan, Piero Pelù, Francesco
Bianconi dei Baustelle, Meg, Enzo Moretto di A
Toys Orchestra, Simone Cristicchi, Irene Grandi,
Paolo Benvegnù, The Niro, Stefano Bollani,
Cristiano Godano dei Marlene Kuntz e Cesare
Basile - intorno a una misteriosa «ombra di
vuoto» che disperatamente vuol capire.
Il racconto è un sogno in sé, con i cambia-
menti strutturali che l’inconscio compie - una
macchina a più pedali, una caduta infinita che è
desiderio ma anche paura di volare, luoghi che
mutano senza troppo senso, guerre (i conflitti
del sé) vinte o perse, volti che si intercambiano
e nessuna spiegazione - e con il senso dell’ete-
reo e del pesante insieme. Librarsi e non cadere
mai. Precipitare e ossessionarsi. Ma l’ombra
vuol capire: a Cristicchi viene chiesto, nei testi
di Dario Honnorat, cos’è il sogno lucido, quel-
l’esperienza onirica in cui il sognatore si rende
conto di star sognando, ha percezione cosciente
del suo mondo onirico e, con la pratica, può
esplorarlo, controllarlo e modificarlo a piacere.
«Aspetta! Conosco questo luogo! È qui che
una volta ho visto dei folletti in mezzo alle
una domanda:
precipitando
nel sogno,
precipito?
foglie. Nessuno mi ha mai creduto...», ma i fol-
letti gli rompono gli occhiali (una paura che
prende forma onirica) e lui sparisce. «Dove sei
sognatore? Devi spiegarmi i segreti del sogno
lucido, devi insegnarmi a controllare i sogni...»,
invoca l’ombra. Niente da fare, s’è svegliato.
Piero Pelù viene trovato a sognare «un sogno
maledetto che non facevo da millenni», un asino
assorto a contemplare uno strapiombo, «ti prego
allontana l’asino dal precipizio! Io sono legato
a quell’asino da un filo profondo e impalpabile.
È una specie di simbiosi emotiva: tutto quello
che provo lo prova anche lui». In questi mondi
notturni, «io sono un rebetiko», dice l’ex leader
dei Litfiba, «quindi siamo in Grecia», la
Santorini del primo Novecento per l’esattezza.
«Posso suonarti un brano rebetiko», ma
riprendono il cammino («Non c’è gusto a canta-
re per te, sei troppo rigido e silenzioso», dice
all’ombra) fino a incontrare il «nano greco»: «La
parola sogno non ha senso, i sogni non esistono,
ed io certo non sono un sogno. Ti è mai capitato
di fare un sogno in cui sai che stai sognando?
Nel sonno, bisogna raggiungere lo stadio pre-
lucido, mettere in dubbio la realtà del sogno.
Dubitare che quello che si sta vivendo sia realtà,
ad esempio notando che accadono cose impossi-
bili, come volare, respirare sott’acqua. Allora si
può controllare il mondo onirico».
E precipitare? Un lungo volo e laggiù la terra
amica mi accoglierà come un cuscino. E se
anche mi attende un dolore di roccia dura con-
tro le ossa, sarà realtà, perlomeno. Sarà mate-
ria, concretezza, veglia. Ma no, di che m’illudo?
Ancora è tutto nuvole e niente che si afferri, non
c’è niente di fisso, niente di solido. Qui non c’è
nulla che sia coerente. E non sopravvivrei, se
non ci fosse un suolo su cui atterrare.
 SOUND
tracking
Music In ! Novembre-Dicembre 2009

BASTARDI SENZA GLORIA Quentin Tarantino MUSIC IN VIDEO Venere, Biorn IO, DON GIOVANNI
a cura di ROBERTA MASTRUZZI Senza mai peccare di snobismo intellettuale ma con l’en- Le stanze in cui viviamo ci somiglia- Mozart mette la musica,
tusiasmo di un bambino di fronte al suo gioco preferito no. Per questo manca sempre qualcosa Casanova lo stile di vita

BASTARDO CON GLORIA Non mi interessa fare

cartoni animati, ma rendere
di Roberta Mastruzzi autentica la violenza.

I l cinema salverà il mondo e

lo farà sacrificando se stesso.
L’ultimo film di Quentin
Girato in 4 lin-
gue, con tutto
ciò che ne con-
di fabbrica: come i suoi precedenti lavori,
Bastardi senza gloria è un film nel film,
tante sono le citazioni, a volte trasforma-
Tarantino, Bastardi senza glo- segue incom- te in parodie, altre in ossequiosi omaggi a
ria, parte da una fattoria nella prensioni com- registi, attori e sceneggiature di ogni
campagna francese all’epoca prese. Questo nazionalità e genere, che se ne consiglia
dell’occupazione nazista e fini- sarà il filo con- una visione multipla per poterle indivi-
sce in un piccolo cinema di duttore della duare ed apprezzare tutte.
Parigi dove una tremenda ven- pellicola e in Le citazioni sconfinano anche nella
detta sta per essere consumata. alcuni punti la musica, ed è così che nella colonna sonora
Protagonisti della storia sono chiave di volta molti brani del passato rievocano classici
un irreprensibile comandante della narrazione. cinematografici, ma anche semisconosciu-
delle SS che parla molte lingue Come a dire che ti film di serie B. Dal brano che accompa-
(Christoph Waltz), una ragazza la storia europea gna la prima scena - The green leaves of
ebrea riuscita a salvarsi dal- sarebbe stata diversa se avessimo parlato tutti la stessa lingua. summer - tratto da un film di John Wayne (La battaglia di Alamo)
l’eccidio della sua famiglia e Ma la diversità porta anche ricchezza e ne sa qualcosa il regi- a numerosi brani scritti da Ennio Morricone (The verdict, The sur-
proprietaria di un cinema parigino (Mèlanie Laurent), un gruppo sta americano, cresciuto in una videoteca dove ha potuto assapo- render e Un amico, scritti per i film di Sergio Sollima La resa dei
di marines infiltrati nelle retrovie - i bastardi del titolo - dediti alla rare e amare l’intera cinematografia europea, dai registi più conti e Revolver) fino a David Bowie e la sua Cat People (Putting
cattura e all’uccisione dei nazisti, con il vizio di togliere lo scalpo famosi a quelli sconosciuti anche nella loro stessa patria, dagli out the fire) che, estratte dalla pellicola per cui sono nate e trapian-
ai cadaveri per conto del loro comandante (Brad Pitt). spaghetti western alle commedie francesi fino ai melodrammi tate nel terreno fertile dell’immaginazione tarantiniana, riprendo-
Svelare oltre la trama sarebbe un grave peccato per un film che tedeschi, senza mai peccare di snobismo intellettuale ma con no vita e acquistano nuove sfumature di colore.
tenta di riscrivere la storia, fregandosene di rispettare tempi e l’entusiasmo di un bambino di fronte al suo gioco preferito, da In colonna sonora anche brani tratti da vecchie commedie
fatti realmente accaduti. Qui Tarantino spinge al massimo il vero appassionato di cinema. Ed è un pregio non da poco, è raro tedesche, fino al gran finale con di nuovo protagonista
pedale dell’immaginazione sfruttando a pieno le potenzialità trovare un regista che sappia riconoscere il valore del lavoro Morricone che con Rabbia e tarantella, scritta per Allònsanfan
della settima arte e realizzando un film - il primo in assoluto altrui. A pensarci bene, è raro trovarlo in qualsiasi settore e non dei fratelli Taviani, chiude tutti i giochi: sarà il momento in cui il
nella storia del cinema - con un’anima veramente europea. solo nel cinema. Tarantino invece ne ha fatto il proprio marchio cinema riscriverà la storia.

di Roberta Mastruzzi

A Napoli, un’inse-
gnante di lettere in scuole
serali si trova ad affronta-
lo dell’incubatrice ma
anche quello che separa ed
esclude la propria vita da
VENERE IN BIORN

re una gravidanza non pre- quella degli altri.

vista. Il suo compagno
rifiuta la paternità e la
bambina nasce prematura,
dopo solo sei mesi di
gestazione. Maria, la
madre interpretata da
Margherita Buy, si troverà
ad affrontare un momento difficile, nell’attesa
che la figlia Irene completi la sua crescita den-
tro un’incubatrice, senza sapere se la figlia riu-
scirà a sopravvivere e con quali conseguenze
sulla sua salute.
Lo spazio bianco è un film tratto dall’omoni-
mo libro di Valeria Parrella, diretto da
Francesca Comencini - da non confondere con
la sorella Cristina, ugualmente regista ma con
uno stile più conformista - che sceglie di affron-
tare il racconto di una maternità vissuta e sof-
ferta da una donna sola in una città estranea, in
preda a dubbi e paure, ferita dagli uomini e
dalla burocrazia italiana per la quale esistono
ancora figli «illegittimi».
È l’attesa di Maria che non sa attendere, è il
difficile percorso della piccola Irene verso la vita,
è la distanza con cui si guarda il mondo quando
si è costretti a guardarlo attraverso un vetro, quel-
Un tema così delicato,
che tocca sfere profonda-
mente radicate nell’intimi-
tà di un essere umano,
richiedeva una colonna
sonora all’altezza, perché
la musica potesse riempire
con discrezione questo spazio bianco. L’autore
delle musiche originali, Nicola Tescari, ha il
merito di lasciare spazio nella scelta dei brani di
repertorio alle voci femminili. Una scelta non
così scontata, considerato il fatto che quando si
parla di maternità la voce delle donne, indiscu-
tibilmente principali artefici di tale evento, è
messa spesso in secondo piano.
L e stanze in cui viviamo ci somi-
gliano. Parlano di noi, del nostro
stato d’animo. Il video Venere
dei Biorn - gruppo romano emergente
della scena indie rock, un pittore che
Ad accompagnare l’attesa di Maria la voce realizza piccoli affreschi sonori - è il
energica di Blondie con Call me, quella strug- primo estratto dall’omonimo album.
gente di Cat Power e la sua Where is my love?, Parla di due stanze, un uomo e una
quella di Nina Simone che interpreta I wish I donna e due solitudini, un gatto rosso,
knew how it would be feel to be free, l’indimen- un cucciolo di Labrador. Lei è tornata
ticabile voce di Ella Fitzgerald con una malin- da un viaggio e si prepara ad incontrare
conica Misty e le sonorità elettriche di Dani lui che è tornato da una rapina ed è feri-
Siciliano in Same. Una colonna sonora tutta al to. Lei in una stanza rossa ed accoglien-
femminile per un film che non si rivolge solo te, lui in una stanza fredda e spoglia,
alle donne, perché la nascita di una nuova vita affiancate, un muro di separazione,
dovrebbe riguardare tutti. qualche centimetro che evoca film
come Bound e il cinese The Hole. Ci
sono quadri, un pacco regalo da scarta-

DON GIOVANNI
re, un divano bianco e un cavalletto: gli
oggetti si accumulano per colmare un
vuoto. Per quanto una stanza possa
somigliare a noi, sembra mancare qual-
cosa: «Completami, completalo il mio
mondo». Verso la fine del video ci sono

N
ella Venezia del Settecento un giovane ebreo
viene battezzato e prende i voti da sacerdote.
Un prete sui generis: si chiama Lorenzo Da
Ponte ed è poeta e libertino. Intimo amico di Giacomo
Casanova, seguirà le sue orme, intrecciando storie e
avventure con centinaia di donne e scrivendo invettive
contro la stessa Chiesa e l’Inquisizione. Esiliato a
Vienna, conoscerà Mozart e per lui scriverà i libretti
delle sue opere in italiano: Le nozze di Figaro, Così fan
tutte e lo stesso Don Giovanni.
Il regista Carlos Saura dirige il suo primo film musi-
cale Io, Don Giovanni, dedicato alla vita finora poco
conosciuta del librettista di Mozart. È la storia vera di
un’amicizia ed il racconto della nascita di un’opera
di Roberta Mastruzzi immortale, il Don Giovanni, nata dall’incontro di tre
grandi personalità: Mozart metterà la musica, Lorenzo
da Ponte le parole e Casanova il suo stile di vita. Il pro-
getto musicale del film è stato seguito da Nicola Tescari,
che ha ricostruito il suono di un’orchestra del 700 utiliz-
zando strumenti antichi e registrando in una piccola anche loro, i Biorn, e sono Aure (batte-
chiesa nella campagna laziale, nel tentativo di ricreare ria, percussioni), Blaze (voce, chitarre,
l’atmosfera della prima esecuzione in pubblico synth), Eddie (voce, basso, contrabbas-
dell’Opera, avvenuta a Praga nel 1787. so) e Manuele (chitarre, synth, piano-
Il regista ha voluto che fossero gli stessi attori impe- forte, fisarmonica), mentre «tutto scor-
gnati nella messa in scena ad interpretare le celebri arie re così leggero senza troppi sé» ma in
mozartiane, e realtà e finzione si mescolano. Il dramma un video sorprendente.
giocoso (questo il sottotitolo originale dell’opera, in
affiancamento al titolo originale Il dissoluto punito ossia
il Don Giovanni, K 527) di Don Giovanni si confonde
con la storia dello stesso Lorenzo, combattuto tra la sua
vocazione libertina e la tentazione di un amore unico ed
eterno per la sola donna che abbia amato, Annetta.
L’amore per questa donna ritrovata dopo anni di lon-
tananza e la difficile impresa di riconquista, dopo la sco-
perta di Annetta - proprio come accade nell’opera
mozartiana - del lungo elenco delle sue avventure,
influirà sull’opera dello scrittore e contribuirà a dare
quel tocco di immortalità proprio dei capolavori.
Music In ! Novembre-Dicembre 2009 SOUND
tracking
VIOLA DI MARE Merita d’essere visto solo CINEMA E STEREOTIPO Ciò METROPOLIS Nella
perché meritava d’essere letto, per dire «Non c’è che gli americani vogliono farci THE SOLOIST Non città muta le musiche di
paragone» ascoltando qualcosa della Nannini credere degli arabi. Aladino a parte lo vedremo mai. Aljoscha Zimmerman

VIOLA
Mio padre lo voleva maschio. Doveva essere per forza
ARABINMACCHINA

DI MARE
come lui, il figlio del curatolo delle cave di tufo di Cala
di Tramontana. Una femmina è roba di signorine,
tutti sono capaci. Digli che sono una femmina. Sono
nata io. Una femmina, papà. Rassegnati, sono io.
Ecco, io sono nata così. E lo giuro, c’era la luna piena

di Rita Barbaresi

L
a viola di mare è un pesce ermafrodita che
transita nella fase maschile. In Sicilia lo
chiamano anche «minchia di re», da cui
Giacomo Pilati trae il titolo per un romanzo che
racconta dal 2004. Meritava di essere letto per i
nella Sicilia dell’800. Tematiche ancora al cen-
tro di mille dibattiti, molto più semplicemente
una storia popolare satura d’amore.
Merita d’esser visto - Viola di mare - per i
medesimi motivi. La regista Donatella Maiorca
merito: alleggerire un prologo troppo lungo e
lento. Scorre il film e istintivamente la musica
avverte l’inconscio: è fuori contesto, non è affat-
to in sintonia con il film. Siamo abituati a colon- di Alessandra Fabbretti
ne sonore fedeli e mansuete, suddite della storia;

temi trattati: pregiudizio, soprusi, la vergogna di
una famiglia per un amore omosessuale vissuto
- tornata al cinema 10 anni dopo un film dal tito-
lo simile, Viol@ - porta sul grande schermo que-
sto amore nato tra le zagare di un’isola del
Mediterraneo. Ma il valore aggiunto - accelera-
zione di cui il film aveva bisogno per non
disperdere l’incanto della storia - è nella colon-
na sonora, firmata da Gianna Nannini con la
collaborazione di Wil Malone (produttore degli
ultimi due album della rocker senese). È proprio
lei ad affermare che per far arrivare al pubblico
la magia del luogo con l’odore del tufo di
Favignana era indispensabile il suono acustico
della chitarra, suono acido del rock.
Brava la Maiorca a decidere di contrastare le
immagini dolci, drammatiche e romantiche di
una storia popolare con una colonna sonora
fuori dagli schemi classicheggianti; brava la
Nannini a raccogliere la provocazione con un
la senese, invece, rompe l’idillio e superbamen-
te graffia e conduce alle pagine di Minchia di
Re, ad Angela (Valeria Solarino) e Sara (Isabella
Ragonese) che si desiderano consapevoli che
«ci sarà qualcosa nei tuoi occhi viola, ci sarà
qualcosa nella vita per cui valga la pena».
Viene naturale ascoltando Sogno andare alle
immagini del video Attimo (protagonista la stes-
sa Solarino) e capire quanto piaccia alla Nannini
restar fuori dagli schemi musicali (e non).
Solo la presenza spregiudicata della sacerdo-
tessa del rock italiano ha consentito a questo
Viola di mare di non entrare in quella categoria di
film didascalici che, come spesso accade, sono i
figli di una presunzione tipica di alcuni registi,
che si ostinano a rovinare traducendo in immagi-
ni pagine di romanzi meritevoli di notorietà a pre-
scindere dal distacco miope dello schermo.
C
he tipo di immagine offre il cinema made
in Usa degli arabi? «Fatta qualche ecce-
zione, si tratta di un’immagine stereoti-
pata. La società appare retrograda, lontana
dalla modernità, schiava dell’Islam e - peggio
ancora - dell’islamismo», afferma Habib Attia,
produttore televisivo e cinematografico tunisi-
no e direttore generale della Cinetelefilms, la
prima compagnia di produzione tunisina priva-
ta che punta sullo sviluppo di co-produzioni
con l’Europa e sta lavorando su un progetto di
co-produzione con l’Italia. Non sbaglia.
Il grande schermo hollywoodiano è popolato
di ricchi sceicchi che dilapidano dollari e giova-
ni danzatrici sempre sorridenti e disponibili. La
cinematografia allude con ripetitività alla cultu-
ra arabo-musulmana, ma in modo errato fin
quando la parola arabo voglia suggerire solo, in
un contesto di paesaggi esotici, sinuose fanciul-
le e pericolosi individui pronti a far saltare in

ME Q
u a n d o il cinema non aveva voce, erano le
immagini e la musica a raccontare una sto-
ria. Questa sinergia ha dato luce a capolavori
aria l’Occidente.
colonne sonore per film muti (da Ernst Lubitsch Gli appassionati di Indiana Jones non possono
a Chaplin e Buster Keaton) presente l’11 novem- non ricordare la scena ne I predatori dell’arca
bre all’Auditorium Parco della Musica e il 13 perduta in cui Harrison Ford abbatte con un

TRO
che ancora oggi non hanno perso di fascino:
Metropolis di Fritz Lang è uno di questi. Uscito
per la prima volta nelle sale cinematografiche
nel 1927, nel 2001 è stato restaurato e dichiara-
novembre al Teatro Cassia per suonare dal vivo colpo di pistola il tracotante guerriero arabo
con la sua orchestra le musiche originali da lui vestito di nero. Altrettanto feroci, ma incapaci,
composte. La storia è storia: Metropolis è una sono i terroristi contro cui si cimenta Arnold
città immaginaria (ma quanto?) i cui abitanti Schwarzenegger in True Lies (1994), mentre

PO
to patrimonio dell’umanità dall’Unesco; la sua
sceneggiatura ha ispirato molti compositori a
creare per la pellicola un commento sonoro.
Il primo fu G. Huppertz nel 1926, negli anni
vivono su due livelli diversi, rigorosamente Doc, l’eccentrico co-protagonista di Ritorno al
distinti: in superficie vivono quelli che comanda- futuro (1985), viene preso a colpi di kalashnikov
no, nella città sotterranea tutti gli altri. da alcuni terroristi libici. In Hot Shots 2 (1993)
Considerato da molti il capostipite dei film di l’intera missione dell’agente Topper (Charlie

LIS
80 fu Giorgio Moroder a realizzare una versione
rock - tra i brani inseriti anche Love Kills di
Freddie Mercury - fino ad arrivare ai nostri gior-
ni e ad Aljoscha Zimmerman, autore di oltre 400
fantascienza, Metropolis è molto di più: il rac-
conto attuale dei pericoli insiti in una società
rigidamente divisa in classi sociali, d’incomuni-
cabilità, d’ingiustizia. (Roberta Mastruzzi)
Sheen) si svolge in Iraq per salvare dalla prigio-
nia alcuni soldati americani ed è lo stesso presi-
dente degli Stati Uniti ad affrontare in un duello
stile Star Wars il dittatore Saddam Hussein.
Politically incorrect.

THE SOLOIST
L’ennesimo film che in Italia non vedremo, la colonna sonora di un grande
Dario Marianelli che scaricheremo illegalmente, lo scotto che pagheremo
all’ignoranza di una distribuzione venale che plagia i suoi stessi spettatori
di Flavio Fabbri a dare un nuovo senso alla propria vita. Ne nasce una storia di grande
amicizia, di amore per il prossimo e di rinnovata voglia di vivere, grazie
anche alla musica.
Ma The Soloist non è solo questo, perché Nathaniel e Steve esistono
per davvero. Le musiche del film, bellissime, sono state scritte da un otti-
mo Dario Marianelli, al suo terzo lavoro con Wright e già vincitore di un
Alan Nadel, docente nella Rutgers University
(Kentuky, Usa) in uno studio analizza il celebre
cartone della Walt Disney Aladdin (1992), e
avanza una teoria: realizzato durante il conflit-
to del Golfo, esso contro tendenza intendeva
offrire una visione innovatrice degli arabi, dove
i «vecchi» venivano sostituiti con i «nuovi».
Aladdin e Jasmine abbraccerebbero i valori
americani, rifiutando il passato e le tradizioni.
Per avvalorare la propria tesi Nadel cita una
strofa della canzone cantata dagli innamorati
nella famosa scena del volo sul tappeto magico,
A Whole New World: «I can’t go back to where
I used to be», non posso tornare dov’ero.
Nel mondo della musica, invece, una singola-
re inversione di tendenza. Diversi studiosi
hanno confermato un avvicinamento del pub-
blico a quella araba proprio in seguito agli

«T he Soloist» è innanzitutto una grande storia di amore per la

musica e per la vita. Una storia che in Italia probabilmente
non vedremo mai al cinema, l’ennesimo caso di ottimo cine-
ma che non troverà mai una distribuzione, l’altra occasione perduta dal
nostro mercato per proporre al pubblico italiano una bella storia: commo-
vente, costruttiva, socialmente impegnata, istruttiva e piena di buoni pro-
positi. Il Joe Wright di Orgoglio e Pregiudizio ed Espiazione, vincitore di
tanti premi ai festival di Boston, Chicago e ai Bafta Awards, non proprio
l’ultimo arrivato, con grandi incassi ai botteghini e al mercato homevi-
deo. Ma allora, perché questo film non è nelle nostre sale?
Negli Usa è uscito ad aprile scorso, in Gran Bretagna a settembre, il
resto delle uscite programmate arriva fino a febbraio 2010, proponendo
il film in ordine di debutto nelle sale tedesche, spagnole, greche, olande-
si, francesi e scandinave, compresa l’Europa dell’Est. Non ha incassato
molto, è vero - solo 33 milioni di dollari a fronte di una spesa di produ-
zione di 60 milioni - e forse anche qui sta la ragione di tale ‘svista distri-
butiva’. Di questi tempi non c’è tanta voglia di rischiare.
La storia è bella. Nathaniel Ayers (Jamie Foxx) è un ragazzo di colore
schizofrenico che vive da clochard e suona un violoncello scassato (con
sole due corde) ai bordi delle strade. Steve Lopez (Robert Downey Jr.) è
invece un giornalista nel mezzo di una crisi di nervi, che nella ricerca di
una storia da raccontare s’imbatte nell’artista disabile e a sua volta riesce
Golden Globe come miglior colonna sonora per Espiazione, proponendo
(già nel trailer ufficiale) il Prelude Cello Suite No. 1 di John Sebastian
Bach e One Day Like This degli Elbow, attingendo inoltre a piene mani
dalla bravura del violoncellista Ben Hong. Il resto dei componimenti
sono presi da Ludwig van Beethoven, Neil Diamond e Jerry Jeff Walker.
Con tali presupposti, perché la Universal Pictures non distribuirà que-
sto film in Italia? Si parla tanto di contenuti di qualità, di mercato ‘alto’,
di valor aggiunto della musica ai prodotti cinematografici, che poi si fini-
sce sempre a guardare alla fiction televisiva o a gioielli rari del cinema
italico (come gli acclamati Gomorra e Il divo). Se proprio i distributori
non vogliono correre rischi, perché non uscire dal circuito delle sale cine-
matografiche ed entrare su altre piattaforme di distribuzione?
C’è il web oltre alle sale, ci sono le pay-tv, si potrebbero decidere delle
uscite (windows) in contemporanea o a poca distanza, ovvero su piatta-
forme scelte (satellite, digitale terrestre, Internet). Soluzioni non manca-
no per chi voglia (davvero e in cuor suo) combattere la pirateria digitale
del download illegale. Per un buon prodotto c’è sempre un prezzo giusto,
che tutti sono disposti a pagare. Forse ciò che manca in questo Paese è la
voglia di far vedere del buon cinema e di far sentire della buona musica
al di là dei noiosissimi ‘cinepanettoni’ e ‘cinecocomeri’ che tanto piaccio-
no. Soldi facili contro buon gusto e storie avvincenti? Inutile accettare la
sfida, in Italia sappiamo già come va a finire. (Noi lo scaricheremo).
attacchi del 2001: c’è chi li teme, ma c’è anche
chi nutre curiosità e interesse per un universo
tanto lontano e composito. Così numerose star
spiccano il volo proprio dopo la data critica
dell’11-09, come la bella libanese Nancy
Ajram, che nel 2008 vince il World Music
Award per le vendite ed è la prima testimonial
scelta dalla Coca Cola per il mondo arabo.
Dawn Elder, vicepresidente di una delle eti-
chette commerciali che più hanno contribuito al
boom dell’Arab music negli States, Mondo
Melodia, si dimostra molto ottimista: gli appas-
sionati non diminuiranno, tutto il contrario.
Dopo il 9/11 molti concerti furono annullati
dagli stessi musicisti arabi che, per rispetto,
preferirono non esibirsi. «In quel momento li ho
capiti-sostiene Elder-ma mai come ora la gente
dimostra di voler conoscere il Nord Africa e il
Medioriente. È come se ci dicesse: ne vogliamo
sapere di più!». Staremo a vedere se i grandi
della music industry saranno in grado di coglie-
re questo non sottile messaggio.
 BALLET IPERCORPO Intervista Un soda- FLAMENCO. Il critico si affidi al
Music In ! Novembre-Dicembre 2009

IL LAGO DEI CIGNI Rimpiangendo il passato

a cura di ROSSELLA GAUDENZI lizio lega cinque compagnie nazio- pubblico: c’è una sanguigna Fuensanta e sperando nel futuro senza mai essere soddisfat-
nali multidisciplinari all’avanguardia La Moneta tra la luna e gli uomini. to del presente: così ho trascorso la mia vita.

IPERCORPO
«Nanou» è innanzitutto un nome di donna; identifica un
a cura di Rossella Gaudenzi

prodotto nato dall’unione di tre persone ma che si riassu-

me in una persona terza. È inoltre il titolo di un film del
1986, è il titolo di una canzone, è il nome di un vulcano
australiano, e in dialetto romagnolo significa «mio caro»

cano australiano. Infine, per rimanere radicati alle nostre origi-

ni, in dialetto romagnolo significa «mio caro». Gruppo in quan-
to fa capo a competenze unite in linea orizzontale e non vertica-
le: le mie di attore e danzatore, quelle di Rhuena di danzatrice
ed ex ginnasta, quelle di Roberto di sound designer ed esperto di
post produzione.
Qual’è la natura del network-festival IperCorpo, e quale

C
ominciamo con il parlare di un network: una rete di pro-
getti collegati tra loro per la condivisione di modi, finali-
tà e programmi. Il network in questione nasce nel 2006 e
si chiama IperCorpo, il sodalizio lega 5 compagnie nazionali
multidisciplinari all’avanguardia: Città di Ebla, Santasangre,
Gruppo Nanou, Cosmesi, Ooffouro. «IperCorpo», il festival di
danza, teatro, musica, video e arti visive (Forlì, 18 settembre-3
ottobre), è giunto alla IV edizione: una sede di sperimentazioni e
confronti, un laboratorio creativo senza confini di genere. La
voce di Marco Valerio Amico, attore e danzatore, racconta il
Gruppo Nanou (finalista del Premio Equilibrio all’Auditorium di
Roma nel 2008), che nasce a Ravenna nel 2004 ed è composto,
oltre a lui, da Rhuena Bracci e Roberto Rettura, in scena a Forlì
con Motel (Faccende Personali)-Prima Stanza.
Gruppo Nanou: la prima curiosità che nasce è sulla natura
di questo nome.
Nanou raccoglie una pluralità di significati: è innanzitutto un
nome di donna; identifica un prodotto nato dall’unione di tre
persone, ma che non incarna nessuna delle tre perché si riassu-
me in una persona terza. È inoltre il titolo di un film (C.
Templeman, 1986), è il titolo di una canzone, è il nome di un vul-
tipo di sinergia lega le 5 compagnie che lo compongono?
Il progetto IperCorpo nasce dapprima dall’interazione delle
compagnie Città di Ebla di Forlì e dei romani Santasangre, volto
ad inventare realtà giovani attraverso un’esperienza di scambio;
i Santasangre rappresentavano una realtà isolata a Roma, che
approdando nella città romagnola ha potuto trovare un confron-
to reale con diversi artisti, basato su un vero rapporto di amici-
zia. Claudio Angelini della compagnia Città di Ebla ha poi invi-
tato altri gruppi; abbiamo così trovato un contatto artistico che
ci ha permesso di continuare a sviluppare, come singole indivi-
dualità, i singoli linguaggi. Non si può assolutamente parlare di
una lobby strutturata al fine di ottenere finanziamenti, né propo-
niamo un «pacchetto» commerciale che abbia un suo riconosci-
mento artistico. Non esiste, per dirla in breve, una «generazione
ipercorpo».
L’ultimo lavoro del Gruppo Nanou Motel (Faccende
Personali)-Prima Stanza ha ricevuto un paragone lusinghiero da
parte del critico Rodolfo Di Giammarco: Marco Valerio Amico e
Rhuena Bracci sono stati definiti realizzatori di «tableaux
vivants minimalistici che paiono ispirarsi a stupendi quadri
imborghesiti di Hopper». Un tavolo centrale, due sedie, una gab-
bia per uccellini e un tappeto. Due performers che sembrano
sospesi, quasi una sorta di En Attendant Godot del XXI secolo
rafforzato da magistrali effetti di luci e suoni.
«Lo spettacolo Motel (Faccende Personali)-Prima Stanza,
della durata di 30 minuti, è il primo atto di una trilogia suddivi-
sa in stanze. Elementi forti del nostro lavoro sono, da sempre, i
suoni e le luci. Quanto ai suoni, Roberto procede con un lavoro
di microfonatura, utilizziamo perlopiù suoni reali che vengono
campionati e rielaborati digitalmente. Il risultato è una ‘dram-
maturgia sonora’ in cui c’è un continuo passaggio tra ciò che è
presente in scena e ciò che è evocato. Le luci vogliono essere di
forte effetto e in questo il lavoro di Fabio Sajiz è esemplare, è in
grado di dare l’effetto di un’intimità spiata, più che gettata
addosso. Il motel è un asettico non-luogo, i due personaggi in
scena lasciano intravedere la preparazione di una cena, ma
lasciano anche ad intendere che qualcosa si svolge al di fuori di
quelle quattro mura».
«Non c’è nessun messaggio da esplicitare, bensì un invito. Il
tentativo è quello di lasciare spazio al vuoto narrativo; lo spet-
tatore può e deve metterci del suo, senza essere guidato nella
visione e nell’interpretazione».

IL LAGO DEI CIGNI

orse più spesso il critico, di qualsivoglia forma arti-
stica, dovrebbe affidarsi al pubblico in sala e tenere
in giusta considerazione - ponderare - il riscontro
che questo pubblico esprime.
Come quello per la terza edizione di «Flamenco!», il
festival creato dalla Fondazione Musica per Roma che ha
riunito per 11 giorni autunnali gli appassionati del fla-
menco tutto, non trascurando nessuna disciplina nelle tre
categorie rappresentate, cante, toque e baile. Per il
primo, tre interpreti: Esperanza Fernàndez, Diego El
Cigala, El Pele; due per il toque (la chitarra accompagna-
ta dal ritmo di palmas y tacones), il sassofonista valen-
ciano Perico Sambeat e il chitarrista Juan Manuel
Canizares.
Quindi, el baile: quale migliore inaugurazione se non
l’irruenta presenza sulla scena della sanguigna Fuensanta
Fresneda Galera «La Moneta»? Uno strepitoso De entre
la luna y los hombres per un’ora e mezza di struggente
interpretazione. Un plauso che doverosamente si estende
ai chitarristi Miguel e Paco Iglesias, alla cantante Eva
Duran, alle capacità percussive di Josè Carrasco. La
padronanza assoluta di una tecnica solida appresa dai
migliori maestri è rafforzata dalla carica drammatica ed
espressiva che solo l’esperienza formativa di chi si è esi-
bito nei tablaos può possedere.
Non un posto vuoto, il pubblico in visibilio palpita
all’unisono con l’artista. Assiste al cambio di vesti e al pas-
saggio tra i colori tradizionali del flamenco: bianco, nero,
rosso. Assiste al passaggio tra ruoli talvolta nettamente
definiti, talvolta talmente sfumati da perdersi, come in un
gioco: così la virilità dell’hombre può sciogliersi in morbi-
de costruzioni e quello della mujer può oscillare tra una
femminilità sfacciata e un’aggressività ed un piglio felini.
Seducente il gioco di simmetrie che proietta su due
grandi teli la ballerina in video in differenti momenti.
Fuensanta la Moneta diviene una e trina: campeggia sulla
scena in carne ed ossa e si ammira e fa ammirare proiet-
tata sul telone. Poi i fantasmi scompaiono e la ballerina,
nuovamente sola in campo, torna a catturare l’attenzione
generale. Sul palco si è affacciato un intero mondo, o
meglio, uno stile di vita. Tanto distante da quello espres-
so dal balletto classico da poter sembrare al confronto
addirittura sgraziato. O lo si ama o lo si odia, ma quando
lo si ama ed è così ben fatto il consenso è universale. Non
di Livia Oreste
Questo è il Fato, [...] Invincibile, non lo
domini mai. Non resta che rassegnarsi.
Così tutta la vita è un’alternanza ininter-
rotta di pesante realtà, sogni fugaci e
fantasie di felicità... Non c’è approdo.
Vaga per questo mare, finché esso non ti
avvolge e ti inghiotte nelle sue profondità.
www.youtube.com/musicinchannel
I nostri cameramen sono lì fuori
Music In Video è videointerviste, riprese, showreels,
musica in movimento e i vostri video in anteprima
Music In Channel > redazione@musicin.eu
IL
Lago dei Cigni è il primo dei tre
balletti di P. I. Tchaikovsky che
egli compose con grande entusia-
smo tra il 1875 e 1876, traendo ispira-
zione dalla tradizione favolistica tede-
sca e dalle tematiche romantiche.
Dall’intenso lavoro nacque una musica
ricca di fascino e di colore che, però,
risultò troppo impegnativa per i balle-
rini che necessitavano di ritmi più sem-
plici: fu quindi modificata per esigenze
coreografiche.
Quello che sarebbe diventato il
«balletto dei balletti» venne accolto
con grande freddezza e, dopo poche
repliche, ritirato dalle scene. Negli
anni successivi alla sfortunata prima,
la massima autorità allora riconosciuta
nel mondo della danza - il marsigliese
Marius Petipa, impareggiabile mae-
stro di danza del Balletto Imperiale di
San Pietroburgo - progettava una
riforma del balletto, convinto che l’in-
successo non fosse da imputare alla
musica ma all’allestimento. Con l’aiu-
to del suo collaboratore Lev Ivanov e
del maestro Riccardo Eugenio Drigo,
riordinò le sequenze musicali secondo
più giuste esigenze drammaturgiche.
L’opera, come oggi la conosciamo,
si fonda sui due temi fondamentali
della danza ottocentesca: realtà e
sogno. La calda atmosfera romantica e
la perfetta armonia tra la parte lirica e
quella drammatica fa del Lago dei
cigni una delle opere più importanti
del repertorio ballettistico. La poesia
del tema d’amore esercita un fascino
durevole rappresentando la romantica
aspirazione verso un ideale irraggiun-
gibile: la donna-cigno bianca, figura
emblematica ed eterea, alla quale si
contrappone la donna cigno nero,
enigmatica e seducente. Le due figure
celano archetipi e dicotomie dell’amor
sacro e dell’amor profano, di Eros e
Thanatos, del bene e del male.
L’opera è il più completo omaggio
alla bravura della prima ballerina, un
cigno, chiamata ad essere di volta in
volta simbolo di estrema dolcezza o di
assoluta malvagità. Sono necessarie
grandi doti tecniche e interpretative
per comunicare al pubblico lo spesso-
re psicologico e la complessità del
doppio personaggio Odette/Odile:
proprio per questo, al Teatro
dell’Opera dal 27 novembre al 2
dicembre, ci si affida all’interpreta-
zione di grandi ètoile internazionali
del calibro di Svetlana Zakarhova.
Con le sue ideali proporzioni, la tec-
nica cristallina e la delicata intensità si
dimostra interprete d’eccellenza; ogni
piccolo gesto, ogni passo, ogni port de
bras strega il pubblico. Impossibile
distogliere lo sguardo da un corpo ete-
reo che, come suggerisce ogni passo
sulle punte, tende ad innalzarsi al cielo
con emozioni fortemente terrene.
Music In ! Novembre-Dicembre 2009

KATIA LABÈQUE Shape of my Heart La QUARTETTO NAZIONALE Senza fil- PONENTINO TRIO Ruma Però,
FEED
back
falda del mio cappello nasconde gli occhi di tro Stanno abituandoci a sonorità melodi- si co’ ‘sto canto, io v’ho svejato, a cura di ROMINA CIUFFA
una bestia che solo lei, al piano, sa calmare che groove che ci spalancano le orecchie m’aricommanno che me perdonate

PONENTINO TRIO - RUMA

KATIA LABÈQUE - SHAPE OF MY HEART
BEYOND No, non è un refuso. Questo ne», fontana con la quale abbeveriamo i turisti
CLASSICA Questo album merita non parole, ma silenzi. Per tale motivo tutto ciò &further album si chiama Ruma, una che ci sfamano. Questo bel Ruma - dopo un pre-
cedente Roma, lo senti er Ponentino? scalpitavo
MENTE che sto per dire deve suonarvi come la lavatrice che gira mentre la possibile etimologia - rilevano -
radio passa Chick Corea. Appunto: terza traccia, We will meet again che risale alla lingua degli Oschi, popolazione sotto al fico perché Rumina ne benedisse un
(Bill Evans) riarrangiata da lui e, mentre il duo suona due pianoforti, la lavatrice è in pre- indoeuropea di ceppo sannitico della Campania secondo - raccoglie ancora repertorio romane-
lavaggio ma non la si sente più. Non voglio, non devo assolutamente cadere nel tranello, antica pre-romana, cui si riconduce una pluralità sco con le più belle canzoni antiche e moderne e
non io, non quello di dire che i primi due brani - Moon over Bourbon Street e Shape of my di popoli dell’Italia meridionale. Possiamo sceglie- i testi basati sulle poesie di Trilussa, Belli,
heart di Sting - hanno fatto breccia in quel luogo dentro di me dove l’alcol è l’unico appi- re tra due significati: «colle» o «zinna» (la zinna Pascarella etc. (c’è un affabulatore nel gruppo).
glio per amare, un luogo in cui prima solo «Leaving Las romana è la tetta italiana). Preferiamo la secon- Tra cui La povera Cecija, Sinnò me moro, Li
Vegas» mi aveva rinchiuso. da se diamo rilievo alla presenza, nella nostra nummeri, Cristo al mandrione, Il walzer della
È che adoro girare per New Orleans ubriaca quando romanità, di una lupa che ci ha sfamato (io, per- toppa, Più semo
c’è luna piena. La falda del mio cappello nasconde gli sonalmente, la compro perché il mio nome deri- e mejo stamo,
occhi di una bestia, ho il viso di un peccatore e le mani va da Romolo). Scegliamo colle, invece, se è che ad ascoltarli
di un prete. Non posso cadere nella tentazione di domenica e andiamo a Squarciarelli a fa’ ‘na gita «nde ‘sta serata
recensire Sting se è lei che lo accompagna, la pianista a li Castelli - traccia 12 - ma è chiaro, ci fa como- piena de dorcez-
preferita di Madonna, cui Miles Davis dedica due brani do utilizzarli entrambi, a seconda che sia giorno za pare che nun
- Katia Prelude e Katia (You’re under arrest, 1985) -, o che sia notte, per due diversi, irrinunciabili vizi. esisteno dolori»
francese e un po’ italiana per una madre, Ada Cecchi, La dea Rumina o Ruma era una «zinnona» indi- (Nina, si voi dor-
nata a Torre del Lago ed ex-allieva di Marguerite Long. gena, protettrice dei lattanti e degli armenti, ed mite).
C’è in quest’album anche una sorella che non c’è, aveva un sacello in riva al Tevere proprio presso Loro cantano
Marielle, dalla quale pianisticamente solo qui si separa il fico detto «ruminale». Sotto l’ombra del fico, tanto pe’ cantà,
(la loro Rapsodia in Blu di George Gershwin ha vendu- nella stagione calda, ruminavano i buoi, mentre i noi li ascoltiamo
to oltre 500mila copie) e con la quale - fraterna sbalor- pecorari andavano al sacello ad offrirle latte. perché ce piace-
ditiva carriera - ha fondato la KML Recordings per lo Oggi là sotto a prendere il ponentino ci va questo no. E - nostalgia di
sviluppo e la diffusione del repertorio per due pianofor- Trio, nato durante la Festa de’ Noantri 2004. Gabriella Ferri - accade un classico: il friccicore
ti. La lavatrice è un rombo, i panni sporchi si lavano in casa. Dà la copertina all’album di Cesario Oliva (chitar- ar core (mettice ‘na pezza).
Ma, mentre io sono ancora sotto una finestra di notte a combattere il mio istinto bestia- ra e voce), Daniela De Angelis (voce) e
le sotto una pallida luce lunare, tutt’a un tratto al piano con lei va a sedersi Herbie Costantino Pucci (affabulatore, clown) il «naso- Romina Ciuffa
Hancock per darmi un classico, My Funny Valentine, qui a Bourbon Street con questa bot-
tiglia mezza vuota, mai mezza piena, di whiskey. Provo a ricordare, me lo ripetevo prima
di ubriacarmi, devo amare ciò che distruggo e distruggere ciò che amo - devo amare ciò
che distruggo e distruggere ciò che amo, come una tiritera insisto ma c’è Chopin, ora. MONO - HYMN TO THE IMMORTAL WIND
Lei, sola, Chopin, Prélude n. 4, ed io sotto una luna da lampioni. (Centrifuga).
Gli occhi tesi a guardare la stessa finestra, nessuno si affaccia, poi capisce: ci vuole un
pezzo dei Radiohead (sceglie Exit Music), il lunare Notes to the future e, in formazione B ALTER
NATIVE
camente orientali. Sound dove l’intimità del-
for Bang (la B sta anche per Beatles) Because, Purple Diamond con David Chalmin, il suo l’emozione si mostra nuda e impotente di fron-
amato Satie con Gnossienne n. 3 e, al piano con Gonzàlo Rubalcaba in persona, Bésame Quinto lavoro in te alla forza espressiva del gruppo, alla sua
Mucho in controtempo, bacio sì e bacio no, come fosse stanotte l’ultima volta. L’ultima studio per i Mono, necessità di suonare, di farsi ascoltare attra-
volta è stata già, tanti anni fa. Bésame mucho non si dà ai lupi mannari, non ci voleva. quartetto capita- verso milioni di mp3 sincronizzati.
Ripara, la Labèque, cambiando ancora una volta registro, come piace a lei, con una nato da Takaakira I Mono dosano sempre con molta sapienza la
Meditation di Bernard Hermann da Wuthering Heights. Tempestosissime, queste cime, Goto, composto forza dei live, con la cura dei suoni digitali delle
ed è meditando che mi ricordo dei panni. da Tamaki Kunishi, loro produzioni. Ashes in the Snow, Battle to
Yasunocri Takada Heaven o Burial at sea, sono esempi della pro-
ROMINA CIUFFA e Yoda. fonda volontà di rappresentare il dramma dei
Sette le tracce che costituiscono Hymn to the corpi e delle note in conflitto, che il ‘vento
Immortal Wind (Conspiracy Records, 2009), immortale’ dei Mono trasforma e doma conti-
concept album vecchio stampo prodotto da nuamente. Un post-rock visionario e sinfonico
AMBROSE FIELD & JOHN POTTER - BEING DUFAY Steve Albini (Nirvana, Sonic Youth, Pixies, che in Italia ancora non trova riscontro, forse
Neurosis, Mogwai), centrato su cupi noises e anche per la miopia delle corporazioni della
BEYOND I vasti campi della musica campo della musica d’avanguardia; un’elettro- un’orchestra di 30 elementi, tra archi tardo- mediocrità targate MTV o X-Factor.
&further elettronica e delle nuove tec- nica che parte da ciò che è tangibile e lo tra- romantici, fiati, arrangiamenti sovrapposti e
nologie si riconfermano terri- sforma nel nuovo ed irrealizzabile; un’elettroni- danze emotive sostenute da percussioni tipi- Flavio Fabbri
torio fertile per una sperimentazione che non ca che esplora, pesca, riedita, combina, incide,
vuole essere simbolo di ricerca instancabile di sovrincide, trasforma, deforma, trasfigura ma
novità intellettuale, ma piuttosto fonte di nuove mai assale né prevale; diventa corpo sonoro, GRAZIA DI MICHELE - PASSAGGI SEGRETI
interpretazioni e letture di un passato storico fascio caleidoscopico polimorfo e quasi intangi-
che percepiamo come remoto, troppo spesso bile per riflettere la volontà di spingersi oltre le
dimenticato se non sconosciuto, alla luce di
come si è trasformata la concezione di arte e
possibilità della vocalità umana e trascenderle. PO PCK
pop&rock
La separazione
vista attraverso
ganza strumenti di altre
terre (tra cui stick, dholak,
musica al cospetto di una modernità quanto la stortura della tabla, banjo indiano) in un
mai conoscitrice e rispettosa. guerra (Anja), la disperazione tessuto armonico tradizio-
Ecco allora Guillame Dufay - il più grande com- dei clandestini, la solitudine del nale, ribadendo col suono
positore franco-fiammingo di polifonia di tutto il carcere, le dinamiche dell’amo- l’universalità dei temi trat-
XV secolo, attivissimo anche in diverse corti ita- re (Il resto è vita, Fino all’ultima tati (tra tutte si ascolti Il dirit-
liane e autore imprescindibile per i nostri carezza), ma anche la tensione to di amare).
monumenti nazionali quali Palestrina e erotica che attraversa la vita Collaborazioni col brindisi-
Monteverdi - rivivere nel 2009, tra sacro e pro- nelle sue varie fasi (Allo sbara- no Bungaro - nella scrittu-
fano, come se dal ‘400 avesse potuto conti- glio, Autunno perfetto), fino ra di due brani - e con il
nuare a fare musica, attraversando tutti gli svi- all’ironica rappresentazione dei poeta Raffaele Pietrangeli
luppi e le correnti, per giungere sino ai giorni modelli televisivi. in altri due. Elementi che
nostri cambiato, ma memore delle sue origini. Sembra come se la tecnica del «cantus fir- Grazia Di Michele dà alla luce un album bello e uniti alla versatilità interpretativa di Grazia Di
E le strutture complesse della sua polifonia, in mus», stra-abusata da Dufay, potesse rivivere controcorrente, in un periodo in cui i cantauto- Michele, che si muove con disinvoltura tra
cui ogni cosa è calcolata a puntino, si specchia- ancora e rendere le sue stesse composizioni ri scelgono di rifugiarsi nell’intimismo puro. armonizzazioni jazz (Il mare in una stanza), folk
no nei paesaggi sonori creati dall’elettronica di «cantus firmus» di una composizione ulteriore, Argomenti importanti e nessuna vuota retori- (Caterina) e pura linea melodica (duetta con
Ambrose Field, vero esperto di musica quadri- più ampia, distesa, immensa, che non è tributo ca: uno sguardo attento sulla realtà, per offrir- un insolito Massimo Ranieri ne L’amore va in
fonica, magnifico nel creare landscapes artifi- passivo verso un passato la cui immensità si ci una chiave di lettura emotiva. All’intenso liri- scena), contribuiscono a fare di Passaggi
ciali con l’ausilio di suoni campionati dalla natu- estende per secoli (come sempre avviene per smo dei testi corrisponde una trama melodica segreti uno dei migliori album cantautorali ita-
ra o dal contesto urbano. gli artisti «da repertorio»), ma un modo nuovo sapientemente semplice, arricchita da arran- liani degli ultimi tempi.
Un’elettronica che si avvale della voce del teno- ed odierno di «essere Dufay». giamenti originali: ottimo il lavoro di Filippo De
re inglese John Potter, membro dell’Hiliard Laura che è riuscito a inserire con gusto e ele- Nicola Cirillo
Ensemble, con esperienza già maturata nel Gianluca Gentile

MASSIVE ATTACK - SPLITTING THE ATOM

QUARTETTO NAZIONALE - SENZA FILTRO
J AZZ le. I Fantastic4 sono Alessandro Centofanti ALTNATIVE
ER C’era una volta il trip hop. Se si
dovesse pubblicare un libro sul
title track il gruppo si è affidato a due perso-
naggi divenuti presenze caratterizzanti di ogni
& blues (organo e tastiere), Marco Rinalduzzi (chitarra fiabesco suono degli anni 90, il produzione firmata Massive: Daddy G e
Opera prima del elettrica e acustica), Marco Siniscalco (basso capitolo sui seminali Massive Attack iniziereb- Horace Andy, un uomo che è parte essenziale
Quartetto nazionale elettrico e acustico), Marcello Surace (batteria), be così. Ma il favoloso stile della band di Bristol dell’intera storia del reggae. In Pray for the
finalmente, e senza e superpoteri «progressive». non si smentisce neppure nel nuovo millennio Rain è Tunde Adebimpe dei Tv On The Radio
filtro. Si realizza così Ottime sonorità blues innanzitutto, fuse a jazz e il recentissimo Splitting the Atom ne confer- ad accompagnare il gruppo, mentre le corde
il progetto da tempo e rock, le stesse che hanno iniziato a girare ma il talento in maniera ine- di Martina Topley Bird colo-
ambito di 4 musicisti per Roma e a rendersi note, orecchiate, attra- quivocabile. rano una nuova versione di
di grande esperien- verso i concerti degli ultimi mesi (anche Quattro nuovi brani, usciti Psyche, curata da Van
za, legati da tempo ai Marcello Rosa come special guest). dopo posticipi durati un Rivers & The Subliminal Kid.
più importanti palchi Senza filtro (Rinaldo Musica) propone perlopiù anno, preludio di un album C’è anche un altro remix,
del pop-rock italiano e internazionale e agli innu- brani inediti strumentali e vi affianca arrangia- previsto nel 2010. quello di Bulletproof Love,
merevoli contributi in studio di registrazione. menti complessi con soli strepitosi ne che valo- Gli ingredienti sono ormai composto da Christoff
Punto di partenza: groove, prelevato da trascor- rizzano il groove: energia, gusto e raffinatezza un classico: ritmiche legate Berg, con tanto di featurig
si rhythm’n’blues, jazz e rock. Percorso: scrittura dei musicisti. Linee chiare e semplici in coperti- alla dance più urbana, di Guy Garvey degli Elbow, a
di composizioni e arrangiamenti articolati, na come si richiede a chi fa musica, non grafi- arrangiamenti eterei, melo- chiudere questo capitolo
aggiunta di soli a ispirazione rock (Jimy Hendrix, ca. Infatti, contenuto articolato e imperdibile. die ipnotiche e attitudine della saga.
Brian Auger) e jazz (Jimmy Smith). Approdo: cinematografica. Non man-
forte componente melodica, totalmente origina- Rossella Gaudenzi cano le belle voci. Per la Stefano Cuzzocrea