Walter Benjamin (1936

)

La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica
Fuente: UCLA School of Theater, Film y Televisión ; Transcripción: por Andy Blunden 1998; a prueba y corregido febrero 2005. "Nuestras bellas artes se desarrollaron, sus tipos y usos se establecieron, en tiempos muy diferentes desde el presente, por hombres cuyo poder de acción sobre las cosas era insignificante en comparación con los nuestros. Pero el increíble crecimiento de nuestras técnicas, la adaptabilidad y la precisión que han alcanzado, las ideas y hábitos que están creando, lo convierten en una certeza que los cambios profundos son inminentes en el antiguo oficio de la Belleza. En todas las artes hay un componente físico que ya no pueden ser considerados ni tratados como lo que solía ser, que no pueden verse afectadas por nuestro conocimiento moderno y el poder. Durante los últimos veinte años ni la materia ni el espacio ni el tiempo ha sido lo que fue desde tiempo inmemorial. Tenemos que esperar grandes innovaciones para transformar toda la técnica de las artes, lo que afecta la invención artística en sí y tal vez hasta lograr un cambio asombroso en nuestra noción misma del arte. " Paul Valéry, Pièces sur L'Art, 1931 Le conquête de l'ubiquite

Prólogo
Cuando Marx emprendió su crítica del modo de producción capitalista, este modo estaba en su infancia. Marx dirigió sus esfuerzos de tal manera que se les da valor pronóstico. Volvió a las condiciones básicas que subyacen la producción capitalista y por medio de su presentación mostró lo que se podía esperar del capitalismo en el futuro. El resultado fue que uno podía esperar, no sólo para explotar al proletariado con creciente intensidad, pero en última instancia para crear condiciones que hagan posible la abolición del propio capitalismo. La transformación de la superestructura, que se desarrolla mucho más lentamente que el de la subestructura, ha tomado más de medio siglo a manifestarse en todos los ámbitos de la cultura del cambio en las condiciones de producción. Hoy mismo puede indicar qué forma ha tomado. Algunos requisitos pronósticos deben ser satisfechas por estas declaraciones. Sin embargo, las tesis sobre el arte del proletariado después de su asunción al poder o sobre el arte de una sociedad sin clases, tendría menos que ver con estas demandas que las tesis sobre las tendencias del desarrollo del arte en las condiciones actuales de producción. Su dialéctica no es menos perceptible en la superestructura que en la economía. Por tanto, sería un error subestimar el valor de la tesis como un arma. Ellos dejar de lado una serie de conceptos pasados de moda, como la creatividad y el ingenio, valor eterno y el misterio - cuyos conceptos no controlada (y en la actualidad casi incontrolable) la aplicación llevaría a un tratamiento de los datos en el sentido fascista. Los conceptos que se introducen en la teoría del arte en lo que sigue se diferencian de lo familiar en condiciones más que son completamente inútiles para

por primera vez para poner sus productos en el mercado. y comenzó a seguir el ritmo de la impresión. por otra parte. Yo En principio una obra de arte ha sido siempre reproducibles. Dado que el ojo percibe más rápidamente que la mano se puede dibujar. ha llevado el de mecánico en la literatura son una historia familiar. Los griegos sólo conocían dos procedimientos de reproducción técnica de obras de arte: la fundación y la estampación. sino que también habían . Con la técnica de la litografía de la reproducción llegó a un nuevo escenario en esencia. Los enormes cambios que la impresión. Estos esfuerzos convergentes hicieron previsible una situación que Paul Valéry apuntando hacia arriba en esta frase: "Así como el agua. por último. que aparecen y desaparecen en un simple movimiento de la la mano. Con el arte gráfico grabado en madera se convirtió en reproducible mecánicamente por primera vez. no sólo en un gran número como hasta ahora. por lo que se suministra con o auditiva imágenes visuales. representa algo nuevo. al principio de la litografía del siglo XIX hizo su aparición. avanzó de forma intermitente y en saltos de tarde en tarde. y. Al igual que la litografía prácticamente implicaba el periódico ilustrado. Este proceso mucho más directo fue distinguido por el trazado del dibujo sobre una piedra en lugar de la incisión en un bloque de madera o de su grabado en una placa de cobre y permitió que el arte gráfico. la fotografía liberó a la mano de lo artístico funciones más importantes que en adelante sólo descentralizadas sobre el ojo de mirar dentro de un lente. el proceso de reproducción pictórica se aceleró tan enormemente que podía seguir el ritmo del habla. La reproducción técnica del sonido fue derribado a finales del siglo pasado. Pero sólo unas pocas décadas después de su invención. reproducción de la escritura. pero con intensidad acelerada. la litografía fue superada por la fotografía. en el fenómeno que estamos examinando aquí desde la perspectiva de la historia del mundo. la impresión es más que una especial. sin embargo. por parte de terceros en la búsqueda de la ganancia. terracotas y monedas en las obras de arte únicas que podían producir en cantidad. Hechas por el hombre artefactos siempre podría ser imitado por los hombres. " Alrededor de 1900 técnicas de reproducción había alcanzado un nivel que no sólo le permitió reproducir todas las obras de transmisión del arte y de este modo hacer que el cambio más profundo en su impacto sobre el público. mucho antes de secuencia de comandos se convirtió en reproducibles mediante impresión. aunque muy importante. también lo hizo presagiar la fotografía el cine sonoro. la reproducción mecánica de una obra de arte.los fines del fascismo. útil para la formulación de exigencias revolucionarias en la política del arte. por los maestros para la difusión de sus obras. Litografía habilitado el arte gráfico para ilustrar la vida cotidiana. Durante la Edad Media el grabado y el aguafuerte se agregaron a la xilografía. Sin embargo. Bronces. el gas y la electricidad se ponen en nuestras casas desde lejos para satisfacer nuestras necesidades en respuesta a un esfuerzo mínimo. el caso. Un operador filmando una escena en el estudio capta las imágenes a la velocidad de un actor del habla. Réplicas realizados por los alumnos en la práctica de su oficio. Todos los demás eran únicos y no podía ser reproducidas por medios mecánicos. poco más que un signo. Son. Históricamente. sino también en el diario formas cambiantes. Por primera vez en el proceso de la reproducción pictórica.

permite que el original a transigir con el espectador. el proceso de reproducción se pueden poner de manifiesto los aspectos de la original que son inalcanzables a simple vista. por supuesto. Para el estudio de esta norma no es más revelador que la naturaleza de las repercusiones que estas dos manifestaciones distintas .se interfiere con el objeto natural mientras que no es vulnerable a este respecto. La presencia de la original es la condición previa para el concepto de autenticidad. Toda la esfera de la autenticidad está fuera de técnica . un núcleo más sensibles .han tenido sobre el arte en su forma tradicional. La catedral deja su localización para ser recibido en el estudio de un amante del arte. II Incluso la perfecta reproducción más de una obra de arte carece de un elemento: su presencia en el tiempo y el espacio. Las situaciones en las que el producto de la reproducción mecánica puede ser interpuesto no puede tocar el verdadero trabajo de arte. Por ejemplo. pero la calidad de su presencia siempre es depreciado. la reproducción técnica puede poner la copia de la original en situaciones que estarían fuera del alcance de la propia original. resuena en la sala. la primera. no sólo técnica la reproducibilidad. ya sea en forma de una fotografía o un disco fonográfico. realizada en un auditorio o al aire libre. En primer lugar. pero accesible a la lente. La autenticidad de una cosa es la esencia de todo lo que se transmite desde el principio. Frente a su reproducción manual. Esto incluye los cambios que pueda haber sufrido en la condición física a lo largo de los años. su autenticidad . los cambios de la propiedad están sujetas a una tradición que debe determinarse quién es la situación de la original. Y la reproducción fotográfica. al igual que la prueba de que un manuscrito de la Edad Media se debe a un archivo del siglo XV. como la ampliación o la cámara lenta. Dado que el testimonio histórico se basa en la autenticidad. puede capturar imágenes que escapan a la visión natural.es decir. lo que fue calificado de falso por lo general. Esta existencia única de la obra de arte determinan la historia a la que fue objeto durante el tiempo de su existencia. la producción coral. con la ayuda de ciertos procedimientos. así como los diversos cambios en su propiedad. el original conserva toda su autoridad. para un paisaje que pasa en la revisión ante el espectador en una película. Los análisis químicos de la pátina de un bronce puede ayudar a establecer esto. Sobre todo.la reproducción de obras de arte y el arte de la película . que es ajustable y elige su ángulo a voluntad. su existencia única en el lugar en que sucede ser. no así en relación con los técnicos de reproducción en relación. En segundo lugar. En el caso del objeto de arte. el proceso de reproducción es más independiente de la original que la reproducción manual. por ejemplo. también se ve amenazada por la reproducción cuando la duración del fondo deja de tener importancia. Las huellas de los primeros puede ser revelado por los análisis químicos o físicos a los que es imposible de realizar en una reproducción. Y lo que realmente está en peligro cuando el testimonio histórico se ve afectado es la autoridad del objeto.capturado a un lugar propio entre los procesos artísticos. Esto es válido no sólo para la obra de arte sino también. .y. desde su duración material a su testimonio de la historia que ha experimentado. en la fotografía. La razón es doble.

Se podría generalizar y decir: la técnica de reproducción separa el objeto reproducido del dominio de la tradición. Y si los cambios en el medio de la percepción contemporánea puede ser entendida como la decadencia del aura.. Al hacer reproducciones muchos sustitutos de una pluralidad de ejemplares de una existencia única. Este fenómeno es más palpable en las películas de historia. el modo de percepción humana cambia el modo de sentido con toda la humanidad de la existencia. Beethoven se hacen películas . Se define el aura de este último como el fenómeno único de la distancia. de esa rama. mitos y todas las mitologías de todo. las religiones y muy . En 1927 Abel Ganceexclamó con entusiasmo: "Shakespeare. Este es un proceso sintomático cuyo significado apunta más allá de la esfera del arte. la liquidación de los valores tradicionales del patrimonio cultural. usted siga con la mirada una cordillera en el horizonte o una rama que proyecta su sombra sobre usted. El concepto de aura que se propone más arriba con referencia a los objetos históricos útil puede ilustrarse con referencia al aura de los naturales. formal característica significativa que caracteriza la percepción en la época romana tardía. Ellos no intentaron . es inconcebible sin su. está determinada no sólo por la naturaleza. Su importancia social. Y al permitir la reproducción para satisfacer al espectador o el oyente en su propia situación particular.para mostrar las transformaciones sociales expresadas por estos cambios de percepción. esperan su resurrección al descubierto. Si. que resistieron el peso de la tradición clásica en las que estas formas de arte más tarde había sido enterrado. Riegl y Wickhoff. " Probablemente sin pretenderlo. Esta imagen hace que sea fácil de comprender las bases sociales de la . estos investigadores se limitaron a mostrar la. mientras descansa en una tarde de verano. Los expertos de la escuela de Viena. se reactiva la obra reproducida. Su agente más poderoso es la película. Sin embargo de largo alcance a su inteligencia. con sus grandes cambios de la población. sino por las circunstancias históricas también.. vio el nacimiento del arte romano tardío y la industria del Génesis de Viena. todas las leyendas. usted experimenta el aura de esas montañas. es decir. lanzó una invitación a una liquidación de gran alcance ahora. fueron los primeros en sacar conclusiones de ellos con respecto a la organización de la percepción en el momento. Estos dos procesos que conducen a una tremenda rotura de la tradición que es el anverso de la crisis contemporánea y la renovación de la humanidad. sino también un nuevo tipo de percepción. catártico aspecto destructivo. tal vez. Las condiciones para una comprensión semejante son más favorables en el presente. el medio en el que se lleva a cabo. no vio ninguna manera . y no sólo desarrolló un arte diferente a la de la antigüedad.Uno podría subsumir el elemento eliminado en el término "aura" y van a decir: lo que se marchita en la era de la reproducción mecánica es el aura de la obra de arte. El siglo V. La forma en que se organiza la percepción humana sentido. por muy que sea. III Durante largos períodos de la historia. es posible mostrar sus causas sociales. Rembrandt.. particularmente en su forma más positiva. Se extiende a cada vez nuevas posiciones. todos los fundadores de la religión. Ambos procesos están íntimamente relacionados con los movimientos de masas contemporánea.. y los héroes se agolpan en la puerta.y.

) Un análisis del arte en la era de la reproducción mecánica debe hacer justicia a estas relaciones. Ambos. Es significativo que la existencia de la obra de arte con referencia a su aura nunca es completamente independiente de su función ritual. que se ha hecho evidente un siglo más tarde. los cuales están relacionados con la importancia creciente de las masas en la vida contemporánea. En otras palabras.primero lo mágico. la fotografía. Mallarmé fue el primero en adoptar esta posición. para destruir su aura. que lo consideraba como un ídolo de mal agüero. tuvieron que hacer frente también con su singularidad. Para un mayor grado siempre la obra de arte reproducida se convierte en la obra de arte diseñada para la reproducibilidad. incluso en lo profano formas la mayor parte del culto a la belleza. el arte reaccionó con la doctrina de l'art pour l'art. Se basa en dos circunstancias. Originalmente. que hizo es un objeto de veneración. el deseo de las masas contemporáneas a llevar las cosas "más cerca" espacial y humanamente. Esto dio lugar a lo que podríamos llamar una teología negativa en el sentido de la idea de "puro" del arte. En ese momento. entonces el tipo religioso. Esta misma tradición es bien viva y cambiante en extremo. aunque remota. El culto secular de la belleza. simultáneamente con el surgimiento del socialismo. Para apalancar un objeto de su concha. Esta base ritual. Una antigua estatua de Venus. que no sólo negó cualquier función social del arte. el valor único de la "auténtica" obra de arte tiene su base en el ritual. la ubicación de su valor de uso original. la integración contextual de arte en la tradición encontró su expresión en el culto. por ejemplo. por ejemplo. porque ellos nos llevan a una penetración importante-todo: por primera vez en la historia mundial. que con los clérigos de la Edad Media. es decir. El ajuste de la realidad a las masas y de las masas a la realidad es un proceso de alcance ilimitado. la reproducción mecánica emancipa la obra de arte de su dependencia parasitaria del ritual. mostraron claramente que forma ritual en su decadencia y la profunda crisis primero que le sucedió. estaba en un contexto diferente tradicionales con los griegos. sigue siendo reconocible como ritual secularizado. para . (En la poesía. IV La singularidad de una obra de arte es inseparable de su ser incrustadas en el tejido de la tradición. Cada día se hace más fuerte la tentación de apoderarse de un objeto en una estrecha gama muy por medio de su semejanza. De un negativo fotográfico. uno puede hacer cualquier número de copias. desarrollado durante el Renacimiento y vigente por tres siglos. Sabemos que las primeras obras de arte se originó en el servicio de un ritual . la reproducción como imagen ofrecida por las revistas y noticiarios difiere de la imagen vista por el ojo sin armas. con una teología del arte. Único y permanencia están tan íntimamente ligados en el segundo como son la transitoriedad y la reproducibilidad en el primero. el arte sintió la crisis que se avecina. que es tan ardiente como su inclinación hacia la superación de la unicidad de toda la realidad al aceptar su reproducción. tanto para el pensamiento como para la percepción.decadencia contemporánea del aura. A saber. su reproducción. su aura. Sin lugar a dudas. Con el advenimiento de los verdaderos revolucionarios primer medio de reproducción. sin embargo. Así se manifiesta en el campo de la percepción de lo que en el ámbito teórico se nota en la creciente importancia de las estadísticas. es la marca de una percepción cuyo "sentido de la igualdad universal de las cosas" ha aumentado a tal grado que lo extrae hasta de un objeto único por medio de la reproducción. sino también cualquier categorización por materias. es que.

con una. VI En la fotografía. V Las obras de arte son recibidos y valorados en diferentes planos. De la misma manera hoy. ausentes o muertos. Con la emancipación de las prácticas más avanzadas de diversos rituales ir cada vez más oportunidades para la exhibición de sus productos. Una cosa es segura: la fotografía y el cine de hoy son los más útiles ejemplificaciones de esta nueva función. quien alrededor de 1900. por el énfasis absoluto en su valor de exposición la obra de arte se convierte en una creación con funciones totalmente nuevas. por el énfasis absoluto en su valor de culto. Hoy en día el valor de culto parece exigir que la obra de arte permanecen ocultos. comienza a basarse en otra práctica . Para han identificado esta nueva etapa constituye la importancia incomparable de Atget. Dos tipos polares se destacan. Por última vez. Él hizo lo exponga a sus semejantes. su aptitud para la exposición aumentó a tal punto que el cambio cuantitativo entre sus dos polos se convirtió en una transformación cualitativa de su naturaleza. Esto es lo que constituye su e incomparable belleza melancólica. el aura emana de las primeras fotografías en la expresión fugaz de un rostro humano. el valor de exposición comienza a desplazar a valor de culto en toda la línea. Lo mismo ocurre con la pintura frente al mosaico o el fresco que le precedieron. algunas esculturas de catedrales medievales son invisibles para el espectador en nivel del suelo. un instrumento de la magia. el valor de exposición por primera vez muestra su superioridad sobre el valor ritual. Pero como el hombre se retira de la imagen fotográfica. Pero el instante en que el criterio de autenticidad deja de ser aplicable a la producción artística. Se retira a una reducción final: el rostro humano. sobre el valor de exposición de la obra. En lugar de estar basada en el ritual. Con los diferentes métodos de reproducción técnica de una obra de arte. no su ser a la vista. esta última se originó en el momento en que su presentabilidad pública prometió superar la de la masa. No es casual que el retrato era el punto central de la fotografía temprana. Se puede suponer que lo que importaba era su existencia. ante todo. ofrece un último refugio para el valor de culto de la imagen. Ciertas estatuas de dioses sólo son accesibles a los sacerdotes en la cella.pedir la "auténtica" de impresión no tiene sentido.la política. Esto es comparable a la situación de la obra de arte en tiempos prehistóricos. Es más fácil para exhibir un busto que se pueden enviar aquí y allí que para exhibir la estatua de una divinidad que tiene su lugar fijo en el interior de un templo. Pero el valor de culto no cede sin resistencia. cuando. se hace hincapié en el valor de culto y con la otra. era. entre las cuales la que estamos conscientes de la función artística y que posteriormente pueden ser reconocidos como incidental. El alce interpretado por el hombre de la Edad de Piedra en las paredes de su cueva es un instrumento de la magia. tomó fotografías de calles desiertas de . pero en lo esencial que era para los espíritus. Sólo más tarde se llegó a ser reconocido como una obra de arte. la función de arte total se invierte. Madonnas quedan algunos cubría casi todo el año. Y aunque la presentabilidad pública de una masa original puede haber sido tan grande como la de una sinfonía. El culto del recuerdo de sus seres queridos. La producción artística comienza con objetos de culto destinados a servir en una secta.

Es característico que. Las directivas que los títulos de dar a aquellos que buscan las fotos en las revistas ilustradas pronto se convierten en aún más explícito y más necesario en la película donde el significado de cada imagen aparece sola. De ahí el carácter sensible y obligado de las primeras teorías de la película. los subtítulos son obligatorios. "O. incluso hoy ultrarreaccionario autores dan a la película un contexto similar importancia . en comparación con las planteadas por la película. es fotografiado con el fin de establecer pruebas. cuando estas especulaciones fueron publicados. se siente desafiado por ellos de una manera nueva. que será determinado por la secuencia de todos los anteriores. La principal pregunta . y adquirir un significado político oculto. durante mucho tiempo incluso que se escapó del siglo XX. En la imagen en tiempo mismas revistas empiezan a poner carteles para él. No existe aún insuficiente respeto. en todo caso. las correctas o equivocadas. Pero las dificultades que la fotografía causó la estética tradicional fueron el hijo de un simple juego.. La escena de un crimen. la contemplación de flotación libre no es apropiado para ellos. subraya.con una notable falta de discreción. VII La controversia del siglo XIX como el valor artístico de la pintura frente a la fotografía de hoy parece tortuoso y confuso. por lo menos una sobrenatural. La disputa fue en realidad el síntoma de una transformación histórica del impacto universal de que no fue realizado por uno de los rivales. Ellos agitar al espectador. se debe permitir la entrada en su ambiente. películas como L'Opinion publique y La quimera del oro ya había aparecido. Sin embargo. Sin embargo. Pronto los teóricos del cine pidió a la poco meditada misma pregunta con respecto a la película. sin embargo. en la perfecta y misteriosa momentos la mayor parte de sus vidas.. Esto no disminuye su importancia. fotografías se convierten en pruebas estándar para acontecimientos de carácter histórico. la apariencia de su autonomía desapareció para siempre. afirma Werfel que sin duda era la . Al comentar sobre la película de la versión Max Reinhardt de A Midsummer Night's Dream. al mismo tiempo! Planteada de esta manera la película podría representar un medio incomparable de expresión. Cuando la edad de la reproducción mecánica del arte separado de su base en el culto. lo que expresa. ni Séverin Marte-de hablar de la película como se podría hablar de las pinturas de Fra Angelico. Por primera vez. lenguaje pictórico aún no ha madurado porque nuestros ojos todavía no han adaptado a ella. hemos vuelto al nivel de expresión de los egipcios . por ejemplo. esto no impidió que Abel Gance aducir de jeroglíficos para fines de comparación. no importa. compara la película con jeroglíficos: "Aquí. Con Atget.no se planteó. Exigen un determinado tipo de enfoque. Y es claro que tienen un carácter completamente diferente que el título de una pintura. que experimentó el desarrollo de la película. culto insuficiente. en palabras de Séverin-Mars:" Lo que el arte se ha concedido un sueño más poético y más real. El cambio resultante en la función del arte trasciende la perspectiva del siglo. "Alexandre Arnoux concluye su fantasía sobre el cine mudo con la pregunta:" No todas las descripciones que tenemos negrita determinado importe a la definición de la oración? "Es interesante observar cómo su deseo de la clase la película entre las artes" "Las fuerzas de estos teóricos para leer elementos rituales en él . A principios de pensamiento inútil mucho se había dedicado a la cuestión de si la fotografía es un arte. Tiene mucha razón se ha dicho de él que las fotografió como escenas de crimen. Abel Gance. El magnánimo personas más. también está desierta. por una regresión notable.París.si no es una pura y simple un sagrado.si la invención de la fotografía no ha transformado toda la naturaleza del arte .

" VIII La representación artística de un actor de teatro es.. Este no es el enfoque en que los valores de culto pueden estar expuestos. se le priva de la realidad. y las playas que hasta ahora había obstaculizado la elevación de la película a la esfera del arte. estaciones de tren. "La película aún no ha comprendido su verdadero significado. "El actor de cine". restaurantes. esto apenas afecta su validez. La cámara que presenta la interpretación del actor de cine para el público no tiene por qué respetar la actuación como un todo integral. éstas consisten en su facultad única de expresar por medios naturales y con capacidad de persuasión incomparable todo lo que es feérica. el parpadeo un instante en la pantalla. su enfoque es el de la prueba. Además.. La secuencia de puntos de vista de posición que el editor compone a partir del material suministrado lo constituye la película terminada. en lugar de representar a otra persona. con el fin de transformarse en una imagen muda. "se siente como si en el exilio . la voz y los ruidos causados por su movimiento alrededor. y luego desaparecer en el silencio . interiores. Porque en este sentido. lo que importa principalmente es que el actor se le hace ver al público antes de la cámara. se presenta por una cámara. "Esta situación también podría definirse de la siguiente manera: por primera vez . Audiencia de identificación de El con el actor es realmente una identificación con la cámara. sin embargo. la del actor de cine. etc Por lo tanto. el cine sonoro no ha cambiado nada esencial. sin experimentar ningún contacto personal con el actor. Esto permite al público a tomar la posición de un crítico. el público toma la posición de la cámara. primeros planos. el actor de cine carece de la oportunidad del actor de teatro para adaptarse a la audiencia durante su actuación.copia estéril del mundo exterior con sus calles. El aura que. A pesar de sus declaraciones sobre el tema en su novela Si Gira se limitaron a los aspectos negativos de la cuestión y que la película muda solamente.y este es el efecto de la película . la cámara cambia continuamente su posición con respecto a la actuación. no se . la vida. en el escenario. sin embargo. Esta es la primera consecuencia del hecho de que la actuación del actor es presentado por medio de una cámara. automóviles. Por aura está ligada a su presencia. y él mismo debe contentarse con jugar ante la cámara. se evapora. Cuenta con ciertos factores de circulación.el exilio no sólo desde el escenario. sino por un artificio mecánico . no puede haber una réplica de él.. ya que no presenta su actuación a la audiencia en persona. sin duda presentado al público por el actor en persona. que son en realidad los de la cámara para no mencionar la cámara ángulos especiales. Con una vaga sensación de malestar que se siente vacío inexplicable: su cuerpo pierde su corporalidad. Lo que importa es que la parte no se dé una audiencia.. sus posibilidades reales .en el caso del cine sonoro. con una consecuencia doble. maravilloso y sobrenatural. sino también de sí mismo. para dos de ellos. escribió Pirandello. En consecuencia. IX Para la película. Guiada por la cámara.. la interpretación del actor es sometido a una serie de pruebas ópticas. El proyector se juega con su sombra ante el público.el hombre tiene que operar con su persona viva su conjunto. emana de Macbeth. Uno de los primeros en sentido actor metamorfosis por esta forma de la prueba fue Pirandello. renunciar a su aura.

. ¿Y dónde se transportan? Ante el público. hasta ahora. Los expertos han reconocido hace tiempo que en la película "los mayores efectos se obtienen casi siempre por" actuar "lo menos posible . Nada más sorprendente muestra que el arte ha abandonado el reino de la bella apariencia "que. la reproducción mecánica. agarra el actor ante la cámara. X La sensación de extrañeza que supera el actor ante la cámara. la disponibilidad de compañeros de juego. Lejos paradójica casos más fácilmente se puede interpretar. Rudolf Arnheim vio" la última tendencia . cuando disparó escenas al aire libre se toman. se han tomado para ser el único ámbito donde el arte pueda prosperar. etc. pero el hechizo "de la personalidad. el aura que envuelve el actor se desvanece. no mencionar evidente montaje más.. donde se ofrece no sólo su trabajo sino también todo su ser. tal como lo describe Pirandello. y con él la aureola de la figura que representa. en caso necesario. y el vuelo siguiente. tales como el costo del estudio. el director puede recurrir a un recurso: cuando el actor pasa a estar en el estudio otra vez que tiene un disparo detrás de él sin que él lo prevenido de ello. Este mercado. inserta en el lugar correcto.puede separar a los espectadores de la del actor. Si su reacción no es satisfactoria. en una secuencia de tiroteos separados que pueden tardar horas en el estudio. Supongamos que un actor se supone que es sorprendido por un golpe en la puerta. Su creación no es en absoluto de una sola pieza. se despliega como una escena rápida y unificada. "En 1932. es básicamente del mismo tipo que el extrañamiento sentía antes de la propia imagen en el espejo. La película responde al marchitamiento del aura con una acumulación artificial de la "personalidad" fuera del estudio. En ningún momento hace el actor de cine dejan de ser consciente de este hecho. La reacción de miedo pueden ser tomadas ahora y ser cortado en la versión cinematográfica. los consumidores que constituyen el mercado. Pero ahora la imagen reflejada se ha convertido en inseparables y transportable. Si bien frente a la cámara sabe que en última instancia tendrá que enfrentarse al público. en la caracterización de la película. hay necesidades más elementales de los equipos que se separó del actor trabajo en una serie de episodios montables.. en la pantalla.. pueden pasar semanas más tarde. Durante el rodaje que tiene como poco contacto con él como cualquier artículo hecho en una fábrica. El culto a la estrella de cine. no conserva el aura única de la persona.. sin darse cuenta toca la propia crisis en la que vemos el teatro. Cualquier estudio profundo demuestra que no existe realmente ningún cambio mayor que el de la obra de teatro a una obra de arte que está completamente sujeto o. No es de extrañar que debería ser un dramaturgo como Pirandello que. En tanto que cineastas de . un salto desde la ventana puede ser un disparo en el estudio como un salto desde un andamio." el hechizo de un producto falso. decoración. Sin embargo. En particular. la iluminación y su instalación requerirá la presentación de un evento que.. en el tratamiento del actor como una utilería escogida por sus características y . Además fortuita ciertas consideraciones. sino que se compone de muchas actuaciones por separado. El actor de cine muy a menudo se le niega esta oportunidad. está más allá de su alcance. El actor de teatro se identifica con el carácter de su función. según Pirandello. "Con esta idea algo más está estrechamente vinculado. impulsada por el dinero de la industria cinematográfica. En consecuencia. su corazón y alma. la singularidad de la vacuna en el estudio es que la cámara se sustituirá por el público. Esto puede contribuir a que la opresión. Así. como la película. fundada en el año. que la ansiedad nuevos que.

aunque sólo sea en algún aspecto de menor importancia. Todo esto se puede aplicar fácilmente a la película. No es por nada que los editores de periódicos organizar carreras para la entrega de sus muchachos. Esto es obvio para cualquiera que escuche a un grupo de chicos de periódicos. ya que puede variar de un caso a otro. La diferencia es meramente funcional. informes documentales. Esta afirmación puede ser mejor aclarado por un examen comparativo de la situación histórica de la literatura contemporánea. el número de escritores se enfrentaba a una pequeña por muchos miles de lectores.a. que mantuvo colocar nuevas políticas. la industria del cine se esfuerza por estimular el interés de las masas a través de promoción de espectáculos ilusión y especulaciones dudosas. cualquier hombre podría incluso encontrarse a sí mismo parte de una obra de arte. En la Unión Soviética misma obra se le da una voz. o ese tipo de cosas. en ciertas ocasiones los primeros. Se inició con la apertura de la prensa diaria a sus lectores el espacio de "cartas al editor. este cambio de formato se ha convertido en parte la realidad establecida. Con la creciente expansión de la prensa. En Europa occidental la explotación capitalista de la película cuenta niega a legitimar la pretensión del hombre moderno a que se reproduzca. Durante siglos. Sin embargo. en un proceso de trabajo muy especializado. nuestro estudio no es más específicamente a esto que es la producción cinematográfica de Europa occidental. quejas." Y hoy en día apenas hay un trabajo remunerado europeos que no podrían. incluso de la distribución de la propiedad. un número creciente de lectores se convirtió escritores . De esta manera. Es inherente a la técnica de la película. por tanto se convierte en propiedad común. donde las transiciones que en la literatura tomó siglos se han producido en una década. encontrar una oportunidad de publicar en alguna parte u otros comentarios sobre su trabajo. en principio. así como la de los deportes que todos los testigos que sus logros es algo de un experto. por regla general ningún mérito revolucionarios pueden ser acreditados en la película de hoy que la promoción de una crítica revolucionaria de los conceptos tradicionales del arte. profesionales y científicos antes de órganos locales de los lectores. el lector accede a la autoría. Algunos de los jugadores que nos encontramos en el cine ruso no son actores en nuestro sentido. Como experto. Esto cambió a finales del siglo pasado. No negamos que en algunos casos las películas de hoy en día también puede promover la crítica revolucionaria de las condiciones sociales. la distinción entre autor y público está a punto de perder su carácter básico. para el vencedor tiene la oportunidad de levantarse de repartidor de corredor profesional. el noticiario ofrece a todos la oportunidad de levantarse de transeúnte extra de cine por. . licencia literaria se basa actualmente en politécnicos en lugar de la formación especializada y. Del mismo modo. sino personas que se representan y principalmente en su proceso de trabajo propia. Por lo tanto. sobre todo en Rusia. En estas circunstancias.capital los conjuntos de la moda. Para presentarla verbalmente es parte de la capacidad del hombre para llevar a cabo la obra. Estos despiertan un gran interés entre los participantes. Hombre de hoy Cualquier puede reclamo laicos a ser filmado. En la práctica cinematográfica. religiosas. que tuvo que ser buen o mal grado. En cualquier momento el lector está listo para convertirse en un escritor. apoyados en sus bicicletas y discusión de los resultados de una carrera de bicicletas. como Vertov Tres testigos Songs About Lenin o "Borinage Ivens.

precisamente debido a la penetración profunda de la realidad con equipo mecánico. en el estudio el equipo de mecánicos ha penetrado tan profundamente en la realidad de que su aspecto puro libre de la sustancia extraña del equipo es el resultado de un procedimiento especial. ofrece un espectáculo inimaginable en cualquier lugar en cualquier momento antes de esto. En resumen. Hay una gran diferencia entre las imágenes que obtienen. Aún más revelador es la comparación de estas circunstancias. Por lo tanto.cirujano en el momento en que el decisivo se abstiene de frente al hombre paciente al hombre. junto con otros similares. la de la cámara se compone de múltiples fragmentos que se montan en una nueva ley. la iluminación de maquinaria.que todavía está oculto en el médico . el cirujano corta paciente el cuerpo. no puede ser detectada como una ilusión. Su naturaleza ilusoria es la de segundo grado. aunque se reduce muy ligeramente por la imposición de manos. El pintor en su obra mantiene una distancia física de la realidad. ya que ofrece. En el teatro es muy consciente del lugar desde el que la obra de inmediato. Esta circunstancia. lo que excluiría de la escena actual como puedan ser los accesorios extraños como equipo de la cámara. ayudantes del personal. XII Mecánica reproducción de arte cambia la reacción de las masas hacia el arte. un aspecto de la realidad que está libre de todo el equipo. el cámara penetra profundamente en su web. La del pintor es un total. la visión de la realidad inmediata se ha convertido en una orquídea en la tierra de la tecnología. el tiroteo por el ajuste de la cámara especial y el montaje de la tiro. El equipo libre de aspecto de la realidad que aquí se ha convertido en la altura de artificio.a menos que sus ojos estaban en una línea paralela con la lente . para el hombre contemporáneo la representación de la realidad por la película es incomparablemente más importante que el del pintor. Aquí la pregunta es: ¿Cómo funciona el camarógrafo compara con el pintor? Para responder a esta pregunta recurrir a una analogía con una operación quirúrgica. en contraste con el mago . más que ningún otro. y la aumenta. que disminuye en gran medida la distancia entre él y el paciente al penetrar en la del cuerpo del paciente. sobre todo de una película sonora.XI El rodaje de una película. No hay tal lugar para la escena de la película que está siendo baleado. El cirujano hace exactamente lo contrario. en gran medida que aumenta en virtud de su autoridad. a saber. que difieren mucho de las del teatro. pero poco a la cautela con que su mano se mueve entre los órganos. El mago cura a un enfermo por la imposición de manos. etc . sino que es a través de la operación que se penetra en él. Y eso es lo que uno tiene derecho a pedir a una obra de arte. El mago mantiene la distancia física entre el paciente y él mismo. lo convierte en superficiales e insignificantes cualquier posible similitud entre una escena en el estudio y uno en el escenario. Mago y cirujano compara con el pintor y el cámara. La actitud reaccionaria hacia una pintura de Picasso cambios en la reacción progresiva . el resultado de la corte. Es decir. El cirujano representa el polo opuesto del mago. con la situación en la pintura. Se presenta un proceso en el que es imposible asignar a un espectador un punto de vista.

por así decirlo. La razón determinante de ello es que las reacciones individuales están predeterminados por la respuesta del público de masas están a punto de producir. En las iglesias y monasterios de la Edad Media y en las cortes principescas hasta el final del siglo XVIII. Cuanto mayor es la disminución de la importancia social de una forma de arte. A pesar de esta circunstancia en sí misma no debería llevarnos a conclusiones sobre el papel social de la pintura. Hace cincuenta años. Sólo excepcionalmente puede un deslizamiento han puesto de manifiesto las dimensiones de profundidad en una conversación que parecía estar tomando su curso en la superficie. La contemplación simultánea de cuadros de un gran público. por el atractivo de obras de arte a las masas. no había forma de las masas para organizar y controlar ellos mismos en su recepción. la fusión íntima de disfrute visual y emocional con la orientación del experto. En el momento en estas respuestas ponen de manifiesto. una crisis que no era en absoluto ocasionado exclusivamente por la fotografía. un desliz de la lengua pasó más o menos desapercibida. como las desarrolladas en el siglo XIX. y para la película de hoy. que constituye una grave amenaza tan pronto como la pintura. El cambio que ha ocurrido es una expresión del conflicto en particular en que la pintura fue cuestionada por la reproductibilidad técnica de la pintura. en contra de su naturaleza. la crítica y la actitud receptiva del público coinciden. el mismo público que responde de una manera progresiva hacia una película grotesca está obligado a responder de una manera reaccionaria al surrealismo. acústica y ahora también. Pintura simplemente no está en condiciones de presentar un objeto de la experiencia colectiva simultánea. más nítida la distinción entre la crítica y el disfrute por el público. se enfrenta directamente por las masas. sino por graduado y jerarquizado de mediación. en condiciones especiales y. La película ha enriquecido a nuestro campo de percepción con los métodos que se puede ilustrar con los de la teoría freudiana. Una vez más. el hombre puede representar a su medio ambiente. El psicoanálisis se ilustra en una perspectiva diferente. sino también en la manera en que. ya que era posible para la arquitectura en todo momento. Para todo el espectro de la fibra óptica. la comparación con la pintura es fecundo. La reacción progresiva se caracteriza por la directa. Este libro aisladas y las cosas que había hasta ahora analizables flotaba desapercibido en la ancha corriente de la percepción. la percepción de la película ha provocado una profundización similar de apercepción. Una ojeada a la psicología laboral ilustra la capacidad de diagnóstico del equipo. y esto es nada más pronunciada que en la película. Es sólo un anverso de este hecho que los artículos cambios que se dan en una película . Una pintura siempre ha tenido una excelente oportunidad para ser visto por una persona o por unos pocos. XIII Las características de la película no sólo radican en la manera en que el hombre se presenta a los equipos mecánicos. El convencional es acríticamente disfrutado. sino en una forma relativamente independiente. y lo verdaderamente nuevo es criticado con aversión.hacia una película de Chaplin. una recepción colectiva de pinturas no se produjo de forma simultánea. para el poema épico en el pasado. Desde la Psicopatología de la vida cotidiana las cosas han cambiado. por medio de este aparato. Tal es la fusión de gran incidencia social. Así. es un síntoma temprano de la crisis de la pintura. En cuanto a la pantalla. Aunque las pinturas comenzaron a ser públicamente expuesto en galerías y salones. se controlan mutuamente.

el comportamiento de un elemento de detección que está perfectamente llevado a cabo en una situación determinada. En comparación con la escenografía. explorando ambientes lugar común. en medio de sus extensas ruinas y escombros ahora. lejos de parecer retrasados movimientos rápidos. nuestras oficinas y habitaciones amuebladas. se las arregla para asegurarnos de un campo inmenso e inesperado de la acción. que las extensiones y aceleraciones. sus interrupciones y aislamientos. con calma y viajes de aventuras. sino que revela en ellos totalmente desconocidos los "que. el movimiento se extiende. Esta circunstancia deriva su mayor importancia por su tendencia a promover la penetración recíproca de arte y ciencia. el espacio se expande. al centrarse en detalles ocultos de objetos familiares. por no mencionar cómo este fluctúa con nuestro estado de ánimo. Aquí interviene la cámara con los recursos de su lowerings y las elevaciones. En comparación con la pintura. con la cámara lenta. Para demostrar la identidad de los usos artísticos y científicos de la fotografía que hasta ahora estaban separados por lo general será una de las funciones revolucionarias de la película. su valor artístico o su valor para la ciencia." Evidentemente una naturaleza diferente se abre a la cámara que se abre a simple vista . flotantes. se deban realmente el núcleo de las más ricas sus energías históricas. el elemento de comportamiento filmado se presta más al análisis. sin embargo. es difícil decir que es más fascinante. La historia de toda forma de arte muestra las épocas críticas en las que una forma de arte aspira a ciertos efectos que podría ser totalmente obtenidos sólo con la norma técnica cambiado. Nuestras tabernas y las calles metropolitanas. a velocidad lenta no sólo presenta cualidades familiar de circulación. también. Las extravagancias y crudezas del arte que de este modo aparece. dar el efecto de singular vuelo sin motor. En los últimos años. aunque claro: revela enteramente nuevas formaciones estructurales de la materia. Entonces vino el cine y estalló este mundo carcelario por la dinamita de sus décimas de segundo. no sabe nada de una persona una postura durante la segunda fracción de una zancada. debido a su mayor precisión incomparable declaraciones de la situación. es decir. amplía nuestra comprensión de las necesidades que domina nuestras vidas . nuestras estaciones de ferrocarril y las fábricas parecían nos han encerrado sin remedio. el comportamiento filmado se presta más al análisis. por el contrario. sobre todo en el llamado épocas decadentes-so. En realidad. Así. En los primeros planos de las cosas que nos rodean. La cámara nos introduce a la óptica inconsciente como lo hace el psicoanálisis a los impulsos inconscientes.aunque sólo sea por un espacio penetrado inconscientemente se sustituye para un espacio explorado conscientemente por el hombre. de modo que ahora. bajo la guía genial de la cámara. en una nueva forma de arte. sus ampliaciones y reducciones. barbarismos tales eran abundantes en el . apenas sabemos lo que realmente sucede entre la mano y el metal. Con el primer plano. ya que se puede aislar con mayor facilidad. por un lado. XIV Una de las tareas más importantes del arte siempre ha sido la creación de una demanda que puede satisfacerse plenamente más tarde.puede ser analizado con mucha mayor precisión y de más puntos de vista de las presentadas en la pintura o en el escenario. como un músculo de un cuerpo. movimientos sobrenaturales. Incluso si uno tiene un conocimiento general de cómo la gente camina. la película. El acto de alcance para una cuchara o una rutina familiar es más ligero. La ampliación de una instantánea no se limita a definir con mayor precisión lo que en cualquier caso fue visible.

De una apariencia atractiva o estructura persuasiva del sonido de la obra de arte de los dadaístas se convirtió en un instrumento de la balística. le pasó a él. Lo mismo puede decirse de sus pinturas. la creación pionera de las demandas llevará más allá de su objetivo. toma nota de esta circunstancia de la siguiente manera: "Ya no puedo pensar lo que quiero pensar. Antes de un cuadro de Arp o un poema en agosto Stramm es imposible tener tiempo para la contemplación y la evaluación como uno ante un lienzo de Derain o un poema de Rilke. en efecto interrumpido por su. El hecho de que la nueva modalidad de participación por primera vez en una forma de mala reputación no hay que confundir al . como aquí se describe. Uno de los requisitos era el primero: a la indignación del público. actividades dadaísta efectivamente asegurada una vehemente distracción más bien por la realización de obras de arte el centro del escándalo. Antes de que el marco de la película no puede hacerlo. antes de que el espectador puede abandonarse a sus asociaciones. el elemento de distracción de que es también sobre todo táctil. Cantidad se ha transmutado en la calidad. La pintura invita al espectador a la contemplación. Por medio de su estructura técnica. Alcanzó el espectador como una bala. Sus poemas son "ensalada de palabras" que contengan obscenidades y todos los productos imaginables de residuos de la lengua. como todas las crisis. aunque algo de su estructura. Los dadaístas menos importancia tanto al valor de las ventas de su trabajo que a su utilidad para la inmersión contemplativa. y fue obtenido un implacable destrucción del aura de sus creaciones. La degradación de su estudio fue el de medios materiales pero también de sus manos para lograr esta inutilidad. que se marca como las reproducciones de los propios medios de producción.y literarias . En la decadencia de la sociedad de clase media. en la que montaron los botones y entradas. Duhamel. Cada fundamentalmente nuevo. la contemplación se convirtió en una escuela de conducta asocial.dadaísmo. por así decirlo. que. que odia la película y no sabe nada de su importancia. que se basa en los cambios de lugar y el enfoque que periódicamente asaltan al espectador. Se promovió una demanda de la película. sino que fue contrarrestado por la distracción como una variante de la conducta social. debe ser amortiguado por la mayor presencia de ánimo. súbito cambio constante. XV La masa es una matriz de la que todos los comportamientos tradicionales hacia las obras de las cuestiones del arte actual en una nueva forma. No bien ha captado el ojo de una escena de lo que ya está cambiado. adquiriendo así una calidad táctil. Lo hizo el dadaísmo en la medida en que sacrificaban los valores de mercado que son tan características de la película en favor de mayores ambiciones aunque por supuesto no era consciente de las intenciones. "Espectador proceso de asociación a la vista de estas imágenes es. Es sólo ahora que su impulso se convierte en perceptible: el dadaísmo intentó crear por pictórica .significa que los efectos que el público busca hoy en la película. No puede ser arrestado. Mis pensamientos han sido sustituidos por imágenes en movimiento. El aumento de la masa en gran medida de los participantes ha producido un cambio en el modo de participación. Lo que pretendían. se mantienen en el interior el efecto de shock moral. Esto constituye el efecto de choque de la película. Comparemos la pantalla en la que una película se desarrolla en el lienzo de una pintura. la película ha tenido el efecto de choque físico fuera de los contenedores en los que el dadaísmo había.

La persona distraída. en determinadas circunstancias. a solas. la costumbre determina en gran medida la recepción óptica uniforme. la masa distraída absorbe la obra de arte. El poema épico. Los edificios han sido los compañeros del hombre desde tiempos primitivos. Para realizar las tareas que se enfrentan el aparato de la percepción humana en los puntos de inflexión de la historia no puede ser resuelto por medios ópticos. el arte abordará la más difícil y más importante aquellos en los que es capaz de movilizar a las masas. pintura sobre tabla es una creación de la Edad Media. Recepción en un estado de distracción. adquiere valor canónico. y después de siglos sus "reglas" son sólo revivió. es decir. Muchas formas de arte han desarrollado y perecieron. Pero la necesidad humana de refugio es duradera. por la contemplación. Más. Por el contrario. también se produce mucho menos a través de la atención absorta observando que el objeto en forma incidental. Entre estos. que tuvo su origen en la juventud de las naciones. mejor dicho. esto es en el fondo la antigua mismo lamento que las masas buscan distracción mientras que el arte exige concentración del espectador. la capacidad de dominar ciertas tareas en un estado de distracción demuestra que su solución se ha convertido en una cuestión de costumbre. La arquitectura nunca ha estado inactivo.espectador. Los edificios se apropió de dos maneras: según el uso y por la percepción . lo . expira en Europa a finales del Renacimiento. Las leyes de su recepción son muy instructiva. Él entra en esta obra de arte la forma dice la leyenda china del pintor cuando vio su obra terminada. Además. y la concentración de forma opuestos polares distracción que pueden enunciarse como sigue: Un hombre que se concentra ante una obra de arte es absorbido por ella. Una mirada más cercana que se necesita aquí. dado que los individuos se ven tentados a evitar tales tareas. tragedia comienza con los griegos. por el tacto y la vista. La arquitectura siempre ha representado el prototipo de una obra de arte cuya recepción se consuma por una colectividad en un estado de distracción. también. desarrollado con referencia a la arquitectura. Su historia es más antigua que la de cualquier otro arte. bajo la orientación de los créditos táctil. una diversión para ignorantes. Este modo de apropiación. En el lado táctiles no hay contrapartida a la contemplación en la parte óptica. Esto es más evidente en lo que respecta a los edificios. En cuanto a la arquitectura. "Claramente. se extingue con ellos.o. Este último. Son dominado por el hábito poco a poco. crédito táctil no se logra tanto por la atención como por la costumbre. miserables. Duhamel se ha expresado de manera más radical. y su pretensión de ser una fuerza viva tiene un significado en cada intento de comprender la relación de las masas al arte. Lo que se opone a la mayoría es el tipo de participación que la película provoca en las masas. Es un lugar común. Duhamel llama a la película "un pasatiempo de ilotas. Estos créditos no se puede entender en términos de la concentración atenta de un turista antes de que un famoso edificio. La pregunta sigue siendo si se proporciona una plataforma para el análisis de la película. desgastado criaturas que son consumidos por sus preocupaciones en un espectáculo que no requiere concentración y no presupone ninguna inteligencia que enciende ninguna luz en el corazón y despierta sin otra esperanza que el ridículo de algún día convertirse en una "estrella" en Los Angeles. y nada garantiza su existencia ininterrumpida. Distracción a lo dispuesto por el art presenta un control encubierta de la medida en que se han convertido en las nuevas tareas insolubles por la apercepción. algunas personas han lanzado ataques contra el espíritu precisamente este aspecto superficial. Hoy en día lo hace en la película. Sin embargo. puede formar hábitos.

megáfonos aterrador.. sino también por el hecho de que en el cine esta posición no requiere atención. las espirales de humo de la quema de aldeas. sino una oportunidad de expresarse las relaciones. La guerra es bella. La guerra es bella. El fascismo intenta organizar las masas recientemente creado proletaria sin afectar la estructura de propiedad que las masas se esfuerzan por eliminar. puede ser iluminado por ellos! " Este manifiesto tiene la virtud de la claridad. dice Marinetti en su manifiesto sobre la guerra colonial de Etiopía: "Por veintisiete años nos futuristas se han rebelado contra la marca de la guerra como anti-estético . Para este último. Los poetas y los artistas del futurismo! . encuentra en la película su verdadero medio de ejercicio. La violación de las masas. La guerra es bella. pero una de mente ausente.. Ni que decir tiene que la apoteosis de la guerra fascista no emplea tales argumentos. la formación geométrica vuelos. los cañonazos. ya que crea una nueva arquitectura. ya que establece el dominio del hombre sobre la máquina subyugada por medio de máscaras de gas. Las masas tienen derecho a la propiedad cambio. en velocidad. La fórmula tecnológica puede enunciarse como sigue: la guerra sólo permite movilizar todos los recursos técnicos de hoy. con su efecto de choque se reúne este modo de recepción a mitad de camino. como la de los tanques grandes. y muchos otros . La guerra es bella. ya que enriquece un prado con flores con las orquídeas de fuego de las ametralladoras. La guerra y la guerra sólo puede establecer un objetivo para los movimientos de masas en la mayor escala en el respeto del sistema de propiedad tradicional. recordar estos principios de una estética de la guerra para que su lucha por una nueva literatura y un arte gráfico nuevo . Aún así.. El público es un examinador.cual está aumentando notablemente en todos los campos del arte y es un síntoma de cambios profundos en la percepción.. La guerra es bella. Todos los esfuerzos por hacer que la política estética culminar en una cosa: la guerra.. tiene su contrapartida en la violación de un aparato que se introduce en la producción de valores ritual.. La destrucción de la guerra aporta la prueba de que la sociedad no ha sido lo . con su culto Führer. la estética de la guerra de hoy es la siguiente: Si la utilización natural de las fuerzas productivas se ve impedida por el sistema de propiedad.. lanzallamas y tanques pequeños. El resultado lógico del fascismo es la introducción de la estética en la vida política. ya que combina los disparos.. el cese del fuego. El fascismo ve su salvación en dar estas masas no su derecho. Sus formulaciones merecen ser aceptados por los dialécticos. La película hace que el valor de culto pasan a un segundo plano no sólo por poner al público en la posición de la crítica. las fuerzas de rodillas.. La película. a quien el fascismo. Esta es la fórmula política para la situación. ya que inicia el sueño de la metalización del cuerpo humano. y esto se encuentra en guerra. manteniendo el sistema de propiedad. el fascismo busca darles una expresión al mismo tiempo preservar la propiedad.. Por lo tanto decimos: . el aumento de los dispositivos técnicos. Epílogo La proletarización creciente del hombre moderno y la formación creciente de las masas son dos aspectos del mismo proceso. y en las fuentes de energía de prensa para una utilización no naturales. los olores y el hedor de la putrefacción en una sinfonía.

el desempleo y la falta de mercados. que en los tiempos de Homero era un objeto de contemplación para los dioses olímpicos. dice el fascismo. En vez de drenar los ríos. ya través de la guerra del gas el aura es derogada en un modo nuevo. la guerra imperialista es una rebelión de la tecnología que recoge. Esta es la situación de la política que el fascismo es la representación estética. ahora es uno por sí mismo. la sociedad dirige una corriente humana en una cama de las zanjas.pereat mundus". El comunismo responde al politizar el arte. y. "La humanidad.en otras palabras. en forma de "material humano". "Ars Fiat .suficientemente maduros como para incorporar la tecnología como su órgano. Es evidente que la consumación de "l'art pour l'art. que deja caer bombas incendiarias sobre las ciudades. Su autoalienación ha alcanzado un grado tal que puede experimentar su propia destrucción como un goce estético de primer orden. en lugar de dejar caer las semillas de los aviones. Las características de la guerra imperialista horribles son atribuibles a la discrepancia entre los medios de producción enorme y su utilización inadecuada en el proceso de producción . las reclamaciones para que la sociedad ha negado su materrial naturales. . espera que la guerra para abastecer la satisfacción artística de una percepción sensorial que se haya cambiado por la tecnología. como Marinetti admite. que la tecnología no ha sido suficientemente desarrollado para hacer frente a las fuerzas elementales de la sociedad.

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