CÓMO TOCAR BATERÍA.

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Afinacion 22956
Afinacion (diferente version)

1
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Parches
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- Partituras: Ritmos, ejercicios, canciones, tablaturas de baterias

Bossa Nova - Primera parte

Bossa Nova - Segunda parte
Bossa Nova - Tercera parte
Introduccion - Como leer partituras 10616
Como leer partituras - Primera Parte
Como leer partituras - Segunda Parte
Como leer partituras - Tercera Parte
Como leer partituras - Conclusion
Clave
Candombe (Bajo Construccion)
Doble Bombo (Bajo Construccion)
Importancia de la lectura 3974
Introduccion - Ritmos basicos de rock en 4/4
Partituras de Canciones Famosas (Pagina 1/2)
Partituras de Canciones Famosas y Ritmos Famosos (Pagina 2/2)
Ritmos en 4/4, cuartos
Ritmos en 4/4, octavos
Ritmos en 4/4, dieciseisavos
Ritmos Lineares usando Paradiddles y Songo (Bajo Construccion)
Rock en 6/8
Samba (Bajo construccion)
Songo
Funk Primera Parte
Funk Segunda Parte
Ejercicios para los Hi-Hats
Jazz en 4/4 5933
Jazz en 3/4

- Rudimentos: Ejercicios de rudimentos

Introduccion 6274
Ejercicios
Tabla del Tiempo

2
- Tecnica: Tecnica sobre como tocar bateria

Como girar las baquetas (Bajo Construccion)

Ergonomia I
Ergonomia II
Golpes Dobles (para redobles)
Estudio Inteligente de la Bateria
Grips o agarres de la baqueta (matched, german, french y traditional)
Moeller Stroke o Tecnica de Moeller
Libros y lecturas de baterias recomendadas
Ideas para estudiar, Permutaciones.
Uso del metronomo o click
Redoble con una mano (Freehand Technique)

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AFINAR

3
 El afinar una bateria o cualquier instrumento se refiere a de cierta manera
"acomodar" los tonos de cada uno de los miembros de ese instrumento para
que den cierta nota o sonido. En el caso de las baterias, siendo un instrumento
de percusión y compuesto principalemente de madera, el sonido depende de
muchas variables entre las cuales podemos destacar: la forma y tamaño del
caparazón (shell), la tensión y el tipo de parche, la velocidad y el area de
golpeo, la acústica del salón, entre muchas otras. Lograr el sonido deseado es
de lo que se trata este artículo. Apesar de que parece muy simple el hecho de
entender como funciona una bateria (al golpear el parche se transmiten
vibraciones a la madera, por ende esta última vibrará, creando el sonido),
realmente existen infinitas posibilidades, sonidos, variables y formas en que
puedes afinarla, por lo que es importante cononcer algunos conceptos antes de
empezar a mover tornillos.

NOTA: Antes de comenzar a desarmar tu bateria, consigue una

LLAVE !!!

Si nunca has afinado tu bateria antes, lo mejor sería que les quitaras los
parches y empezar todo desde el principio. Puedes usar los mismos parches
viejos, pero los resultados se pueden ver afectados por ello. Si no sabes de que
tamaño son tus parches, simplemente toma una cinta de medir y mide el
diámetro del aro; ese es el tamaño de tu parche (se mide en pulgadas). Una
vez que te hayas aventurado a quitar los parches, lo mejor es que te compres
unos nuevos. Si no sabes bien que tipo de parches necesitas, visita la sección
de parches para ver en que difieren los diferentes tipos de grosores, texturas,
etc. Por lo pronto, tendrás que poner el parche de la parte de arriba. Se
recomienda que ahora que tienes tu bateria sin parches la revises bien e
incluso la limpies un poco (tanto por adentro como por fuera) antes de que
vuelvas a poner el parche.

Ahora que estás limpiando tu bateria revisa bien las orillas. Están lisas y
parejas? Si no lo están, puedes usar una lija para quitarles cualquier
protuberancia (solo si es realmente grave y puede dañar tu parche en
un futuro, no hagas algo de lo que te puedas arrepentir!) Una manera
rápida y sencilla que yo uso para cerciorarme de este tipo de detalles es
colocando el parche y girándolo. Si se siente de alguna manera rasposo y difícil
de mover, entonces trata de limpiar la orilla como lo explique anteriormente.

Una vez que has finalizado con la limpieza de la bateria coloca el parche en su
lugar. Si al ponerlo te das cuenta de que tiene un poco de juego (que al
empujarlo de lado a lado se mueve), entonces velo rotando y moviéndolo hasta
que este movimiento se minimize. Coloca el aro sobre el parche y ten cuidado
de no mover el parche para evitar tener que buscar el mejor punto de
colocación de nuevo.

Ahora todo está en su lugar y colocado lo mejor posible. Pon los tornillos de
vuelta en el aro (cada tornillo tiene un pequeño aro el cual debe de ir entre el
tornillo y el aro para ayudar a un movimiento más parejo) y empieza a

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apretarlos con tus dedos hasta que estén ligeramente tensos (de aquí en
adelante, tendrás que usar tu llave (drum key) para apretar los parches).

La regla básica para afinar una bateria es hacerlo en forma de cruz, apretando
tornillos opuestos. Recuerda que este proceso es más que solamente apretar
tornillos! Sigue el orden que se te presenta en los siguientes diagramas para
los diferentes tipos de baterias y sus numeros de tornillos.

Cuando se empieza a afinar un nuevo parche, se debe de aplicar poca presión

pero distribuida equitativamente sobre todo el parche. Una técnica para
asentar bien el parche que yo he usado varias veces es la de presionar el
parche con la palma de la mano en el centro. Esto se debe hacer poniendo el
tambor en el suelo en una superficie plana. Ahora empuja fuertemente con la
palma de tu mano extendida en el centro del parche hacia abajo. Escucharás
un "crack" pero esto es normal (no tengas miedo de recargarte, el parche NO
se romperá). La razón por la cual se recomienda se haga eso es por:

• Cuando escuchas el "crack", el parche se está aflojando un poco.

Normalmente, después de que tocas por determinado tiempo el parche
se aflojará un poco y se asentará sobre el tambor. Empujando el parche
con tu mano adelante este proceso y evitará que ocurra en el futuro, de
esta manera ayudará a mantener el parche y el tambor afinado.
• Al mismo tiempo, centra el parche en el tambor. Si el parche no está
bien centrado cuando lo aprietas, notarás que siempre habrá una zona
con pequeñas ondas que está más floja que el resto del parche.

Con el parche en posición y los tornillos puestos, es tiempo de emepzar a darle

forma al sonido. Una vez con los tornillos puestos y apretados ligeramente con
tus dedos, pon la bateria en el suelo. Comienza a golpear ligeramente el
parche cerca de los tornillos y velos apretando hasta que todos tengan el
mismo tono. Una vez que tienes el mismo tono en todos los lugares, puedes
empezar a ver que "pitch" o tono le darás a tu bateria.

Tono del Parche

Para el tono del parche de abajo, existen 3 diferentes opciones más comunes y
conocidas las cuales son:

• El mismo tono que el parche de arriba.

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 • Un tono más agudo (más apretado) que el parche de arriba.
• Un tono más grave (menos apretado) que el parche de arriba.

Cada combinación mencionada dará como resultado un sonido y sensación

diferente. Es importante recordar que cuando se "aprieta" o "afloja" un tornillo
se debe de hacer ligeramente. Si los dos parches están muy disparejos en tono,
se cancelarán y el sonido estará "muerto"

Ahora una descripción detallada de las 3 diferentes combinaciones y el sonido

que obtendrás de ellas:

• Los dos parches al mismo tono (apretados igual) Esta combinación

producirá un sonido cálido y redondo con un tono largamente sostenido.
El ataque en general será agresivo y agudo (dependiendo en la tensión
del parche de arriba) y el desvanecimiento del sonido será laaaaargo sin
variación en el sonido conforme este se hace menos notable.
• El parche de abajo menos apretado que el de arriba El tono y el
sostenimiento son disminuidos un poco y el sonido es más redondo y el
tono será más profundo. Las resonancias son eliminadas un poco.
• El parche de abajo más apretado que el de arriba He aquí el
secreto! Esta forma de afinación es parecida a la anterior, pero el tono SI
tiene variaciones conforme el sonido termina. Aquí es cuando obtienes
ese sonido "bwow" o "puuum" Las resonancias también son eliminadas
un poco.

NOTA: Solo recuerda que si quieres probar estas 3 maneras de afinar tu

bateria, el cambiar el tono de uno de los parches cambia completamente el
tono del parche opuesto. Esto es, si tu aprietas el parche de arriba, tienes que
apretar el de abajo en la misma proporción para que el tono no se vea
afectado!

Uno de los elementos más importantes para aprender a afinar es la

experiencia, y la única manera de adquirirla es armando, afinando y
desafinando tu bateria una y otra vez hasta que encuentres el método más
adecuado y que se apega más a tu estilo de música. Para una guía mas
extensa, no olvides visitar la sección de como escoger tus parches.

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La batería como muchos otros instrumentos deben afinarse para que suenen
agradable al oído, pero la misma a diferencia de los otros, se busca
particularmente conseguir con la afinación diferentes sonidos en función del
gusto y estilo personal de cada baterista, caso contrario son por ejemplo los
instrumentos de cuerda, éstos deben afinarse basándose en una nota estándar
determinada y se personaliza el sonido a través de la implementación de la
tecnología electrónica. Sin embargo contradiciendo ciertamente lo anterior,
también se puede afinar en base a notas de la escala musical. La batería
acústica presenta más complejidad de afinación que algunos otros
instrumentos, y suele llevar tiempo en lograr conseguir tu sonido favorito o
bien el mejor sonido que nos puede prestar la misma en sí.

Antes de explicar en que consiste este tema, vale la pena destacar cuales son
los factores más importantes que influyen en el sonido de una batería que son:
la clase de madera (metal u otro material) de los tambores y también si los
mismos están laminados o laqueados en su parte exterior, el tipo y calidad de
parches batidores y resonantes, la afinación en sí y por ultimo en cierta medida
aunque no crea las baquetas que se usen. Existe un factor externo a considerar
que es la acústica del lugar donde se encuentra nuestro instrumento, ya que
afecta al sonido que llega a nuestros oídos y esto nos juega en contra a veces a
la hora de afinar cuando dicho lugar no tiene buena acústica dificultando o
retrasando algo el proceso generándonos una especie de confusión auditiva.
Partiendo desde la base, los parches originales que vienen cuando uno compra
una nueva batería no son de buena calidad y se recomienda conseguir unos
buenos como ser los Remo, Evans, Aquarian u alguna otra marca de renombre.

Si es la primera vez que vas realizar la tarea de afinado, seria bueno que
empieces desde cero sacando todos los parches, y aprovechar para verificar el
estado de estos y muy importante si los bordes de la madera del casco están
lisos y parejos por que si no se suelen generar vibraciones con el parche e
incluso puede lastimarlo, podés verificarlo colocando el tambor sobre una
superficie bien plana como ser un vidrio liso o un mármol e iluminar el interior
del casco y observar si pasa luz por debajo, de ser así usá una lija para
emparejar dichos bordes, ésto ocurre normalmente en batas de mediana a baja
calidad.

Profundizando un poco mas sobre el tema de los parches, conviene aclarar que
existen muchos tipos y modelos en el mercado diseñados para diferentes
estilos de música y gusto. Los tipos son: los BatterHead que son los batidores
(donde se percute) y los ResonantHead que son los resonantes (los inferiores).
En cuanto a los estilos de música, los jazzeros prefieren usar modelos de
parches finos como ser los REMO Ambassador, también por ejemplo los que
tocan Hard Rock, Heavy Metal, Rock, Fusion, Pop, etc... el más usado es REMO

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Pinstripe o su similar en marca EVANS el modelo G2. Uno puede conseguir una
gran gama de sonidos combinando diferentes parches batidores y resonantes.
Las características que distinguen un parche de otro difieren en su
construcción, como por ejemplo el material y el grosor del parche dependiendo
si es de una o dos capas; existen finos, normales y gruesos, éste último se
caracteriza por la notable ausencia de armónicos y son más resistentes pero
tienen menor definición tonal, contrariamente ocurre con los mas finos y a
además son más sensibles al toque de la baqueta.

Ahora volviendo un poco a parte practica de todo esto, antes de que coloques
el parche asegúrate de que no queden restos de suciedad en el interior del
casco, entonces poné el parche (el que tenias o uno nuevo) en el tambor
tratando de que quede bien centrado y procedemos a poner el aro y sus
respectivos tornillos, pero no ajustes todavía nada sin antes tener en claro una
pauta muy importante a seguir que es el orden o secuencia en que deben
ajustarse dichos tornillos según su cantidad como se demuestra en la figura
que está a continuación, que consiste en un método de afinación para torres
opuestas para lograr una tensión pareja en todos los extremos del parche.

Entonces con la mano ajustas cada tornillo de la manera indicada dándole igual
cantidad de giros hasta que los sientas duros y tengás que la llave de afinación
para poder seguir. Si el parche es nuevo, ahora tendrías que aplicar presión con
la otra mano en el centro del parche mientras seguís ajustando para que se
asiente un poco y es normal que mientras lo tensionas se escuchan crujidos
por que es síntoma de que el parche está acomodándose en su lugar y
adaptandose al casco, así que no hay que asustarse. Volviendo con el tema del
ajuste ahora los giros de los tornillos deben ser cada vez más cortitos, como de
1/2, 1/4 a 1/8 de vuelta y así hasta encontrar el sonido deseado.

Esto no termina aquí, podemos perfeccionar la tarea aun mucho más. Mientras
ajustas cada tornillo percutís suavemente con la baqueta, a una pulgada de la
torre de afinación para oír el armónico y luego seguís con la opuesta y así
sucesivamente, se debe repetir este mismo paso para cada una de las torres, y
todos esos puntos del parche deben sonar iguales, al mismo tono y sin
oscilaciones. El parche superior de los tones no tiene que estar ni muy ajustado
ni muy suelto, lo ideal es que este un poco más ajustado que el punto en
donde se ven las arrugas del parche pero que esté lo suficientemente apretado
como para que la baqueta pueda rebotar libremente, entonces de esta manera
lograremos tenga más ataque su sonido.

Los tones pueden ser afinados basándose en la escala musical ( DO, RE, MI, FA,
SOL, LA, SI ) tratando de esquivar los bemoles y sostenidos. Entre cada uno de
los tones debe haber un intervalo de notas y suele ser proporcional a su
tamaño. Una batería con muchos tones, tiene un menor intervalo entre uno y
otro. Para que entiendas mejor, cito un ejemplo: Una batería con 3 tones (2
flotantes y 1 de pie), una posibilidad es que entre el ton de pie y el mediano

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haya un intervalo de cuarta o quinta, y del mediano al pequeño una tercera,
Como traducimos esto? suponiendo que el ton de piso lo afinaste en la nota
"DO" y el intervalo con el ton mediano era una cuarta, es decir cuatro notas
más incluyendo a la primera mencionada, o sea que estará afinado en "FA" y el
ton más pequeño estaba a una tercera del mediano, o sea afinado en "LA". Los
tones con medidas impares (ej: 13", 15") a veces son más difíciles de afinar
que los pares.

El tema de los intervalos y las notas también es muy personal para cada
batero. Si te cuesta reconocerlas, para facilitar la tarea recurrí a un bajista o un
tecladista para que te ayude y decile que toque las notas que querés en su
instrumento en la cual te basarás para afinar.

En cuanto a la relación parche batidor y resonante, éste último puede tener

mayor o menor tensión que el batidor, o bien ambos iguales. La primera opción
es la mejor de todas y la mas utilizada, se escucha claramente un decay (es
cuando el sonido decae rápidamente en una curva tímbrica que va del agudo al
grave) pareciéndose al sonido de las baterías electrónicas, suena más agresivo
pero disminuye algo la resonancia. La ultima opción también puede ser buena,
pero carece de decay y se escucha un largo sustain (es el desvanecimiento
prolongado de un tono) sin embargo presenta mayor resonancia.

Hay que aclarar que los parches resonantes deben tener el mismo intervalo de
notas que los batidores, pero si el superior e inferior tienen diferente tensión,
su diferencia tonal tiene que variar entre quintas u octavas, ya sean agudas o
graves.
Para el bombo sugiero que el parche resonante esté mas apretado que el
batidor y que éste último este también un poco más apretado que el punto en
donde se ven arrugas pero lo suficiente como para que el rebote del maso del
pedal nos beneficie algo pero sin que pierda el ataque. En la caja (redoblante)
podés probar cualquiera de las posibilidades de la relación parche superior e
inferior dependiendo tu gusto y estilo y jugando también con la tensión de la
bordana (el entorchado que apoya sobre el parche resonante) aumentando o
disminuyendo esa vibración que se genera sobre ese parche.

Las baquetas tienen su dosis de influencia en el sonido en cualquier elemento

de la batería, quizás más notable al oído en la caja y los platos, por que éstos
responden de manera diferente dependiendo de cuales que estemos usando y
a veces hay que recurrir a afinar en función de las que dispongamos en ese
momento para conseguir un mejor sonido. Esto ocurre por cómo están
construidas las mismas, es decir, si tiene la punta de nylon o madera y su
forma; si el cuerpo de la baqueta es de madera, aluminio, plástico o algún otro
material; el peso, el grosor, el largo y su cuello. En el caso del bombo ocurre lo
mismo según el maso que tenga el pedal, como ser el tipo de material que
percute sobre el parche (felpa, plástico, madera, etc.) y la forma de la
superficie que percute sobre el parche.

Bueno, sin duda, podés notar que la afinación si realmente nos ponemos
detallistas se torna bastante complicada, pero eso depende todo de vos, del

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tiempo, ganas, paciencia y del oído que tengas. No existen reglas o normas
para afinar sino que son simplemente hay algunas pautas a seguir para poder
hacerlo bien. Seguramente a medida que vayas buscando tu sonido preferido,
afinando y desafinando, con el tiempo vas a ir agarrándole bien la mano a este
tema.

Baquetas

Quizás una de las partes mas subestimadas y a al mismo tiempo importantes

para tu bateria son las baquetas (sticks). Al contrario de los parches, las
baquetas pueden ser probadas (relativamente) en cualquier tienda de música.
Lo único que tienes que hacer es pedir asistencia al personal de la tienda y ver
si puedes probar con los diferentes productos. Con un poco de suerte, el
asistente que te ayudará podrá orientarte un poco más que lo que este texto lo
hará. No te preocupes si no te deján probarlas en las baterias, pregunta si
tienen algún pad o bateria de práctica donde puedes probarlas o si no
simplemente hazlo donde te lo indiquen.

Ahora te presentaré algunas cosas básicas que debes de saber cuando vas a
comprar baquetas por primera vez. En general, lo primero que debes de saber
antes de comprarlas, es que existen diferentes materiales, grosores, tamaños y
colores.

Muchas veces he observado que cuando compras tu primer bateria por lo

regular consigues un par de baquetas por ahí, quizás compradas o regaladas
junto con el kit, quizás las del último dueño. Algunas veces es importante
tocar por algún tiempo antes de hacer decisiones mayores en cuanto a
platillos, parches e incluso el tipo de bateria que quieres tocar. Pero en cuanto
a las baquetas, debes de ser cuidadoso. Quizás la primera vez que sostienes
unas baquetas y tocas en una bateria no sea si no hasta que al fin la tienes en
tu casa (Exactamente lo que me pasó a mi). Si eso pasa, te acostumbrarás a
ese tipo de baquetas con las que emepzaste a tocar. A veces te sientes
incómodo y surge la curiosidad de ver si puedes conseguir algo mejor. La
curiosidad y experimentar con nuevas cosas es una de las bases más
importantes para poder descubrir que bateria y accesorios son los que mejor
cumplen con tus necesidades.

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¿A qué me refiero con todo esto? Muy simple. Si no has cambiado tus baquetas
desde que compraste tu bateria, ahora es el momento adecuado.

Aquí están los criterios más importantes para hacer una mejor compra:

• Tamaño y Grosor
Un aspecto imporante para escoger tu baqueta es el tamañoy
el grosor. El grosor importa por que es proporcional a la fuerza
que tendrás que hacer para poder agarrarla bien. También
recuerda que entre mas gruesa, es mas resistente (Mencionaré
ese punto a fondo más adelante). El tamaño es importante
también, ya que si tienes un kit muy grande donde algunos
platillos te quedan demasiado lejos, unos cuantos centímetros
pueden ayudar. Algunos bateristas gustan de baquetas más
pesadas que lo normal, así que baquetas gruesas y largas es la
mejor opción. Para alguien que toca Jazz, baquetas ligeras y
delgadas son lo mejor por ser fácil de manipular (Aunque al ser
mas delgadas son más frágiles y tienden a romperse más
rápido) Para mas informacion en como identificar los tamaños,
lee un poco mas abajo.
• Material
Otro aspecto que no se puede descartar es el material. Las
clásicas baquetas de madera no pueden fallar. También existen
otro tipo de materiales tales como el plástico (no lo
recomiendo) o aleaciones como las nuevas baquetas AHEAD.
Algunas maderas usadas en la industria son maple, oak y
hickory.
• Color
Si te gusta ser elitista, eres afortunado ya que puedes econtrar
virtualmente cualquier color que desees, o si no, con unas
pocas modificaciones puedes lograr el color que buscas. El
único problema con pintar tus baquetas, es que puedes pasar
parte de la pintura a tus parches y platillos (De hecho algunas
baquetas de color lo hacen aunque vengan pintadas de
fábrica)

La historia detras de los diferentes tamaños es que las compañias de baquetas

trataron de encontrar una manera de clasificar los diferentes tamaños de
longitud y de grosor de cada baqueta, pero la verdad es que cada compañia
tiene diferentes modelos en diferentes tamaños (por ejemplo una 5B de
ProMark no es necesariamente igual a una 5B de Vic Firth)

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Ahora las letras que vas a encontrar en los diferentes modelos de baquetas son
A, B y S.

- Las que tienen la letra A son para orquesta o musica sinfonica, lo que implica
que son cuellos mas angostos y camas mas chicas.

- Las de la letra B son para banda, cuello mas grueso y cama mas grande para
sacarles mas sonido.

- Las de la S son para la calle o para bandas de guerra o marching bands y

tienen un diametro mucho mas grueso para tener mas proyeccion.

Eso es lo que significa cada letra y por lo regular la longitud de la baqueta

(para bateria) va de 15 pulgadas hasta 16 o 17 pulgadas.

Usar una baqueta enormemente mas larga no tiene ningun caso.Por ahi se hizo
alguna vez una demostracion (la gente de ProMark) con una baqueta muy
grande para checar donde quedaba el fulcrum y se demostro que era a la
mitad de la baqueta. Eso se debe a que nunca agarras la baqueta hasta abajo
por lo que no tiene caso hacerlas mas grandes de 16 pulgadas.

Para darte una idea, algunas baquetas que he utilizado son: Zildjian´s 7A, 5A,
acabado natural y el negro, Zildjian Jazz, Zildjian Absolute Rock, Zildjian
Signature Joey Kramer´s, Zildjian Signature Roy Haynes, Vic Firth´s 5A, 7A, 2B,
Pro Mark Special, LA Special, 5A, 5B Millenium II de Oak Japones, Coreelo,
baquetas de plastico, Pro Mark Hot Rods, Vic Firth Jazz Brush, Pro Mark
Telescopic Brushes, AHEAD 5A y Ralph Hardimon Marching Sticks (para practica
nada mas).

Mi decisión final: ninguna baqueta dura por toda la vida y todos tenemos
gustos diferentes. El experimentar es la clave del exito para encontrar el par de
baquetas que mas se adapten a tus gustos y necesidades.

PARCHES

La primer cosa que debes de saber antes de adquirr un par de parches para tu
batería es que clase de sonido estás buscando. Pero la pregunta es ¿sabes que
sonido quieres? La mayoría de los bateristas principiantes no tienen algo
definido y no saben mucho sobre baterías o sus componentes tampoco. Incluso
algunos bateristas expermientados no lo saben por completo y es por eso que

12
aquí te presentaré una guía básica para hacer la mejor elección cuando
compres tus parches.

En la actualidad existen diferentes tipos de parches, marcas, colores, gruesos y

texturas. Puedes encontrar parches transparentes (clear heads), cubiertos
(coated heads), de grosor delgado (thin heads), medianos (medium heads) y
gruesos (heavy heads), azules, negros, con puntos negros en el centro, con
anillos... En fin, una gran variedad. Entre las marcas mas conocidas tenemos
las hechas por Remo, Evans, Aquarian, Attack, Coreelo (parches hechos en
México solamente) entre otras.

¿Ahora qué? Una vez que ya sabemos que tipo de parches existen podemos
adentrarnos un poco más para conocer cuáles son las diferencias que existen
entre unos y otros, pero para eso primero tenemos que saber como están
hechos.

¿Cómo están construídos los parches?

Los parches para bateria están construídos de una o varias capas de polyester
o plástico. En el pasado, cuando el plástico no era tan común, los parches
usados eran contruídos con piel de animales. El problema con este tipo de
parches es que su estabilidad es muy poca, tienden a cambiar con la presión,
humedad y temperatura, por lo que tenían que ser cambiados o re-afinados
constantemente. Con los parches de plástico, ahora los bateristas pueden dejar
de preocuparse por algunas de estas variables y concentrase más en tocar.

Sabiendo ahora como están construídos los parches en general, podemos

analizar una de las principales características a la hora de elegir un parche:
grosor. Un parche se puede conseguir prácticamente en tres diferentes
grosores: delgados, medianos y gruesos.

Grosores
Años atrás, la compañía Remo nombró cada parche según su grosor en:
Diplomat para parches delgados, Ambassador para parches medianos y
Emperor para parches gruesos. Actualmente, todos los parches se rigen por
estos nombres para referirze a su grosor.

El grosor de un parche es medido como 1/1000 de pulgada o 0.001 pulgadas.

Sólo como referencia, toma en cuenta éstas medidas:

• Los parches Diplomat (delgados) tienen un grosor de 0.0075 pulgadas.

• Los parches Ambassador (medianos) tienen un grosor de 0.0100
pulgadas.
• Los parches Emperor (gruesos) tiene un grosor de 0.0140 pulgadas.

¿Por qué es importante saber los grosores? La razón es muy simple. Cada
compañía de parches usa diferentes nominacione+‡à^+1s para sus parches,
es decir, Remo denomina delgado a un parche de 0.0075, mientras que para

13
Ludwig esa medida es un parche de grosor matura,ediano. En pocas y mas
simples palabras: escoge tu parche por grosor y no por nombre.

Sensibilidad y Durabilidad
Una vez sabiendo los tipos de grosores que existen, nos podemos mover a la
durabilidad y sensibilidad que los diferentes tipos de grosores tienen. La
durabilidad de un parche es inversamente proporcional al grosor, esto es, entre
mas grueso sea tu parche más durabilidad tendrá. En cuanto a la sensibilidad
(la capacidad de tu parche para transmitir las ondas que hacen el sonido de tu
bateria), el grosor juega un papel muy importante. Si tienes un parche delgado,
estos responderán a golpes muy suaves, sin embargo, demasiada fuerza le
puede causar daño. Los parches medianos ofrecen una mayor durabilidad con
un buen sonido en general, lo que los hacen ideales para cualquier tipo de
música. La mayoría de las baterias vienen equipados con este tipo de parches
desde que la compras, así que muy probablemente ya conoces este tipo de
parches. Por último, los parches gruesos tienen un sonido grueso, seco y su
durabilidad está por encima de los dos últimos mencionados.

Tipos de superficies
Debido a las diferentes demandas de sonido que los bateristas han requerido
durante los útlimos años, varias compañías se han encargado de diseñar los
diferentes tipos de diseños que los bateristas exigen. Actualmente existen
parches con texturas rasposos (coated, parches pintados (tinted), parches con
aceite (heads with oil), parches con puntos (heads with dots), con anillos
(heads with rings) entre muchas otras.

Este será el paso definitivo para escoger el tipo de parche que mejor se
acomoada a tus necesidades, así que ahora te presentaré un pequeño análisis
de cada tipo de superficie antes mencionada.
• Parches con texturas rasposas
(Coated)
Como la superficie de los parches
regulares es muy suave y
regular, la primer modificación
que se les tuvo que hacer para
poder usar "escobetillas" y
simular una piel de animal fue la
de rociarles una capa de textura
rasposa, lo que permite que las
escobetillas obtengan su sonido
apartir de esa superficie. Otra
ventaja que ofrecen este tipo de
parches es que al ser
ligeramente más pesados que un
parc+‡à^+1he sin la textura,
ofrecen una menor resonancia y
por tanto un sonido mejor y
mucho más controlado. Son muy
usados para Jazz y para tarolas
en su mayoría. En mi opinión,

14
 usados en tu tarola obtienes un
sonido seco y con pocas
resonancias, excelente para todo
tipo de música.

• Parches Pintados
Este tipo de parches se ven mejores en
algunos tipos de baterías y son usados
por que tienen un sonido ligeramente
más opaco y diferente a los parches
transparentes. Nunca he tenido este tipo
de parches, sin embargo he tocado con
parches Ebony de Remo. Ellos tienen un
muy buen sonido y se caracterizan más
que nada por su increíble resistencia.

• Parches con aceite

En mi opinión, uno de los mejores tipos
de parches por sus cualidades de
resistencia y de sonido. Este tipo de
parches esta compuesto por dos capas
de plástico y en medio de ellas se
encuentra una pequeña cantidad de
aceite, lo que ayuda a evitar resonancias
y da un sonido muy "boom".

• Parches con puntos

La razón por la cual se añaden estos
puntos a los parches es principalmente
para añadir grosor y durabilidad al
parche. También afectan un poco el
sonido, mejorándolo en frequencias de
bajo sonido y evitando un poco la
resonancia.

Parches con anillos

Los anillos reducen resonancias indeseadas y están localizados en las orillas de
los parches. Los parches Pinstripe de Remo, tienen anillos junto con dos capas
de plástico que tienen entre si una capa de aceite, eliminando resonancias y

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dándoles un sonido gordo y muy "boomy". Excelentes para todo tipo de
música.

Para concluir, el único y mejor consejo que se puede seguir es el de

expermientar. Experimentar con diferentes tipos de parches y sonidos es
posiblemente la única manera de la que realemente sabrás que tipo de
parches son los que mejor se acomodan a tus necesidades.

PEDALES

Una de las preguntas más clásicas sobre técnicas para bombo es como lograr
ese doble o triple golpe que acompaña a nuestros rítmos. Recuerda que esta
página es sólo un recurso más para aprender un poco sobre como mejorar tus
técnicas para tocar, en ningún momento se debe sustituir estas explicaciones
por debidas clases con un maestro de bateria (A pesar de que nunca tuve uno,
es muy recomendable tenerlo). La intención de esta página es dar a conocer
algunos tips básicos y útiles que faciitaran tu técnica, haciéndola más eficiente,
rítmica y clara al mismo tiempo.

El primer paso para empezar con la técnica del doble golpe (double, doublet,
double kick o double bass drum stroke) es por tener una buena postura. Tus
pies deben de formar, preferentemente, un ángulo de 90° con el suelo para
evitar fatiga y cansancio al máximo. Una vez que estás en posición, recuerda
haber hecho los debidos ejercicios de calentamiento antes de comenzar a
golpear tu bateria. Una vez que hayas cumplido con estos requisitos, sigue los
siguientes pasos para comenzar a practicar.

El segundo paso es poner tu pie en el lugar

correcto. Como puedes ver en la foto, tu pie
debe de estar colocado ligeramente por
arriba de la mitad del pedal, con el talón
elevado. El talón debe estar formando un
ángulo de 15-25° con respecto a la punta del
pie. Te recomiendo que si es la primera vez
que tratas de hacer un doble, el talón lo
levantes lo más posible (sin exagerar) ya que
será más fácil que aprendas de esta manera.
Sin embargo, si se toca mucho tiempo con el
ángulo del talón muy pronunciado, tus
músculos se cansarán rápidamente, por lo
que NO es recomendable mantener la
posición por mucho tiempo. Una vez que
tienes un poco más de práctica, podrás hacer
el ángulo más pequeño (bajando el talón
hasta estar más cerca del pedal) o incluso
descansar el pie sobre el pedal. Una vez que
tienes tu pie en el lugar correcto, golpea

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 unas cuantas veces el bombo para que te
acostumbres a la sensación que se tiene
cuando se hace de esta manera. Golpea y
levanta el pie de 1 a 1.5 pulgadas cada vez.
Suena y se siente algo raro, pero saber esto
tendrá una enorme ventaja cuando conozcas
el paso 3.
El tercer y más importante paso es la esencia
del golpe doble. Una vez que hayas
dominado el golpear el pedal con el tobillo
levantado y separar un poco el pie del pedal
después de golpear, tienes que resbalar el
pie hacia arriba y dar un golpe tenue, lo que
creará el sonido del doble golpe. En el paso
número 2, cuando te dije que levantaras el
pie de 1 a 1.5 pulgadas fue para que dejaras
libre el pedal, para que lo dejaras "rebotar".
Ahora, al separar el pie del pedal y moverlo
hacia adelante al mismo tiempo(algunas
personas lo resbalan, otros simplemente lo
mueven, yo utilizo las dos, haz lo que te
parezca más fácil). Ahí se llevará a cabo el
segundo golpe. La secuencia del golpe sería
así: (1)Golpe (2)levantas, dejas rebotar al
pedal y lo (3)mueves hacia adelante y das un
golpe tenue. Toma en cuenta que este
movimiento se lleva a cabo en fracciones de
segundo y no se puede pensar cada
movimiento a la hora de hacerlo. Lo que
quiero decir es que este movimiento tiene
que ser "automático", no puedes pensar 1,2
y 3 cada vez que lo hagas.

Mucha gente pregunta cosas como ¿de que manera puedo mejorar X? ¿cómo
puedo tocar mas rápido y fluidamente? ¿quién te enseñó estas cosas? Muchas
de estas preguntas, textos y recomendaciones han sido recopiladas de
experiencias personales y práctica. Observar la técnica que usan otras
personas es de mucha ayuda. Cuando uno escucha a un baterista decir que
otro baterista es realemente malo, uno se da cuenta de lo inteligente o
ignorante que es esa persona. Solo recuerda que el mejor, el listo, el proactivo,

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 aprende hasta del más insignificante error, recomendación y experiencia.
Observa, aprende y practica... Esas son sin duda las mejores recomendaciones
que te puedo dar.

PLATILLOS

Una vez más, la primer cosa que tienes que

hacer es definir que tipo de música quieres
tocar y que tipo de sonido quieres obtener.
Para elegir un "Crash" (usualmente desde 14"
hasta 18", s9m“N¬iendo el 16" y el 18" los
más comunes), tienes que saber si quieres
que tenga un sonido fuerte y explosivo, con
una respuesta rápida y con poca o mucha
resonancia o si quieres un crash más pesado,
más oscuro. En el caso de el "Ride"
(usualmente desde 18" hasta 24", siendo el
20" el más común), tienes que saber si lo
quieres para seguir el ritmo, si quieres que
tenga un sonido penetrante, con un "bell" o
campana grande o si lo quieres para usarlo
de ride-crash.
Como puedes ver, hay muchas variables que influyen a la
hora de escoger tus platillos. Cada platillo, cada marca,
cada modelo tiene su propia personalidad, su sonido, su
definición. Quizás el primer y más importante paso para
escoger un buen platillo es empezar por una rama muy
general. Tu selección será muy diferente si tocas Rock,
Jazz o en una orquesta, así que una vez que defines en

18
 que rama cae el tipo de música que tocas, puedes hacer
una buena adquisición.

Por último, unas cuántas característcias que debes de tomar9m“N¬ en cuenta a

la hora de elegir tus platillos.

• Respuesta
El "Response" o respuesta de un platillo cuando se le pega con una
baqueta, está basado principalmente en su tamaño y grosor. En pocas
palabras, respuesta es que tan rápido responde el platillo al golpe de la
baqueta y esto a su vez determina el "feeling" o como se sentirá al
golpear el platillo. Entre más pequeño y delgado es un platillo tendrá una
mayor vibración en menos tiempo y con menos esfuerzo. Si se
incrementa el tamaño y el grosor se obtendrá una respuesta menor pero
más poder y volumen. El gusto personal es un factor muy importante
para decidir que platillos son los que mejor se ajustan a tus necesidades.
Un ride pequeño y de poco grosor tiene una respuesta rápida y por lo
regular más resonancia que uno grueso. Un ride de más grosor tiene
menos respuesta pero menos resonancia.
• Resonancias
Es la característica de un platillo para sonar después de que se golpea
con la baqueta. Esta característica está determinada tanto por el tamaño
como por el grosor y la fuerza con la que se golpea el platillo. Un platillo
más pesado tendrá menos resonancia pero su sonido durará más que un
platillo delgado.
• Volumen
Al igual que las otras dos caCrash"racterísticas, el volumen se ve
influenciado por el tamaño y el grosor del platillo, pero tambiénla forma,
el peso, su material y el proceso por el cual fue hecho. Como regla
general, entre más grande, largo y pesado sea el platillo tendrá más
volumen y más proyección.

Ahora que ya sabes un poco más sobre los

diferentes tipos de platillos y sonidos que hay
ahí afuera, es tiempo de ver algo de técnica
a la hora de tocar tus platillos. Si alguna vez
has pasado por la etapa en la que rompes o
rompías muchas baquetas sin saber la razón,
a continuación te presento una de las
razones más comunes por lo cual se rompen
tanto tus baquetas como tus platillos (puedes
hacer dentaduras en ellos)

Como cuidar tus platillos

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Primero que nada tengo que recalcar un error
que muchos bateristas cometemos: El
golpear los platillos de una forma incorrecta,
lo cual no solo lastima los platillos pero tus
baquetas también. El error está en la forma
de golpear el platillo. En la foto de la
izquierda hay una representación de como es
un uso incorrec´ ¿ ¼µto del platillo (un poco
exagerada, pero es para que entendamos
bien la idea) Como puedes ver, la baqueta
golpea al platillo prácticamente con un
ángulo 90°. Existe un principio físico el cual
dice que Fuerza es igual a Presión sobre Area.
¿Qué tiene que ver con esto? Si golpeas el
platillo de la forma en que se muestra en la
foto, el área de contacto es muy pequeña por
lo que ejerces más presión tanto en el platillo
como en la baqueta. Más simple que eso no
podría ser! Muchas veces lo que causa que
golpees el platillo de esta forma es la altura
en la que está colocado: si está demasiado
arriba se tienda a golpear mal.

Otra manera de hacer mal uso del platillo es cuando se está tocando y se
golpea 2 o más veces seguidas. Cuando esto pasa, el platillo rebota y el
segundo o tercer golpe puede ser malo. Para evitar cualquiera de estos dos
errores, baja un poco el nivel de tu platillo y aprietalo un poco (solo un poco,
mucha tensión no es buena para el platillo debido a las vibraciones) Una
manera de darse cuenta cuando se está golpeando mal un platillo es por que
tus baquetas van a empeza´ ¿ ¼µr a perder madera en la punta y 2 o 3
pulgadas hacia abajo. Puedes ver una foto en la parte de abajo de mis
baquetas para que veas uno de los "síntomas" de golpear mal tus platillos. Por
último, haz una prueba y golpea tu platillo con la baqueta en posición vertical y
te darás cuenta del "feeling" que tiene y el sonido pésimo que obtendrás de
ello, sin olvidar el maltrato de tus baquetas.

Una vez que has visto lo que NO se debe de

hacer, comprenderás más fácilmente lo que
SI se debe hacer. En palabras simples y
sencillas, para lograr obtener el mejor sonido
y sobre todo no dañar tus platillos, tienes que
golpearlo con la baqueta inclinada, de 2 a 3
pulgadas por debajo de la punta. Al hacer
esto, se logra tener una superficie mayor de
contacto con el platillo, dañando menos la
baqueta e incluso haciendo sonar mejor el
platillo ya que el golpe se transmite mejor
por la superficie, mejorando las vibraciones y
obteniendo un sonido consistente. Un factor
importante en el sonido del platillo es que

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 tan apretado estará sujeto a su stand. Si es
mucha la tensión, no dejas vibrar al platillo
libremente lo cual evita que el platillo
obtenga su sonido. Si lo dejas suelto, quizás
pueda perder proyección debido a que las
vibraciones salen rápidamente del platillo lo
cual provocará un sonido tenue y débil.
Otro factor importante en el cuidado de tu platillo es que nunca debe golpearse
con otro platillo o aro de tu bateria. Un error muy común es tener tu platillo en
el stand y poner un tornillo por enmedio sin protección alguna. Esto perjudica
enormemente al platillo ya que hay un contacto de fierro con fierro y a la larga
el platillo saldrá perdiendo. Existen unos tubos ya sea de plástico o de nylon
(nylon or rubber sleeve) el cual se interpone entre el platillo y el tornillo.
Aunque parezca algo insignificante, las vibraciones y movimientos constantes
del platillo y su roce con este pequeño fierro pueden causar gran daño a largo
plazo. Por último, nunca dejes caer tu platillo ni permitas que caiga desde tu
stand al suelo! Tarde que temprano se romperá! (ya lo he vivido!)

En este artículo explicare algunas técnicas de sonido, útiles tanto en

amplificación como en grabación. El lenguaje será de fácil comprensión,
orientado a la practica y en lo posible me mantendré a flote en las turbulentas
aguas de la teoría, ante la inquietud de profundizar en los conocimientos
teóricos de los temas aquí tratados.

Durante los mas de 15 años que llevo trabajando en el campo del sonido (como
técnico, músico o productor) he visto muchas veces la siguiente situacion: un
musico por falta de conocimientos técnicos tiene que renunciar al sonido que
tiene en mente.
En algunas oportunidades el trabajo reiterado con un mismo técnico crea un
vinculo en el que ambos - músico y técnico - saben lo que el otro está
haciendo, para qué y de que forma influirá esto en el sonido final. Este caso
ideal no siempre se cumple, sobre todo cuando tenemos que tocar o grabar
con un técnico que recien conocemos, que tiene su propia forma de hacer las
cosas y no sabe el sonido que queremos lograr.

Esta serie de consejos esta orientada particularmente a los bateristas, para que
tengan elementos técnicos para aportar al sonido de su instrumento y
herramientas para, llegado el caso, suplir las deficiencias de la persona a
cargo. Tal vez alguien pueda no estar de acuerdo con todo lo aqui expuesto.
Ok, siempre hay varias terapeuticas para una misma enfermedad y es bueno
que el paciente cuente con una opinion desinteresada antes de someterse a la
cirugía.

La batería es un conjunto de instrumentos de percusión, cada uno con sus

características tímbricas particulares, con un rango dinámico que va desde los
pocos dB de una caja acariciada por escobillas, hasta los mas de 120 dB con

21
que reacciona el bombo ante una enérgica patada y un espectro de frecuencias
que va desde los graves mas profundos del bombo a las frecuencias
inaudiblemente agudas de un pequeño splash o un crash fino. Estos limites
acústicos determinan un espacio mas amplio aún que el percibido por el oído
humano. Si además tomamos en cuenta que cada cuerpo puede resonar (y de
hecho lo hace) simpáticamente cuando se ejecuta otro (o hasta otro
instrumento cercano) y que algunos dispositivos como el pedal del bombo y el
mecanismo del hi-hat producen al accionarse sus propios ruidos indeseables,
podemos darnos una idea de las dificultades técnicas que se presentan al
intentar capturar este monstruo con uno o un sistema de micrófonos.

Regla de Oro: 'Cuando es muy grande la pizza es mejor atacarla de a pedazos',

o sea, la batería suele ser mas amigable si cada cuerpo recibe la atención de
un micrófono dedicado. Ok, un micrófono en cada tom, uno en la caja, otro en
el bombo y un par por ahí arriba para cachar los platillos. Vamos a la mesa,
subimos todos los canales y... DESASTRE!!! no suena ni siquiera parecido a
como debe sonar una batería. Como la consola está llena de perillas, por que
no darle un poco de EQ para ver si así mejoramos la cosa... mmmh... parece
que no, así no va a funcionar...

Al sumar varios micrófonos puede ocurrir que un cuerpo sea captado por dos o
mas micros, entonces, el sonido final que escuchamos de cada cuerpo es la
suma de lo que cada micrófono percibe de él. Es por esta causa que a veces la
caja suena chillona, como de lata, y aún quitándole agudos a su canal la cosa
no cambia, sino mas bien empeora porque el sonido es cada vez menos
natural. Los responsables de estos agudos exagerados suelen ser los
micrófonos de los platillos, a los que se les acentúan los agudos, para que los
platos suenen filosos (y de ninguna manera podemos opacar los platos, que
hasta ahora parece ser lo único que suena bien). Podrán imaginarse el resto,
¿no?

Veamos algunos conceptos básicos que nos servirán para ir encontrando

soluciones a este acertijo:

1. El patrón polar de los micrófonos

El patrón polar es la
representación grafica de la
capacidad que tiene un
micrófono de captar sonidos
provenientes de distintas
direcciones. Así, un micrófono
omnidireccional capta por
igual los sonido provenientes
de adelante, atrás, arriba, etc.

22
 La representación gráfica es
un círculo.
Un micrófono cardioide capta
mas en una dirección que en
las demas, es decir entregará
una señal mas "fuerte" de los
sonidos que le lleguen por
delante que la que entregará
de los sonidos que le lleguen
por los costados o por detrás.
La representacion grafica es
una especie de corazón.

La elección del patrón polar debe ser estudiada de acuerdo a cada caso en
particular, por ejemplo, si queremos capturar toda la batería con un solo
micrófono, probablemente debamos utilizar un onmidireccional, en cambio si lo
que queremos es colocar un micrófono dedicado para el tom de pie, lo mas
lógico es elegir un cardioide y en lo posible, que tenga cierta predilección por
los graves.

2. El efecto de proximidad.
Los micrófonos dinámicos cardioides habitualmente usados en
la caja y los toms tienen una propiedad llamada efecto de
proximidad que hace que suenen mas gordos (graves
realzados) cuando los ponemos mas cerca de la fuente
sonora.

Por eso los varones cantantes se sienten superman cuando

cantan "comiéndose el micrófono". Esta propiedad hace que
podamos en cierta forma ecualizar la señal de un micrófono
antes de llegar a la consola. Alejándolo ocurre lo opuesto, un
sonido demasiado grueso, sin punch, puede adquirir algo de
brillo si movemos hacia atrás el micrófono unos centímetros.
Esto obviamente tiene un limite.

3. El peak de presencia.
Algunos micrófonos tienen un comportamiento especial en la
zona de los medios-agudos. Este tipo de micrófonos resalta
estas frecuencias naturalmente, otorgando un carácter mas
brillante a su señal.

23
Es comun utilizar ambas caracteristicas, el peak de presencia y el efecto de
proximidad, para lograr un sonido con ataque y presencia, pero a la vez con cuerpo y
peso.

LEER PARTITURA

La mayoría de nosotros los bateristas en un principio comenzamos a tocar sin

saber leer. Cuantas veces no te has dicho a ti mismo ¿Para qué necesito
aprender a leer, si puedo prender MTV y aprenderme la nueva canción de mi
grupo de rock favorito? Si Phil Collins que es un baterista con mucha
experiencia y toca todo tipo de música puede hacerlo, al igual que el excelente

24
Denis Chambers puede, ¿por qué no he de poder yo? La diferencia aquí quizás
está en la habilidad de cada individuo. Estos dos personajes fueron
simplemente dotados y son 2 en muchos miles. La habilidad para leer notas
musicales es una habilidad que todos debemos de tener para poder ser un
poco más Universales.

Está página es solo un pequeño recurso que tiene el fin de darte a conocer
algunos de los aspectos más básicos y esenciales de la lectura de notas
musicales para tocar la bateria. Espero que esto despierte en ti la curiosidad
por aprender a fondo este tópico y un consejo

Primero definamos y conozcamos las notas musicales. Al principio esto puede

sonar algo raro, así que esto servirá solamente como referencia mientras
aprendes a contar y a leer correctamente.

El elemento más básico de las notas es el pentagrama. El

pentagrama es un conjunto de cinco líneas que se utiliza para
asignar el nombre de las notas, a las figuras musicales que se
representan sobre ella. Es decir, según el espacio o línea en que
se encuentre una figura musical dentro del pentagrama, así
recibirá un nombre u otro. Dentro de el pentagrama se
acomodan las notas sobre cada renglón y dependiendo de su
posición es el tambor o platillo que vas a tocar. Los lugares de la
tarola, contra platillos y bombo son por lo general los mismos en
todos los textos, aunque algunas veces puede haber variaciones
dependiendo del autor. La posición correcta y lo que representa
cada nota es por lo general un dato dado, si no, se implica que
están siendo usados los lugares más comunes para cada
tambor.
La nota redonda o whole note tiene un valor de 4 tiempos. Esta nota
siempre es el doble de larga de una nota blanca. En tiempo 4/4, ya que
la nota blanca tiene dos compases de largo, la nota redonda tiene
cuatro compases de largo. Una nota redonda simplemente se toca
golpeando un tambor en el primer tiempo y esperando a que pasen el
Dos, Tres, Cuatro para despúes volver a golpear en uno.
En un tiempo de 4/4, la pausa de la redonda IMAGEN ocupa una
medida completa. La pausa de redonda al igual que la nota redonda, es
igual a cuatro compases, pero en este caso NO se tocan.
La nota blanca o half note cabe 2 veces en una nota redonda y es el
doble de larga que una nota negra. En un tiempo de 4/4, ya que l anota
negra es igual a un compás, la nota blanca es dos compases más larga.
En este caso, la primer nota sería tocada en el Uno y la segunda en el
Tres. La pausa de la nota blanca, al igual que la nota blanca, también es
igual a dos compases, pero estos solamente se cuentan y una vez más
NO se tocan.
Hay dos notas negras o quarter notes por media nota blanca o cuatro
notas negras por una redondaolver . Esta nota indica un compás o cuenta
que debe tocarse. La nota negra es la más usada en la música popular
como el pop, pop-rock, baladas, etc. En cuanto a la pausa, esta nos indica
un compás o una cuenta que NO se toca.

25
La corchea o eight notes (8ths) es dos veces más rápida que una nota
negra. Por lo regular, si se tocan en los contra platillos se utiliza
solamente una mano, aunque se pueden usar dos dependiendo de la
velocidad con que se toque la pieza (número de veces que se toca una
nota negra en un minuto)
La semi corchea o sixteenth notes (16ths) es dos veces más rápida que la
la corchea. Por lo regular, las semi corcheas se tocan en los contra
platillos (hihats) para ritmos disco, pop, pop-rock, entre otros. También es
usada para rematar o rellenar (fill) un ritmo y la canción.
La fusa o thirty-second notes (32nd) son primordialmente usados en la
música para crear remates (fills) a velocidades rápidas o combinaciones
entre ritmos y tambores para darle más sabor a la música. Para tener una
idea más clara de que son las fusas, solo toma en cuenta a las notas
negras. Toma 4 notas negras y cuentalas "1, 2, 3, 4" En cada número, tu
golpeas 1 vez, verdad? Ahora, si quieres tocar una fusa tienes que
golpear 8 veces en cada número!
Semi fusa o 64ths... Bueno, esto sería golpear 16 veces en cada número
cuando contamos "1, 2, 3, 4". No te desanimes!

Bueno, ahora que ya leiste todo lo anterior y tienes aún mas dudas de las que
tenías cuando empezaste a leer, no te preoucpes! Con la siguiente tabla de
valores, puedes ver como se cuenta cada nota y cuantas notas caben una
dentro de la otra. Para esto, toma como referencia lo explicado anteriormente y
no tendrás ningún problema!

Empezemos por nombrar algunos elementos con los que te puedes topar
cuando ves un pentagrama y sus definiciones:

Las definiciones para cada uno de estos elementos son:

• Pentagrama. Como ya lo habia mencionado anteriormente, es un

conjunto de cinco líneas que se utiliza para asignar el nombre de las
notas, a las figuras musicales que se representan sobre ella.

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 • Clave de la bateria. Al ver este signo, identificamos que lo que esta
escrito sobre el pentagrama es un instrumento de percusion (en nuestro
caso la bateria).
• Indicador del compas. Una de las partes de mayor importancia en el
pentagrama! Indica el tiempo en que las notas seran tocadas. El numero
superior indica el numero de golpes en un compas, mientras que el
inferior te dice que nota es la que obtiene el valor dentro del compas.
• Tiempo cortado. Este simbolo indica que se debe de aumentar la
velocidad de lo que se esta tocando.
• Barra de separacion. Separa un compas de otro.
• Compas. Lo que se encuentra adentro (enmedio) de dos barras de
separacion.
• Nota. Indica el valor de tiempo que se le asigna a cada parte de la
bateria.
• Repeticion. Indica que el compas anterior debe de ser tocado un X
numero de veces (indicado por el numero arriba del simbolo)
• Doble repeticion. Dos repeticiones.
• Barras de repeticion. Indica que la pieza debe de ser repetida desde el
comienzo.
• Ligadura. Indica que dos notas estan ligadas, es decir, que se tocan
como una sola nota.
• Golpe fantasma. Indica que esa nota se debe de tocar suavemente, casi
no se debe de escuchar.
• Acento. Indica que la nota sobre la cual esta el acento.
• Dinamica. Indica el volumen de la pieza a ser tocada.
• Mano. Cuando se pone la letra D sobre una nota, se refiere a que debe
de ser tocada con la mano derecha. En el caso de la letra I, debe de ser
tocada con la izquierda.
• Final. Indica el fin del pentagrama.

Si crees que eso fue demasiado, espera a ver lo que viene! Hasta ahora hemos
visto los valores de las notas y como se cuentan y las partes del pentagrama.
Es importante que domines o por lo menos tengas una buena idea de todos
estos conceptos antes de seguir avanzando!

Una recomendacion que te puedo dar es que si todo esto te sigue siendo muy
confuso, trates de buscar a alguien que te pueda explicar. Muchas veces el
hacerlo por escrito es un tanto impersonal y no tiene el mismo efecto que una
demostracion en vivo. Si no conoces a ningun baterista que sepa leer (no seria
raro que asi fuera), consiguete un amigo que toque el piano/organo, ya que
ellos utilizan muchas partituras y quizas el te pueda complementar lo que
hasta ahora has aprendido.

27
 Finalmente, checa esta ultima seccion donde ponemes silencios, valores y
algunas partituras para que practiques.

Para este momento, si ya leiste todo te estaras preguntando de que estoy

hablando! Tranquilo! Ya viene la mejor parte! Ahora vamos a tratar de aterrizar
todo esto aplicando estos pequeños conceptos en las partituras de la bateria.
Para empezar con la siguiente lección, haz click aqui

• Valores y como se cuentan:

28
• Notas y sus silencios

• Practica de notas mixtas con silencios:

29
Ahora a las partituras "de verdad" Esto ha sido todo por ahora! Si has llegado
hasta aqui es por que efectivamente has adquerido los conocimientos
necesarios para leer! Para empezar a entrenarte, checa algunas de estas
partituras en la nueva seccion que he llamado "Rtimos Basicos de Rock"

Introducción a las partituras

El hecho de "saber" leer partituras parece ser ignorado en estos últimos

tiempos por muchos bateristas, quizás por que tocan de oído perfectamente y
no necesitan leer música, o bien nunca tuvieron la suerte de que alguien que
les enseñe. El principal material de estudio de un batero está basado en
partituras, y necesita aprender ese lenguaje musical universal para poder
interpretar lo que otros escriben. Y como no todo es leer, también es
importante escribir lo que uno toca, y lo ideal es hacerlo mediante un
pentagrama como lo hacen los verdaderos músicos.

Notación en el pentagrama

Antes que nada, hay que saber que cada elemento de la batería tiene su lugar
determinando en el pentagrama, en general la ubicación es estándar, aunque
podemos encontrarnos partituras en donde hay algunas variaciones
dependiendo el autor o baterista, pero casi siempre aclaran el tipo de notación
usada. Si uno tiene elementos del set que no está dentro de lo estándar, se
pueden agregar líneas adicionales al pentagrama.

30
El valor de las notas

Partiendo desde la nota principal (la redonda), se generan de manera binaria

las subdivisiones naturales del tiempo, es decir, una nota puede ser
sucesivamente dividida por dos duplicando su velocidad a la anterior. Pero
también existen subdivisiones complejas, pero son más difíciles de explicar. La
más importante que hay que aprender desde el principio es la simple, y en la
siguiente figura la explico gráficamente:

Silencios

Una vez comprendido lo anterior, hay que tener en cuenta que cada tipo de
nota tiene su correspondiente silencio de igual valor. Por ejemplo no es lo
mismo un silencio de negra que uno de corchea, es obvio que tienen diferente

31
valor, sin embargo el silencio de negra es equivalente a 2 de corchea. La
siguiente tabla explica todo ésto:

Lectura

Cuando se tiene enfrente un nuevo párrafo musical, antes de tocarlo debe ser
analizado, hay que entender los distintos fraseos rítmicos que se presentan.
Durante la ejecución se recomienda usar una especie de "cuenta" que nos
permitirá ir entendiendo con mayor facilidad lo que se lee. Esa cuenta es la que
se usa cuando uno toca y va diciendo 1,2,3,4... que vendría ser el pulso del
ritmo. Pero la cosa se complica cuando estamos tocando figuras con
subdivisiones como por ejemplo las corcheas o semicorcheas, hay que
contarlas también pero de otra manera como lo explica la siguiente figura:

Pero una vez que se domina bien la partitura, se puede hacer que esa cuentita
valla desapareciendo de a poco debido a que naturalmente empieza a entrar
en juego nuestra memoria audio-visual, entonces lograremos así una mejor
fluidéz en la lectura.

Métricas

Se utilizan para determinar una clase de ritmo. Su denotación es en forma de

fracción de manera tal que el numerador es la cantidad de notas por compás y
el denominador es el valor de la nota usada. Por ejemplo: un ritmo de 3/4

32
quiere decir que tiene 3 negras por compás; uno de 4/8 tiene 4 corcheas por
compás. También podríamos decir que el ritmo 4/4 es igual que 8/8, por que
4/4=1 y 8/8=1, por lo tanto sería lo mismo escribirlo de una u otra manera.
Ahora queda a cargo del lector analizar las siguientes métricas: 2/4; 4/8; 6/8;
8/16; 7/8; 5/4. Saquen sus propias conclusiones.

Uno de los desarrollos mas recientes en tecnica de la bateria es el uso del pie
izquierdo de una manera independiente a los movimientos de los demas
miembros. Con el uso cada vez mas comun del stand con pedal para cencerro,
todos los bateristas podemos explorar nuevas ideas que antes eran solamente
dominadas por la musica latina o por bateristas de jazz contemporaneos.

Aquellas personas que no estan familirizadas con el concepto de la clave, sera

util mencionar que existen 3 ritmos principales los cuales seran explorados en
este articulo. "Son clave" es la forma basica de la clave de las cuales se
derivan todas las demas. Se presenta por lo regular en dos barras en formato
cut-time al cual se refiere como 3:2 o "forward clave" (clave hacia adelante),
que consta de 3 notas en la primer barra y 2 notas en la segunda barra:

Si empezamos por la segunda barra y despues por la primera, tenemos lo que

se conoce como "son clave 2:3" o invertida:

Ambos ritmos pueden ser "reducidos" si les dividimos el valor de cada nota y
silencio en dos para que tengamos ritmos de una sola barra. Esto servira una
vez que agreguemos ritmos en la bateria.

33
Si tomamos el son clave 3:2 como punto de partida y agregamos el bombo y
los hihats, tenemos:

Una vez que domines la parte de arriba, toca octavos con el ride y tu mano
derecha y agrega la tarola con la mano izquierda:

Ahora practica estas variaciones del bombo para tocar un son clave 3:2

34
Puedes experimentar tambien con diferentes ritmos en el ride o en los hihats.

Ahora repite todos los ritmos de arriba con alguna otra variacion de la clave en
el pie izquierdo:

Otro reto interesante es tocar una clave con sentido "hacia adelante" en el
bombo e "invertida" con el pie izquierdo, omitiendo el bombo donde coincide
con la tarola como en las versiones de son y rumba. La clave bossa nova, con
las dos manos en los hihats produce este ritmo:

Este ultimo ejempolo utiliza una clave no tradicional con un poco de funk en el
bombo:

35
Este tipo de ejercicios requiere de mucha coordinacion y por ende trabajo
detras de tu bateria! Trata de hacer todo despacio una y otra vez hasta que
condiciones tu cuerpo a realizar los movimientos sin tener que pensarlos. Yo en
lo personal no he explorado la clave todavia, pero siempre esta abierta esa
posibilidad!.

RITMOS Y PARTITURAS

Este ritmo conocido como Bossa Nova es realmente simple pero tocado
correctamente tiene un buen groove. Para empezar, tocaremos dos barras en
4/4 con straigh 8th's (octavos sin parar) en los contraplatillos.

Tomando eso en cuenta, ahora agregamos la tarola. En el sonido y la partitura

lo marque con un golpe normal, pero en realidad lo puedes tocar en el aro para
un sonido mas suave. Toma en cuenta que la tarola no tiene un backbeat en 2
& 4. Por el contrario, la tarola.

Si tienes problemas para tocarlo, aisla la tarola y cuentala por separado, toma
en cuenta que cae en el primer compas en 1, en & de 2, 4. En el segundo
compas en 2, y en & de 3.

Sonido

Una vez dominado la combinacion de mano izquierda en la tarola y derecha en

los contra platillos, es tiempo de agregar el bombo, el cual tiene un feeling muy
forward o hacia adelante.

Sonido

Para finalizar, juntamos el bombo con la tarola. Si tienes problemas tocando

todo junto, regresa a los pasos anteriores y empieza a juntar nota por nota,
tocando muy despacio hasta que te sientas comodo.

Sonido

36
Hola... Se encuentran leyendo mi primer artículo, el cual se trata de la
Independización del pie de Hi-Hat, en Bossanova.

No voy a contarles la historia de mi vida, solo espero que esta pequeña clase
les sirva de ayuda a aquellos que buscan algo un poco más avanzado, lo cual
es bastante difícil encontrar en Internet, ya que yo fui de esos que investigan...
Trate de encontrar cosas de Jazz, Bossa, Latin, Funk, Samba entre otros... Pero
solo encuentro cosas de principiante. Si bien es verdad que por algún lugar hay
que empezar, me parece que por algún “lugar” hay que seguir... Sin mas
prólogo me dedico a la primera clase virtual que doy en mi vida, en la que me
siento algo extraño, pero en fin espero que puedan sacar el mayor jugo de eso.
De mas esta decir que si tiene alguna duda pueden escribir a:
jazzerito@hotmail.com, ya sean criticas (las cuales recibiré con los brazos
abiertos), saludos, dudas, sugerencias o pedir material; no hay problema solo
manden un mail y pidan... Para cualquier otra duda o discutir con otros
bateristas esta leccion, por favor visita los foros de discusion

Esta clase se trata de la Independización del pie de Hi-Hat en Bossanova, si

bien es algo que uno puede pensar de una manera rápida y fácil, tal ves
algunos necesitan ese “empujoncito” para terminar de entender...

Bueno en la primer figura tenemos el “Pattern Tradicional”, esta es la forma

básica de los pies en la Bossanova, obviamente cuando se toca en el ride...
Practicá mucho este pattern pero a no más de 70 negras por minuto, sino
estarías tocando Samba y ese es otro terreno en el que puedo entrar mas a
delante.

Luego de este se viene la primera variación del pattern original, y es con el Hi-
Hat en negras...

37
Aquí viene un pattern que como dice ahí es el que más me gusta. Se debe a
que el Hi-Hat se sitúa en un lugar muy particular y es la segunda semicorchea.
Esta acentuación ya se conoce del 4to Paradiddle, que también es el que más
nos cuesta pero el mas raro a la hora de tocar...

Estos tipos de acentuaciones y variaciones de Hi-Hat, se ven frecuentemente

en la Bossa fusión, y no en tradicional...
Si quieren escuchar a alguien que maneje bien el Hi-Hat es Bill Stewart en el
disco “Trio 99->00” de Pat Metheny, en el tema numero 3 “Giant Step” (El cual
es un tema de Coltrane hecho en Bossa)

Este otro pattern tal ves no se distingue por si solo, pero es otra herramienta
que combinado con todo los demás, va a tener un papel importante... Véanlo.

Este Pattern, es como que le da un sabor importante a la música... y eso que

no agregamos la mano izquierda!!
Este es una buena alternativa para puentes, o climas particulares... (después tu
oído te dirá donde va)

38
Este pattern tiene características parecidas al anterior, pero me parece que
este tiene mas gusto a fusión... De todas maneras puede combinarse con el
anterior y cuando se forma el pasaje entre ambos, se suena algo muy copado...
También para fills, agregando algo por los toms...

Este pattern no es muy impresionante ni sorpresivo. El Hi-Hat al unísono con el

bombo, definitivamente otra opción, igualmente tiene su vuelta y lo podrás
utilizar muchísimo, ya que es fácil y mezclado suena bien...

Si sueltas el Ride parece que el tiempo para... se puede usar en cortes...

Investigá.

Este siguiente, es muy pero muy completo, no hay espacios de semicorcheas,

se puede usar como fill, o entremedio de un solo tal ves algo cargado de notas,

39
o al revés; en algún solo de pocas notas donde se pueda lucir este ritmo de
batería...

Esta es otra variación de Hi-Hat, también muy usada si se mezcla...

Y este es el ultimo pattern, parecido al anterior pero desplazado...

Bueno creo que tienes todas las alternativas como para armar
acompañamientos impresionantes... Combínalos de a 4 compases y después
de a 2, y después de a 1, de manera de cambiar de pattern rápidamente,
parecerá otra mano mas que tengas allí abajo, la cual mas adelante, (si me
piden) pueden combinar con las claves de mano...

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Pido mil disculpas por el puntillo que no se ve en la primer corchea del bombo,
la verdad puse todo mi empeño utilizando el Paint, y la verdad me costó
muchísimo, sepan disculpar... ¡No va a volver a ocurrir!

Has click aqui para ver la leccion dos del bossa nova

Hola bateros se encuentran leyendo mi clase Nº 3, la cual habla de Bossanova.

En esta clase aplicaremos los conocimientos de la clase Nº 1, y le agregaremos

la mano izquierda a todo esto... Esta es la parte II sobre Bossanova, si bien no
vamos en orden de aprendizaje, uniendo esta clase con la anterior, y con la
próxima que escriba, vamos a tener un gran caudal de fraseo, y mucha
musicalidad, si lo aplicamos con criterio...

Bueno, metiéndonos en la clase vamos a comenzar con la clave de Bossanova,

la cual deben conocer o haber escuchado alguna ves. A partir de esta clave
surge todo, hasta la Bossa Fusión de nuestros días. Aquí tiene el pattern de la
clave:

Esto se puede ejecutar, primeramente con el pattern del bombo que ya

conocen, y la mano derecha al Hi-Hat, si tocan al ride, utilizando el pattern
completo de los pies... (Algunos ya se habrán dado cuenta que pueden utilizar
cualquier variación del Hi-Hat de la clase anterior).

Ahora voy a presentarles 4 ritmos, como consejo les diría que utilicen el
pattern básico de los pies, para no complicarse y poder tomarle confianza a la
mano izquierda y al aro del tambor. Tóquenlos al ride y al Hi-Hat, combínenlos y
jueguen mucho con ellos, de eso depende que después tengan un fraseo
libre...

41
La consigna con estos 4 patterns es que los toquen mucho, ya se van a dar
cuenta que son todos muy parecidos y que son combinaciones de sí mismos...
Una ves que les salgan, pueden pasar a los siguientes patterns, que si bien no
son impresionantes, tienen algunas notas juntas, y dan otro aspecto de la
Bossa, tóquenlos machismo, y cuando estos también salgan, traten de tocar
solo lo que haya en sus mentes, les saldrán combinaciones de todos estos
patterns que les di, y ahí van a poder frasear un poco de manera tradicional,
aunque en la Bossa, la mayoría de las veces se elige una clave y se repite a lo
largo de la canción, no se frasea tanto. De todas maneras ustedes tienen que
tener la facilidad de hacerlo...

En los siguientes no esta escrito ni el Hi-Hat, ni el pattern de pies. Al principio

les va a costar leerlos, pero es un buen ejercicio tocarlos sin tener que escribir
todo, ya que en ves de pensarlo como algo de independencia, lo ven con un
acercamiento un poco más musical... Al fin y al cabo de eso se trata...

42
Bueno a partir de acá, vamos a mezclar toda la data que tenemos...
Veamos: tenemos 10 patterns de mano izquierda, tenemos 10 patterns de pies,
y tenemos una increíble imaginación... Ya Esta!
La consigna es mezclar todo con todo... Si hacemos la cuenta tendremos 10 x
10 patterns, lo cual es igual a 100 ritmos!!!... Si ya se es demasiado, pero no se
desesperen.

Comiencen a copiarse todos los patterns, es decir, copien los 100 patterns, y
tóquenlos de arriba abajo, con los ojos cerrados, en el hi-hat, en el ride, con
una mano atada... en fin...

Acá les transcribí algunos ejemplos (3) de cómo combinar los patterns entre
sí...

43
Bueno por ahora creo que tienen para laburar por unos meses largos... Toquen
mucho y traten de respetar todo. Cuando ya tengan facilidad, comiencen a
combinar patterns a su manera, con su cabeza, utilizando su criterio, pero
nunca se olviden de ser y sonar musicales...

Agradezco a la gente que me escribe, y bueno... cualquier duda escriban a:

jazzerito@hotmail.com. Para cualquier otra duda o comentar esta leccion con
otros bateristas, por favor entra a los foros de discusion.

Has click aqui para ver la leccion tres del bossa nova

Hola bateros, se encuentran leyendo mi clase Nº 4 la cual es la ultima sobre el

tema Bossanova, ya que en las lecciones anteriores obtuvimos los patterns de
mano izquierda, lo patterns del Hi-Hat, luego las combinaciones entre ambos.
Por eso esta clase es sobre algunos fraseos mas libres utilizando todo el
material de las anteriores clases...

44
Básicamente son 3 patterns, los cuales no hace falta repetirlos... Si al
estudiarlos, pero no creo que al aplicarlos...

Los recursos utilizados en los próximos patterns son:

• Pattern de bombo sin variación

• Variación del ride, también se puede utilizar cualquier grupo que ustedes
deseen.
• Notas con el Hi-Hat seguidas, ya sean 3 ó 4 notas.
• Inclusión del Hi-Hat como nuevo órgano de fraseo, con misma libertad
que los otros miembros.
• Acentos en el ride, y/o en tambor y toms. Se puede reforzar la clave o
sugerir frases al solista, como también copiar frases del mismo.

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 • Hay miles de recursos mas...

Como aplicar Pres Roll, acentos a los platos, a los aros de toms, campanas de
platos, cencerro, frases en 3/4... En fin, es música...

Respeten todo de cada pattern, y después transcríbanse todos y toquen uno o

dos compases de cada uno. Agreguen los patterns de la clase Nº 3 (“Mas
Bossanova”), usen silencios, pero también toquen muchas notas, toquen
frases.... Y sobre todo... S E A N M U S I C A L E S

Toquen toquen, y toquen...

Agradezco a la gente que me escribe, y bueno... cualquier duda escriban a:

jazzerito@hotmail.com. Para cualquier otra duda o comentar esta leccion con
otros bateristas, por favor entra a los foros de discusion.

Toquen, toquen y toquen...

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 LEER PARTITURA

Cuando ves una partitura de cualquier tipo en el mundo real, vas a ver algo
similar a esto:

El primer paso para leer esta partitura es saber el significado que tiene cada
nota segun el lugar en el que se encuentra. Para esto, siempre se sigue un
"estandar" en la mayoria de las partituras, mediante el cual se asigna un lugar
en el pentagrama para cada pieza de la bateria. Los lugares son:

Esa grafica indica que el bombo siempre es la nota que va en el ultimo espacio
del pentagrama, la tarola va en el segundo de arriba para abajo, el tom uno o
chico en la primera etc. Estas notaciones siguen, como ya lo mencione, un
"estandar" en la forma en la que se acomodan las notas dentro del
pentagrama. Algunas personas ponen los toms chicos o grandes en otros
lugares o el crash o ride lo marcan de manera diferente, pero a final de cuenta,
el fondo y la base, la esencia de todo esta figurado en esa imagen.

Los unicos tambores que siempre permaneceran en el mismo lugar son el

bombo, la tarola y los platillos en general, que siempre estan sobrela linea de
arriba. Al no mencionar a las demas piezas de la bateria, no me refiero a que
estas cambien de linea drasticamente, si no que algunas personas pueden
poner el tom chico enmedio de la segunda linea o en la parte superior. Lo
mismo puede pasar con las otras piezas! Por ahora imaginemos un mundo
perfecto en el que todo mundo se basa en nuestro diagrama.

Ahora, en el diagrama he pueso intencionalmente al ride en la parte de arriba,

pero debe de tomarse en cuenta que tambien podrian ser los contra-platillos!
En nuestro caso, vamos a trabaja Tres,r durante estas lecciones solamente con
los hihats, para despues poder movernos al ride y a los demas tambores.

Ahora que ya sabemos donde van las notas de cada parte de la bateria,
veamos los diferentes simbolos involucrados en las partituras! Da click aqui
para continuar

47
El titulo lo dice todo... ¿Es tan importante saber leer partituras?.....claro que lo
es.... ¿Por que?: Tan simple y sencillo como que es de lo mas importante a la
hora de aprender a tocar la bateria.

Me refiero a que los que no sabemos leer del todo bien o casi nada ( estoaria
yo en.........la ultima jeje..) no podemos aprender tan facil y se nos dificulta
mas llevar bien los ritmos lo cual no es bueno a la hora de tocar en vivo.

Es de vital importancia saber leer para ser mas “universales” y poder aprender
mas facil los ritmos mas complicados que por muy facil que parezca o que se
oiga, no siempre es tan facil hacer que se oiga igual..para esto necesitamos
practica, mucha practica.

Hay veces que sabemos leer a medias, por ejemplo, sabemos que simbolos son
los hats y cual es la tarola yel bombo...nada mas. Al ser esto asi es un poco
dificil para nosotros poder llevar los ritmos como se deben porque muchas
veces llevan de por medio un tom o un golpe a cualquier plato, lo cual, cuando
vemos ese signo, nos quedamos preguntandonos ¿Que demonios es eso?. La
simbologia cambia dependiendo de que tambor entre, se colocan las notas en
diversas partes del pentagrama. Incluso hay veces en las que el autor cambia
la “forma” del pentagrama al entran los toms en accion lo cual nos confunde
mas aun, cosa que como ya sabran, no es buena. Otros autores ponen las
notas al revés o volteadas lo cual hace un poco diferente el pentagrama y, otra
vez, nos confundimos. Aqui lo importante es practicar, no solo con una sola
“simbología” del pentagrama sino con todas las que se encuentren por ahi, la
mas comun es la que esta en esta pagina, o por lo menos es la que mejor se
entiende y que mejor se organiza.

No todo el tema de la lectura de partituras es saber que “simbolo” es cada

tambor, no señor, cuando sabes esto ya viene lo mas dificil, los “indicadores”
por decirlo asi, por ejemplo, todo lo que esta en esta imagen es FUNDAMENTAL,
no solo la “simbologia” de los tambores y de los platillos, sino tambien las
“figuritas” que nos indican los silencios, acentos, dinamica etc. Claro aqui no
esta tan dificil, en algunas partes claro, como lo es la mano el tiempo, etc, pero
entran otros imbolo que son fundamentales a la hora de tocar, ejemplos de los
que son mas dificiles (por lo menos para mi) son, la ligadura, tiempo cortado,
las barras de repeticion, etc.

Si crees que puedes dominar todo esto de los “simbolitos” o las notas, esperate
a empezar a leer.

En un pricipio diras “esto esta muy facil, nada mas me aprendo los simbolos y
que significa cada uno y ya” (como me paso a mi...)pero ester asunto no es tan
facil, se debe saber aplicar cada uno y saber de que manera usarlos cuando
compones, cosa que tampoco es nada facil y menos aun siendo nuestro
instrumento (bateria) uno de los mas dificiles de armonizar con los demas
instrumentos, ya que cada nota debe de esar perfectamente colocada para que
a la hora que se escuchen con otros instumentos no se oiga de una manera

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fea, o simplemente que no queda con el ritmo o con la cancion. A parte de
todo esto que de por si ya es bastante hay que mencionar que a la hora que se
esta leyendo no va a ser tan facli como parece, el estar leyendo y tocando al
mismo tiempo requiere de mucho tiempo, las probabilidades de que el ritmo
que estas tocando sea el que estas leyendo son muy pocas si apenas leiste el
articulo “Aprendiendo a leer” de esta pagina, son muy pocas (se los digo por
experiencia ;)), no es facil llevar la cuenta de los ritmos y mas aunu cuando el
ritmo es repetido muchas veces, sin variaciones o con pocas, pero lo
importante aqui es la fluidez.....

La fluidez a la hora de leer es importantisima...y mas aun cuando estas

tocando y leyendo en frente de tus amigos o en frente de una persona
cualquiera, esto da de que hablar, porque no cualquiera hace esto..... a poco no
les gustaria que dijeran “Vaya, que bien tocas, y aparte lees al mismo tiempo,
Felicidades” es bueno cuando te dicen esto ya que tu motivacion sube como no
tienes idea, no importa si la persona que te lo dice no sepa mucho sobre el
tema. Para agarrar la fluidez necesaria para, por lo menos sacar una cancion
tan facil como “Nothing Else Matters” de Metallica por citasr alguna de las mas
faciles de tocar y de una de las mejores para tomar como ejemplo a la hora de
aprender a leer (se los digo por experencia propia...), es necesario practicar
como no tienen idea y no solo aprenderse de memoria la canción, que de por si
esta facil; es necesario tener mucha fluidez para poder leer y tocar al mismo
tiempo esta cancion y que te salga identica a como suena en el disco,
necesitaras de semanas para poder leer y tocar a la ves esta cancion sin
ningun problema, que te salga igual, pero aqui no acaba esto, como mencione
arriba, esta es una de las mas faciles que puede haber para apreender a leer,
ya que quieran agarra cualquier tipo de cancion un poco mas rapida, se les va
a complicar la cosa, es necesario de mucho tiempo, incluso me atreveria a
decir que de años, para poder leer fluidamente sin ningun problema, canciones
como las de Alex Gonzales de Maná no te las vas a aprender tan facil como
“Nothing Else Matters”, Alex utiliza demasiadas tenicas al tocar su bateria que
hace que te parezca muy facil tocarla e incluso llegas a decir que e sale
cualquiera de el pero te sientas en tu querida bateria, calientas, y empezaras a
tocar, y en menos de lo que pensaste diras “Como rayos hizo para poder tocar
eso!!!!!” , es qeui donde entra la importancia de la lectura en ester tipo de
canciones, no creas que vas a sacar todas las caciones a odio, claro sacaras
todas las que no tengan strokes, que sean simpre iguales, pero la mayoria de
las canciones tienen su parte dificil, por muy simple que se oiga, digamos que
el 95% por cinto de las canciones son de ester tipo, siempre abra canciones en
las que abra una parte que no te la podras sacar a oido, sobre todo remates, se
oyen muy simples y faciles de hacer pero no siempre son tan faciles como tu
crees, incluso habrab canciones que diras “Me sale todita igualita,” cosa que
esta dificil, por mas que quieras no te va a salir igual nada mas de oirla, puede
que si, pero estos casos son de gente que de verdad sabe y que se esfuerza
ensus gustos, pero nosotros los principiantes de la bateria, no podemos decir
eso y menos si nunca hemos tomado clases, es cierto, en internet puedes
encontrar cualquier cantidad de paginas en las que, si sabes ingles, no
necesitas de maestros, puede que seas como el que hizo toda esta pagina y
como yo, autodidactas.

49
Pero hay muchos ahi que estan leyendo ester articulo que no seon de ester tipo
de personas (no se ofendan ehh?), es a estas personas a las que le vendria
muy bien un pequeño esmero en esto de bateria. Volviendo al tema, (jeje creo
que me sali de el y no supe en que momento ;))debemos practicar la lectura de
partituras si queremos que todas las canciones que queramos, y las nuestras
claro, se oigan iguales, y muy bien al oido, si son compuestas por nosotros, y
que todo tenga una armonia en la cancion.

Creo que, a mi parecer, lo mas dificil de aprender leer son los solos en los hats,
esos si que son cosa dificil, porque al ser una “X” la nota se complica mas esto
porque no es tan facil contar tantas x y menos si van intercaladas con tarola o
bombo o cualquier tambor en general de nuestro kit, de por si no es facil
sacarlos a oido mucho menos se les hara mas facil a tocarlos cuando esten
leyendolos, aqui es mas facil leerlos y despues tocarlos y una ves que los
domines asi, empezar a leerelos mientras los tocan, diran “ahy si no que facil,
me los parendo de memoria, y finjo que los leo” pero no crean que por
aprenderselos de memoria es mas facil, llega un momento que no te van a salir
nada mas porque si, es ahi cuando tienes que emplear tus conocimientos de
lectura de partituras.....

Bueno, para terminar ester articulo, que me imagino ya los habre aburrido, es
necesario decir que se consigan un buen maestro si no entienden la explicacion
de la parte de como leer partituras, porque sino tentienden mejor no se maten
mas aqui solos y consiganse un maestro, eso si que sea bueno, por que no
cualquier persona que diga que es mestro de baterias lo sabe todo, hay mucho
que segun ellos son “maestros” pero que no hacen nada mas que
confundirtemas, consiganse uno bueno. Yo una ves le dije a Aaron que no
entendia nada de lo que decia en su apartado de “Aprendiendo a Leer”,
pensaba que estaba muy dificil, pero en realidad es la mejor guia que tienen es
español si no quieren un maestro, un dia mpece a leer con ganas y prestando
atencion en cada palabra y es facil, solo si le pones ganas y de verdad quieres
aprender, una ves me dijeron “tu gran interes por el problema hara que llegues
a solucionarlo” y creanme eso es cierto.

Espero que les haya gustado toda la perolata que puse aqui (jeje) y mas que
todo que les sirva. Les repito, sino entienden nada sobre leer que sea escrito,
busquense a un verdadero maestro, que sepa leer, no seria novedad de que
algn “maestro” no supiera algun simbolo o icluso leer alguna cancion en la que
el autor se decidio a escribirla modificando el pentagrama.

RITMOS BASICOS 4/4

He nombrado esta seccion "Ritmos Basicos de Rock" refiriendome a que estos

ritmos son la base para muchos ritmos y partituras que muchos bateristas que
no saben leer van a encontrarse alla afuera, en el mundo real.

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Asumiendo que tienes algunos conocimientos o que por lo menos ya viste la
seccion para aprender a leer partituras, estos ejercicios no deben de ser de
mayor complicacion para ti. Una vez que los domines separadamente, te
recomendaria que tocaras de manera continua todos ellos, escogiendo
solamente con los ojos que ritmo vas a tocar. Este ejercicio te ayudara en la
fluidez de tu lectura a largo plazo.

Ya para adentrarnos en el mundo de la lectura, solamente quisiera dejar en

claro que si en algun momento alguno de estos ejercicios se te complica, no te
desesperes! Con un poco de practica (y no tienes que practicar en tu kit, lo
puedes hacer con tus dedos en el escritorio enfrente de la computadora) y
repeticiones constantes estos ejercicios y movimientos van a salirte
naturalmente, como si estuvieran dentro de ti por arte de magia. Asi que toma
esas baquetas, tu practice pad y a practicar, practicar y practicar!

Los ejercicios estan divididos dependiendo la nota que se toca en los hihats. Te
recomiendo que los veas en orden ya que la velocidad con que se tocan los
hihats va a ir aumentando en cada ejercicio.

• Hihats con notas negras (cuartos)

• Hihats con notas semi corcheas(octavos)
• Hihats con fusas (diez y seisavos)

Una vez que domines los ritmos en los hihats, puedes usar el ride, diferentes
tambores, invertir los ritmos e incluso combinarlos uno con otro.

Otros articulos recomendados para practicar tu lectura:

• Rudimentos
• Ritmos Funk parte 1
• Ritmos Funk parte 2
• Rock en 6/8
• Jazz en 4/4
• Jazz en 3/4
• Variaciones en los hihats

Ahora los ritmos:

Hihats con notas negras (cuartos)

51
• Hihats con notas semi corcheas(octavos)

• Hihats con fusas (diez y seisavos)

52
 • Rudimentos

Los Rudimentos son descritos como "El primer principio, paso, estado o
condición" Los rudimentos son el primer y más importante paso y fundamento
para tocar la bateria. Estos ejercicios deben de ser aprendidos y practicados
desde el primer día en que se empieza a practicar, pero lamentablemente no
todos tenemos acceso a ellos.

Por esa razón, aquí te presento un pequeño resumen de los rudimentos para
que puedes realemente dominar ya sea la bateria o cualquier tambor en tu
banda de música!

Tan simple, vago o quizás por más redundante que esto pueda sonar, si se van
a aprender los rudimentos (o cualquier cosa) es importante hacerlo bien a la
primera. Aquí te presento las partituras junto con una breve descrpición de que
se debe de hacer en cada ejercicio.

Para efectos prácticos, todos los nombres de los Rudimentos (Rudiments) estan
literalmente traducidos al español. De todas maneras, es recomendable
saberse los nombres en Inglés ya que son términos más universales que los
que se usan en el habla hispana.

Cada ejercicio debe de ser practicado y dominado por completo antes de pasar
al siguiente. En algunos casos, he elegido ejercicios o combinaciones las cuales
en mi opinión son más fáciles de memorizar y por ende dominar. Empieza a
una velocidad lenta/moderada y empieza a acelerar. En el momento en que te
empieces a equivocar o el rudimento suene diferente, baja la velocidad e
intentalo de nuevo. Una vez que hayas llegado a tu máxima velocidad,
empieza a disminuirla gradualmente hasta llegar a donde empezaste.

--Ahora si, a los Rudimentos!--

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Solo una pequeña nota para hacerte saber que estos NO son todos los
rudimentos. En realidad, existen 2 listas de rudimentos en las cuales se
mencionan 27 y en la otra 40. Aquí te presento algunos de los más importantes
de la lista de 27 rudimentos. Cuando termines esta sección al 100%, avisanos
en el Foro de Discusion y por ahi te pasaremos uno que otro ejercicio que valga
la pena.

Se dice que no es bueno saltarse algún rudimento antes de saberlo bien, pero
por experiencia propia algunas veces es más fácil hacer uno primero que otro.
Yo te presento el orden común y lógico, pero tu puedes empezar desde abajo si
gustas.

Todos los archivos estan en formato .MP3 y si los bajas todos son algo asi como
2.5 Megas.

Escucha el redoble

Redoble o Roll: ter El redoble es probalblemente el rudimento más usado por

cualquier baterista en cualquier ocasión. Un redoble (como su nombre lo
indica) es una seria de golpes dobles tras otra y crea un sonido que so conoce
como "buzz" (por que se debe de oir buzzzzzzzzz). Existen 2 tipos de redobles,
el abierto y el cerrado. Estos prefijos simplemente indican si se está
aumentando (abierto) o disminuyendo (cerrado) la velocidad.

Escucha al Redoble de 5 golpes

Redoble de 5 Golpes o 5 Stroke Roll: El 5 stroke roll o redoble de 5 golpes

utiliza 2 dobles golpes con cada mano (RR LL) y un último golpe acentuado con
la mano que se empezó primero. Nota que los 4 golpes son a la misma
velocidad pero el último siempre será una octava.

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 Escucha al Redoble de 7 golpes

Redoble de 7 Golpes o 7 Stroke Roll: Muy parecido al de 5 golpes, solo que

un poco más largo. Es importante dominar el de 5 para después tener el
"feeling" correcto del redoble de 7 golpes.

Escucha al Paradiddle (despacio)

Escucha al Paradiddle (rápido)

Paradiddle: Mi rudimento favorito. Utiliza golpes dobles una vez que empiezes
a acelerar. Practicalo diario y en un par de meses lo podrás tocar
adecuadamente, garantizado.

Escucha al Flam

Flam: Como lo indica su nombre, el flam produce un sonido parecido a la

palabra "flam". Este rudimento es realmente uno de los más difíciles de
dominar, más no imposible. Este rudimento es la base para todos los demás
que incluyen la palabra flam. Este rudimento está compuesto por dos golpes.

El primer golpe, que es un golpe suave (llamado en inglés grace note) y un

segundo pero principal golpe (primary stroke). Para dar el primer golpe (el
suave), coloca la baqueta a unas 3 o 4 pulgadas de la tarola, mientras que la
otra mano debe de estar a unas 12 pulgadas de la tarola. De esta manera, el
segundo golpe tendrá que viajar más y no solamente pegará después, si no
que por la misma altura irá más rápido y será más fácil y natural acentuar el
golpe. Escucha con atención el archivo de sonido y practica hasta dominarlo.

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 Escucha al Flam accent

Flam Acentuado o Flam Accent: Igual que un flam normal, solo que se
agregan dos golpes intermedios y despuúes se hace el flam.

Escucha al Flam Paradiddle

Flam Paradiddle: Flam paradiddle... Bueno, su nombre lo dice todo (flam +

paradiddle)

Escucha al Flamacue

Flamacue: Este es un poco "abstracto" ya que después que haces el flam, la

siguiente nota es un acento... Es un feeling raro y no es muy fácil de dominar.
Nota: Un ejercicio muy recomendado es la práctica constante.

Escucha al Drag

Ruff: Drag significa arrastrar en español, este rudimento adquiere su nombre

por que tocas un golpe doble y "arrastras" el siguiente golpe. Es por eso que
tienes 2 corcheas ligadas con 1 negra. Al igual que el golpe de 5 y 7, en el
útlimo golpe se hace una pequeña pausa debido a que es una negra en vez de
seguir con corcheas. A veces es más fácil empezar este rudimento acentuando

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la última nota, así que trata las dos formas y practica con la que te sientas más
cómodo. Nota que esto NO son 3 golpes iguales, son dos rápidos y uno un poco
más lento, no es un triplet!

Escucha al Single Drag

Drag Sencillo o Single Drag: Solo agrega una negra al final y no olvides
acentuarla!

Escucha al Double Drag

Drag doble o Double Drag: Dos drags más una negra acentuada al final.

Escucha al Paradiddle Doble

Paradiddle Doble o Double Paradiddle: Otro de mis favoritos! Este y todos

los diddles son excelentes "sticking exercises"

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 Escucha al Ratamacue Sencillo
Escucha al Ratamacue Doble

Ratamacue: Creo que para ahora ya te habrás dado cuenta que si no dominas
el drag no podrás hacer los útlimos ejercicios correctamente, así que si te
saltaste el drag y no tienes idea que es esto, revísalo de nuevo! Estos dos
ejercicios, que en realidad deberían de ser 3; ratamacue sencillo, doble y triple,
pueden considerarse como los últimos de esta sección. El ratamacue doble no
lo puse por que es simplemente una combinación del triple con el sencillo.

Si has llegado hasta este punto, no me queda mas que decir felicidades! Has
aprendido una gran parte de los rudimentos, de la base de donde se derivan
más del 90% de las canciones que oyes a diario!

Recuerda que esta lista también te puede servir como rutina de calentamiento
para tus dedos, antebrazos, brazos y muñecas. Una vez que termines con la
parte de arriba, alterna los rudimentos con tus dos pies y con las manos (ahi es
donde se pone divertida la cosa!)

• Ritmos Funk parte 1

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Los ritmos Funk, desde mi punto de vista y mi experiencia personal, es uno de
los ritmos que con sus variantes -ritmos bien trabajados, que requieren mucha
relajación- nos ayudan cada día más a lograr rapidez e independencia en
nuestros miembros; a continuación veremos distintos ritmos con algunas
recomendaciones para que empezemos a incursionar con mucho "groove".

...A trabajar!

EL FUNK ROCK: lo trabajaremos tocando semicorcheas continuas con la mano

derecha en el hihat cerrado, tratando siempre de tocar el bombo con la mayor
relajación posible y en los lugares en que según la partitura corresponda. la
cuenta en el hihat puede ser: 1 y y y 2 y y y 3 y y y 4 y y y, otra variante más
aplicable en lo personal podría ser utilizar palabras de tres sílabas, por ejemplo,
una que enseño a mis alumnos es: 1 ca si ta 2 ca si ta 3 ca si ta 4
ca si ta.

ahora a tocar! y no olviden acentuar los golpes en el redoblante para lograr el

groove adecuado...empezaremos con un ritmo base y luego tres ritmos más
que nos darán para trabajar...

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Les deseo lo mejor y el mes que viene (Mayo) le spresentaré un informe sobre
el funky funk, con variantes nuevas como digitación de manos y pequeños fills
de 1/4 de compás con aberturas de hihats....hasta la próxima mundo batero!

• Ritmos Funk parte 2

¿Qué tal raza? Espero que bien, así como también espero que les haya gustado
la entrega de la vez pasada, ahora lo prometido...el "funky funk", un ritmo que
trabajado lentamente y con paciencia da muy buenos frutos que no deja de
sorprender con sus tantas variaciones rítmicas posibles y su distingible
"groove"... bon apetit!!!

Los ejercicios de este mes tienen similitudes en cuanto a los del mes pasado,
acentuamos sólo en el redoblante, prestando atención en las siguientes
diferencias respecto del funk rock:

1)Los golpes en hihat los realizaremos con ambas manos; DIDI, con la cuenta
ya propuesta; ésta es: 1 y y y 2 y y y 3 y y y 4 y y y, o bien, 1 ca-si-ta, 2 ca-si-
ta 3 ca-si-ta 4ca-si-ta (propuesta original y efectiva jaja!), completando
los 16 golpes por compás necesarios.

2)Debemos agilizar la mano izquierda, pues ésta baja también al

redoblante...logrando así también un poco de independencia en dicha mano; la
IZQUIERDA también existe jeje! (me estoy refiriendo a los batacos derechos,
para los zurdos es totalmente a la inversa)

3)Prestaremos especial atención en las aperturas de hihat simbolizados con un

pequeño círculo sobre la figura correspondiente al hihat, sin que ésto permita
descuidar la acentuación en el redoblante o tarola.

4)En el 7º ejercicio "jugar" con esa corchea que está "flotando" en el ritmo
luego de ese fill de 1/4 compás en tarola, no descuidar el tiempo del ritmo, es
decir "golpes en su lugar", si este paso de abertura cuesta, separá el tiempo
del entorno del compás y practicalo como un ejercicio aparte.

5) a pedido de varios batacos amigos, MÁS EJERCICIOS!!!, y como BONUS

TRACK: un par de buenos fill's de compás entero con semicorches, corcheas y
silencios, para complementar las propuesta e incluir en la práctica diaria de
estos ritmos...1,2,3 acción!!!

60
61
62
BONUS TRACK!!!

Adelante y nunca dejen de ser constantes en el instrumento, muchos saludos,

practiquen y hasta la próxima, con más funky-funk's (segunda parte) con
quebrados propiamente dicho en hihat's, y algún que otro bonus track!!!.

• Rock en 6/8

Dado que en la música popular no escuchamos mucha variedad en cuanto a la

métrica musical, a continuación les muestro unos cuantos ritmos que nos
adentraran un poco más al mundo de las métricas irregulares. En este caso,
hablaremos de ritmos en 6/8 (hay seis octavos en cada barra).

He decido poner estos ritmos ya que en mi opinión su desarrollo a la hora de

tocar e incluso para aplicarlos en la música común no es muy complicada, por
que tienen un cierto aire rockero que nos recuerda un compás en 4/4.

Visto matemáticamente tenemos varios caminos para analizar un compás de

6/8.Como 6/8 es lo mismo que dos 3/4 o 3/4 + 3/4, podemos dividir el compás
en dos pequeños agrupamientos de 3/4, que es más o menos la manera en que
está fraseado este ejemplo. Nuestro ejemplo 2, sería que como 4/4 y
finalmente 2/4 más para completar los 6/8. Tercero podríamos frasearlo como
si fueran cuartos (a la hora de tocar se compensa la velocidad para que se
conviertan en octavos) y contar simple y sencillamente 1,2,3,4,5,6. Por último,
en mi opinión la manera correcta de leerlo en la notación que se nos da: 6/8, 1
y 2 y 3 y. Cada ejemplo se explica detalladamente a continuación.

63
Observemos el ejemplo número 1. Si lo fraseamos de la primera forma,
podemos ver que en el primer grupo de 3/4 se toca el bombo en 1 y los contra
platillos en 2 y 3. En el segundo grupo de 3/4 se repite el primer grupo
solamente que cambia el bombo por la tarola.

Si nos basamos en la segundo teoría, en la de 4/4 y 2/4 (frasear la primer parte

en 4/4 puede ser más fácil al principio por que estamos más acostumbrados a
4/4 que a 3/4), tomaríamos las primeras 4 notas de los contra platillos, desde
el bombo siendo el 1, hasta la donde se toca la tarola siendo el 4.

En nuestro tercer ejemplo, que quizás sea el más fácil para el que empieza a
leer, es simplemente contar cada nota como si fuera un cuarto. Un, dos, tres,
cuatr, cinco, seis... Procura cortar los números ya que a altas velocidades es
difícil pronunciar tantas letras. Me pregunto como contaran los Japoneses ;)

Ahora para terminar de confundirlos más, la forma correcta (más no la única!)

de leer este ejercicio, dada las características que se nos dieron, sería:

Si analizamos nuestro último ejemplo, nos damos cuenta que lo que nos falta
para tener una sencilla barra de 4/4, que se contaría 1 y 2 y 3 y 4 y, es "4 y" lo
que equivale a dos octavos, así que si nuestra barra fuera de 4/4 u 8/8 y le
restamos los dos octavos faltantes tendriamos (8/8) - (2/8) nada mas y nada
menos que 6/8. A donde nos lleva todo este 4/4 o con un demonio, basta de
matemáticas!!! Todo esto fue para figurar que un ritmo de 6/8 no es otra cosa
mas que un ritmo en 4/4 con 2 octavos menos, o sea si el "4" y la última "y".

64
Suena complicad? Creo que un poquito, pero con esto espero que razonen un
poco las métricas irregulares y regulares y se den cuenta que no es otra cosa
más que un compás de 4/4 fraseado y acomodado de manera distinta.

Lo mejor en este caso es que practiques cualesquier forma que te presenté

aquí hasta que te sientas cómodo usándola para que después practiques cada
forma diferente de fraseo.

Ya que tienes la teoría para respaldar lo que vas a tocar, aquí te van los
ejercicios. Lo interesante es que la tarola SIEMPRE está en el mismo lugar, lo
único que va a variar el es bombo. No te olvides de contar mientras tocas... Ya
sea 1,2,3,4,5,6 o 1 y 2 y 3 y o 1,2,3,4,1,2 o 1,2,3,1,23, no dejes de contar que
eso facilitará el proceso de entendimiento de todo este artículo. A practicar se
ha dicho!

• Jazz en 4/4

Aprendiendo a tocar Jazz

Primero hay que tratar de entender algunos términos básicos antes de

comenzar que serán usados en Inglés durante esta lección y que de una u otra
manera son muy necesarios para poder entenderla:

65
 • Backbeat:El lugar en donde la música indica cuando debes aplaudir una
canción.
• Swing: Es el "feeling" o sentimiento/movimiento que se obtiene a partir
del ritmo o música que se toca.
• Four-on-the-floor: Como su nombre lo indica, "cuatro en el piso" se
refiere a tocar en un compás con el bombo un tiempo de 4/4.

El Jazz siempre ha sido de cierta manera un "misterio" para las personas que
normalmente tocan rock y/o pop, quiénes regularmente dicen "me gusta el
Jazz, pero no puedo tocarlo ni entenderlo".

En la música rock, cuando aprendes el ritmo básico de la canción,

prácticamente la canción estará lista. Los bateristas que intentan tocar Jazz
tienen problemas constantes con el hecho de que el "beat" o ritmo parece
cambiar constantemente. Pero en realidad, el Jazz realmente sigue un orden y
principios básicos que una vez que son conocidos son fáciles de seguir y
entender.

El ritmo básico de Jazz en la bateria está basado en un 2 y 4 "backbeat" y un

movimiento de "swing" en la$£ÚØ<î mano líder (1/4 o negras en 1 y 3 con
triples con la segunda nota removida en 2 y 4)

Si te sientes a gusto tocando el "backbeat" en 2 y 4, entonces podrás aprender

a tocar Jazz. La mejor manera de emepzar a aprendera tocar Jazz es
escuchando tanto Blues, como Jazz. De estar manera, podrás aprender a sentir
el llamado "swing" y podrás practicar los backbeats de una manera adecuada.

Un error común que mucha gente tiene sobre el Jazz es que piensan que los
bateristas que escuchan están constantemente tocando "offbeats" (o fuera de
tiempo) Pero esto está lejos de ser verdad. El backbeat es la escencia del swing
y por ende del Jazz.

Para poder tener ese "feel" del backbeat es necesario aprender a tener la
independencia necesaria en tus manos para tener éxito. En pocas palabras,
independencia se refiere a la habilidad de tocar cierto tiempo en una mano y
otro tiempo con otra mano, es decir, que una mano sea "independiente" del
movimiento de la otrvimiena.

Finalmente para aprender la técnica y adquirir el "feeling" es necesario que

aprendas a algunos ejercicios básicos de independencia. Comienza tocando
cada ejercicio despacio y mantente ahi, luego un poco más rápido y más

66
rápido, manteniendo la velocidad por algunos tiempos y ve disminuyendo la
velocidad hasta llegar a donde empezaste. Buena suerte y no dudes en
decirme como te va con los ejercicios!

El sonido pronto estará aquí!

El sonido pronto estará aquí!

El sonido pronto estará aquí!

El sonido pronto estará aquí!

El sonido pronto estará aquí!

67
El sonido pronto estará aquí!

El sonido pronto estará aquí!

El sonido pronto estará aquí!

68
Ahora una pequeña recopilacion de los ejercicios:

• Jazz en 3/4

En el siguiente ejercicio analizaremos un "pattern" o un ritmo que es muy

utilizado en el jazz. Lo que haremos es tomar el clásico ritmo de swing en 4/4
"lang, spang a lang, spang a" y lo frasearemos en una barra de 3/4 lo cual le da
un feeling diferente a la hora de tocar.

Tomando esto en cuenta, en vez de contar "1, 2 y, 3, 4 y" en un compás de 4/4,

lo tocaremos "1, 2 y, 3" en uno de 3/4 (la suma total de las notas es igual a tres
1/4s)

La barra de arriba muestra el pattern a ser tocado en el ride. Los contra

platillos acompañan al ritmo dándole un backbeat y un feeling que se siente
aún más apresurado y cortado. Una vez que se domina la mano derecha con
los contra platillos en 2 y 3, agrega los patterns de abajo en la tarola. A este
tipo de ejercicios se le conoce con el nombre de "cut time".

En la barra número uno, tendríamos que la tarola se tocaría junto con el ride en
1, mientras que en la barra dos sería en 2, en la tres en 3 y en la cuarta barra
en 1 y 2. Este útlimo ejemplo en especifico, con la tarola en 1 y 2 es un poco
engañoso ya que al principio o se te olvida el contra platillo en 3 o tiendes a
tocar la tarola en un lugar donde no es.

69
Una vez que dominas los ejercicios de cada barra interponiéndoles el ritmo en
el ride y los contra platillos, te recomiendo que toques las 7 barras seguidas o
las enumeres y las toques al azar mientras mantienes CONSTANTE y con el
feeling de swing siempre en el ride.

El último paso para dominar

El proceso por el cual vas a pasar con este ejercicio, en caso de que nunca lo
hayas hecho, tiene algo que ver con el término conocido como independencia.
Esto es, tocar ritmos separados e independientes con cualquier extremidad sin
que interfieras en la actividad de las demás.

Como dentro de la página ya he analizado el compás de 3/4 y 4/4,

proximamente trabajaré con 5/4 y más en concreto con el super clásico
ejemplo de Dave Brubeck, "Take Five", con el maestro Joe Morello detrás de la
bat

70
 • Variaciones en los hihats

Desde mi punto de vista, uno de los aspectos más

importantes que definen a un baterista y que lo
diferencia a la hora de por ejemplo: tocar junto a
otros 9 músicos en el mismo instrumento, es la
utilización del Hi hat (charleston o pareja): Uno
puede cambiar el groove de un patron ritmico en
tambor y bombo con diferentes trabajos en el hi
hat.

La finalidad de este artículo es aportar ideas para

la "exploración" de este par de "amigos de
bronze" de nuestro set.

La idea es mantener una base rítmica de, en un

compás de 4/4, negras, alternando el bombo y el
tambor (snare o redoblante), de la siguiente
manera: bombo en 1era y 3era. y tambor en 2da
y 4ta, trabajando el hihat según las siguientes
propuestas.

Propuesta 1: Figuras que involucren negras, corcheas y semicorcheas

Nota: Estos ejercicios anteriores; pueden ejecutarse con la digitación escrita o

constantemente con la mano derecha

Propuesta 2: Ejercicios de acentuación

Nota: Estos ejercicios anteriores; deben ejecutarse con la digitación tradicional al

elevar las dos manos al hihat; está debe ser DIDI DIDI DIDI....

71
Propuesta 3: Cambio de digitación

A esto se le pueden agregar factores como por ejemplo; la parte del hihat que
tocas (borde, medio o campana); además de las aperturas en las distintas figuras,
controladas por el pie que no toca el bombo (izquierdo si eres derecho y derecho si
eres zurdo); pero estas últimas ideas las expondré en al artículo siguiente. Buena
suerte y a practicar!!!!

- Rudimentos: Ejercicios de rudimentos

Introduccion 6274
Ejercicios
Tabla del Tiempo

Esta es la famosa Tabla del Tiempo expuesta en el libro Master Studies de Joe
Morello. El objetivo es lograr tocar las siguientes notas (en la partitura los
contra platillos, pueden ser tocadas en la tarola o cualquier otra parte)
manteniendo un pulso constante de 4/4 (bombo)

Para lograrlo, necesitas conseguir un metronomo para que puedas mantener el

tiempo constante. Una vez que lo consigues, ve al valor mas bajo, de

72
preferencia menor que 60 bpm para lograr tocar la siguiente tabla, para doblar
los valores (tocar 16avos por pulso o 64avos) reduce la velocidad al doble, es
decir a 30 bpm (algunos metronomos solo alcanzan 35-40 bpm)

Sonido

Julian Romero, uno de nuestros moderadores en el foro de discusion escribio lo

siguiente sobre la tabla del tiempo, sus subdivisiones e incluso sobre poliritima.
NOTA: Algunas cosas pueden ser complicadas, no te desesperes y lee paso por
paso poco a poco.

Quiero comenzar con las subdivisiones del tiempo las diferentes notas que hay
que se conocen como subdivisiones naturales.

a)Entera o rendonda:

1 Entera (hole)
2
3
4

b)Mitad o blanca:

1 1er Medio (half)

2
3 2do Medio
4

c)Cuarto o Negra:

73
1 1er Cuarto
2 2do Cuarto
3 3er Cuarto
4 4to Cuarto

d)Octavos o corcheas

1 1er Octavo
& 2do Octavo
2 3er Octavo
& 4to Octavo
3 5to Octavo
& 6to Octavo
4 7mo Octavo
& 8vo Octavo

La cuenta de los octavos en en ingles es One and Two and etc en español
puede ser :
Un y Do y Tre y cua y
( la idea es contar monosilabas como en el ingles para tener mas precision al
tocar y al contar al mismo tiempo.

Dieciseisavos o Semicorcheas:
1 1er 16avo
e 2do 16avo
& 3er 16avo
a 4to 16avo

2 5to 16avo
e 6to 16avo
& 7mo 16avo
a 8vo 16avo

3 9no 16avo
e 10mo 16avo
& 11vo 16avo
a 12vo 16avo

4 13vo 16avo
e 14vo 16avo
& 15vo 16avo
a 16vo 16avo

Continuando con como contar los 16 avos se tiene que saber que en ingles se
diria "Uán i en da" etc, pero si quieren contarlos en español los Españoles en
España los cuentan:

Un e y a
dos e i a

74
Tre e i a
Cua e i a.

Por mi cuéntele como les de mas resultado, pero recuerden que deben ser
monosilabos para poder tener muy en mente donde es el pulso del metronomo
y notar cuando te atrazas o cuando te adelantas de el.

Para los 32avos tenemos la misma cuenta que en el 16avo pero se le doblan
las notas:

1 1er 32avo
2do 32avo
e 3er 32avo
4to 32vo
& 5to 32avo
6to 32avo
a 7mo 32avo
8vo 32avo
2 9no 32avo
10mo 32avo
e 11mo 32avo
12vo 32avo
& 13vo 16avo
14vo 32avo
a 15vo 32avo
16avo 32avo
3 17vo 32avo
18vo 32avo
& 19vo 32avo
20vo 32avo
e 21vo 32avo
22vo 32avo
a 23vo 32avo
24vo 32avo
4 25vo 32avo
26vo 32avo
e 27vo 32avo
28vo 32avo
& 29vo 32avo
30vo 32avo
a 31vo 32avo
32vo 32avo

75
NOTA: Si estas perdido, regresa a la imagen de arriba. Esta
explicacion te indica como contar cada parte de la Tabla hasta llegar a
8 golpes por pulso. Para retomar mas el tema de CONTAR notas, revisa
COMO LEER PARTITURAS dentro de Lecciones

Ahora la siguiente subdivision natural seria tocar 64avos y la verdad que si ya

me dio harta fiaca escribir los 32avos me voy a acabar todo el post siguiente
con escribir los 64vos, pero yo creo que por el momento el objeto era poner el
remedial de lo que son las notas naturales que siempre tienen un comun
denominador que puede ser cualquiera de estas subdivisiones en un compas.
Pues el objetivo era explicar lo que eran las subdivisiones naturales para poder
explicar despues lo que son las subdivisiones artificiales:

La forma de hacer las subdivisiones con notas que ya no son naturales y que se
conocen como notas artificiales. Estas son subdivisiones que no son notas
naturales (Las notas naturales se conocen como binarias pues van
doblandose:2, 4, 8, 16, 32, 64, 128 ect), pero debe quedar claro que las notas
artificiales pueden ser pares o impares. La filosofia fundamental es dividir el
pulso del click en partes iguales, si divides el click en tres partes iguales tienes
el tresillo si divides el pulso en 5 el quintillo si divides en 6 partes iguales es
equivalente a doblar el tresillo y se le conoce como seiscillo y si divides el pulso
en 7 tienes sietillos, si lo divides en 9 tienes grupos de nueve o nueveillos y asi
sucesivamente puedes inventar grupos de este tipo. No conte dividir el pulso
en 2 pues son los octavos en 4 son los 16 avos en 8 son los 32avos y en 16 son
los 64avos ect. Pues estas son notas o subdivisiones naturales.
Hacer el ejercicio de la tabla del tiempo involucra hacer una progresion de 4
pulsos en el click en 4/4 y ir subdividiendo desde la nota mas grande hasta la
mas pequeña.

Tresillos de octavo y su cuenta:

Siguiendo la idea de las notas artificiales o grupos de notas artificiales quiero

que se aprenda a contar de una manera correcta los tresillos pues es lo basico
para poder entrar a figuras ternarias que abundan en el blues, jazz,
afrocubano, shufle etc.
La forma de contar la pongo en las 3 formas mas usuales dos en ingles dos y
una en español Tresillo=triplet

1.-1 (one) (one) Un primer Tresillo del 1er cuarto

2-.ta (tri) (&)Segundo tresillo del 1er cuarto
3.-ta (plet)(a) Tercer Tresillo " "
4.-2(two) (two) Segundo Tresillo del 2 cuarto
5.-ta(tri) (&)Segundo tresillo del 2do cuarto
6.-ta(plet)(a) Tercer Tresillo " "
7.-3 (three)(three) Tercer tresillo del tercer cuarto
8.-ta(tri) (&)Tercer tresillo del " "
9.-ta(plet)(a) Tercer Tresillo " "

76
10.-4 (four) (four) Cuarto Tresillo del cuarto cuarto
11.-ta(tri) (&)Cuarto Tresillo del " "
12.-ta(plet)(a) Cuarto Tresillo " "

Ahora si se siguen en el analisis de baqueteos alternados RLRL o LRLR al tratar

de tocar grupos de notas artificiales que son nones (3,5,7,9,11,13 ect)
entonces se encuentran con que cada que empiezan un cuarto se comienza
con la mano contraria con la que empiezan el grupo de notas del pulso
anterior, es decir para los tresillos tenemos la digitacion siguiente en notacion
gringa R= right o derecha y L= Left o izquierda:

1RóL
&LR
aRL
2LR
&RL
aLR
3RL
&LR
aRL
4LR
&RL
aLR

A diferencia de los grupos de notas pares que tienen la propiedad de siempre

ser simetricos y de repetirse de la misma manera cada pulso ejempo de
octavos:

1R óL
&L R
2R L
&L R
3R L
&L R
4R L
&L R

De aqui se saca la conclusion que en tiempos irregulares (nones) siempre se va

a encontrar mas dificultad de coordinacion que en tiempos pares.
Por el momento ya se acabo el post pero quiero adelantar que ya que tienen la
idea de los tresillos y los octavos se puede tratar de tocar con una extremidad
una de las figuras ya sea octavos y con la otra la figura contraria ya sea
tresillos y entonces se nota que como se generan 12 tresillos en 4/4 y por el
contrario se generan solamente 8 octavos por cada compas, por lo que la
distancia entre los octavos y los tresillos es una nueva fraccion que resulta de
dividor 12/8 =1.5 es decir que un tresillo es 1.5 veces mas largo que una
duracion de un octavo. Esta nueva relacion es la que forma el tocar
simultaneamente las dos subdivisiones, a esta interaccion se le conoce como
un 2:3 (2vs3) o dos contra 3 pues cada pulso por un lado tocas dos y por el otro
tocas 3. En el caso de la poliritmia basica se pueden tocar todas las

77
subdivisiones de cada grupo de notas, pero en la polirtimia mas compleja se
puede dejar de tocar algunas notas de cada grupo de notas y esto hace que
respire mas la relacion y que se enmascare mas que contraposicion de ritmos
es. Para tener una idea de cuantas posibilidades se pueden formar de
poliritmias basicas voy a poner una matriz de combinaciones en el siguiente
post

Polirimia Basica

Bueno si le captaron al 2:3 o 3:2 dependiendo de como lo quieran ver puedo

explicar que pasa cuando en un compas de 4 cuartos se quieren meter
solamente 3 cuartos de tresillo, aqui se puede ver como si se subdividiera el
valor de una nota completa Hole=4 pulsos en 3 un tresillo mucho mas grande,
esta subdivision es tambien un 3:2 si se tocan medios (half=2 pulsos) contra
los tresillos de cuartos, pero en el caso de tocar contra cuartos se tiene el 3:4
mas abierto. Si no entienden ni idea dejenme su post con su email para
mandarles una copia de la tabla del tiempo de Joe Morello.

Tabla del tiempo y Matrix de combinaciones poliritmicas

Bueno la tabla del tiempo es la siguiente:

Para un compas de 4 cuartos (4/4) quedaría
a)1 entera
b)2 medios
c)3 tresillos de cuarto
d)4 cuartos
e)8 octavos
f)12 tresillos de octavo
g)16 16avos
h)20 quintillos (4 grupos de 5 notas)
i)24 seiscillos (4 grupos de 6 notas)
j)28 sietillos (4 grupos de 7 notas)
k)32 32avos (4 grupos de 8 notas)
l)36 nuevillos (4 grupos de 9 notas)
m) 40 diecillos (4 grupos de 10 notas)
n)44 onceillos (4 grupos de 11 notas)
o)48 doceillos (4 grupos de 12 notas)
p)52 treceillos (4 grupos de 13 notas)
q)56 catorceillos (4 grupos de 14notas)
r) 60 quinceillos (4 grupos de 15 notas)
s)64 dieciseiscillos (4 grupos de 16 notas) 64avos

Para que sean tocables se requiere que el metronomo marque 35 golpes por
minuto o lo mas bajo que tengan a la mano.
Si no les gusta la notacion traten de hacer esto en papel con cuidado de
respetar los espacios que corresponden a cada pulso.

78
Teoria de combinaciones (puta que reverenda gueva!!)
(Combinacion si va con b grande, disculpen la faltota de orrrotografia del otro
post, la neta se me pasó!! )

Para hacer combinaciones poliritmicas recuerden la defincion de politirmos del

comienzo del post no se deben hacer con notas naturales con notas naturales
pues son derivados de estas (multiplos y submultiplos), sin embargo combinar
notas artificiales con naturuales si da polritmos y los dan bastante raros.
Segun la Teoria de combinaciones cuando se quiere combinar algo con otra
cosa se requiere basicamente saber cuales son las variables de cada campo y
como se pueden combinar en una matriz, por ejemplo para la tabla de
multiplicar se tienen numeros del 1 al 9 y se combinan con otros numeros
tamibien del 1 al 9. La matriz te dicta la tabla de multiplicar de cada
combinacion de numeros, el 1 se combina con la serie del 1 al 9 y asi
sucesivamente, bueno el pedo aqui de la poliritmia le voy a dar un tratamiento
igualmente matematico para tener en cuenta todas las posibles combinaciones
que hay.
Si tenemos por un lado que las matrices que se hacen combinando campos
iguales quedan del mismo numero de componentes de cada lado tenemos una
matriz cuadrada pero el caso de nosotros no creo que sea este.
Para no seguir chingandoles las neuronas con teoria combinatoria matematica
el caso en poliritmia queda así:
El campo del eje X (horizontal) para un compás de 4 cuartos quedaría por un
lado las notas naturales:
1 entera, 2 medios, 4 cuartos, 8 octavos, 16 16avos, 32 32avos (1/8 de pulso),
y finalizamos con 64 dieciseiscillos [1/16] o tambien conocidos como 64avos ,
si lo quieren ver en notacion mas clara el campo de las Y (verticales ) tambien
queda igual, pero en la siguiente posición:
a)1 entero
b)2 medios
c)4 cuartos
d)8 octavos
e)16 16avos
f)32 32avos

Si nombramos al campo siguiente para hacer las combinaciones con las notas
artificiales tenemos la siguiente lista:
a)3 tresillos de cuarto
b)12 tresillos de octavo (4 grupos de 3 notas)
c)20 quintillos (4 grupos de 5 notas)
d)24 seiscillos (4 grupos de 6 notas)
e)28 sietillos (4 grupos de 7 notas)
f)36 nuevillos (4 grupos de 9 notas)
g) 40 diecillos (4 grupos de 10 notas)

79
h)44 onceillos (4 grupos de 11 notas)
i)48 doceillos (4 grupos de 12 notas)
j)52 treceillos (4 grupos de 13 notas)
k)56 catorceillos (4 grupos de 14notas)
l) 60 quinceillos (4 grupos de 15 notas)

Osea que la matriz de combinaciones posibles tiene 6 valores de notas

naturales contra 12 valores de notas artificiales lo que nos da un total de 72
combinaciones poliritmicas posibles de una manera basica es decir las simples
contraposiciones de un 2 contra 3,5,7,9,11,13,15 etc.
Despues que tengan por lo menos esta tabla ya podran sentirse libres del
tiempo cuando tienen el metronomo en marcacion de 2 cuartos y quieren tocar
figuras de grupos de irregulares 3,5,7,9,11,13,15 y como se empatan con el
metronomo.
Lo mas dificil de los poliritmos es tener esto con una tercera referencia del
tiempo que es precisamente el metronomo. Si esto esta complicado y recibo
muchas quejas de que no mame con tanta teoria y que le encuentre algo de
utilidad por lo menos sirve como ejercicio mental para expandir la concepcion
del tiempo y como se puede agrupar artificialmente.
Ya no les puedo desear suerte con este material pues se puede decir que esta
de la @#%$ y si por tocar bateria se creyeron que se escaparían de cosas
raras y complejas este es un ejemplo de como complicar todo.

Ergonomia I
Posición correcta para tocar.

Por Mauro Favero.

La acomodación de toda la batería influye en nuestra ejecución al igual que

nuestra posición adquirida ante ella. Por ello, es recomendable que nuestro set
se adapte egronómicamente de acuerdo a la posición natural humana de cada
uno y NO nosotros adaptarnos al set por mas impactante que sea su
acomodación, acá la estética tenemos que dejarla de lado. Por que digo todo
esto? Simplemente para evitar el gasto innecesario de energía, el cansancio,
dolores, lesiones y futuros problemas en la columna. De esta manera
estaremos más cómodos y a gusto durante la ejecución. En este artículo
pretendo darles algunos consejos útiles para que adopten una correcta
posición detrás del instrumento.

Lo primero que se tiene que tener en cuenta es el banquito en donde uno se

sienta, lo ideal es que sea uno para batería, y su altura sea de manera tal que
tus muslos queden paralelos al piso. En cuanto a nuestra posición sobre él, hay
que sentarse bien erguidos con los hombros algo caídos como si estuviéramos
colgados de la cabeza pero siempre teniendo todo nuestro cuerpo relajado libre
de todo tipo de tensión.

80
Algo que se debe tener en cuenta es una cómoda y relajada posición de
brazos, y lo mejor es que el brazo esté paralelo a nuestro cuerpo y entre éste y
el antebrazo formen un ángulo de 90 grados, entonces sería bueno acomodar
las cosas de tal manera que cuando toquemos no varíe mucho ese ángulo. Es
importante que nos ubiquemos a una distancia cómoda del set y de los
pedales. La ubicación del pedal de bombo y el del Hi-Hat con respecto a
nosotros, debe ser de modo tal que nuestros pies formen entre sí un ángulo
cercano a los 90 grados para que los muslos no queden muy abiertos y tiendan
a desbalancear el cuerpo, y así también ambos pedales deben estar a la misma
distancia de uno.

La caja o redoblante es recomendable que este un poco mas alto que nuestras
piernas tratando de no excederse con su inclinación para conseguir un toque
más enérgico, más potente. Para el resto de la batería quizás tengamos
algunas limitaciones para el reacomodamiento dependiendo de las
posibilidades que nos ofrezcan sus herrajes, pero hay que hacer lo que mejor
se pueda para obtener una buena egronomía. Una alternativa muy buena es
adquirir una jaula o corralito para montar los tones, los platos o algún otro
elemento de percusión, realmente son muy funcionales ya que nos brindan la
mayor comodidad, pero la desventaja es que tiene un elevado costo, implica
también adicionarle más clamps y medias jirafas para platos o algún otro tipo
de soporte necesario.

Los tones flotantes en lo posible tienen que estar cerquita uno de otro
inclinados a un ángulo cómodo como para que permita el rebote de la baqueta
y a una altura justa para poder acceder fácilmente a ellos. Ningún elemento
que se percuta con baqueta debe estar por debajo de nuestra cintura como por
ejemplo el ton de pie, por que de lo contrario no lograríamos un toque
enérgico, no tiene que haber nada fuera de nuestro alcance.

Los platos tipo de remate (Crash) deben estar inclinados mas o menos hacia
nuestro pecho a una altura cómoda y a una distancia como para que podamos
tocar sus bordes con la mano. Los platos que son de ritmo como en el caso del
Ride es mejor que estén a una altura que no supere la de nuestros hombros y a
una distancia tal como para que podamos tocar su campana con la mano y su
inclinación es mucho mayor que en la de los Crash, preferiblemente que
apunte hacia nuestra cintura. En los Hi-Hat su altura puede ser variable para
cada baterista, pero lo normal suele estar por encima de los 20cm con respecto
a la caja

Ergonomia Segunda Parte

Segun la ergonomia que explica Weckl el dice que tienes que tener la tarola
como a la altura del ombligo el aro al que le pegas o un poquito mas baja pero
no menor a la altura del cinto de tu pantalon cuando te encuetras sentado en
el banco o cuando la pones alta y estas parado y dependiendo de si tocas

81
tradicional o matched el angulo al que la vas a poner varía.

1.-En matched se puede poner con un cierto angulo en relacion a ti, es decir
como inclinar la tarola para que si pones una bola encima se ruede hacia tu
ombligo. Pero si quieres utilizar mas los dedos se debe poner lo mas horizontal
posible.
2.-Si tocas Matched se recomienda que para que no te lastimes tu espalda
como se la lastimoWeckl en sus años de tocar tradicional sin ergonomia al
bajar siempre mas su hombro izquierdo que el derecho.

Te recomiendo que acomodes la tarola con un angulo ligero que descienda

desde tu lado izquierdo, osea que queda mas alto el lado izquierdo de la tarola
que el derecho y esto ayuda a que cuando des un golpe con rim siempre
puedas accesarlo sin tener que bajar el hombro. La idea es que siempre te
encuentres con los dos hombros relajados en su posicion natural baja y puedas
a tocar los golpes con rimshots. Si volvemos a poner una bola encima de la
tarola esta debe rodar para el lado derecho.

Ahora que tanto angulo es bueno depende de cada persona, en metodos

tradicionales usan como 15 grados maximo y Weckl usa como 5 grados
actualmente, es decir que no interfiera con los movimientos entre hihat tarola
y toms tarola, antes el movimiento de manos en toda la bateria no era tan
frecuente como ahora.

Ahora la forma como Weckl dice que deben ir los toms lo tomó de Grubber y
debe ser lo mas natural posible despues que ya tienes una posicion comoda
con la tarola , te recomienda que cierres los ojos y toques con las puntas de la
baqueta en el centro de la tarola y que imagines a unos toms imaginarios que
quedan como formando un triangulo equilatero de 120 grados cada arista
como las orejas del Mickey Mouse en donde la tarola es la jeta del mono y las
orejas las creces al tamaño de los toms y has de cuenta que son los putos
toms. Para la posicion matched esto es un poco mas bajo que para la posicion
tradicional, cosa paradojica para Steve Smith y para Vinnie Colaiuta, pues ellos
tienen los toms bajos y en un angulo hacia ellos muy ligerito, como en la
posicion de matched grip y a ellos les funciona bien, a mi tambien pero como
no me he dedicado a tocar tradicional todo el tiempo prefiero esta
acomodacion.

En un post jurasico ya habia explicado ergonomia para la postura de la espalda

y que tan separado es bueno sentarse de la tarola para poder tocar siempre en
el centro de la tarola y que todos los toms estan en funcion de esta posicion a
la cual sin tener que hacer mucho esfuerzo siempre le pegas en el centro, esto
esta explicado tambien en el video del Bill Ward del Modern Drummer festival
2000 donde toca Vinnie.

Ahora yo siempre me quedo mirando muy detenidamente cuanta altura mas

tienen los toms de la tarola y he visto que entre 1 y 2 para matched y 2 y 4
pulgadas para traditional es muy normal pero los angulos a los que los toms

82
deben ir es mejor tenerlos en un angulo al cual puedas dar rimshots en todos
sin mucho problema, es decir a un angulo muy ligero pero que depende de tu
cuerpo, recuerden que cada uno tiene brazos diferentes y como el caso de
Gadd o Weckl que estan chicos de brazos requieren acomodarse mas exajerado
que gente con brazos largos.

REDOBLES

¿Como se hacen los redobles o rolls?

Hay varias formas de hacer los redobles dobles y como esto de la tecnica es
sumamente subjetivo y para lograr diferentes sonidos depende del la
sensibilidad del interfecto y su desarrollo individual y ademas en su habilidad
para sacar diferentes sonidos, me limitare a exponer las formas que a mi me
funcionan:

1. Press Roll: Redoble con presion de dedos que se escucha mucho en los
redobles de circo mas por ser de dos golpes tambien se puede usar en un
contexto cuantizado por el metronomo. Aqui la idea es tocar dos golpes por
mano en figuras de 32avos o de seiscillos o doceavillos para escuchar mas
continuo el redoble. Pero primordialmente se hace con movimientos de muñeca
de arriba a abajo con las palmas hacia abajo (German Grip) y apretando
ligeramente la baqueta con todos los dedos. Para poder hacer rapido este
redoble tambien se requiere tener movimientos de antebrazos en conjunto con
cada inicio de doble golpe. El sonido que tiene este redoble es mas stacatto y
apretado que el que se obtienen con el Open Roll que explico a continuacion.

2. Open Roll: Es un redoble que se hace con dos golpes por mano al igual que
el closed RRLLRRLL y se deben usar mas los dedos para dar el segundo golpe
y permitir que la baqueta no interfiera en su rebote y vibracion inherente de la
madera de la baqueta por lo que se debe evitar un apriete con dedos a la
baqueta despues de cada golpe, esta tecnica es la que explica Weckl en su
ultimo video de tecnica y se basa en la idea de Fredie Grubber de dejar de
interferir con el movimiento de las baquetas y usar 50% de accion y 50 % de
reaccion del golpe, creo que es dificil de explicar pues ademas se pueden usar
diferentes grips para usar mas facilmente los dedos que con el German grip
ortodoxo, (french grip o el hibrido del grip muy al estilo Bozzio)

Estas animaciones tratan de explicar el movimiento de los dedos desde

diferentes angulos:

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Cabe mencionar que ya esta documentado aqui en el foro anteriormente esto
de los grips (agarres) pero en escencia se trata de sacar el sonido del tambor
es un golpe mas hacia afuera que hacia adentro mientras que en el closed roll
es mas hacia adentro que hacia afuera y por lo tanto para lograr que la
baqueta rebote mas hacia afuera se debe procurar tener una presion de los
dedos minima para lograr sacar el sonido y no interferir con el movimiento de
reaccion del golpe de la baqueta con la mano, pues esto ademas de sonar mas
rigido a la larga genera tendonitis por el continuo aporreo de los dedos al
recibir el impacto de rebote de la baqueta.

Lo que recomiendo para evitar esto es usar la tecnica Moeller (por ahi esta un
video de dobles mio en la seccion de fotos si lo quieren consultar) y usar el
downstroke para dar el primer golpe y entender que una vez que logras
aprovechar los ups para dar el segundo golpe vas a liberar mucha tension en la
muñeca y dedos y el sonido va a ser mas grande y vas a poder tocar mas
rapido y fluido, ademas te puedes dedicar a depurar este movimiento
economizando con otra tecnica alterna que se le conoce como la tecnica del
reverse finger control que esta explicada por ahi en los entretenidos posts del
Moeller que nadie ha vuelto a comentar y entonces vas a tener menas
economia de movimientos y por lo tanto un sonido mas parejo entre los dos
golpes hechos por una mano, lo que se traduce en un dominio del roll a
diferentes dinamicas.

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En fin cuesta mas trabajo usar este redoble desde el punto de vista de control
de muñecas exclusivamente y es una recomendacion dificil para cumplirla si no
tienen forma de ver fisicamente a alguien tocar con tecnica Moeller (tratar de
ver y analizar los movimientos de Colaiuta, Weckl, Jojo Meyer, Steve Smith,
John Riley, Joe Morello, y el mismo Jim Chapin), pero si no tienen alternativa y
quieres dominar este roll con otras tecnicas puedes tratar de dominarlo el open
roll con la muñeca exclusivamente y si se tiene oficio despues de un tiempo se
puede lograr buenos resultados para poder usar este tipo de redoble abierto,
muy al estilo Rich o Chambers o el mismisimo Carl Palmer, quien por cierto
toca bastante rigido no usa Moeller en lo absoluto pero su esto se refleja en un
sonido que es muy estacatto y no muy grande para considerar el tremendo
esfuerzo que hace para tocar de esta manera en la cual solamente tiene las
muñecas y los dedos mientras que en Moeller tienes mas musculos para
repartir la tension.

3. Buzz Roll: Es un redoble en el cual se permite multiples rebotes RRRLLL o

RRRRLLLL el movimiento mas adecuado para lograr esta aparente aberrracion
es usar movimientos circulares entre cada golpe y posicionarlos cerca de la
periferia del la tarola para aumentar el rebote y la sensibilidad del roll y de esta
manera dejar rebotar mas tiempo cada baqueta y de esta forma aligerar la
tension de agarre de la baqueta con los dedos, la idea es aplicar cierta presion
en los dedos indice y pulgar solamente para permitir el control de rebote
multiple de cada golpe pero al mismo tiempo lograr tener movilidad en las
muñecas que es algo dificil de separar fisiologicamente. El secreto de todo esto
es no sobrepasar la presion y compensar la presion de los dedos con una ligera
presion que se hace mas bien con el peso del antebrazo y tratar de evitar la
tension en los otros dedos medio meñique y anular que abrazan la baqueta
ligeramente. Ahora respecto de la tension que debe tener en las muñecas
estas totalmente relajado en una especie de posicion mayativa que he
explicado con el Moeller y que consiste de relajar totalmente las muñecas y
dejar que te cuelguen totalmente y mueves otra vez los antebrazos de arriba a
abajo ligeramente con el objeto de para ganar volumen y velocidad.

Lo mejor para poder tener control de este tipo de redobles es estudiar

conciensudamente todo tipo de ejercicios de los libros de Stick control que
tienen redobles de pocas notas hasta hacer legatos de redobles de mucha
duracion por ejemplo redobles de duracion de dos tiempos o de 3 o 4 o los que
puedas mantener con un sonido parejo parecido al zumbido de una abeja.
El otro libro que recomiendo es de Joe Morello muy mencionado en el foro y es
en el que se encuentra la tabla del tiempo y vale la pena estudiarlo pues tiene
muchos ejercicios para poder dominar este tipo de transiciones de closed a
open rolls.
Realmente es complicado y cuesta cierto tiempo poder usar este tipo de
redobles en situaciones musicales y el Buzz roll es el menos indicado para
tratar de cuadrarlo en un tiempo estricto pero hay gente que lo domina bien y
lo usa en especial la musica de las marchas callejeras Candombe Uruguayo,
Tambora mexicana, circos etc es donde mas se escucha.

85
Ademas para tener dominio de estas tecnicas se se tiene que practicar
ejercicios de dinamicas (crecendos etc) y modular tu toque de bateria para que
cuando los combines con acompañamientos de musica esos redobles suenen a
un nivel balanceado con los otros sonidos de la bateria, que generalmente
suenan fuerte como los backbeats y los bombos y platillos.

Los estilos que lo permiten un juego dinamico adecuado son el blues, el jazz, el
brasileño y el funk y el afrocubano, pero tocar rock con rolls es casi siempre
mas facil usar el single stroke roll que da mas volumen, pero menos
continuidad. Vale la pena trabajar en estos redobles Dobles.

Para esto del control dinamico hay unos ejercicios muy buenos que son de un
metodo de percusion frances que se dedican a ejercitar individualmente a cada
mano con diferentes dinamicas:

- Piano: todo el ciclo de 4 o 6 compases

- Intercalado: Un compas Forte el que sigue y piano
- Crecendo: La mitad de los 4 o 6 compases crece y la ota mitad decrece en
intensidad.

BATERIA INTELIGENTE

CLAVES PARA UN ESTUDIO INTELIGENTE

Articulo tomado de Bateria Total escrito originalmente por José Antonio Pereira,
enviado a Bateristas.net por Jose Dominguez.

La batería posee su propia técnica, como cualquier otro instrumento. Si

tenemos la intención de expresarnos con libertad debemos conocer dicha
técnica lo mejor posible. Aún así, hay que tener presente que poseer un
perfecto dominio de la técnica no nos garantiza un elevado grado de expresión,
aunque es uno de los medios para conseguirla. Si no tenemos nada que
expresar, lo mas probable es que nuestra interpretación parezca un montón de
ejercicios con un grado mas o menos elevado de virtuosismo. Si queremos
tocar música tenemos que considerar la técnica como un medio y no como una
finalidad. No es descabellado, por tanto considerar el estudio de la técnica
como una gimnasia. El sistema nervioso debe desarrollar de una manera más
acentuada habilidades como, por ejemplo, la coordinación. Los tendones y
músculos que intervienen tienen que ser fortalecidos para realizar los
movimientos con efectividad. El cerebro tiene que acostumbrarse a mandar
esos nuevos mensajes a nuestras piernas y brazos y éstos, a su vez, a
responder de la forma correcta.

86
Hagamos un pequeño análisis de las causas de nuestros fallo en el momento
de la interpretación. Básicamente hay dos fuentes de error: el sistema nervioso
y las extremidades. Cuando nuestro cuerpo esta suficientemente preparado y
fallamos, el error se debe a un mensaje mal enviado por parte del cerebro. Esto
puede ser debido a la falta de concentración o por no conocer el estilo musical
en el que estamos envueltos. En cualquier caso, nuestro cerebro no tiene todas
las claves para la perfecta ejecución. En el caso opuesto, tenemos un cerebro
que sabe lo que quiere pero unas extremidades que no están preparadas para
esa ejecución. Esto sucede cuando nos gustaría ir mas de prisa o cuando
queremos crear un patrón que involucra movimientos que no podemos hacer
correctamente. Estos dos factores (cuerpo y mente) necesitan ser entrenados
debidamente.

Vamos a hablar primero del entrenamiento del cuerpo. Esto involucra

músculos, tendones y todo lo que concierne a la parte mecánica del hecho de
tocar. La palabra clave aquí es REPETICI”N. Debemos acostumbrar a nuestro
cuerpo a todos esos nuevos movimientos hasta que formen parte de su
repertorio habitual. Lo primero que haremos será identificar cuales son esas
nuevas habilidades. Para ello podemos solicitar la ayuda de un profesor en la
materia o consultar libros. Yo me inclino por la opción del profesor puesto que
la cuestión visual es muy importante. En este sentido debemos aprender cosas
como sentaros debidamente, tomar las baquetas de forma correcta, golpear
bien en los parches y en los platos, .... Es fundamental entrenar bien los brazos,
las muñecas y los dedos, así como los pies. Aún así, lo mas importante no son
los “como” sino los “por que”. Si yo por ejemplo, me siento a una determinada
altura y sé porqué lo hago no andaré cambiando mi posición según como se
siente el baterista de moda. Por esto es fundamental escuchar las
explicaciones de los demás sobre como hacen las cosas. Una vez que hayamos
determinado los elementos necesarios, empezaremos a trabajar. Tenemos ante
nosotros un nuevo montón de habilidades que debemos entrenar y aquí la
paciencia es primordial. Los nuevos movimientos deben ser repetidos de forma
lenta, durante espacios prolongados de tiempo, de un manera constante. El
uso del metrónomo es fundamental ya que desarrolla nuestro sentido del
tiempo y nos ayuda a visualizar nuestro progreso. Es recomendable empezar a
tiempos entre 40 y 60 b.p.m. Pongamos un ejemplo si queremos desarrollar
nuestra mano izquierda podemos tocar semicorcheas con ella a 40 b.p.m.
durante cinco minutos sin parar. Como este es un tiempo muy lento podemos
focalizar nuestra atención en la correcta colocación de la mano. El hecho de
estar tantos minutos sin parar hace que nuestra extremidad memorice el
movimiento y lo haga propio y natural. Poco a poco notaremos que podemos
poner el metrónomo mas rápido sin por ello añadir tensión. No conozco un
sistema mejor para alcanzar una gran velocidad que trabajar lenta y
constantemente. Cuando el cuerpo internaliza los movimientos no necesitamos
pensar en ellos y, por tanto, podemos entregarnos a las actuaciones y al goce
que acarrean. Durante el proceso de repetir debemos escuchar atentamente el
sonido que estamos produciendo para conseguir que este sea limpio y muy
claro. El “pero” lo pone el punto aburrido del proceso ya que la repetición es,
en sí un proceso carente de creatividad. En cualquier caso también es bueno
por la disciplina que nos demanda y los beneficios que nos aporta. Como
alguien me dijo: “Es el desierto que todos debemos cruzar solitos”. Para cerrar

87
este apartado me gustaría hacer hincapié en la necesidad de trabajar el
sonido. En este sentido, una grabadora puede sernos de mucha utilidad.
Escuchar nuestras interpretaciones nos dará muchas pistas sobre lo que
funciona y lo que no.

Mientras entrenamos nuestra parte “mecánica” no debemos de olvidar la

“máquina” que lo hace funcionar todo: el cerebro. Hay que encontrar un
vinculo entre las señales que envía el cerebro a las extremidades y los
movimientos que estas realizan. Para ello es fundamental la otra gran palabra
mágica: “CONTAR”. Una frase que a mí personalmente me gusta es “si
contamos, ordenamos”. Cuando contamos estamos creando un mapa mental
en el que se ubican todos los “palos” que damos y en el que, por otro lado es
imposible perderse. Es fundamental saber donde nos encontramos dentro del
compás en cualquier momento y, cuando nos hemos entrenado contando, esto
no es difícil.

Algo que no suelen decirnos los libros ni la mayoría de los profesores (quizás
porque se da por supuesto) es el hecho de que todo esto vale de poco si no nos
desarrollamos como personas. Una jornada diaria de catorce horas de practica
baterística nos reportara indudables aptitudes técnicas, pero nuestra vide será
tan vacía que no habrá nada que expresar y, por lo tanto, nuestra
interpretación se tornará barroca y pesada. No quiero, no obstante, plantear un
debate que no se sostiene. Practicar es muy importante, pero sin olvidar que
una vida plena ayuda a nuestra música tanto o mas. Prestar atención a las
relaciones personales, a otras formas de arte y al ocio colabora a mantener
nuestro sistema nervioso en orden, y esto es fundamental en nuestra vida y en
nuestra música. Es bien cierto que para todo existe una excepción y hay
ejemplos que lo corroboran: obras que han pasado a la historia y que fueron
creadas por personas con problemas de adaptación, drogas, etc. Pero esto no
es mas que otro ejemplo de la capacidad asombrosa que posee la mente
humana para crear belleza aún en situaciones adversas.

Otro hecho que llama particularmente la atención es que la mayoría de

nosotros pasamos mucho tiempo practicando en el local y, sin embargo, el
tiempo diario dedicado a escuchar música (he dicho “escuchar” y no “oír”) es
casi nulo. En las clases que imparto se nota una diferencia abismal entre los
alumnos que escuchan música y los que no. La interpretación de los que sí l
hacen, consideraciones técnicas a parte, tiene mas sentido. Una de las cosas
que más vamos a necesitar como bateristas es conocer los distintos estilos
musicales. Los diferentes pueblos han ido creando a lo largo de mucho tiempo
sus propias manifestaciones culturales, entre ellas la música. La técnica propia
de nuestro instrumento sólo nos da la capacidad mecánica y, por tanto,
debemos escuchar toda la música que hemos aprendido. Quizás en esta
reflexión se encierre la respuesta a la pregunta de por que existen tantos
bateristas tan virtuosos y tan iguales. Escuchar músicas diferentes, leer,
estudiar otras formas de arte y en definitiva, involucrarse en el mundo que nos
rodea convierte nuestra forma de tocar en única y plena de sentido.

88
Una vez que hemos decidido que queremos adquirir una buena técnica
debemos plantearnos en plan de estudio. El tiempo que empleemos en el
estudio dependerá de nuestra disponibilidad y nuestras expectativas como
bateristas. En este sentido es fundamental no engañarse; si nuestro tiempo es
limitado y mantenemos unas expectativas altas, lo mas posible es que nos
frustremos al no conseguir nuestros propósitos. Si estamos decididos a llegar a
un nivel muy alto como instrumentistas debemos ser consecuentes y restar
tiempo a otras actividades para dedicarlo a la práctica diaria de nuestro
instrumento. Una buena idea que nos va a ayudar a seguir nuestro progreso es
apuntar en un cuaderno todo lo que vamos estudiando, los tiempos y las
repeticiones realizadas.

Al fin, tenemos local, una batería, un par de baquetas y toda un mañana para
practicar y, por desgracia, la pregunta del millón: ¿Qué estudio?. La solución es
sencilla: toma una cuartilla de papel y escribe en ella todo lo que como
baterista sabes hacer bien. Ahora, escribe en otra hoja todo aquello que crees
que no sabes hacer o que no controlas bien. Esta segunda hoja te dará la clave
de qué debes estudiar primero. Entre todas las habilidades que debemos
desarrollar hay algunas que son fundamentales: el sentido del tiempo, el
sonido y el conocimiento del pulso. Son aspectos de vital importancia por lo
que es un buen punto de partida. Por desgracia, es muy común que gastemos
el 90% del tiempo en cosas que ya sabemos hacer y el 10% restante en las que
no controlamos aún, cuando debería ser al revés. Por esto debemos
concienciarnos que el tiempo de estudio es sagrado y debemos aprovecharlo
para desarrollar aptitudes nuevas.

Otra fuente importante de pérdida de tiempo es cuando nos ponemos a tocar

sin ton ni son, o lo que la mayoría llama “desparramar”. Este tipo de cosas, no
sólo no sirven de mucho, sino que distraen nuestra atención y concentración Si
no puedes evitarlo prueba un sencillo remedio. Si mi jornada de estudio diario
es de dos horas, voy a dedicar 15 minutos a “desparramar” todo lo que quiera,
pero cuando ese tiempo pase, no volveré a hacerlo en la hora y pico restante,
Poco a poco usaras menos tiempo para esto hasta que te des cuenta lo
absurdo de emplear ni siquiera un minuto y lo eliminaras de tu practica. Esto
no es mas que una estrategia de las muchas que se pueden emplear por lo que
puedes desarrollar otras que te funcionen mejor.

Para terminar, me gustaría hacer énfasis en la necesidad de tener objetivos a

corto plazo. Un objetivo como “tocar igual que Colaiutia” es muy loable, pero
es demasiado amplio e impreciso y puede no sernos de mucha utilidad. Es
mejor plantearse objetivos mas pequeños como “a final de año voy a controlar
perfectamente los rudimentos”. De esta forma es mas fácil conseguir
resultados tangibles. Además, ya se sabe que “pasito a pasito se llega a
cualquier lugar”. Lo mas importante no es la cantidad de horas que estudiemos
sino la calidad de dichas horas. Una jornada de práctica eficaz nos reportará
muchos beneficios y nos dejará tiempo para otras actividades.

Espero que este articulo les ayude a haces de su practica mas efectiva pero no
olviden que éste es un proceso creativo y que cada uno puede y debe inventar
sus propias estrategias para conseguir los fines que se haya marcado.

89
 Grips o agarres de la baqueta (matched, german, french y traditional)

Técnica básicamente se refiere a la forma en que tocas la bateria. No importa si

tocas muy rápido o despacio, o si lo haces con compases irregulares o si te
gusta el rock o el jazz. Las bases, la técnica y la forma, siempre serán tus bases
para aprendar a tocar correctamente.

En esta primera parte, he enfocado las dos formas usadas para tocar la bateria:
paralelo (matched) y tradicional (traditional, foto A), siendo el primero el
más común entre bateristas modernos. El grip paralelo puede ser German
Grip, French Grip o American Grip (foto B)

Foto A Foto B

Para poder empezar, creo que es necesario conocer un poco más sobre el
tema. Muchas veces me han preguntado cual de las dos formas de agarrar las
baquetas (conocido como "grip" en inglés) es la mejor. Bueno, pues eso es
algo así como querer decir cual es la mejor forma de acomodar el asiento de tu
carro cuando manejas. A pesar de que te puedes acostumbrar a ello, al
principio se sentirá raro y quizás no te sientas cómodo. En este caso, lo mejor
es que TU decidas como te quieres sentar. Quizás tu te sientas cómodo tal y
como estás, pero alguien que ya ha manjeado largas distancias y en la ciudad,
te puede decir que realmente esa no es la mejor manera. Es aquí cuando hay
que cambiar nuestra técnica. Por eso, entre más temprano mejores y afines
este aspecto, menos drástico y por ende más fácilmente te será acostumbrarte
al cambio.

Tomando en cuenta que ya conocemos un poco más sobre el por que es

importante tener una buena técnica, pasemos a ver un poco más
detalladamente los dos tipos estilos: paralelo y tradicional.

90
El paralelo es el más comúnmente usado,
ya que es la forma más natural de agarrar la
baqueta. De hecho, tu probablemente (al
igual que yo) toques paralelo. En la foto de la
derecha puedes ver como es que se agarra
la baqueta (es igual para la mano izquierda
que para la mano derecha) Básicamente, la
baqueta se sostiene con el dedo gordo
contra el dedo índice, y los demás dedos solo
envuelven la baqueta suavemente (esto es
una parte importante para poder hacer
golpes dobles o double strokes)

Ahora, fíjate bien como los dos dedos

presionan la baqueta. Si los otros 3 dedos
fueran transparentes, podríamos ver un
pequeño espacio en el cual la baqueta se
Foto 1
podría mover hacia abajo, pero también
podemos ver que hay un espacio hacia
arriba, lo cual nos deja un hueco en el cual la
baqueta puede oscilar. A este espacio, se le
llama "fulcro" o fulcrum en Inglés. Más
adelante veremos esto más a fondo.

De una forma más detallada, lo que tienes que hacer es tomar la baqueta con
tu dedo índice y gordo (ver fotos 2 y 3 abajo) como a 1/3 de abajo para
arriba. Como lo mencioné arriba, la forma en que agarras la baqueta con estos
dos dedos te permitirá hacer tus dobles. Hay quienes dicen que tu dedo índice
NO debe de estar directamente detrás del dedo gordo (foto 3). La razón de
esto es para evitar que se te resbale la baqueta y para que tu fulcro sea mayor,
aunque la verdad es que es prácticamente igual (yo solo menciono los dos para
que los conozcas). Esto es, que tu dedo índice debe de cierta manera abrazar
la baqueta para evitar que se te mueva (foto 2).

Foto 2 Foto 3

91
Ahora que conocemos como tomar la baqueta, analizemos un poco más lo que
mencioné antes sobre el fulcro o fulcrum. El fulcro es el área de la mano en
donde la baqueta puede oscilar. Entonces, entre mayor sea el fulcro, mayor
será la posble oscilación o movimiento de la baqueta dentro de la mano. El
tener un mayor movimiento dentro de la mano, permite a la baqueta moverse
no solamente más rápido, si no hasta un mayor número de veces. Todo esto se
basa en la esencia del golpe doble: golpear dos veces un tambor en un solo
movimiento (si aún no has checado la sección de golpes dobles, ve para allá
haciendo click aquí. Para poder dominar estas acciones, es importante tener
en cuenta el fulcro y también el uso de los dedos y muñecas en vez de todo el
brazo.

Nota como en las fotos 1 y 5 los dedos y la mano se mantienen muy

relajados, pero no tanto como para dejar que se caiga la baqueta. Es
importante mantener los dedos, manos, muñecas y brazos relajados para
evitar la fatiga. Entre bateristas es común ver un dolor o fatiga en los brazos
que se caracteriza por sentir tu brazo un poco pesado y tieso. Tus músculos se
ponen sienten tensos y al tocar tu brazo sientes que está más duro que lo que
normalmente está.

A este fenómeno se le conoce como tunel del carpo, pero no es nada grave y
no tienes por que llamar a tu médico! La razón principal por lo cual sucede esto
es, tan redundante como pueda sonar, por la falta de técnica. Muchas veces,
después de terminar de tocar, mis brazos se sentían tiesos (sobre todo el
derecho) y como si no fuera muy flexible. Esto sucede muy a menudo cuando
la baqueta se sujeta demasiado fuerte (foto 4) y por lo regular con todos los
dedos, creando mucha tensión en la muñeca y en el antebrazo a la hora de
tocar y de golpear la bateria. Esto se aprecia aún más cuando se hace algún
remate y el movimiento de los brazos y muñecas se hace más necesario.

v
s

Foto 4 Foto 5

Ahora que ya has aprendido lo básico sobre técnica, ve a ver como puedes
aplicar esto concimientos a la hora de tocar la bateria.

92
 Solo recuerda que los malos hábitos son fáciles de adquirir y difíciles
de romper!

Moeller Stroke o Tecnica de Moeller

Por Julian Romero

Nota: Texto Propiedad es Aaron Gervais 1998, Traducido y enriquecido

sin su consentimiento por Julián Romero Pérez. La Versión en Inglés se
encuentra en
http://www.geocities.com/Athens/ithaca/3089/wmp.html

Introducción

Sin una duda, la técnica Moeller o el Método del Látigo es la técnica más difícil
de utilizar de todas las que hay (Técnica de dedos matched grip (french grip o
técnica de timbales sinfónicos), Técnica de muñecas, (German grip) )y que
nosotros los bateristas rara logramos desarrollar por mero sentido común ya
sea desarrollada para la técnica de manos parejas (match grip) o con la mano
derecha match grip y la técnica tradicional para la mano izquierda. ¡Para
aquéllos que ya la dominan, ya saben lo que yo quiero decir exactamente, y en
cuanto al resto que no la conoce yo supongo tendrán que informarse, practicar
y averiguarlo personalmente! :)

El Sr. Sanford Moeller, el hombre que desarrolló la técnica, era un

contemporáneo de George Stone (1) que fue el otro percusionista clásico que
editó un libro llamado “Stick Control” que se convirtió en el método mas usado
por los percusionistas e incipientes bateristas de principios del siglo pasado.
Actualmente es un clásico y se usa como el libro básico para aprender las
coordinaciones para tocar la batería moderna, aunque el método de Moeller a
mi juicio era más moderno para su época 1920´s y debido a su dificultad de
enseñanza y el tiempo que requiere un alumno para dominarlo no se encuentra
tan difundido como la técnica de George Lawrence Stone (ni siquiera en
Estados Unidos), que se basa solamente en todas las combinaciones posibles
entre dos miembros en el caso de las manos, pero que no trata en si la técnica
de manos para poder tocar sus combinaciones ágilmente como es el caso de la
técnica de Moeller. El Stick Control de Stone si acaso menciona tocar con
dedos algunos de sus ejercicios y el resto lo recomienda con técnica de
muñecas. Sin embargo el método Moeller tiene hasta fotos de cada
movimiento como e

El maestro Jim Chapin actualmente es uno de los alumnos más sobresalientes

del fallecido Maestro Sanford Moeller.

Yo en alguna ocasión después de haber visto el video de Chapin en el cual

explicaba la tj½J±@écnica de Moeller y después de estar charlando con
personalmente Chapin. Lo convencí para que me enseñara en persona esta
técnica. A través de las demostraciones que da con su practicador en el NAMM

93
de 1998 tuve mi primera verdadera experiencia de cómo debe sonar el golpe
con esta técnica y sin lugar a dudas me sorprendió lo fuerte que podía sonar y
lo controlado que sonaban sus notas a lata velocidad. De lo que entendí en el
video del movimiento del Moeller para hacer tresillos a mi actualmente no me
sale muy rápido ni muy fluido. Las siguientes dudas que me quedaron todavía
no las había solucionado con los videos de Neil Peart y ni el último de técnica
de Dave Weckl, los cuales provenían de un maestro llamado Fredie Grubber
que es contemporáneo del fallecido Buddy Rich, es hasta que vi este articulo
que explica cosas mas allá de lo que las fuentes anteriores y que me decidí a
traducir aunque lo enriquecí con mi cosecha y quedo demasiado pesado pero
el objeto de este texto es ser una semilla que crezca en cada baterista latino.

Posteriormente Alejandro Palet quien es uno de los pocos maestros que

pueden explicar conscientemente los movimientos del Moeller pues estudio en
el Drummj½J±@er Collective clases de esta técnica quien me ha estado
ayudando a mejorar y a depurar esta técnica que me ha costado varios años
de trabajo el poder usar, espero que tengan paciencia para entender y deducir
como debe de ser los correctos movimientos que involucran al Moeller, si no
hay trabajo de por medio el Moeller no se desarrolla solo. Espero poder poner
algunas fotos de lo que el Moeller debe de ser. En el método de Gene Krupa y
de Buddy Rich vienen algunas fotos pero se ven mal explicadas al detalle que
se requiere. Bueno aquí esta el texto.

Para aquéllos quienes son nuevos en el arte de tocar la batería, el método de

Moeller no puede sustentar toda la importancia o puede revolucionar su
perspectiva de la batería pues se necesitan algunos prerrequisitos técnicos
antes de intentar aprender esta técnica como es el caso de dominio de técnica
de muñecas y de dedos, pero yo encontré que cuando yo lo aprendí después,
comencé a tocar con mas potencia y control y de entrada me ayudaba a
relajarme al tocar y abrió las puertas a posibilidades que antes yo nunca había
imaginado. Para el baterista de nivel intermedio, esto debe demostrar ser una
información muy interesante.

Bien, bastante preámbulo, el método de Moeller logra hacer lo siguiente: De

alguna manera se pueden hacer dos cosas, difíciles de controlar al hacerlas
una después de la otra. ¿Aumenta la velocidad (ayuda a aumentar el numero
de rebotes que usted puede dar cuándo usted le imprime un solo golpe al
tambor) y además le da gran control en los acentos y notas fantasma (notas
que casi no se deben escuchar pero que le dan fluidez al groove) qué es
básicamente son cosas antagónicas, la primera requiere un aumento en
volumen de ejecución y de esfuerzo físico para lograrlo mientras por el
contrario la otra requiere un volumen mínimo y un movimiento muy controlado,
que requiere de mas tensión muscular). Le suena útil? Yo creo que si.

El primer paso a aprender el método de Moeller es trabajar en algunos

patrones con acentos con golpes alternados (singles) pero con técnica de
muñecas solas german grip y despues se puede tratar de hacer con técnica de
dedos solos french grip solo para ver que difícil se torna dar acentos de esta
forma..

94
a) RLRL RLRL RLRL RLRL

b) RLRL RLRL RLRL RLRL

c) RLRL RLRL RLRL RLRL

d) RLRL RLRL RLRL RLRL

e) RLRL RLRL RLRL RLRL

f) RLRL RLRL RLRL RLRL

g) RLRL RLRL RLRL RLRL

h) RLRL RLRL RLRL RLRL

i) RLRL RLRL RLRL RLRL

j) RLRL RLRL RLRL RLRL

k) RLRL RLRL RLRL RLRL

l) RLRL RLRL RLRL RLRL

m) RLRL RLRL RLRL RLRL

n) RLRL RLRL RLRL RLRL

o) RLRL RLRL RLRL RLRL

La idea es aumentar su control dinámico en su baqueteo con muñecas German

grip palma hacia abajo (sin utilizar los dedos) (poder diferenciar los acentos de
las notas no acentuadas). Toque todas las notas en el siguiente patrón que usa
un golpe normal; no cambie su golpe para hacer los acentos o las notas sin
acentos. Esto es MUY importante, así que puede beneficiarlo empezar con unos
golpes alternados (singles RLRL) en dinámica mf (mezo forte) en cada mano,
mirando su golpe y sintiéndolo también. La parte de poder tener consciencia
de como se sienten los golpes abrazando la baqueta sin apretar con tensión
innecesaria es la más importante porque la tensión es el más gran estorbo
para aprender el método de Moeller. También, al tocar el ejercicio siguiente,
los acentos deben ser fuertes (no en contexto del nivel dinámico, como la
mayoría de los músicos le dirá que toque los acentos más ligeros para
mantener un contraste entre acentos y notas no acentuadas) y las notas
normales deben ser no escuchadas si no sentidas (ghosted) como su técnica
permitirá. Eso significa, acentúa = el forte (fuerte) y no-acentuadas = el ppp
(muy quedito). Este ejercicio y todos los siguientes en esta sección deben
practicarse delante de un espejo porque le permite verificar que usted está
haciendo todos los golpes consistemente (en una misma forma), pero, si eso
es imposible, se puede aprender a vivir sin él, pero usted debe saber juzgar sus

95
movimientos desde uno mismo, verificar que la altura a la que las baquetas se
elevan siempre sea igual para ambas manos. Esto requiere que cada golpe que
se da sea vigilado con nuestra mirada. Recuerde no quedarse bisco al tratar
de hacer esta verificación rápidamente.

RRRRRRRRRRRRRRRR

LLLLLLLLLLLLLLLLLL

A propósij½J±@to, ese ejercicio será hecho con una sóla mano a un tempo
razonable, porque usted sólo quiere usar golpes sencillos alternados (singles),
no golpes dobles (double stroke) o golpes con técnica de dedos. El punto es
entrenar su mano para poder cambiar las dinámicas muy drásticamente y muy
rápidamente.

Para mayor trabajo en acentos fuera de estas líneas, yo recomiendo el método

Ted Reed "Progressive Steps to Sincopation for the modern drummer." (la Mejor
fuente de estudio del baterista ya sea en lectura, fraseo de swing, o tarola con
birritmias)

El próximo paso involucra el método de Moeller real, y demuestra por qué esto
también se llama el método del látigo.

Pasos progresivos para dar un golpe del látigo

Cuando se encuentre frente a su tarola (sentado o parado como mejor le

plazca) Deje caer hacia abajo sus brazos sin ofrecer resistencia (le van a
quedar colgando) con los músculos de su cuerpo tiene que tener los hombros
relajados y dejar de pensar controlar sus manos. Sus brazos y sus dedos
apuntarán hacia el suelo en este momento.

Ahora tal cual va a flexionar sus antebrazos y colocará sus palmas de las
manos encima del tambor en una posición cómoda. ¡RELAJE CADA MUSCULO
EN SUS MIEMBROS!!!!!!!!! Para hacer mas énfasis usted debe quitar toda
tensión a sus muñecas y estas se tenderán a caer y sus dedos tratarán de
apuntar de nuevo al suelo. Esta posición es muy Mayativa (de homosexual
declj½J±@aradote) pero no se preocupen los bateristas tocando con Moeller no
atraen homsexuales por su finesa de movimiento pulcro y femenino sino al
contrario usted tocará muy duro y esto generalmente los asusta!!. Esta es la
clave para dar un buen latigazo. Este movimiento es prerequisito para hacer el
movimiento moeller que se describe a continuación:

Ahora levante su brazo con los músculos pectorales (utilice sus hombro) de
manera que su codo y muñeca se muevan hacia arriba y aproximadamente a
la misma velocidad de manera que la altura de la muñeca y del codo sea
similar y el antebrazo quede paralelo al suelo y su brazo (bíceps) logre un
ángulo de unos 45 grados con respecto al torso.

96
Ahora aquí tenemos el truco: Mientras usted está alzando su brazo, permita su
muñeca ir completamente aflojada, y esto significa con el anterior movimiento
mayativo quiero decir completamente. Ninguna acción del músculo en
absoluto. Si usted lj½J±@o hace correctamente su muñeca debe formar un
angulo casi de 90° con respecto a su antebrazo y su baqueta debe tocar la el
parche la tarola ligeramente en el centro, la baqueta debe quedar
completamente perpendicular al suelo. Esto, junto con el paso #2, se llama el
"upstroke."

Ahora mantenga esta posición. Su muñeca debe formar un ángulo preciso

como se menciona antieriormente con respecto al resto de su brazo, su
antebrazo debe estar aproximadamente horizontal pero alzado de su posición
de descanso , y su codo debe estar en una posición alta y a la misma altura de
su muñeca.

Luego, asegúrese su muñeca está completamente relajada y que usted no está

controlándolo en absoluto. Esto es muy importante.

Con eso en mente, violentamente palmotee su codo contra el lado de la costilla

de su torso. Usted debe sentirlo bastante fuerte al golpearse usted mismo el
torso con su propio codo, si no oye el golpe porque se le cayo la baqueta es
mejor que haga este movimiento sin ella por el momento pues es peligroso no
controlar a la baqueta que puede salir disparada y golpearlo en un ojo con
mala suerte . Si este movimiento se realiza sin baquetas los dedos de su mano
hacen un ruido similar al que se logra cuando se sacude agua en exceso de las
manos mojadas. Es el latigazo famoso que cuesta trabajo emular con nuestro
cuerpo.

Si usted mantuvo su muñeca completamente relajada y no lo controló, lo que

pasó era que la baqueta hizo el movimiento de latigazo primero hacia arriba
y entonces rápidamente fustigó hacia abajo, esto causó un ruido muy fuerte
cuando pegó el tambor (¿o que o usted no le dio al tambor? por el momento
esto no nos interesa). La parte del golpe cuándo su muñeca arrojó a y su
baqueta estaba apuntando en el parche se le conoce como el "vuelstify"o hacia
atrás" porque su baqueta se mueve hacia atrás (tiene sentido pues?) y la parte
cuándo su muñeca bajó y pegó que el tambor se llama el Golpe hacia abajo
"Moeller´s downstroke."

Si a estas alturas, no le convencen probablemente acerca de la utilidad del

método de Moeller. ¿Después de todo, quién necesita hacer eso? ) no se
preocupe; como con los ejercicios del redobles iniciales, ésta explicacion
todavia no esta terminada (aguante un poco).

Practique el ejercicio anterior cuidadosamente, realice un paso a la vez,

completamente relajado en todo momento, hasta que usted pueda hacerlo de
forma consistente (que al repetirlo siempre le salga igual). Haga el movimiento
de brazo durante algún tiempo, entonces enseñe al otro brazo. Pero cuide
observar éstos los siguientes puntos que me preocupan:

97
 • Asegúrese que el upstroke sea silencioso y que se haga con un sólo un
golpe. No permita los rebotes múltiples en el tambor cuando lo haga.
• No haga el golpe del codo al torso con demasiada fuerza; es esencial se
puede lastimar, pero debe hacerlo con autoridad para darle fuerza al
latigazo. Pero cuide hacer el contacto con el torso cada downstroke que
haga.
• Asegúrese la muñeca se dobla apropiadamente a que forme casi un
ángulo de 90° ángulo al final de cada upstroke.
• Haga los downstroke correctamente para que obtener un ruido
estruendoso, pero siempre con control. Por ahora, no trate de hacer
ningún golpe que toque el aro del tabor (rimshot) (aunque éstos serán
demasiado fáciles de realizar con el método de Moeller) y no intente
azotar todo lo que vea con el movimieento downstroke, solo almohadas
o practicadores de goma por el momento, no golpee cosas duras . ¡Aun
si lo hace de necio, se le prohibe ejercer tensión, se PROHIBE
ABSOLUTAMENTE!!!
• Preste atención, porque si usted no hace lo con cuidado, usted podría
encontrar que su baqueta vuela fuera de sus manos al hacer un
downstroke y esta podría en golpear su cara , o, aún peor, su ojo y
quedar lisiado de por vida.

Bien, ahora si usted ha dominado el método de Moeller en cada mano, y usted

está listo hacer algo más con él. Estos próximos ejercicios le ayudarán a
desarrollar el movimiento de látigo con más de 2 notas, como el anterior que
maneja solo una nota. A estas alturas, ustj½J±@ed habrá encontrado que
probablemente usted logra fustigar golpes sin golpear su torso con el codo de
una forma tan fuerte (o no lo necesita golpear en absoluto) y sin utilizar tanto
trabajo de cualquiera de las otras articulaciones. Eso es bueno, siga haciéndolo
de esa manera, pero si usted no puede hacer el golpe del látigo
apropiadamente, se debe remonta al ejercicio anterior. Como con redobles
dobles cerrados y los golpes dobles, nosotros hacemos primero los ejercicios
exagerando sus movimientos para desarrollar los músculos.

Existe un concepto extra que requiere ser explicado, y

ése es el "golpe de Tap que viene de la técnica de
muñecas (german grip). Este movimiento involucra
un movimiento de muñeca que debe alzar la baqueta
inmediatamente que hace contacto la baqueta con el
tambor, este movimiento se hace cuando no existe un
acento y debe alzar la baqueta solamente con la
muñeca sin usar dedos, la idea es hacerlo sin
tensionarse y tratando de sacar el sonido del tambor
tocar hacia fuera del tambor. En golpes que tienen 3
notas o más dentro del latigazo de la nota acentuada,
usted necesitará poner algunos golpes sencillos para
tocar todas las notas y aquí es donde se usan los
golpes Taps.

Éstos deben estar tener una dinámica de ppp no se deben escucharse piense
cuando hace los Taps sean tan silenciosos como cuando hace el movimiento

98
del upstroke, así si usted se salto los ejercicios de acentos de comienzo, ahora
no escatimara en hacer estos ejercicios de acentos que se proponen al
principio con técnica de muñecas. No comience el movimiento alzando el
antebrazo demasiado pronto!!! Ésa debe ser su mayor preocupación en los
siguientes ejercicios.

Para tocar octavos acentuando el tiempo fuerte y no acentuando el tiempo de

contratiempo o Offbeat se hace el siguiente movimiento:

a) Up stroke: en el tiempo preparación golpe no acentuado que se da cuando

la baqueta golpea con la muñeca en posición relajada mayativa y el antebrazo
se mueve hacia arriba (One and)

b) Down Stroke: Golpe de latigo (One and)

Así que, un ejemplo del golpe de látigo de 3 notas se puede aplicar al tocar
tresillos continuos a alta velocidad y la forma fácil de hacerlos sería:

a) Upstroke, (preparación golpe no acentuado que se da cuando la baqueta

golpea con la muñeca en posición relajada mayativa y el antebrazo se mueve
hacia arriba One tri plet)

b) Downstroke, (golpe con Acento que da el latigazo en el tiempo fuerte One

tri plet)

c) Golpe de Tap, (golpe no acentuado con muñeca en el segundo tiempo One

tri plet)

Y se repite. Para esto no se necesita usar los movimientos exagerados del

último ejercicio, aunque usted lo puede hacer así para memorizar
correctamente sus movimientos al hacerlos lentamente. Aquí, todo lo que
usted tiene que hacer es tener mucho cuidado que la baqueta se mueva dentro
de las pautas del movimiento del látigo, y para esto debe tener en cuenta que
esto significa que se siga golpeando ligeramente el torso con su codo o el
cuidar alzar bastante su antebrazo para permitir que su muñeca haga
apropiadamente el movimiento de látigo del downstroke.Otra forma alternativa
de hacer los tresillos pero que requiere mayor control puede ser

a) Downstroke, (golpe con Acento que da el latigazo en el tiempo fuerte One

tri plet)

b) Upstroke, (preparación golpe no acentuado que se da cuando la baqueta

golpea con la muñeca en posición relajada mayativa y el antebrazo se mueve
hacia arriba One tri plet)

c) Golpe de Tap, (golpe no acentuado con muñeca en el segundo tiempo one

tri plet)

99
Para tocar Dieciseisavos con técnica Moeller acentuando el tiempo fuerte de
manera fácil se requiere el siguiente:

a) Downstroke, (golpe con Acento que da el latigazo en el tiempo fuerte One

e & a)

b) Golpe de Tap, (golpe no acentuado con muñeca en el segundo tiempo One

e & a)

c) Golpe de Tap, (golpe no acentuado con muñeca en el segundo tiempo One

e & a)

d) Upstroke, (preparación golpe no acentuado que se da cuando la baqueta

golpea con la muñeca en posición relajada mayativa y el antebrazo se mueve
hacia arriba One e & a)

Otra forma de hacer diesciseisavos acentuados en el tiempo fuerte de una

forma alternativa seria:

a) Downstroke, (golpe con Acento que da el latigazo en el tiempo fuerte One

e & a)

b) Upstroke, (preparación golpe no acentuado que se da cuando la baqueta

golpea con la muñeca en posición relajada mayativa y el antebrazo se mueve
hacia arriba One e & a)

c) Golpe de Tap, (golpe no acentuado con muñeca en el segundo tiempo One

e & a)

d) Golpe de Tap, (golpe no acentuado con muñeca en el segundo tiempo One

e & a)

Dominar las dos combinaciones da mayor control sobre notas que se quieren
acentuar después de notas que no se quieren acentuar.

El próximo paso es aplicar este movimiento de látigo a ambas manos. Pruebe

estos ejercicios, y siempre tenga presente cual mano se alza y cuando se debe
alzar para sincronizar los golpes.

Ahora que domina estos movimientos aislados de Moeller en cada mano es

posible hacer otras combinaciones de dos manos con grupos de 2, 3, y 4 notas
con látigos en la nota acentuada. Trate algunas de estas combinaciones en
técnica de manos alternada (singles) de acentos usando la técnica Moeller
recuerde que los acentos son siempre downstrokes y las demás no acentuadas
son notas taps strokes o uptrokes según se le facilite el movimiento:

a)RL

b)LR

100
a)RLR

b)RLR

c)RLR

d)RLR

e)RLR

f)RLR

g)RLR

a)LRL

b)LRL

c)LRL

d)LRL

e)LRL

f)LRL

g)LRL

a)RLRL

b)RLRL

c)RLRL

d)RLRL

e)RLRL

f)RLRL

g)RLRL

h)RLRL

101
i)RLRL

j)RLRL

k)RLRL

l)RLRL

m)RLRL

a)LRLR

b)LRLR

c)LRLR

d)LRLR

e)LRLR

f)LRLR

g)LRLR

h)LRLR

i)LRLR

j)LRLR

k)LRLR

l)LRLR

m)LRLR

Tambien si esta técnica es aplicada a patrones conocidos y que contengan

acentos como son los rudimentos o los double strokes o los paradidles o si se
propone realizar más estudios de acentos, acentúe ejercicios como aquéllos
encontrados en libro "Stick Control" de George Stone y en le libro "Progressive
Steps to sincopation for the modern drummer" de Ted Reed.

Si tiene suficiente con los acentos propuestos aquí creo que son una buena
base de Referencia si usted no tiene acceso a esos libros. Los libros de Joe

102
Morello de técnica son otra buena fuente de posibilidades en tresillos o notas
de grupos arbitrarios de notas, (quintillos, sietillos ect)

Los libros de Gary Chafee también son una fuente muy buena para mecanizar
movimientos de baqueteo (stikings)

Los ejercicios siguientes tienen dos objetos. El primero es desarrollar la

independencia entre los golpes de látigos en cada mano y el segundo es
desarrollar el látigo del golpe doble que suele causar problemas de
coordinación.

Al principio, toque todos los golpes en estos ejercicios como golpes sencillos
(singles) - no haga golpes dobles – Esto significa que los toque muy lentos. Las
notas acentuadas son downstrokes del látigo y el alzamiento sucede después
que la mano ha tocado su última nota antes de fustigar. Por ejemplo, en el
ejercicio número 1, el alzamiento de antebrazo ocurre después de segundo
golpe de izquierda de compas, no en los la segunda derecha. Esto disminuye
los riesgos de estropear una nota con un upstroke prematuro. También, intente
no hacer sus movimientos de una manera accidentada. Su baqueta no debe
detener en medio aire porque requiere una fuerza extra para detenerla y para
volver a comenzar el movimiento (recuerda el primer axioma del tambor), así
tome su tiempo para el alzamiento y de un espacio para que el movimiento
sea fluido y continuo (aunque estos movimientos por el momento no se sean
rápidos). Todos estos ejercicios son octavos 1/8 y los acentos pueden
escribirse como cuartos ¼ o octavos y un silencio R_ . Las barras de compas son
[]

1) 4/4 [RRLLRRL_] [RRLLRRL_]

2) 4/4 [LLRRLLR_] [LLRRLLR_]

3) 4/4 [LLRRLLR_] [RRLLRRL_]

4) 5/4 [RRLLRRLLR_] [LLRRLLRRL_]

5) ¾ [RRLLR_] [LLRRL_]

6)4/4[RRLLR_L_][RRLLR_L_]

7) 4/4[LLRRL_R_][LLRRL_R_]

8)4/4[RRLLR_L_][LLRRL_R_]

9)5/4[RRLLRRL_R_][LLRRLLR_L_]

(estos ejercicios escritos por Brian Thurgood)

La segunda manera de practicar está tocando los ejercicios como golpes

dobles tal como esta escrito. Por supuesto, se podrá tocar la frase mas rapido

103
con dobles golpes,y será necesario usar un upstroke entre cada doble golpe de
cada mano, pero todas las notas se doblan salvo el movimiento del látigo de
cada acentuación, así que nos encontramos un problema de continuidad. Por
consiguiente, es necesario hacer un “doble upstroke” que significa que usted
toca a dos notas cuando usted alza el antebrazo. También significa que el doble
se hará con la muñeca, recuerde que todo el truco reside que el upstroke es un
movimiento que mantiene la total relajación de la muñeca. Puede tardar un
rato para conseguir este movimiento consistentemente, y será ayudado
definitivamente por la próxima sección, Dobles golpes con las Muñecas. Sin
embargo, para ahora, simplemente pruebe algunos upstrokes e intente
conseguir dos notas que suenen como tocadas como golpes sencillos
alternados (singles) de forma consistente. Una vez usted ha hecho que,
pruebe los ejercicios anteriores como dobles con el alzamiento del
doublestroke. Usando el ejercicio 1 como un nuevo ejemplo, el upstroke
(alzamiento del antebrazo de la mano derecha) ocurre en se hace el
doublestroke de la mano izquierda al comenzar el primer golpe y y termina al
dar el segundo golpe de la mano izquierda.

Ahora para poder usar esta técnica en más aplicaciones. El Método de Moeller
puede aplicarse a los rudimentos (2). Por ejemplo, eche una mirada al flam. Si
la nota de gracia se juega como un upstroke y la nota normal se juega como un
downstroke con la mano opuesta, usted consigue un 2 látigo del golpe (lR rL lR
rL etc.). Los flam taladran por consiguiente se convierte en un golpe de látigo
con 3 notas, y El flam accent se combierte en un golpe látigo de 4 notas con la
coordinación de baqueteo del paradiddle. Hay muchas más combinaciones; le
recomiendo que vuelva a estudiar sus rudimentos y pronto podrá encuentre
algunas nuevas formas de realizar el mismo rudimento con mayor control y
precencia.

Obviamente, la mayoría de los bateristas que lean el articulo no están muy

interesados en un material puramente rudimental y Método de Moeller se
presta igualmente bién a al la forma de tocar la batería moderna. El ejemplo
más común es el patrón normal en el que se tocan octavos en el Hihat en un
ritmo de rock, se puede usar la técnica descrita anteriormente para tocar
octavos: Un golpe de látigo de 2 notas a)Downstroke b)Upstroke y nos
permite llevar el pulso de cuartos en ese ritmo, haciéndolo más interesante
escuchar a y más fácil para guardar tiempo sin temor a salirse del pulso del
metrónomo.

La aplicación del golpe de látigo de 3 notas se usa en al tocar Swing, Shufle

(Estilos en tresillos de Jazz) o en los ostinatos de la Samba con octavos con
puntillo a velocidades altas, generalmente entre 1/4 nota = 200 o mayor.

Para swing:

1)Upstroke (1 tri plet)

104
2) Downstroke (2 tri plet)

3)Tap stroke (Two tri plet)

4) Upstroke (3 tri plet)

2) Downstroke (4 tri plet)

3)Tap stroke (4 tri plet)

Para tocar Sambas con octavos y cuartos:

1)Upstroke (1 &)

2) Downstroke (2 &)

3)Tap stroke (2 &)

4) Upstroke (3 &)

2) Downstroke (4 &)

3)Tap stroke (4 &)

También, excluyendo el upstroke del método de Moeller y empezando desde

arriba del golpe, uno puede realizar backbeats poderosos (sobre todo si ellos
son rimshots) eso le da garantía un sonido muy cortante a través de la
muchedumbre. Un problema con el estilo de tocar rock and roll
contemporáneo es que es debe tocarse fuerte, y tenemos el problema que los
platillos (incluso el Hi-Hat) son naturalmente más ruidosos que los tambores y
si nosotros queremos que los tambores dominen en volumen a los platillos,
nosotros tenemos que compensar tocando el hihat y los otros platillos con
cuidado y fineza y sabor y realmente dando verdaderos cinturonzazos en la
tarola en el tiempo 2 y 4.

Todo lo anterior son las aplicaciones más comunes del Método de Moeller, y
seguro que hay muchos más, pero sólo se presentara otra aplicación más, y
esta es la aplicación del Método de Moeller con los pies.

Para aquéllos quienes escuchan mucho el estilo de latín-jazz o la música

brasileña, habrán notado que las sambas realmente se pueden empezar a
cocinar (a menudo alrededor de 300 golpes un minuto (hecho la duro)), y
tocando el bombo a esa velocidad es imposible si se usan golpes sencillos
singles. Es posible usar golpes dobles, pero entonces todavía es bastante

105
inestable y es demasiado pesado para una Samba que tiene una que tener un
sentido del baile ligero. Eso es por qué se puede usar el Método de Moeller de
pies.

Si usted encuentra que las articulaciones y músculos en sus piernas y pies que
corresponden a aquéllos en sus brazos (por lo menos en términos de tocar
batería) usted puede empezar a ver cómo el Método de Moeller aplica a los
pies. El tobillo actúa como la muñeca, el pie como la baqueta, y la pierna como
el brazo.

Método de Moeller aplicado a los pies

1.-Alce a su pierna, pero permita a su tobillo ir suelto para que los dedos de los
pies se caigan y empujan hacia abajo el pedal.

2.-Deje caer su talón para que todo el pie golpee el peda

Trabaje los mismos ejercicios que usted desarrollaba para el Método de Moeller
con sus manos y lo puedan aprender sus pies. (nota: es, a mi conocimiento, es
imposible usar esta técnica con éxito en un pedal de HiHat). Con mucho trabajo
duro y concentración, empezará a lograr su uso en el pedal de bombo, y una
vez usted puede integrar el Método de Moeller con éxito en el ostinato de la
samba, ambos en el bombo y platillo ride, la velocidad empezará a aumentar.

Libros recomendados para complementar el estudio del Método

Moeller

(1)George Stone, el autor de "Stick control ", un libro que es esencial para el
desarrollo de cualquier baterista. El autor y aquéllos que eran sus alumnos ,
enseñaron en los años 20's, a esos bateristas que se hicieron los grandes
maestros y ejecutores de los años ' 40's y ' 50's, tanto en música clásica y
como en música popular. Esos bateristas , a su vez, influyeron en muchos de
los grandes ejecutantes de ese tiempo hasta hoy en día y crearon la
basej½J±@ (incluso se extendió con él) para educación de la batería.

(2) Si usted no sabe los rudimentos básicos, usted puede salir y puede
encontrar un libro que contenga los rudimentos básicos por poco dinero
recomiendo el libro de Buddy.

106
 Ideas para estudiar, Permutaciones
Por Julian Romero

Una de las pocas personas que asisten regularmente al Foro de

Discusión y participan constantemente, contestando las preguntas de
todos, es Julian Romero. Este artículo son los comentarios de Julian a
una pregunta que fue hecha en el foro. El articulo habla mas que nada
de tecnicas y ejercicios de resistencia para ser practicados a diario.

Los bataqueros que han podido acceder a los 32doceavos con singles a alta
velocidad 120 bpms ( o su equivalente en dieciseisavos con el click mayor a
240 bpm) son contados Buddy Rich, Peart, Carter Beauford, Dennis Chambers,
Johnny Rabb, Terry Bozzio, Vinnie Colaiuta, Simmon Phillips, , Akira Jimbo, Jim
Chapin, Billy Coban y Mike Mangini entre los que recuerdo. Cabe aclarar que
no a todos los bataqueros les interesa la velocidad y hay mucho trabajo de por
medio para llegar a ella.

En mi caso yo tengo mas velocidad en paradidles y en dobles que en singles,

en paradidles y en dobles puedo llegar a 200bpm, pero en singles no llego a
mas de 180 bpm por el momento. La idea aqui es trabajar en homologar la
maxima velocidad que tengas en cada extremidad en cada patron repetitivo
numerado en cada ejercicio. Esta idea me la transmitio Mike Mangini desde su
entrevista en el Modern Drummer y posteriormente cuando visito Mexico.
Ademas, hay que hacer lo mismo con los pies, se debe tratar de lograr que
todos los miembros tengan la misma velocidad, las combinaciones de dos
miembros sea pie con mano, o pie con pie, suman solamente 12 posibilidades.

107
Actualmente he visto que los bateristas con mejor coordinacion usan la filosofia
de estudiar a fondo todas las permutaciones posibles de un ejercicio de manera
que dominan su colocacion con respecto al pulso y tambien no tienen licks
aprendidos que limitan su vocabulario de manera que cuando quieren utilizar
una combinacion dada, la tienen totalmente interiorizada y no hay nada que
obstruya el flujo de su ejecucion.

Permutacion ritimca es el equivalentes a desplazar una unidad minima de

tiempo todo el patron, en este caso la unidad minima es el diesciseisavo. Se
siente muy diferente y amplia el vocalulario ritmico. La idea es que puedas
tocar todos las combinaciones de paradidles, dobles y singles a la misma
velocidad. Las combinaciones basicas de un compas de 4 son los primeros
trece ejercicios del metodo de Stick control de Gorge Lawrence Stone, despues
se dedican a unir pedazos de combinaciones de estas primeras 13, la unidad
minima es de 4 notas por pulso, las combinaciones deben ser sonar fluidas y
para esto se deben practicar a una sola velocidad hasta que todas las
combinaciones las tengas sin problemas de tension, despues se deben mezclar
y poder sonar fluido. Los bateristas que lo hacen bien tratan de que todos los
golpes no importa cual sea la combinacion de manos suenen iguales.

Por cierto las combinaciones mas completas que las que hay en el stick control
son las que maneja Terry Bozzio y son 19:

1.- RLRLRLRL Single lidereado con extremidad 1

2.- LRLRLRLR Single lidereado con extremidad 2
3.- RRLLRRLL Doble lidereado con extremidad 1
3.1.- RLLRRLLR Doble lidereado con extremidad 1 permutacion 1
4.- LLRRLLRR Doble lidereado con extremidad 2
4.1.- LRRLLRRL Doble lidereado con extremidad 2 permutacion 1
5.- RLRRLRLL Paradidle sin permutacion
6.- RLLRLRRL Paradidle permutacion 1
7- RRLRLLRL Paradidle permutacion 2
8.- RLRLLRLR Paradidle permutacion 3
9.- LRRRLRRR Tres golpes con una extremidad 1
9.1.- RLRRRLRR Tres golpes con una extremidad 1 permutacion 1
9.2.- RRLRRRLR Tres golpes con una extremidad 1 permutacion 2
9.3.- RRRLRRRL Tres golpes con una extremidad 1 permutacion 3
10.- RLLLRLLL Tres golpes con una extremidad 2 sin permutacion
10.1.- LRLLLRLL Tres golpes con una extremidad 2 permutacion 1
10.2.- LLRLLLRL Tres golpes con una extremidad 2 permutacion 2
10.3.- LLLRLLLR Tres golpes con una extremidad 2 permutacion 3
11.- RRRRLLLL Cuatro golpes con cada extremidad

Actualmente yo puedo tocarlas a como 16avos a 120 golpes por minuto con
todas las extremidades en las doce combinaciones posibles, que en realidad se
pueden reducir a 6 debido a que las versiones inversas las cuales liderean el
primer golpe junto con las combinaciones de arriba se compensan, pero se
sienten diferentes al utilizarlas, pero si quieres manejar todas las

108
permutaciones posibles el que lo maneja en sus videos es Terry Bozzio en la
serie de 3 videos del Ostinato.

El otro que me inspiro fue Kenny Aronoff con sus powerworkouts, la idea es
hacer todas las combinaciones posibles de tus extremidades en el formato de 4
golpes: (dieciseisavos) L=extremidad 1 R = extremidad 2

1.-Pie izq con Pie derecho

2.-Pie izq con mano derecha
3.-Pie izq con mano izqierda
4-.Pie der con mano derecha
5-.Pie der con mano izquierda
6.-Pie der con Pie izquierdo
7.-Mano der con mano izquierda
8.-Mano der con Pie izquierda
9.-Mano der con Pie derrecho
10.-Mano izq con Pie izquierdo
11.-Mano izq con Mano derecha
12-.Mano izq con Pie derecho

Yo se que estos ejercicios son lo mas tedioso que hay pero se pueden utilizar
para hacer patrones lineales de cualquier tipo una vez que los tienes
dominarlos!

FORMA DE ESTUDIO
Esto se debe hacer diariamente con el metronomo cuidando de encontrar la
velocidad comoda de ejecucion sin tension, despues de tocar varios dias a esa
velocidad se puede aumentar poco a poco de manera que los aumentos de
velocidad no te cuesten trabajo, ahora no se debe hacer sin un entrenamiento
adecuado, los que levantan pesas hacen algo similar empiezan calentando,
estirando, levantando algo ligero hasta que levantan su maxima capacidad.
Aqui es igual. Yo he usado baquetas mas pesadas para practicar tipo las de
marching band y cuando me cambio a las baquetas normales con las que toco,
encuentro que tengo mas velocidad y que he desarrollado mas los musculos de
la muñeca y de los dedos. Esto lo enseña Jim Chapin, pero la idea es que
cuando estudies velocidad lo hagas con relajacion si no te puedes lastimar.
Pero si le preguntan a Weckl el odia las baquetas pesadas y dice que no son
recomendables, pero depende de cada quien.

Suerte y cualquier comentario es bienvenido.

Uso del metronomo o click

109
La función primordial de un baterista dentro
de un grupo musical es la de llevar el tiempo.
Sin ello, los demás instrumentos estarían
perdidos en el espacio y no existiría la
música. Muchas personas preguntan cual es
la clave para tener mucho groove, mucho
ritmo, y la verdad es que si no se tiene un
tiempo impecable primero, tener groove será
más complicado.

Aquí es donde entran los metrónomos

(metronome en inglés) El uso de este aparato
es una de las mejores maneras para
desarrollar un buen sentido del tiempo y
aunque hay quienes opinan que usarlo
provocará que tu forma de tocar sea menos
flexible, creo que es totalmente falso.

Cuando usas un metrónomo, verás un dos

letras con una nota negra, algo así: MM

= 120

La MM dentro de la música tiene como significado que se está usando el

Metrónomo de Malzel. Para ser más específico, esta notación nos indica que
cada "tic" que haga el metrónomo será equivalente a un cuarto. Un metrónomo
que da 60 tics está programado a 60 beats per minute o 60bps o 60 golpes por
minuto. Así que uno que esta a 120bps, dará dos tics por segundo.

Ahora, existen varias maneras de utilizar el metrónomo. La primera de ellas es

acomodando un tic por cada golpe que des con los contraplatillos. Es decir, si
tocaras algo en 4/4 a 120bps, escucharías un tic por cada letra y número al
contar 1 & 2 & 3 & 4 &

Una vez que se empieza a dominar esta técnica, se puede quitar el tic en cada
nota y ponerlo al principio de cada compás (en el 1) o al principio y en medio,
según se desee y se sienta más cómodo.

Por ejemplo, si se estuviera tocando una canción a MM = 160, usando la

técnica descrita anteriormente, haríamos lo siguiente:

110
 • Poner el metrónomo a 1 tic por segundo, o sea a los 160 bpm. (El color
rojo representa un tic)

1&2&3&4& 1&2&3&4&

• Una vez que nos sintamos cómodos, podemos reducir el número de bpm
a la mitad, o sea a 80 bpm.

1&2&3&4& 1&2&3&4&

• Ahora lo reducimos a la mitad del punto anterior, 40 bpm.

1&2&3&4& 1&2&3&4&

Esta es solo una pequeña guía de sugerencias de ejercicios con tu metrónomo.

Recuerda que en la bateria y a la hora de contar tiempos y barras, las
matemáticas son muy importantes. La manipulación y entendimiento de los
diversos tiempos y como se acomodan dentro del espacio son imprescindibles
para tener un buen tiempo y desarrollar un excelente groove.

Redoble con una mano (Freehand Technique)

La tecnica de tocar un redoble o roll con una mano es conocida con el nombre
de "One Handed Roll" o tambien como "FreeHand Technique" la cual se ha
popularizado en los ultimos años gracias a uno de los mayores exponentes de
la tecnica llamado Jhonny Rabb.

El concepto de como funciona es muy simple. La idea es formar un segundo

fulcrum o punto de apollo en el aro de la tarola y utilizarlo como palanca o
como un subi-baja. El inconveniente de utilizar el aro como punto de apollo es
que el sonido que se obtiene de esta tecnica es muy ligero, muy similar a las
notas fantasmas.

Una vez dominada la tecnica puedes tratar de acelerar, pero el problema es

que la baqueta empieza a saltar sobre el aro de la tarola y empiezas a tocar
mas rim shots que redobles, asi que tomalo con calma y empieza despacio y
poco a poco ve acelerando hasta obtener el sonido del redoble.

111
Para hacer el movimiento sigue los siguientes pasos:

112
Imagen 1:
Comienza con la baqueta pegada al
aro de la tarola con un agarre ligero,
no es necesario apretar mucho la
baqueta.

Imagen 2:
De la Imagen 1 a la Imagen 2 hay un
movimiento de la mano junto con el
antebrazo hacia arriba, lo cual jala la
baqueta y hace contacto con el
parche.

Imagen 3:
Una vez que pasas la Imagen 2, la
baqueta sigue subiendo y hace
contacto una vez mas con el parche
de la tarola. En este momento paras
el movimiento hacia arriba (por eso
las flechas de izq-der, no quiere decir
que tengas que mover la baqueta de
un lado para otro) y vas a hacer los
mismos movimientos anteriores pero
al inverso, hacia abajo.

Imagen 4:
De la Imagen 3 a la Imagen 4 hay un
movimiento de la baqueta hacia
abajo, recuerda mantener contacto
en el nuevo fulcrum (con el aro de la
tarola)

Imagen 5:
Esta ultima imagen representa el
punto de partida (Imagen I) y es
donde el movimiento llega a su punto
mas bajo y comienza a subir de
nuevo.

113
Como conclusion, podemos ver que el movimiento se resume en estos pasos
(tocando 16avos) No tienes que dar un golpe en especifico por cada cuenta
pero es una buena aproximacion:

1 Downstroke, baja el antebrazo ligeramente

e Upstroke, sube ligeramente el antebrazo
& Downstroke, baja el antebrazo ligeramente
a Upstroke, sube ligeramente el antebrazo

2 Downstroke, baja el antebrazo ligeramente

e Upstroke, sube ligeramente el antebrazo
& Downstroke, baja el antebrazo ligeramente
a Upstroke, sube ligeramente el antebrazo

...etc

La siguiente animacion quizas aclare un poco mejor el movimiento. La parte

blanca es supuestamente el aro de la tarola, en realidad la baqueta bajaria mas
de lo que hace en la animacion pero es una buena aproximacion de como es el
movimiento en realidad.

Nota que la debe de estar SIEMPRE tocando el aro de la tarola, a pesar de que
en la animacion se mueve, cuando hagas esto en tu tarola, la baqueta no debe
de saltar.

Afina tu batería
CÓMO AFINAR LOS TIMBALES

Un set de batería está compuesto de varios timbales, y cada uno de ellos

posee una tesitura específica. Comenzando del sonido más grave al más
agudo, tenemos (en un set tradicional de cinco piezas): el bombo, el timbal
base, el timbal mediano, el timbal alto, y por fin la caja. Numerosos bateristas
eligen afinar su batería comenzando del sonido más grave al sonido más
agudo, es decir, desde el bombo hasta la caja. Para los timbales, es en efecto
más práctico comenzar con el casco de la batería más grave con una tensión
mínima, y efectuar la afinación general partiendo de esta nota. Ahora pues,

114
nada os impide practicar la afinación en otro orden.

Cada casco está dotado de dos parches, uno batidor, y otro de resonancia (es
cierto que algunos bateristas prefieren el bombo o los timbales sin parque
abajo, pero es una práctica cada día más rara).

Cada parche debe de afinarse de una manera especifica, pero según un

método casi idéntico que vamos a explicar.

Afinación del parche de resonancia

En los referente a los timbales, incluido el timbal base, muchos bateristas

comienzan su afinación por el parche de resonancia. Una técnica bastante
lógica ya que este parche define la tonalidad general de dicho elemento.
*En primer lugar, debéis imaginar el sonido que queréis conseguir. Si os es
más fácil podéis cantarlo. Un ejercicio difícil para el principiante pero que es
ayudara mucho. Si no encontráis la nota, imaginad el sonido de un baterista
que os guste. Cantad el sonido de los timbales en ese momento donde están
bien definidos y aislados del resto de la música. Esto os puede servir como
punto de partida para crear "vuestro sonido".
• Después debéis colocar el parche o bien destensar el que viene
montado en el timbal.
• Con los dedos, apretad cada tornillo hasta que empiece notarse una
ligera resistencia.
• En este momento, apretad cada tornillo con la llave de afinar "en
estrella", mientras presionáis el centro del parche con la otra mano y si
dais golpecitos con una baqueta o un dedo en el centro del parche,
podréis oír como cambia el tono a medida que tensáis el parche.
• Cuando os aproximéis a la tonalidad deseada, es necesario rematar la
afinación apoyando ligeramente el dedo índice de vuestra mano libre en
el centro del parche y golpeando dulcemente con una baqueta o un
dedo de la otra mano en la proximidad de cada tornillo. Si fuese
necesario, corregid con la llave de afinar tensando o destensando hasta
obtener la misma nota frente a cada tornillo. Sed pacientes, ya que este
ejercicio requiere una cierta práctica.

115
 Ya está. Vuestro parche de resonancia está tensado razonablemente, y emite
un sonido preciso, una nota en efecto. Sí, pero ¿Qué nota? Contrariamente a
los otros instrumentos (guitarra, bajo o teclados por ejemplo), no existe una
norma fija concerniente a la nota que debe atribuirse a cada elemento de la
batería. No obstante, pueden definirse intervalos entre estos diferentes
elementos. Así, gran número de bateristas utilizan los intervalos de un acorde
mayor a partir del sonido más grave (bombo): tónica, tercera, quinta, octava.
Pero nada os impide el poder experimentar otras combinaciones, algo que
podéis experimentar con los otros músicos de vuestro grupo... o con un teclado
si no tocáis en una banda. De todas formas en directo muchos bateristas no
tienen demasiado tiempo en consagrarse a unas reglas de afinación muy
escrupulosas, tensan el parche hasta que el sonido les parece correcto, sin
calcular de forma precisa los intervalos... ¡y eso suena! No obstante, podréis
notar que a menudo, no se alejan demasiado de los valores expuestos
anteriormente. Otro punto importante: no busquéis obtener a cualquier precio
los intervalos perfectos; después de dos o tres canciones los parches no
estarán iguales. Lo principal es guardar unos intervalos agradables de escuchar
y tocar.

Afinación del parche batidor

Debéis llevar a cabo la misma operación que la descrita anteriormente con el

parche de resonancia, tratando por ejemplo de obtener la misma nota que la
obtenida con el mismo. Este es un excelente punto de partida. Podéis tensar un
poco más el parche de resonancia que el batidor para obtener de este modo un
sonido más preciso, con armónicos "vivos" pero controlados. A la inversa, si
probáis a destensarlo el sonido será más amplio pero os arriesgáis a una falta
de precisión en el mismo. De todas formas es preciso experimentar y buscar
otras opiniones que estarán influidas por datos variables tales como la
profundidad y los materiales con los que estén construidos los cascos, los
parches utilizados, la acústica de la sala, el contexto musical, y finalmente
vuestra propia pegada, que será la que marque la diferencia y la personalidad
de vuestro sonido.

Finalmente debo decir que la manera de afinar los timbales que os he descrito
es una entre otras, y que no debéis dejar de pedir consejo a los bateristas
experimentados que conozcáis, ya que cada uno posee sus propias astucias en
materia de afinación.

CÓMO AFINAR LA CAJA

Una caja sólo dará lo mejor de sí misma estando convenientemente afinada.

Para ello debéis encontrar el justo equilibrio entre el sonido que os gusta y
algunas reglas básicas que vamos a recordar en este artículo. A partir de esto,
manos a la obra para conseguir vuestro propio sonido, pero sobre todo sin
impaciencia.

116
 Saber afinar bien el instrumento es un arte que normalmente se domina con el
paso de los años. Podemos decir bromeando que un baterista toca un montón
de tiempo antes de pensar seriamente en los problemas de la afinación, e
igualmente tocará menos notas. preocupándose mas de la calidad de las
mismas que en su cantidad. Es algo normal. El sonido de la batería se basa en
tres aspectos. En primer lugar está el sonido acústico al natural, después el
sonido en directo, es decir amplificado a través le una sonorización y
finalmente el sonido en estudio de grabación. Cada situación requiere su propio
tratamiento, pero una constante debe permanecer: una buena afinación de
base. Partiendo de esto, podemos jugar con la tensión de los parches y el uso
de sordinas para adaptar el sonido a cada contexto. Una vez que la caja este
bien afinada, será suficiente dar un cuarto de vuelta a cada tornillo para
cambiar el timbre sin cambiar drásticamente el acorde. El sonido de la caja
puede efectivamente evolucionar en función del estilo musical y también del
lugar donde se toque. Pedid a un miembro de vuestro grupo que toque un poco
vuestra batería (adoran hacer esto, e incluso piensan que saben hacerlo bien) y
situaros frente a la misma. Podréis constatar que el sonido no es el mismo que
se escucha desde vuestro sillín. Esto se debe a dos cosas: el alejamiento
respecto al instrumento y la diferencia de pegada. Esto os dará una idea en
conjunto del sonido de vuestra caja, por ejemplo para trabajar solo o estudiar,
tenéis que estar muy a gusto con vuestro sonido. Pensad también en el sonido
que oyen los miembros de vuestro grupo, y sobre todo el que percibe el público
cuando tocáis en directo. Os sorprenderíais si escuchaseis el sonido de la
batería de vuestro baterista favorito desde el escenario, ya que comprobaríais
que suena completamente diferente a lo que escucha entre la audiencia. En lo
referente al sonido en estudio, es necesario meterse en la cabeza una cosa:
difícilmente conseguiréis el sonido de caja que escucháis en los discos. Una vez
asimilada esta idea, podréis abordar serenamente la cuestión de la afinación.

La importancia de los parches

El baterista principiante está generalmente confrontado con un doble problema:

quiere eliminar al máximo los armónicos, lo que implica apagar el sonido. Puede
parecer paradójico, pero el equilibrio puede lograrse Es importante no perder de
vista la comodidad al tocar, ya que un instrumento debe ser ante todo,
agradable de tocar. Es necesario por lo tanto elegir los parches en función de
vuestra pegada, estilo, y como no, M bolsillo. Sé que es difícil y costoso poder
probar muchos modelos de parches antes de encontrar el más conveniente. Por

117
ello podéis pedir consejo a bateristas experimentados que conozcáis, al igual que
a los vendedores de las tiendas, eso sí, teniendo una idea relativamente precisa
del tipo de sonido que deseáis conseguir; Al menos no os dejéis influenciar por
ideas preestablecidas: Steve Gadd toca jazz con un sonido mate y Carmine
Appice rock con un sonido lleno de armónicos. Se trata de imponer vuestro
propio sonido. Por supuesto que existe una cantidad impresionante de cajas en el
mercado, cada una de ellas con unas características más o menos marcadas,
pero el baterista debutante tiene normalmente una caja de 5 pulgadas y media
en acero, de mayor o menor calidad. Este suele ser un instrumento modesto,
pero que se adapta a todas las situaciones y no da demasiados problemas de
afinación. La norma general es emplear parches blancos ásperos de una capa
como batidor, y unos finos especialmente diseñados como parches bordoneros.
Estos son los parches que encontraréis de origen en la mayoría de las cajas
disponibles en el mercado.

Instalación y afinación de parches nuevos

La elección de los parches y su afinación es una tarea siempre fastidiosa para los
bateristas novatos, pero que es necesario ensayar de todas maneras antes de
encontrar el sonido con el cuál estar a gusto. No seáis perezosos y no vaciléis en
montar y desmontar los parches y experimentar diversas tensiones tanto en el
parche batidor como en el bordonero. En principio, los parches de origen deben
valer perfectamente (salvo en cajas de baja calidad). Si decidís cambiar los
parches de la caja y afinarlos (raras son las marcas que entregan sus
instrumentos afinados), es costumbre comenzar con el parche bordonero, puesto
que será sobre él donde irán colocados los bordones. Una vez tensado
convenientemente, dispondremos entonces de una buena base para trabajar el
sonido con el parche batidor. He aquí la forma a seguir:
• Una vez que os aseguréis que los bordes de la caja estén limpios, colocad
el parche en el casco. Con un ligero movimiento de derecha a izquierda,
comprobad que el parche esté bien asentado antes de poner el aro
encima. No os confundáis al colocarlo, ya que el aro de abajo está provisto
de una abertura en cada extremo para dejar pasar los bordones. Es
preciso que se encuentren justo enfrente del sistema de sujeción y de
acción de los bordones.

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118
 • Introducir los tornillos en las roscas después de haberlos lubricado si Publicidad
fuese necesario. Enroscar cada uno de ellos hasta apenas tocar el aro,
para después tensar el parche de una manera perfectamente
homogénea. Para esto la mayoría de los bateristas utilizan la llamada
"afinación en estrella". Dad una vuelta con la llave a cada tornillo
siguiendo la forma anteriormente indicada, y una vez terminado volved
al primer tornillo repitiendo la operación hasta conseguir la tensión
deseada. La maniobra es delicada ya que un parche bordonero es
generalmente muy fino, aunque tengáis el modelo más grueso.
Atención de no romperlo por una tensión excesiva, aunque un mínimo
de tensión es necesaria para que los bordones actúen en condiciones.
• Para verificar el equilibrio correcto de la tensión, golpead ligeramente
con una baqueta o un dedo frente a cada tornillo, aproximadamente a
tres centímetros del aro. Un baterista con experiencia llega a sentir la
tensión adecuada en la llave cuando está afinando, lo que implica que
el sistema de tensores esté en perfecto estado. Incluso algunos
bateristas ponen un dedo sobre el parche enfrente de cada tirador para
de esta forma calibrar la tensión.
• La colocación de parche batidor obedece a los mismos criterios, pero
con este, al ser menos fino (sea cual sea el modelo elegido), será más
fácil la percepción de la nota justa frente a cada tensor Eso sí será
preciso apagar el parche inferior, poniendo la caja sobre el sillín por
ejemplo, para evitar que interfiera en la afinación del parche batidor.
Cuanto más tenso esté el parche batidor, más alto y claro será el
sonido obtenido y con unos armónicos muy presentes. Al contrario, a
menos tensión, el sonido será mate, gordo y pobre en armónicos. Cada
una de estas dos opciones puede ser optimizadas modificando la
tensión del parche bordonero. Cuanto más tenso esté el parche, más
duro será el tacto, pero con una tensión escasa perderemos respuesta
y sensibilidad. Cada una de ellas en su momento.
• Una vez acabado lo anterior, solo nos queda montar el bordón en su
sitio. Una operación fastidiosa para los principiantes, pero que con un
poco de práctica no supondrá ningún problema. Vigilad sobre todo que
el bordón esté bien centrado. Paralelo al parche y suelto.

El empleo de sordinas

Otro aspecto esencial del sonido de la caja es el control de los armónicos

altos. Hay que saber que algunos modelos (sobre todo antiguos) están
equipados de fabrica de una sordina interior regulable (foto 6). Si vuestra caja
está desprovista de una, podéis fijar una sordina exterior (f oto 7). Algunos
parches disponen de una sordina interior integrada bajo la forma de una
banda circular situada bajo la superficie batidora (como los Aquarian
perfomance 11 o los Evans Genera). o de un refuerzo central (Remo CS y
algunos modelos de Aquarian). Los parches de doble capa (tipo Remo
PinStripe) cortan los armónicos, pero con esta elección nos arriesgamos a
quitar mucha sensibilidad en el toque. Es mejor pues, optar por un parche de
una sola capa. Otra manera de controlar los armónicos es el recurso de la
famosa banda circular que muchos fabricantes incluyen en sus cajas (foto 8),

119
 El último punto preocupante es la vibración de los bordones. Cuando golpeáis
a vuestro primer timbal, o cuando tocan los otros músicos, los bordones de la
caja entran en resonancia. Esto es en mayor o menor grado posible de
controlar. Algunas formas: modificar la afinación de los timbales, orientar
diferentemente el rebote del sonido, untar los bordones con silicona (una
argucia radical que pocos conocen), y también pegar con cinta adhesiva los
bordones al parche, o bien... tocar sin nada de esto. Hay que asumir no
obstante, que es necesario quitar el bordón durante una introducción acústica
(por ejemplo). Tocando en grupo estas resonancias estarán totalmente
ahogadas en la música. Se trata de resonancias totalmente naturales e
inevitables, contrariamente a los crujidos de los jacks viejos, o a los ruidos de
fondo producidos por una mala ecualización. Ahí tenéis pues la información
necesaria para afinar vuestra caja de una forma óptima. Recordad que es
necesario tomarse un tiempo para llegar a la afinación perfecta. Por lo tanto
no desesperéis. No vaciléis en practicar los que se os pase por la cabeza,
pidiendo siempre consejo a los otros bateristas, para así enriquecer vuestros
conocimientos y los de otros. Poco a poco "vuestro sonido" llegará y estaréis
en condiciones de exprimir plenamente vuestras ideas musicales.

Los pequeños trucos

Afinad vuestra batería en un lugar silencioso, a fin de facilitar vuestra

concentración.
Cuando vayáis a afinar los timbales, es preferible quitar los bordones de la
caja para evitar de esta forma resonancias indeseables.
Colocad los timbales en el suelo, preferiblemente sobre moqueta. Así el sonido
será más seco lo que os facilitará la tarea de conseguir el tono deseado.
Después es aconsejable colocar los timbales en su posición con el resto de la
batería para ajustar bien la afinación, que es lo que normalmente hace Terry
Bozzio.

Ciertos fabricantes de parches, para optimizar la afinación, recomiendan

apretar bien los parches al menos unas horas antes para "asentar" bien los
mismos. Después ya pueden afinarse con la tensión normalmente empleada.

LUIS GARCÍA

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