Académique Documents
Professionnel Documents
Culture Documents
5
5 7 8 8 12 13 15 15 17 18 19 19 20 22
23
23 23 25 26 28 28 30 31 32 32 33 33 34 35 38 39 40 42 42 44 44 46 47 49 49
Arte, culturas y estticas 5.10.5.2. Constructivismo ruso 5.10.5.3. Suprematismo 5.10.5.4. Neoplasticismo 5.10.6. Dadasmo 5.10.6.1. Marcel Duchamp 5.10.7. Surrealismo 5.10.8. Funcionalismo 5.10.8.1. Frank Lloyd Wright 5.10.8.2. Le Corbusier 5.10.9. Escuela de la Bauhaus 5.11. Pablo Picasso 5.12. Artistas modernos al margen de las vanguardias histricas 5.12.1. Marc Chagall 5.12.2. M. C. Escher 5.12.3. Henry Moore 5.13. El arte moderno en Latinoamrica 5.13.1. Jos Clemente Orozco 5.13.2. David Alfaro Siqueiros 5.13.3. Diego Rivera 5.13.4. Frida Kahlo 5.13.5. Joaqun Torres Garca 5.13.6. Cndido Portinari 5.13.7. Wilfredo Lam 6. La posguerra 6.1. Filosofa y arte de posguerra 6.2. Msica experimental. Jazz. Rock. 6.3. Expresionismo abstracto 6.4. Informalismo 6.5. Lucio Fontana 6.6. Francis Bacon 6.7. Op-art 7. El arte contemporneo 7.1 La dcada del 60 7.1.2. Pop art 7.1.2.1. Andy Warhol 7.1.3. La msica en los 60 7.1.3.1. Los Beatles 7.1.4. Minimalismo 7.2. La dcada del 70 7.2.1. Arte conceptual 7.2.2. Arte participativo 7.2.2.1. Ambientacin 7.2.2.2. Happenings 7.2.3. Otras tendencias 7.2.3.1. Instalacin 7.2.3.2. Arte povera 49 50 50 51 53 57 62 63 64 64 66 72 72 72 73 74 74 75 75 75 77 77 78 79 79 80 83 86 88 89 90 91 93 95 100 102 104 107 108 109 111 111 112 112 112 112
Arte, culturas y estticas 7.2.3.3. Land art 7.2.3.4. Arte cintico 7.2.3.5. Performance 7.2.3.6. Feminismo 7.2.3.7. Apropiacionismo 7.2.3.8. Hiperrealismo 7.2.4. La msica en los 70 7.3. La dcada del 80 7.3.1. El retorno de la pintura 7.3.2. La msica en los 80 7.4. La contemporaneidad 7.4.1. Sociologas contemporneas: la visin de Lipovetsky 7.4.2. La msica en los 90 y la dcada 00 7.4.3. Sobre el arte ms contemporneo 113 114 114 115 115 115 116 120 121 123 124 126 127 131
137
137 137 139 140 140 141 141 141 141 142 142 143 143 143 143 144 145 146 147 149 149 150 150 151 153 153 153 154 154 155 156
Arte, culturas y estticas 12.3. Informalismo: el existencialismo y la experiencia vital en el arte 13. Msica tradicional argentina 13.1. Folclore 13.2. Tango 14. La historieta en Argentina 15. La dcada del 60: la vanguardia y la diversidad en el arte 15.1. El grupo Espartaco 15.2. El grupo Nueva Figuracin 15.2.1. Jorge De la Vega 15.2.2. Luis Felipe No 15.2.3. Ernesto Deira 15.2.4. Rmulo Macci 15.3. Alberto Greco 15.4. Arte cintico y ptico 15.5. El Instituto Di Tella: todo es arte 15.6. Tucumn arde 15.7. La msica argentina a fines de los 60 16. Antonio Berni 17. La dcada del 70: la violencia del discurso plstico 17.1. Len Ferrari 17.2. Juan Pablo Renzi 17.3. El arte conceptual argentino 17.4. Muerte y resurreccin de la pintura 17.4.1. Carlos Alonso 17.5. La msica argentina en los 70 18. La dcada del 80: democracia y posmodernidad 18.1. El arte visual en la dcada del 80 18.1.1. Guillermo Kuitca 18.2. La msica argentina en los 80 19. La dcada del 90: neoliberalismo y deslmite 19.1. El arte visual en la dcada del 90 19.2. La msica argentina en los 90 y la dcada 00 20. La dcada del 00: poscrisis e identidad nacional 20.1. El arte argentino despues de 2001 21. Anexo: artistas sanmartinenses 21.1. Carlos Ripamonte 21.2. Ceferino Carnacini 21.3. Helmut Ditsch 21.4. Adrian Giacchetti 158 161 161 162 164 168 169 170 171 172 173 174 174 177 178 181 182 184 189 190 193 195 197 200 202 204 205 207 208 212 213 218 222 222 227 227 227 228 228
Bibliografa
232
Arte, culturas y estticas expresiones culturales vlidas, en las que cada una tiene un diferente origen y color que les identi fica, y no les da un carcter jerrquico. Para este tipo de anlisis y pensamiento, por supuesto, es necesario un juicio objetivo y estar abierto a diversos enfoques. El concepto de relativismo cultural decanta directamente en la idea de que no existe una cultura sino muchas (ya sea en el mundo o dentro del territorio de un mismo pas), y as surge el trmino de multicultura. Este multiculturalismo se inicia en la Revolucin Industrial, cuando surge la lucha de clases sociales, e inventos como el telgrafo, las radios, el cine y el desarrollo de los diarios, que favorecieron la comunicacin masiva. Ya a mediados del siglo XX, particularmente luego de la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos se vuelve el principal polo cultural, y surge la televisin. Esta revolucin tecnolgica acelera el proceso de globalizacin cultural especialmente despues de 1990, cuando se desarrolla Internet. En culturas globalizadas e interdependientes como las que se viven en este siglo, las decisiones polticas o econmicas de las grandes potencias afectan necesariamente a los pases emergentes, pero tambien esa influencia cultural se da a traves de programas televisivos, noticieros, pelculas o tendencias musicales que describen el modo de ser de las potencias. Aculturacin o transculturacin es un trmino que refiere a esa invasin de una cultura hacia otra, generalmente por la fuerza. As como en Amrica hemos sido colonizados por Europa y, especficamente, en la zona de lo que era el Virreinato del Ro de la Plata por Espaa, ciertas costumbres y hbitos impuestos por los colonizadores aun prevalecen. Con obvias modificaciones, el legado espaol ms evidente es el de nuestro idioma, pero tambien hubo influencia en el gusto esttico, la arquitectura, las estructuras polticas, etc. En la contemporaneidad, la aculturacin tambien se da de manera ms encubierta, mediante los medios de comunicacin, las comidas y festividades extranjeras, y dems ejemplos que se filtran en nuestra cotidianeidad. Un ejemplo de esto es el uso del idioma ingles en nuestro pas, que ya es un saber indispensable, y que se introdujo en nuestra habla cotidiana, en algunos casos instalando palabras y trminos que son ajenos a nuestro idioma natal. De ese modo, con el avance de la globalizacin, las culturas regionales o nacionales, si bien ahora son tomadas en cuenta, con este proceso de invasin cultural suelen perder su identidad y sus caractersticas autctonas. En definitiva, el multiculturalismo termina siendo un arma de doble filo: por un lado acerca y nos permite conocer lo que antes era lejano, pero con el riesgo de perder las raices de nuestra propia identidad y de aquello que nos hace diferentes. Al trmino de multicultura, los socilogos, por su parte, aportan conceptos como el de subcultura, refiriendose a los diversos subgrupos culturales que integran una cultura ms grande. Si bien cada sociedad tiene caractersticas culturales que la diferencian de otras sociedades (tradiciones, modos de expresin, costumbres, etc), esta cultura no es uniforme: est integrada por subculturas que se distinguen por caractersticas de pertenencia a un grupo, cuyos integrantes comparten determinados rasgos, como pueden ser el origen, la historia, la edad, la clase social, etc. Una subcultura, entonces, es la cultura propia de una parcialidad o grupo dentro de una cultura ms amplia, que posee rasgos, costumbres o intereses distintivos, pero que en definitiva es parte de un conjunto mayor. Hay subculturas tnicas (los mapuches en el sur o los tobas en el norte de nuestro pas, por ejemplo, o bien los provincianos o paraguayos que inmigraron a la gran ciudad), y otras en base a afinidades econmicas, laborales y sociales, que van formando distintos grupos sociales que conforman a su vez subculturas. Dentro de la cultura occidental, encontramos la macrocultura latinoamericana, la subcultura rioplatense y las microculturas barriales o provinciales, por ejemplo. Las generaciones o edades al mismo tiempo constituyen otras subculturas, en las que se comparten cdigos en el idioma o en la forma de vestir, por ejemplo. La preferencia por una actividad, lase un equipo de ftbol o banda de rock, pueden determinar otro subgrupo. De esta manera, uno integra diferentes subculturas al mismo tiempo, y la cultura nacional sera el mbito de confluencia de las culturas y subculturas vigentes en un territorio nacional. Hay muchos rasgos de las sociedades que se mantienen sin grandes cambios en el transcurso del tiempo. Esta permanencia se debe en gran parte a la endoculturacin. Este trmino refiere a la experiencia de aprendizaje parcialmente consciente y parcialmente inconsciente a traves de la cual la generacin de ms edad incita, induce y obliga a la generacin ms joven a adoptar los mismos modos de pensar y de comportarse tradicionales. Por ejemplo, a los argentinos nos suele gustar comer carne y tomar mate, porque nacimos en Argentina y vivimos y recibimos nuestra endoculturacin en este pas. Si
Arte, culturas y estticas hubiesemos nacido en la India, donde las vacas son sagradas, obviamente no comeramos carne. Los conflictos generacionales surgen de la endoculturacin, provocando choques culturales ocasionados por la diferencia de edad entre padres e hijos, por citar un ejemplo. Las tradiciones paternas no siempre resultan aplicables a la situacin de los hijos, y as se producen los llamados abismos generacionales. Cabe destacar que al hablar de tradiciones no nos referimos a smbolos estereotipados de la cultura, sino al modo de pensar, sentir y actuar, y a costumbres propias de una cultura especfica. Fundamentalmente, es el idioma la base cultural que origina toda comunicacin humana, y el primer y principal rasgo endocultural que recibimos del medio en que nacemos. Esto lleva al concepto de identidad cultural, del cual se puede decir que es la conciencia que se tiene como integrante de una historia, de un pueblo, de un proyecto. La conciencia que tiene un pueblo de su existencia como tal. Es decir, sera el patrimonio cultural exclusivo de un grupo humano, de un pueblo, de una comunidad, de una regin, de un pais o de una nacin. Hoy en da se admite que la idea de nacin es una construccin de quienes tienen la voluntad de integrarla. Se construye sobre la conciencia de tener un pasado en comun, un idioma compartido por la mayora y otras caractersticas culturales comunes.
Arte, culturas y estticas la organizacin y sus sistemas permiten la interrelacin con su entorno: poltico, socioeconmico, religioso, educativo, etc. - Los valores morales son otra extensin cultural. El trmino valor, de dificil definicin, en el campo de las ciencias sociales, significa aquello que orienta y motiva la conducta de un sector social, es pues, una entidad colectiva de ndole social. Cuando una cosa posee un valor, se constituye un bien, aunque ambos conceptos no llegan a ser sinnimos. Los valores morales son de ndole obligatoria, implican un deber-ser, una necesidad que puede verse desobedecida y por eso hay actos inmorales- pero que, de derecho, son de exigencia inevitable, que se manifiesta en nuestra conciencia. - El lenguaje y el arte seran motivo de un estudio ms profundo, destacado a continuacin.
1.2. El lenguaje
El lenguaje es el instrumento humano ms adecuado para establecer la comunicacin. Es tambien medio de expresin, de interaccin social y de produccin potica y, como tal, tambien del arte. Tambien los animales se comunican entre s, pero el hombre, al usar palabras, nombrar objetos, incorpor un cambio cualitativo: interpuso entre el objeto percibido y su reconocimiento, un nombre que lo designa. La palabra se convierte en el smbolo de la cosa, y ese conocimiento puede ser compartido con otros hombres. Cuando el nio comienza a hablar y a nombrar cosas se abre el camino para tomar contacto con el mundo objetivo, luego podr expresar su pensamiento a traves del lenguaje. As, los lenguajes determinan en forma inconsciente la estructura del pensamiento, que interviene en la constitucin de la personalidad y de la conciencia. El lenguaje transmite mensajes e ideas, y por su condicin simblica consta de dos elementos: sonido y significado. El primero pertenece al mbito de la materia, esencialmente al mundo fsico y fisiolgico y, por lo tanto, sigue sus reglas. El segundo, se sumerge profundamente en el alma misteriora del hombre y refleja su vida, sus deseos, sus dudas, sentimientos artsticos y pensamiento lgico. Cada comunidad crea y modifica un lenguaje segn su entorno y su necesidad, y el nombre con que designa algo es una especie de metfora para describir la cosa nombrada. Por ejemplo, la palabra luna en griego (men) denota la funcin de sta para medir el tiempo, mientras que la palabra latina (luc-na) indica su luminosidad. Por eso las traducciones de un idioma a otro nunca son exactas, ya que se pierde esa intencin que ha dado origen a la palabra. Tambien hay palabras que pertenecen a otros idiomas/culturas y no poseen traduccin exacta en otros. Un ejemplo son trminos y siglas norteamericanas como mp3, dvd, flash, que se introdujeron en nuestra cotidianeidad y as generan una especie de aculturacin de nuestro idioma. Tanto el arte, como la ciencia, la religin y el lenguaje son sistemas simblicos que se complementan y constituyen aspectos esenciales de la cultura, del universo simblico de la humanidad. La estructura de cada uno de estos sistemas pueden entenderse como un todo entrelazado por un vnculo comn, ya que todas se reducen a un mismo origen: el surgimiento del pensamiento simblico.
Arte, culturas y estticas produccin de obras simblicas realizadas por el hombre, con los medios que dispone: la palabra, el sonido, el color, las piedras, los metales, etc. El arte puede ser un hecho colectivo pero siempre parte de una conciencia, una percepcin y una sensibilidad individuales. El arte tambien est sujeto al devenir histrico de la cultura en que surgi. En ese sentido, las pinturas rupestres del Paleoltico Superior (de hace aprox. 20.000 aos) representan escenas de animales y figuras humanas con mscaras, imgenes que cumplian una funcin ritual y mgica, ms que una esttica. Ms recientemente, en los 60, Antonio Berni creara el personaje de Juanito Laguna, que es un arquetipo de una realidad argentina y latinoamericana. El personaje no solo forma parte simblica del artista, sino que es una representacin palpable de la realidad de ese (y este) momento histrico, y que Berni utiliza para sacudir la conciencia de la gente. Para ello, Berni utiliza una esttica en sus pinturas que refuerza su mensaje plstico, y lleva a una reflexin profunda. En los ejemplos mencionados, las pinturas rupestres hablan del rol mgico/ritual del arte, mientras que en Berni muestra el rol social y el compromiso que el artista tiene como portavoz de la cultura en que vive, como se ver ms adelante. Hemos mencionado algunas veces a la esttica, la cual es considerada como una filosofa del arte que investiga sobre el conocimiento sensible (es decir, aquello que percibimos con los sentidos), y sobre el estudio de cmo surge la determinacin de cierto gusto esttico en cada sociedad. O sea que habla de la cualidad esttica y de los programas estticos que se plantean en cada poca. La esttica es un sello cultural, que corresponde a un gusto popular determinado. El sentimiento esttico es la respuesta emocional que se produce en el ser humano frente a la belleza. Estos sentimientos estticos estan presentes en todos los aspectos de la vida de la gente: desde una puesta de sol, hasta en la eleccin de los colores de las paredes de una casa, la moda, el diseo de los objetos industriales, la publicidad, etc. Por eso, la esttica se relaciona ntimamente con el momento cultural en que el sentimiento se produce. Podramos definir belleza como idea de una cualidad particular, completa y exquisita armona en cuanto a proporcin de formas, que produce deleite puro y desinteresado. Se manifiesta en diferentes grados en progresin ascendente: lo agradable (que no llega a producir emocin), lo lindo (ms armnico y regular, en expresin, gracia y encanto), lo bello (con mayor armona de forma y fuerzas expresivas que infunden deleite espiritual) y lo sublime (grado excepcional de armona y de fuerzas, asociado en muchos casos a la inmensidad de la naturaleza en comparacin con el hombre). La esttica estudia y reflexiona sobre la belleza en las artes, de sus caractersticas objetivas y subjetivas, y de su relacin con la cultura en la que est inmersa. En el caso de las artes visuales, algunos de estos esquemas estticos trascendieron sus propias pocas, como el modelo renacentista. ste establece una serie de cnones y de dogmas estilsticos que se sostienen hasta hoy, y es muy complejo instalar otro modelo. A principios del siglo XX, en Alemania, surgi el movimiento expresionista, cuyos artistas lograron transformar las imgenes a traves de su emocin, sin importarle las soluciones tcnicas que se le daba al mensaje. Como anteriormente se ha mencionado, en Argentina es Antonio Berni, con sus collages de Juanito Laguna y Ramona Montiel, quien obliga al espectador a hacer una segunda lectura del cono, en donde no vemos a las texturas solo como un hecho esttico (metales, caucho, arpillera, juguetes, cartn, etc, pegadas en la pintura), sino que su mensaje pasa a identificarse solidariamente con determinada clase social. As, el artista se transforma en un portavoz de la cultura en la que vive: su obra y por ende- su esttica es un testimonio del momento histrico en el que est inmerso, y su obra representa una ventana a esa realidad. El artista es el repartidor y espejo de las emociones, porque es quien refleja hacia los demas la emocin que est sintiendo en el momento en que ve lo que quiere mostrar. Actualmente, la clasificacin de las distintas disciplinas de las bellas artes es la siguiente:
1) Arquitectura
Para los antiguos griegos el arquitecto es el jefe o el director de la construccin y la arquitectura es la tcnica o el arte de quien realiza el proyecto y dirige la construccin de los edificios y estructuras. La arquitectura no se basa en la construccin en si, sino ms bien en los vacos y la adaptacin de estos a travs de la interpretacin de ellos mismos al convivir con el ser humano. En una definicin renacentista, el arquitecto ser aquel que con un mtodo y un procedimiento determinados y dignos de admiracin haya estudiado el modo de proyectar en teora y tambin de llevar a cabo en la prctica cualquier obra que, a partir del desplazamiento de los pesos y la unin y el ensamble de los cuerpos, se adecue, de una forma hermossima, a las necesidades ms propias de los seres humanos. En palabras del escultor Le Corbusier, la arquitectura est ms all de los hechos utilitarios. La arquitectura es un hecho plstico. (...) La arquitectura es el juego sabio, correcto, magnfico de los volmenes bajo la luz. (...) Su significado y su tarea no es slo reflejar la construccin y absorber una funcin, si por funcin se entiende la de la utilidad pura y simple, la del confort y la elegancia prctica. La arquitectura es arte en su sentido ms elevado, es orden matemtico, es teora pura, armona completa gracias a la exacta proporcin de todas las relaciones: sta es la funcin de la arquitectura
2) Danza
Es el teatro no hablado, en el que el propio cuerpo es el soporte concreto de la expresin artstica. Es la ejecucin de movimientos utilizando la msica con el cuerpo, los brazos y las piernas, con carcter ldico, religioso o artstico. Es una forma de expresar nuestros sentimientos y emociones a travs de gestos finos, armoniosos y coordinados, la transformacin del esfuerzo en gracia. La danza es movimiento, y posee elementos fundamentales para que se le considere una pieza artstica: ritmo, expresin corporal, movimiento, espacio y color. Dependiendo del estilo de la danza, habr un predominio de alguna de estas partes sobre las otras. Cuando la danza no se manifiesta como el puro bailar, o como el equilibrio esttico que es el ballet clsico, sino que se imprime una intencin determinada se complementa con el que podemos denominar adicionales no danzantes. stos son cuatro: mmica, gesto simblico, canto y palabra. La danza sirve para desarrollar los sentidos, la percepcin, la motricidad y la integracin de lo fsico y psquico de la persona.
3) Escultura
Se denomina as al arte en que se talla, se modela, se esculpe y/o se pule el volmen y el espacio, en determinado material (sea mrmol, madera, metal, etc) para generar una imagen esttica. La evolucin de la escultura se remonta al origen del hombre, cuando en barro, arcilla o madera se modelaban utencillos funcionales o imgenes rituales. En la Edad Media, junto con la pintura, la escultura fue un motor comunicativo y se relacion directamente con la cotidianeidad de la sociedad. Las esculturas en esta poca se relacionan directamente (en algunos casos indivisiblemente) con la arquitectura. Sera recien en la modernidad cuando la escultura cobra autonoma como arte. Entre los materiales ms comunes para esculpir se encuentran la arcilla, yeso, piedra, hierro y madera, y en la contemporaneidad se incluyen nuevos materiales como la resina polister, goma, caucho, vidrio, luz, etc. Existen dos tipos de escultura: la escultura ornamental, que se relaciona directamente con la arquitectura y tiene una funcin relativa a sta, y la estatuaria o escultura propiamente dicha. En este ltimo caso, la escultura cobra un significado propio, y segn su forma puede ser de relieve (adherida a alguna superficie, por lo que tiene un solo punto de vista, como los bajorrelieves) o de bulto entero (aquella que se puede contemplar desde cualquier punto de vista a su alrededor).
4) Msica
Segn el diccionario de la Real Academia Espaola, puede definirse a msica como meloda, ritmo y armona, combinados o arte de combinar los sonidos de la voz humana o de los instrumentos, o de unos y otros a la vez, de suerte que produzcan deleite, conmoviendo la sensibilidad, ya sea alegre, ya sea tristemente. Es organizar sensible, lgica y coherentemente los sonidos para generar nuevas formas estticas. Es un sonido artificial, puesto que es un producto netamente humano. Segn el compositor 10
Arte, culturas y estticas impresionista Claude Debussy, la msica es un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor. La msica se compone de meloda (conjunto sucesivo de sonidos con identidad propia), armona (dada por el acorde y los enlaces entre sonidos), mtrica (pauta de repeticin de silencios, sonidos fuertes y dbiles en la composicin) y ritmo (tempo, dinmicas, timbres, texturas, etc). Respecto a los msicos, pueden ser compositores, ejecutantes o ambas cosas. El fin de este arte es suscitar una experiencia esttica en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas. La msica es un estmulo que afecta el campo perceptivo del individuo; as, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicacin, ambientacin, etc.).
5) Pintura
La pintura artstica es la rama de las bellas artes que consiste en generar imgenes estticas esparciendo pigmentos diversos, mezclados con sustancias orgnicas o sintticas, en un plano. Se basa principalmente en el estudio del color y la luz, como as tambien composicin, equilibrio, ritmo, forma y valor. Segn Rembrandt, el pintor persigue la lnea y el color, pero su fin es la Poesa". Dentro de las tcnicas pictricas se hallan el leo, acrlico, tmpera, gouache, acuarela, temple, pastel, tinta (aunque las dos ltimas tambien pueden considerarse como tcnicas de dibujo), fresco, aerografa, etc. Se denomina tcnica mixta cuando se combinan 3 o ms de las tcnicas mencionadas. Segn el procedimiento tcnico elegido se utilizan instrumentos como pinceles o esptulas, o el mismo cuerpo humano. La pintura tradicional se efecta sobre un plano bidimensional, sea papel o tela, pero en la contemporaneidad se incursiona sobre nuevos soportes.
7) Cine
La cinematografa es una de las ms recientes artes, que consiste en la proyeccin de fotogramas a gran velocidad, que provocan en el ojo humano una ilusin de movimiento. El cine nace en 1895, cuando los hermanos Lumiere hicieron la primera proyeccin cinematogrfica pblica. En un inicio solo dispona de imagen, y el sonido o la msica alusiva a la cinta se interpretaba en el momento, en la sala, por msicos o actores. El sonido incorporado a la imagen cinematogrfica recien se incorpora en 1927, con la obra el cantor de jazz. En su evolucin, se distinguieron distintos tipos de cine, cada cual con su propio lenguaje: de animacin, independiente, documental, experimental, de autor, etc. A su vez posee diferentes gneros acordes a su intencin narrativa: drama, accin, suspenso, etc. Debido a la diversidad de pelculas y a la libertad de creacin, es difcil definir qu es el cine hoy, siendo muy complejo delimitar la calidad artstica de una produccin cinematogrfica.
8) Fotografa
Se denomina as al proceso de capturar imgenes y almacenarlas en un medio de material sensible a la luz, basndose en el principio de la cmara oscura, con la cual se consigue proyectar una imagen captada por un pequeo agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamao de la imagen queda reducido y aumentada su nitidez. Para almacenar esta imagen, las cmaras fotogrficas utilizaban hasta hace algunos aos exclusivamente la pelcula sensible, mientras que en la actualidad se emplean, casi siempre, sensores CCD y CMOS y memorias digitales en la nueva fotografa digital . La fotografa nace en Francia en el momento de trnsito de la sociedad pre-industrial a la sociedad industrial, favorecida por 11
Arte, culturas y estticas las innovaciones tcnicas de la poca. En 1816 Nipce obtiene la primera imagen negativa sobre papel con una cmara oscura. En 1839 se divulga pblicamente el descubrimiento del daguerrotipo, copia nica hecha sobre una emulsin o soporte metlico, generalmente de cobre. Al ao siguiente, Talbot inventa el primer negativo. En 1888 se inventa la cmara porttil, haciendo popular a las fotografas, y a principios del siglo XX aparece la fotografa color. Con el desarrollo histrico, ademas de su funcin documental y cientfica, la fotografa cobr autonoma artstica, siendo considerada una ms de las bellas artes.
9) Historieta
Tambien llamado comic, Scott McCloud lo definira de la siguiente manera: ilustraciones yuxtapuestas y otras imgenes en secuencia deliberada con el propsito de transmitir informacin u obtener una respuesta esttica del lector. Su origen se remonta a antes de la fotografa y el cine (ya haba humoristas grficos en el siglo XVIII), pero la historieta fue tomada durante mucho tiempo como un subproducto cultural, apenas digno de otro anlisis que no fuera el sociolgico. Antes, el comic era una parte de los tabloides y peridicos, y se les asociaba con un mero entretenimiento o distraccin. Pero desde la dcada de 1960 se asiste a su reivindicacin artstica, considerandosela parte de las bellas artes. Poco a poco la historieta hall su propio lenguaje e intencin esttica, y consigui una autonoma como arte. Su variedad de temas, gneros, personajes e historias la hacen ser pariente cercana del cine, con las obvias diferencias estticas entre ambas disciplinas. Las historietas suelen realizarse sobre papel, o en forma digital (e-comic, webcmics y similares), pudiendo constituir una simple tira en la prensa, una pgina completa, una revista o un libro (lbum, novela grfica, etc). Han sido cultivadas en casi todos los pases y abordan multitud de gneros.
Arte, culturas y estticas sino cmo decir. Este momento se inicia con el romanticismo, pero se acenta fuertemente con las llamadas vanguardias histricas de principios del siglo XX. Con la aparicin del mercado de arte en el siglo XIX y su fortalecimiento en el siglo XX, ste es quien, en parte, determina qu es arte y qu no, pero ademas condiciona en gran medida a cmo se va a hacer arte. Los marchands (una suerte de managers de artistas que se encargan del comercio de obra), las galeras y el pequeo mercado de arte, influyen directa o indirectamente la produccin esttica de poca. La legitimacin de obra en la modernidad se da por los grandes relatos: aquellas filosofas de turno que determinaban hacia dnde se orientar la intencin artstica, sea el positivismo, el existencialismo, etc. A nivel nacional, la obra de arte argentina hallaba su modelo en aquello que suceda en Europa, por lo cual podemos considerar al arte argentino como perifrico: la concepcin eurocentrista del arte local influy directamente en qu se haca ac, y por ende en qu era y qu no era arte. La produccin, nuevamente, es a nivel individual, pero la recepcin es a nivel individual. Ya no hay un arte cercano a la praxis vital del hombre. Al modificarse la representacin y no tener una intencin comunicativa, la obra es, y ya no le interesa ser comunicativa a nivel masivo. En un sentido ms atomizado, es el mismsimo artista quien manipula a placer el concepto de qu es arte, y en su obra esa subjetividad de ve reflejada. Luego de la segunda posguerra, ya hablando de arte contemporneo, es la llamada institucinarte quien legitima obra. Segn el terico Peter Burger, la institucin-arte es el aparato de produccin y distribucin- de las obras de arte y las ideas que de stas se tiene, y que determina la recepcin de las mismas. La institucin-arte engloba, entonces, al museo, galeras, tericos, crticos, marchands, mercado artstico y los artistas tambien. En este perodo iniciado con el expresionismo abstracto, hay una cierta crtica a las instituciones artsticas, pero finalmente fueron ellas quienes avalaron la obra, le pusieron un precio, la distribuyeron y la legitimaron. En la posmodernidad la recepcin de obra nuevamente es colectiva, y la produccin es individual y en algunas ocasiones como en los happenings, por ejemplo- es colectiva. En ltima instancia, tambien es el espectador quien, con las competencias y conocimientos adecuados, determina el valor de la obra presentada.
13
Arte, culturas y estticas padre de la semitica- permite 3 lecturas, de las cuales habitualmente solo nos quedamos con la primera. Estas lecturas son: 1) Lectura descriptiva de la imagen, o primera lectura: este primer nivel de anlisis permite valorizar las imgenes que el artista nos est mostrando. En este primer anlisis no sabemos quien es el autor, cuando se hizo la obra ni qu es lo que quiere significar. Simplemente se describe lo que se ve, o sea, nuestras percepciones visuales. Por ejemplo: en el centro de la composicin se ve a una mujer semidesnuda que avanza hacia adelante con un fusil en su mano izquierda y alzando la bandera francesa en su mano derecha. A su lado, un nio con una boina y un revolver en cada mano. Detrs de la mujer, un burgues con una escopeta, un trabajador con un sable, y una muchedumbre de fondo. En el suelo, una pila de cadveres semi-desnudos, y una mujer que est a los pies de la primer mujer, observandola, intentando levantarse. En un plano secundario, detrs, hay fuerzas militares y edificios de la ciudad envueltos en el humo del combate. 2) Lectura referencial, o segunda lectura: en este momento ya sabemos quien es el autor y el tema de la obra. En esta lectura se especifican todos los datos propios del autor y la obra: ttulo, medidas, tcnica utilizada, ao de ejecucin, en qu museo se encuentra expuesta, etc. Se agregan tambien datos histricos que sean vitales para la comprensin de la obra. Siguiendo la descripcin realizada en la primera lectura, continuaremos analizando la misma obra: el autor de la obra es el pintor del romanticismo Eugne Delacroix. La obra se llama la libertad guiando al pueblo, es un leo sobre tela cuya medida es 2,59 m x 3,52m, y fue pintado en 1830. Actualmente se halla expuesto en el Museo del Louvre, en Pars, Francia. Como dato histrico, se puede agregar: la pintura representa los levantamientos populares en Pars del da 27 de julio de 1830, cuando el rey Carlos X suprimi la libertad de prensa. Este levantamiento, que desemboc en revolucin, fue un intento por poner fin a la monarqua borbnica representada por Carlos X, para que la burguesa acceda al poder. El cuadro muestra todas las clases sociales, puesto que todas participaron en el levantamiento. 3) Lectura significativa, o tercera lectura: en este nivel de lectura se estudian todas las posibilidades del mensaje del artista, para que le encontremos significados. Es el momento de saber qu es lo que quiso decirnos el artista con su obra. Se realiza un estudio de los smbolos que se hallan en la obra, incluyendo las percepciones subjetivas. Continuando con el anlisis de la libertad guiando al pueblo, se pueden encontrar muchsimos significados. Un ejemplo de este nivel de anlisis: la imagen del cuadro tiene una estructura piramidal, cuya cspide es la bandera francesa y quien la lleva: la mujer que representa a la Libertad. Completando los lados del tringulo, se haya, a la izquierda, el burgues (presuntamente el mismsimo Delacroix), representando el progreso, y a la derecha el nio, representando el futuro. Este triangulo sirve para mostrar la jerarqua de los participantes, siendo la Libertad lo ms importante en la composicin. La Libertad lleva un pecho desnudo y ropas humildes, haciendola ms humana y participante del pueblo. Las armas que lleva cada protagonista de la obra tambien poseen un nivel
14
Arte, culturas y estticas jerrquico: desde el fusil, pasando por los revlveres y los sables, hasta las piedras, como muestra un hombre que est agazapado a la izquierda de la composicin. Se puede trazar una lnea de vivos y muertos: debajo de los pies de la libertad estan los cadveres, y arriba los vivos, que se alzan. Esta lnea casi coincide con la base del tringulo, y en el medio de ella se halla la mujer que intenta ponerse de pie, que est moribunda. Si partimos el cuadro con una diagonal, se puede ver una zona oscura y una zona clara, y que los personajes se dirigen todos hacia esa zona clara. Por ltimo, los colores de la bandera francesa se hallan presentes en pequeos acentos de color, y hasta en las mismsimas nubes del cielo. As, se puede continuar buscando significados que esten en la obra, o que sean de interpretacin personal.
15
Arte, culturas y estticas reforma protestante impulsada por Martn Lutero (1517) pueden ser puntos de partida de esta Edad. Su finalizacin se localiza en la Revolucin Francesa de 1789. En la Edad Moderna se integraron los dos mundos humanos que haban permanecido aislados desde la Prehistoria: el Nuevo Mundo (Amrica) y el Viejo Mundo (Eurasia y frica). En la Edad Moderna los hitos principales son el surgimiento del capitalismo, la burguesa como clase social, la idea de Nacin y de Estado. El derecho y el concepto del hombre en sociedad cobra grandsima importancia en este perodo, por lo que puede afirmarse, sin ninguna duda, que la postura teocntrica del Medioevo fue sustituda, en la Modernidad, por una postura antropocntrica. - La Edad Contempornea o Contemporaneidad: la Edad Contempornea se extiende hasta nuestros das, siendo la Revolucin Francesa en 1789 su fecha de inicio. Este hecho histrico fue impulsado por numerosas causas, entre las cuales se destaca el fortalecimiento de la burguesa francesa como clase social. El 14 de mayo de dicho ao, en un marco de decisiones polticas y econmicas de la realeza que chocaba con los intereses de la consolidada elite burguesa, el pueblo de Pars sali a las calles a apoyar a la Asamblea Nacional Constituyente (conformada por la mencionada burguesa) y asalt a la fortaleza de la Bastilla, smbolo del absolutismo monrquico pero tambin punto estratgico del plan de represin de Luis XVI, pues sus caones apuntaban a los barrios obreros. Esa batalla es un smbolo de la bsqueda de libertad individual y social del pueblo parisino. La revolucin se extendi por otros pueblos y ciudades, en los que los ciudadanos solo admitan como vlida a la autoridad de la Asamblea Nacional. En agosto de 1789 la Asamblea Nacional aboli el sistema feudal y limit el poder de los nobles y el clero, dando como resultado una Iglesia dependiente del Estado. En ese mes la Asamblea Nacional realiz y aprob la Declaracin de los Derechos del Hombre y del Ciudadano, que sirvi de base e inspiracin a todas las declaraciones tanto del siglo XIX como del XX. Estos dos hechos limitaron el poder de la monarqua, y sumado a la Constitucin de 1791 que otorgaba el poder a la Asamblea Nacional, instaur el modelo republicano, hasta el Directorio (1799) y luego Imperio (1804) que colocara a Napolen en el poder. La Revolucin Francesa asent as un modelo de proceso revolucionario dividido en fases: iniciada con una revuelta de los privilegiados, pasa por una fase moderada y una fase radical o exaltada para acabar con una reaccin que propicia la plasmacin de un poder personal. La Revolucin francesa es, histricamente, un modelo de revolucin social, y tanto la Revolucin como la Declaracin de Derechos del Hombre y del Ciudadano constituyen un hito cultural de importancia nica en la historia de la humanidad. En la Edad Contempornea la humanidad experiment una transicin demogrfica, concluida para las sociedades ms avanzadas (el llamado primer mundo) y an en curso para la mayor parte (los pases subdesarrollados y los pases recientemente industrializados), que ha llevado su crecimiento ms all de los lmites que le impona histricamente la naturaleza, consiguiendo la generalizacin del consumo de todo tipo de productos, servicios y recursos naturales que han elevado para una gran parte de los seres humanos su nivel de vida de una forma antes insospechada, pero que han agudizado las desigualdades sociales y espaciales y dejan planteando para el futuro prximo graves incertidumbres medioambientales. Otro hito importantsimo de esta etapa es la llamada Revolucin Industrial. Se afianza una sociedad de clases presidida por una burguesa que contempl el nacimiento y desarrollo de unantagonista: el movimiento obrero, que plante distintas alternativas al capitalismo. La ciencia y la cultura entran en un periodo de extraordinario desarrollo y fecundidad; las artes se hayan liberadas de las sujeciones acadmicas y abiertas a un pblico y un mercado cada vez ms amplios. As se provoc una verdadera crisis de identidad que comienza con el impresionismo y las vanguardias. Son las Guerras Mundiales hechos de vital importancia en la historia de la humanidad, no solo por el conflicto blico propiamente dicho, sino por las consecuencias polticas, econmicas y sociales que legaron. A nivel poltico cabe mencionar la llamada Guerra Fra, en la que se dividi y opuso el mundo capitalista con el mundo comunista. La Cada del Muro de Berln (1989) constituye el hito del triunfo neoliberal. Surgen nuevas ciencias que se centran en el hombre: la psicologa y la sociologa. Nuevas filosofas como el positivismo, el nihilismo o el existencialismo trazan este perodo. En cada uno de los planos principales del devenir histrico (econmico, social y poltico) puede cuestionarse si la Edad Contempornea es una superacin de las fuerzas rectoras de la modernidad o ms
16
Arte, culturas y estticas bien significa el periodo en que triunfan y alcanzan todo su potencial de desarrollo las fuerzas econmicas y sociales que durante la Edad Moderna se iban gestando lentamente. Naturalmente, un anlisis de este tipo es complejo, puesto que jay mltiples pticas, propias de la poca que habitamos.
Arte, culturas y estticas genera una actitud de incertidumbre, que se relaciona con, por ejemplo, la filosofa existencialista. A nivel sociolgico, puede observarse tambien un creciente individualismo, en el que la persona busca su propio bienestar y ya no cree en un bien comn o un modelo de humanidad conjunta. Esto es consecuencia de la globalizacin, la pluralidad de opciones, la creciente variedad de culturas y la ya mencionada falta de centro (en el Medioevo fue Dios, en la Edad Moderna fue la ciencia -el hombre-la idea de progreso), que deja al hombre enfrentado consigo mismo. A finales de la dcada del 70, el socilogo Gilles Lipovetsky consider a la posmodernidad como la era del vaco, y lleg a citar que la autoconciencia ha substituido a la conciencia de clase, la conciencia narcisista substituye la conciencia poltica. La indiferencia y el individualismo definen a el yo como medida de la posmodernidad. De alguna manera podemos asegurar, entonces, que el yo es el centro de esta era.
4.1. El Renacimiento
Nacido en Italia, el Renacimiento fue un movimiento cultural que se inici a fines del siglo XIV (ao 1300) y se extendi hasta alrededor de 1600. Abarc ciencia, filosofa, literatura, poesa, arquitectura, msica, escultura y pintura. La sociedad italiana del siglo XIV haba padecido a la Edad Media, tambien conocida como la edad oscura. La Iglesia tena el mximo poder, y el sistema poltico, social y econmico reinante era el Feudalismo, cuya estructura era rgida y asignaba a cada ciudadano un lugar especfico e inamovible en la sociedad. Con la aparicin del comercio entre ciudades, surgieron los burgos, ciudades en donde comienza a aparecer la burguesa. Los burgueses eran aquellos excludos del sistema feudal, que hallaron en el comercio una nueva forma de trabajo. As, aparece el sistema financiero, la contabilidad, los primeros gremios, y es el inicio del capitalismo y la desigualdad social. El Renacimiento surge como una respuesta a la Edad Media: el hombre del Renacimiento no mira hacia su pasado reciente, del que reniega, sino que pone la mirada en el pasado clsico de Grecia. Esa antigedad clsica sera la base del desarrollo cultural de la Italia de ese entonces. Dentro de la pintura, cuyos mximos exponentes se encuentran Leonardo Da Vinci, Miguel ngel y Rafael, se estableci lo que hoy se llama el cnon o esquema renacentista. ste es el momento en el que se crea la perspectiva visual en la obra de arte, como un intento de introducir al hombre dentro de la obra. La perspectiva ofreca, en el plano bidimensional del cuadro, la ilusin de la tridimensionalidad, haciendo que la obra de arte fuera como una ventana por la cual el espectador se asomaba. Ademas, la composicin visual de las obras, en la gran mayora de los casos, posee una estructura piramidal, que tiene la funcin de darle jerarqua a los personajes, facilitar la lectura de la obra y acentuar la ilusin de profundidad. El arte obtiene la categora de ciencia, por su funcin comunicadora: la obra transmite los conocimientos sobre la naturaleza y lo divino, y como centro de este universo se encuentra el hombre. En el Renacimiento, conviven lo platnico con lo aristotlico, lo celestial con lo terrenal, lo antiguo con lo actual, y ninguna de las partes se opacan. El principal tema es el religioso, aunque tambien se hallan presentes los retratos y relatos mitolgicos o alegricos. El principal exponente de este momento histrico es Leonardo Da Vinci (1452-1519), quien ademas de pintor era cientfico, filsofo, arquitecto, ingeniero, escultor e inventor. En sus obras pueden apreciarse las caracteristicas visuales propias del Renacimiento, tales como la estructura piramidal y el esfumatto, una tcnica que consiste en difuminar los contornos de las figuras para que se entremezclen con el fondo (como sucede en, por ejemplo, la Gioconda). Sus obras connotan un profundo compromiso con la ciencia y el arte, y dejan entrever el brillante y misterioso genio que Leonardo posea. Dentro del Renacimiento, hallamos tambien a Miguel ngel Buonarroti, o simplemente Miguel ngel (1475-1564), quien a pesar de ser un brillante pintor, l mismo siempre prefiri auto-definirse como escultor. Prueba de ello son sus brillantes esculturas el David, parmetro de lo que es la perfeccin en anatoma humana, o la Piedad. Dentro de la pintura, su ms grande obra est constituda por los frescos que ejecut en la Capilla Sixtina, de los cuales se destacan El Juicio Final y La creacin del Hombre. La Capilla Sixtina es la sntesis de la obra pictrica, escultrica y arquitectnica de Miguel ngel.
19
Arte, culturas y estticas Rafael Sanzio, ms conocido como Rafael (1483-1520) es otro de los artistas ms destacados del Renacimiento, aunque su temprano fallecimiento (a los 37 aos de edad) no le permiti a su arte desarrollarse como sucedi en el caso de Leonardo o Miguel ngel. Su obra es principalmente pictrica, y su ms importante obra es La escuela de Atenas, un fresco que mide 5 mts x 7,70 mts, y aparecen los principales filsofos, matemticos y cientficos de la Antigedad en un templo. Algunos de estos filsofos estan personificados con la imagen de artistas de la poca renacentista (Herclito como Miguel ngel, Platn personificado como Leonardo, etc). En Alemania, el Renacimiento es distinto al que se da en Italia. Su principal exponente es Alberto Durero (1471-1528), y aunque le fascina el arte renacentista italiano, su obra de alguna manera preserva la forma y tradicin germana, que no termina de alejarse de lo gtico-medieval y as acenta sus propias races. Sus retratos son prcticamente psicolgicos, van ms all de lo mimtico. Naturaleza y hombre se entrelazan como representacin de Dios. Durero realiz ilustraciones y grabados increblemente puntillosos y detallistas, siendo uno de los grabadores ms importantes de la historia. El cnon visual del Renacimiento se mantuvo intacto hasta el siglo XX, cuando Picasso destruye la ilusin de perspectiva con el cubismo. No obstante, contina siendo el sistema visual ms reconocido y aplicado a la hora de construir imgenes en un plano. Prrafo aparte merece el Manierismo, movimiento que en un momento fue conocido como Alto Renacimiento, y que sirve de transicin entre Renacimiento y Barroco. Enmarcado en el momento en que la Iglesia Catlica se opona a la reforma humanista y se instaura la Inquisicin, el Manierismo hace una revisin del lenguaje pictrico: no hay modelos vivos desde los cuales s e copia la realidad, sino que se observan y reinterpretan obras de artistas del pasado. La belleza cambia: se retuerce el alma, los cuerpos. Lo bello ya no es perfecto, sino que la miseria humana lo es. No hay perspectivas con puntos de fuga visibles, sino que el espacio y las formas se estilizan, con algunos personajes que llegan a tener un largo de 9 cabezas, cuando el canon habitual es de 7 y media. El Manierismo es expresivo e intelectual, se aleja del gusto popular, rompe el equilibrio, y la emocin fluye y se descontrola, en oposicin al racionalismo renacentista. Ese caos psicolgico y social de la poca, esa inestabilidad, es propio de las obras manieristas. El mximo representante de este movimiento es El Greco (1541-1614), quien fue tomado como influencia directa por los expresionistas alemanes del siglo XX. En esta etapa es tambien cuando empiezan los primeros y pequeos coleccionistas de obras de arte, que en siglos posteriores alcanzaran su mximo desarrollo.
4.2. El Barroco
Perodo histrico que abarca entre 1600 y 1750 (siglos XVII hasta mediados del XVIII), el Barroco surge como oposicin del Renacimiento y el Manierismo. El Barroco cobr caractersticas regionales, habiendo Barroco en Italia, Francia, Flandes, Holanda y Espaa, cada uno con sus particularidades. Como caractersticas generales de la pintura barroca en oposicin a la renacentista, se resaltan: lo pictrico sobre lo lineal, lo profundo sobre lo superficial, la forma abierta antes que la forma cerrada, el juego oscuridad/claridad en vez de la claridad total, y la unidad antes que la variedad. Es ms espontneo y no tan cientfico que el Renacimiento, y sobre todo ms humano. Otra caracterstica general es cmo las escenas pictricas resaltan la teatralidad. Entrando en los regionalismos y, por qu no, en las individualidades-, en el Barroco italiano podemos marcar ciertas particularidades. En el contexto histrico, el poder de la Iglesia influye de manera determinante en la produccin esttica, puesto que en ese contexto el arte es el medio propagandstico. Luego de la reforma luterana y la Inquisicin, la pintura fue un vehculo evangelizador y comunicador, deba ser popular, para atraer y retener a los creyentes. Por eso, en Italia ms que en ninguna otra regin, la influencia del clero fue evidente. Esto lleva a una contradiccin dentro de las mismas pinturas: por un lado el tema es sacro, pero la representacin es, por momentos, profana. Esto se ve claramente en la obra de Caravaggio (1571-1610), quien tomaba como modelos de sus pinturas a vagos, mendigos y prostitutas. Esto no agradaba a la Iglesia, y en ms de una ocasin se refiri a su obra con las palabras vulgaridad, sacrilegio y disgusto. Su estilo est emparentado con el tenebrismo, y posee un altsimo naturalismo y 20
Arte, culturas y estticas una gran teatralidad. Caravaggio, probablemente por su falta de experiencia pintando temas religiosos, no fue muy bien recibido por la crtica general, y su temperamento que le involucr en varias rias y conflictos lo obligaron a exiliarse durante mucho tiempo, hasta que muri solo y en la miseria, de fiebre, en la localidad de la Toscana, Italia. Otros representantes del Barroco italiano son los 3 hermanos Carracci, quienes estandarizaron el modo de pintar temas bblicos, y ms alejados de la teatralidad, ponen el nfasis en el aspecto emocional y espiritual de las imgenes. En el Barroco frances hay un absolutismo monrquico moderno. El Rey y la Corte ennoblece a los burgueses, y la Iglesia Catlica no tiene gran participacin. El arte aqu est alejado del pblico, puesto que las obras se hacan por encargo. Bastante acadmico, clasicista y monumental, es Nicolas Poussin uno de los mximos exponentes de este tipo de barroco. El Barroco en Flandes (actuales Blgica y Pases Bajos) tiene como exponente principal a Rubens (1577-1640). Pint temas religiosos, histricos, de mitologa clsica, escenas de caza, retratos, as como ilustraciones para libros y diseos para tapiceras. En lo estrictamente poltico y social, la monarqua catlica de Flandes se haya separada de la Iglesia, siendo sta la principal compradora de obras de arte. En el Barroco holandes, el contexto cultural es distinto. Una burguesa muy fuerte, en un pas protestante donde abunda el comercio. El arte aqu es ms libre que en otra spartes de Europa, al no haber un poder especfico que le marque pautas. Aqu aparece la pintura de gnero: el bodegn, la naturaleza muerta. Se destacan los retratos, y hay poca obra religiosa. Los marchands ganan terreno y tienen poder sobre el pintor, y son los que en muchos casos empobrecieron a los autores. Como artista ms influyente podemos mencionar a Rembrandt (1606-1669), quien trascenda los gustos y la originalidad del pblico, sin importarle la venta de obra y pintando por su propia bsqueda. Pintor de retratos, paisajes y relatos narrativos, Rembrandt siempre cuid los detalles de sus pinturas y sus grabados acentuando la profundidad emocional. Maestro absoluto del claroscuro, tambien supo incorporar el color saturado en sus composiciones, haciendo singular a su estilo. Otros pintores destacados son Vermeer (1632-1675), quien destac pintando escenas cotidianas de interiores, con un nivel de naturalismo excepcional, y Jacob Ruysdael (1628-1682), el llamado pintor de las nubes, por el asombroso nivel de realismo de las mismas, en sus pinturas de paisaje. Dentro del Barroco espaol, monrquico y catlico, los temas de las pinturas son religiosos, aunque tambien se centran en los retratos de figuras de poder y en temas mitolgicos. Destaca la figura de Diego Velzquez (1599-1660), quien en sus pinturas resaltara el tenebrismo caravaggiesco, para luego abrirse paso a un estilo de mayor luminosidad y color, con pinceladas rpidas y sueltas. Influencia directa de Manet y los impresionistas, Velzquez es uno de los mximos exponentes de la historia de la pintura espaola. En el mbito de la msica barroca, se destacan dos autores. Antonio Vivaldi (1678-1741) fue un compositor del Barroco tardo, y su obra ms clebre es el concierto para violn y orquesta las cuatro estaciones. La innovacin que aporta Vivaldi con esta obra es que la orquesta no acta como mero fondo de acompaamiento, sino como un relieve: no se limita a acompaar al solista, sino que ayuda al desarrollo de la obra. Esto influir posteriormente en Bach y demas compositores. La msica barroca italiana de Vivaldi, ofrece contrastes sutiles y emociones refinadas, y consolid la estructura del concierto como gnero. El otro autor a destacar es Johann Sebastian Bach (1685-1750), organista y compositor aleman del Barroco. Su reputacin como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del rgano y del clavecn, tambin tocaba el violn y la viola de gamba, adems de ser el primer gran improvisador de la msica de renombre. Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la msica barroca y una de las cimas de la msica universal y del pensamiento musical occidental, epicentro de la msica occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal, no slo por su profundidad intelectual, su perfeccin tcnica y su belleza artstica, sino tambin por la sntesis de los diversos estilos internacionales de su poca y del pasado y su incomparable extensin. Bach es el ltimo gran maestro del arte del contrapunto, y su mximo exponente, donde es la fuente de inspiracin e influencia para posteriores compositores y msicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros das. El clave bien temperado es una de sus obras ms importantes, y la compleja y nica msica de Bach son, hoy da, una referencia ineludible en la historia de las artes musicales.
21
Como transicin entre Barroco y Neoclsico, se halla el Rococ, movimiento frances que se desarrolla entre 1730 y 1770. Es un estilo netamente burgues e ilustrado, totalmente frances pero que se extendi por Europa con un carcter universal (porque fue entendido por todos los pintores y lo apoyaban). En arquitectura, los interiores seran un lugar de fantasa, con un horror al vaco llevado al extremo (mucho ms que en el barroco), recargandolo con elementos ornamentales y colorido, mientras la arquitectura de la fachada y el exterior se caracterizar por la sencillez y la simplicidad. En pintura, la tendencia decorativa tambien se apreciara, en obras de un tamao ms pequeo, y por ende ms intimista. La sensualidad, la relacin con la naturaleza, el voyeurismo, las estructuras piramidales tipo renacentista son caractersticas de esta pintura. Como principal tema est la representacin del mundo burgus: escenas pastoriles con mujeres bien vestidas, los juegos de seduccin y galantera de la aristocracia, sus fiestas galantes, etc. Tambien se abord el desnudo, en una pintura ertica de mujeres aniadas. En todo el rococ lo bello y lo artstico van de la mano, y sus obras no tienen ms funcin que la de complacer con el gozo de la vida, con el aqu y ahora. Los autores a destacar del rococ son Watteau (1684-1721), quien es considerado como el ms importante y representa escenas teatrales con modelos que oscilan entre la tristeza y la alegra; Boucher (1703-1770), quien abord en profundidad la pintura sensual y ertica; Fragonard (1732-1806), de temas mitolgicos; y Chardin (1699-1779), quien se destac en la elaboracin de escenas del pueblo frances, retratos y naturalezas muertas.
4.3. El Neoclasicismo
En 1750 se asisti a una revalorizacin de la cultura grecorromana. El descubrimiento de las ciudades de Herculano y Pompeya, y el turismo en Roma, por citar algunos ejemplos, mostr una antigedad clsica romana con toda su estoicidad, nacionalismo y heroicidad. Esos ideales eran los buscados por sectores de la Ilustracin y la burguesa, quienes impulsan un nuevo estilo artstico: el Neoclasicismo. Como oposicin al Rococ, el Neoclasicismo es netamente racionalista, vuelve a las pinturas de enorme formato, presenta temas e ideales heroicos y nacionalistas, y toma lo clsico como fuente de inspiracin a partir del concepto de Repblica Romana. Es decir: ponen la mirada en el pasado, esquivan los estilos y temas modernos. En arquitectura, los modelos greco-romanos dieron lugar a una arquitectura monumental que reproduce frecuentemente el templo clsico para darle un nuevo sentido en la sociedad civil. En msica, se detaca la figura de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), compositor y pianista austraco, cuya obra abarca todos los gneros musicales de su poca y alcanza ms de seiscientas creaciones, en su mayora reconocidas como obras maestras de la msica sinfnica, concertante, de cmara, para piano, operstica y coral, logrando una popularidad y difusin universales. Desarroll un esplendor y una madurez de estilo que abarc desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasin, que influy a innumerables compositores posteriores. En pintura, destacaremos a dos artistas. Por un lado, mencionar a Jacques-Louis David (1748-1825), quien trat en sus enormes pinturas temas heroicos y clsicos. En David se observa una lnea pura, un racionalismo y una composicin exactas, en donde todo est en su justo y excato lugar, con economa de recursos visuales subordinados a la idea que la imagen pretende expresar. Rigidez, estoicidad, firmeza expresada en cada figura, gran teatralidad, hombres rgidos comprometidos con la situacin que representan, y frialdad, son algunas de las caractersticas de sus pinturas. David desempe un papel poltico sin precedentes como autoridad esttica de la poca, organizando el sistema de exposiciones en museos y academias de la poca. El otro representante del momento histrico es Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867), aunque no se lo puede clasificar como neoclsico, puesto que tiene influencias realistas y prerromnticas. En Ingres la lnea es el principal elemento visual, y la deforma o estiliza de acuerdo a la intencin esttica. Es uno de los mejores dibujantes, quien tomaba bocetos de los modelos desnudos para luego vestirlos en sus pinturas. Tiene un particular gusto por lo sensual y extico, con fondos caravaggiescos y mucho trabajo de paos y telas. El referente de Ingres, sin ninguna duda, es Rafael. La estilizacin de sus personajes puede considerarse una referencia manierista, como as tambien un antecedente del romanticismo, por lo subjetivo de la representacin. 22
23
Arte, culturas y estticas El terico Clement Greenberg dijo en un ensayo de 1960 que el primer moderno verdadero fue el filsofo Immanuel Kant (1724-1804), porque fue el primero en criticar el significado mismo de crtica. Naturalmente, esta es una percepcin de Greenberg, pero no deja de ser de gran importancia. Kant no concibi una filosofa que tan slo aadiera algo a nuestro conocimiento, sino que respondiera a la pregunta de cmo es posible el conocimiento. Esa autocrtica kantiana en el campo filosfico es tambien la tendencia de todo el arte moderno: que el arte sea su propio tema, que se despoje de lo accesorio y quede con lo esencial, con lo que lo hace ser. Dentro de esta concepcin de autocrtica como cuestin central en la modernidad, en lo referido a la pintura hay una obra en particular que se perfila, segn Greenberg y muchsimos tericos ms, como la primera obra moderna, aquella que torci el relato vasariano. Esa obra es el desayuno sobre la hierba (1863) del pintor frances Edouard Manet (1832-1883). Cercano al impresionismo, pintor muy contradictorio y como tal controversial, la obra citada fue rechazada en el Saln Oficial de pintura, por su ejecucin y por su tema. Fue expuesta en el Saln de Rechazados organizado por artistas independientes, y tanto el pblico como la crtica se indignaron ante la absurdez del tema (una mujer desnuda conversa en el bosque con dos seores vestid os) y por la textura pictrica, sin claroscuros y sin relieves, hecha a base de zonas de colores planos. Manet no tena ideas revolucionarias ni en poltica ni en arte. Perteneca a una familia de la alta burguesa, frecuentaba la sociedad elegante, viajaba, era amigo de literatos y poetas. Veneraba a Tiziano y, de los pintores ms contemporneos, a Courbet. Sin embargo, toma su propio camino, alejado del de ellos. El propsito declarado de Courbet era pertenecer a su propio tiempo. Estudi durante mucho tiempo la composicin del desayuno, y en l hay citas a temas clsicos de obras de arte anteriores, como la conversacin entre figuras desnudas, pero con personajes actuales. La operacin no afecta a la reproduccin de lo verdadero, sino a las grandes estructuras de la representacin pictrica: una imagen o tema histrico se recompone de acuerdo con los valores a los que es sensible la conciencia moderna. Manet recompone el tema adaptado al hoy, con el dato absurdo o de moralidad reprobable, como se consider en su momento- de la mujer desnuda con los hombres vestidos, y el tratamiento pictrico se modifica: al eliminar la ilusin de volumen, la luz y la sombra, Manet destaca la pura pintura; jerarquiza al color y a la mancha, realza el plano bidimensional del cuadro, y no se preocupa por representar a un nivel de naturalismo extremo. Ademas, Manet se preocup de que la mujer observe fijo al espectador, acentuando la participacin cmplice de quien observa el cuadro con ste. Este voyeurismo es aun ms evidente si mencionamos que todos los personajes eran modelos reconocidos por el pblico. El gran tamao del cuadro (208 cm x 264 cm), generalmente formatos reservados para temas clsicos o importantes, irnicamente contrasta con el tema mundano qu e eligi para pintar. En total, toda la obra es un atentado hacia el gusto instaurado, y busca una libertad tanto esttica como temtica. Argan analiza la obra y dice: si el artista se propone transmitir la sensacin en estado puro, antes de que sea elaborada y corregida por el intelecto, es porque considera que la sensacin es la experiencia autntica, y la nocin intelectual, una experiencia no-autntica, viciada por prejuicios y convenciones. Por tanto, la sensacin no es un dato, sino un estado de la conciencia; no solo esto, sino que la conciencia no se realiza en la experiencia ya hecha y meditada luego, sino en la experiencia que se hace. En definitiva, se identifica con la propia existencia. Pese a ser considerado el padre del impresionismo, nunca adhiri al grupo. Sus imgenes parecen momentos congelados, sin sentimientos o ausentes, como suspendidos. Manet siempre tom partido por la imagen de la mujer, en especial de la prostituta, que le simbolizaba libertad, y con ese simbolismo la represent en sus pinturas. Busc la fama y el reconocimiento, pero sus pinturas en gran mayora fueron objeto de burla y menosprecio por el pblico y la crtica. En palabras del crtico de poca mile Zola: los pintores, y especialmente Edouard Manet, que es un pintor analtico, no comparten la obsesin de las masas por el tema: para los artistas, el tema es slo un pretexto para pintar, mientras que para las masas slo existe el tema.
24
Arte, culturas y estticas Si bien Greenberg es uno de los grandes narradores de la modernidad, hay otras teoras acerca de quien fue el primer moderno en cada disciplina. Centrandonos exclusivamente en la pintura, Greenberg defiende a Manet, considerandolo el primer moderno, un Kant pictrico. Pero hay otras voces que claman teoras distintas. Haciendo una relectura de la definicin de arte moderno, dentro de esa categorizacin tranquilamente caben la obra de Goya, el romanticismo y el realismo social, incluso algunas del neoclasicismo. Quizas personajes como Goya o Turner no tenan una conciencia de estar efectuando una autocrtica o que estuvieran explotando los elementos propios de la pintura, sin embargo en sus obras hay una reflexin sobre cmo representar. Uno de los ms importantes tericos y filsofos del arte moderno y contemporneo, Arthur Danto, considera que, en su propia cronologa, son Van Gogh y Gauguin los primeros pintores modernos. Ambos artistas tienen caractersticas que los hace merecedores de tal ttulo: una pintura autnoma, con identidad propia, cuya existencia es netamente simblica, subjetiva, expresiva, experimental. La realidad perceptual, en Van Gogh y Gauguin, son un punto de partida que luego ambos olvidan, para entregarse a la produccin de una obra que no es una copia de, sino la creacin de un mundo pictrico nico. La respuesta a la pregunta quin fue el primer moderno? es, irnicamente, amplia y mltiple como la modernidad misma. Por ello, hay que tener en cuenta las diversas pticas a la hora de buscar y formular una respuesta, y no quedarse con una nica postura.
Arte, culturas y estticas En 1820 Goya se muda a lo que hoy se conoce como la Quinta del Sordo, donde ejecuta sus famosas pinturas negras, llamadas as ms que nada por la crudeza y los temas tratados, aunque tambien por el tratamiento del color y la abundancia de tonos oscuros. Goya pint al leo las 14 obras de la serie sobre las paredes internas de la quinta, con trazos enrgicos, figuras fantasmales y misteriosas. Las pinturas permanecieron all hasta 1873, cuando por una serie de procesos qumicos las transfirieron a lienzo para exponerse en el Museo del Prado de Madrid, donde aun se encuentran. Entre las pinturas se encuentra Saturno devorando a un hijo, personajes fantsticos como el Aquelarre, y mltiples escenas en las que se muestras personajes caricaturizados, casi como despojos humanos, que exhiben las miserias y el dolor de su poca y de s mismo. Goya exorciza sus propios demonios proyectandolos en la pintura y ademas, en el caso de las pinturas de la Quinta del Sordo, convive con ellos cotidianamente. Goya podra ser considerado, por todo lo antes mencionado, como un antecedente del romanticismo, y hasta formar parte de l. Sin embargo, es difcil clasificarlo. Su obra es un pilar base del arte moderno del siglo XX, y toma, subjetivamente, a la figura del hombre en su peor miseria, acentuando el patetismo y el dramatismo, caractersticas que puntualmente luego tomara el movimiento aleman expresionista.
5.3. Romanticismo
El romanticismo es un movimiento cultural iniciado a fines del siglo XVIII (aprox. ao 1780), en el que se resaltan los sentimientos nacionalistas. Tuvo lugar, en un inicio, en Alemania y Francia, pero se extendi por todo el continente europeo, tomando, en cada lugar, caractersticas particulares. Tuvo su principal desarrollo durante la primera mitad del siglo XIX. En el romanticismo, nuevamente se pone la mirada en el pasado, pero a diferencia del Renacimiento, que negaba al medioevo y observaba al pasado clsico de Grecia, los ojos se ponen precisamente en el arte gtico (Edad Media), en el que se destac el sentimentalismo, la artesana en el arte y el monumentalismo. El hombre del romanticismo, de fines del siglo XVIII, senta un pnico por el presente, y una fascinacin por lo extrao, la muerte, lo trgico. El nacimiento del movimiento cultural coincide con el inicio y auge de la Revolucin Industrial, la cual incita al artista a volcar su mirada hacia la naturaleza, y, sobre todo, hacia s mismo. Dentro de las caractersticas del romanticismo, podemos hallar, principalmente, la subjetividad y la exaltacin del yo: un sentimiento de individualismo, de soledad, pero de demostrar el genio del artista, y lo trgico de la poca. Eso se ve reflejado en las obras de los autores de este perodo, que por ser tomados como genios tenan libertad y el deber- de romper todo tipo de reglas. De hecho, es en este momento histrico cuando el artista comienza a ser tomado como un revolucionario que presenta al arte como un nuevo modo de ver la vida, frente a una poca de desalient o, buscando una belleza agitada. Una idea habitualmente asociada al romanticismo es la de expresar lo sublime. En palabras del crtico de arte Giulio Carlo Argan: cuando se supera el umbral de lo sublime, las sensaciones se disipan y se entra en contacto directamente no ya con lo creado, sino con las fuerzas sobrenaturales, divinas, de la creacin (...). Lo sublime es potica de lo absoluto. Los artistas romnticos identificaron a lo sublime con las fuerzas de la naturaleza, y mostraron lo pequeo del hombre frente a la inmensidad de la naturaleza, lo sobrenatural y el destino. En msica, una de las primeras composiciones romnticas es Werther, basada en una novela, en la que el protagonista, por un amor no correspondido, acaba suicidndose, estableciendo al suicidio como un tema comun dentro de los romnticos. De este modo se declara que la msica es capaz de transmitir un contenido extramusical, es decir, capaz de describir un contenido. Berlioz escribira la sinfona fantstica, que relata como un pintor, por un amor contrariado, decide suicidarse con opio, y la obra describe sus estados anmicos, casi psicodlicos. Pero es Ludwig Van Beethoven (1770-1827) el ms grande compositor del perodo romntico, y quien dignific la figura del compositor, defendiendo su independencia creativa. La obra de Beethoven es la que muestra las ms puras caractersticas del 26
Arte, culturas y estticas romanticismo musical: grandes contrastes, exaltacin de sentimientos atormentados y apasionados, la expresin del mundo interior del artista, la primaca de los elementos subjetivos y los sentimientos por sobre la razn. Lo sublime aqu se expresa por la explosin sonora dada por las orquestaciones, los grandes arreglos, los contrastes violentos dentro de las composiciones y los temas tratados. Las orquestas romnticas abandonan el formato pequeo y ascienden a gran cantidad de msicos, para expresar la monumentalidad del sonido y las composiciones. Un pintor del primer perodo romntico es Thodore Gricault (1791-1824). En un inicio adherente al neoclasicismo, luego incursiona en el romanticismo, influenciado tambien por Miguel ngel y Caravaggio, de quien hered el dramatismo y el claroscuro. Trata temas de la vida cotidiana, elevndolos a la categora de hechos heroicos. Mostrando la desesperacin y el sufrimiento de la gente, pasa pronto a ser el pintor romntico ms representativo, pero por independencia de estilo y carcter poco dcil, Gricault se mantiene al margen de los grandes encargos oficiales, un gnero que s sedujo a Delacroix. Gricault realiza una obra clave: la balsa de la medusa (1818), una pintura monumental (491 cm x 716 cm) que narra las consecuencias del naufragio de una fragata francesa. El dramatismo, el sufrimiento, la muerte, el retorcimiento de los sobrevivientes de la balsa, y fundamentalmente la lucha, el levantamiento, la resistencia del hombre contra la naturaleza y la muerte son los temas abordados en la pintura. El mximo exponente pictrico del romanticismo es el frances Eugene Delacroix (1789-1863). Pinta temas violentos y crueles, exalta la sensualidad y sexualidad de los personajes, posee un gran movimiento y mucho color. Estas dos ltimas caractersticas las tomara, ms tarde, el impresionismo. Posea un diario, el cual us toda su vida para realizar una crnica de su obra, sus pensamientos y conflictos internos. Para l, el artista es un revolucionario que presenta al arte como un nuevo modo de ver la vida, en una poca de desaliento, buscando una belleza agitada. Consideraba que el hombre se ve obligado a morir rodeado de todo lo que ha creado, y que nunca podemos ser comprendidos, por eso es mejor la soledad. Su obra ms clebre se ha transformado en un cono de la pintura: la libertad guiando al pueblo. En ella, se relata una escena de los levantamientos populares en Pars del da 27 de julio de 1830, cuando el rey borbn Carlos X suprimi la libertad de prensa, y salieron a protestar a la calle todas las castas sociales: burgueses, soldados, trabajadores, gente humilde. Y quien los gua es una mujer vestida humildemente, quien porta la bandera francesa, y representa a la Libertad. La obra demuestra que el hombre no nace libre, sino que pelea por su libertad. Esta pintura, como parte de la obra de Delacroix, presenta el cnon renacentista (perspectiva, y hasta una estructura piramidal), pero no tiene el mismo acabado en el trazo: pueden verse las pinceladas enrgicas, destacando el valor de la pintura en s. Esa energa en el trazo est dada por la subjetividad y el sentimiento propio del artista. Como dato extra podemos mencionar que Delacroix tom el modelo de la balsa de la medusa de Gricault para su libertad guiando al pueblo. La relacin entre ambas pinturas es estrecha, y ambas son conos del romanticismo. Dentro de los pintores del romanticismo, tambien se destaca el paisajista ingles Joseph Turner (1775?-1851). Sus temas preferidos eran el mar, los barcos y los factores climticos. Artista de gran temperamento, le interesa lo sublime de la naturaleza, su impacto y dramatismo, y si representa al hombre en sus cuadros lo hace pequeo, casi insignificante al lado de los paisajes naturales . No copia lo que ve, sino que lo que siente. Para pintar una tormenta en el mar, por ejemplo, Turner se ataba al mstil de un barco que se internaba en el centro de la tormenta, para luego, en su taller, componer la imagen del cuadro en base a lo que vivi. Crea en la idea de vivenciar la naturaleza, y que como artista deba transmitirla as, subjetivamente. Sus pinturas parecen acuarelas, aunque estan pintadas al leo, y muestran un estallido de color, ritmos y masas que se mueven elpticamente, que representan las tormentas, viento, nubes o fuego. La influencia de su obra, principalmente realizada en el segundo tercio del siglo XIX, se ve reflejada posteriormente en los impresionistas y hasta en los abstractos, pese a que en su poca fue un incomprendido. El romanticismo puede ser considerado un antecedente del arte moderno, en el que se pone en primer plano el sentimiento del artista, y la propia expresin del yo. Este movimiento puede ser considerado
27
Arte, culturas y estticas atemporal, ya que sus caractersticas se repiten en numerosos momentos de la historia del arte, y sirvi de base para que el artista explore y exprese su subjetividad.
28
Arte, culturas y estticas bronce: tal acusacin era deshonrosa para cualquier escultor y Rodin, contando con la ayuda de amistades influyentes como el pintor y escultor impresionista Edgar Degas, logr salir de la disputa no slo victorioso, sino que adems con una fama que lo puso inmediatamente entre los artistas ms importantes de Pars. Su escultura se dividi en dos lneas distintas: la primera, a la cual denomin alimentaria, era la escultura decorativa de la cual viva y, como su nombre indica, se alimentaba a s mismo y a sus amantes; la segunda, ms popular y transgresora, es conocida como su obra pura y trascendente en la historia del arte occidental. Algunas de sus ms importantes obras son las puertas del infierno (1880-1917), para las que en un comienzo fueron pensadas las figuras el pensador, el beso y Dnae. Estas puertas, originalmente hechas para un supuesto museo de artes decorativas de Pars que nunca fue creado, tienen como tema el Infierno de Dante Alighieri, y en ellas Rodin plasma algunos pasajes de este libro usando como narracin los cuerpos de los personajes involucrados. La figura central, el pensador, es un retrato del poeta Dante, el cual se ve afectado por lo que est viendo (frisos con las figuras pecadoras bajo l) e influenciado por las fuerzas divinas que anuncian la desgracia sobre su cabeza (tres sombras o retrato triple de Adn). Los historiadores del arte tambin coinciden en esta escultura a la propia figura de Rodin: un hombre que se aterra frente al mundo en el cual le toca vivir, en el que la tecnologa da paso a milagros como el cine, y est justo en el centro, donde debe elegir entre enmarcarse en la tradicin o revolucionar las artes escultricas. El proceso por el cual estn hechas sus esculturas es el vaciado, y aunque en la actualidad conocemos estas piezas trabajadas en bronce, en su poca Rodin elaboraba estas piezas en yeso: vaciaba el yeso, material usado como borrador y desechado por los escultores, como una manera de criticar al circuito del arte y a la escultura en mrmol (blanco igual que el yeso, pero infinitamente ms costoso), reconocida como la nica oficial. Su mensaje era claro: la imagen es superior al material con el que est construido. Rodin realiz una abierta crtica a la obra nica. Muchas de sus ms famosas esculturas fueron reproducidas en cantidad, y estan dispersas por todas partes del planeta. De hecho, en la ciudad de Buenos Aires contamos con dos de sus ms famosas obras: una reproduccin de el pensador en la Plaza de los dos Congresos, y una reproduccin de el beso, alojada en el Museo Nacional de Bellas Artes. La relacin de Rodin con Buenos Aires existi, y testimonio de ello son las obras que quedaron en el actual Museo de Arte Decorativo. A principios del siglo XX, el matrimonio Errzuriz Alvear (una familia de la alta aristocracia portea, que viva en el palacio donde actualmente funciona el Museo citado) adquiri en Pars tres obras de Rodin que luego, cuando la residencia familiar se convirti en Museo Nacional, en 1937, pasaron a integrar las colecciones del organismo. Adems de un pequeo len en bronce, los Errzuriz adquirieron, por recomendacin de Rodin, la eterna primavera, ejemplar de una breve serie en mrmol realizada cuatro aos antes sobre el tema recurrente de la pareja joven en abierta exaltacin de la pasin amorosa. Los Errzuriz le encargaron a Rodin un proyecto de diseo para la chimenea del palacio, para reemplazar el modelo clsico de chimenea previsto en los planos por una propuesta plstica ms arriesgada y espectacular. Las tratativas entre Errzuriz y Rodin abarcaron ms de un ao, entre principios de 1912 y abril del ao siguiente, en un moroso intercambio de correos. Rodin le contesta a los Errzuriz: he pensado en vuestra propuesta y quedo desde ahora a vuestra disposicin. [...] Ms que bocetos le mostrar obras modeladas e inditas. Le pido que venga a Meudon, deseo estar all con usted, as, delante de las esculturas modeladas, la eleccin se realizar siempre mejor que sobre temticas. Probablemente una o ms reuniones tuvieron lugar hacia la primavera, pero slo en la carta del 26 de marzo de 1913 el escultor informa a Errzuriz: estoy feliz al saber que su largo viaje haya terminado; vuestro regreso a Pars me permitir mostrarle lo que he hecho y continuar nuestro trabajo conjunto. Claro que al llegar el momento de los nmeros, el acuerdo se fue diluyendo. Errzuriz estim que el precio era demasiado elevado, pidiendo disculpas por ofrecerle un precio menor que el que usted desea, aunque teniendo en cuenta que la obra ya est realizada y que slo se deben cambiar las proporciones, quiz se me permita abrigar alguna esperanza. Pero esas esperanzas se evaporaron con la respuesta que quince das ms tarde envi el artista, diciendo que el precio que usted me ofrece es
29
Arte, culturas y estticas insuficiente para m y para una obra de esta calidad. Con lo cual los Errzuriz Alvear debieron contentarse con la maqueta de bronce, que actualmente se exhibe en el Museo Nacional de Arte Decorativo. Para Rodin el artista no deba ser un esclavo del modelo, al contrario: era el artista el que escoga, con su propio ojo y sensibilidad, el objeto a representar y por medio de su imaginacin era capaz de modificarlo para crear as una imagen totalmente nueva a los ojos del mundo. Este modelo de pensamiento es netamente moderno: el arte se autoabastece por el mismsimo artista. Es por esto que, en una mirada anatmicamente estricta, podra decirse que las figuras que construye carecen de una lgica en cuanto a las proporciones, pues las proporciones son dadas por las exigencias del sentimiento que se ha querido plasmar y no por reglas biolgicas. Rodin haba estudiado la anatoma no para ser dominado por ella, sino para usar el cuerpo humano como una herramienta de expresin de la psicologa y los sentimientos humanos. En su testamento, Rodin dijo: el mundo slo ser feliz cuando todos los hombres tengan alma de artistas, es decir, cuando todos sientan el placer de su labor. Esta frase expresa el amor del artista por su oficio.
5.6. Impresionismo
En 1839 aparece la fotografa, cambiando la visin del mundo y, sobre todo, de la pintura. La fotografa como adelanto tecnolgico super a la representacin realista de la pintura, por lo cual los artistas comenzaron a cuestionarse cual deba ser el rol del arte. Ademas, la Revolucin Industrial estaba en pleno auge, y con ella el desarrollo de las ciudades y los medios de transporte. El artista de la poca no permanece indiferente ante estos cambios, y esto comienza a apreciarse en su obra. La pintura se independiza de la fotografa, y comenzara a diferenciarse tcnicamente. Sin perder de vista la nocin cientificista y analtica de la realidad, los artistas empezaron a explorar los elementos propios de la pintura, y los desarrollaron. Estos artistas tenan una fascinacin con la ciudad, con su agitacin, lo vertiginoso del lugar. Es as que el artista deja de pintar en su taller, y sale a pintar a la calle, interesado en los efectos de la luz sobre las cosas. Realizaban numerosos estudios de un mismo lugar, a diferentes horas del da, para comprender y documentar la incidencia de la luz del sol en los objetos, y cmo sta los modifica. Debido a que pintaban en el lugar y deban aprovechar la luz ambiente, sus trazos eran veloces, vertiginosos, sin bocetar o dibujar previamente, y as poder captar ese momento preciso. Es as como se empiezan a emplear los elementos propios de la pintura: el color, la luz, el volumen y el contraste, dado por la mancha. Estudian la representacin de la luz, la atmsfera, la sombra coloreada y el valor. A partir de 1860, el grupo impresionista se desarroll en Francia, precisamente en Pars. En 1873 haran su primera exposicin, en donde un crtico de arte llamara impresionista al grupo, en base al cuadro de Monet Impresin: sol naciente. El grupo sera reconocido despues de 1880 en toda Europa, y en ese tiempo lo integraban Renoir, Degas, Morisot, Tolousse-Lautrec, Pissarro, Sisley y Monet, siendo estos 3 ltimos los ms puros representantes del movimiento. Claude Monet (1840-1926) es el ms escandaloso del conjunto. A diferencia de los otros miembros del grupo, Monet acenta los contrastes lumnicos, y el color presenta un mayor contraste, en paisajes de gran vibracin cromtica. Entre sus obras ms reconocidas se encuentran el conjunto de pinturas de la Catedral de Run a diferentes horas del da, con sus correspondientes diferencias de color. Alfred Sisley (1839-1899) utiliza los temas marinos y fluviales, con colores ms apagados que Monet. El agua, la nieve, el cielo y la niebla son factores siempre presentes en la obra de Sisley. Camille Pissarro (1830-1903) se centra en los temas de la ciudad, y pinta con colores ridos y terrosos, o mezclados con blanco. Ademas de su labor como pintor, fue un importante maestro de la poca, adoptando como discpulos a artistas en formacin como Cezanne o Gauguin. Los impresionistas pintaban pequeas pinceladas cromticas superpuestas, de colores muy luminosos, que buscaban reflejar el efecto de la luz solar sobre el paisaje. Al acercarse el espectador a la obra, podan apreciarse las pinceladas, mientras que al alejarse se presentaba un color uniforme. Esto se 30
Arte, culturas y estticas llama pintura retiniana, es decir, que el color se termina de formar en el ojo de quien observa, y es un antecedente de lo que luego seran, por ejemplo, los pixeles en las computadoras. Con sus obras muestran una visualidad pura: el principal interes de la obra es la imagen presentada. Pese a que estaban en un grupo, el artista impresionista era bastante individualista. Crea en la soledad (influencia romntica), y en la introspeccin. Uno de los pintores impresionistas es tambien su ms importante referente en la escultura. Es el caso de Edgar Degas (1834-1917), quien translad el concepto del impresionismo en el plano tridimensional. En el caso de la escultura, no se trata de pintar, sino de dejar la impronta del artista. Esto se refiere a dejar la marca del dedo, la esptula, el cincel o la herramienta con la que se est trabajando. Es un gran quiebre con respecto a las esculturas clsicas, como por ejemplo las de Miguel Angel, donde las superficies eran lisas y pulidas, y no podia determinarse con qu herramienta el artista trabaj. Sus temas, como en su pintura y dibujo, eran las bailarinas de ballet, y tambien toros y caballos. La escultura de Degas introduce el concepto de que el artista muestre su marca personal en la obra escultrica, por medio de la impronta que deja el artista con su trabajo manual. Desafortunadamente, la obra escultrica de Degas es poco difundida en comparacin con sus dibujos, generalmente realizados en pastel y carbonilla. En sus dibujos hay una percepcin consciente de la realidad, y utiliza tambien fotografas para capturar el movimiento de las bailarinas de ballet. Siempre la figura humana es la protagonista, utilizando el pastel como medio tcnico ideal para expresar soltura y espontaneidad, con un color ms terroso que el utilizado por los impresionistas. La impresin, para l, era la del movimiento. En el plano de la msica, su principal representante es Claude Debussy (1862-1918). El agua, los temas fluviales y el sentimiento de nacionalismo frances son los temas que respaldan su obra. Como en la pintura, los timbres de los instrumentos de la orquesta de entremezclan en matices a veces fuertes y a veces imperceptibles, con una amplia paleta orquestal. Las composiciones de Debussy desbordan de sensibilidad y calma, siendo un perfecto fondo musical para las obras pictricas. En el impresionismo, la pintura, al desarrollar sus propios elementos plsticos, deja de ser un medio para copiar la realidad, y adquiere un carcter ms creativo, que la pone por encima de lo que ya era. Si bien los artistas siguen ligados a la idea de representacin, tambien podemos citar a Baudelaire, quien dijo: la pintura no es mecnica, sino que es una actividad nica y espiritual. As, solo la visin del artista puede embellecer la realidad.
31
Arte, culturas y estticas para elaborar sus pinturas al leo. Tambien se destac en el grabado al aguafuerte y la litografa. Sus vibrantes colores seran una influencia decisiva para Henri Matisse y el posterior movimiento Fauvista.
5.8. Post-impresionismo
Es un trmino histrico-artstico que se aplica a los estilos pictricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo. Fue acuado por el crtico britnico Roger Fry con motivo de una exposicin de pinturas de Paul Cezanne, Paul Gauguin y Vincent Van Gogh que se celebr en Londres en el ao 1910. Este trmino engloba en realidad diversos estilos personales plantendolos como una extensin del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de ste. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicacin compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar ms emocin y expresin a su pintura. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visin ms subjetiva del mundo.
32
33
Arte, culturas y estticas Paul Gauguin, luego de este hecho, se fue a vivir a Polinesia, donde se establece un tiempo y sigue pintando. Pero contrae sfilis, y luego lepra, por lo que se establece en las islas Marquesas para encontrar su inspiracin. All muere, a los 55 aos de edad. La gran herencia que dej Gauguin fue el valor que le dio a la cultura y el arte indgena y oriental, y el fundamental empleo del color, expresado desde la emocin. A diferencia de los impresionistas, no pintaba con pequeas pinceladas, sino con colores planos. Lo principal del uso del color, es que Gauguin consideraba que el color puede sugerir y tener su propia identidad, anticipando as el fauvismo y a los nabs, movimiento en el que mediante el color se acentuaba la espiritualidad y el simbolismo.
Arte, culturas y estticas aos de Vincent. Conocemos de la vida de Van Gogh, principalmente, por las cartas que l le enviaba a Theo (alrededor de 650), en las que Vincent le contaba a su hermano cmo estaba y qu senta. Theo tambien se encargaba de vender las obras de su hermano, y luego enviarle el dinero para que se sostenga. Puesto que Vincent no trabajaba, se dedicaba de lleno a la pintura, llegando a pintar, en los ltimos dos aos y medio de su vida, alrededor de 500 obras. En los ltimos dos meses y medio, pint 80 obras. Theo constituy para Vincent el pilar moral y emocional ms importante de su vida, y era el destinatario de toda su produccin artstica. En julio de 1890, afectado por su soledad y su enfermedad, pinta una de sus ltimas obras: campo de trigo con cuervos, como un presagio de lo que vendra. El 27 de julio sale a caminar por el campo y se dispara en el estmago con un revolver, para luego volver a su casa y agonizar all. Fue internado en un hospital, y dos das despues falleci. Todos sus amigos, para su entierro, llevaron flores amarillas, color favorito de Vincent. En el grueso de su obra, lo que mayormente encontramos son retratos y paisajes, todos ellos conocidos por Vincent. Ms all de la esttica de sus diferentes perodos, en todas sus pinturas podemos ver lo que l vivi, y cmo: ya sea mediante un autorretrato, la caracterizacin de la habitacin en la que viva o los cafs que frecuentaba, o el retrato de su doctor, Van Gogh pintaba para vivir, y esa vida qued explcitamente representada en sus telas. Con respecto al color de sus obras, en su primer perodo toma caractersticas del realismo social, con colores tierras, oscuros, para acentuar el dramatismo. Ya en su segunda etapa, el dramatismo lo dara con el color saturado, vivo, explosivo. Van Gogh utiliza el color para generar tensin en la imagen, como una fuerza dentro de la composicin del cuadro. El color es interno, es subjetivo, es emocional: lo utiliza como lo siente l, no como es en la realidad. Del impresionismo toma solamente las pinceladas superpuestas, pero conceptualmente no tiene relacin con ellos. Van Gogh es un pintor post-impresionista, pero tambien podra considerarselo expresionista, puesto que lo que a l le interesa es la expresin de su ser interno, de sus sentimientos, y de su emocin. Por eso, la influencia de Van Gogh en el siglo XX es incuestionable. Su obra es un pilar bsico para el posterior movimiento fauvista -por su tratamiento del color- y los expresionistas alemanes -por acentuar los sentimientos internos. La turbulenta vida personal de Van Gogh lo haca ser un marginado no solo de su propio entorno, sino de su propia poca. De aqu se desprende el concepto de otredad: mientras ms distinto sea yo del otro, ms me identifica a m como una persona distinta. En Van Gogh, el otro es la realidad, y es l quien se siente distinto a ella. Esa otredad, ese sentimiento de alejamiento de la realidad, es lo que Van Gogh dej en su obra: el cuadro no representa algo; el cuadro ES. La pintura en Van Gogh es su propio tema, es en s misma, es moderna. Sus obras son una realidad que solo existe en ese plano, y la materia pictrica adquiere una consistencia autnoma, desesperada, testimonio de quien la pint. As, muestra cuan distinta y ajena a uno mismo es la realidad, segn como l la vivi y represent. En Van Gogh, el arte se transforma en un oficio de vida, de supervivencia y de trascendencia.
5.9. Modernismo
Dentro del arte moderno (o arte de la Edad Contempornea) aparece la figura del modernismo. Tampoco debe confundirse modernismo con arte moderno, puesto que el modernismo fue un movimiento artstico de fines del siglo XIX y principio del XX, que tom diversos nombres y caractersticas dependiendo del pas en el que se desarroll: Art Nouveau (en Blgica y Francia), Modern Style (en Inglaterra), Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania y pases nrdicos), Liberty o Floreale (en Italia), y Modernismo (en Espaa). El modernismo se distingue por su creatividad, el gusto por lo refinado, el deseo de salir de la realidad cotidiana y de conocer otras culturas y costumbres. Todas estas denominaciones hacen referencia a la intencin de crear un arte nuevo, llevando a cabo una ruptura con los estilos dominantes en la poca, tales como el historicismo o el eclecticismo. Se trata de crear una esttica nueva, en la que 35
Arte, culturas y estticas predominan la inspiracin en la naturaleza a la vez que, en arquitectura, se incorporan materiales novedosos como el hierro y el cristal, innovaciones derivadas de la Revolucin Industrial. En el modernismo es comun la inspiracin en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural, pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgnico entrelazndose con el motivo central. As, las guardas de flores y hojas de plantas son un elemento comn en el diseo modernista, tanto en arquitectura como en cartelera, y generalmente envuelven o ambientan al contenido de la obra en s. El uso de la lnea curva y la asimetra, tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoracin es otra caracterstica frecuente. Se estilizan los motivos, siendo menos frecuente la representacin estrictamente realista de stos, utilizando ornamentos, volutas y ondulaciones. Hay una fuerte tendencia al uso de imgenes femeninas, las cuales se muestran en actitudes delicadas y grciles, con un aprovechamiento estilsitico y compositivo de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas. En estas mujeres siempre hay una actitud que tiende a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, con un guio hacia lo ertico en algunos casos. En arquitectura se destaca la figura de Antoni Gaud (1852-1926), mximo representante del modernismo espaol, y figura ineludible de la arquitectura contempornea. Dotado de una innata capacidad imaginativa en lo que al diseo y la arquitectura refiere, Gaud fue ms all del modernismo ortodoxo, creando un estilo personal basado en la observacin de la naturaleza, fruto del cual fue su utilizacin de formas geomtricas regladas, como el paraboloide hiperblico, el hiperboloide, el helicoide y el conoide. La arquitectura de Gaud est marcada por un fuerte sello personal, caracterizado por la bsqueda de nuevas soluciones estructurales, que logr despus de toda una vida dedicada al anlisis de la estructura ptima del edificio, integrado en su entorno y siendo una sntesis de todas las artes y oficios. Mediante el estudio y la prctica de nuevas y originales soluciones, la obra de Gaud tuvo una etapa neogtica y culminar en una etapa modernista muy particular, con un estilo orgnico inspirado en la naturaleza, pero sin perder la experiencia aportada por estilos anteriores, generando una obra arquitectnica que es una simbiosis perfecta de la tradicin y la innovacin. Asimismo, toda su obra est marcada por las que fueron sus cuatro grandes pasiones en la vida: la arquitectura, la naturaleza, la religin y el amor a Catalua. Su estilo tiene una referencia conceptual al barroco, en el que el horror al vaco y la ornamentacin recargada es una caracterstica arquitectnica. En la obra de Gaud se combinan practicamente todas las artes: arquitectura, pintura, escultura, e incluye muchas disciplinas y materiales como el mosaico, la cermica, el hierro forjado. De esta forma reconstruye la idea de taller medieval en que el artista era el jefe de los maestros y no actuaba como un proyectista, sino como un director de orquesta. Y si bien se vale de los adelantos tecnolgicos industriales, manejndose as revaloriza lo artesanal y el trabajo de la mano humana. Segn Argan, para Gaud, el arte es la vuelta a un pasado que sobrevive nicamente en la fantasa, y no ya porque imite formas histricas, sino en el sentido de que deliberadamente invierte su movimiento haciendo girar al revs la rueda del progreso tecnolgico, obligndolo a realizar valores ideolgicos opuestos a los que, segn su lgica, debera perseguir. Su obra cumbre es el Templo Expiatorio de la Sagrada Familia, ubicado en Barcelona. Se hizo cargo de la obra a sus 31 aos de edad y la continu durante toda su vida, pero no lleg a verla terminada. De hecho, aun hoy se la sigue completando, habiendo sido iniciada su construccin en 1882. Una de sus ideas ms innovadoras fue el diseo de las elevadas torres cnicas circulares que sobresalen apuntadas sobre los portales, estrechndose con la altura. Las proyect con una torsin parablica dando una tendencia ascendente a toda la fachada, favorecida por multitud de ventanas que perforan la torre siguiendo formas espirales. El templo, cuando est terminado, dispondr de 18 torres: cuatro en cada una de las tres entradas-portales y, a modo de cpulas, se dispondr un sistema de seis torres, con la torre cimborio central, dedicada a Jess, de 170 metros de altura, otras cuatro alrededor de sta, dedicadas a los evangelistas, y un segundo cimborio dedicado a la Virgen. El interior estar formado por innovadoras columnas arborescentes inclinadas y bvedas basadas en hiperboloides y paraboloides buscando la forma ptima de la catenaria. A su muerte en 1926 solo se haba llegado a construir una sola torre. Antoni Gaud falleci por haber sido confundido con un mendigo y no recibir atencin mdica tras ser arrollado por un tranva. Su obra fue revalorizada a partir de la dcada del 50, y hoy da goza de una inmensa popularidad y reconocimiento. Su estilo nico lo hace distinguirse claramente de otras propuestas arquitectnicas.
36
Arte, culturas y estticas En cartelera y diseo grfico destaca la imagen de Alphonse Mucha (1860-1939). Pintor y diseador, produjo una gran cantidad de pinturas, psteres, avisos e ilustraciones as como diseos para joyera, alfombras, empapelados y decorados teatrales (litografas) en lo que lleg a conocerse como el estilo Art Nouveau. Ademas de las caractersticas tpicas del modernismo, los trabajos de Mucha se destacaron por mostrar mujeres jvenes, hermosas y saludables, flotando en atuendos vagamente neoclsicos, frecuentemente rodeadas de flores y motivos naturales, que a veces formaban halos detrs de sus cabezas. Este estilo fue imitado con frecuencia. De todos modos, Mucha intent distanciarse de tal estilo a lo largo de su vida, insistiendo que ms que adherir a cierto estilo en boga, sus pinturas se originaban en su propia inspiracin. Declar que pensaba que el arte exista para transmitir un mensaje espiritual y nada ms; de all su frustracin por la fama que logr a travs de un arte bsicamente comercial. La obra de Mucha fue revalorizada y reformulada en la dcada del 60, con el auge del arte psicodlico y la publicidad pop, caractersticas que pueden detectarse en gran parte de la obra del diseador modernista. En pintura resalta el austraco Gustav Klimt (1862-1918). Pintor, muralista y decorador de interiores, en un inicio tuvo una formacin academicista neoclsica. Luego del fallecimiento de su padre y hermano, y despues de conocer a Emilie Floge (su compaera de toda la vida), el estilo de Klimt se aleja del neoclsico y se acerca al simbolismo. Se convirti en uno de los miembros fundadores -y presidente- de la Wiener Sezession, o Secesin de Viena, un grupo de artistas fundado en 1897. La Sezession haba surgido como una alternativa independiente a los artistas promocionados por la Academia vienesa de la que el mismo Klimt haba formado parte en su juventud. Entre sus objetivos se contaban la promocin de artistas jvenes, la exhibicin de obras producidas en el extranjero y la publicacin de una revista sobre las principales obras realizadas por los miembros. El grupo nunca redact un manifiesto para remarcar su carcter grupal o vanguardista, y tampoco se defini por una determinada direccin estilstica: entre sus miembros se contaban naturalistas, realistas y simbolistas. Con su nuda veritas (1899) define su estilo modernista, exhibiendo a una mujer de pie, desnuda, observando al espectador y sosteniendo un alegrico espejo de la verdad. Debajo de la obra, un rtulo rezaba: si no puedes agradar a todos con tus mritos y tu arte, agrada a pocos. Agradar a muchos es malo. A partir de all empieza a desarrollarse lo que se conoce como su etapa dorada, en las que en sus pinturas adhiere laminillas de oro como elemento decorativo y compositivo. De esta etapa es su obra ms reconocida, el beso (1907-08), en la que una pareja se abrazan, dando el hombre un beso casi forzado en la mejilla de la dcil mujer. En esta imagen, las ropas de los personajes tienen un alto contenido decorativo, que simbolizan sus sexos: lo rectangular y rgido para el hombre, y lo circular y delicado para la mujer. De esta etapa tambien es el retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907), pintura vendida en 2006 a 135 millones de dlares, transformandose en ese momento en la segunda pintura ms cara de la historia, y actualmente en la tercera. Otras obras reconocidas del autor son Judith (1901) y las tres edades de la mujer (1908). Tal como se aprecia en muchas fotografas, Klimt sola vestir tnica y sandalias cuando estaba en su casa. Llevaba una vida bastante sencilla, completamente absorbido por su trabajo y su familia, y exceptuando algunos encuentros con otros artistas de la Sezession, Klimt sola evitar los encuentros de sociedad y los crculos intelectuales de caf. Pese a su imagen de libertino, Klimt tambin llevaba su activa vida sexual discretamente, y aunque se rodeaba de modelos femeninas de muy diversa categora social, nunca se vio personalmente envuelto en ningn escndalo pblico. Atrados por su gran fama, algunos clientes que acudan a su casa solan descubrir que Klimt poda permitirse ser muy selectivo antes de aceptar un encargo. Una vez admitido un encargo, el artista iniciaba su particular mtodo de trabajo, tras largas meditaciones y an ms prolongadas sesiones de posado de modelos. La naturaleza abiertamente ertica de sus obras sola verse "suavizada" por un enfoque alegrico, o simblico, que la haca de algn modo ms admisible para la pacata opinin pblica de la burguesa vienesa. Klimt nunca destac por su carcter terico. No escribi apenas nada sobre su visin artstica o sus mtodos. Sobre el final de su vida, tambien realiz pinturas de paisajes con un tratamiento casi impresionista, siendo el nico conjunto de obras del autor que se alejan de la figura humana. Falleci a la edad de 55 aos, luego de padecer un infarto, neumona y la gripe espaola.
37
38
Arte, culturas y estticas respecto a la relacin arte-vida que proponen y sostienen. Luego, vanguardias como el expresionismo (que exhibi la sensacin y sentimientos de la poca) y el cubismo (que fue una vanguardia netamente esttica, sin una bsqueda social concreta) son vanguardia, s, pero con reservas, ya que sus postulados no alcanzaron a tocar concreta y puntualmente la esfera social. De todas formas, y pese a esta diferenciacin de pureza dentro de las vanguardias, nos enfocaremos en que las vanguardias histricas son aquellos movimientos artsticos europeos de primera mitad del siglo pasado. Otra pregunta habitual es: por cunto tiempo se puede ser vanguardista?. Hablando de lo estrictamente artstico, se es vanguardia hasta que la propuesta es avalada o legitimada por la institucin-arte. Es decir: se es oposicin, hasta que se es oficialismo. Ejemplifiquemos con un caso al azar, tomado de los perodos artsticos pre-vanguardia: cuando el romanticismo surgi a fines del siglo XVIII, luch por encontrar su lugar en la historia, y en ese sentido tuvo un carcter vanguardista (en el significado ms suprfluo del trmino) con respecto al neoclasicismo, que era el gusto instalado. Pero una vez que el romanticismo fue instalado como gusto esttico de poca y desbarranc al neoclasicismo, su llama vanguardista se apag: el romanticismo ya no tena a qu oponerse, porque ahora l era el arte de turno. Pero el ciclo se hace practicamente eterno: cuando el romanticismo se oficializ, hubo otros que quisieron removerlo con una nueva propuesta, como el realismo social o el impresionismo. En las vanguardias histricas se sucede un hecho particular: ninguna propuesta se oficializ, ninguna fue legitimada como superior a las otras. Teniendo puntos en comun o siendo opuestas entre s, cada vanguardia tuvo un valor propio, dado por la cultura y el contexto en que naci y se desarroll. Pero lo frentico de sus propuestas, de rpido nacimiento y muerte, tuvo siempre un punto comun, que era el de modernizar el arte y la conciencia del pblico. Son vanguardias histricas, de alguna forma eternas, porque al no alcanzar ese aval o esa legitimacin global, total, permanecieron como heroicos intentos de superar al pasado. De algun modo, a partir de la dcada del 60, las vanguardias histricas son tomadas como un pilar ineludible del arte contemporneo, y son motivo de revisin y consulta para el artista posmoderno. Ah est la legitimacin, la institucionalizacin de la vanguardia. Pero eso ya no sucede en el momento y contexto en que la vanguardia vivi, donde su virulencia fue elevadsima, sino tiempo despues, cuando sus propuestas ya se haban instalado en la memoria colectiva como una ancdota histrica y artstica.
5.10.1. Fauvismo
En 1905 se realiza, en Pars, una exposicin en el Saln de Otoo, en el que se present un grupo de nuevos e innovadores pintores, cuyas obras llamaban la atencin por sus violentsimos colores. Un crtico de arte, al ver las novedosas obras del grupo, en contraste con una escultura clsica de Donatello que se hallaba en el mismo saln, irnicamente coment: Donatello se encuentra entre las fieras. De esta frase nace el nombre de este nuevo grupo, denominado fauvista, puesto que fauv, en frances, significa fiera. El fauvismo sera el primer movimiento de vanguardia nacido en el siglo XX, y el principal protagonista sera el color. El movimiento fauv es netamente frances, y surge de su tradicin grecolatina. Los artistas del movimiento se basaron en lo expresionista de la obra de Vincent Van Gogh y, fundamentalmente, de Gauguin: el uso visceral, impulsivo y subjetivo del color. Lo que chocaba en los cuadros fauvistas era que utilizaban colores saturadsimos, y se rompe la dualidad objeto-color: mostraban en la imagen un objeto, pero sus colores eran distintos a los que el objeto tena en la realidad. Entonces, aparecen narices verdes, bigotes azules, rboles violetas, lagos naranjas. Esta ruptura de la dualidad objeto-color es una crtica directa al impresionismo, ya que los fauv los acusaban de no atender a la expresin interna y los sentimientos del artista. Los temas de los fauvistas, principalmente, eran retratos y paisajes, y mediante sus obras reivindicaron la fealdad, considerandola tan vlida como la belleza esttica que siempre se intent pintar. El grupo estaba integrado por artistas como Vlaminck, Derain, Dufy, Van Dongen, pero su principal exponente es Henri Matisse (1869-1954). Como la gran mayora de sus contemporneos, pas por el estilo impresionista, para luego llegar a un estilo propio e impulsar el movimiento fauv. Matisse, como sus 39
Arte, culturas y estticas compaeros del grupo, utiliza el color negro para realizar los bordes de las figuras, y deja ver la pincelada. En su obra, parecera que los colores se expanden, ya que realiza contrastes violentsimos de colores saturados, en algunos casos con colores complementarios. Entonces, al colocar un violeta y un amarillo uno al lado del otro, en su mxima saturacin, genera una vibracin cromtica que el pblico de la poca no estaba acostumbrado a apreciar. Por ende, y como muchos otros, fue un incomprendido en su poca. Irnicamente, la intencin que tena Matisse con su obra era la de llegarle tanto al conocedor de arte como al pblico sin conocimientos en la materia, y que sirva como calmante cerebral para quien observa. Una de las caractersticas principales de la obra de Matisse es involucrar a las artes como tema: alegoras a la msica, al teatro, la poesa y a las artes visuales, por ejemplo, son habituales en sus pinturas. En Matisse y sus obras siempre se expresa la alegra de vivir, pero no de manera clich, sino de manera simblica, animada por el color y sus etreas y estilizadas figuras. Hasta el final de su vida evolucionara y transformara su arte continuamente, tomando propuestas del cubismo, la abstraccin, elementos decorativos propios del diseo y la arquitectura, el collage y, por supuesto, el fauvismo, en su bsqueda de una identidad plstica propia. Suele hablarse, dentro del arte moderno del siglo XX, de una oposicin o antagonismo entre Picasso y Matisse, como dos de los genios creativos ms importantes de la poca y la historia del arte. Lo cierto es que tal antagonismo no est basado en algun conflicto personal entre ellos, sino por una comparacin entre lo vasto y genial de la obra de ambos artistas. Con respecto al movimiento, el fauvismo tendra corta vida. Considerado tambien como expresionismo frances, en 1907 su explosin de color se extinguira, por el surgimiento del novedoso cubismo, de la mano de Pablo Picasso. Subsistira en algunos artistas aislados, o ms tarde otros artistas tomaran sus ideas en el empleo emotivo del color.
5.10.2. Expresionismo
Paralelamente al fauvismo, en 1905 surge en Alemania el expresionismo. En oposicin al fauv frances, el expresionismo proviene de una tradicin germnica-nrdica, y es netamente aleman. En pintura, sus antecedentes directos son el romanticismo de fines del siglo XIX, y la figura y obra de Goya. Tanto el movimiento romntico como este pintor espaol, en sus obras, supieron expresar y exaltar los sentimientos internos, la tragedia, el drama, el dolor del ser humano, el patetismo, lo oscuro, y el valor de la fealdad. Entonces, el expresionismo ser como el romanticismo, pero llevado al extremo: las caractersticas romnticas seran llevadas al lmite. Esto se debe, en gran parte, al contexto sociohistrico de la Alemania de principios del siglo XX: la Primera Guerra Mundial estaba pronta a estallar en 1914. La sociedad alemana, y en particular sus artistas, sintieron esto, fueron testigos de su poca, y esa angustia existencial y actitud agresiva con la realidad se puso de manifiesto en el arte. Sin embargo, a diferencia de los romnticos, que buscaban acentuar y profundizar los sentimientos nacionalistas, los expresionistas buscan una historia europea universal, es decir, buscan un arte que sea smbolo de la unidad de la poca. El expresionismo abrac diversos aspectos culturales y artsticos, como fue el puntual caso del cine expresionista. Las pelculas expresionistas alemanas tienen relacin con la esttica del grupo de plsticos alemanes Die Brucke, con imgenes de contrastantes colores y ritmos lineales violentos. Las telas pintadas que antes oficiaban de escenografa de las pelculas se sustituyeron por decorados que toman en muchos casos a la esttica del Die Brucke. Los temas abordados en las pelculas remiten a la ciencia ficcin, lo fantstico y lo trgico. Una de las principales producciones de cine expresionista es Nosferatu (1922) de Friedrich Murnau, que relata la historia del vampiro, y est filmada tanto en espacios interiores como exteriores. Tambien incorpora el recurso de pelcula acelerada y ralentizada para generar efectos. Metropolis (1926) de Fritz Lang es otra obra clave del cine expresionista. Ambientada en una ciudad futurista, la cinta de Lang tiene una clara tendencia a la ciencia ficcin, y la arquitectura es la principal protagonista visual. Pero cuando se habla de cine expresionista, es vital hablar de el gabinete el Doctor Caligari (1920), del director Robert Wiene, una sntesis esttica y temtica del expresionismo aleman. El 40
Arte, culturas y estticas argumento relata una serie de misteriosos asesinatos perpetrados por un sonmbulo dirigido por el Doctor Caligari. La innovacin de la cinta es el tratamiento visual: decorados y perspectivas angulosas, agresivas a la vista, grandes claroscuros, edificios puntiagudos y torcidos, maquillaje e interpretacin de los personajes bastante exagerados, el coloreado posterior de las escenas, en azul, verde o sepia. Todo elemento visual en el gabinete... tiene una funcin psicolgica y ambiental. Tanto el argumento como los medios estticos hacen de el gabinete del Doctor Caligari la pelcula expresionista por excelencia. La literatura, y el teatro tambien hallaron su lenguaje dentro de la vanguardia expresionista. Con respecto a la arquitectura expresionista, principalmente podemos destacar la gran diversidad de soluciones estilsticas, que a veces remiten al modernismo y en otros casos al racionalismo. Se destaca la figura de Rudolf Steiner (1961-1925), con su clebre Goetheanum. Una de las formas protagnicas de la arquitectura expresionista es la forma orgnica, entendiendo sta como algo inherente a un ser vivo, en muchsimos casos expresando en el espacio las leyes rtmicas de la naturaleza. As recrean en el objeto construdo las estructuras propias del mundo viviente. En los edificios expresionistas hay un rechazo a la simetra, irregularidad en las aperturas, recorridos imprevisibles, complejos revestimientos internos, y colores simblicos-espirituales que relacionan al hombre. El expresionismo musical, por su parte, constituy un antes y un despues en la historia musical. Su representante es el austraco Arnold Schnberg (1874-1951), un profesor de armona muy importante en la Europa del 1900. Es una de las tendencias musicales ms revolucionaria del siglo XX, en lo que a msica de orquesta se refiere. Su caracterstica es el atonalismo, es decir, la negacin de un eje tonal, por medio del ordenamiento de las notas aledaas. De este modo, en sus composiciones hay ritmo libre, no existe la forma, y niega la tonalidad. La primera obra atonal es el opus 11, de 1911. Fue repudiado en su poca, puesto que no era armnico en comparacin con la msica clsica, y constituan para el pblico obras molestas al odo, desagradables. Sin embargo, para Schnberg sus obras s eran agradables al odo, y le parecan bellas, y mediante el atonalismo, Schnberg relativiz el concepto de belleza: ya no hay una belleza nica, dogmtica, sino que cada uno la aprecia y expresa a su manera, y la suya fue mediante el atonalismo. Ese fue su gran aporte en el campo musical y cultural. A los aos siguientes invent el sistema dodecafnico (es decir, de 12 sonidos) para justificar tericamente sus obras atonales, dejando tambien un basamento terico para su innovacin musical. Se ha mencionado al romanticismo y a Goya como antecedentes de lo que fue la pintura expresionista. Van Gogh, con su uso visceral y subjetivo del color, puede ser considerado un expresionista ms, ya que con su obra pone en primer plano al sentimiento y la expresin personal. Otro antecedente directo es el pintor y grabador noruego Edvard Munch (1863-1944), quien pas una infancia con diversas enfermedades, una madre y una hermana fallecida tempranamente, y otra hermana con una enfermedad mental. Supuestamente tena trastorno bipolar, lo cual l mismo consideraba que era el motivo de su genio, y lleg a afirmar: la enfermedad, la locura y la muerte fueron los ngeles que rodearon mi cuna y me siguieron durante toda mi vida. Sus obras tocan temas relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad, la angustia, la muerte y el erotismo. Sus trazos son enrgicos, expresivos, y utiliza colores saturados, con contenido simblico. En este sentido, salvando algunas distancias estticas, su obra es similar a la de Van Gogh. Al tratar la figura humana, Munch emplea la caricatura y la estilizacin, lo cual es una caracterstica muy goyesca. Su obra ms conocida es el grito (1893), que l mismo describe as: paseaba por un sendero con dos amigos, el sol se puso, de repente el cielo se ti de rojo sangre, me detuve y me apoy en una valla muerto de cansancio. Sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad, mis amigos continuaron y yo me qued quieto, temblando de ansiedad, sent un grito infinito que atravesaba la naturaleza . La obra es considerada un cono cultural, y segn expertos, la figura que aparece podra estar inspirada en una momia que Munch vi en una exposicin. El grito formaba parte de un grupo de seis pinturas llamada amor, que relataban el proceso del enamoramiento hasta la dramtica ruptura final, que estaba representada por el grito. Pint 3 versiones distintas de la misma obra, y tambien la realiz como litografa (gr abado en piedra). Munch dej ms de 1000 cuadros, 15400 grabados, 4500 dibujos y acuarelas, y es considerado el mejor pintor noruego de la historia.
41
Arte, culturas y estticas Tanto los fauvistas franceses como los expresionistas alemanes tienen como punto comun a la expresin interior del artista, pero difieren en la intencin y el modo de manifestarla. Los alemanes acentuaran su obra con un sentimiento trgico y angustiante de la existencia, dado por la cultura en la que estaban inmersos. Si el impresionismo iba de afuera hacia adentro, el artista expresionista recorre el camino contrario: del interior al exterior. El expresionismo pretende dar un mensaje, un contenido interno: su propio yo, con sus problemas, angustias, miedos y ansiedades. No se quedan con lo tangible de la realidad, sino que escarban en algo ms profundo, como su propia identidad y cultura. Por ello, rechazan la belleza academicista del Renacimiento, y afirman que no se puede realizar una obra bella, puesto que no es una poca bella. Al finalizar la Primera Guerra Mundial, en 1918, el expresionismo presenci su pico de popularidad. Esto es comprensible si tenemos en cuenta que tras la guerra se produjo una crisis poltica, social y econmica, y ese ambiente favoreci el desarrollo de un lenguaje plstico realista, agresivo y anti-idealista. Hay tres momentos de la pintura expresionista:
42
Arte, culturas y estticas como ilustracin de la portada de 1912 del Almanaque que el grupo edit. El Der Blaue Reiter fue integrado por Wassily Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee, y Auguste Macke, entre otros. El Der Blaue Reiter realiza una bsqueda de lo primitivo del arte (influencia gtica), destacando el impulso emocional, la no-razon y lo inconsciente. Como el grupo de Kirchner, las imgenes provienen del interior del artista pero, a diferencia de ellos, la figuracin empieza a perderse. En un inicio, toman elementos del fauvismo (en el caso particular de Franz Marc, con sus animales de colores), el futurismo y el cubismo, para luego tomar una autonoma propia. De este modo, progresivamente se alejan del objeto, y lo niegan. No buscan representar el mundo sensible, sino traducir el mundo interior en signos que no son figurativos. De este modo, no hay figuras reconocibles, se sustituye el motivo por el signo y as el cuadro se llena de una energa nueva. Para hablar de abstraccin, hay que hablar de Wassily Kandinsky (1866-1944). Este pintor ruso es quien inicia el movimiento abstracto en la pintura, casi accidentalmente. En sus inicios como artista, pinta paisajes sombros, para luego volcarse hacia los colores fauv. Tambien experimenta claroscuros pintando sobre hoja negra, para acentuar transparencias y particularidades del color. Hacia el final de 1910, las pinturas de Kandinsky denotan una gran tendencia a la plenitud por la equivalencia en intensidad de las reas de color y la superficie reluciente que destruye toda ilusin de profundidad. Las series de cuadros de jinetes en combate comienzan en 1909 y, en ellas, la lnea del horizonte se va erradicando gradualmente, al igual que otras referencias espaciales (caracterstica netamente expresionista). Se dice que inicia el movimiento abstracto de manera casi accidental, ya que una vez, al llegar a su taller, nota a un cuadro apoyado en la pared, y se qued fascinado mirandolo, puesto que este cuadro estaba al reves. As, no reconoci lo pintado, y se pregunt quien haba colocado ese cuadro all. Cuando se acerc y lo dio vuelta, not que era su propio cuadro. Esta ancdota lo hizo reflexionar sobre la necesidad de explorar por ese camino, por ese mundo interior lleno de imgenes desconocidas. De ah Kandinsky se pregunta: la necesidad del hombre moderno de mirar hacia adentro, surge al desagradarle lo externo?. Kandinsky relacion a los colores con la msica y los sonidos de los instrumentos, formulando, por ejemplo que el azul claro correspondera a una flauta, el oscuro a un violoncelo y el ms oscuro a los tonos del contrabajo (teniendo en cuenta los sonidos y cmo los colores, en relacin a otros, se expanden o contraen). Este ejercicio de vincular msica y color, es plenamente abstracto, ya que ambas cosas no son objetos concretos, como son, por ejemplo, las palabras (uno no puede abrazar a la msica, o al color). Se destacan dos etapas en el Kandinsky abstracto: en la primera etapa realiza improvisaciones, en las que hay signos libres con grandes zonas de color que se salen de la lnea y que conforman un conjunto aparentemente desordenado, donde la expresividad y la fuerza de la mancha es ms acusada, predominando los aspectos emocionales (esta etapa es propia del momento en el que est integrando el Der Blaue Reiter). En la segunda etapa, por el contrario, el color se ha domesticado por medio de la voluntad racional, sometindose a la lnea, armando composiciones que se manifiestan en un lenguaje geomtrico y ordenado, siendo la mente la que ejerce su influencia. El punto de unin que tienen las dos etapas es la presencia de elementos flotando o gravitando en un espacio. Esta etapa es la que Kandinsky ms explotara a lo largo de toda su carrera como pintor abstracto. Dentro del grupo Der Blaue Reiter, cabe destacar tambien al aleman Franz Marc (1880-1916). Fue un artista que pas, como muchos, por el naturalismo, el impresionismo, y el expresionismo vangogheano, pero se destacaran en mayor medida la influencia cubofuturista. La parte de su obra ms conocida son los retratos de animales. Estas obras se caracterizan por la brillantez de colores primarios, la simplicidad y un profundo sentido de la emocin. El tema es la fuerza vital de la naturaleza, el bien, la belleza y la verdad del animal que el autor no ve en el hombre, al cual no representa. Marc intenta representar el mundo tal como lo ve el animal, mediante la simplificacin formal y cromtica de las cosas. Usa cada color para denotar un significado: azul para la austeridad masculina y lo espiritual, amarillo para la alegra femenina, y el rojo para la violencia. El pintor falleci batallando en la Primera Guerra Mundial. Un artista dificil de clasificar, que desarrollaremos dentro del Der Blaue Reiter aunque adhiri parcialmente, es Paul Klee (1879-1940). Este pintor suizo que desarroll su vida en Alemania tiene una obra muy vasta y variada, que contiene elementos del expresionismo, surrealismo y abstraccin. Klee
43
Arte, culturas y estticas trabajaba en leo, acuarela, tinta y otros materiales, generalmente combinndolos en un solo trabajo. Sus cuadros frecuentemente aluden a la poesa, la msica y los sueos, y a veces incluyen palabras o notas musicales. No era miembro oficial del Der Blaue Reiter, pero particip de sus exposiciones y frecuentaba a sus integrantes. El arte de Paul Klee es fundamentalmente libre, un juego esttico, como el de los chicos, libre de toda etiqueta o clasificacin, y por ende difcil ubicarlo en un movimiento o momento especfico. Una de sus principales caractersticas fue el uso del color, como dador de emocin expresionista. Coquete tanto con la figuracin como con la abstraccin, integrando a ambas en una misma composicin. Uno de sus mayores aportes fue el de derribar las barreras tradicionales existentes entre la cultura occidental y la cultura oriental: incorpor elementos de ambos contextos culturales, utilizando todas las tcnicas plsticas y recursos visuales que pudo. Klee consigue convertir un cuadro, un dibujo, en un acontecimiento, en algo que ocurre ante los ojos del espectador, que lo sorprende, y que se convierte en un problema que cada cual resolver a su manera y que, por tanto, nunca ser resuelto, por la multiplicidad de significados de sus imgenes. Es una obra abierta, libre, como el espritu mismo de Klee. El Der Blaue Reiter solo realizara 2 exposiciones, y edit un Almanaque (1912) en el que expusieron sus ideas tericas e imgenes. Adhiri al grupo de plsticos el msico expresionista Arnold Schnberg. Su huella en el arte visual fue indeleble, y es un primer paso evidente hacia la abstraccin en las artes visuales.
44
Arte, culturas y estticas deformaciones impliquen dramatismo. Es decir: toma parte de la imagen de los expresionistas alemanes, pero sin su contenido violento y trgico. En la mayora de sus retratos los personajes carecen de pupilas, puesto que Modigliani consideraba a los ojos como el espejo del alma, y si l no conoca en profundidad al retratado, no senta correcto pintarle las pupilas. Esos ojos vacos tambien denotan una melancola gris, como as tambien una especie de introspeccin, de mirada hacia s mismos. Tambien en Pars, el perodo azul de Pablo Picasso presenta caractersticas expresionistas, que se dio entre 1901 y 1904. A causa del suicidio de un amigo muy cercano, la obra de Picasso se tie de la tristeza y frialdad de los tonos de azul, y muestra personajes solitarios, demacrados y que en algunos casos poseen estilizaciones y distorsiones, acentuando su dramatismo. Un importante foco expresionista se dio en la ciudad de Viena, Austria. All hubo artistas de proyeccin y trayectoria internacional, de los cuales dos sobresalen. Oskar Kokoschka (1886-1980) es el principal exponente del expresionismo en Viena, Austria. Estudi en la Escuela de Artes y Oficios de Viena, donde tom como padrinos artsticos al compositor Gustav Mahler, el pintor Gustav Klimt y el psicoanalista Sigmund Freud. En 1908 se alej de la esttica modernista vienesa de la poca presentando su obra teatral el asesino, la esperanza de las mujeres, que disgust a la crtica, siendo la primera creacin del expresionismo escnico. En 1910 se muda a Alemania, y conoce a Alma Mahler, la viuda del compositor, con quien entabla una relacin sentimental entre 1912 y 1915. Cuando se separan por lo enfermizo de la relacin y la crisis mental de Kokoschka, el pintor se hunde en una profunda tristeza y locura, Kokoschka le encarga a una modista la confeccin de una mueca femenina de tamao natural, para sustituirla a Alma como modelo de sus pinturas. Kokoschka no qued contento con el resultado de la mueca, y solo le sirvi para algunas pinturas. En la produccin pictrica de Kokoschka se hallan gran cantidad de elementos expresionistas: colores saturados, pinceladas libres, empastes gruesos y facturas curvilneas, relieve de la pintura, espacios y personajes aplastados o distorsionados. Kokoschka era un gran dibujante, cualidad absolutamente visible en sus pinturas. La figura humana es una de las principales protagonistas del grueso de su obra, y por momentos no existe distincin entre objeto y sujeto: el mundo y lo que gira en torno a los personajes se funde con ellos. Realiz retratos, alegoras sobre el amor, temas religiosos y paisajes, entre otras cosas. Egon Schiele (1890-1918) es el otro gran artista austraco del expresionismo. Estudi dibujo y diseo, y adhiri momentneamente en el grupo de la Secesin Vienesa, cuya cabeza visible era Gustav Klimt. El joven Schiele tom a Klimt como su maestro, siendo mutua la admiracin entre ambos artistas. En 1908 abandona el estilo rgido del modernismo klimtesco, y se vuelve hacia el expresionismo. El grueso de la obra de Schiele son dibujos, en su mayora carbonillas, pasteles, acuarelas y tintas, en la que la lnea es el principal elemento plstico expresivo. En sus imgenes el cuerpo humano es el motor comunicativo, que expresa emociones y se transforma en alegora de la poca. Los estilizados, distorsionados y en muchas ocasiones golpeados cuerpos son la forma que Schiele hall de metaforizar el hambre y el horror de la guerra, la decadencia de la humanidad y, tambien, destacar la fealdad como recurso plstico, con una ttrica y desesperada violencia. Otro de los aportes de Schiele, ademas de la revalorizacin del dibujo como obra autnoma, es tener como tema la crudeza carnal del sexo y la sexualidad humana, que en muchas ocasiones est directamente relacionada con la mismsima muerte. Sus temas erticos y en algunos casos pornogrficos- le trajo problemas: ms de una vez las modelos de sus dibujos eran menores de edad, provocando escndalo en el circuito artstico y personal de Schiele, que en una ocasin, por corrupcin de menores pas unos das en la crcel y se quemaron los dibujos alusivos. En 1914 contrae matrimonio, y realiza numerosas exposiciones, obteniendo un gran reconocimiento en Viena. Tambien realiz pinturas, tanto de figura humana como de naturalezas muertas y paisajes, tanto urbanos como naturales. En 1918, la epidemia de gripe espaola que cobr las vidas de su maestro Klimt y su mujer Edith, que estaba embarazada, alcanza a Egon Schiele, que fallece a la corta edad de 28 aos. Su legado es una innumerable cantidad de dibujos en donde se puede apreciar la ms cruda y sincera naturaleza del ser humano.
45
5.10.3. Cubismo
En 1904 se realiza en Pars una muestra de 42 cuadros de Paul Cezanne, el pintor post-impresionista que bas su obra en la percepcin, la conciencia y el pensamiento. Cezanne formul que cualquier paisaje puede construirse en base al cubo, el cono, el cilindro y la esfera, haciendonos reflexionar sobre el modo de construir esa imagen. La obra de Cezanne, incomprendida en su momento, fue la base del cubismo, vanguardia plstica que rompi finalmente con el cnon renacentista establecido haca 500 aos. El nombre de la vanguardia surgi cuando un crtico de arte, al ver una de estas obras se refiri a ella, despectivamente, como si estuviera compuesta por pequeos cubos, y de ah surgi el nombre del movimiento. Dentro del cubismo se toma al arte primitivo africano, que comienza a ser valorado en su simplicidad y en su fuerza, como un puro y verdadero arte cuyo lenguaje expresivo no estaba condicionado ni contaminado por la civilizacin occidental. De este modo, se genera una relativizacin cultural, en donde los mismsimos artistas europeos comienzan a incorporar arte de culturas ajenas a la propia, enriqueciendola. El talentossimo artista espaol Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) toma la obra de Cezanne y al arte primitivo africano, y se despoja de hacer un arte imitativo o representativo. En 1906, se encontraba en la calle Avignon, en Barcelona, y tom unos apuntes de unas mujeres que trabajaban en un prostbulo de esa calle. Esos bocetos, posteriormente y luego de muchos estudios (alrededor de 800) por parte de Picasso, surgira el primer cuadro cubista: las seoritas de Avignon (1907). En l, hay cinco mujeres de elevada estatura y desnudas, que miran fijamente al espectador y exhiben sus cuerpos en una actitud impdica y provocadora. Pero lo que llama la atencin no es su evidente sensualidad sino el estilo de representacin artstica. Picasso, que era un excelente dibujante, deja de lado los preceptos academicistas, y se vuelca hacia lo primitivo: figuras toscas, angulosas, como talladas con un hacha. Esta tosquedad de la imagen ya haba empezado a observarse en obras del Die Brucke expresionista, en particular en Ludwig Kirchner. Tambien, en el cuadro mencionado, se destacan los rostros desfigurados de las mujeres de la derecha, cuyos rasgos esquemticos apenas parecen humanos. Estos rostros son una referencia directa a la escultura y tallas africanas en madera, que Picasso haba visto en una muestra. Es esta obra la que finalmente rompe con el cnon renacentista establecido 500 aos atrs: se elimina la perspectiva, y con ella tambien se elimina la ilusin de la tridimensional. As, el cuadro no trata de imitar la realidad, sino que utiliza el recurso que lo hace ser un cuadro: el plano bidimensional. Al perder perspectiva, las figuras se geometrizan, reforzando aun ms los elementos plsticos. La ruptura con el cnon renacentista constituye un punto de inflexin total en la historia del arte, y pone en jaque el relato vasariano. Con esta obra, la pintura da un giro radical, y es, hasta ese momento, el punto ms revolucionario en lo que a representacin visual se refiere. Ademas, al tomar al arte africano, se lo revaloriza, y de este modo se valora a una cultura que antes era menospreciada. La mixtura cultural convergen en esta obra y en este movimiento pictrico. El tratamiento visual del cubismo parece sencillo a simple vista, pero es mucho ms complejo . Para eliminar la prespectiva y traducir a la tridimensionalidad al plano bidimensional del cuadro, los cubistas giraban alrededor del modelo a pintar, y representaban los mltiples puntos de vista en la misma imagen. Es decir: a diferencia de la concepcin renacentista, que sostena un punto de vista fijo y daba la ilusin de volumen mediante la perspectiva, el artista cubista toma todos sus puntos de vista. Para ello elega, por ejemplo, una guitarra, y la pintaba viendola de frente, de perfil, desde arriba, desde un angulo inferior, y de atrs, y todos esos planos los pintaba, juntos, en la tela del cuadro. De ese modo, se observa una imagen geometrizada y fragmentada, pero reconocible aunque no exista en ella la ilusin de volumen o la veamos como la vemos en la realidad. As, los objetos dejan de ser lo que son en s mismos, para convertirse en objetos nuevos, dentro de la pintura. Y al anular la perspectiva, la fusin entre figura y fondo acerca la imagen hacia el espectador; el cuadro deja de ser una ventana en la que el ojo, debido a la perspectiva, penetraba en el interior. Ademas, es el espectador quien reconoce aunque geometrizada- la forma de, por ejemplo, la guitarra. Por lo cual, se genera un nuevo nivel de conciencia en el espectador. El cubismo se inici en 1907 con el cuadro ya mencionado, cuyo autor fue Pablo Picasso. La obra no fue expuesta al pblico recien hasta 1916, pero el crculo de artistas que rodeaban a Picasso pudieron 46
Arte, culturas y estticas contemplarla. En base a seoritas... comenz el movimiento cubista, aunque en un inicio no fue entendido ni siquiera por aquellos pintores que lo vieron. De hecho, gener diferentes reacciones. Braque, por ejemplo, dijo al ver la pintura por primera vez: es que nos queres hacer tragar pintura?, en alusin a lo pretensioso y violento de la imagen. Otros artistas que participaron activamente del Cubismo fueron Georges Braque (1882-1963), quien fue muy apegado a Picasso y junto con l, en el inicio, marcaron las lneas directivas del movimiento cubista; y Juan Gris (1887-1927), espaol que es considerado uno de los pilares fundadores del cubismo. En todos los casos, los temas cubistas eran, en algunos casos, paisajes, pero principalmente retratos, naturalezas muertas y bodegones, es decir, modelos que los pintores podan rodear para ver sus diferentes puntos de vista. Esto tambien tiene un significado: al elegir un tema clsico como un retrato o un bodegn y reformularlo visualmente, es practicamente desafiar al arte pre-moderno. Y, como los expresionistas, no haba una intencin de mostrar la realidad como es. Pero, a diferencia de ellos, que trabajaban con la emocin y el sentimiento interno, el cubismo es una actividad plenamente racional, en el que se emplea la mente para destruir y volver a construir la imagen. El cubismo tuvo tres etapas. La primera, el cubismo analtico, se desarroll aproximadamente entre 1908 y 1912, y tiene como caracterstica que los colores son terrosos, grises, y no resaltan. La pintura de esta poca es practicamente monocroma, y esto se debe a que no queran darle un protagonismo excesivo al color, sino al tratamiento visual y la composicin: los diferentes puntos de vista y la geometrizacin. Los temas aqu tratados son, en general, naturalezas muertas, bodegones y retratos (quizas un reflejo de sus vidas bohemias o del aislamiento que tienen del resto de la sociedad), que se superponen y transparentan con el fondo. Dentro de esta etapa hay una transicin, llamada cubismo hermtico, en el que se llevan al extremo las premisas del cubismo analtico. La fragmentacin es enorme, los cuadros parecen como cristalizados, en el sentido de que parecieran vistos por un caleidoscopio o un vidrio esmerilado. Las figuras representada empiezan a perderse, a no distinguirse, y por ello se empiezan a aproximar a la abstraccin. En un intento por no caer en lo abstracto, se inicia el cubismo sinttico, cuyo auge fue entre 1912 y 1914. En l, las imgenes son como ensamblajes propios del cubismo analtico, pero con composiciones ms simples. Los colores son ms vibrantes, y se destacan muchsimo. La gran novedad en este cubismo fue el de introducir el collage: comienzan a pegarse en las telas objetos cotidianos, como tablas de madera, peridicos, chapas, rejillas, papeles, etc. Tambien, mediante los peridicos, introducen la tipografa en los cuadros, por lo tanto, en muchas obras de este perodo, hay letras o textos enteros, ya sea pintados o pegados. Hasta este momento, la idea de pegar o introducir objetos reales en la pintura no exista. El collage es ms de lo que parece: es un intento de introducir objetos de todos los das en el arte. De este modo, el arte tiene, en su mensaje visual, caractersticas de lo cotidiano, y aquellos objetos de todos los das pasan a integrar una obra, por lo que se les da valor esttico y cultural. La huella del cubismo se halla presente hasta el da de hoy, y es una de las vanguardias que ms barreras visuales trascendi.
5.10.4. Futurismo
En un marco de avance tecnolgico y de crecimiento de las grandes ciudades, en 1909, en Italia, el poeta Filipo Tomaso Marinetti (1876-1944) escribe un manifiesto literario, en el que deca, entre otras cosas: el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Marinetti, junto con Boccioni, Carr, Balla y Severini, firmaran este manifiesto futurista, en el que proponan romper con el pasado para mirar hacia el futuro, y destacar la aparicin de un nuevo componente como consecuencia del desarrollo de la mquina: la velocidad. El peligro, la energa, el dinamismo, la anarqua, el progreso, la juventud, la modernidad, la agresividad y el cambio son las ideas fundamentales de los futuristas, que constituyeron un movimiento difundido internacionalmente, aunque su base fue Italia. Como temas artsticos tomaran a la ciudad, los automviles y la catica realidad cotidiana.
47
Arte, culturas y estticas Sus aportes ms perdurables fueron los diseos arquitectnicos de hoteles, estaciones, ferrocarriles, autopistas y galeras, que representan esa idea y sentimiento de progreso. Tambien se destacaron en fotografa blanco y negro, siendo de los primeros en darle un marcado carcter artstico a esta disciplina. Las fotografas eran tomadas con una baja obturacin de la cmara, para permitir destacar el movimiento de los personajes, cuyos fantasmas aparecen repetidos y connotan tiempo y accin. Ademas, experimentaron con la superposicin de negativos a la hora de imprimir fotografas, armando composiciones muy interesantes, basadas en transparencias y, nuevamente, la sensacin de movimiento. Tambien incursionaron en la msica, siendo una figura primordial Luigi Russolo (1883-1947), quien ademas de pintor invent el intonarumori, grandes cajas con conos acsticos que, activadas en parte por los llamados acumuladores, producan los sonidos y ruidos ms diversos. Zumbaban, tintineaban, vibraban, pitaban, chillaban, silbaban y, en una palabra, trasladaban a la sala de conciertos la acstica del mundo tcnico. Los intonarumori son un antecedente directo de la msica incidental y electroacstica, que se desarrollara dcadas despues. En pintura, buscan sus races en el impresionismo y puntillismo, en sus inicios, y luego en el cubismo. En sus obras, predominan dos caractersticas: el dinamismo y la simultaneidad. Se condicionan mutuamente y es difcil considerarlas por separado, y generan la ilusin de movimiento, como si de una secuencia cinematogrfica se tratara. Lo consiguen repitiendo un mdulo: sucesin y superposicin de las fases del movimiento de un cuerpo. Decan: un caballo corriendo no tiene cuatro patas, sino veinte, y sus movimientos son triangulares. Las escenas se descomponen en facetas y en diversas perspectivas, las figuras se doblan, los colores son agresivos y no naturalistas. El espectador tiene que implicarse en la vivencia ptica y sensual, por lo cual se coloca al espectador dentro del cuadro. La figura de Umberto Boccioni (1882-1916), pintor y escultor, fue la ms importante dentro de la pintura futurista, y su muerte marca el punto mximo de esta vanguardia. En su obra ms reconocida, la ciudad se levanta (1910), Boccioni utiliza la pincelada impresionista para dar el nfasis de movimiento, y las masas de lneas y color consiguen lograr el efecto de forma y concrecin de la materia. Ms adelante, empleara una tcnica cubista, aunque evitando las lneas rectas horizontales y verticales (estticas), y utilizando colores complementarios para producir una vibracin cromtica. En escultura, utilizaba madera, hierro o cristal, y no ofrece una serie de perfiles rgidos, de siluetas inmviles, sino que cada perfil contiene en s mismo una indicacin para entender a los demas (clara influencia cubista): continuidad dinmica de las formas, extensin de la escultura hasta adentrarse en el espacio. Boccioni revoluciona la escultura y va en contra del academicismo, jugando no solo con el volmen de la escultura en s, sino tambien con el vaco y el aire que le rodea. La obra clave de esta propuesta escultrica es su pieza de 1,10m de altura llamada formas nicas en la continuidad del espacio (1913). En ella, Boccioni sintetiza la figura de un hombre corriendo, destacando el juego de huesos y msculos, la deformacin elstica de las masas bajo el empuje de las corrientes atmosfricas, y materializa la atmsfera en movimiento, integrandola al cuerpo del personaje desdoblado. El futurismo es una vanguardia extremadamente contradictoria, respecto a sus preceptos. Consideran, por ejemplo, que hay que negar al pasado, pero al mismo tiempo insisten en que la obra debe desplegar sentimientos, lo cual es una clara influencia romntica. Desplegaron su ideologa internacionalmente, pero crean que el genio italiano salvara al mundo, pero desplegaron frases como la guerra es la higiene del mundo y todos los hombres del mundo son unos idiotas, excepto los futuristas. No tienen compromiso en partidismos polticos, no apoyan a la clase obrera, y pese a su bsqueda de generar sentimientos, son bastante fros. Cabe destacar que la esttica futurista no hubo una lnea directriz clara, sino que se centraron casi exclusivamente en lo ideolgico, y la esttica respondi a ello. Podra decirse que el futurismo fue el preludio del movimiento dad, por su negacin al pasado e intento de destruir la concepcin tradicional de arte.
48
5.10.5. Abstraccin
En artes visuales, se denomina arte abstracto a toda representacin visual en la que se prescinde de un motivo figurativo. Esto significa que en el arte abstracto se evitar caer en la representacin de la realidad y en la imitacin de modelos o formas naturales, y se har una bsqueda de los elementos propios de las artes: el color, la lnea, la composicin. El arte abstracto encuentra sus primeras referencias o guios en algunas obras del romntico Joseph Turner, en la fragmentacin puntillista, en el cubismo hermtico, y en algunas obras futuristas, entre otros referentes. Sin embargo, es absolutamente novedoso el hecho de esquivar totalmente la representacin figurativa, y llegar a los puros elementos visuales. Algo muy a tener en cuenta es que la abstraccin en s misma no es una vanguardia. Dentro de las propuestas y tendencias abstractas de primera mitad del siglo XX, algunas pueden ser consideradas vanguardia por haberse aglutinado en torno a un grupo o incluso un manifiesto. En ese sentido, por ejemplo, el constructivismo ruso es considerado uno de los movimientos de vanguardia ms puros, por su compromiso artstico y social. El neoplasticismo y el suprematismo constituyen vanguardias netamente visuales, cuyas propuestas y bsquedas giraron en torno a un grupo de artistas y su correspondiente sello estilstico, pero que solo se expres dentro del campo artstico. La abstraccin lrica, a diferencia de los anteriores descriptos, es un estilo, una forma de abstraer, y no constituye un grupo o una vanguardia en s misma. Tambien la escuela de la Bauhaus trabaj dentro de la tendencia abstracta, pero merece un captulo aparte por su vital importancia en el arte moderno. Es decir, la imagen abstracta es revolucin visual, pero solo llega a ser vanguardia si es puesta en funcin de una idea de cambio social y renovacin artstica, como sucedi en los casos descriptos.
49
Arte, culturas y estticas del ojo humano. De esta forma us la cmara fotogrfica para crear sensaciones desconcertantes, a la vez que usaba las fotografas con un objetivo de compromiso social. Formalmente, las fotografas solan ser o planos cenitales, planos opuestos totalmente a los convencionalismos, y que impactaban al espectador, causndole dificultades en reconocer el objeto fotografiado. Fue as como Rodchenko se propuso liberar a la fotografa de todas las convenciones y puntos de vista comunes en la poca, lo que le convirti en uno de los ms importantes pioneros del constructivismo fotogrfico. Pero uno de los ms importantes fundadores del constructivismo fue Vladimir Tatlin (1885-1953), quien abarc mltiples facetas: escultura, pintura, proyectos arquitectnicos, objetos inventados, de diseo, y decorados teatrales. Quiso materializar el arte con montajes, y, como los dadastas, promover la muerte del arte de museo: "la Obra debe participar en la vida y en la construccin del mundo". El ms famoso de sus proyectos fue el del Monumento a la Tercera Internacional, datado en 1919-1920, pero que nunca se construy. Sera un edificio habitable, mucho ms alto que la Torre Eiffel, con una dinmica estructura arquitectnica que combinaba una esttica de mquina con componentes que celebraban la tecnologa, como los reflectores y las pantallas de proyeccin. Dise tambin el Letatlin (letat significa volar en ruso), aparato volador sin motor de uso individual que permitira a los ciudadanos soviticos desplazarse sin crear contaminacin y de manera natural. As, Tatlin consider que el arte puede ser funcional y formar parte de la vida cotidiana.
5.10.5.3. Suprematismo
El suprematismo surge en Rusia en 1915, de la mente de Kazimir Malevich (1878-1935). En este ao, Malevich escribe un manifiesto en el que propone que en el arte los elementos formales se reducen al tringulo, el cuadrado, la cruz y el crculo; y los elementos cromticos se circunscriben al rojo, negro, azul, blanco y verde. Este arte prescinde de los objetos, y solo reduce la representacin a las figuras geomtricas. Un ejemplo de los lmites a que lleva este tipo de arte es la obra del propio Malevich llamada cuadrado blanco sobre blanco, de 1918, en la que se ha prescindido completamente del color, mediante la geometrizacin y la abstraccin absoluta. Consideraba que el objeto, o lo figurativo, eran mercanca y comercio, y por eso se opone rotundamente a l, intentando llegar a un arte universal. La obra de Malevich es practicamente conceptual, y va ms all de su cuadrado negro sobre fondo blanco o sus propuestas visuales casi minimalistas. En el espritu de Malevich, su obra es una tabula rasa, una pgina en blanco, un smbolo del futuro en el cual la pintura abstracta pueda tener un lugar, pero no contra los imperativos sustractivos y excluyentes del relato modernista. Podra ser, como lo ha sido en su contexto histrico, la bandera del futuro abierto. Malevich rechaza la sugerencia de vaco en sus pinturas, y el cuadrado monocromo tiene densidad de significado: es una negacin estilstica al pasado, pero una proyeccin a re-escribir el futuro artstico. La pintura es su propio tema, pero no solo es pigmento, sino contexto cultural, bsqueda, y hay un fundamento detrs, solo que est oculto. En la pintura monocroma, puede haber gran cantidad de cuadrados rojos, realizados por diferentes artistas y en diferentes contextos, pero aunque estticamente sean similares todos seran diferentes, precisamente por su origen e intencin al ser ejecutado. Este es uno de los grandes aportes de Malevich: el de pensar a la pintura ms all de lo perceptivo.
5.10.5.4. Neoplasticismo
El neoplasticismo es una corriente artstica promulgada en Holanda por Piet Mondrian en 1917, que propona despojar al arte de todo elemento accesorio, en un intento de llegar a un lenguaje plstico objetivo y, como consecuencia, universal. Las teoras de Mondrian, que tienen su origen en las obras cubistas de Georges Braque y Picasso y en la teosofa, reivindican un proceso de abstraccin progresiva en virtud del cual las formas se iran reduciendo a lneas rectas horizontales y verticales, negras, blancas y gris, junto con los tres colores primarios. El excesivo rigor de las propuestas de Mondrian provoc violentas crticas tanto dentro como fuera de su crculo de adeptos. No obstante, el neoplasticismo est considerado, junto con el suprematismo de Malevich, el origen de la abstraccin geomtrica.
50
Arte, culturas y estticas En lo que respecta a su obra particular, Piet Mondrian (1872-1944), inici su carrera pictrica, como muchos, siendo impresionista, y posteriormente puntillista. Pint rboles, paisajes y cielos, que gradualmente ira abstrayendo. En una obra de 1908, pinta un campo con unas parvas, en el cual se destacan, casi exclusivamente, el amarillo, el rojo y el azul. Empieza a simplificar sus composiciones, valindose del cubismo, y progresivamente se despoja de la figuracin, hasta llegar al abstracto. Utiliza pocos elementos plsticos: blanco, negro y los colores primarios puros, dispuestos espacialmente mediante lneas horizontales y verticales. Al dedicarse a la abstraccin geomtrica, Mondrian busca encontrar la estructura bsica del universo, la supuesta retcula csmica que l intenta representar con el no-color blanco (color que posee todos los colores) atravesado por una trama de lneas de no-color negro (ausencia de colores) y, en tal trama, planos geomtricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudiando las caractersticas sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en general todo lo formal, expres que el arte no debe ser figurativo, no debe implicarse en la reproduccin de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una especie de indagacin de lo absoluto y subyacente detras de toda la realidad. Los neoplasticistas holandeses publicaron asiduamente la revista de stijl, en donde se expresaban las propuestas e inquietudes del grupo. Otro integrante del grupo neoplasticista fue Theo Van Doesburg (1883-1931), quien se alej del grupo luego de incorporar la diagonal en sus composiciones, elemento visual que para Mondrian era impuro. Como ancdota de las ligeras excentricidades de Mondrian, cabe mencionar que prohibi el color verde en su casa. Cabe destacar tambien que, pese a su aparente simplicidad, las obras de Mondrian son sumamente complejas, y son composiciones precisamente estudiadas. Piet Mondrian es considerado, junto a Kandinsky y Malevich, los pilares fundacionales del arte abstracto en el mundo.
5.10.6. Dadasmo
Dad no significa nada. Queremos cambiar el mundo con nada. No es Dad el sinsentido; el sinsentido es la existencia de nuestra poca. Tal era el espritu dadasta. En su segundo nmero, publicado en 1919, la revista berlinesa Der Dada planteaba a sus lectores la siguiente pregunta: qu es Dad?, y propona a continuacin una serie de respuestas, algunas posibles y otras no tanto, que abarcaban desde un arte hasta un seguro contra incendios. O puede que no sea nada, es decir, que lo sea todo, rezaba la reflexin final. Semejante planteamiento, que rechaza cualquier compromiso, era el ms cercano a los objetivos y al espritu dad. En su formulacin se expresa un modelo de contradiccin muy afn al defendido por los dadastas. El dadasmo no era un movimiento exclusivamente artstico, literario, musical o filosfico. Era todo eso, y al mismo tiempo todo lo contrario: antiartstico, provocador en lo literario, travieso en lo musical, radical en lo poltico y antiparlamentario, pero sobre todo infantil. De ah que muchos dadastas cultivasen simultneamente varias vertientes de su talento, y que invirtiesen la misma dedicacin e inventiva tanto en el recitado de sus obras como en las ms diversas tcnicas plsticas. Pese a los numerosos manifiestos presentados por los dadastas, no haba tras este movimiento un grupo estable: no obstante, en cada ciudad existan partidarios que se erigan en portavoces. En torno a estos se reunieron numerosos simpatizantes, de los que solo unos cuantos participaron en actividades dadastas, y aun esto de una manera breve y espordica. A grandes rasgos, el perodo de actividad del movimiento dadasta puede establecerse entre 1916 y 1922, ao en que Tristan Tzara se dedic a rezar la Oracin fnebre por Dad en distintas ciudades de Alemania. En febrero de 1916, en el Cabaret Voltaire de Zurich (Suiza), se funda el movimiento dad. No es casual que este movimiento, que tendr amplias repercusiones en el desarrollo del arte moderno, se inicie en esta ciudad. Al estallar la Primera Guerra Mundial una serie de literatos y artistas, procedentes de otros pases y a los que podramos denominar emigrantes de la cultura, eligieron esta ciudad, en un pas neutral, como nico refugio seguro y tranquilo, y ante todo como un lugar de encuentro para las ideas. Fueron el rumano Tristan Tzara (1896-1963) y los alemanes Jean Arp (1886-1966) y Hugo Ball (1886-1927) los principales fundadores del Cabaret Voltaire. 51
Arte, culturas y estticas Este grupo dadasta de Zurich se mantuvo en el mbito de una negacin intelectual violenta y, al igual que los expresionistas alemanes, han protestado contra los falsos mitos de la razn positivista. En este punto, cabe destacar que los dadastas llegan a una negacin absoluta de la razn, y cae la concepcin positivista del hombre: no creen en el progreso, no consideran que la ciencia, Dios o el hombre puedan salvar al mundo, sino que est todo perdido. Una guerra mundial, la insensatez poltica y social de la poca, la falta de ideales positivos, hicieron de los dadastas unos verdaderos nihilistas, cuya negacin contra la sociedad/tradiciones/costumbres es activa y, por ende, tambien niega a todo arte anterior. Proclaman la destruccin del arte, que los museos son cementerios culturales, y que Dad deba destruir todo arte, y ni siquiera para imponerse: ninguna esclavitud, ni siquiera la de Dad sobre Dad; en cada momento Dad tiene que destruir a Dad para vivir. Los dadastas estaban a favor de la libertad desenfrenada del individuo, la espontaneidad, la contradiccin, la anarqua y la imperfeccin, y en contra de todo orden y perfeccin. El instrumento preferido por los dadastas para expresarse sera el escndalo en todo sentido. El gesto siempre es una provocacin contra el sentido comn, la moral, las reglas y la ley. El dadasmo se propone a s mismo como el deseo profundo de transformar la poesa en accin. Con respecto al proceso de creacin dadasta, no se trata de una razn que ponga orden, una bsqueda de una coherencia estilstica o un mdulo formal que domine en la creacin de la obra dad. Los motivos de naturaleza plstica que interesan a los demas artistas no interesan en absoluto a los dadastas. Por lo tanto ellos no crean obras, sino que fabrican objetos. Lo que interesa en esa fabricacin es el significado polmico del procedimiento, la supremaca del azar sobre la regla. A estos objetos est ligado un gusto arbitrario, irreverente, muy alejado de la idea de constituir un ejemplo esttico, como buscaban cubistas, futuristas y abstraccionistas. Un ejemplo por excelencia del mtodo que gua al proceso de creacin-fabricacin dad est constitudo por los consejos de Tristan Tzara para hacer una poesa dadasta: Tomen un peridico. Tomen unas tijeras. Escojan en el peridico un artculo que tenga la longitud que ustedes desean dar a su poesa. Recorten el artculo. Recorten despues con cuidado cada una de las palabras que forman el artculo y pongan todas las palabras en una bolsa. Agiten suavemene. Saquen las palabras unas tras otras, disponindolas en el orden en el cual las hayan sacado. Cpienlas concienzudamente. La poesa se parecer a ustedes. Y estarn transformados en un escritor infinitamente original y dotado de una sensibilidad encantadora. Este es el punto extremo de la rebelin y la potica que gua a la rebelin Dad, que batallaba contra la mentalidad pequeo-burguesa, acadmica, reaccionaria que a menudo tambien se esconda entre aquellos artistas que se crean de vanguardia. El Dad se desarroll no solamente en Suiza. Dentro del continente europeo, en Alemania se destaca el artista Kurt Schwitters (1887-1948). En sus obras utiliz elementos como madera, hierro, recortes de lata, sobres, tapones, plumas de gallina, tickets de tranva, sellos, clavos, papel, piedras, cuero. Los cubistas o los futuristas tambien utilizaban este tipo de materiales en sus obras, pero absorbindolos en el conjunto del color y la composicin, pero en los collages y assemblages de Schwitters los elementos estan ordenados por las leyes del azar. George Grosz (primero expresionista de la nueva objetividad, luego artista dad) se refera a las obras de Schwitters como pintura de inmundicia, por incorporar diversos materiales de desecho. La obra ms destacada del autor fue su Merzbau, iniciado en una habitacin de su casa de Hannover, y que termin ocupando 2 pisos y comprendiendo 4 habitaciones. Se trataba de una construccin en mampostera, mezclada con zonas de cartn, todo ello encalado en blanco, en la que Schwitters iba situando pequeos elementos que le recordaban a sus mejores amigos artistas. La construccin fue creciendo con el transcurso del tiempo, y no posea un final preestablecido. Durante la guerra, en un bombardeo, se destruy y slo quedan fotografas de esa especial realizacin que por s sola justifica lo nuevo que comporta el dadasmo. Schwitters tambien realiz un gigantesco ttem de varios metros de alto, con el mismo procedimiento, montado con desechos y elementos que encontr por azar a traves de los aos, y que conformaron el assemblage final. Otro importante centro dadasta se dio en Nueva York. Hasta ese momento, en Estados Unidos imperaba un estilo naturalista con temas autctonos, como retratos de campesinos y escenas costumbristas, por lo cual el arte moderno era algo totalmente ajeno a la cultura norteamericana. Los
52
Arte, culturas y estticas artistas que participaron de la exhibicin de arte moderno conocida como Armory Show, realizada en 1913, fueron los que introdujeron la idea de arte moderno en el nuevo continente, con trabajos fauvistas, cubistas y futuristas, como el desnudo bajando la escalera de Duchamp. Esa exhibicin sera el punto de partida del arte moderno en norteamrica, luego desarrollandose el grupo dadasta de Nueva York, cuya actividad se desarrollara, aproximadamente, entre 1915 y 1920. En el grupo destaca la figura del fotgrafo Man Ray (1890-1976), cuyas primeras obras experimentales son los rayogramas de 1921, imgenes fotogrficas sacadas sin cmara (imgenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado). Hace tambin retratos, conviertiendose en fotgrafo retratista de personalidades de la cultura. Tambien realiz objetos anti-arte que posean ttulos como objeto para ser destruido o haciendo fotografas sin cmara. En pintura mencionamos a Francis Picabia (18791953), quien en un principio tuvo contacto con las vanguardias artsticas europeas y luego se orient hacia la pintura dad, en la que aparecan sus mquinas intiles y mecanismos ilgicos, parodiando lo obsoleto de la tecnologa, en aparatos simblicos diseados por l y que no producan nada. Sin embargo, la figura mas importante e influyente del grupo es Marcel Duchamp (1887-1968), a quien abordaremos posteriormente en detalle como un artista vital en la historia del arte moderno y posmoderno. En Pars tambien hubo ecos dadastas, siendo Andr Bretn uno de los principales representantes. Su obra literaria sera el pilar fundamental del surrealismo, pariente directo del Dad.
Arte, culturas y estticas Mantuvo siempre un cierto escepticismo frente a las posibilidades de la pintura, que le resultaba insuficiente para satisfacer sus pretensiones de objetividad y cientificismo en el arte. De ah que, en palabras del propio Duchamp, la pintura no fuese para l sino un medio de expresin entre muchos otros. En 1915 Duchamp abandon casi por completo la pintura, ao en que se instal en Nueva York. Cabe destacar que Duchamp comparta muchos puntos con los dadastas suizos, pero aseguraba que lo que l y su crculo hacan en Nueva York no era dad. La diferencia estaba, segn l, en que los dadastas libraban una batalla contra el pblico, y cuando se est librando una batalla, resulta difcil rerse al mismo tiempo. El ambiente en Nueva York era ms jovial, y tanto Duchamp como el grupo neoyorquino no tenan intencin de destruir el arte, sino elaborar preguntas nunca antes formuladas al arte. Aun as y pese a las diferencias con los dadastas suizos, a Duchamp y su grupo se los conoce como los dadastas de Nueva York. Dos aos antes, en 1913, Duchamp haba empezado a confeccionar sus primeros ready-mades: la rueda de bicicleta, consistente en la rueda montada sobre un taburete; el seca botellas, una estructura comprada en un bazar, para poner las botellas a secar y que Duchamp firm; y en avance del brazo roto, una pala quitanieve elegida a traves de la indiferencia esttica y que Duchamp colg del techo con un cable. Los ready-mades constituyen un gnero artstico nuevo e independiente ideado por Marcel Duchamp. Se trata de objetos de consumo producidos a escala industrial, que a travs exclusivamente de su seleccin y presentacin acceden a la categora de arte. El autor no configura estas obras, sino que se limita a elegir, a encontrar el arte y designarlo como tal. Duchamp se encarga tambien de despojarlos de su utilidad y funcionalidad: en el caso de la obra de 1913, la fusin escultrica entre la rueda y el taburete les hace intiles en lo que a su uso habitual refiere. Mediante los ready-mades, Duchamp rechaza con gran mordacidad el tradicional mito que presentaba al artista como genial creador, haciendo obras con poca o nula intervencin del autor. Lo interesante para Duchamp es romper con cuanto el pblico espera tradicionalmente del arte, establecer los lmites de las obras artsticas para poder ampliarlos radicalmente. Todos sus readymades plantean una pregunta clave: cules son las caractersticas y condiciones que hacen de un objeto una obra de arte?. Esta pregunta sera y es- la pregunta que se formulara el arte posmoderno, 50 aos despues de la invencin de Duchamp. Algunos de los ready-mades realizados por Duchamp fueron: trampa (1917), un perchero para abrigos que estaba en el piso de mi estudio y yo continu torpezndome con ste, hasta que finalmente dije si esto se va a quedar en el piso, all lo clavar; o aire de Pars (1916), 50 centmetros cbicos de aire parisino encerrado en una ampolla de farmacia. Sin embargo, la obra clave dentro de los ready-mades duchampianos es fuente (1917). La obra consiste en un urinario de produccin industrial un mingitorio comn y corriente. La manipulacin del artista se reduce a tres hechos concretos que deben convertir un objeto cotidiano en una pieza de arte: en primer lugar, lo coloca sobre un pedestal como los usados para presentar una escultura; en segundo lugar, lo dota de firma y fecha; por ltimo, lo presenta en una exposicin de arte realizada en 1917. La explosividad esttica de este concepto qued de manifiesto cuando le fue denegada la presentacin de la obra en la exposicin, que en teora careca de jurado. La premisa que propone Duchamp con su fuente es que un objeto cualquiera puede ser elevado a la categora de arte con solo dotarlo de los atributos caractersticos de una obra de arte. En el ejemplo que nos ocupa, estos atributos son el pedestal, que ennoblece al urinario y lo separa de su entorno habitual. La inscripcin R. Mutt 1917 en el costado del mingitorio caracteriza al objeto como obra de arte, pues est firmado. Marcel Duchamp renunci conscientemente a utilizar su nombre y escogi en cambio un pseudnimo, pues quera dejar patente la condicin de gesto artstico de la firma y de la aspiracin artstica de que iba acompaada. Finalmente, el objeto deba haber sido presentado en una exposicin pblica de arte. Duchamp entendi que un objeto queda definido principalmente a travs de su contexto, y que ubicado en diferentes entornos ser percibido de distintas maneras. La gran innovacin introducida por Duchamp en el arte fue llamar la atencin sobre la importancia del contexto en la valoracin del arte, y cmo el artista es quien decide qu es arte. Su fuente termin siendo un emblema del arte como provocacin y una evidente humorada contra el jurado de una muestra sin jurados. El gesto de pres entar un
54
Arte, culturas y estticas elemento ordinario, de factura industrial, no solo desacredita la sacralidad de la obra artstica, sino que tambien pone al desnudo los mecanismos de legitimacin del arte. Dcadas despues, la institucin-arte avalara a sus ready-mades como obras, pero no solo por su concepto, sino irnicamentepor su esttica. Duchamp, en 1962, dira: cuando descubr los ready-mades, pens en intimidar a la esttica (...). Les arroj a sus caras el posabotellas y el urinario como un reto, y ahora los admiran por su belleza esttica. Otra especie de ready-made es L.H.O.O.Q. (1919). Ese ao Duchamp compr una reproduccin barata de La Gioconda de Da Vinci, y le pint bigotes y barba, convirtiendo una de las pinturas ms famosas de la historia en un ready-made rectificado. El ttulo, que en ingles se lee como look (mirar), en francs puede leerse al pronunciar las letras una a una como ella tiene el culo caliente. En este caso, como en los ready-mades, apareca algo cotidiano, pero no era un objeto, sino un cono por todos conocido: la pintura de Leonardo. Al pintar barba y bigote masculino sobre la Mona Lisa, Duchamp practica una humorstica difuminacin de la definicin de gnero del personaje, y parodia la famosa creencia de que la mujer representada es en realidad el mismsimo Leonardo. Este costado humorstico, irnico y provocador est en sintona con los rasgos incisivos de los dadastas suizos y su bsqueda de desacralizar el arte histrico. Otra de las obras maestras de Duchamp es la novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso, tambien conocido como el gran vidrio. La obra de 271cm x 174 cm est compuesta por dos vidrios superpuestos contenidos en un marco metlico. En el intersticio entre cristales, se escenifica casi abstractamente- el proceso amoroso y mecnico que lleva al desnudamiento sbito de la novia, quien colgada en la zona superior estimula la actividad de los solteros. Enigmtica y provocadora, la maquinaria amorosa se sita en el dominio del absurdo, con anatomas deseantes, vsceras mecnicas y un funcionamiento pseudocientfico que remite al amor como tpico evidente de la obra. Duchamp empez a proyectar la idea de la obra en 1912 y a realizarla entre 1915 y 1923. El trabajo consisti en transferir el dibujo preliminar al vidrio, para luego pintarlo al leo, barniz y plomo derretido. Duchamp dijo respecto al proceso de la obra: me interesaba, pero no lo suficiente como para estar impaciente por verlo terminado. Soy perezoso, no lo olvidemos. Ademas, en aquella poca no tena la menor intencin de ensearlo ni venderlo. Lo estaba haciendo y punto, sa era mi vida. Y cuando me apeteca trabajar en l, lo haca, y otras veces sala y disfrutaba de Norteamrica. Todas las imgenes que aparecen en el vidrio estan ah con un propsito, con el fin de llenar un vaco o de satisfacer la mirada; no se agrega nada. La transparencia propone una mirada a travs, que libera al ojo de la opacidad de la pintura y aporta a la idea de dejar de considerar a la cosa en cuestin como un cuadro. De alguna forma, tambien hay una alusin algo irnica a la metfora renacentista del cuadro como ventana abierta al infinito. Si la perspectiva renacentista construye la ilusin de un mundo tridimensional, con su vidrio Duchamp revela un espacio no-dimensional. En 1926 un suceso accidental modifica el aspecto original de la pieza: durante un traslado el vidrio se quiebra, hecho que estticamente agrad a Duchamp y por ello no lo restaur. La iconografa de el gran vidrio es bastante compleja y ha sido objeto de estudios diversos, de las cuales Duchamp declarara: los anlisis que se han propuesto no tienen necesariamente algn valor. Mi intencin original carece de interes, lo interesante es el efecto que mi obra produce en el espectador, en el pblico que decidir si la obra es suficientemente importante como para sobrevivir. En 1915, la libertad que Duchamp haba conseguido en Nueva York se desvanece luego de que Estados Unidos entre en guerra. El declarado antimilitarismo del artista lo arrastra a un nuevo exilio, eligiendo por motivos muy poco definidos- a Buenos Aires como ciudad de residencia, a la cual llega en noviembre de 1918. En cartas de Duchamp a amigos residentes en Europa, declara: reina un autntico aire de paz, que es maravilloso respirar y una tranquilidad provinciana que me permite e incluso me fuerza a trabajar. Tambien pueden encontrarse otras opiniones de Duchamp, contradictorias a la anterior, que describan al machismo de Buenos Aires, en relacin a la poca autonoma de la mujer en la sociedad, y que Buenos Aires no existe. No es ms que una gran poblacin provinciana con gente muy rica sin pizca de gusto que todo lo compra en Europa. Se instal en un estudio en la calle Sarmiento 1507, Capital Federal, y all bocet en pequeo ideas para el gran vidrio, entre otras obras. Intent
55
Arte, culturas y estticas cubificar Buenos Aires, intentando armar una exposicin con pinturas cubistas de colegas europeos y norteamericanos en galeras porteas, pero el proyecto no progres. Hay que tener en cuenta que, para la fecha en que Duchamp planea esta muestra (fines de 1918), en Buenos Aires practicamente no se tena idea de qu era el cubismo, y tendra que esperarse hasta la dcada del 20 para ver las vanguardistas propuestas visuales de Pettoruti y Xul Solar. En Buenos Aires, Duchamp encuentra interes en el tango y el teatro, y dedica largas horas a su deporte favorito, el ajedrez, en busca de la jugada adecuada. Confecciona piezas de ajedrez en madera, y juega un ajedrez por correo con algunos amigos europeos. Duchamp deja Buenos Aires en junio de 1919. En aquel entonces, a ningun argentino se le hubiese ocurrido que uno de los artistas ms revolucionarios del siglo se marchaba tras haber pasado nueve meses de su vida en la Argentina. En la dcada del 20 Duchamp incursion en el teatro y en el cine, participando en una escena de la pelcula surrealista Entreacto, de Ren Clair, en la que aparece jugando al ajedrez en una terraza con Man Ray hasta que un enorme chorro de agua cae sobre ellos y el tablero. Tambien acta en otra pelcula disfrazado de rey, en una escena en la que se dramatiza a un ajedrez viviente. En esa dcada trabaj tambien con sus mquinas pticas, en consonancia con su preocupacin por los fenmenos visuales. Realiz placas de vidrio rotativas, impulsadas por movimientos mecnicos, que l llamaba juguetes pticos, y son un antecedente directo del op-art que surgira como movimiento artstico 40 aos despues. Cuando regres a Paris en 1934, Duchamp empez a reproducir de manera fascimilar todas sus notas, bocetos, dibujos y algunas pinturas acerca de el gran vidrio realizadas entre 1912 y 1920 y reunirlas sin orden alguno en lo que se dio en llamar la caja verde, llamada as por el color del gnero aterciopelado con que estaba forrada la caja, que deba acompaar al Vidrio y consultarse cuando se mira el Vidrio ya que, al menos para m, no debe ser mirado en el sentido esttico de la palabra. Uno debe consultar la caja y mirarlos juntos. La conjuncin de ambas cosas remueve completamente el sentido retiniano, que no me gusta. Nuevamente, Duchamp exige del espectador un esfuerzo mental, un proceso de elaboracin personal para completar y comprender sus obras. El modelo de la caja verde sera repetido en su caja en valija, que dise entre 1935 y culmin con la primera edicin de dicha caja en 1940. La caja en valija contena 69 reproducciones exactas de sus obras, en miniatura, con sus respectivos detalles, colores y etiquetas. Entre las reproducciones pequeas se hallaban desnudo descendiendo una escalera n2, el gran vidrio (reproducido en hoja transparente), y las esculturitas a escala de aire de Pars y fuente. Duchamp haba pensado cmo se veran sus obras una vez abierta la tapa de la caja, proponiendo una suerte de montaje y dilogo entre ellas. Con esta obra, Duchamp inventa una nueva forma de autobiografa, en la que l mismo es el titiritero de su pasado. Trabaja durante estas dcadas como curador y diseador de exposiciones de carcter surrealista, aunque no adhera a los postulados de ese grupo. Dentro de sus aportes artsticos a esas muestras se encuentran, por ejemplo, un maniqu de mujer sin cabeza en delantal de mucama y con una canilla pegada a la pierna derecha, o el diseo de un catlogo en donde coloc un seno de mujer en la tapa y en la contratapa la leyenda se ruega tocar. En la dcada del 60 participa como protagonista de screen test for Marcel Duchamp, una pelcula de 20 minutos filmada por Andy Warhol en la que la nica actuacin de Duchamp fue la de fumarse un puro sentado en una silla. Tambien realiza una performance con John Cage, llamada reunion, en la que juegan al ajedrez con un tablero con micrfonos incorporados de modo tal que, cuando uno de ellos realizaba una jugada, se activaba toda una serie de imgenes y sonidos electrnicos, todo esto proyectado en un escenario. Tambien reprodujo, en 1964, trece de sus primeros ready-mades, en ediciones de ocho, firmados y numerados. Con este acto y con, por ejemplo, su caja en valija- Duchamp atenta contra la idea de obra nica, multiplicando a la misma obra muchas veces. Es en esta dcada cuando empieza a tener su justo reconocimiento a nivel artstico. Su fuente es tomada como pilar del arte conceptual, y Duchamp dira respecto a ella y a sus ready-mades: cuando descubr los ready-mades pens en intimidar a la esttica (...). Les arroj a sus caras el secador de botellas y el urinario como un reto, y ahora los admiran por su belleza. Duchamp demostr que sus obras eran arte pero no bellas, y as postul que la belleza realmente no tiene por qu formar parte de ningun atributo definitorio del arte. Se podra decir que este reconocimiento dibuja una lnea muy ntida entre la esttica tradicional y la filosofa del arte, que incluye a la prctica actual del arte. Esa lnea, por supuesto, fue
56
Arte, culturas y estticas muy dbil en la conciencia general cuando Duchamp intent exhibir el mingitorio en 1917, pero hoy da sus postulados conceptuales han sido avalados, y el conocedor de arte actual maneja cdigos distintos a los manejados hace casi 100 aos. A partir de 1943 y durante ms de veinte aos, Duchamp trabaj secretamente en una obra que se revelar como fundamental en su produccin, y que sale a la luz solo despues de su muerte. La obra se titula Dados: 1. La cascada de agua / 2. El gas de alumbrado, de las cuales Duchamp dej algunas instrucciones sobre cmo deba ser montada. Se trata de una instalacin inaccesible, que solo puede verse a traves de dos pequeos orificios en una puerta, que apelan a un espectador voyeur, que se asoma a espiar por esos agujeros la escena que Duchamp dise. Hubo varios bocetos dibujados y esculpidos del motivo representado dentro de la instalacin: al asomarse por los orificios, realizados en un viejo portn de madera, el espectador poda apreciar la imagen de una mujer desnuda, con el pubis depilado, recostada sobre un montculo de hojarasca real, con las piernas abiertas hacia el espectador, mientras que la cabeza y el brazo derecho quedan ocultos, al igual que los pies. Su brazo izquierdo levantado sostiene una vieja lmpara de gas, y el teln de fondo reproduce de manera naturalista un bosque, con un lago y una pequea cascada, todo con una luz clara aunque, por momentos, mortecina. As como en otras obras Duchamp permite al lector una forma mltiple de percibirlas, en este caso l pauta cmo el espectador debe mirar su instalacin: haciendo solo un par de orificios para mirar, dispuestos a una altura determinada y accesible para que una sola persona pueda mirar a la vez, condiciona la forma de aproximarse a la obra. Muchas veces considerada como obra diametralmente opuesta a el gran vidrio, su dados:... contiene varios elementos sugeridos en toda su obra, entre las cuales se destaca el erotismo y la bsqueda de un esfuerzo intelectual en el espectador. Esta obra es considerada pstuma, y fue abierta al pblico en el Museo de Arte de Filadelfia, en junio de 1969, unos meses despues de la muerte del artista. A modo de conclusin, cabe citar al propio Duchamp, en relacin a su obra y a las ideas que l tenia acerca del arte: el artista no es el nico que consuma el acto creador, pues el espectador establece el contacto de la obra con el mundo exterior descifrando e interpretando sus profundas calificaciones para aadir entonces su propia contribucin al proceso creativo (...). Creo que hoy ms que nunca el Artista tiene encomendada esa misin pararreligiosa: mantener encendida la llama de una visin interior que parece disponer de la obra de arte como de su traduccin ms fiel para el profano. Damos por sentado que para cumplir esa misin hace falta el ms alto grado de educacin. Marcel Duchamp falleci el 2 de octubre de 1968, luego de una cena con amigos. Fue sepultado con otros miembros de su familia en el cementerio de Run, y de acuerdo con sus deseos, en su lpida se grab la inscripcin por otra parte, son siempre los otros los que mueren. He tenido una vida verdaderamente maravillosa... He tenido suerte, una suerte estupenda. Nunca he pasado un da sin comer y tampoco he sido rico. As que todo ha salido bien.
5.10.7. Surrealismo
Puede sealarse como fecha oficial del nacimiento del movimiento surrealista, en Pars, el ao 1924, en que el poeta Andr Bretn (1896-1966) public el primer Manifiesto Surrealista. Sin embargo, existen obras literarias de Bretn anteriores a ese ao que conectan claramente con obras surreales. No debe olvidarse que Bretn y su crculo adhirieron al dadasmo y que muchas de las realizaciones efectuadas en el seno de esa corriente pueden considerarse como predecesoras de las propiamente surreales. En pintura tambien hay antecedentes en las obras de El Bosco (1450-1516) y Giuseppe Arcimboldo (1527-1593). Como artista referente ms reciente, se encuentra el italiano Giorgio de Chirico (1888-1978), quien fue el mximo exponente de la pintura metafsica: segn l, una obra de arte, para ser verdaderamente inmortal, tiene que estar ms all de los lmites de lo humano; no debe poseer sentido comn ni lgica. Por este camino se alcanza la condicin del sueo y de la mentalidad infantil. En sus pinturas metafsicas, desarrolladas durante la dcada del 10 y el 20, de Chirico pinta inquietantes maniques en silenciosas plazas de Italia, o en espacios enormes, inabarcables. Estas imgenes que evaden la realidad perceptual seran un punto de referencia para el surrealismo que hizo nacer Andr Bretn. 57
Arte, culturas y estticas El surrealismo fue en un primer momento un movimiento literario que cont con la gran personalidad de Bretn, quien muy pronto asumi el cargo de jefe e idelogo del grupo. Bretn realiz su servicio militar en el Hospital de Nantes, en el rea destinada a los enfermos mentales, donde se practicaban toda una serie de terapias psicoanalticas que le eran familiares. Por otra parte, haba seguido algunos cursos de medicina en la Sorbona y conoca la reciente obra de Sigmund Freud, realizada con la interpretacin de los sueos, as como las tcnicas del psicoanlisis, basadas en la asociacin libre de ideas. Todas estas experiencias contribuyeron a un autntico punto de partida para sus obras literarias dentro del surrealismo. Al leer en el primer manifiesto la definicin dada por el propio Bretn al surrealismo, no se tarda en advertir cuales son los elementos esenciales que configuran la ideologa de dicho movimiento. La definicin reza de la siguiente manera: automatismo psquico puro por el cual alguien se propone expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento. Dictado por este ltimo, en ausencia de cualquier control ejercido por la razn, al margen de toda preocupacin esttica o moral. El concepto fundamental es, entonces, el de automatismo, que se basaba en una especie de dictado mgico, proveniente del inconsciente, gracias al cual surgan poemas, ensayos y obras en prosa, dentro de la vertiente literaria. Ms tarde pintores y escultores aplicaron el mismo mtodo para realizar sus composiciones. El surrealismo mir hacia el interior del hombre, hacia las profundidades de su inconsciente, para conocerse a s mismo. Reivindic los dibujos de los nios y los enfermos mentales, considerandoles como un arte absolutamente vlido. Pero no solo eso: la intencin de evadirse de la realidad entra en consonancia con la poca histrica que se viva en Europa. Las Guerras Mundiales son el parntesis que rodean y sustentan al ideal surrealista: el hombre no quiere mirar afuera, hacia el desastre blico, sino hacia s mismo, y decide soar una realidad imposible. Si el dadasmo respondi con el absurdo, el surrealismo respondi con el valor del hombre como ser nico y autnomo, destacando lo inmoral, lo tab, lo oculto pero natural del ser humano. Asimismo, la vanguardia surrealista presenta al automatismo como una actividad artstica cercana a la prxis vital del hombre, y se identifica con l mediante el uso y valor del inconsciente. A partir de 1925, el surrealismo se politiza; se producen entonces los primeros contactos con los comunistas, que culminaran ese mismo ao con la adhesin al Partido Comunista por parte de Bretn. Entre 1925 y 1930 aparece un nuevo peridico titulado el surrealismo al servicio de la revolucin, en cuyo primer nmero Luis Buuel, Salvador Dal, Paul luard, Max Ernst, Yves Tanguy y Tristan Tzara, entre otros, se declaran partidarios de Bretn. Por su parte Jean Arp y Mir, aunque no compartan la decisin poltica tomada por Bretn, continuaban participando con inters en las exposiciones surrealistas. Poco despus se incorporaron Ren Magritte (1930), Andr Masson (1931), Alberto Giacometti (1933), el chileno Roberto Matta y el cubano Wilfredo Lam (ambos en 1937). El movimiento se hizo internacional apareciendo grupos surrealistas en los Estados Unidos, Dinamarca, Londres, Checoslovaquia y Japn. Desde este momento, se abrir una disputa, a menudo agria, entre aquellos surrealistas que conciben el surrealismo como un movimiento puramente artstico, rechazando la supeditacin al comunismo, y los que acompaan a Breton en su giro a la izquierda. En 1929 Bretn publica el Segundo Manifiesto Surrealista, en el que condena entre otros intelectuales a los artistas Masson y Francis Picabia. En 1936 expulsa a Dal por sus tendencias fascistas y a Paul luard. En 1938 Bretn firma en Mxico junto con Len Trotski y Diego Rivera el Manifiesto por un Arte Revolucionario Independiente. En 1938 tuvo lugar en Pars la Exposicin Internacional del Surrealismo que marc el apogeo de este movimiento antes de la guerra. Participaron, entre otros, Duchamp, Arp, Dal, Ernst, Masson, y Man Ray. La exposicin ofreci al pblico sobre todo una excelente muestra de lo que el surrealismo haba producido en pintura y la fabricacin de objetos. Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, los surrealistas se dispersan, algunos de ellos (Breton, Ernst, Masson) abandonan Pars y se trasladan a los Estados Unidos, donde siembran el germen para los futuros movimientos americanos de posguerra, como el expresionismo abstracto.
58
Arte, culturas y estticas Entre las tantas disciplinas en las que se desenvolvi el surrealismo, el cine ocupa un lugar fundamental. Mencionaremos dos pelculas de especial importancia de la cinematografa surrealista. Por un lado, entreacto del director Ren Clair (1898-1987). La pelcula de 22 minutos es una de las primeras del director frances, y data del ao 1924. Entreacto se llama as puesto que fue proyectada por primera vez en el entreacto de una obra de teatro surrealista, en el ao mencionado. La pelcula es una composicin flmica de clara vinculacin dadasta y surrealista en donde se rompe la representacin clsica, mostrando una construccin narrativa poco convencional. As, las secuencias se van sucediendo una a otra sin aparente vinculacin ni empalme entre escenas. An as, hay un argumento y una intencionalidad conceptual en la cinta. El lugar de desarrollo de las acciones es Pars (la referencia fsica la da la Torre Eiffel), y aparecen varias personalidades del crculo artstico parisino: Marcel Duchamp, Man Ray (estos dos aparecen en una escena jugando al ajedrez), Francis Picabia (quien colabor con el guin) y Eric Satie (quien ademas musicalizara la pelcula). La pelcula se da en un contexto de entreguerras, y hay varias referencias simblicas al nimo de poca. Una de las escenas ms recordadas es la de un oscuro, absurdo y cmico cortejo fnebre, donde los personajes avanzan detrs del cajn, con las coronas de flores colgadas al cuello. De pronto, la carreta con el cajn va acelerando el paso y, con l, todos los personajes empiezan a correr detrs. Un personaje invlido, al que parece le faltan parte de las piernas y se arrastra en un carrito, impulsado por sus brazos, al ver que no puede alcanzar el veloz cajn se pone de pie y sale corriendo. Para finalizar, un fretro cae al suelo y el supuesto muerto sale del mismo, y rompe el cartel que anuncia el final de la pelcula. La muerte, la mutilacin, el cortejo fnebre son temas que aluden al momento de posguerra. El absurdo de correr detrs de la muerte misma, hasta que los personajes ya no saben a donde van, es otra metfora: la velocidad, el progreso pero, hacia dnde? La pelcula ms recordada del cine surrealista es un perro andaluz, de Luis Buuel (1900-1983) y Salvador Dal. Buuel dirigi y escribi el guin, en el cual colabor activamente Dal. El ao de presentacin de la cinta fue 1929, por lo que tambien se enmarca entre guerras. El cortometraje frances dura 17 minutos y se grab en 15 das, y aunque originalmente fue mudo en 1960 se le agreg msica: partes de Tristan e Isolda de Richard Wagner (el disco favorito de Dal) y fragmentos de tangos argentinos. Segn Buuel, la pelcula surgi de dos sueos: el de Dal, que so con hormigas pululando en su mano, y el de Buuel, que so con alguien a quien le cortaban el globo ocular con una navaja (escena casi emblema de la pelcula, y del cine surrealista). La cinta es una especie de poesa en imgenes que pretende provocar un impacto moral en el espectador a travs de la agresividad de la imagen. Remite constantemente a aspectos delirantes y del sueo, tanto en las imgenes producidas como en el uso de un tiempo no cronolgico de las secuencias. El factor tiempo es muy importante: carteles de rase una vez se continuan con otros que rezan ocho aos despues, a las 3 de la maana o en primavera, denotando un tiempo que salta constantemente. Uno de los recursos visuales ms utilizados es la puerta, que se presenta como un protagonista ms, comunicando escenas y situaciones, y los insectos, tan caractersticos de la obra pictrica de Dal. Como en entreacto y el contexto cultural mismo, la muerte, violencia y la mutilacin (la mariposa con forma de calavera, el corte del ojo, una mano cercenada en la calle) son moneda corriente en el film, y conviven con el delirio y la vida misma. El ttulo elegido para la pelcula fue un perro andaluz porque no guardaba ninguna relacin con el contenido mismo de la cinta. En las obras de carcter plstico surrealista se advierten dos tipos de automatismo. Por un lado, existen artistas que prefieren decantarse por la aplicacin del automatismo puro, mientras que por otro hay pintores que practican la va onrica. Entre los primeros destaca Andr Masson (1896-1987), quien ya en 1924 efectuaba dibujos, de carcter automtico, a pluma sobre papel. Por lo general, las imgenes automatistas puras eran composiciones abstractas, dotadas de una gran agilidad y dinamismo que expresaban un estado anmico de gran euforia. Masson realiz pinturas de arena, que pueden ser tomadas como predecesoras del informalismo. Este tipo de obras surgan como resultado del azar, actuando ste directamente en el proceso creativo. As, Masson colocaba el soporte de tela sobre el suelo y dejaba caer sobre el mismo cola o pegamento para, ms tarde, espolvorear la superficie con arena. En los
59
Arte, culturas y estticas lugares donde haba cola, la arena quedaba pegada y formaba una capa de un cierto grosor que contrastaba con las zonas pintadas posteriormente por el artista. Otro de los pintores que tambien actuaron dentro de esta corriente automtica, pero sin llevar su trabajo a trminos tan dependientes del automatismo, fue Joan Mir (1893-1983). El pintor, escultor, grabador y ceramista cataln se haba afincado en Pars el mismo ao de la publicacin del primer manifiesto y, muy pronto, contact con el grupo de literatos y artistas de ideas afines al surrealismo. Hay que tener en cuenta que, sin embargo, por aquella poca Mir haba adquirido ya un lenguaje propio y que, por consiguiente, adopt tan solo ciertos conceptos del surrealismo para exponerlos en su pintura. El lenguaje artstico de Mir se caracteriz siempre por su marcada preferencia por los colores vivos y puros, sobre todo primarios y secundarios, y tambien neutros, la esquematizacin y sntesis de sus personajes, y su sentido especial por plasmar lo primordial. Lo inconsciente, lo sinttico, una esttica de juego con una reminiscencia al arte infantil y, en cierta forma, lo onrico se ven en la obra de Mir. La otra variante del automatismo es la va onrica. Est representada por artistas como Ren Magritte o Salvador Dal. Tanto el uno como el otro se especializaron en pintar composiciones figurativas, atenindose a las normas tradicionales de representacin perspectiva, con objeto de lograr imgenes sumamente impactantes y realistas. En la va onrica, el automatismo no se da por la tcnica pictrica, que es netamente consciente y detallada, sino en la idea que da origen a la imagen, generalmente tomada del inconsciente, las fijaciones sexuales, los tabes y trabas psicolgicas, y fundamentalmente de los sueos. Si bien utilizan los elementos tcnicos de la pintura tradicional, se alejan de ella por sus temas: la inusitada asociacin de objetos y las monstruosas deformaciones, as como por la atmsfera onrica y delirante que se desprende de sus obras. En el caso de Ren Magritte (1898-1967), l opta por asociar elementos de lo ms dispar en sus pinturas, como si se tratase de la clebre terapia llevada a cabo por los psicoanalistas para sanar a sus enfermos. En las pinturas de Magritte hay un realismo mgico, en el que los objetos estan representados realsticamente, pero la relacin entre ellos es ambigua: alfileres de gancho y peines gigantes, manzanas flotantes, una lluvia de hombres trajeados y con paraguas, y elementos de lo ms dispares que recrean un mundo de ensueo. Entre 1928 y 1930 investiga las ambiguas relaciones entre palabras, imgenes y los objetos que stas denotan. En la perfidia de las imgenes (1928-1929) retrata meticulosamente una pipa, y debajo, con igual precisin, pone la leyenda esto no es una pipa, cuestionando la realidad pictrica. El espejo falso (1928) explora la misma idea: el ojo, como un falso espejo, reflejando las nubes blancas y el cielo azul pintados de forma realista; en este cuadro introduce el tema del paisaje ilusionista, interpretado en clave pictrica, alejado de toda intencin naturalista. Magritte explora en toda su obra el problema del espacio real frente a la ilusin espacial, que es el transfondo de la pintura misma. En este sentido, Magritte ser un pintor conceptual, que estudi y cuestion los signos y cdigos del lenguaje pictrico. Entre las variaciones sobre este tema, quiz la ms clara de todas sea los paseos de Euclides (1955), donde muestra un caballete con un cuadro frente a una ventana, a travs de la cual se ve un paisaje; la escena pintada corresponde exactamente al fragmento de paisaje sobre el que se sita el cuadro, llevando el problema de la pintura, como confrontacin naturalezailusin, a la cuarta dimensin. Salvador Dal (1904-1989) es otro de los surrealistas adherentes a la va onrica. Nacido en Figueras, Catalunya (Espaa) fue llamado Salvador como un hermano suyo que haba fallecido a los 4 aos de edad, nueve meses antes. Es decir, desde su nacimiento Salvador tuvo un estrecho contacto con la idea de muerte, usando el nombre y la ropa de su hermano difunto, y visitando su tumba, en cuya inscripcin estaba el nombre comn de los hermanos. Dal lleg a creer, por estos hechos y el discurso paterno, que l era una copia o una reencarnacin de su hermano muerto. A los 12 aos inicia sus estudios de pintura, y a los 16 sufre el golpe ms grande de su vida, cuando fallece su madre. Estudi en una academia de arte en Madrid, donde destacaba por su excentricidad, caracterstica que explot durante toda su vida. Luca una larga melena con patillas, gabardina, medias y polainas al estilo de los artistas victorianos. Dal fue expulsado de la Academia en 1926, poco antes de sus exmenes finales, por afirmar que no haba nadie en condiciones de evaluar sus trabajos. En este momento, sus pinturas
60
Arte, culturas y estticas tenan una influencia cubista, pero luego tornaran hacia el surrealismo. En su tratamiento visual inspirado en el cnon renacentista, Dal se vera influenciado fuertemente por artistas de su devocin, como Vermeer, Velzquez y Rafael. De hecho, en un listado que Dal confeccion sobre a su criterio- los pintores ms talentosos de la historia, ubic a estos tres primeros, luego a s mismo, luego a Picasso, y como ltimo en la extensa lista al abstracto Piet Mondrian. Una de las caractersticas que aparecen en la obra de Dal en 1928 y se extiende por aproximadamente un perodo de 10 aos- es la doble-figuracin: elementos realistas que tienen una doble lectura visual. Una mano gigante, por ejemplo, puede ser una mano gigante o un conjunto de rocas en el desierto. Unas monjas pueden ser monjas de pie, pero si se las mira de otra manera pueden conformar un rostro gigante. Estas doble-figuraciones son muy comunes en su obra, y constituyen algo a ser descubierto por el lector visual. El gran aporte de Dal al surrealismo fue, sin duda alguna, la creacin del denominado mtodo paranoico-crtico, consistente en percibir enlaces entre objetos que racional o aparentemente no se hallan conectados. Dal describa el mtodo paranoico-crtico como un mtodo espontneo de conocimiento irracional basado en la objetividad crtica y sistemtica de las asociaciones e interpretaciones de fenmenos delirantes. As, la asociacin de imgenes son arbitrarias y responden a las fijaciones psicolgicas e inconscientes del autor. Mediante este mtodo, se trataba de recrear a travs de la obra aquellos procesos activos de la mente que suscitan imgenes de objetos que no existen en realidad, por ejemplo, al superponerse una imagen en primer plano con otra en un plano ms alejado. Aqu tambien entra en juego el mtodo de la doble-figuracin, y la ambigedad de las imgenes da lugar a diversas interpretaciones. En 1931 pinta el que quizs sea su ms clebre cuadro: la persistencia de la memoria, obra en la que segn algunas teoras ilustr su rechazo del tiempo como una entidad rgida o determinista. Esta idea se ve apoyada por otras imgenes de la obra, como el extenso paisaje, o algunos relojes blandos (metfora de la subjetividad espacio-tiempo), devorados por insectos. Algunas de estas imgenes constituyen verdaderas fijaciones en la obra de Dal, y se repetiran incansablemente. Los insectos, por ejemplo, formaran parte del imaginario daliniano como una entidad destructora natural, y tal como explic en sus memorias vena determinada por un recuerdo de infancia. Segn Dal, la idea de la pintura vino va automatismo, una noche que se qued solo en su casa comiendo queso, esperando a que Gala (su esposa y compaera de toda la vida) volviera del cine. La consistencia gomosa del queso en su boca y la observacin constante del reloj, en seal de espera a su mujer, le remitieron a la imagen mental de los relojes blandos y, por ende, a la idea de tiempo flexible, personalizado. Este es un claro ejemplo de cmo el automatismo se aplica como origen de las pinturas onricas. Dal comienza a tener repercusin internacional, expone en Nueva York y Europa. Aunque la mayor parte del surrealismo se haba adscrito a ideas polticas de izquierda, Dal mantena una posicin que se juzgaba ambigua en la cuestin de las relaciones entre arte y activismo poltico. Los lderes del movimiento, principalmente Andr Bretn, le acusaron de defender lo nuevo e irracional del fenmeno hitleriano, acusacin que Dal refut afirmando que no soy un hitleriano ni de hecho ni de intencin. Dal insista en que el surrealismo poda existir en un contexto apoltico, y se neg a denunciar pblicamente el rgimen fascista alemn. ste y otros factores le hicieron perder su prestigio entre sus camaradas artistas, y a finales de 1934 Dal fue sometido a un juicio surrealista del cual result su expulsin del movimiento. A esto, Dal respondi con su clebre rplica, yo soy el surrealismo. En 1939, Breton acu el anagrama despectivo Avida Dollars para criticar su pasin por el dinero. Esta sarcstica referencia al pujante negocio del arte daliniano tambin pretenda acusarle de delirio de poder, fama y dinero. Algunos de los surrealistas comenzaron incluso a hablar de Dal en pretrito perfecto, como si ya hubiera fallecido. Algunos grupos surrealistas, y miembros adscritos posteriormente, mantuvieron contra Dal una enconada polmica que lleg hasta el da de su muerte, y an ms adelante. Luego de la segunda posguerra, Dal se dedic no solamente a la pintura. Elabor esculturas, joyas, litografas y grabados diversos, todos con su tinte surrealista tpico. Tambien realiz ilustraciones para Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes Saavedra, entre otros textos de literatura clsica. Trabaj en decorados para una pelcula de Alfred Hitchcock, y dise el logo de la empresa de chupetines
61
Arte, culturas y estticas espaoles Chupa Chups. Si bien esta etapa de la obra de Dal es fructfera, fue muy criticada por sus colegas, por la evidente y nada disimulada tendencia a querer disolver la barrera entre arte y comercio, volcndose ms en el diseo y en artculos comerciales. En 1980 la salud de Dal se deterior seriamente. Con su mujer, Gala -que ya manifestaba sntomas de senilidad-, supuestamente consumi un cctel de frmacos que da seriamente su sistema nervioso, con la consecuencia de incapacitarle prcticamente para la creacin artstica. Con 76 aos, el estado de Dal era lamentable, y su mano sufra constantes temblores que evidenciaban el progreso de la Enfermedad de Parkinson. En 1982 el Rey Juan Carlos I concedi a Dal el ttulo de marqus de Pbol, que el artista agradeci con un dibujo, titulado cabeza de Europa, que a la postre result ser su ltimo dibujo, y que le entreg tras la visita real a su lecho de muerte. Gala muri el 10 de junio de 1982. Tras la muerte de Gala, Dal perdi su entusiasmo por vivir. Deliberadamente, se deshidrat seriamente -supuestamente como consecuencia de un intento de suicidio-, aunque justific su accin como un mtodo de entrar en un estado de animacin suspendida, del mismo modo en que algunas bacterias pueden hacer. Se mud de Figueras al castillo de Pbol, que haba comprado para Gala, y donde ella haba fallecido. En 1984, un incendio de causas desconocidas se declar en su dormitorio. De nuevo se sospech de un intento de suicidio, aunque quizs se debiese a negligencia del personal domstico. De todos modos, Dal fue rescatado y regres a su domicilio en Figueras, donde un grupo de artistas, mecenas y colegas artistas se encargaron de su bienestar hasta sus ltimos aos. El 23 de enero de 1989, oyendo su disco favorito Tristn e Isolda, de Wagner- muri a causa de un paro cardiorrespiratorio en Figueras, con 84 aos, y cerrando el crculo fue enterrado en la cripta de Figueras, situada en su casa-museo. Un artista complicado de clasificar, en cuya obra no se puede distinguir de manera tan clara a cul de las dos vas corresponde, es Max Ernst (1891-1976). La aportacin personal de este artista de origen alemn, instalado en Pars, reside en haber aplicado el collage de un modo completamente distinto a como lo hicieran los cubistas. En sus collages, Ernst integra de tal manera los papeles que resultaba imposible distinguirlos del contexto pintado en que los ha situado. Por otra parte, Max Ernst invent el procedimiento tcnico del frottage, consistente en colocar bajo el soporte sobre el que haba de pintar elementos de texturas gruesas diferentes, con la finalidad de que al frotar sobre ellos quedase su trama visible en el soporte. Gracias a este tipo de tcnica, las obras de Ernst poseen unas calidades textuales de gran sutileza y muy difciles de superar. Los temas a tratar en el surrealismo de Ernst son muy variados, y presentan a la figura humana tratada de manera surreal, con paisajes y criaturas fantsticos. Jean Arp (1886-1966) es otro artista que no termina de definirse entre las dos vas surrealistas. Arp incorpor el azar en su obra, ya sea en pintura o esculturas, y as aparece el automatismo surrealista. Este artista tiene un especial gusto por las configuraciones biomrficas, sobre todo en escultura, donde sus personajes tienen mnimas referencias a organismos figurativos, y se presentan distorsionados y casi abstractos. Fue miembro fundador del dad suizo, y una ancdota cuenta cmo Arp evit ser reclutado para la Primera Guerra, cuando la embajada alemana en Suiza lo cit para que se aliste en el ejrcito. Al llegar, tom el papeleo que le dieron y, en el primer espacio, escribi la fecha. Despus puso la fecha en todo el resto de espacios en blanco, luego traz una lnea por debajo y cuidadosamente las sum. Entonces se quit toda la ropa y march con los papeles en la mano. Al interpretar que estaban tratando con un loco, le dijeron que se marchara a casa. A partir de los aos treinta y hasta su muerte, ademas de su produccin pictrica y escultrica, Arp escribi y public ensayos y poesa.
5.10.8. Funcionalismo
Obviamente, la Primera Guerra Mundial provoc una ralentizacin de la actividad de la construccin, que tanto haba florecido en la primera dcada del siglo: cuando se produce la recuperacin, los constructores se encontraron frente a una situacin social, econmica y tecnolgica que se haba modificado profundamente. La guerra haba acelerado en todas partes el desarrollo industrial, tanto en sentido cuantitativo como desde el punto de vista del progreso tecnolgico. Como reflejo de ello 62
Arte, culturas y estticas haba tenido lugar un posterior y gran crecimiento de las poblaciones urbanas. La clase obrera haba crecido considerablemente, y la burguesa profesional se transform en una clase de tcnicos dirigentes. Debido a estos cambios demogrficos y tecnolgicos, la estructura de las ciudades ya no era capaz de responder a las exigencias sociales. Existen ahora aspectos sociales, polticos y tecnolgicos que inciden sobre la ciudad, pero sobre todo un aspecto funcional en la urbe: la ciudad es un organismo productivo, un complejo en el que debe desarrollarse una fuerza de trabajo determinada y de la que, por tanto, ha de desaparecer todo lo que dificulta o retrasa su funcionamiento. La arquitectura moderna se desarroll en todo el mundo sobre la base de algunos principios generales: 1) la prioridad de la planificacin urbanstica sobre la proyeccin arquitectnica; 2) la mxima economa en el uso del suelo y en la construccin, a fin de poder resolver, aunque solo fuera a nivel de un mnimo existencial, el problema de la vivienda; 3) la racionalidad rigurosa de las formas arquitectnicas, entendidas como las deducciones lgicas (efecto) de exigencias objetivas (causas); 4) el sistemtico recurso a la tecnologa industrial a la estandarizacin, a la prefabricacin en serie, es decir, la progresiva industrializacin de la produccin de bienes relativos a la vida cotidiana (diseo industrial, que explotara la Bauhaus); y 5) la concepcin de la arquitectura y de la produccin industrial cualificada como factores condicionantes del progreso social y de la educacin democrtica de la comunidad. Dentro de los principios funcionalistas bsicos descriptos en el prrafo anterior- aparecen distintos planteamientos problemticos y distintas direcciones algunos ms vanguardistas que otros- como consecuencia de las diversas situaciones objetivas, sociales y culturales. El funcionalismo, como la modernidad, no se entiende como una vanguardia, porque no se conform por un grupo fsico de artistas agrupados por un manifiesto o intencin parcial. El funcionalismo es mucho ms amplio que un grupo, y constituye una forma de pensar y construir la poca. Podemos considerar dentro del funcionalismo diferentes tendencias: 1) el racionalismo ideolgico del constructivismo ruso; 2) el racionalismo formalista del neoplasticismo holandes; 3) un racionalismo orgnico americano, con Frank Lloyd Wright como mximo exponente; 4) un racionalismo formal, que tiene su centro en Francia y a cuya cabeza est Le Corbusier; y 5) un racionalismo metodolgicodidctico, que tiene su centro en Alemania, y en la escuela de la Bauhaus. Las dos primeras tendencias las mencionamos cuando desarrollamos la abstraccin en el arte, y ahora desarrollaremos a Wright y Le Corbusier como principales exponentes del funcionalismo. La Bauhaus merece mencin aparte.
63
64
Arte, culturas y estticas socialista de su fundador. La Bauhaus sent las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseo industrial y grfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existan tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableci una nueva esttica que abarcara todos los mbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la pgina que est leyendo (Heinrich von Eckardt). Dada su importancia las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el ao 1996. Podemos afirmar que la Bauhaus es una de las vanguardias histricas ms importantes. Giulio Carlo Argan analiza a la Bauhaus: La Bauhaus fue una escuela democrtica en el pleno sentido de la palabra: se basaba en el principio de la colaboracin, de la bsqueda comn entre maestros y alumnos, muchos de los cuales pronto se convirtieron en docentes. Ademas de ser una escuela democrtica, era una escuela de democracia: el concepto en el que se basaba era que una sociedad democrtica (es decir, funcional y no jerrquica) es una sociedad que se autodetermina; es decir, que se forma y desarrolla a partir de s misma, que organiza y orienta su propio progreso. El progreso es educacin y el instrumento de la educacin de la escuela; por tanto, la escuela es la semilla de la sociedad democrtica. Bauhaus, como ya se dijo, significa casa de la construccin: una escuela democrtica es escuela de construccin porque la forma de la sociedad es la ciudad y, construyendo la ciudad, la sociedad se construye a s misma. En consecuencia, en el vrtice de todo ello est el urbanismo, porque toda accin educativa educa para hacer la ciudad y para vivir como ciudadanos; es decir, civilmente. Vivir civilmente significa vivir racionalmente, planteando y resolviendo en trminos dialcticos todas las cuestiones. La racionalidad ha de enmarcar los actos grandes y pequeos de la vida: ha de ser racional la ciudad en la que se vive, la casa que se habita, el mueble y el utensilio que se utiliza, el vestido que se lleva. En el funcionalismo racionalista, y por ende en la Bauhaus, el plano regulador de una gran ciudad es tan diseo industrial como lo es el proyecto de de una cuchara. A nivel urbano, se buscar mediante el diseo de ciudades la distribucin y coordinacin de todas las funciones sociales: vivienda, trabajo, educacin, asistencia, tiempo libre; pero tambien la eliminacin de todo aquello que impide la circularidad y la continuidad de las funciones. Es el dinamismo de la funcin lo que determina no solo la forma, sino tambien la tipologa de los edificios. Aunque solo sea intuicin, la concepcin de la ciudad como sistema de comunicacin, que hoy es la base de cualquier estudio urbanstico serio, est ya presente en la teora y en la didctica de la Bauhaus. El trazado de la ciudad, las formas de los edificios, de los vehculos, de los muebles, de los objetos, de la ropa, de la publicidad, las marcas de fbrica, el envoltorio de las mercancas, todas las manifestaciones grficas, los espectculos teatrales y cinematogrficos, deportivos: todo ello es comunicacin. Y todo lo que entra en el inmenso mbito de la comunicacin visual es en la Bauhaus objeto de anlisis y de proyeccin. Muchos tipos de objetos para la produccin industrial en serie que ms tarde se difundieron y an hoy siguen hacindolo nacieron de las investigaciones analticas de la Bauhaus. Por ejemplo, los muebles de tubo metlico, los difusores de luz, la nueva estructura del grafismo publicitario. La Bauhaus precisa y teoriza el principio de la forma estndar desde el punto de vista sociolgico, pues implica un acuerdo visual entre los consumidores en torno a la forma ms apropiada y, por tanto, estandarizada de ciertos objetos. Para ello, la Bauhaus utiliza principalmente a la forma geometrizada en sus diseos, pero no como un canon, sino como una forma pre-estandarizada puesta en funcin de la comunicacin social. En el caso de los muebles, antes de la Bauhaus eran un problema esttico-casi arquitectnico, por su complejidad decorativa, tamao e incluso costo de realizacin. En casas reducidas al mnimo existencial, los muebles no podan ser demasiado grandes o caros: en Bauhaus disearon los muebles de tubo metlico, que eran y son- ligeros, casi inmateriales, econmicos y aptos para ser producidos en serie. Este tipo de mueble es un triunfo del diseo industrial. El diseo racionalista-purista de la Bauhaus se bas en la sntesis visual y funcional, puesta al servicio de la sociedad. La primera etapa de la Bauhaus fue en la ciudad alemana de Weimar, entre 1919 y 1924. Este primer momento se puede sintetizar como una fase de experimentacin de formas, productos y diseos y, por lo tanto, tambin de educadores del diseo. En el momento de su fundacin los objetivos de la escuela, definidos por Walter Gropius su primer director- en un manifiesto, fueron: la recuperacin de
65
Arte, culturas y estticas los mtodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la produccin industrial, se convertiran en objetos de consumo accesibles para el gran pblico, ya que una de sus metas era la de independizarse y comenzar a vender los productos elaborados en la escuela, para dejar de depender del Estado que hasta ese momento era quien los subsidiaba. Uno de los planteamientos ms revolucionarios de la Bauhaus fue la programacin de los cursos que dictaba, es decir, cmo se imparta conocimientos a los alumnos. En esta primera fase se implant en la escuela el llamado vorkurs o curso preliminar. Como su nombre lo indica, el curso preliminar, antepuesto a los estudios propiamente dichos, tena por misin liberar de convenciones al futuro miembro de la institucin, despertar sus dotes personales y orientarle espirutualmente para su posterior formacin. Los estudiantes se mostraban flexibles y dispuestos a hacer todo tipo de trabajos, por tanto salan de la escuela bien formados, sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o disear muebles. La escuela dispona de talleres de ebanistera, diseo, teatro, cermica, tejido, encuadernacin, metalurgia, vidriera, pero no de pintura y escultura en el sentido tradicional. En 1920 se suma como profesor de la escuela Paul Klee, quien impartira clases de tejido y de composicin, y en 1922 ingresa Wassily Kandinsky, profesor de pintura mural y diseo bsico. La Bauhaus de Weimar cierra en 1924 por desajustes econmicos. Se despidi a los profesores y se clausur. La segunda etapa de la Bauhaus se dara entre 1925 y 1932, en la ciudad de Dessau. En esta ciudad, ms tecnificada que Weimar y que tan solo se hallaba a dos horas en tren de Berln, la Bauhaus desarroll plenamente su ambicioso programa de estudios. Gropius fue director hasta 1928, ao en que renunci por las dursimas crticas a su labor, que provenan de los sectores ms conservadores del pas. Su sucesor fue otro arquitecto, Hannes Meyer (1889-1954), que desempe el cargo hasta 1930 y logr elevar de tal modo la produccin de los talleres que la Bauhaus comenz a ser conocida mundialmente. En esta etapa, la Bauhaus se ve influda por la ideologa y esttica del neoplasticismo holandes y del constructivismo ruso, movimientos que se basan en la idea de un arte comn para todos, y con gran sntesis visual: blanco y negro, colores primarios y geometrizacin dada, en su mayoria, por verticales y horizontales. En 1930 Meyer deja la direccin de la Bauhaus y el puesto es ocupado por Mies van der Rohe (1886-1969). l fue quien dijo que la Bauhaus fue una idea, y que precisamente por ese motivo se propag por todo el mundo. Fue el director hasta 1933. La tercera etapa se dara en los aos 1932 y 1933, cuando la sede de la Bauhaus mud a Berln. Esta ltima etapa est dada por una persecucin ideolgica por parte de la Alemania nacional-socialista. El espritu libre y democrtico que emanaba la Bauhaus era una amenaza poltica, y los nazis terminaron cerrando la escuela por considerarla nido de bolchevismo. Luego de la clausura y por causa de la guerra, muchos de los artistas y profesores de la escuela emigraron a Estados Unidos, donde continuaron expandiendo sus conocimientos y la semilla de la Bauhaus en diversas universidades. Es tan grande la deuda que tienen los diseadores de todo el mundo para con la Bauhaus que esto slo puede entenderse como resultado directo de la confluencia de todos los rasgos estilsticos esenciales de las primeras vanguardias para crear un estilo que, aun dentro del racionalismo funcionalista, posee un sello propio.
66
Arte, culturas y estticas un artista nato, extraordinariamente observador y agraciado con un don para las artes plsticas. Con tan solo 10 aos aprob el examen de ingreso de la Escuela de Bellas Artes de La Corua, donde su padre imparta clases. Ya cuando tena 14 aos, la familia se muda a Barcelona, pero su padre, al estar lejos de su hogar y ver los extraordinarios dotes de su hijo, decide abandonar la pintura. A los 16 aos prosigui sus estudios en Madrid, con el apoyo econmico de su familia, pero las clases acadmicas le aburriran tanto que terminara vagando por las calles y plazas de la capital para observar a la gente, como asi tambien para visitar el Museo del Prado y estudiar sus obras.
1. Primeras obras
No se conocen dibujos infantiles de Picasso, ya que sus primeras obras seran sorprendentemente maduros. Sus trabajos a los 15 aos tienen una calidad extraordinaria, superando, en muchos casos, a sus propios maestros de la Academia. Pintaba trabajos realistas, de grandes dimensiones, de contenido religioso y moral, acordes al gusto dominante. A los 16 aos ya haba aprendido todo lo que las academias podan ofrecerle. De este perodo se destacan las obras ciencia y caridad (1987) y la primera comunin (1896), entre otras, en las que utilizaba como modelo de las obras a su padre y allegados.
Arte, culturas y estticas Los crticos de la poca elogiaron el expresivo simbolismo de la etapa azul, pero censuraron su profunda tristeza. Algunas de sus obras ms representativas de este perodo son gran autorretrato azul (19011902), el viejo guitarrista (1903) y la vida (1903), en la que el fallecido Casagemas es el protagonista. Hoy en da, esta etapa es la ms enigmtica del pintor, y las obras de este perodo son las que ms se cotizan.
5. Cubismo (1907-1915)
Como bien se ha hablado del cubismo, es Picasso quien rompe con la estructura renacentista, anulando la perspectiva y dndole jerarqua al plano bidimensional del cuadro. As, se acenta la geometra y los elementos propios de la pintura. Picasso estudi las obras de Paul Cezanne, quien reflexion sobre la forma de los objetos representados, as como su reduccin y alteracin. Cezanne formul que cada paisaje u objeto de la realidad puede ser representado mediante el cono, el cilindro, el cubo y la esfera. Esta forma de observar la realidad influira decisivamente en Picasso, quien luego de un exhaustivo estudio de alrededor de 800 dibujos, realiza las seoritas de Avignon (1907), obra que propone una nueva forma de representacin del espacio, separandose del cnon renacentista establecido 500 aos atrs. Como ya se ha visto, con el cubismo sinttico surge el collage como elemento que integra a un trozo de realidad dentro de la obra de arte. Las obras de Picasso abarcaran retratos cubistasanalticos, y naturalezas muertas cubistas-sintticas, en las que integraba recortes de diarios, rejillas, telas y otros elementos de collage. Tambien se destac en la escultura cubista, descomponiendo guitarras en diversas partes geometrizadas, pero sin perder la referencia al objeto al que alude, realizando la tcnica llamada assemblage (ensamblaje), que era el equivalente tridimensional del collage. De esta poca se destacan, ademas de seoritas, las obras retrato de Ambroise Vollard (1910) y el violn (1912), la escultura guitarra y botella (1913), entre otras.
6. Clasicismo (1916-1925)
Oponiendose al perodo cubista, en 1916 Picasso centr su interes en modelos extrados de la historia del arte, en particular del arte clsico. Picasso se relacionara, en esta etapa, con el teatro, puesto que dise la puesta en escena completa del espectculo parade, del poeta Jean Cocteau y el compositor Eric Satie. El pintor malagueo emple el desmembramiento cubista en el vestuario de los personajes, de manera que los bailarines llevaban complicadas construcciones casi escultricas. Para el teln de boca de la obra, en cambio, recurri al estilo y el lenguaje formal de los cuadros de la poca rosa, creando una escena con una esmerada composicin espacial en tonos suaves y matizados que aludan al mundo del circo. Estando en Italia de viaje con el grupo teatral, conoce a la bailarina rusa Olga Koklova, con quien 68
Arte, culturas y estticas contrae matrimonio en 1917, poniendo fin a su vida bohemia y acomodndose en la alta sociedad. En esta poca, Picasso empleara por primera vez a la fotografa en su obra. El artista trabajaba a partir de fotografas en blanco y negro, reduciendo a contornos sencillos a los objetos fotografiados. As, la atencin se centraba en lo esencial, es decir, en el objeto pictrico, y as podan notarse las deformaciones naturales propias de la fotografa de la poca. Esto se refiere a que, debido a las lentes y a los ngulos de toma utilizados en esta poca, las imgenes siempre presentaban cierta deformacin o estilizacin. Picasso, en sus dibujos realizados a base de fotografas, correga estas deformaciones y, de este modo, indirectamente cuestion la objetividad de las imgenes fotogrficas y, tambien as, les atribuy el rango de forma artstica autnoma. Con respecto a la pintura de este perodo, las formas son de una singular delicadeza y belleza, aunque fras e impersonales: las figuras miran fijo al espectador, pero carentes de emociones. Hasta aqu, la representacin visual era realista, y no presentaba distorsiones. Muchas de estas obras, incluso, han quedado sin terminar o con el fondo sin pintar. Tambien en 1917, al estar en Italia, particularmente en Roma, Picasso tom contacto con la Antigedad Clsica y su arte, cuyos temas aparecieron en su obra. As, aparecen desnudos con tnicas al estilo romano, o al estilo de Miguel ngel. Picasso estaba interesado en el carcter macizo de las esculturas de la Antigedad y el Renacimiento, en los pliegues de la ropa y los contornos marcados. Sin embargo, a diferencia de sus modelos clsicos, el pintor rompi con el ideal representativo tpico: sus figuras no poseen unos cuerpos vigorosos y hermosos, sino que stos son macizos y a menudo estan dotados de unas extremidades desmesuradas. Es decir: el tema de sus obras es clsico, pero su representacin visual no lo es. Exagerando determinadas partes del cuerpo de los personajes (agrandando piernas, estirando brazos o achicando cabezas, por ejemplo) lograba determinados efectos visuales: movimiento, ritmos, direcciones, puntos de interes. Esta experimentacin con las formas y las proporciones llev al pintor a un nuevo anlisis de los recursos expresivos del arte. Picasso pas de la representacin basada en las formas y los modelos clsicos a la deformacin surrealista y, por consiguiente, a una nueva etapa en su obra. Del perodo clsico de Picasso se destacan, entre otras obras, teln de boca para Parade (1917), retrato de Olga en un silln (1917), los amantes (1923) y la carrera (1922).
7. Surrealismo (1925-1934)
Picasso llev cada vez ms lejos la separacin de la forma y el contenido. Sus figuras se empezaron a alejar de los modelos naturales, como en el caso de sus baistas o acrbatas, donde solo algunos puntos o lineas de contorno aluden a determinadas partes del cuerpo, como los ojos, las manos o los pies, y el resto son masas de volmenes casi indefinidos. En este sentido, experiment muchsimo con esculturas de alambre, chapa o bronce, y esa experimentacin de los volmenes puede verse en sus pinturas y dibujos. Las personas se reducen a piezas esfricas y en forma de masas que, debido a su falta de cohesin, apenas pueden ser identificados como seres humanos. Estas figuras, muy alejadas de la realidad y que por su forma dan cabida a la imaginacin y la asociacin, estan en consonancia con el recien nacido surrealismo, pero solo en algunos puntos de contacto. Picasso se relacion con este grupo durante cierto tiempo, pero luego surgi la ms marcada diferencia con los surrealistas: mientras stos ltimos queran despertar el mundo interno y el inconsciente del espectador, Picasso se orient hacia un anlisis de la realidad basado en la inteligencia y, por ende, la conciencia. As, lo surreal de la pintura de Picasso est dado solamente por el tratamiento de las formas, que son incoherentes entre s y no guardan relacin entre ellas, aunque representan aspectos figurativos. En el aspecto personal, su matrimonio con Olga no iba bien, y eso se nota en las pinturas que haca de su mujer: sta apareca monstruosamente deformada, en expresiones de dolor y sufrimiento, casi como un despojo humano. En 1927, con 45 aos de edad, Picasso conoce a Marie Therese Walter, una joven de 17 aos que lo cautiv al verla en la calle. Marie Therese se convirti en la amante secreta de Picasso, y fue quien inspir los retratos (pinturas, dibujos, esculturas y grabados) ms sensuales y serenos de toda su carrera. Ms all de las descomposiciones cubistas y surrealistas de las obras de este perodo, los retratos de Marie Therese siempre mantienen una armona peculiar. A pesar de tener una relacin con ella, Picasso no se separara de Olga hasta 1935, cuando el artista tiene una hija con Marie Therese. De este
69
Arte, culturas y estticas perodo se destacan las obras mujer en silln rojo (1932), figuras junto al mar (1931), muchacha ante el espejo (1932) y el silln rojo (1931).
70
Arte, culturas y estticas que rodeaba al artista. En este sentido, estas obras y algunas obras del perodo de posguerra, tienen un tinte expresionista, por su distorsin de las figuras, pero principalmente por sus temas y el horror en que los representa. Picasso reparta reproducciones fotogrficas del Guernica cada vez que un aleman visitaba su estudio. En una ocasin, un oficial aleman le pregunt si lo haba hecho l, Picasso, y el artista le respondi con sequedad: yo no, usted.
9. La posguerra (1946-1954)
La fama de Picasso creci notablemente en esta poca a pesar de las limitaciones impuestas por la guerra y la ocupacin. En Estados Unidos fue proclamado el artista ms relevante del siglo XX, y despues de la liberacin se convierti en un personaje pblico en Francia. En un intento por involucrarse y comprometerse polticamente, en 1944 ingres en el Partido Comunista. En esta etapa pint la obra masacre en Corea (1951), en la que denuncia la invasin norteamericana en dicho pas. En la obra se ven una especie de hombres-robot armados apuntando con sus armas a mujeres embarazadas y nios. Tambien pinta en una capilla de Vallauris dos enormes murales, con el tema de la Guerra y la Paz. Pese a ingresar en el P.C., solo estara en l poco tiempo: el espritu libre e inquieto del artista, que exiga una total autonoma para su arte, no estaba dispuesto a acatar las exigencias del partido, mientras que ste vea a Picasso como un posible emblema de sus principios, aunque nunca lleg a aceptar su singular lenguaje visual. Las diferencias fueron inevitables y al tiempo se distanciaron mutuamente. En 1948 se aleja de Pars, y se instala en Vallauris, un antiguo centro de alfarera del sur de Francia. Se va a vivir all con Francoise Gilot, su nueva compaera sentimental, y empez a experimentar con nuevas tcnicas artsticas, sobre todo con la cermica, cultivando una expresin artstica muy personal, como era habitual en l. Desarroll platos, tazas y jarrones, modelados con una imaginacin exuberante. Tambien dedic una especial atencin a la litografa: con esta tcnica de impresin realiz series de cabezas de mujeres. Francoise aparece con frecuencia en sus trabajos de esta poca. Es interesante observar cmo Picasso transform la personalidad de la joven en cuadros que parecen metamorfosis, en los que ella aparece en forma de planta o de flor. En 1949, Picasso ya tena dos hijos con ella. El artista se entreg al mundo infantil que acababa de descubrir, en numerosas representaciones pictricas. Al mismo tiempo, muchas de las esculturas de esta poca estan inspiradas en los juguetes de sus hijos, como, por ejemplo, cuando tranform un cochecito de su hijo en la cabeza de una escultura de un mono cuyos ojos son los faros del automvil. Tambien trabajaba con deshechos y basura, como se ve en su escultura cabeza de toro (1942), un assemblage en la que la cabeza es el asiento de una bicicleta y los cuernos son el manubrio.
71
Arte, culturas y estticas evitando el uso del color. Hacia finales de su vida, la produccin artstica de Picasso se volvi cada vez ms frentica e imparable. Pintaba entre 3 y 5 cuadros por da, simultneamente. Por aquel entonces gozaba de un gran prestigio, pero permaneca ajeno a las nuevas tendencias artsticas, por lo cual qued sobre un pedestal muy alto, pero tambien muy solitario. Sus temas giraban alrededor de las parejas de amantes, autorretratos y desnudos, como as tambien el tema de el pintor y la modelo. En este tema, se observa al artista viejo y feo observando a la joven y hermosa modelo, siendo una referencia directa, evidentemente, a este momento de su vida personal. Pablo Picasso falleci en Francia en 1973, a la edad de 91 aos. Algunas de sus mujeres y amantes no resistieron el dolor y se suicidaron. Hoy en da, Picasso es probablemente el ms grande y completo artista del siglo XX, y sus obras se cotizan en millones de dlares.
72
Arte, culturas y estticas borradores de muchas de sus obras, en ocasiones tambin varias versiones de algunas de ellas. Muchas de su obras se vendieron masivamente poco despus de su muerte y estn esparcidas por el mundo. Un grupo importante est expuesto de forma permanente en el Museo Escher en La Haya, Holanda. Como artista, M. C. Escher resulta difcil de clasificar. El suyo es practicamente un arte matemtico, lgico e ilgico a la vez, con juegos pticos y perceptivos que comprometen e interesan a quien les observa. Se han hecho mltiples interpretaciones de sus obras, pero la realidad es que Escher no tena grandes prentensiones ni mensajes que transmitir, sino que bsicamente plasmaba lo que le gustaba. No basa su trabajo en los sentimientos, como otros artistas, sino simplemente en situaciones, soluciones a problemas, juegos visuales y guios al espectador. l mismo reconocera que no le interesaba mucho la realidad, ni la humanidad en general, las personas o la psicologa, sino slo las cosas que pasaban por su cabeza. En ciertro modo era alguien introvertido, dicen incluso que de trato difcil, que prefera crear su propio universo. Los expertos coinciden, y es bastante evidente examinando la mayor parte de sus obras, en que una de sus principales caractersticas es la dualidad y la bsqueda del equilibrio, la utilizacin del blanco y el negro, la simetra, el infinito frente a lo limitado, el que todo objeto representado tenga su contrapartida. Las obras de Escher pueden clasificarse temticamente, y en ellas hay una armona entre los elementos detalladamente figurativos y las abstracciones inmersas en la composicin. En un primer momento se dedicara exclusivamente a realizar retratos, paisajes naturales y arquitectnicos. Luego comenzaran a aparecer las metamorfosis: objetos, mdulos, animales o diseos que van mutando en otros, tales como una bandada de pjaros transformandose en un cardmen de peces. Una de las xilografas ms increbles de este bloque temtico es, casualmente, metamorfosis (1939-40), consistente de 29 matrices de grabado ensambladas e impresas, dando como resultado final una imagen de 19,5 cm x 7 metros. Escher tambien sera reconocido por sus mandalas: diagramas o representaciones esquemticas y simblicas del macrocosmos y el microcosmos, utilizados en el budismo y el hinduismo, y que generalmente son representados por Escher como un crculo con un mdulo o diseo que se repite hasta el interior/infinito del mismo. Sus mandalas conjugan diseos naturalistas y abstractos por igual. Tambien explor con los espacios infinitos, y con las cintas de Moebius como analoga de la eternidad. Los reflejos son otra constante en su obra: reflejos en el agua, en bolas de cristal o espejos, en ojos, etc. De este conjunto de obras, es muy recordada la xilografa a tres matrices charco, de 1952. Escher llega a un punto de evolucin temtica y tcnica en sus grabados con espacios imposibles, en donde se genera el conflicto entre la superficie plana y la representacin del espacio tridimensional. El ejemplo ms claro de esto es relatividad (1953), una litografa que muestra un espacio arquitectnico complejo, donde conviven tres planos distintos comunicados por escaleras, que salen de las paredes de una habitacin y llegan al techo/piso (depende cmo se lo mire) de la otra. Este es uno de los grabados ms populares del holandes, y se populariz en una escena final de la pelcula de fantasa Laberinto (1986), protagonizada por David Bowie. Escher fue un artista que con sus obras qued emplazado en el imaginario popular, pero en muchos casos injustamente olvidado. Probablemente porque ms que un plstico fue un grfico, dentro del cnon de las artes visuales la obra de Escher no encontr un lugar claro.
Arte, culturas y estticas Finalizada la guerra, Moore comenz a producir esculturas moldeando la figura en arcilla o yeso antes de terminar el trabajo en bronce usando la tcnica de moldeo a la cera perdida o la de moldeo en arena. Sus obras generalmente representan distorsiones casi abstractas de la figura humana, como una madre con su hijo o figuras reclinadas. La mayora de sus esculturas representan el cuerpo femenino a excepcin de las realizadas a partir de 1946, cuando el nacimiento de su hija le influy en esculpir grupos familiares. Pese a sus numerosos encargos (incluso la UNESCO le solicit trabajos escultricos), Moore nunca se subi a un pedestal, o se consider ms que sus colegas. Mantuvo una vida humilde, familiar, y se dedic exhaustivamente a la elaboracin de su obra. De hecho, es uno de los pocos artistas sino el nico- que mantuvo una posicin netamente humanista de convencida simpata hacia la infelicidad del presente y de firme confianza en el destino de la humanidad. Moore realizaba varios bocetos y dibujos para cada escultura, pues consideraba esencial dibujar. De hecho, en sus esculturas los volmenes se entrelazan en ritmos y direcciones que no son accidentales, sino bocetados previamente en dibujos de composicin muy cuidada. Su morfologa ignora casi por completo la lnea recta. Sus primeras esculturas mostraban vacos convencionales, producto de extremidades flexionadas que se separaban y regresaban al cuerpo, adhirindose a l y generando ritmos. Una de las formas ms usadas por l fue la figura reclinada, inspirada por una estatua tolteca-maya que haba visto en el Louvre en sus pocas de estudiante. Un elemento de especial interes para Moore es la distorsin como sntesis de la figura humana. Por medio de esta propuesta de distorsin semi-abstracta de las figuras, Moore explor formas cncavas y convexas. Sus primeras esculturas se enfocaban en la masa, mientras que las figuras posteriores contrastaban los elementos slidos de la escultura con el espacio, no slo alrededor de la pieza, sino que tambin a travs de ella, ya que Moore dejaba vacos algunos espacios en las esculturas. Es decir: Moore incorpora al vaco, al aire, como volmen que penetra en la escultura y le hace formar parte de ella. Es una morfologa en que la lnea curva de la escultura se envuelve con la atmsfera y la luz que la rodea. En Moore no hay una distincin clara entre el espacio continente y el espacio contenido, borrando metafricamente la lnea entre escultura y atmsfera; es decir, integrando arte y realidad. Cuando una de sus sobrinas le pregunt por qu sus esculturas tenan ttulos tan simples, Moore respondi que todo el arte debera tener cierto misterio y debera exigir algo del espectador. Darle a una escultura o dibujo un ttulo demasiado explcito se lleva parte de ese misterio, por lo que el espectador pasa al siguiente objeto sin tratar de considerar el significado de lo que acaba de ver. Todos piensan que l o ella realmente lo observaron, pero en realidad no lo hicieron.
74
Arte, culturas y estticas fueron inherentes a la vida mexicana. Muy significante en su trabajo fue la crtica social de la vida e historia mexicana, exhibiendo en sus obras a soldados fallecidos durante la revolucin, por ejemplo. Orozco tambien pint una representacin del cura Miguel Hidalgo, quien en 1810 inici una revuelta entre los pobres para reclamar independencia y libertad, creando en su obra un mensaje universal de la liberacin humana de dominadores de todo el mundo.
75
Arte, culturas y estticas estudios en la Escuela Nacional Preparatoria en el ao 1922, que es donde observa a Diego Rivera pintar su mural la creacin. Durante esa poca, Frida toma clases de grabado. A sus 19 aos sufri un terrible accidente, en compaa de su entonces novio, cuando viajaba en un autobus y ste fue colisionado por un tranva. El resultado fue rotura de la columna vertebral en tres sitios, as como la clavcula, tres costillas, la pierna y el pie derecho. Un tubo le atraviesa la cadera hasta el sexo produciendole una triple fractura de la pelvis que le impedira tener hijos. Ese accidente la marcara para toda su vida, habiendo sido su manantial de horrores fsicos y en muchos momentos, origen de la tragedia reflejada en su obra artstica. Durante la convalescencia es cuando empieza a pintar sus primeras obras: son retratos oscuros, de formas rgidas y convencionales. Al reestablecer su salud, Frida llev una vida activa, ayudando a su padre en el estudio fotogrfico. En 1927 detuvo a Diego Rivera en los pasillos de la Secretara de Educacin Pblica, donde l trabajaba, para pedirle que analizara sus primeros cuadros. Entablan una relacin, y dos aos despues se casan, siendo Rivera el amor de su vida y quien le ayudara a perfeccionar su tcnica pictrica. La pareja se muda a Estados Unidos, donde Frida empieza a mostrar caractersticas populares, religiosas y de la simbologa mexicana en sus pinturas. En 1934 vuelven a Mxico, y Frida sufre abortos naturales y es operada del pie derecho; el proceso de desfiguracin de su cuerpo es constante y eso se refleja en las obras que va realizando. Diego Rivera tiene, paralelamente, un romance con la hermana de Frida, hundiendola en una depresin tremenda, que concluye con la separacin de Rivera y el posterior divorcio a fines de los aos 30. A partir de all la obra de Frida se dota de una gran riqueza plstica. Uno de sus principales temas son los autorretratos. Recibe en su casa y les da un hogar al exiliado Leon Trotsky y a su esposa en una visita que hicieron a Mxico. Sus problemas con el alcohol se hacen evidentes. En 1938 Andr Bretn llega a Mxico con una mirada predispuesta a encontrar el surrealismo en ese pas, y con Frida no es la excepcin: inmediatamente la circunscribe como parte de la esencia del movimiento. Esta etiqueta de surrealista en la obra de Frida Kahlo es una de las equivocaciones que se han continuado entre el pblico masivo con respecto a su clasificacin y entendimiento. En palabras de Frida: no fui surrealista. Nunca pint mis sueos... solo pint mi propia realidad. En los aos 40 expone en la Muestra Internacional del Surrealismo en la Galera de Arte Mexicano, y entabla un romance con Trotsky, a espaldas de su mujer. El asesinato de Trotsky, sumado a sus creciente alcoholismo, la ahogan en una gran depresin, que la lleva a tomar tratamiento mdico. A fines de 1940 vuelve a casarse con Diego Rivera. En 1942 inicia su Diario, pginas que contienen diversos apuntes de dibujos, declaraciones de amor a Diego, frases que remarcan su soledad, su cuerpo torturado, su visin del mundo, la tierra y la vida. Participa en numerosas exposiciones, tanto en Mxico como en Estados Unidos, y es nombrada maestra de la Escuela de Pintura y Escultura de la Secretara de Educacin Pblica, en 1943. Entablara una relacin de mutuo respeto y admiracin con sus alumnos. Durante toda la dcada del 40 continu con su Diario y sus pinturas dedicadas a Rivera, ademas de mltiples exposiciones. En la primavera de 1953 la Galera de Arte Contemporneo del D.F. mexicano le organiz, por primera vez, una importante exposicin. La salud de Frida era muy mala por entonces y los mdicos le prohibieron el asistir a la misma. Minutos despus de que todos los invitados se encontraran en el interior de la galera se empezaron a or sirenas desde el exterior. La muchedumbre enloquecida se dirigi al exterior, all estaba una ambulancia acompaada de una escolta en motocicleta. Frida Kahlo haba sido llevada a su exposicin en una cama de hospital. Los fotgrafos y los periodistas se quedaron impresionados. Ella fue colocada en el centro de la galera. La multitud fue a saludarla. Frida cont chistes, cant y bebi la tarde entera. La exhibicin haba sido un rotundo xito. Ese mismo ao le tuvieron que amputar la pierna por debajo de la rodilla debido a una infeccin de gangrena. Esto la sumi en una gran depresin que la llev a intentar el suicidio en un par de ocasiones. Durante ese tiempo, debido a que no poda hacer mucho, escriba poemas en su Diario, la mayora relacionados con el dolor y remordimiento. Muri en Coyoacn el 13 de julio de 1954. No se realiz ninguna autopsia. Fue velada en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de Mxico y su fretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista
76
Arte, culturas y estticas mexicano, un hecho que fue muy criticado por toda la prensa nacional. Su cuerpo fue incinerado y sus cenizas las alberga la Casa Azul de Coyoacn, lugar que la vio nacer. Las ltimas palabras en su diario fueron: Espero alegre la salida y espero no volver jams. A los cuatro aos de su muerte, la Casa Azul se convirti en el Museo Frida Kahlo. La obra de Frida es un testimonio de autorreferencialidad, y de cmo el arte puede ser no un medio de vida, sino para la vida.
77
Arte, culturas y estticas Con el fruto de varios premios del Saln de Bellas Artes, Portinari viaj a Europa en 1929, y se establece en Pars despus de recorrer Espaa, Italia e Inglaterra. El choque con la efervescencia plstica de la Europa de los aos 1930 define el rumbo que Portinari seguira al volver a su pas. En 1935, su cuadro caf recibe mencin honorfica en la Exposicin Internacional de Arte Moderno del Instituto Carnegie, en Nueva York. Este hecho le abre la conquista de espacio en el continente y el mundo, la cual tendra un momento especial en 1940, cuando Portinari fue el primer artista sudamericano en tener una exposicin individual en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Tambien, son conocidos sus frescos guerra y paz, que se encuentran en la sede de la ONU en Nueva York. Los temas de su pintura giran en torno al trabajo del hombre, con una concepcin y un enfoque muy local, referido a su contexto cultural y a su relacin con el entorno y la naturaleza. Sus personajes, enormes y macizos, no son dolos invulnerables, sino que se muestran humanos, exhibiendo sentimientos ntimos, dolor y dramatismo. En este sentido, los temas de Portinari se acercan al realismo social, pero con un tratamiento expresionista-perifrico. Recibi numerosos honores, fue miembro del Partido Comunista y activista poltico. A veces sufre el estigma, tal vez injusto, de ser considerado pintor oficial de la Revolucin del 30 y del Estado Novo, perodos difciles en la historia de Brasil. Portinari muri a consecuencia de intoxicacin provocada por el plomo que el pintor utilizaba cuando confeccionaba sus propios pigmentos al leo.
78
6. La posguerra
La Segunda Guerra Mundial, finalizada en 1945, trajo consigo importantes cambios culturales, en todo orden. Ms all de alguna referencia histrica, nos enfocaremos netamente en cmo se modific el campo artstico. Tras la Segunda Guerra, Europa deja de ser el centro de la cultura artstica mundial. El nuevo centro ser Estados Unidos y, naturalmente, tambien el nuevo mercado ser Nueva York. Junto a este centro se forman otros, pero no se trata de un ncleo o una periferia: se hace arte moderno en Japn, en Amrica Latina, aunque los puntos de referencia sigan siendo Nueva York y, subordinadamente, Pars. Al mismo tiempo, el arte de Estados Unidos alcanza una posicin de autonoma y de hegemona. Antes de la Segunda Guerra, este pas tena una tradicin artstica-pictrica muy acadmica, con temas autctonos como paisajes, cowboys, indgenas y granjeros. Pero durante el conflicto blico, muchos artistas europeos emigraron a Estados Unidos, plantando all la semilla del arte moderno. Un ejemplo y antecedente concreto de esta aproximacin europea a norteamrica fue la exposicin del Armory Show de 1913, en el que particip, entre otros, Marcel Duchamp. El ambiente social norteamericano de posguerra tiene caracteres propios inconfundibles: una soledad interna de la sociedad, con vidas falsas, casas impecables, sentimientos reprimidos, problemas de drogas, adolescentes conflictivos, un cine hueco, esquemas idnticos, argumentos sociales superficiales, literatura orientada a una autoayuda basada en sencillos y pautados pasos, y el evidente progreso tecnolgico. Es decir, una sociedad cmoda, basada en el principio consumista de produccin-consumo-descarte, no solo con los productos tecnolgicos sino con las estrellas y famosos, que tienen una vida til al servicio del entretenimiento y el egosta placer personal. Como dira el socilogo Zygmunt Bauman, las cosas ya nacen con el sello de la muerte inminente. En esta vorgine consumista, de frentico progreso tecnolgico y social, Estados Unidos se instala como principal polo cultural mundial, por primera vez en la historia. Es indudable que los norteamericanos, a la hora de producir arte, se sentan un pueblo joven que trataba de conquistar la primacia mundial, y la cultura y el arte europeos no implicaban problema. Aqu se plantea la crisis del arte como ciencia europea. Para el nuevo mundo, el arte era la creacin inmediata de hechos estticos, al igual que la ciencia lo era de hechos cientficos; es decir, una forma distinta, aunque completa, de alcanzar la experiencia de la realidad. En este marco, se empiezan a dar tendencias bastante contradictorias entre s como el expresionismo abstracto, el pop o el arte conceptual. Y si ya haba habido indicios de el arte como objeto de consumo, en este momento el mercado artstico crece exponencialmente. Existe una anttesis entre el consumo y el valor; a lo largo de toda su historia, el arte ha sido un valor que se disfruta, pero que no se consume. Luego de la segunda posguerra, en muchas ocaciones el arte se produce en serie, como productos industriales realizados a escala masiva, y en muchos casos con una finalidad comercial- esttica. De alguna manera tambien se cae la idea de artista-genio, dando paso a una nueva forma de conceptualizar antropolgicamente el arte.
79
Arte, culturas y estticas pensamientos y deseos, sus contradicciones, sus alegras y angustias. Para el pensamiento existencialista el individuo no es una porcin mecnica o parte de un todo, sino que el hombre es en s una ntegridad libre por s. Para esta corriente del pensamiento, la existencia del ser human o no es nunca un objeto sino que, desde el momento que el ser humano es capaz de generar pensamiento, existe; en consecuencia el reconocimiento de esa existencia tiene primaca y precedencia sobre la esencia. Frases como pienso, luego existo(Descartes) o la existencia precede a la esencia (Sartre) son ejemplos sintticos del pensamiento existencialista. El existencialismo implica que el individuo es libre y, por ende, totalmente responsable de sus actos. Esto incita en el ser humano la creacin de una tica de la responsabilidad individual. Seran Martin Heidegger (1889-1976) y Jean Paul Sartre (1905-1980) quienes ms desarrollaran este pensamiento a nivel filosfico, y cuyos escritos constituyen el ncleo En sntesis, las dos guerras mundiales pusieron en tela de juicio el progreso, los ideales positivistas y de la modernidad. El hombre de posguerra solo se tiene a s mismo, a su existencia concreta como nica garanta. El existencialismo ti casi totalmente el pensamiento occidental de la poca, y en el arte tuvo una influencia directa. Se acontecen muchsimas obras trascendentes en la literatura y el teatro de posguerra, y tan solo ejemplificaremos con una, que abarca ambas disciplinas: la cantante calva. Esta obra de Eugene Ionesco (1909-1994) est redactada para teatro, y fue estrenada en Francia en 1950, causando un enorme escndalo. La obra se enmarca en el llamado teatro del absurdo, y el encuentro entre dos parejas, en la casa de una de ellas. El corte satrico de la obra se da en los dilogos, que acentuan la incomunicacin y la rutina como elemento que congelan el paso del tiempo. Marido y mujer por momentos olvidan que eran pareja, y no se reconocen, en escenas tragicmicas, totalmente absurdas. Los personajes hablan pero no dicen nada, porque no se escuchan entre s, y ni siquiera hay una coherencia temtica entre escenas, salvo por la ya mencionada incomunicacin. El ridculo, la burla, la desacralizacin de la familia estan presentes en esta obra de Ionesco. El caos de la escena final es una simbologa del desorden y el absurdo de la posguerra: una reaccin muy similar a la que tuvieron los dadastas de Zurich en la entreguerra.
Arte, culturas y estticas pentagramada, calcando sobre ella las perforaciones. As, las notas estaban dadas por el azar y, por ende, tambien la composicin. Este mtodo est tomado del automatismo surrealista. La obra musical de John Cage constituye un punto de inflexin en la manera de pensar la msica occidental. Pero en la posguerra tambien hay otras propuestas, como el surgimiento de la msica electroacstica, en la que la partitura desaparece y las composiciones son escritas sobre hoja milimetrada, asumiendo un control total de lo que se ejecuta. Pero de todas las tendencias y propuestas, se destaca el auge de un estilo musical incomparable: el jazz. De origen afroamericano, el jazz surge a fines del siglo XIX en la zona de New Orleans, pero recien en 1917 sera llamado jazz, trmino de origen africano. La msica de jazz est basada en la improvisacin entre los msicos y, por ende, esquiva a la partitura y a la interpretacin cerrada en todo parmetro. Improvisar significa que el intrprete recrea libremente el tema en cada ejecucin sobre una determinada estructura armnica, ya sea en pblico o en un estudio de grabacin : la meloda funciona como tema principal e idea para desarrollar una posible interpretacin. En este sentido, la msica de jazz se centra ms en el intrprete que en el compositor. El jazz no permanece cerrado sobre s mismo, por lo cual es uno de los estilos musicales ms mezclable con estilos ajenos a l: rock, blues, bossa nova, etc. Es libre de todo parmetro, sea estilstico, de duracin de la cancin, o de ejecucin de la misma: lo que importa es cmo el msico siente a esa msica a la hora de interpretarla, permitiendo el azar y a la circunstancia como elementos vlidos a la hora de tocar. Algunos de los instrumentos que se destacan en el jazz son los vientos, como la trompeta, el corno y el saxo, y fueron muy comn los tros de piano-batera-contrabajo. De la infinidad de jazzistas, solo destacaremos a cuatro msicos, que constituyen puntos de especial interes dentro del jazz: John Coltrane (1926-1967) quien fue compositor y saxofonista, y se destac en los gneros del jazz de la dcada del 50 y 60 (hard-bop, free jazz y jazz modal). La obra de Coltrane est conscientemente vinculada al contexto sociohistrico en que fue creada (en concreto, a la lucha por los derechos civiles de los negros) y, en muchas ocasiones, busca una suerte de trascendencia a travs de determinadas implicaciones religiosas, como se puede advertir en la que es considerada por la crtica su obra maestra, a love supreme (1965). Una de las aportaciones ms reseables de Coltrane es la que se refiere a la extensin de los solos, al eliminar cualquier lmite temporal a los mismos y dejar su extensin acorde a las necesidades del intrprete, de ah que muchos temas de Coltrane sobrepasen, por ejemplo, los treinta minutos. Thelonious Monk (1917-1982) fue compositor y pianista, y se destac en el estilo llamado bebop, o simplemente bop. No solo fue un gran compositor (de hecho, gran parte de sus composiciones han sido reversionadas y reinterpretadas por los ms grandes msicos de jazz) sino que fue un improvisador brillante. Comenz tocando el rgano en una iglesia, y a mediados de los 30 empez a hacer giras por diferentes clubes nocturnos, en solitario o acompaado por otros msicos. A fines de la dcada del 40 empez a grabar sus discos, motivado por una prohibicin de tocar en clubes, luego de que la polica le encontrara estupefacientes. Luego continu tocando, hasta que en la dcada del 70 se recluy en su casa, afectado por problemas de drogas y alcohol, y continu tocando y grabando, pero nunca ms volvi a aparecer en pblico para interpretar su msica. Una de las caractersticas ms destacadas de Monk es su estilo nico, suelto, hasta desordenado. A diferencia de otros jazzistas ms tradicionales, Thelonious interpreta el piano con un tempo que a veces se corre, juega con las diferentes intensidades de cada tecla, emplea contrastes violentos en las melodas, que a veces suenan raros o incluso atonales, poniendo el sentimiento al servicio de la experiencia musical. En Thelonious hay tensin casi constante, no se aferra a ningun tradicionalismo, y con l el piano cobra identidad, suena en su totalidad, dialoga libre y provocativamente con el oyente. Un disco clave de Thelonious es brilliant corners (1956), en el que interpreta con su banda, a excepcin de la bellsima I surrender, Dear, en la que el piano es el nico protagonista. Bill Evans (1929-1980) fue compositor y pianista, destacado en el estilo de jazz post-bop, cool y msica modal. Evans parte del impresionismo de Debussy y Ravel, y trae al jazz una influencia de corte
81
Arte, culturas y estticas clsico europea, llena de lirismo, relajacin e introversin. Dueo de una ejecucin clara, limpia, calma, pero no por ello menos compleja desde el aspecto compositivo y de arreglos musicales- se le ha reprochado un considerable efecto de monotona en una audicin global de su obra, debido a su apegamiento riguroso a un determinado estilo. Una de sus principales aportes es la consecucin de tros jazzsticos en los que el piano mantiene un autntico dilogo con la batera y el bajo. Una de sus obras claves es portrait in jazz (1959), disco en el que demuestra su riqueza como ejecutante y arreglador. Bill Evans es considerado uno de los ms importantes pianistas de la historia. Miles Davis (1926-1991) es probablemente el exponente ms importante del jazz. Compositor y trompetista cuya obra se enmarca en la segunda mitad del siglo XX, Davis participa con igual fuerza del bebop y del cool, como del hardbop y de la vanguardia jazzstica, sobre todo en su vertiente modal y de fusin con el rock. El sonido de su trompeta es absolutamente caracterstico por su uso de la sordina de acero Harmon, que le proporcionaba un toque ms personal e ntimo; el sonido es suave y meldico, a base de notas cortas, y tiende al lirismo y a la introspeccin. Estudi trompeta desde los 12 aos, y se dedic a interpretar su msica en los bares y clubes de jazz. Su obra cumbre, y que casi todos consideran es el disco de jazz ms importante de la historia, es kind of blue (1959). El xito en ventas y en crtica se basa en que ese disco es una sntesis de las diferentes tendencias del jazz, conjugado con referencias al rock y la msica clsica. De alguna forma, kind of blue deja implcita las posibilidades de la msica de la poca, en una sola placa, ejecutada de manera impecable. Davis le pidi a sus msicos que casi no ensayaran y ellos llegaron al estudio con una pobre idea de lo que iban a interpretar. Segn afirmaciones del pianista Bill Evans, Davis slo les dio bocetos de las lneas de escalas y melodas. Una vez en el estudio Davis les dio breves instrucciones de cada pieza y despus se pusieron a grabar. Si bien los resultados son impresionantes, teniendo en cuenta que entraron al estudio con una escasa idea de lo que haran, la creciente leyenda de que ste se grab en una sola toma es falsa. Sin embargo, el espritu de la improvisacin jazzstica est presente en el origen y en el resultado final del disco, siendo ste el emblema del jazz por excelencia. En la dcada del 50 surgira un estilo musical en Estados Unidos que, al da de hoy, continua vigente: el rock. En tiempos de la esclavitud en los Estados Unidos las comunidades negras desarrollaron un potencial musical en el que predominaban los cnticos religiosos y ritmos propios que marcaban los das de trabajo en las diversas plantaciones que habitaban en aquel entonces. A nivel musical la influencia de los ritmos y sonidos africanos se hacan presentes generando en un estilo propio y diverso que luego se materializ en el blues. Por otro lado tambin la influencia de los msicos blancos a travs del gnero musical denominado country y la aparicin de la guitarra elctrica dara nacimiento a lo que se llam rhythm and blues, padre del rock and roll. Uno de sus precursores fue Muddy Waters en 1949. El trmino rock and roll, o rock a secas, empez a utilizarse para aminorar musicalmente el popular ritmo rhythm and blues, el cual denotaba en demasa las luchas raciales para la poca, y aunque en esencia los dos gneros musicales representaban lo mismo, se quiso diferenciar uno del otro para dar paso a los cantantes blancos y a la msica que no mencione el conflicto racial. Hay quienes datan su origen en 1954, con los dos primeros trabajos discogrficos de Bill Haley y su grupo Bill Haley and the Haley's Comets, que datan de 1954 y 1955, proyectando una influencia destacada en msicos como John Lennon. Otros consideran como creador a Elvis Presley (1935-1977), y eligen tambin como fecha del comienzo del rock and roll a 1954, ao en el que Presley edit su primer disco. Presley es conocido como el rey del rock and roll, y su talento y carismtica presencia lo colocan en un indiscutido lugar entre los msicos del siglo XX. Durante su carrera, protagoniz 31 pelculas, muchas de las cuales estuvieron consagradas a sus canciones. Grab un total de 150 lbumes y obtuvo 14 nombramientos a los Grammy de la academia nacional de las artes y de las ciencias. Entre los msicos destacados de la poca se pueden citar a Jerry Lee Lewis (1935-) y a Buddy Holly (1936-1959), entre otros. A partir de los aos 60 tuvo un importante desarrollo y evolucin que se expres a travs de gran cantidad de bandas, de ritmos y de estilos que lo convirti en un fenmeno cultural y musical que se extendi alrededor del mundo. Como ya mencionamos, consiste en una conjuncin rtmica que se cimenta esencialmente sobre la msica negra. Su popularizacin sirvi para que muchos
82
Arte, culturas y estticas msicos pudiesen expresarse y llegar a difundirse en medios locales y nacionales. Esa es la historia de muchos rockers negros, como el mismo Chuck Berry (1926-), quien plasma la realidad social de su entorno en la cancin Johnny B. Goode. Caracterizado por un marcado ritmo y potencia, no es sino a partir de los aos 1960, cuando deja de ser el ritmo que representaba a los jvenes rebeldes en los 50, dando paso al gnero denominado rock o msica rock, que marcara un hito masivo entre la naciente generacin joven de los 60, entremezclndose con diversos estilos musicales hasta el da de hoy.
Arte, culturas y estticas painting, y cada pintura es un momento anecdtico de su vida: la realizacin de la obra es nica e irrepetible. Al no haber ms modelo que el del gesto momentneo, las obras de Pollock y del expresionismo abstracto llegan a ser, para el crtico Clement Greenberg, el mximo progreso de la historia de la pintura (destacaremos esto posteriormente). Hay un cierto parentezco entre las obras de Pollock y la msica de jazz. En ambos, se compone sin proyecto, hay ritmo libre, improvisacin, mltiples puntos de interes/timbres/sonidos/colores, y no hay una sola forma de representar o de percibir la obra terminada, porque es abierta. En Pollock cada lnea, casa color, se estimulan y se lanzan uno contra otro, como los sonidos jazzeros que se interfieren, divergen y vuelven a conjugarse en una composicin nica. Pollock utiliz muchas clases de lpices, tizas, pasteles, ceras y pinturas (gouache, tempera, acuarela, esmalte y metlicas), as como tinta y cera derretida. Y, adems del papel de dibujo habitual, emple como soporte cuantas clases de papel tuvo a su alcance: cartulina, papel de trapos hecho a mano, papel de envolver, papel de arroz, tapas de cuaderno y papel de oficina. El aporte de Pollock al expresionismo abstracto, en cuanto a espontaneidad e innovacin, est ntimamente ligada a su experimentacin y su maestra en el medio grafico. Goz de gran popularidad, siendo en su momento considerado el pintor americano ms importante de la historia, y sus pinturas eran las ms vendidas. En este sentido, podra decirse que Pollock produca obra casi en serie, con un sentido netamente comercial. Es uno de los pocos expresionistas abstractos que, una vez terminado el momento de la accin, haca algun pequeo retoque compositivo a sus obras. Sus pinturas, como muchas de las obras de los expresionistas abstractos, no tenan ttulo, sino que se les llamaba por nmero. Su pintura #5, de 1948, es la ms cara de la historia, siendo subastada por 140 millones de dlares en 2006. La idea de que no poda superar su propia obra inclin a Pollock al alcoholismo. Falleci en un accidente automovilstico, producto de su estado de ebriedad, a sus 44 aos y en la cima de su carrera. Irnicamente, no todos los expresionistas abstractos fueron abstractos, pero se enmarcan dentro de la idea de la action painting, por lo cual, por proximidad histrica, esttica y conceptual, se los incluye en este grupo. El representante ms importante de la action painting figurativa, dentro del expresionismo abstracto, es Willem De Kooning (1904-1997). Este holandes lleg a Estados Unidos a sus 22 aos, y en la dcada del 40 tom contacto con las tendencias expresionistas abstractas. La formacin artstica de De Kooning provena del expresionismo, pero tambien tom elementos del cubismo y el concepto del automatismo surrealista para dejar fluir su pintura, sin intervencin de la conciencia en su realizacin. Su pintura es de accin, entonces, pero con una diferencia: conserva la figura humana como nico elemento figurativo. Sobre esto, Pollock le acusara: estas haciendo figuras. Estas haciendo todava la misma maldita cosa. Sabes que nunca vas a dejar de ser un pintor figurativo. Pollock consideraba que, con sus pinturas figurativas, De Kooning pona en riesgo la revolucin abstracta en la pintura que estaban realizando. Y si bien De Kooning lleg a tener una faceta netamente abstracta, sus cuadros que estan a mitad de camino entre lo figurativo y lo abstracto son los ms reconocidos. De hecho, su woman III (1952-53) es la segunda pintura ms cara de la historia, por la cual en 2006 un coleccionista privado pag 137,5 millones de dlares. Es parte de una serie de mujeres, representadas con rasgos espantosos, como aplastadas contra el fondo, absolutamente distorsionadas y reducidas a un esquema muy bsico. El resultado no dejaba de conmover, ya que se trataba de una interpretacin femenina desgarrada y cruel, bordeando incluso lo hiriente. Un icono de la desesperanza y el dolor en el que no hay espacio para la calma. Un ejemplo de una sociedad aturdida en el que lo banal, la publicidad y lo cotidiano van tomando cada vez mayor protagonismo. De Kooning a menudo trabajaba con los ojos cerrados, o manchaba la tela con color, para luego ir encontrando inconscientemente las formas figurativas. En De Kooning hay una bsqueda por romper la realidad, distorisionarla, degradarla, destruirla, todo ello basado en un sentimiento de angustia personal y exitencialista. Falleci de Alzheimer en 1997, luego de una intensa y prolfica carrera artstica. A mitad de camino entre la action painting y el colour field, hallamos a dos artistas principalmente. Por un lado Franz Kline (1910-1962), quien fue conocido como el artista del blanco y negro, etiqueta que el mas tarde aclarara: hay quien cree que tomo una tela blanca y pint encima un signo en negro, pero no es as. Yo pinto el blanco junto con el negro, y el blanco es igual de importante . De
84
Arte, culturas y estticas hecho empleaba varios tonos distintos de pigmento blanco para matizar sutilmente la textura superficial, mezclando muchas veces pinturas comerciales y pinturas de artista. Sus monumentales pinturas gestuales en alto contraste son claramente reconocibles dentro del mbito expresionista abstracto. El otro artista es Robert Motherwell (1915-1991), quien expres una vez, cuando alguien le pregunt qu significaba aquello, en relacin a una de sus obras: a la pregunta de qu significa este cuadro, solo se puede contestar diciendo que es la acumulacin de cientos de decisiones con el pincel. Un dia determinado, o durante unas horas, puedo hallarme en un estado muy particular y hacer algo mucho ms ligero o mucho ms cargado, mucho ms pequeo o mucho ms grande de lo que hara normalmente, pero cuando trabajo concienzudamente en algo durante cierto tiempo, debo plasmar en ello todo mi ser. Esta definicin de qu es la pintura para Motherwell bien tiene relacin con la filosofa existencialista en boga. La obra de Motherwell encuentra un referente en la abstraccin geomtrica de Mondrian, pero en donde ste aplicaba la razn, Motherwell interviene con el sentimiento, que es lo primordial para l. Es uno de los pocos artistas que no pas por la figuracin, antes de llegar a la abstraccin. Licenciado en filosofa, realiz escritos muy accesibles relatando las teoras del expresionismo abstracto. En lo netamente plstico, el mayor objetivo de Motherwell era mostrar al espectador el compromiso mental y fsico del artista con el lienzo. Prefera utilizar la dureza de la pintura negra como elemento bsico; una de sus ms conocidas tcnicas consista en diluir la pintura con aguarrs para crear un efecto de sombra. Es una pintura gestual, enrgica, de colores vivos, contrastante, basada en la geometra y la forma definida. Su extensa serie de pinturas conocida como elegas a la Repblica Espaola es generalmente considerada su proyecto ms significativo, y est compuesta por casi 200 obras. Tambien trabaj con el collage basado en desechos de la vida cotidiana. Sobre el final de su vida, su pintura se tornar ms minimalista, dandole importancia al plano de color y unas pocas lneas esquemticas, como en sus series de pinturas abiertos y sus ventanas. La otra tendencia del expresionismo abstracto, al margen de la action painting, fue el colour field, o composiciones de campo de color extendido. Son superficies planas de color, sin signos ni gestos sobre l. El color genera atmsfera, sensacin de espacio, y se extiende por toda la tela, abarcando su inmensidad. No hay un foco de atraccin puntual, sino que es general. El representante ms importante de esta tendencia es Mark Rothko (1903-1970), quien despues de la Segunda Guerra abandona la figuracin surrealista y luego de un proceso de depuracin llega a su pintura de grandes reas de color puro. Los campos de color de Rothko se reducen a formas rectangulares con contornos imprecisos y confusamente definidos, con colores oscuros, suaves o vivos. Rothko aplica una pintura muy ligera en dos o tres rectngulos de contornos suaves, que llenan la tela cada vez con formatos de mayores dimensiones. Consigue gracias a la utilizacin de la aguada texturas transparentes, que crean una atmsfera brumosa frente al espacio visible de la tela como un espacio ilusorio y profundo. Mark Rothko, lo mismo que Pollock, quiere ir ms all del cuadro de caballete, aunque las motivaciones y el camino para lograrlo sean distintos. En Rothko, el color genera sensaciones y emocin. En 1951 escriba: pintar un cuadro pequeo es colocarte fuera de tu experiencia, es contemplar una experiencia con una visin esteriotipada o con una lente reductora. Siempre que pintas un cuadro grande, ests dentro de l. No es algo que t gobiernes . Los lienzos de gran tamao y su idea de envolver al espectador estan relacionados con la idea de hacer partcipe al espectador de una experiencia mstica, ya que Rothko le daba un sentido religioso a su pintura. Rothko sufre una gran depresin en los aos sesenta, y para ese entonces sus campos de color de vibrantes colores haban quedado en el pasado, por lo que en ese entonces trabaj con marrones, grises y tonos oscuros, incluyendo negro pleno. A causa de su depresin, se suicida en 1970. Otro importante representante del colour field es Ad Reinhardt (1913-1967). En este caso, la intencin del pintor es no dejar huella de su paso: no debe verse ni pincelada, ni gesto, ni caligrafa. Su trabajo evolucion desde composiciones con rectngulos y enormes formas geomtricas en los aos 1940, con sensacin de infinito, a trabajos en distintas tonalidades del mismo color (todo rojo, todo azul, todo blanco) en los 1950. Reinhardt es conocido por sus llamadas pinturas negras en la dcada de 1960, que en un principio parecan ser simplemente lienzos pintados de negro, pero estaban en realidad
85
Arte, culturas y estticas compuestos por tonalidades de negro y cuasinegro. Entre otras evocaciones, estas pinturas pueden interpretarse como el cuestionamiento de si puede existir algo que sea tan absoluto, incluso en el negro, un color que algunos espectadores ni siquiera consideran como tal. Ademas, es una especie de cita al cuadrado blanco sobre fondo blanco del suprematista Malevich.
El terico y crtico de arte moderno Clement Greenberg (1909-1994) fue uno de los mayores defensores del expresionismo abstracto, aunque l no gustaba de ese rtulo para definir al estilo pictrico. Su pintor favorito y protegido era Pollock, y en base a su obra como en la del resto de los pintores de la Escuela de Nueva York, Greenberg defendera que el expresionismo abstracto es la cima de la pintura moderna. El basamento que tiene para decir eso es que, en el expresionismo abstracto, la pintura ha llegado a ser su propio tema, a nivel absoluto. Cuando mencionamos el relato vasariano, decimos que ese relato, cnon o discurso para valorizar una obra se basa en su nivel de naturalismo: mientras ms mimtica sea la obra con respecto a la realidad representada, mejor es. En cambio, el relato de Greenberg se rige por la idea que persigui y busc el arte moderno durante aproximadamente un siglo: encontrar y explotar los elementos propios de cada disciplina. La modernidad en la pintura se inici con Manet segn Greenberg-, con Van Gogh y Gauguin segn Arthur Danto-., puesto que las obras de estos artistas representaron los primeros intentos genuinos de que el arte abandone la mmesis, para centrarse en s mismo. Luego vinieron las vanguardias histricas, que a su manera hicieron bsquedas basadas en ideologas y contextos culturales determinados, y que explotaron diferentes aspectos del arte en s mismo. Pero desde la ptica de Greenberg, es incuestionable que el expresionismo abstracto lleg a la sntesis total: es pintura pura, y punto: no hay representacin mimtica porque es abstracta; no hay tema pactado, porque es espontneo y vital, existencialista; ni siquiera hay necesidad de que haya una herramienta como el pincel para aplicar la pintura, porque sta cobra autonoma por s misma, chorrea, se desliza, se busca, se transforma en su propio tema. Desde el punto de vista de Greenberg y de la concepcin de arte en este caso pinturacomo autorrepresentacin, el expresionismo abstracto es la cima del arte moderno, en lo estrictamente esttico-visual. Pero, qu sucede despues, si la pintura lleg a su punto mximo? Aqu es donde el relato de Greenberg ya no puede aplicarse y es necesario abordar otra ptica de estudio, basado en la filosofa del arte. Pero eso no suceder hasta que irrumpa el arte pop, en la norteamrica de la dcada del 60.
6.4. Informalismo
Mientras en Estados Unidos se despliega el expresionismo abstracto, en la Europa de posguerra se desarrolla el informalismo. Esta tendencia se desarroll principalmente en Pars y en Espaa, y este tipo de pintura, como su nombre lo indica, posee caractersticas informales de representacin. Los informalistas basaron su arte en la experimentacin desprejuiciada, sin buscar comunicar un mensaje metafrico: sus pinturas son hechos plsticos concretos, que permiten interpretaciones libres, infinitas, por parte del espectador. El panorama de posguerra no era alentador. Europa qued devastada por el conflicto blico, y todo ideal positivista qued disuelto. Los artistas que no migraron a otros pases y permanecieron en el viejo continente sufrieron la situacin histrica como cualquier otro europeo, y eso se canaliz en la obra que realizaron. Los pintores comenzaron a utilizar materiales ajenos a la pintura, en muchos casos materiales de primera necesidad o de lo que qued luego de la guerra, y los incorporaron al lenguaje plstico. Entonces, los informalistas emplearon leos y acrlicos, pero que convivieron con materiales como arena, cartn, piedra, alambre, telas rasgadas, chapa, brea, tierra, etc. El informalismo fue muy amplio, y los temas que abarc son igualmente variados, casi siempre marcados por esta concepcin pesimista de la existencia. En las obras, la barrera de figuracin y abstraccin es difusa, puesto que en varias pinturas ambos aspectos conviven armnicamente. Los artistas informalistas trabajaron con el gesto como expresin vital y principal del arte y del ser humano. En este 86
Arte, culturas y estticas sentido, esa espontaneidad y el marco histrico-geogrfico del informalismo tambien tiene relacin con la filosofa del existencialismo. Los informalistas destacaran el valor del inconsciente (influencia del automatismo surrealista), y consideran que cualquiera puede hacer arte, revalorizando las obras plsticas de los nios y los enfermos mentales. Hay un rechazo a la cultura propia y a la palabra escrita y, por ende, esquivan la bsqueda de un mensaje hermtico. Hay un inters por lo primitivo: el hombre primitivo siente que la razn y la lgica son imperfectas y por ello muestra ms confianza en otras formas para acceder al conocimiento de las cosas, una confianza que le lleva a admirar los estados que la cultura occidental identifica con el delirio. Los informalistas hallan estas formas de expresin, como ya se mencion, en la plstica de los nios y en esos seres que la sociedad estigmatiza como locos. Pero no slo en ellos, porque, en contra del mito occidental del genio, la capacidad para crear es comn: cualquiera puede hacer una obra de arte, siempre que su objeto no sea crear lneas bellas y bellas armonas de colores, sino expresar, de forma mucho ms eficaz que las palabras, los instintos, las pasiones o los sentimientos ms ntimos -y por tanto inefables- de un ser humano. De esta forma, la actividad artstica se convierte en una va de escape al totalitarismo de las convenciones culturales, aunque slo en la medida en que pueda liberarse de las propias convenciones que han imperado en el mbito artstico. Al clculo, el virtuosismo y los artificios espaciales que gobiernan el arte tradicional, los informalistas oponen el azar, la aparente torpeza y un respeto absoluto por la superficie plana del lienzo. Se reivindica el carcter inmediato, intuitivo y profundamente sincero de la materia: el gesto esencial del pintor es embadurnar, no extender con un pincel el color, sino zambullir sus manos en cubos y palanganas y masticar con las palmas y los dedos la tierra y la pasta del muro que tiene ante s. El artista se encuentra con el azar, con los caprichos de un material que se rebela. La realizacin de la obra se convierte en una aventura cuyo desenlace no se conoce y a la que el artista asiste como un espectador asombrado. El informalista por excelencia es Jean Dubuffet (1901-1985), quien rene en su obra todas las caractersticas citadas. Inici estudios de bellas artes, que no duraron ms de seis meses, al sentir l que las instituciones artsticas nada tenan que ofrecerle. Ya contando ms de 40 aos, luego de la Segunda Guerra, Dubuffet se interesa en los dibujos de los enfermos mentales, y comienza a elaborar su propia obra, sin preocupaciones estilsticas o estticas, y absolutamente libre de prejuicios, con una pintura de gran carga matrica. En esta poca, Dubuffet inicia su coleccin de lo que denominara arte bruto, como as tambien su actividad terica, escribiendo textos explicativos y orientativos respecto a su concepcin artstica, con ttulos como ms vale arte bruto que las artes culturales, revelador de las preocupaciones del artista. Hasta la dcada del 50 trabaja una primera etapa figurativa; en esta dcada la obra de Dubuffet estar dominada por el dilogo entre la superficie pictrica y la materia; as nacen series como suelos y terrenos, pastas batidas, celebracin del suelo, texturologas, ensamblajes o el gran ciclo de las materiologas. Cada una de ellas surge de un tema o un problema especfico al que el artista se consagra durante pocas determinadas, aunque en ocasiones vuelve a trabajar en ciclos ya cerrados. En julio de 1962, en un nuevo cambio. Dubuffet inicia su serie ms larga e importante, alejada de la concepcin informalista, a la que denomina L'Hourloupe. Durante ms de una dcada sus obras se pueblan de formas nacidas del entrecruzamiento aleatorio de trazos y de unos pocos colores elementales, principio de un caos que con el tiempo se materializan en tres dimensiones: primero sobre el soporte ligero y manipulable del poliestireno expandido, ms tarde en forma de grandes esculturas. En la dcada del 70 realiza sus series crayon-nages y teatros de memoria, en la que compone collages a partir de sus propias obras. Hacia 1980, problemas en las vrtebras obligan al artista a emplear tcnicas ms sencillas; sus ltimas series, miras y no-lugares, suponen la vuelta a la abstraccin . Otros informalistas europeos son Jean Fautrier (1898-1964), quien se destac dentro de la pintura matrica, y realiz muchas series temticas, como la serie rehenes. Las cabezas apenas esbozadas, con los rasgos desdibujados y sin identidad definida representan en la mencionada serie a los deportados en campos de concentracin. En Fautrier el dolor, la culpa y la responsabilidad del ser humano respecto a los hechos de la guerra son un tema recurrente. El aleman Wols (1913-1951), ademas de ser pintor fue fotgrafo y violinista. Su pintura es gestual, de trazos finos, figurativa, con un poco de bronca. Su vida
87
Arte, culturas y estticas personal y, por ende los temas de su obra, fue trazada por el drama, la pobreza y la tragedia. En pocas de pobreza extrema, y durante muchos aos, lleg a alimentarse solo a agua, sin comer slidos. Wols falleci de un atracn de comida, aparentemente en mal estado, y es el prototipo del artista bohemio sufrido. En Espaa, especficamente en la ciudad de Madrid, se destaca el grupo El Paso, que tuvo vida entre 1957 y 1959. El grupo desempe un papel fundamental en el proceso de normalizacin de una vanguardia, desorientada y dispersa desde el final de la Guerra Civil. Presenta una significacin singular debido a la procedencia dispar de sus miembros, su coherencia plstica, a pesar de la fuerte individualidad de cada uno de sus componentes, y a su ideologa comprometida y radical. Los artistas de El Paso iniciaron su formacin en un ambiente artstico en el que la modernidad se abra paso de una forma precaria. En realidad, podra decirse que el arte de los miembros del grupo, al igual que el de otros muchos artistas de vanguardia de entonces, no se corresponda con las condiciones reales e histricas del pas. Su actividad fue una labor que tendi un puente, un paso, entre una modernidad invertebrada y una vanguardia radical. Los artistas de El Paso realizaron un arte en el que existen varios componentes que forman parte de un denominador comn: la primaca de una expresividad agresiva e intensa; la reduccin intencionada del color a unos lmites mnimos para su existencia y, por ltimo, a travs de ello, el convencimiento en una potica artstica del compromiso. Uno de los aspectos que definen la dimensin plstica de El Paso fue precisamente su preocupacin y actitud crtica ante la realidad y su compromiso con una situacin histrica. La vanguardia significaba rebelda, ruptura. El compromiso con la realidad del momento supona una misma actitud de lucha y negacin de lo establecido que los miembros de El Paso identificaron con su prctica artstica. Entre los artistas que lo integraron se hallan: Antoni Tapies (1923-), quien adhiri a la pintura matrica similar a la de Dubuffet o Fautrier, y realiz obras con gran carga matrica, con mixtura de diversos materiales en composiciones que adquieren la consistencia de muros o paredes, a las que aade distintos elementos distintivos a travs de signos que enfatizan el carcter comunicativo de la obra, semejando el arte popular del graffiti; Antonio Saura (1930-1998), pintor y terico del arte, quien se destac como artista figurativo, y realiz retratos imaginarios entre ellos el retrato de Brigitte Bardot-, destacando el pesimismo y la fealdad del ser humano y lo gestual de la pintura; y Manolo Millares (1926-1972), quien destac a la arpillera como soporte pictrico, elaborando homnculos: personajes desgarrados, desarticulados, como destripados, realizados con materia pictrica y tela cosida sobre el lienzo, y que son una metfora del humano como despojo existencial.
88
Arte, culturas y estticas Estas experiencias con ambientaciones no fueron bien recibidas, aunque una dcada despues el pop las hara masivas. En 1958 inicia su serie de los tagli (tajos) que continuar durante toda su carrera. Sus cuadros ms conocidos son los titulados concepto espacial, donde los protagonistas son los agujeros, piedras, tajos, perforaciones, rasgaduras en la tela generalmente pintada con un solo color. Estas obras son un alegato plstico en el que Fontana intenta conjugar pintura y escultura, mostrando la superficie plana del cuadro siendo penetrada, mostrando qu hay detrs, y as su correspondiente vaco/volmen. Tambien, el hecho que Fontana violente la pintura es una metfora de cmo, para l, la pintura de caballete deba ser dejada atrs, y que la representacin deba reformularse. Los tajos de Fontana son una reaccin de disconformidad con toda la tradicin pictrica, y sus conceptos espaciales hablan de la muerte del cuadro, tan presente en la dcada del 60. En ese sentido, Fontana dijo en uno de sus Manifiestos Espacialistas que el arte podr vivir un ao o milenios, pero siempre llegar la hora de su destruccin material. Consideraba necesario una nueva relacin, ms vital, entre la creacin del artista y la interpretacin del espectador. La figura de Lucio Fontana es una de las ms singulares y controversiales de la segunda mitad del siglo XX. Es evidente su protagonismo en el escenario artstico europeo de la segunda posguerra. Los lenguajes, estilos y medios diferentes que utiliz en sus obras lo convirtieron en un creador aparentemente contradictorio. Pero ms all de las aparentes polaridades, fue fiel a un pensamiento central: el hombre en el tiempo y el espacio.
Arte, culturas y estticas tengo historia que contar con las imgenes. Y no siento nada cuando pinto. Bacon pintaba sin boceto previo, por lo cual permite un margen amplio para la espontaneidad y el error. Otra caracterstica de sus obras es que Bacon pintaba en el reverso de las telas, que por su excesiva textura no permite correccin alguna. Cada marca, cada pincelada, cada gesto es pensado, y una vez que se realiza bien o mal- integra la pintura. Giulio Carlo Argan dice: su figuracin dramtica, existencial, parece surgir de las cenizas de un informalismo en el cual la realidad humana se hubiera disuelto, anulado, dejando jirones de carne macerada. En las imgenes de Bacon parece como si la carne en descomposicin tratase de recomponerse laboriosa y dolorosamente en el cuerpo, en una angustiosa toma de conciencia de la propia condicin humana (...). De pronto nos encontramos de que el esculido caos representado por el pintor es una realidad que late bajo las apariencias cotidianas. Somos conscientes de que, si es verdad que la situacin de horror que Bacon analiza sin piedad y sin ira tiene un antecedente histrico bien definido, la guerra y los desastres de la guerra, sus pesadillas y su semilla de turbacin, enterrada pero no aniquilada a travs del tiempo, es verdad tambien que la guerra no cesar nunca. La personalidad de Francis Bacon merece prrafo aparte. Bacon llevaba una vida ms bien solitaria y poco dada a escndalos. Era homosexual, y tena gustos e intereses inusuales, pero vesta de forma austera y segua una rutina diaria ms propia de un trabajador. Despus de pintar, acuda a pubs a beber cerveza. Bacon era alcholico, y en su taller solan encontrarse cajas vacas de whisky Vat 69. Curioso y desordenado, el taller de Bacon acumulaba innumerables recortes de prensa y fotografas de obras de arte antiguas, especialmente de Velzquez. Tambin le interesaban las viejas pelculas de atletas saltando y corriendo, as como de aves y dems animales, pues le fascinaba el movimiento de los seres vivos, interes que explot en sus fotografas. El taller de Bacon estaba tan desordenado, que el artista pisaba sus propias obras. Sola desechar bastantes si no estaba satisfecho con ellas; en cierta ocasin entreg varias a un electricista que haba acudido a reparar algo. Dcadas despus, estas piezas fueron subastadas y alcanzaron altas cifras. El taller de Bacon fue donado por su heredero John Edwards al museo municipal de Dubln. Fue desmontado y trasladado como una obra de arte en s misma a dicho museo. Bacon fue un gran crtico, tanto de s mismo como del arte en general. De sus contemporneos expresionistas abstractos, dira: Rothko me deprime, y lo de Pollock parecen cordones viejos. De s mismo y sus obras, declar: sera una tortura que a la gente le gusten mis pinturas. Si no les gustan, significa que mis obras algo tienen adentro. Respecto a la muerte, dira: el artista busca vencer a la muerte dejando imgenes, pero al final nos morimos igual. Esta trgica postura casi existencialista se vea reflejada en otras frases del pintor: no creo en nada. Nacemos y morimos, es todo, soy optimista por nada, la vida vaca se vuelve desierto a tu alrededor, o respecto a su adiccin al alcohol declarara mi vida est a la deriva, va de un bar a otro. La pintura de Francis Bacon permanece al margen de cualquier tendencia masiva, y hoy da es tomado como un artista de culto. Sus obras y su mismsima personalidad- son de las que mejor representan al hombre del siglo XX: un hombre angustiado por la vida, pero entusiasmado por el arte.
6.7. Op-art
El arte ptico, tambien llamado op-art, es una corriente artstica abstracta nacida en 1958 en Estados Unidos, y se basa en la composicin pictrica de fenmenos puramente pticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engaando al ojo humano mediante ilusiones pticas. Se utilizan estructuras de repeticin con un orden claro, y surge como una derivacin de la abstraccin geomtrica (constructivismo, suprematismo, neoplasticismo, Bauhaus). Frente a otras tendencias racionales, el op-art se basa en principios cientficos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inditos. Se trata de un arte impersonal, tcnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuracin que ofrece. No debe confundirse con el arte cintico, que surge aos despues, y en el cual las obras poseen movimiento concreto. En el caso del op, las imgenes son estticas, pero el movimiento se genera ptica y psicolgicamente, es decir, en quien observa. El
90
Arte, culturas y estticas espectador toma contacto y protagonismo con la obra, y la completa, ya que el efecto buscado por la obra solo se da si hay un espectador presente. Uno de los artistas ms importantes del op-art es Victor Vasarely (1908-1997). Desarroll un modelo propio de arte abstracto geomtrico, con efectos pticos de movimiento, ambigedad de formas y perspectivas, e imgenes inestables. Utiliz diversos materiales pero usando un nmero mnimo de formas y de colores. Tena consideracin por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas, color, etc). Busca efectos visuales tales como movimiento aparente, vibracin, parpadeo o difuminacin. Vasarely usa los recursos de lneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromticos marcados, ya sea poli o bicromticos, cambios de forma y tamao, combinacin y repeticin de formas y figuras, entre otros recursos pticos. Usa tambin figuras geomtricas simples, como rectngulos, tringulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas. Otros representantes importantes del op-art y del arte cintico son el venezolano Jess Rafael Soto y el argentino Julio Le Parc. El op-art surge como una tendencia artstica, pero no persigue ningun mensaje, ni contrarrestar u opacar al expresionismo abstracto. Simplemente son experimentaciones visuales, netamente racionales y cientficas, cuyo nico fin es generar una sorpresa o juego visual en el espectador. De alguna forma, el opart es un preludio a lo cotidiano que explotar profundamente la esttica del arte pop.
7. El arte contemporneo
Tambien denominado arte posmoderno o arte poshistrico, el arte contemporneo comienza a desarrollarse, aproximadamente, en la dcada del 60, aunque se hallan algunos puntuales antecedentes dcadas antes. A lo largo de la historia del arte, ha habido dos grandes relatos que enmarcaron a la concepcin de las artes visuales en particular la pintura-. Por un lado, el mencionado relato enunciado por Giorgio Vasari en el siglo XVI, el cual defiende a la mmesis y la imitacin perceptual como factor para medir y valorar a la pieza artstica. Por otro lado, el relato de Clement Greenberg, quien se opone al relato vasariano, defendiendo al arte moderno, el cual se volvi su propio tema y experiment libremente con los materiales y lenguajes que lo hacen ser. Para Greenberg, el punto mximo del arte moderno, y por ende insuperable, fue el expresionismo abstracto, porque la pintura es su propio tema, despojada de representacin o elementos narrativos externos a ella. En el expresionismo abstracto, la pintura misma es el mensaje. Para Greenberg, el expresionismo abstracto sera insuperable, por sus infinitas posibilidades visuales. Desde una ptica netamente greenbergueana, no hay otra tendencia en pintura que sea ms moderna que el expresionismo abstracto, o un artista ms grandioso que Jackson Pollock. Esto es porque dentro de su relato esta pintura se jerarquiza. Su relato avala a Pollock y sus contemporneos. Pero, y despues, qu? Luego del expresionismo abstracto, apareci el pop. Greenberg jams lo tom como arte, y consideraba que despues del expresionismo abstracto no pas ms nada en el campo artstico, al punto tal que lo nico que l vi fue, en textuales palabras, decadencia!. Y uno de los narradores y filsofos del arte visual ms importantes, Arthur Danto (1924-), defiende la idea de que con el pop se inici el fin del arte, pero desde una ptica ms positiva y abarcativa que la de Greenberg. Esta afirmacin se inici el fin del arte- es bastante fuerte a simple vista, pero Danto la explica no tomando la idea de que el arte muri, sino con el concepto de que murieron los relatos. Danto explica que la obra que le llev a esta idea fue la Brillo Box (1964) de Andy Warhol. Fiel a su estilo pop, Warhol hizo fascmiles reproducciones- de las cajas de Brillo, un producto de limpieza para cocina que se venda en los supermercados de la poca. Cuando Danto vi la Brillo Box de Warhol en una muestra, not que a simple vista la caja corriente y la obra eran similares (la caja del producto es de cartn impreso, y las de Warhol estn impresas en cajas de madera, pero visualmente pueden confundirse), y eso le llev a reflexionar: que un objeto tan mezquino y miserable se vea elevado mediante su admisin en el mundo del arte, parece estar fuera de toda cuestin. Pero entonces advertimos que hemos confundido la obra de arte Brillo Box con su vulgar rplica en la realidad comercial. La obra proclama su reivindicacin de ser arte
91
Arte, culturas y estticas en tanto que propone una metfora a ultranza: la caja de Brillo como obra de arte. Y al cabo, esta transfiguracin de un objeto corriente no transforma nada en el mundo del arte. Se limita a hacernos conscientes de las estructuras del arte, que ciertamente requirieron de un cierto desarrollo histrico antes de que esta metfora viniera a ser posible. Si lo visual no es pauta para determinar qu es arte y qu no lo es, en lo que a artes visu ales refiere, entonces, qu parmetro seguir? Bajo esta idea Danto elabora su teora de que el arte, o mejor dicho, los grandes relatos en el arte, han muerto. As, defiende la idea de que lo visual ya no es suficiente para analizar, teorizar y/o disfrutar sobre el arte: es necesario introducir la filosofa al arte, elevar el pensamiento a algo ms all de lo que los sentidos perciben. En el arte contemporneo, es necesario llegar a la idea, al concepto. En palabras textuales de Danto: el ejemplo de la Brillo Box deja claro que la diferencia entre arte y realidad no se puede entender mediante elementos puramente visuales, ni ensear el significado de la obra de arte por medio de ejemplos (...). El arte mostr a traves del pop cul era la pregunta filos fica natural sobre el arte. Era sta: qu diferencia una obra de arte de algo que no lo es si, de hecho, parecen exactamente iguales? Tal pregunta no se podra formular nunca cuando uno poda ensear el significado del arte mediante ejemplos, o cuando la distincin entre arte y realidad pareca ser perceptiva, como la diferencia entre la pintura de una cama y la cama real. Me pareci que si el problema filosfico del arte haba sido aclarado desde dentro de la historia del arte, entonces esa historia haba llegado a un fin. La historia del arte occidental se divide en dos episodios principales, lo que llam el episodio Vasari y lo que llam el episodio Greenberg. Ambos son progresivos. Vasari, definiendo el arte como representacional, lo concibe como una bsqueda a traves del tiempo para mejorar las apariencias visuales. Ese relato concluy en la pintura cuando el cine demostr ser sobradamente mejor para retratar la realidad. La modernidad empez preguntandose qu debera hacer la pintura a la luz de esto. Y empez a buscar su propia identidad. Greenberg defini el nuevo relato en trminos de un ascenso a las condiciones identificatorias del arte, especficamente lo que diferencia al arte de la pintura de cualquier otro arte, y lo encontr en las condiciones materiales del medio. El relato de Greenberg es muy profundo, pero concluye con el pop, sobre el que nunca fue capaz de escribir sino desdeosamente. Lleg a un final cuando el arte lleg a un final, cuando el arte, tal como era, reconoci que la obra de arte no tena que ser de ninguna manera especial. Empezaron a aparecer consignas como cualquier cosa es una obra de arte o cualquiera es un artista, lo cual nunca haba sucedido en ninguno de los grandes relatos que cito. Haba terminado la historia de la bsqueda del arte tras la identidad filosfica. Y ahora que termin, los artistas fueron libres de hacer cualquier cosa que quisieran. Haz lo que quieras. Pintar casas solitarias de Nueva Inglaterra o hacer mujeres fuera de la pintura o hacer cajas o pintar cuadrados. Ninguna cosa es ms correcta que otra. No hay una sola direccin. De hecho no hay direcciones. Y esto es lo que quera decir con el fin del arte cuando empec a escribir sobre eso a mediados de los ochenta. No que muriera o que los pintores dejaran de pintar, sino que la historia del arte, estructurada mediante relatos, haba llegado al final. Lo que Duchamp y Warhol hicieron, con los ready-mades y los objetos pop, respectivamente, fue definir el contexto cultural en que ellos vivan. Un mingitorio de fabricacin industrial era un objeto cotidiano en 1917, una caja de limpiador en 1964 se hallaba en un supermercado de la poca. Uno es la industrializacin, el otro el comercio y el capitalismo. Aun hoy son vigentes, pero no antes de su propia poca. Pero el mrito principal de Duchamp y Warhol no fue el de definir su tiempo, porque irnicamente son personajes que supieron ver mas all. El arte de Warhol y Duchamp es un arte que triunfa ante la ausencia o el desuso de consideraciones sobre el gusto, demuestra que la esttica no es, de hecho, una propiedad esencial o definitoria del arte. Esto, segn Danto, no solo puso fin a la era del arte moderno, sino a todo el proyecto histrico que caracteriz a ste, esto es, por buscar distinguir lo esencial de las cualidades accidentales del arte de las contaminaciones de la representacin, la ilusin y cosas semejantes. En el arte posmoderno, la bsqueda esttica de el arte se vuelve su propio tema no es el eje central, sino el definir cmo se distingue al arte de la realidad misma. Si el mingitorio en el museo es idntico al del bao pblico, si la caja Brillo del supermercado es idntica al Warhol, pero una
92
Arte, culturas y estticas es arte y la otra no, queda en evidencia que el arte tiene propiedades que lo hacen ser arte, que van ms all de lo estrictamente esttico. Para concluir esta introduccin, nuevamente se cita a Arthur Danto: el arte mismo se plante la verdadera forma del problema filosfico, esto es, la cuestin de la diferencia entre las obras de arte y los objetos reales. El momento filosfico se haba alcanzado. Los problemas son explorados por los artistas interesados en ellos, y por los mismos filsofos, quienes ahora empiezan a hacer filosofa del arte de un modo que producir respuestas. Decir que la historia termin es decir que ya no existe un linde de la historia para que las obras de arte queden fuera de ella. Todo es posible. Todo puede ser arte. Y, porque la presente situacin no est esencialmente estructurada, ya no podemos adaptarla a un relato legitimador. Se inaugura la poca de mayor libertad que el arte ha conocido. Uno de los mayores problemas a la hora de tratar como tema a la posmodernidad o la contemporaneidad resulta justamente en llegar a un concepto o definicin precisa de lo que es. La dificultad en esta tarea resulta de diversos factores, entre los cuales los principales inconvenientes son la actualidad, y por lo tanto la escasez e imprecisin de los datos a analizar. Como tambin la falta de un marco terico vlido para poder analizar extensivamente todos los hechos que se van dando a lo largo de este complejo proceso que se llama posmodernismo. Pero el principal obstculo proviene justamente del mismo proceso que se quiere definir, porque es eso precisamente lo que falta en esta era: un sistema, una totalidad, un orden, una unidad, en definitiva coherencia. Se suele dividir a la posmodernidad en tres sectores, dependiendo de su rea de influencia. Como un periodo histrico, como una actitud filosfica, o como un movimiento artstico. Histrica, ideolgica y metodolgicamente diversos, comparten sin embargo un parecido de familia, centrado en la idea de que la renovacin radical de las formas tradicionales en el arte, la cultura, el pensamiento y la vida social impulsada por el proyecto modernista, fracas en su intento de lograr la emancipacin de la humanidad, y de que un proyecto semejante es imposible o inalcanzable en las condiciones actuales. Frente al compromiso riguroso con la innovacin, el progreso y la crtica de las vanguardias artsticas, intelectuales y sociales, al que considera una forma refinada de teologa autoritaria, el contemporaneidad defiende la hibridacin, la cultura popular, el descentramiento de la autoridad intelectual y cientfica y la desconfianza ante los grandes relatos.
93
Arte, culturas y estticas los comunistas. En 1964, la situacin pareca desesperada para Vietnam del Sur, y Estados Unidos, alegando como justificacin un incidente contra uno de sus destructores en 1964, inici una intervencin abierta contra la amenaza comunista. Se pas de 4000 soldados norteamericanos en 1962 a casi 500.000 en 1967. Los bombardeos masivos, el uso de agentes qumicos, la crueldad de la guerra retrasmitida por los medios de comunicacin hicieron enormemente impopular la poltica de Estados Unidos en el Tercer Mundo, el bloque comunista y en partes significativas de la opinin pblica occidental. Dentro del propio pas, la oposicin a la guerra se extendi entre la juventud ligndose a movimientos contra el sistema, como el movimiento hippie. Tras la ofensiva vietnamita del Tt en 1968, el presidente Johnson decidi el progresivo desvinculamiento del conflicto y la bsqueda de una solucin negociada. Tras una compleja fase de negociaciones y enfrentamientos militares, se firm en Pars en enero de 1973 un acuerdo de paz. En agosto de 1973, el Congreso norteamericano prohibi cualquier reanudacin de la intervencin norteamericana. La retirada de las tropas estadounidenses hizo que el rgimen de Vietnam del Sur se derrumbara inmediatamente. La ofensiva final comunista tuvo lugar en la primavera de 1975. La derrota supuso un verdadero trauma para EE.UU. 58.000 muertos, 300.000 heridos, centenares de miles de soldados con una amplia adiccin a las drogas y con serios problemas de adaptacin a la vida civil y, fundamentalmente, el orgullo de potencia herido. Lo que se vino a denominar el sndrome de Vietnam supuso en el corto plazo una gran renuencia a la intervencin militar exterior por parte de la potencia norteamericana. En este contexto, entonces, surgen los hippies, quienes fueron parte del llamado movimiento de contracultura de los aos 1960. Adoptaban un modo de vida comunitario, basado en el amor y la paz, renegaban del nacionalismo y de la Guerra de Vietnam, tomaban elementos de religiones como el budismo, el hinduismo, y tambin de las religiones de los indios norteamericanos. Estaban en desacuerdo con los valores tradicionales de la clase media estadounidense, automarginandose de la sociedad y oponiendose a los valores y costumbres comunmente aceptados. Consideraban el paternalismo gubernamental, el militarismo, las empresas multinacionales y los valores sociales tradicionales como parte de un sistema que, a sus ojos, no tena legitimidad. Por s mismo el movimiento no tena un carcter ideolgico ni poltico claramente definido, aunque sus ideas y su modo de vida tienen cierta similitud con algunos aspectos del anarquismo, como, por ejemplo, la vida en comunas. El movimiento hippie tuvo su apogeo en fines de los aos 1960 cuando acontecimientos como la Ofensiva del Tt en Vietnam comenzaron a demostrar que la guerra no estaba ganndose. Para ambos sexos, tanto el cabello largo como su forma de vestir funcionaban como seal de pertenencia a esta contracultura y muestra de su actitud iconoclasta. Predicaban el amor libre, y se destaca el generalizado uso de drogas entre ellos, principalmente marihuana y cidos. Estas actitudes de evasin de la realidad son consecuencia del contexto histrico y cultural que les rodeaba: una guerra insensata, la posibilidad de exterminio a manos de una bomba atmica, un deseo de vivir el hoy, y de explorarse como seres humanos. En los aos 70 contaban con el desprecio del presidente Nixon por su tendencia pacifista; pero entonces ya esta de su lado la mayor parte de la poblacin de Estados Unidos. Alrededor de 1980, gran parte del estilo hippie, pero muy poco de la esencia del movimiento, fue absorbido por la cultura mayoritaria. El contexto histrico era otro. La prensa generalista perdi inters en esta subcultura. Por su parte, muchos de los antiguos hippies se integraron en la corriente dominante de pensamiento y los sistemas sociales y econmicos de los que haban renegado. No obstante, otros hippies continuaron manteniendo un compromiso profundo con esta forma de vivir y sus ideales. El otro hito de especial importancia fue el Mayo Frances, ocurrido en el citado pas europeo, pero principalmente en Pars, en mayo y junio de 1968. El Mayo Frances se dio como consecuencia de la convergencia de protestas entre sectores de estudiantes universitarios y secundarios, y el movimiento obrero. La magnitud alcanzada por las protestas no haba sido previsto por el gobierno francs, que lleg a temer una insurreccin de carcter revolucionario tras la extensin de la huelga general. Sin embargo, la
94
Arte, culturas y estticas mayor parte de los sectores participantes en la protesta no llegaron a plantearse la toma del poder ni la insurreccin abierta contra el Estado, y ni tan siquiera el Partido Comunista Francs lleg a considerar seriamente esa salida. Los sucesos de mayo y junio en Francia se encuadran dentro de una ola de protestas protagonizadas, principalmente, por sectores politizados de la juventud que se oponan a la guerra de Vietnam, el imperialismo norteamericano, y defendan su derecho a la educacin superior a la cual se haba empezado a acceder masivamente durante la dcada del 50-. Por su parte, las protestas obreras confluyeron en la mayor huelga general de la historia de Francia y, posiblemente, de Europa al ser secundada por ms de 9 millones de trabajadores. Esta juventud que empezaba a conscientizarse sobre su existencia como categora socio-cultural de peso no solo se dio en Francia, sino en todo el mundo. Frases como seamos realistas: pidamos lo imposible o la imaginacin al poder poblaron las protestas y se volvieron emblemas del Mayo Frances y de la lucha joven. Tanto estudiantes como obreros cuestionaron y criticaron el estilo de vida ofrecido por el mercado de consumo y la organizacin capitalista de la posguerra. El socilogo Gilles Lipovetsky opina sobre el Mayo Frances y lo considera irnicamente- como la primera revolucin individualista, en relacin a cmo las protestas de mayo del 68 eliminan la ideologa de la lucha de clases y la violencia de revoluciones histricas, como sucedi, por ejemplo, en la mismsima Revolucin Francesa. Lipovetsky dice: Mayo del 68 es un testimonio de esa suavizacin del conflicto social. Las discusiones suscitadas en torno a la naturaleza del movimiento son en este sentido significativas: revolucin o happening? Lucha de clases o fiesta urbana? La revolucin se vuelve indecidible, pierde sus seas de identidad. Por una parte, mayo del 68 se inscribe an en el mbito del proceso revolucionario y subversivo: barricadas, enfrentamientos violentos con las fuerzas del orden, huelga general. Por otra, el movimiento no tiene ningun objetivo global, poltico y social. Revolucin sin proyecto histrico, el Mayo Frances es un levantamiento cool sin muerte, una revolucin sin revolucin, un movimiento de comunicacin a la vez que enfrentamiento social (...). La originalidad de mayo es su sorprendente civismo: en todas partes se instaura la discusin, las pintadas florecen en las paredes, peridicos, carteles, la comunicacin se establece en las calles, en las aulas, en los barrios y en las fbricas, all donde normalmente no existe (...). No se trataba una vez ms de tomar el poder, de sealar a los traidores, de trazar lneas que separasen buenos y malos; se trataba, por la va de la expresin libre, de la comunicacin, de la oposicin, de cambiar la vida, de liberar al individuo de las mil alienaciones que le torturan cada da, desde el trabajo hasta el supermercado, desde la tele hasta la universidad. Liberacin de la palabra, el mayo del 68 est movido por una ideologa flexible, poltica y convivencional(...), de crtica poltica y de utopa potica; un relajamiento, una desestandarizacin terica y prctica habita el movimiento (...). Mayo del 68 es ya una revolucin personalizada (...). Mayo del 68 tiene una doble cara: moderna por su imaginario de la Revolucin, y posmoderno por su imaginario del deseo y de la comunicacin, pero tambien por su carcter imprevisible o salvaje, modelo probable de las violencias sociales del futuro. En este contexto, en que la juventud alza su voz, los individualismos comienzan a acentuarse y los grandes relatos modernos caen estrepitosamente, se comienza a instalar la idea de posmodernidad, no solo en el arte, sino en la mismsima cultura mundial.
Arte, culturas y estticas mientras que en estos artistas estas caractersticas tienen una funcin plstico-visual, en el pop cobra una dimensin ms profunda. Uno de los artistas ms vinculados al pop, que puede ser considerado como antecedente, es Edward Hopper (1882-1967). Pintor del realismo norteamericano, su produccin pictrica es relativamente pequea, ya que fue un pintor de ejecucin lenta y pausada. En un primer momento se relacion con la denominada American Scene, un grupo heterogneo de artistas que compartan un mismo inters por los temas propios de Amrica, pero pronto Hopper desarroll su personal estilo pictrico. Su carcter taciturno y sus formas austeras, tuvieron un fuerte reflejo en su obra, que se caracteriz por la simplificada representacin de la realidad y por la perfecta captacin de la soledad del hombre contemporneo. A travs de su pintura nos acercamos a la Amrica de la Gran Depresin, que para l simbolizaba la crisis de la vida moderna. El tratamiento cinematogrfico de las escenas y el personal empleo de la luz son los principales elementos diferenciadores de su pintura. Aunque pint algunos paisajes y escenas al aire libre, la mayora de sus temas pictricos representan lugares pblicos, como bares, moteles, hoteles, estaciones, trenes, prcticamente vacos para subrayar la soledad del personaje representado. Una del las obras ms conocidas de Hopper, quien acenta el efecto dramtico a travs de los fuertes contrastes de luces y sombras, es nighthawks, o halcones de la noche (1942). Si bien se desarroll en Estados Unidos en la dcada del 60, el origen del pop se da en Inglaterra. A comienzos de los aos cincuenta, algunos artistas e intelectuales se dieron cuenta de que su cultura estaba cada vez ms influenciada por los medios de masas, las tecnologas y los mecanismos civilizadores, y que este proceso tambien estaba ligado a una apreciable consolidacin del americanismo en Europa y el mundo. Esta influencia provoc un cambio esttico y conceptual en las obras, alejandose del gusto esttico instalado, del cual Henry Moore entre otros- era protagonista. En 1956 un artista ingles llamado Richard Hamilton (1922-) realiza el collage qu es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos?. El extenso ttulo del pequeo collage (26 cm x 25 cm) remita a todas las innovaciones tecnolgicas y de consumo personal en boga. Realizado con recortes publicitarios de revistas y diarios, la imagen describe el interior de un hogar de la poca, con diversos guios populares: el escudo de Ford, un grabador a cinta magntica, una seora utilizando una aspiradora, una tapa de un comic, una televisin, un enorme jamon sobre la mesa, y una ventana que da a un cine. Protagonizan la escena una pareja, de la cual se destaca el hombre, musculoso y evidentemente fisicoculturista, sosteniendo un chupetin enorme que en su envoltorio posee la palabra pop. Esta obra rene los elementos propios del movimiento: collage, imagen y tema cotidianos, y una observacin objetiva de la realidad de poca. En Inglaterra, ademas de Hamilton, se destaca la figura del escocs hijo de padres italianos Eduardo Paolozzi (1924-2005), quien tambien explot las posibilidades del collage como elemento pop. De hecho, el trmino pop! apareci por primera vez en uno de sus collages, de 1947. Aunque su origen es ingles, el pop se desarroll fundamentalmente en Estados Unidos, aproximadamente a partir de 1962, ao en que el expresionismo abstracto como movimiento estaba practicamente agotado. Como ya describimos, el pop es un cambio radical, filosfica y conceptualmente hablando, no solo en comparacin al expresionismo abstracto, sino a la concepcin de arte visual en general. Como primera caracterstica de interes, podemos afirmar que el pop se acerca a la praxis vital del hombre, tiene una estrecha relacin arte-vida. Esto significa que las imgenes del pop tienen una relacin directa y cercana con la cotidianeidad del lector visual: el observador ya conoce a la lata Campbell porque la vi en el supermercado o en su mesa, o sabe que ese cuadro enorme remite al pequeo recuadro de un cmic. El arte pop le es familiar, a diferencia del expresionismo abstracto, una pintura independiente, si se quiere infinita, pero que se autoabastece y es una ancdota del pintor. Como oposicin, el pop lleg ms al pblico comn, luego de sortear, como es esperable, la crtica y la negacin inicial. Al igual que el expresionismo abstracto, el pop no es una vanguardia artstica. Es un estilo, es una unidad temtica, una forma de pensar y expresar arte y cultura si se quiere-, pero no rene caractersticas de vanguardia histrica, no solo por su desubicacin histrica en relacin a stas, sino por la falta de unidad dentro del mismo movimiento. En el pop habr tantos estilos y temas como artistas pop hay, y esto tambien se daba en el expresionismo abstracto. Cada uno de los artistas visuales pop desarroll una
96
Arte, culturas y estticas identidad y un programa esttico-conceptual personal, por lo cual cada uno requiere un estudio y anlisis particular. Sin embargo, podemos destacar algunas caractersticas comunes que aglutinan a todos estos artistas bajo el rtulo de pop. El filsofo y terico del arte contemporneo Simn Marchan Fiz (1924 -) defiende la idea de el pop como imagen de la cultura popular. El pop toma elementos en boga, de moda, en su esplendor de popularidad, ya sea un producto o un famoso tambien considerado producto-, que representan, sociolgica y econmicamente, las superestructuras de las sociedades de consumo ms desarrolladas del capitalismo tardo. Muchos de estos artistas hacen una crtica a la obra nica, por lo cual la multiplican, como si se tratara de productos de consumo masivo. Esta seriacin muchas veces no es consciente. En algunos casos la repeticin se da en la misma imagen: el ejemplo es el retrato de Marilyn multiplicado cuatro veces. En otros la repeticin est dada por la seriacin: el ejemplo es, tambien con el retrato de Marilyn, que muchas obras pop fueron realizadas en serigrafa, tcnica de grabado que permite la multiplicidad de copias. La relacin entre el arte y los aparatos de consumo, entonces, es ideolgicamente estrecha. Sin embargo, en el arte pop no hay una crtica hacia la sociedad de consumo, sino que la muestra, y de alguna forma jerarquiza a elementos cotidianos. Muchos de los artistas eran publicistas, decoradores de interiores o fotgrafos, por lo cual esa concepcin de arte cercano a la praxis cotidiana estuvo siempre presente, sin que ello implique una crtica. La evidente similitud entre las obras de arte y los objetos reales el paradigma es la ya mencionada Brillo Box de Warhol- plante el dilema que desarrolla Danto: qu diferencia una obra de arte de algo que no lo es si, de hecho, parecen exactamente iguales?. En este sentido, el pop es un arte conceptual, aunque se viste con elementos superficiales, cotidianos, mundanos. Debajo de esa imagen fugaz, hasta publicitaria, se esconden ms preguntas y significados, que no siempre se llega a decodificar. Por eso el pop es un arte que, actualmente, es muy aceptado, ya que estticamente gusta, y a los conocedores les interesa su sentido filosfico-conceptual. Los temas del pop art, entonces, estaran relacionados con la cultura popular, propia de la sociedad de consumo y de masa. Los mitos de la vida diaria que se manifiestan en este contexto tienen una doble cara positiva-negativa: optimismo constructivo y sndrome de decadencia, credibilidad en el progreso y miedo a la catstrofe, sueo y trauma, lujo y miseria. La disponibilidad total de los productos ha dado lugar al problema de los desperdicios de una sociedad despilfarradora en la que los deseos y destinos individuales desaparecen dentro de la masa. El culto a las estrellas populares es otro ms de los smbolos del sufrimiento de la poca. Los rostros maquillados y embellecidos proporcionan los conos de los aos 60, y compensan la frustracin e insignificancia del consumidor que se asfixia en el anonimato. La imagen dirigida hacia el exterior, lo personal que simulan los rostros de las estrellas, oculta su fragilidad y propensin interna frente a los hechos reales de la vida diaria. Las depresiones de Liz Taylor, el suicidio de Marilyn Monroe en 1962 (odio ser una cosa, lleg a decir) y la soledad de Elvis Presley, forman parte del rostro de esta poca que choca continuamente con los lmites de sus posibilidades ilimitadas. Un rasgo trascendental de la poca es el diseo: de productos de consumo, del automvil, del mueble, publicitario, fotogrfico, de los envoltorios, de la moda y de los medios de comunicacin. Las ramas se expanden para crear tipos segn los modelos estticos, las normas de venta y los esquemas de la publicidad, en armona y de acuerdo con el marketing, la investigacin de la conducta y la estadstica. Los artistas tomaron estos modelos, mostrando la esttica de los productos, pero vacindolos de su contenido. Las marcas de productos son el sinnimo de lo que se vende. En este sentido, Coca-Cola, Pepsi, Campbell, los chupetines y cigarrillos son los principales protagonistas. Los artistas pop tambien hacen citas al arte del pasado, incorporando en sus composiciones reproducciones de obras de por ejemploMondrian o Leger. Otro de los temas predilectos es, por supuesto, el dinero. La imagen del dlar aparece repetida infinidad de veces, pero en este caso la multiplicacin no es exacta. Cada dlar es distinto uno de otro, gastado, extrao, degradado, en algunos casos arrugado o violentado. Para los americanos, el dinero es un elemento dominante que lo une todo y la nacin es el otro smbolo de identificacin que lo abarca todo: Amrica como concepto y forma de vida, metfora e identidad nacional y social que relaciona al individuo con la comunidad. Por consiguiente, otro tema en el pop ser la bandera nacional, que tendr aparicin masiva, tanto en las obras como en la vida misma. No existe ningun acontecimiento en Amrica, ninguna fiesta familiar, aniversario, fiesta de la bandera, desfile o concierto pblico donde no
97
Arte, culturas y estticas est presente. La bandera popularizada por la industria del ocio y las baratijas, es un elemento decorativo, el emblema de Amrica y smbolo del american dream. Tambien el pop mostrara los espacios ntimos y privados de los individuos, tales como baos, cocinas, habitaciones de hogares de diseo contemporneo. De alguna forma, lo privado se hace pblico. Y tambien en los temas del pop se da lo que enunci el semitico Marshall McLuhan, acerca de que el medio es el mensaje. Destacaremos a algunos de los artistas visuales del pop, dejando a Andy Warhol, su mximo representante, para un posterior anlisis puntual. Cabe destacar que en el pop aparece un rasgo caracterstico del arte posmoderno: las disciplinas visuales no se presentan puras, sino que son hbridas. Esto quiere decir que el lmite entre una prctica artstica y otra comienza a disolverse, en funcin de una idea o concepto, que es ms importante que la tcnica de ejecucin en s. Entonces, aparecen obras que son pintura con collage, collage y escultura, fotografa y pintura, o las llamadas tcnicas mixtas, que implican 3 o ms tcnicas utilizadas en la misma obra. Dentro de la pintura-collage, hallamos a Jasper Johns (1930-), un pintor que es reconocido por su famosa serie de banderas norteamericanas. Johns, con esta serie, elaborara la pregunta es una pintura o es una bandera?, llegando a una profunda reflexin acerca de los significados y significantes del arte visual. Johns dice: el cuadro de una bandera trata siempre de una bandera; pero creo que no trata ms de una bandera que de una pincelada, un color o la estructura fsica de la materia pictrica. Entonces, Johns ejemplifica su concepto con el cono norteamericano por excelencia: reflexiona sobre la percepcin y la significacin detrs de ella. Es pintura o es bandera? En todo caso, ambas, pero la duda est planteada, no solo en su obra sino en la estructura del arte en s mismo. Johns tambien realiz targets (pinturas en las que los crculos simulan una superficie de tiro al blanco), y pinturas con nmeros, letras y demas signos comunicativos cotidianos. Otro pintor y diseador significativo es Peter Blake (1932-), quien basandose en modelos fotogrficos y psters, realiz pinturas, collages y assemblages con los nuevos dolos de la poca: estrellas del rock y el cine como Elvis Presley, Frank Sinatra y los Beatles. De hecho, Blake fue quien dise-escenific la cartula de uno de los discos ms populares de la banda, Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band (1967). Blake dispone al grupo como para un cartel publicitario y lo realza como cono de la nueva generacin, compartiendo la imagen con retratos tamao real de personajes histricos y de la poca contempornea: desde Marilyn Monroe y Marlon Brando, pasando por Bob Dylan, Edgar Allan Poe, Muhammed Al, los Beatles en sus inicios y la actualidad, y llegando a personajes de la poltica y la filosofa. Iba a incluirse a la imagen de Hitler, Gandhi y Jesucristo, pero a ltimo momento decidieron no incorporarlos. La imagen representa una especie de entierro, segn un mito urbano sera el del mismsmo Paul McCartney, aparentemente fallecido en 1966 y reemplazado por un doble. De cualquier forma, el diseo de Blake se convirti en un emblema pop, y una de las innovaciones a nivel diseo es que en la contraportada del vinilo venan impresas las letras de las canciones, hecho hasta ese momento indito. Peter Blake, con el pasar de los aos y dcadas, se volc cada vez ms a la pintura pura. Claes Oldemburg (1929-) se destac en la escultura, para nada convencional. La innovacin de Oldemburg pasa por los materiales novedosos y no convencionales que utiliz para realizar sus obras. Realiz esculturas blandas, realizadas en vinilo relleno con fibra de ceiba, cuero, plasticos blandos, y materiales ms duros como cretona, lienzo grueso empapado en yeso, espuma de uretano y cartn, generalmente pintados con esmaltes o liquitex. Todos estos materiales constituan innovaciones tecnolgicas en el campo material, y Oldemburg les emple como medio de ejecucin plstica. Uno de los temas predilectos de Oldemburg fue la comida como metfora del consumismo, realizando enormes reproducciones de hamburguesas, conos de helado, o inodoros blandos. Oldemburg apuesta a las esculturas de tamaos enormes, que a escala son muchsimo ms grandes que los objetos reales que se representan. Entonces, Oldemburg hace un lpiz labial blando de 3 metros de altura, o un conjunto de colillas de cigarrillo de 1 metro de altura. Soy partidario del arte de las cosas abandonadas o tiradas... quiero que la gente se acostumbre a reconocer el poder de las cosas. Oldemburg realza lo cotidiano, lo olvidado, y lo jerarquiza, lo agranda literal y metafricamente hablando, para que nadie permanezca indiferente. Tambien realiz instalaciones y happenings.
98
Arte, culturas y estticas Quien inici sus pasos en el comic y luego conoci la pintura fue Tom Wesselmann (1931-2004). Licenciado en psicologa, en cuando a mediados de la dcada del 50 comienza a pintar lo hace bajo la influencia de la pintura expresionista abstracta de De Kooning y Motherwell. Luego se volc a lo figurativo, en una bsqueda esttica muy personal. A partir de 1961 empez su serie ms reconocida, gran desnudo americano, pinturas con una metfora consumista. Son provocativas, y exhiben a objetos del deseo, tales como el cuerpo de la mujer desnudo, el cigarrillo, la comida, con un marcado estilo publicitario o de venta. En sus desnudos americanos, Wesselmann condensa elementos, se parcializa la imagen, se muestra una parte por el todo. Entonces, en vez de una mujer a cuerpo entero, aparecen labios pintados de rojo, un pecho, y una mano sosteniendo un cigarrillo. Las partes de cada elemento se interrelacionan, por momentos se comen a s mismas. Wesselmann tambien realiz series sobre fumadores, as como enormes bodegones con elementos de la vida cotidiana, como electrodomsticos, botellas, helados. Experiment con la pintura-escultura, por medio de planchas de metal recortado y pintado, que se superponen entre s generando relieves bidimensionales. Robert Rauschenberg (1925-2008) es uno de los artistas que ms tcnicas emple en sus trabajos: pintura, collage, escultura, instalacin, serigrafa, collage, en lo que l llam pintura combinada. La obra de Rauschenberg es una de las ms variadas e interesantes del pop, y pretenda crear el lenguaje artstico a partir de la nada, a partir de la libertad total. Antes de adherir al pop, incursion en el expresionismo abstracto. Una de sus obras conceptuales, por qu no- ms reconocidas es de 1953, llamado dibujo de De Kooning borrado. Como el ttulo reza, Rauschenberg le pidi un dibujo a Willem De Kooning, le cont cual era su intencin, y De Kooning acept. La metfora es clara: borrando un De Kooning, Rauschemberg pretende borrar etiquetas artsticas y estereotipos, y plantea la idea de hoja en blanco como inicio libre. Rauschengerg pretenda confrontar las reproducciones mecnicas triviales de los medios de comunicacin con los elementos del dibujo, la pintura y la escultura: lo objetivo en polaridad con lo subjetivo, lo personal en dilogo con lo general, lo funcional y prefabricado en colaboracin con lo creativo. Esta mezcla tan inusual pareca daar los criterios ms sagrados de los habituales estilos compositivos. En Rauschenberg hay una especie de referencia a la cultura zapping, a la fugacidad de los acontecimientos, a lo universal, a la multiplicidad de imgenes: en una misma obra, pueden convivir fotografas de la urbe, el mar, un cartel de Coca-Cola, materia pictrica chorreada, un reloj, la foto de un helicptero de las fuerzas armadas norteamericanas, etc. Entre las pinturas combinadas de Rauschenberg, se destacan aquellas realizadas con leo y serigrafa sobre lienzo: transfiere fotografas mediante proceso serigrfico a la tela, y luego pinta encima. La fragmentacin de la imagen y el espacio en blanco como representacin del vaco son en Rauschenberg tambien una metfora de la poca. Un artista pop que se caracteriz por lo simple y directo de su imagen y mensaje fue Robert Indiana (1928-). Su apellido original es Clark, pero el Indiana es tomado del nombre del estado norteamericano del cual es oriundo. Indiana es reconocido principalmente por su serie LOVE, en la cual utiliza esta palabra como tema constante. La palabra aparece en maysculas, con el LO colocado sobre el VE, teniendo la O levemente inclinada en diagonal. A Indiana le interesaba el amor como sentimiento masivo, y plsticamente la palabra le result interesante, as que realiz infinidad de versiones de la misma, interesado en los espacios que quedan entre las letras y la composicin de la tipografa en s. Realiz la palabra en una serie de carteles, serigrafas y esculturas, e incluso fue creada en 1964 como tarjeta de navidad para el Museo de Arte Moderno (MoMA). En 1973 el Servicio Postal de los Estados Unidos puso en circulacin un sello por valor de 8 centavos que fue el primero de las varias series de sellos conocidas como love stamps. A causa de la popularidad de LOVE, muchos crticos han definido a Indiana como diseador, oportunista o one hit wonder. Indiana no pudo registrar los derechos de autor de LOVE y por ello ha encontrado muchas facilidades para introducirse en el mundo del arte. La imagen ha sido reproducida y parodiada en innumerables ocasiones en esculturas, carteles y adornos de escritorio en varios idiomas, entre ellos el espaol, el hebreo y el chino. Se han utilizado variaciones sobre ella en portadas de discos de grupos musicales, como en la de Renegades de Rage Against the Machine y la del sencillo Little by Little de Oasis. Asimismo, otros artistas plsticos e incluso la industria textil han realizado obras y productos inspirados en la imagen. Para Indiana, las letras y nmeros tienen una importancia mayor a la que le damos: nos guan en la vida y nos representan.
99
Arte, culturas y estticas Uno de los mximos exponentes del pop art es Roy Lichtenstein (1923-1997). En un inicio se volc a la pintura de naturalezas expresionistas, adhiri al cubismo, influenciado por la obra de Picasso, y posteriormente incursion en el expresionismo abstracto, realizando acuareles y pasteles con esa propuesta visual. Hasta 1949 pint abstracciones, pero con un estilo, color y tramas similares al pop. A partir de 1957 realiz sus primeras obras pop: agrand a escala las tiras cmicas que acompaaban los chicles. La esttica del cmic sera un sello identificatorio de Lichtenstein. En sus propias palabras: a los cmics les debo los elementos de mi estilo y no los temas. Esta afirmacin descubre una intencin artstica fundamental de Lichtenstein. En sus pinturas y collages, aparecen las texturas tpicas de la historieta (los puntos ben-dey), los colores primarios, los tramados, el trazo y el acabado visual caracterstico del cmic. Lichtenstein amplifica el recuadro de historieta, lo hace gigante, lo aisla de su contexto original para presentarlo como imagen pura. No escoge aquellos recuadros que presentan un mensaje imponente, sino aquellos que no ostentan un mensaje de importancia o que tan solo parecen arquetipos clsicos de su clase. Esto es lo que le interesa: enfrentar al lector visual con una imagen descontextualizada, sin solucin de continuidad, y as jerarquizar el valor plstico y cultural de las historietas. El cmic como parte de la cultura de masas es el origen de la propuesta de Lichtenstein, a quien muchos consideran un plagiador, o un artista poco original, por copiar un recuadro ya existente. Sin embargo, no se trata de copia, sino de reinterpretacin: cambia el contexto, la tcnica, la intencin y el destino de la imagen. De hecho, uno de los mritos ms importantes de Lichtenstein es, como artista pop, haber introducido en el espacio de museo a lo cotidiano, y as acercar a dicha institucin a aquel que no entenda o disfrutaba de las bellas artes. Lichtenstein no solo reprodujo recuadros de historietas sino que, con su esttica del cmic, tambien reinterpret pinturas de sus contemporneos, tales como Cezanne, Leger, Klee, Mir o Picasso. Tambien trabaj abstracciones, y el tema de la guerra, teniendo como contexto el conflicto blico en Vietnam.
Arte, culturas y estticas Colas son la misma y todas las Coca-Colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el Presidente lo sabe, el mendigo lo sabe, y t lo sabes. En 1963 Warhol fundara su The Factory, un estudio de arte abierto a amigos, artistas y bohemios, en donde pasaba de todo: desde fiestas y reuniones, pasando por produccin de obra (era donde Warhol imprima en serie a sus serigrafas) y filmacin de pelculas. Cuando Warhol se hizo famoso trabajaba noche y da en sus serigrafas y litografas, y para producirlas en serie reuni a su alrededor a un grupo de colaboradores, generalmente estrellas porno, drogadictos, drag-queens, msicos y librepensadores, que tambien actuaban en sus pelculas y creaban el ambiente que convirti a la Factory en una leyenda. Se la conoca tambien como la Silver Factory, por estar toda tapizada de papel de aluminio, pintura plateada y globos al tono. Warhol tambin utilizaba la Factory para vender sus obras, la primera de las cuales consista en una litografa vendida por 25.000 dlares con unos lienzos adicionales cuyo precio era de 5.000 dlares cada uno, cantidad que ms tarde subira a 25.000. Warhol gast buena parte de estos sustanciosos ingresos en sufragar el estilo de vida de sus amigos de la Factory, donde prcticamente se nadaba entre el dinero. El sexo, las orgas y las drogas entre los visitantes del lugar eran un factor bastante recurrente, y en muchos casos fueron esos los temas abordados en las pelculas de Warhol. La Factory se convirti en lugar de encuentro de msicos como Lou Reed, Bob Dylan, Brian Jones o Mick Jagger. The Velvet Underground, el grupo de Reed, tocaba asiduamente en las fiestas del estudio y Warhol produjo su lbum debut, The Velvet Underground and Nico en 1965, ademas de realizar la mtica portada en la que aparece una banana. La Factory es tambien un guio conceptual: Warhol hace con ella una fbrica de arte. No solo en sus obras aparece el dato relacionado al consumo y la seriacin, sino que Warhol hace de su arte una industria, semejante a la industria del consumo masivo propio de la sociedad norteamericana. Incluso l mismo, con su excntrica forma de actuar, se presenta como un producto ms. Warhol, respecto al reconocimiento, dijo una clebre frase: en el futuro, todos tendran sus 15 minutos de fama, casi como una premonicin de lo que dcadas despues seran los reality shows y el culto a los nombres efmeros. En junio de 1968 una de las colaboradoras de la Factory de Warhol le dispar al artista, quien recibi 6 balazos pero sobrevivi. Ese hecho llev a la clausura de la Factory, y la vida de Warhol dio un giro rotundo. Dos das despues aconteci el asesinato del presidente John F. Kennedy. Warhol queda fuertemente influenciado por ambos hechos y la muerte empieza a ser un tema recurrente en sus trabajos visuales. Warhol examina las noticias sensacionalistas, y de all extrae imgenes de choques, homicidios y accidentes areos. Tambien de esta etapa son las serigrafas de las sillas elctricas, emblema de la muerte institucionalizada: el Estado cumple el rol de Dios, y ejecuta a un ser vivo que ha pecado, y por eso merece la pena capital. Esta fijacin con la muerte y el morbo que ella provoca fue un tema que cautiv a Warhol, y que estaba ntimamente ligado con la naturaleza violenta del ser humano. Los accidentes, la muerte institucionalizada y la violencia son para Warhol un espectculo masivo, un producto ms. Un hecho ms de la vida cotidiana. Una de las obras ms importantes de Warhol es la Brillo Box, ya descripta como una ineludible referencia al arte conceptual y contemporneo. Warhol, con ella, derriba la idea de que el arte tiene que parecerse a s mismo: el arte y la realidad pueden ser estticamente idnticos; pero el arte es una cosa, y la realidad es otra. Si la esttica ya no es un factor determinante del arte, entonces, qu es?. Con su caja Brillo, Warhol plantea muchsimas preguntas acerca del arte, que solo pueden responderse mediante la filosofa. Con una obra as, para Arthur Danto, a partir de ese momento es posible hacer cualquier cosa, puesto que se produjo una liberacin esttica, un vuelo conceptual, y una reflexin filosfica (y por ende no-rgida) nica hasta ese momento, solo comparable con los ready-mades de Marcel Duchamp. Durante la dcada del 70 y el 80 Warhol realiz una prolfica carrera artstica. En el plano estrictamente visual, realiz retratos en serigrafa, de amigos y famosos (John Lennon, Mick Jagger, Liza Minelli, Michael Jackson, Lenin, Mao Zedong, entre otros), como as tambien personajes populares ficticios, como Superman o el ratn Mickey. Entre las muchas disciplinas que Warhol abarc, ademas de la pintura, el grabado, el dibujo y la escultura, se encuentra la fotografa, que utiliz como documentacin de su poca y su entorno, capturando instantneas de sus colegas artistas en su cmara Polaroid. Tambien
101
Arte, culturas y estticas el cine, como ya se ha mencionado, fue una de las pasiones de Warhol. Dirigi casi 100 pelculas, que atentaron contra el tradicionalismo cinematogrfico, ya sea por los temas tratados como por la duracin, formatos, edicin y caractersticas tcnicas de las cintas. Un ejemplo es sleep, pelcula de 6 horas en las que un plano esttico muestra a un hombre durmiendo; o Empire, de 8 horas, que muestra al edificio Empire State durante un amanecer; o eat, una pelcula de 45 minutos en la que Robert Indiana tarda 20 minutos en comer un champignon. Tambien fue publicista y diseador, y coquete con el teatro y la performance. Cuando falleci en febrero de 1987 por una arritmia, como ltima voluntad se fund el Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, que mantiene vivo su legado y alberga parte de su obra. En la actualidad, la influencia de Andy Warhol en el arte contemporneo y del siglo XX es innegable.
Arte, culturas y estticas pero que le conduce a un mundo de fantasa autodestructiva. En 1982 Alan Parker dirigi la pelcula basada en The Wall. En 1985, Waters declar la extincin de Pink Floyd, pero el resto de los miembros, encabezados por Gilmour, siguieron dando vida al grupo hasta ser demandados por Waters debido a los derechos del nombre de la banda, ya que ellos continuaron grabando y haciendo giras bajo el nombre de Pink Floyd mientras que Waters pensaba que el nombre de la banda no deba seguir siendo utilizado. Gilmour, Mason y Wright continuaron como Pink Floyd hasta 1994, ao en que sacan su disco The division bell, mientras que Waters continu una carrera en solitario. En Estados Unidos, el panorama musical posee una riqueza estilstica poco antes vista. La influencia de las drogas (principalmente marihuana y LSD) puede apreciarse en las nuevas tendencias musicales. La psicodelia, entonces, surge como idea, segn algunos pensadores, que manifiesta el alma. William Blake escribi: si las puertas de la percepcin se purificaran, todo aparecera ante el hombre tal cual es: infinito. De esta frase, y de la idea de puertas, surgira el nombre de la banda californiana The Doors, fundada por Jim Morrison en 1965. La msica de los Doors puede enmarcarse en un blues psicodlico, e incorporaron un instrumento como el piano Rhodes, que da una identidad y un sonido caracterstico a la banda. Las letras de la banda poseen una tradicin romntica y simbolista, con guios al existencialismo y al psicoanlisis. Con la muerte de Morrison en 1971, bajo confusas circunstancias (se habla de sobredosis, y ataque al corazn) la banda prosigui, pero Jim Morrison es y fue el alma de la banda. Dos discos clave son strange days (1967) y Morrison Hotel (1970). Una banda muy particular de este momento es Grateful Dead. Formada en 1965 en San Francisco por el guitarrista Jerry Garca, los Dead como los conocen sus seguidores- incursionan en rock y folk psicodlicos, con influencias del blues, jazz y otros estilos. Los Grateful Dead representan la contracultura musical total: decan personificar a San Francisco, pero no al pas. El nombre de la banda (muertos agradecidos) surgi del azar, consultando el diccionario, en una actitud casi dadasta. Bien elctricos, con una psicodelia cruda y callejera, para tocar en vivo crearon el wall of sound: una enorme pared de 89 amplificadores que estaba detrs de la banda, y que arrasaba con su volmen. Sus conciertos eran gratis, y hacan giras que duraban meses o aos, con fanticos que les seguan a todas partes y literalmente vivan de y con la banda, en los estacionamientos de los estadios donde tocaban, como si se tratara de una gran comuna unida por la msica. Una de las caractersticas de los Grateful Dead como banda son sus improvisaciones en vivo, extensas y sin pactar. Enganchaban las canciones, realizaban jams grupales y esos recitales eran grabados y se les regalaba a los fans. Con el fallecimiento de Garca en 1995, la banda se disolvi, dejando una enorme discografa, consistente en su mayora de discos en vivo. Como solistas, podemos destacar a Janis Joplin (1943-1970). Duea de una voz caracterstica, de influencias afroamericanas, Joplin destac en el blues y rock, con un tinte psicodlico. Se uni a la banda Big Brother and the Holding Company, con quien sac su primer disco llamado como la agrupacin. Adicta al sexo, al alcohol y a la herona, Joplin falleci a los 27 aos por sobredosis. Bob Dylan (1941-) es un compositor, guitarrista y cantante que continua vigente y haciendo msica. Su estilo se define como mezcla de folk, country, blues, gospel y rock. Dylan permanece alejado de la msica psicodlica, y en sus canciones hay una clara postura antiblica, con temas sociales y filosficos. Un disco clave de su carrera es Highway 61 revisited (1965). Jimi Hendrix (1942-1970) fue un guitarrista autodidacta de Seattle, que se destac en el rock, blues, hard rock y rock psicodlico. En 1967 sac su disco debut are you experienced? con su banda The Jimi Hendrix Experience. El estilo desenfrenado, sucio, psicodlico y virtuoso de Hendrix lo ubican entre los mejores guitarristas de la historia. Muri a los 27 aos, ahogado en su propio vmito, por mezclar pastillas para dormir con alcohol. Un msico de especial interes es Frank Zappa (1940-1993). Autodidacta, su estilo musical es inclasificable, girando en torno al rock, jazz, msica clsica y msica experimental, psicodelia, etc. Zappa escapa a todo parmetro, y en una misma cancin pueden convivir diversos estilos y propuestas. Su album debut con su banda The Mothers of Invention es Freak out!, de 1966, una placa doble donde Zappa despliega su experimentacin y eclecticismo. Gran defensor de la libertad de expresin, casi cercano al concepto dadasta, en Zappa se dan algunas contradicciones: por un lado, era un gran improvisador (de su apellido proviene la palabra contempornea zapada para llamar a una improvisacin) y por otro lado era
103
Arte, culturas y estticas un msico en extremo exacto, que compona msica en partitura. En sus letras hay una gran carga humorstica y sarcstica: somos stiros, y estamos aqu para satirizarlo todo. En sus shows, miembros de la banda hacan trucos de magia, y una vez hasta lleg a haber una jirafa entre el pblico, mientras se rociaba a los concurrentes con espuma. Zappa elabor una cruda y fundamentada crtica al consumismo y a la poltica, y hasta lleg a pensar en postularse para presidente. En 1985 testific en el Senado norteamericano, en contra de un grupo conservador que quera que se coloquen etiquetas en las portadas de los discos, en el caso de que las letras de los mismos tengan contenido explcito. El fallo fue a favor de quienes reclamaban y, como respuesta, en la tapa de su siguiente disco Zappa escribi, a favor de la libre expresin: CUIDADO! Este lbum contiene material que una sociedad verdaderamente libre nunca temera ni suprimira. El lenguaje y conceptos contenidos aqu garantizan no causar tormento en el sitio donde el tipo de los cuernos y tridente lleva sus asuntos. Esta garanta es tan real como el de los fundamentalistas que atacan la msica rock en su vano intento de transformar Amrica en una nacin de estpidos (en el nombre de Jesucristo). Si hay un infierno, sus llamas les esperan a ellos, no a nosotros. Sobre el final de su vida Zappa se dedic a escribir msica sinfnica y de cmara. Tambien se dedic al cine, la actuacin y la produccin de msica. Falleci en 1993 de cncer de prstata. Algunos de sus discos, como were only in it for the money (1968), hot rats (1969), Joes Garage (1979) y el mencionado Freak out! son placas de culto, y constituyen algunas de las obras ms importantes del autor. Un hito musical nico de esta dcada fue el festival Woodstock, realizado el 15, 16 y 17 de agosto de 1969. Fue realizado en un descampado de Bethel, Nueva York. Pese a que se estimaba que hubiera 60.000 personas entre los 3 das, lleg a congregar a 500.000. Como datos curiosos, cabe destacar que la entrada que no todos pagaron- sala 6 dlares, hubo 3 muertes (una por herona, otra por una infeccin del apndice y otra por aplastamiento de tractor) y 2 nacimientos. Entre los artistas participantes estuvieron Carlos Santana, Janis Joplin, Grateful Dead, Creedence Clearwater Revival, The Who, Jefferson Airplane, Joe Cocker y Jimi Hendrix, quien cerr el recital a las 9 de la maana del lunes, ofreciendo 2 horas de show, destacandose su interpretacin del himno nacional norteamericano. Hendrix lo toc en guitarra, haciendo simulaciones sonoras de bombardeos y metrallas, sirenas y ruidos de batalla, en clara alusin al conflicto blico de Vietnam. El festival Woodstock es un emblema de la msica d la dcada del 60 y del movimiento pacifista hippie, y pese a que fue repetido en otras ocasiones, el Woodstock original fue insuperable, por su convocatoria de pblico y artistas, y por su contexto histrico-cultural.
Arte, culturas y estticas El ao 1966 es de vital importancia en la carrera beatle. Editan una de sus mejores placas, Revolver, una coleccin de canciones en donde el rock y el pop se entremezcla la psicodelia y la msica de medio oriente, en composiciones ms complejas. Los Beatles, en este disco, empiezan a experimentar con las posibilidades tcnicas y hasta compositivas- que ofreca el estudio de grabacin. Entonces, en Revolver aparecen, ademas de cuerdas y vientos, grabaciones de guitarras invertidas, generando efectos sonoros que en vivo no podan conseguirse. La post-produccin, entonces, cobra una importancia vital. Este es un hecho que, ademas de los crecientes conflictos internos entre los miembros, provoc que en agosto de 1966 concluiran su gira y no volvieran a tocar juntos en presentaciones en vivo, a excepcin del show de la terraza en 1969. Tambien en 1966 Lennon hara su famoso comentario de que eran ms grandes que Jesucristo. En realidad, Lennon contextualiz y dijo la frase en un sentido que luego fue exagerado: el guitarrista reflexion diciendo que, en ese momento de la historia occidental, el cristianismo estaba en un declive de popularidad, mientras que una banda como los Beatles estaba en boca de todos. Entonces, la frase de Lennon puede leerse como en este momento, gozamos de ms promocin y popularidad masiva que una religin. El comentario suscit gran controversia entre el pblico y grupos religiosos, y en muchos casos su sentido fue tergiversado o aumentado. En 1967 el estilo musical de los Beatles se vuelca al rock y pop psicodlico. Editan Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band, un disco que, por muchos, es el mejor de la banda y uno de los mejores de la historia de la msica. Los climas musicales se aderezan con vientos, coros, grabaciones invertidas y superpuestas, efectos de sonido, letras y temas surrealistas, con clara alusin a la psicodelia. Incluso, para partes de la cancin a day in the life se requiri una orquesta de ms de 40 msicos. El mismo ao editan Magical Mystery Tour, del cual tambien haran una pelcula para televisin. El disco pasara desapercibido para la crtica, pero es una de las ms completas obras del cuarteto, incluyendo Strawberry fields forever, I am the walrus y la clsica All you need is love. Respecto a las pelculas que realizaron (A hard days night, Help!, Magical Mystery Tour, Yellow Submarine y Let it be) cabe destacar que son las primeras experiencias cinematogrficas en que la msica es el tema y el motivo para filmar. Ademas, los Beatles seran los primeros artistas en hacer videoclips musicales, sentando un precedente en la historia de la msica. En un clima de conflictos internos, en el que Ringo Starr se fue de la banda por algunos das y se introduce la figura de Yoko Ono como pareja de Lennon, entre junio y octubre de 1968 graban un disco incomparable: The Beatles, ms conocido como el lbum Blanco, por la portada y el arte del disco, que eran ntegramente de ese color. El disco doble es una coleccin de canciones, y es un testimonio de la versatilidad y eclecticismo de la banda: se pasean por el pop, rock, jazz, foxtrot, psicodelia, country, folk, acstico, blues, msica circense, experimental, e incluso heavy metal (la cancin Helter Skelter puede enmarcarse en este estilo, que aos despues se desarrollara). El lbum Blanco es un resumen de la msica del siglo XX, en clave Beatle. Entre los xitos incluidos en la placa doble se encuentran Back in the U.S.S.R., Glass onion, While my guitar gently weeps, Happiness is a warm gun, Blackbird, Sexy sadie y Revolution 1. Una pieza musical de especial interes es Revolution 9, una especie de collage sonoro de ms de 100 grabaciones mezcladas y armadas en el estudio. En la cancin de ms de 8 minutos reina un (aparente) caos, donde se escucha una voz diciendo number nine continuamente, ademas de un colchn sonoro con sonidos de llantos de beb, instrumentos invertidos, frases musicales de un piano, una orquesta, sonidos de platillos de batera, algunas frases de Lennon (el principal impulsor y compositor de esta pieza), sonidos de explosiones, etc. La cancin incorpora elementos de la msica concreta y experimental, y ms all de su desorden y de su esttica sonora compleja de asimilar, es una obra conceptual: refleja el caos, el conflicto, el desorden en el que los Beatles vivan, pero no solo en relacin a ellos mismos, sino a su propio contexto cultural. Los sonidos de explosiones, la sensacin de que se est escuchando una distante radio o que se barre el dial en busca de algo claro hace una alusin metafrica al conflicto en Vietnam. Revolution 9 aun hoy es una cancin bastante resistida, pero constituye un testimonio cultural nico, y una fase en la experimentacin musical beatle sin precedentes. A principios de 1969 editan Yellow Submarine, que solo traa 4 canciones nuevas, y la banda sonora de la pelcula en cuestin. En enero graban en la azotea del edificio de los estudios Abbey Road el
105
Arte, culturas y estticas concierto de la terraza, el cual sera includo en la pelcula-documental Let it be, que en un inicio iba a ser llamado Get back. El clima de tensiones y conflictos entre los cuatro miembros de la banda, pero principalmente entre Lennon y McCartney, iba creciendo. A partir de 1967, con la muerte del manager Brian Epstein, los egos de todos comenzaron a crecer, y las individualidades se hicieron evidentes, incluso en los discos: en los primeros es complejo determinar quien es la voz principal, mientras que post-1966 cada uno define su estilo individual de interpretacin y composicin. Esta falta de lder, dada por la muerte de Epstein, gener desequilibrio. La relacin de Lennon con la artista conceptual japonesa Yoko Ono tambien gener tensiones. Ono no se apartaba jamas de Lennon, e incluso estaba presente en las grabaciones de la banda, violando el acuerdo tcito que tenan los msicos de no invitar a novias o esposas al estudio. La intromisin de Ono no gust a los miembros de la banda, en particular a McCartney, quien quiso ocupar el lugar de lder. Luego de las sesiones de Let it be, lo ltimo que la banda grab en conjunto fue Abbey road, un disco excelente, que se compone de dos partes: la primera, con canciones sueltas (entre las que se encuentran Come together, Oh! Darling, Something y Here comes the sun, estas dos ltimas de Harrison) y la segunda parte, de canciones enganchadas entre s, que componen un gran medley musical de 16 minutos (sugerido por McCartney), que desemboca en The end, una de las ltimas canciones grabada por la banda, donde se lee: and in the end, the love you take is equal to the love you make (oal final, el amor que te llevas es igual al amor que entregas). Una semana antes de que el disco saliera a la venta, en septiembre de 1969, John Lennon renunci a la banda. Las grabaciones de Let it be que quedaron a medio terminar fueron enviadas al productor Phil Spector quien, para disgusto de McCartney, agreg orquestaciones a varias de las canciones del disco. Distribudos dentro de Let it be hay 3 ncleos de canciones: las grabadas en el estudio por los Beatles; las canciones de estudio a las que Spector le incluy orquestaciones (entre las que se encuentra The long and winding road); y las canciones en vivo, extradas del recital de la terraza, donde presentaron los temas inditos hasta ese momento. Let it be, que saldra en mayo de 1970, no fue entonces lo ltimo que grabaron juntos (Abbey Road), pero s el ltimo disco que edit la banda con material nuevo. McCartney no quera que el disco salga a la venta con las orquestaciones de Spector, pero se public igual. El bajista edit un disco en solitario en abril de 1970, un mes antes de la edicin del disco beatle, dando por sentado que la banda estaba separada y renunci a la agrupacin, en un intento de valerme por m mismo y no hundirme. Al ao siguiente McCartney demand a sus compaeros de banda para romper el contrato que los relacionaba como conjunto, situacin que se esclarecera legalmente recien en 1975. Despues de la separacin, cada integrante de la banda continu su camino solista, y con otras agrupaciones. La Beatlemana no ces, y se editaron varios discos recopilatorios de sus ms importantes xitos, tales como el lbum rojo, el lbum azul y 1. A mediados de los 90 de editaron los Anthology, 3 discos dobles en los que se rescatan algunas grabaciones previas y ensayos. Con Lennon ya fallecido, los otros 3 beatles tomaron dos demos inconclusos del artista, Free as a bird y Real love, y les colocaron msica, siendo estas dos canciones las ltimas inditas de los Beatles, publicadas en 1994 y 1995 respectivamente. En 2003 se edit Let it be... naked: la versin del disco Let it be sin la produccin de Phil Spector y que, en palabras de McCartney, es como debera haber sido inicialmente. En 2006 el Cirque Du Soleil monta el espectculo Love, para el cual el productor George Martin y su hijo realizaron una seleccin y arreglo de las canciones, no apto para puristas de la banda. El desarrollo musical de Love muestra a una seleccin de las ms importantes canciones del catlogo beatle, pero encadenadas entre s y con un tratamiento sonoro absolutamente novedoso, puesto al servicio de la intencin del espectculo circense. En 2009 los discos de los Beatles fueron reeditados en cd, en versiones remasterizadas, exhibiendo que popularidad del cuarteto de Liverpool sigue vigente. Los Beatles constituyen un antes y un despues de la msica. Quizs hubo msicos ms virtuosos y ms talentosos que ellos, pero el mrito de los Beatles fue el de sintetizar el concepto msica, y hacer popular a este arte. En su msica conviven armnicamente muchsimos estilos que quizas de otra manera no hubiesen llegado a un pblico masivo. La influencia de los Beatles en la msica actual es innegable, y constituye un hito pocas veces visto.
106
Arte, culturas y estticas A modo de cierre, hay una interesante ancdota que dice que Paul McCartney muri en 1966, y que las pistas sobre el incidente fueron plantadas por Lennon en los discos posteriores. Aparentemente, Paul choc con su auto en una madrugada lluviosa de noviembre de 1966, provocando su muerte y la de una acompaante mujer. Los Beatles convocaron a un concurso de dobles de McCartney (hecho que es verdico), y all encontraron a William Campbell, un muchacho exactamente idntico a McCartney, tanto fsica como vocalmente y que, supuestamente, tom el lugar del difunto en la banda. Ms all de lo disparatado de la ancdota, hay muchsimos indicios, pistas o despistes, que generan la duda: a partir de all no volvieron a presentarse en vivo y se mantuvieron en la soledad del estudio; se acentu el conflicto Lennon-McCartney y las individualidades compositivas; y hubo gran cantidad de referencias visuales y musicales al hecho. Gran parte de las lricas del disco Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band , entre ellas la letra de a day in the life (He blew his mind out in a car, he didn't notice that the lights had changed. A crowd of people stood and stared, they'd seen his face before. Nobody was really sure if he was from the House of Lords) remiten al hecho de manera metafrica, e incluso en esa placa ellos no se presentan como los Beatles, sino como otra banda, e introducen al nico Billy Shears. La portada del disco remite a un entierro, en el que el muerto es supuestamente McCartney, por varios indicios dispuestos en la escena que mont el artista Peter Blake para la tapa. En discos posteriores habra ms pistas, destacandose a Lennon diciendo I buried Paul al final de la cancin Strawberry fields forever, o un turn me on, dead man grabado al reves en Revolution 9. Probablemente el arte visual que ms duda provoca es el de Abbey Road. La escena de los cuatro Beatles cruzando la calle sera un cortejo fnebre: adelante va Lennon (como el cura, vestido de blanco), luego Ringo (como quien llevara el cajn), despues McCartney (el muerto, descalzo como simbologa de el pasaje a otro mundo) y finalmente Harrison (como el enterrador). En el fondo de la escena, en la patente del VW Beetle estacionado, se lee LMW 28IF, que puede leerse como Linda McCartney widowed (es decir, su mujer viuda) y el 28 if como 28 aos si estuviera vivo. Este mito de la muerte de McCartney fue parodiado por l mismo en la portada de un disco solista en vivo, llamado Paul is live, en el que se lo muestra paseando un perro en la esquina de Abbey Road. Sea cierto o no, el rumor trascendi la esfera musical y se volvi casi un mito, mostrando la capacidad que los Beatles tenan de no pasar desapercibidos en ningun aspecto.
7.1.4. Minimalismo
El trmino minimalismo tambien llamado arte minimal- lo acu el filsofo Richard Wolhe en 1965 para referirse a unas esculturas tridimensionales ejecutadas por artistas norteamericanos en torno a esa fecha. Los precedentes ms lejanos se pueden encontrar en el neoplasticista Mondrian, pero sobre todo en el suprematista Malevich, quien pint el cuadrado negro sobre fondo blanco, reduciendo los signos plsticos a lo esencial, a lo bsico. Tambien puede mencionarse a Duchamp como influencia, con sus ready-mades, por el hecho de que el artista interviene mnimamente en la produccin del objeto-arte. La intervencin de los minimalistas en el proceso de realizacin artstica de sus esculturas se reduce a tener la idea, hacer un boceto de lo que pretenden y encargar su fabricacin a una empresa industrial. Con este sistema, la huella del creador no se percibe, es como si no hubiese tomado parte en el proceso de creacin. Se pretende conscientemente lo impersonal como norma. Incluso en ocasiones se prescinde de esta forma de elaboracin, pues dada la variedad de materiales existentes en el mercado, el artista los elige y los dispone en un espacio determinado. Las obras minimalistas no son un cuadro que acta de muro, ni una escultura visible de frente o de perfil, sino unos objetos tridimensionales que intervienen en el entorno ambiental modificando la relacin con el contemplador. Entre los materiales producidos por el vertiginoso desarrollo de la tecnologa aplicada a la industria y utilizados por los minimalistas se encuentran el hierro galvanizado, los plsticos, la fibra de vidrio, el aluminio, la frmica, el acero inoxidable, la gomaespuma, la madera contrachapada, los ladrillos y las luces. Los artistas elegan muchos de estos materiales por su impersonalidad y frialdad. En este sentido, el minimalismo tom del y fue un aporte enorme al diseo de interiores, arquitectura y diseo grfico en general.
107
Arte, culturas y estticas Los minimalistas emplazan sus esculturas tanto en exteriores como en el espacio del museo. Pero en este ltimo caso, emplean la seriacin y repeticin de sus propias obras. De esta manera, y por ser esculturas realizadas industrialmente, atentan contra la obra nica y permiten que sus diseos se autorrepitan, y que esten en varios sitios simultneamente. Esta crtica a la forma de hacer obra es muy comn en los minimalistas, y se emparenta con el arte conceptual y, como ya mencionamos, la obra de Duchamp. De esta tendencia podemos mencionar a Donald Judd (1928-1994), quien impuls la seriacin de la obra: el mismo relieve escultrico con diseo geomtrico repetido de manera uniforme y dispuesto por techos o paredes. Estos objetos tridimensionales eran diseados por Judd, y los mandaba a construir industrialmente. En su mayora emple materiales como metal, plexigls y madera contrachapada, y pintadas con colores planos puros. Aunque reneg del ttulo de minimalista, es uno de los principales exponentes del movimiento. Otro referente es Richard Serra (1939-), quien tambien se destac en la escultura minimalista. Serra trabaja con chapas y metales que deja a la intemperie para que, gracias a los efectos atmosfricos, se oxiden progresivamente. Sus esculturas minimalistas son geomtricos tambien, y se destacan sus rollos de plomo cortados, y los conjuntos de hojas metlicas gigantes. Generalmente trabaja en espacios exteriores antes que en el museo, y sus obras tienen un fundamento conceptual (como el prisma negro que emplaz en una mezquita). Por otra parte, la obra de Sol Lewitt (1928-2007) est principalmente constituda por elementos geomtricos tridimensionales (en vez de esculturas l les llamaba estructuras) tales como prismas, cubos, realizados en tubos fluorescentes de diferentes tamaos formando composiciones que producen tonalidades especiales en el ambiente. Robert Morris (1931-) tambien fue un artista que adhiri al minimalismo, pero fundamentalmente un artista conceptual. Giulio Carlo Argan, sobre el minimalismo, dice: el propsito del llamado minimal art es llevar a cabo una sntesis de volmen y de color, creando grandes formas elementales que, en cuanto factores de regeneracin psicolgica, sean capaces de imponerse en el abigarrado y a un tiempo desolado paisaje de las megalpolis industriales. Es fcil comprender cmo de ese concepto de forma-ambiente se pasa a posteriores intervenciones a gran escala que tratan de reestructurar y recualificar el paisaje (tanto urbano como no-urbano) como si ste no pudiera tener significado alguno sin el signo significante, esttico, del artista: un signo que se concreta en formas realizadas con materiales industriales, es decir , con los mismos elementos que el hombre emplea para fabricar el ambiente de la existencia y urbanizar el territorio. Lo que se propone es (...) establecer una confluencia terminal entre las experiencias ya agotadas de la pintura, la escultura y la arquitectura, todas ellas agrupadas en una nica y maravillosa hiptesis urbanstica (...). Por tanto, la materia sobre la cual el artista opera excavando, construyendo e introduciendo nuevos elementos, creando circuitos luminosos, es la realidad misma. El arte minimalista est ntimamente ligado al arte conceptual. De hecho, desde la dcada del 60 el concepto en el arte comienza a ser ms importante que la esttica. Esto es consecuencia del desdibujamiento de disciplinas artsticas, un hecho que se acentu en los 70s, y que coloca al objeto en funcin de la idea.
108
Arte, culturas y estticas de la idea de vanguardia. En el caso de los medios tradicionales pintura, escultura, etc- aparecen las tcnicas mixtas, que refiere a cuando en un mismo trabajo visual se emplean 3 o ms tcnicas propias de la disciplina (una pintura es tcnica mixta cuando conjuga acrlico, carbonilla y collage, por citar un ejemplo). Esta denominacin es dentro de una misma disciplina, pero cuando se entremezclan otros medios ajenos al lenguaje principal, se le llama de otra manera. Desde 1968, medios mezclados es el trmino empleado para la combinacin de diferentes gneros (artes visuales con teatro, msica con cine, etc) con ayuda de materiales y artimaas tcnicas. El empleo de ellos es un denominador comun a las experiencias de la expansin del arte. Los medios mezclados llamados tambien intermedia- refuerzan el desinters por los objetos y la preocupacin por los procesos, puestos en funcin de la idea principal. La participacin total en la obra artstica debe provocar una transformacin en la conciencia del espectador. Mencionaremos algunas de las tendencias de la dcada mencionada. Cabe destacar tambien que estas disciplinas y actividades en muchsimos casos se mezclaron entre s, y no permanecen ajenas unas de otras, sino que implican una apertura y una experimentacin nica hasta el momento en el campo de las artes. Esta falta de lmites, esta libertad tcnica y conceptual de las disciplinas artsticas, es aquella que empez a manifestarse en la dcada del 60 con la multiplicidad pop, y se enmarca en las tendencias posmodernas. Tambien destacar una caracterstica importantsima: el valor de lo efmero. La mayora de estas obras solo perduran en fotografas y videos, puesto que tuvieron un tiempo y espacio finitos, y as se revaloriza el momento y lugar especfico en que existieron.
Arte, culturas y estticas El arte minimalista tambien tiene una relacin con el conceptual. De hecho, el minimalista Sol Lewitt adhiri al conceptualismo, y dijo en 1967: en el arte conceptual la idea o concepto es el aspecto ms importante de la obra. Cuando el artista se vale de una forma de arte conceptual, significa que todo el proyecto y las decisiones se establecen primero y la ejecucin es un hecho mecnico. La idea se convierte en una mquina que produce arte. Por ende, no es posible delimitar con claridad las fronteras y las facetas diversas de la actividad conceptual. El arte conceptual carece de una realidad esttica formal en el sentido tradicional de una pintura o una escultura o un objeto esttico en general. Por tanto, no puede definirse siempre en trminos formalistas. Se pueden emplear diversos soportes fsicos, como fotografas, pelculas, hojas, cintas magnetofnicas, documentos clavados en las paredes, entrevistas, textos, proyectos presentados como documentos sin significacin formal. As, pues, los diversos elementos fsicos denuncian una intencin reductora de la obra de arte como objeto en su sentido tradicional. Los documentos, las indicaciones signalticas, los proyectos de toda ndole no poseen ms que un valor de medio. Sin embargo, no debe confundirse esta actitud anti-objeto con una actitud anti-arte. Joseph Kosuth, el ms acrrimo conceptualista y defensor de su arte, tiene una obra emblemtica llamada una y tres sillas, en la que muestra ante el espectador los tres modos de representar dicho objeto: la silla propiamente dicha, la fotografa de sta y una definicin de la misma; es decir, un significado que, repetido de varios modos, podra sustituir a los otros dos. Kosuth defiende la idea de que el arte conceptual objetiva el arte, porque no se aferra a un objeto fsico y, por ende, a una representacin de. En oposicin a la dialctica sujeto-objeto de la representacin como acto de la conciencia reflexiva, el arte conceptual es arte-sujeto, es acto de una conciencia del artista. En oposicin a la presencia del arte-objeto, el conceptual tiene la presencia virtual, ideal. Y de ah su carcter de proyecto, deseos, ideas a realizar, proposiciones tipo: camine en la misma direccin en que lo hizo durante los ltimos diez segundos. El arte conceptual propugna un anlisis propio de sus mtodos en la tradicin del autoanlisis ya iniciado en el arte moderno, e indicado en el arte posmoderno/contemporneo. Inicia, por tanto, una exploracin sistemtica del arte mismo. Con l culmina una nota comn a muchas vanguardias: no centrarse tanto en los contenidos como en la naturaleza de la misma informacin. Al mismo tiempo que se explora la idea de arte, se tiene a una desmitificacin de la creacin que puede explicarse de un modo racional y no a la usanza mstica, intuicionista. Kosuth dijo: un objeto es slo arte cuando est colocado en el contexto del arte. En lugar de los tradicionales objetos artsticos, el arte conceptual instaura procesos artsticos, es decir, procesos comunicativos de un valor polifuncional (y multidisciplinario), en los que el receptor, en vez de aceptar pasivamente un ofrecimiento perceptivo, protagoniza una operacin activa. Robert Morris (1931-) fue un artista del minimalismo, la instalacin, el arte povera, el land art y el arte conceptual. Una de sus obras conceptuales es la box with the sound of his own making (1961). Se trata de un cubo de madera sin ningun trabajo especial de carpintera dentro del cual hay una cinta grabada con los martillazos y ruidos de serrucho que se produjeron durante su manufactura. La cinta es como la memoria de la caja acerca de su propio llegar a ser, y la obra posee una reflexin sobre el problema mente-cuerpo. Ademas, con su caja con el sonido de su propia creacin Morris desmitifica a la escultura, que segn el cnon antiguo y moderno debe ser estticamente bella. Barbara Kruger (1945-) es una artista conceptual, que tambien se dedic a la fotografa y adhiri a la corriente feminista. Su obra consta principalmente de fotografas en blanco y negro, donde figuran frases provocativas como no necesitamos otro hroe, compro, luego existo (como metfora del neoliberalismo) y tu cuerpo es el campo de batalla. Los temas que ms aborda Kruger es el feminismo y el consumismo, y se apropia de obras e imgenes conocidas para resignificarla con sus textos. Segn ella, utiliza la conjuncin imagen-texto porque tienen la habilidad de determinar quienes somos y quienes no somos. As, la lingstica y el idioma cobran un valor vital en la obra conceptual de Kruger.
110
7.2.2.1. Ambientacin
El trmino ambiente puede utilizarse como mera referencia a las dimnsiones fsicas, adquirir una carga psicolgica o se limita a un sentido arquitectnico rgido para indicar un espacio interno restringido o extenderlo al exterior. Tambien puede implicar el espacio que envuelve al hombre. Puede ser construido en cualquier parte, sin limitarse a lugares convencionales de exposicin. Con los environments o ambientaciones artsticas, se crea una nueva realidad. Es una forma artstica que llena todo un espacio, envuelve al espectador y est compuesta de todos los materiales posibles: visuales, tctiles, manipulativos. Por esta mezcla de recursos y elementos, podemos decir que la prehistoria de la ambientacin se remonta al collage y al assemblage, con la diferencia de que el espectador no poda entrar en la obra. Es con el pop cuando empiezan a aparecer las instalaciones (donde el espectador no ingresa), pero tambien los ambientes, en los que el espectador se convierte en parte real del todo, y el ambiente le rodea o encierra por todos lados. Uno debe moverse en su interior. La composicin espacial puede reducirse al acto de seleccionar los materiales y objetos que compondran el environment (generalmente emplazado en un museo o galera), y esto tambien se emparenta con los ready-mades duchampianos, el azar y el cambio dado por la elevada actividad del espectador. La ambientacin acenta las relaciones con el espectador y confiere una mayor actividad cocreativa, o co-participativa. As, el ambiente deviene como un estimulante polisensorial que acta sobre la conciencia del espectador. Dentro de las ambientaciones, entonces, en muchos casos se han dado happenings y acontecimientos mltiples. Hay infinitas maneras de generar una ambientacin artstica. Durante los 70s se destacaron algunas tendencias particulares, como las ambientaciones cintico-lumnicas (con obras de arte cintico y proyecciones de diapositivas o films, por ejemplo), o experiencias hidrocinticas (como las obras del argentino Gyula Kosice), ambientaciones psicodlicas (con intercambios permanentes de pintura, plstica, cine y arte lumnico, reconstruyendo los efectos de una experiencia o estado anmico psicodlico, comprometiendo al espectador ntegramente) o ambientaciones ldicas (en la que el espacio presenta actividades artsticas orientadas al juego, y a la libertad de prejuicios), por citar algunas. La ambientacin es una experiencia polisensorial, es decir, apunta a varios sentidos a la vez. As, el ambiente y, por ende el arte, se transforman en la realidad misma, y viceversa.
111
7.2.2.2. Happenings
Alrededor del msico John Cage se formaron los primeros experimentos denominados happenings o acontecimientos. Los happenings son sucesos teatrales interdisciplinares y colectivos en los que se mezclan efectos sonoros (msica, voces, sonido), efectos visuales (luces y sombras) y efectos plsticos (expresin corporal, objetos, dinmica) anulando las distancias entre el pblico y los protagonistas de la accin. Todos en un momento y en un espacio concretos son participantes de un evento en el que interesa sobre todo el proceso y el acto en s mismo. Podramos definirlo como una especie de collage viviente participativo y ritual, un momento de autodescubrimiento, que tendra sus orgenes en manifestaciones dadastas del Cabaret Voltaire y por otra parte en el desarrollo terico de la action painting de Pollock (lo importante es el proceso, no el resultado). Aun as, el happening es colectivo, y tiene una finalidad reflexiva, una idea o concepto que lo respalda. Los happenings son actividades abiertas pero pautadas: si bien el pblico puede participar libremente dentro del acontecimiento en s, hay un determinado control o recorrido por parte de los artistas que lo impulsan. El espacio del happening puede ser en exteriores o interiores (una ambientacin), y su pblico lo sostiene y fundamenta. Integrantes de esta tendencia son Josep Bevys, el grupo Gutai, Fluxus, los Wieners Aktions y el grupo cataln de Pars. Los happenings abarcan un amplio abanico de posibilidades expresivas: desde la violencia hasta la alegra, pasando por acciones polticas y obscenas. Un ejemplo de happening puede ser la accin que aconteci en la ambientacin llamada revulquese y viva, en la que Marta Minujin, en 1964 en el Instituto Di Tella, dispuso un conjunto de colchones para que, fiel a como reza el ttulo de la obra, el pblico se revuelque y viva.
7.2.3.1. Instalacin
Se llama as a los espacios montados en interiores que tienen un criterio esttico-artsticoconceptual, y cuya finalidad es estimular lo sensorial y reflexivo del espectador. As, estos espacios pueden tener una conjuncin de elementos visuales, auditivos, olfativos, tctiles y hasta gustativos. Si bien se desarrolla plenamente en la dcada del 70, ya en los 60 estaba presente el concepto de instalacin. Dentro del arte pop, Robert Rauschenberg y George Segal combinaron pintura y escultura para exhibir metforas consumistas. A diferencia de la ambientacin, en la instalacin el espectador perceptualiza desde afuera, en el sentido de que no ingresa al espacio. La instalacin emplea medios mezclados (pintura, objeto, escultura, etc), y tiene una idea o concepto fuerte que la sostiene. Un ejemplo de ello es la instalacin de la difunta correa del argentino Antonio Berni, en que la pintura y los elementos rituales (botellas, velas, fotografas, cartas, una guitarra, etc) constituyen una obra completa, que no queda solamente colgada en la pared, y se expande en un espacio fsico que simula una ofrenda al personaje autctono. En su instalacin, Berni desdibuja el lmite entre arte y ritual.
112
Arte, culturas y estticas sacos de lona, cuerdas, peridicos, rboles, etc, dejando en numerosas ocasiones que se deterioren y se conviertan en detritus. La seleccin en estado natural de los objetos y los materiales favorece que la accin no sea tan fra, como sucede con los minimalistas. El material, entonces, se convierte en el protagonista principal de la obra. Desde el punto de vista sintctico, el arte povera se inclina por la antiforma: el artista se limita a hacer una seleccin de materiales e intervenirlos lo menos posible, para exhibir las propiedades fsicas y plsticas de los materiales y de las relaciones de ensamblado entre ellos, como hecho perceptual y artstico. As, los artistas quieren destacar las propiedades de sus materiales: maleabilidad, rigidez, conductibilidad, flexibilidad, reacciones qumicas de materiales, etc. El arte povera abandona la idea de reconstitucin del objeto, y se centra en mostras la heterogeneidad de las sustancias. Se asemeja con frecuencia a un montn de desperdicios trados a la galera o al museo. Los elementos compositivos determinantes son el cambio y la indererminacin. Ademas, la intencin del artista es suprimir la separacin entre lo creado y el espectador, para que ste entre en la obra (ambientaci n). Ademas, siendo elementos de la naturaleza o cotidianos, se genera una especie de relacin en la que el espectador puede ver y perceptualizar materiales de todos los das. En lo que refiere a la eleccin de materiales, el arte povera puede encontrar relacin con el informalismo europeo. A nivel sintctico de materialidad o infraestructura cosal de la obra, prevalece la tesis de que la sustancia y el material fsico es anterior a la forma, y su condicionante. Es un arte fsico que recurre precisamente a estas sustancias en estados de transformacin en un nivel anterior a la formacin de la imagen definitiva del objeto. En otras palabras, el arte povera muestra la previa al hecho artstico conocido: sus materiales, sus componentes, previos a una intervencion racional y activa del artista. No tiene interes en ofrecer el producto acabado, resultante de un proceso, sino el mismo proceso en su devenir. A nivel semntico, entonces, renuncia a los objetos iconogrficos. Robert Morris, quien tambien adhiri al minimalismo y al conceptualismo, dijo: con el arte povera, lo que est siendo atacado es algo ms que el arte como cono. Lo atacado es la nocin racionalista de que el arte es una forma de obra que resulta de un producto acabado. Y no solo eso, sino que es un alegato contra el valor comercial de la obra de arte: presentando materiales pobres, de desperdicio, que en algunos casos terminaban de descomponerse en la misma exhibicin, artistas como Morris, Pistoletto y Mario Merz, hicieron una acusacin contra el mercado artstico y contra el mundo tecnolgico racionalista.
113
Arte, culturas y estticas pues cuando el material utilizado es la naturaleza con sus correspondientes imprevistos, los agentes atmosfricos o los cambios climticos pueden alterar el curso de la obra. El interesante artista blgaro Christo (1935-) usa habitualmente telas para envolver o empaquetar edificios, rocas, paisajes, etc, produciendo unos efectos visuales espectaculares. Ha empaquetado una playa de Australia con plstico, por ejemplo, como tambien puentes y montaas. Por la magnitud de sus creaciones requiere la colaboracin de tcnicos y expertos e incluso los correspondientes permisos de autoridades y propietarios. El argentino Nicolas Garca Uriburu (1937-) es clebre por teir de verde fosforescente los canales de Venecia en 1968, mientras participaba de la Bienal realizada en esa ciudad. Garca Uriburu ti el agua con un compuesto natural, que no provoc dao ecolgico, y fue una metafrica llamada de atencin acerca de la creciente contaminacin del agua en el planeta. As, su obra tambien se fundamenta conceptualmente.
7.2.3.5. Performance
La performance o, en castellano, la interpretacin o actuacin, es una disciplina artstica tomada del teatro, que se conjuga con aspectos audiovisuales, plsticos y rituales. La performance es una variante individual de los happenings que encuentra en el propio cuerpo del artista su modo de expresin, de manera que objeto y cuerpo son la misma cosa. Por citar ejemplos, Gina Pace hace heridas sobre su propio cuerpo, Urs Luthi emplea el cuerpo como provocacin perversa de carcter bisexual, Vitto Acconci aplasta insectos bajo su propio cuerpo o se autocastiga fsicamente, y Brus somete su cuerpo a prueba, en obras tituladas como prueba de resistencia a la destruccin. Para que la obra tenga sustento, como sucede con el teatro, es necesario un pblico presente. Una de las performers ms importantes es Marina Abramovic (1946-), quien explora la relacin artista-pblico y los lmites del cuerpo y la mente. Dentro de la performance, hay variantes como el body art, que derivan en el body painting y tendencias similares. En estos casos, el cuerpo queda como el objeto artstico principal, mientras que en la performance lo que destaca es la accin del momento, sea planeada o azarosa, y que construye la obra en el exacto momento de la ejecucin. Como ya se destac, la performance debe su fundamento al teatro y al monlogo. Siendo el cuerpo el motor de la expresin, y tomando al pblico como espectadores no-participantes, el artista ejecuta
114
Arte, culturas y estticas sobre s mismo. Hubo casos que, por actos de cortes o autoflagelacin, algunos artistas fallecieron ejecutando su obra, siendo la performance una tendencia en la que es el ejecutante el que decide hasta qu lmite puede y quiere llegar. Hay casos, sin embargo, en los que el pblico tambien interviene con el performer, disolvindose as la lnea entre monlogo artstico y happening participativo.
7.2.3.6. Feminismo
Como consecuencia directa de la liberacin femenina propia de la dcada del 60 y 70, la tendencia feminista en el arte surge como una visin anti-institucionalista pero, sobre todo, una visin antieurocentrista y anti-masculina del panorama artstico. Siendo el varn quien domin las artes durante siglos, en la segunda posguerra esa visin del hombre culto europeo se cae, y da paso a nuevas interpretaciones culturales, de las cuales el feminismo, los grupos homosexuales o las etnias hasta ese momento discriminadas son un ejemplo. Dentro del movimiento feminista se puede destacar a la ya citada artista conceptual Barbara Kruger, quien realiz instalaciones con carteles y palabras enormes, con un marcado tinte feminista. La crtica de Kruger hacia las instituciones y su bsqueda de liberacin se pueden resumir en su frase todos somos lo que el cielo permite. Otra exponente del movimiento es Guerrilla Girl, una artista cuyos enunciados apuntan directamente a menospreciar y socavar el poder masculino: es necesario que las mujeres esten desnudas para que esten en el museo?. As, Guerrilla Girl acusa el machismo mayoritario que hasta ese momento exista en el mbito de museo y de las artes visuales. Como dato anecdtico, y ya con los pies en el siglo XXI, cabe destacar que hoy da, si pudiera hacerse un censo del sexo de los artistas visuales vivos, al menos la mitad son mujeres, y el alumnado de un profesorado de artes visuales tiene, al menos, un 70% de estudiantes de sexo femenino.
7.2.3.7. Apropiacionismo
El apropiacionismo o arte de apropiacin es, principalmente, una crtica a la modernidad. Los artistas de esta tendencia toman imgenes clsicas o modernas, y las rehacen de otra forma, con otra tcnica, etc. Esta crtica va desde la parodia, la desacralizacin, la burla o la reelaboracin de obras avaladas, como la Gioconda de Leonardo, la persistencia de la memoria de Dal, por citar algunos. En el apropiacionismo, entonces, aparece la cita al pasado, pero con una obra reelaborada en funcin del hoy. Cabe aclarar que podra pensarse que en el pop art, cuando se exhibe por ejemplo- la imagen de una sopa Campbell o el logo de Pepsi, tambien hay apropiacin. Esto no es as. En el pop hay contextualizacin: no hay concepto de crtica, sino que muestra objetivamente los elementos publicitarios e icnicos de la sociedad de consumo. En el caso de los apropiacionistas, al citar una obra pasada como la Gioconda y pintarla sin cabeza, o representarla con la cara de un cerdo, o hacerla con trozos de fiambre, hay una provocacin, una crtica y un afan de desacralizacin del pasado, conceptos que bien podran ser tomados del dad.
7.2.3.8. Hiperrealismo
Surge en 1966 en EEUU, y con motivo de la celebracin de una exposicin denominada la imagen fotogrfica en Nueva York, el movimiento hiperrealista. En 1972 se presentan unas manifestaciones en la Bienal de Pars, con el nombre de realismo fotogrfico o hiperrealismo. Podramos sealar dos motivos para la aparicin del movimiento hiperrealista: uno que los movimientos artsticos de posguerra haban tocado techo y se haban agotado, y la otra que fue un relanzamiento del mercado del arte en norteamrica. El hiperrealismo, como su nombre lo indica, se basa en una aproximacin fotogrfica a la realidad. Incluso proyectaban diapositivas y calcaban directamente sobre el lienzo. No hay creatividad, hay excesiva frialdad e impersonalidad en sus trabajos. En pintura, los cuadros son de gran formato, sus temas suelen ser el paisaje y el retrato, preferentemente primeros planos. En escultura, como material
115
Arte, culturas y estticas predomina el polister y sus temas recogen escenas cotidianas, como amas de casa, jugadores de rugby, etc. Con una ejecucin tcnica impecable, que hace preguntarse eso es una foto o una pintura?, el hiperrealismo, tambien llamado cool art (arte fro), es la oposicin total al arte conceptual.
Arte, culturas y estticas una banda que, formada en 1973, hasta el da de hoy contina en actividad. Su estilo potente y marcado ha sido un sello identificatorio que traza a toda su trayectoria. El disco Back in Black (1980) es considerado uno de los xitos ms importantes de la banda. Black Sabbath, banda que entre 1967 y 1979 fue liderada por Ozzy Osbourne. No solo son parte del hard rock, sino pioneros del estilo heavy metal. En sus letras incorporaron temas esotricos, de ocultismo y terror. Su disco Paranoid (1970) ha sido su xito ms masivo. Por ltimo, como parte del hard rock y del pera rock, mencionar a Queen. La banda, integrada por Freddie Mercury (voz y piano), Brian May (guitarra), Roger Taylor (batera) y John Deacon (bajo) fue formada en 1971. Con influencias opersticas, dadas por la excntrica personalidad y la increble voz de Mercury, la banda es considerada una de las ms exitosas e importantes de la historia de la msica. Uno de sus ms importantes discos es A night at the opera (1975), un disco que se pasea entre el hard rock, el jazz, el country, el foxtrot, el pop, entre otros estilos. De ese disco se extrae la clebre Bohemian Rhapsody, una suite pera-rock de 6 minutos, con un gran arreglo de voces realizado por los cuatro msicos, que en muchas ocasiones ha sido considerada la mejor cancin de la historia. Si en los 70s Queen se volc al hard rock, durante los 80s desarroll un estilo pop -rock caracterstico. A principios de 1991 sali a la venta Innuendo, un disco eclctico, de corte pop-progresivo, cuya principal corte de difusin fue la cancin de 6 minutos Innuendo, emparentada en ocasiones con Bohemian Rhapsody. En noviembre de ese mismo ao, Freddie Mercury falleci de una neumona provocada por el deterioro fsico ocasionado por el virus del HIV. En 1995 saldra a la venta Made in Heaven, un disco pstumo que May, Taylor y Deacon realizaron con temas solistas de Mercury y grabaciones inconclusas del vocalista. Una interesante tendencia del rock que surge a fines de los 60 y se desarrolla en los 70s, en Alemania Occidental, es el kraut rock, a veces considerado un subgnero de rock progresivo. El trmino, originalmente despectivo (kraut significa repollo en alemn, y era uno de los apodos que se les dieron a los alemanes durante las guerras mundiales ya que un plato tpico alemn es el repollo en salmuera), se usa para referirse a una gran cantidad de artistas alemanes que haban sido influidos por gneros como el rock psicodlico, el rock progresivo, la msica de vanguardia, el rhythm and blues y el jazz, que utilizaban nuevas tecnologas y nuevas formas de usar las tecnologas de grabacin, amplificacin y mezcla musical, con nuevas estructuras formales. Utilizaron como principales instrumentos guitarra elctrica, bajo elctrico, batera, teclados, sintetizadores y diversos instrumentos electrnicos. Una de las principales bandas del gnero es Can, quienes tenan influencia del rock progresivo y el free jazz. Una de las caractersticas de esta banda, y del kraut en general, es la improvisacin: mientras los msicos interpretan libremente, un cantante (en el caso de Can era el japones Damo Suzuki) frasea sobre la msica, adaptandose a los cambios musicales que van surgiendo. El kraut alemn inspir en Inglaterra al llamado Rock In Opposition. El Rock en Oposicin (R.I.O.) aparece a finales de los 70 cuando distintas formas de msica que de alguna manera sugieron a partir del rock encuentran que la industria de la msica no les concede un lugar. Hay tantos estilos de R.I.O. como hay bandas, pero en general lo caracterizan el jazz fusion (como hacan Frank Zappa o Miles Davis), el free-jazz, el atonalismo, las formas libres y las complicadas estructuras de tiempo, acordes poco comunes , duracin extendida de sus canciones (pueden superar los 20 minutos, en algunos casos) y la musica erudita contemporanea. Grupos como Henry Cow y Six Cylindres en V (con una formacin casi enteramente de vientos) mezclan el buen humor, el jazz y el experimentalismo con la complejidad y profundidad de las composiciones. Es, ante todo, una musica para ser disfrutada y no solo admirada, y es reconocida por los ms fanticos, pero deplorada por el pblico masivo, por ser una clara propuesta anti-comercial. El R.I.O. lleva al extremo la idea del rock psicodlico de ampliar la percepcin, y es un arte en el sentido ms completo, que cambia nuestra percepcin de cmo escuchar msica: la obliga a evolucionar. El movimiento produjo muchos festivales en vivo, y el baterista de Henry Cow cre una discogrfica para editar toda esa msica. El Rock en Oposicin no solo fue una oposicin a la msica vigente, sino una postura poltica, social e ideolgica: es la protesta. Ante la falta de lugar en las grandes discogrficas, los msicos del R.I.O. tuvieron que autogestionarse. Dentro de las bandas del R.I.O. se destacan la ya mencionada Henry Cow, con su disco Leg End (1973), y Soft Machine, cuyo disco Third (1970) es
117
Arte, culturas y estticas una placa clsica de este estilo musical. El lder de Soft Machine, Robert Wyatt (1945-) merece tambien mencin con su disco de 1974, Rock Bottom. El kraut y el Rock en Oposicin tuvieron escasa vigencia y en pocos aos se desvanecieron como militancia activa, pero constituyen un importantsimo ejemplo de poca, en lo que a relacin arte-vida refiere. En los 70s se presencia al nacimiento de uno de los estilos musicales ms interesantes y revolucionarios: el punk. A finales de los aos 1960, una corriente de jvenes de Gran Bretaa y otros pases industrializados consideraban que el rock haba pasado de ser un medio de expresin para los jvenes, a una mera herramienta de mercado y escaparate para la grandilocuencia de los msicos de ese entonces. El punk surgi como una burla a la rigidez de los convencionalismos que ocultaban formas de opresin social y cultural. Por eso, en un inicio, el punk parodi al rock, tocando sus canciones ms reconocidas con un tempo mucho ms rpido, y de manera ms desprolija, y esa forma de tocar sera la que caracteriz a la msica punk. El trmino ingls punk tiene un significado despectivo que, en personas, puede significar vago, despreciable, sucio, basura y escoria. Se utiliza de forma irnica como descripcin del sustrato crtico o descontento que contiene esta msica. Al utilizarlo como etiqueta propia, los punks se desmarcan de la adecuacin a los roles y estereotipos sociales. Debido al carcter de este significado, el punk a menudo se ha asociado a actitudes de descuido personal, se ha utilizado como medio de expresin de sentimientos de malestar y odio, y tambin ha dado cabida a comportamientos neurticos o autodestructivos. A principios de los aos 70's, los punks tenan una filosofa muy diferente al punk de ahora, y consideraban que there is no future (no hay futuro). Ese concepto era pesimista, desesperado, destructivo y agresivo hacia la sociedad. Incluso, el punk ha estado muy relacionado con el movimiento anarquista. Rechaza los dogmas y los puntos de vista nicos, y defiende el do it yourself (hacelo vos mismo) y el do it your way (hacelo a tu manera). La forma originaria del punk era una forma expresionista de transgresin, buscando liberarse de los corss estticos y de la opresin, de la autoridad y en no estar de acuerdo con la sociedad convencional, as como con los estigmas sociales. El punk original no daba explicaciones y buscaba incomodar a lo establecido chocando, ofendiendo y molestando, siendo siempre lo polticamente incorrecto y lo opuesto al buen gusto, la moral y la tradicin. En un primer momento era bsicamente una serie de actitudes de transgresin esttica y musical (en la vestimenta, el peinado, etc.), aparejadas a una serie de comportamientos de disconformidad cotidiana, que se fueron acentuando. Dentro del punk ingles, hay que destacar a The Clash, banda formada en lo que se llam la primera oleada punk, en 1976. A diferencia de otras agrupaciones, The Clash incorpor a su msica otros estilos ademas del punk, tales como el ska, reggae, dub y rock. Exhibieron en sus letras una crtica poltica importante, pero con gran idealismo. The Clash protestaba contra la monarqua y la aristocracia, pero a diferencia de la mayor parte de las bandas punk de poca, el grupo rechazaba el nihilismo y no profesaba la anarqua, por lo cual fueron duramente criticados por otros punks. Por otro lado, encontraron el apoyo de un gran nmero de movimientos de liberacin contemporneos. Sus ideas polticas fueron expresadas explcitamente desde las letras de sus primeras composiciones como White Riot, que animaba a los jvenes de raza blanca a ser tan polticamente activos como sus pares de raza negra, Career Opportunities, que expresaba el descontento por la falta de alternativas laborales en la Inglaterra recesiva de la poca, y London's Burning, que trataba sobre la complacencia poltica. Su disco ms importante ha sido London Calling, de 1979. Dentro del punk ingles tambien hallamos a otra banda emblemtica, Sex Pistols. Aunque solo tocaron 2 aos y medio, y grabaron 4 simples y un solo disco ( Never mind the bollocks, de 1977), son considerados una de las ms importantes bandas punk. Los Sex Pistols representaban la actitud punk en su totalidad: el cantante Johnny Rotten sala al escenario con una remera que deca I hate Pink Floyd y cantaba ebrio o drogado, o su bajista Sid Vicious no tocaba, porque l mismo entenda que no saba tocar el bajo, por lo cual haca la mmica y pona la actitud, pero el bajo que sonaba era el de otro msico que tocaba detrs del escenario. Dentro de la banda, es Sid Vicious el exponente punk por excelencia, con una vida trazada por el abuso de drogas y alcohol, culpado del asesinato de su novia y encarcelado, para finalmente morir de sobredosis de herona a sus 21 aos. Finalmente, dentro del punk norteamericano, el mximo exponente es The Ramones. El grupo integrado
118
Arte, culturas y estticas por los hermanos Ramone se fund en la Nueva York de 1974, y fue pionero del naciente punk norteamericano. Sus composiciones rpidas y directas, repetitivas y de letras muy simples o incluso sin sentido, son una clara oposicin a la pomposidad y complejidad de las bandas progresivas que triunfaban en el mercado de los aos 70. A lo largo de su carrera, los Ramones publicaron 14 discos de estudio y varias recopilaciones y discos en directo, haciendo un total de 21 lbumes. La imagen de los Ramones en escena complementaba la temtica de sus temas y sus conciertos. Todos los miembros de la banda salan a los conciertos con chaquetas de cuero, jeans rasgados, zapatillas deportivas, camisetas y pelo largo, en honor a las estrellas de rock de los 50, y poniendo de manifiesto que no era necesario vestir de manera extravagante y lujosa para tocar msica rock. Esta moda enfatizaba la simpleza de su msica, que constituy una gran influencia en la escena neoyorquina de los 70. Tommy Ramone recalc que, tanto musical como visualmente, estbamos influidos por los cmics, el trabajo de Andy Warhol y el cine vanguardista. En escena, la banda siempre se colocaba de cara al pblico, pues les disgustaban los msicos que tocaban mirando hacia la batera, el amplificador o cualquier otra cosa que no fuera el pblico. Esta relacin banda-pblico estuvo siempre presente, y es una postura escnica que influy a muchsimas agrupaciones posteriores. La banda se disolvi en 1996, y hoy da es considerada el referente punk por excelencia. Dentro del rock, surge una tendencia llamada glam rock, derivada del rock psicodlico, pero con el agregado esttico: los rockeros glam se maquillaban y vestan excntricamente, jugaban con la ambigedad sexual y se creaban alter-egos. El artista ms reconocido de esta tendencia es David Bowie (1947-), cantante y multiinstrumentista quien, ademas del estilo glam, incursion en el rock, pop, punk, dance y demas tendencias musicales, ademas de ser productor y actor. El xito de masas le llegara en 1972 con el disco the rise and fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, un lbum conceptual en el que narra la historia de una estrella del rock venida de otro planeta, Ziggy Stardust, bautizando a su banda de acompaamiento como The Spiders From Mars. Este disco se convertira en el ms clebre del glam rock, y est considerado como uno de los mejores y ms influyentes en la historia del rock. Sus siguientes discos, Aladdin Sane (1973), en el que mutaba en un nuevo personaje, y Diamond dogs (1974), basado parcialmente en la novela 1984 de George Orwell, completan una trada de discos impecables, que exhiben la creatividad y talento de Bowie. Dentro de sus experiencias cinematogrficas, es mtico su papel protagnico en la pelcula Laberinto (1986). Bowie es uno de los artistas ms inclasificables de la historia musical contempornea, puesto que su amplitud estilstica es enorme. Pero ademas del rock y el punk, en los 70 se popularizan nuevos estilos musicales. Uno de ellos es el funk, que apareci en los primeros aos 60 en el ambiente nocturno de las comunidades afroamericanas de Estados Unidos. Nacido como una evolucin de algunos elementos del soul y el jazz anteriores aderezados por influencias latinas como la rumba, el funk se consolid como un estilo propio y marc el camino de la msica bailable de ah en adelante. El bajo como instrumento cobra protagonismo, ya que construye lneas meldicas y rtmicas. Tanto guitarra como batera acompaan al bajo con rtmicas muy caractersticas. Un artista de especial interes es George Clinton (1941-), quien con sus bandas Parliament y Funkadelic, entre 1970 y 2000 son una referencia ineludible a este estilo musical. El funk prepar el camino para el desarrollo de la msica disco, de gran auge durante la segunda mitad de la dcada de 1970. La msica disco es un gnero de msica que se populariz principalmente en las discotecas, por ser un estilo muy bailable. Tambien algunas pelculas como Saturday night fever (1977) contribuyeron al despegue de la msica disco entre el pblico. Caracterizada por un ritmo repetitivo y bien marcado de bombo y hi-hat de la batera, y con melodas pegadizas, la msica disco durante los 70 tuvo exponentes de gran xito, que siguen vigentes hoy: Barry White, los Bee Gees, Electric Light Orchestra, Rod Stewart y los Jackson Five. Surgido en los 60 en Jamaica, y popularizado en la dcada del 70 a nivel mundial, aparece el reggae. El trmino reggae es una derivacin de ragga, que a su vez es una abreviacin de raggamuffin, que en ingls significa literalmente harapiento. Este topnimo se us para designar a los pobres de Jamaica,
119
Arte, culturas y estticas y tambin a los Rastas y a los movimientos culturales de los barrios pobres. Al reggae se lo asocia errneamente con el movimiento rastafari, ya que muchos elementos de este movimiento fueron tomados e incorporados a su msica por prominentes msicos de reggae en los aos 70 y 80. El reggae nunca form parte del orden ceremonial de la iglesia rastafari, y sus sacerdotes son muy claros al diferenciar el reggae y la msica rastafari. Ellos sealan que el reggae es parte de la cultura jamaiquina y que la cultura rastafari es la cultura etiope-africana y su msica es diferente. El reggae se basa en un estilo rtmico caracterizado por cortes regulares sobre una msica de fondo tocada por la batera rtmica, conocida como "Beat", y la batera, que se toca en el tercer tiempo de cada comps. La msica reggae frecuentemente toca temticas de tipo social, adems de polticas o religiosas. Este compromiso que adopta en ocasiones el reggae permite enlazarlo con otros estilos como la cancin de autor o el punk. El mximo exponente del gnero es Bob Marley (1945-1981), quien lider la banda The Wailers. Marley no solo ayud a difundir la msica reggae a nivel mundial, sino tambien a la cultura rastafari, de la cual era un fiel representante. Algunas de sus ms recordadas canciones son I shot the sheriff, No woman, no cry, Redemption song y One love.
120
Arte, culturas y estticas espontneamente el Himno de Alemania. El 9 de noviembre, los berlineses llevaron a cabo la destruccin del muro con todos los medios a su disposicin (picos, martillos, etc.). As, no solo se iniciaba el proceso de unificacin alemana, sino la inminente cada de la Unin Sovitica y, por ende, el triunfo del neoliberalismo.
Arte, culturas y estticas histricas. El resultado es una mezcla indiscriminada de temas y estilos (pastiche). Por esta cuestin, generalmente se vincula al neoexpresionismo y a la transvanguardia con la idea de bad painting, o mala pintura, por su desprolijidad y despreocupacin esttica. Tanto el artista transvanguardista como neoexpresionista destaca por su individualismo y, al contrario que los artistas de las vanguardias histricas, ellos no quieren influir en la sociedad ni provocar una transformacin del arte. Las pinturas, ademas de su esttica libre, se caracterizan por ser de enorme tamao. Sin embargo, se afirm que el arte que practicaban los neoexpresionistas y transvanguardistas careca de cualquier significado poltico o social, era slo mercanca y, por tanto, objeto de los vaivenes y fluctuaciones del mercado. Salvo algunas excepciones, la pintura neoexpresionista quedaba reducida a un producto de consumo y, como tal, a un hecho creativamente descalificado y vulgar. Dentro de los pintores de la dcada del 80, destaca la figura de Anselm Kiefer (1945-). Adhiere al neoexpresionismo y, al ser aleman, cita principalmente a la esttica y el sentir del expresionismo y el romanticismo. Es un autor que llama a la reflexin: sus pinturas aluden al horror, a la historia alemana reciente, en las que Alemania queda como responsable del holocausto y el exterminio en masa ocurrido en Auschwitz, durante la Segunda Guerra Mundial. As, Kiefer se enfoca en un tema tab para su pas, como fue el nazismo y la omnipotencia del poder europeo. Es muy caracterstica en su obra la presencia de letras, siglas, nombres de persona, figuras mticas o lugares con una fuerte carga histrica. Se trata de signos que ponen de manifiesto el peso de la historia y de los elementos mticos y literarios del pasado cultural. Su pintura es, en este sentido, profundamente literaria, y cita no solo esttica, sino temticamente a la historia alemana. En sus obras, Kiefer fusiona la pintura, la escultura y la fotografa, mediante tcnicas como el collage o el assemblage, con una pincelada violenta y una gama cromtica casi monocroma, mezclando materiales atpicos como alquitrn, plomo, alambre, paja, yeso, barro, ceniza o polvo, o flores y plantas. Tambin utiliza materiales de desecho, incluso armamento militar, por lo cual su pintura mattica tambien se aproxima al informalismo. A diferencia de sus contemporneos, en donde la figura humana es protagonista, Kiefer realiza paisajes para nada tradicionales. Representados con gran carga matrica y exhibiendo una gestualidad brutal, Kiefer exhibe paisajes y arquitecturas desiertas, desoladas, arrasadas. Esos desiertos aluden al vaco y el desastre posterior a la guerra, pero no solo eso, sino al desierto de la apata y la indiferencia que hay en el hombre posmoderno, y que el socilogo Gilles Lipovetsky describe en uno de sus ensayos. Otro representante del neoexpresionismo, que cita a la esttica de la pintura del Die Brucke, es el aleman Georg Baselitz (1938-). Salt a la fama cuando, en la dcada del 60, la polica atac a uno de sus cuadros, un autorretrato de Baselitz en forma de nio, en el que se lo mostraba masturbndose. La pintura de Baselitz se enmarca en un expresionismo primitivo, muy gestual, crudamente figurativo. No busca una crtica, sino que exhibe la naturaleza humana. Las obras de Baselitz son reconocidas principalmente porque, a partir de 1969, empez a pintar cuadros invertidos, o rotados 180: los personajes aparecen de cabeza, como si, una vez terminada la pintura, el autor las diera vuelta y las expusiera al reves. Una de las obras ms recordadas con estas caractersticas es orange eaters, o los comedores de naranja, de 1982. Se destaca tambien como escultor y grabador, y es profesor en la Escuela Superior de Arte de Berln. Es uno de los artistas vivos ms cotizados y premiados. En Estados Unidos, destaca Jean-Michel Basquiat (1960-1988), quien es el primer afroamericano en tener un reconocimiento internacional en el campo artstico. Marcado por conflictos familiares y sociales, Basquiat se introdujo en el mundo del arte mediante el graffiti, a fines de la dcada del 60. Dueo de una pintura y un graffiti muy satrico e irnico, Basquiat vivi en las calles de Brooklyn, sin un techo fijo, vendiendo remeras decoradas por l. A partir de los 80s, Basquiat se dedica a la pintura, previo estudio de los expresionistas abstractos, los informalistas y los pop. El resultado es una pintura orientada a la esttica del graffiti, en la que Basquiat combina elementos y citas de la historia del arte. Se lleg a definir a su arte como chocante combinacin del arte de De Kooning y de los garabatos pintados con aerosol en el metro neoyorquino. Luego de algunas exposiciones individuales, lo conoce Andy Warhol, quien lo apadrina y lo introduce en el mundo artstico. As, se produce un hecho curioso: el graffiti, como arte callejero, es llevado a la tela y al museo, por ende, se legitima como expresin artstica. Basquiat no
122
Arte, culturas y estticas solo fue el primer artista afroamericano en conseguir reconocimiento masivo y xito en el mercado, sino que institucionaliza al graffiti en la galera-museo. Falleci a los 27 anos, por sobredosis de herona.
123
Arte, culturas y estticas En la dcada del 80 el pop se define como estilo. Cuando en los 60 mencionamos a los Beatles, les consideramos como la primera banda pop de la historia. Veinte aos despues, el concepto de pop musical se reforz y explot en su totalidad: al margen de la instrumentacin y tecnologa aplicada para su creacin, conserva la estructura formal verso - estribillo verso, ejecutada de un modo sencillo, meldico, pegadizo, y normalmente asimilable para el gran pblico. Sus grandes diferencias con otros gneros musicales estn en las voces meldicas y claras en primer plano y percusiones lineales y repetidas, con melodas pegadizas. Los musiclogos suelen identificar una serie de caractersticas como tpicas del gnero de msica pop: un enfoque en canciones individuales o sencillos (singles), en lugar de en obras extensas o lbumes; el objetivo de atraer a un pblico general, en lugar de dirigirse a una subcultura o ideologa. Es decir que el principal elemento de la msica pop es la cancin, a menudo entre dos y medio y tres minutos y medio de duracin, en general, marcada por un elemento rtmico constante y notable, un estilo culturalmente establecido (o de moda) y una estructura tradicional y simple. Hay tantas caractersticas comunes entre el rock y el pop que, en muchas ocasiones, una misma composicin puede ser catalogada indistintamente como uno u otro con argumentos igualmente slidos. Existe la opinin consensuada de que la principal diferencia est en la intensidad del espectculo en directo y en la fuerza y virtuosismo instrumental. El rock generalmente mantiene la estructura tradicional ya que es de gran utilidad y da el sonido guitarra - bajo batera con riffs saturados y solos de guitarras penetrantes, con un gran ncleo rtmico de bajo y batera, y con voces ms desgarradas. El pop, al contrario, no tiene estructura instrumental definida, predomina la meloda de voz sobre el resto de instrumentos, y mantiene un clmax musical ms asimilable y limpio. Dentro de la infinidad de bandas y solistas pop de los 80 (entre ellos: A -ha, Cher, Duran Duran, Erasure, Cindy Lauper, Pet Shop Boys, Toto, Prince, entre otros) destacan dos figuras. La primera es la de Madonna (1958-), conocida como la reina del pop. El inicio de su carrera data de 1982, y su segundo disco like a virgin (1984) se convirti en Disco de Diamante, al vender ms de 10 millones de copias. Con su imagen de chica material, la rebelda de Madonna se transform en un emblema joven. Ademas de cantar, sus presentaciones en vivo incorporaban complejas coreografas y vestuarios, perfilando de esa manera cmo debe ser una estrella pop. La dcada del 80 la consagr como uno de los fenmenos musicales mundiales, e influenci a innumerable cantidad de artistas e intrpretes. En la dcada del 90, Madonna experiment con otras temticas ms fuertes en sus lricas, tales como el erotismo y la sexualidad, y su estilo musical se complement con elementos del dance, la electrnica, el rhythm and blues, y hoy en da es una de las intrpretes ms vanguardistas del pop mundial. La otra figura es Michael Jackson (1958-2009), tambien llamado el rey del pop. Su carrera inici en 1967, a sus 9 aos, en el grupo musical que integr con sus hermanos, los Jackson Five. Ya en solitario, su disco de 1982, Thriller, se transform en el disco ms vendido de la historia, con 110 millones de copias. El videoclip de la cancin que da nombre al album muestra a Jackson como un muerto viviente, e introduce la coreografa y el baile como elemento esttico de la msica pop. En 1985, junto a Lionel Richie y numerosos artistas grab la cancin we are the world, un ejemplo ms de las obras caritativas y el compromiso humano que Jackson demostr a lo largo de su carrera. El pop de Jackson conjuga elementos del soul, hip hop, rhythm and blues, dance, swing y funk, y una de sus caractersticas ms recordadas es su don como bailarn, ademas de su extravangante esttica personal. Su vida personal fue objeto de numerosas controversias, entre las cuales se destacan el presunto abuso de menores. La vida de Michael Jackson se extingui por un paro cardiorrespiratorio, en junio de 2009, sin embargo su msica provoc una huella indeleble en el estilo pop.
7.4. La contemporaneidad
Con la cada del muro de Berln en 1989, se anticipa el final de la Guerra Fra entre el bloque occidental y el bloque comunista. La Unin de Repblicas Socialistas Soviticas (URSS) se disolvi en diciembre de 1991, dando origen a 15 nuevos estados independientes, entre los cuales se destac la Federacin Rusa. De esta manera, el desmantelamiento de la URSS y la cada del comunismo implica el
124
Arte, culturas y estticas fin de la era polar, el triunfo del bloque norteamericano en la Guerra Fra y, por ende, el triunfo del neoliberalismo a escala global. Ademas, dentro del mapa de poltica internacional, en 1993 se crea la Unin Europea, y en 1994 la Organizacin Mundial del Comercio, que junto con el Fondo Monetario Internacional y el Banco Mundial desempearn un papel central durante la dcada. Los continuos avances tecnolgicos y cientficos acentan los procesos globales. Cobra fuerza, entonces, el concepto de globalizacin: proceso econmico, tecnolgico, social y cultural a gran escala, que consiste en la creciente comunicacin e interdependencia entre los distintos pases del mundo unificando sus mercados, sociedades y culturas, a travs de una serie de transformaciones sociales, econmicas y polticas que les dan un carcter global. La globalizacin es a menudo identificada como un proceso dinmico producido principalmente por las sociedades que viven bajo el capitalismo democrtico o la democracia liberal y que han abierto sus puertas a la revolucin informtica, plegando a un nivel considerable de liberalizacin y democratizacin en su cultura poltica, en su ordenamiento jurdico y econmico nacional, y en sus relaciones internacionales. A escala poblacional, en la dcada del 90 internet se masifica como herramienta al alcance del ciudadano, tejiendo redes comunicacionales nunca antes vistas. Durante los aos 2000 este proceso de globalizacin y neoliberalismo se acentu. El hito que abri la dcada fue el ataque terrorista al World Trade Center de Nueva York en septiembre de 2001. As, qued en evidencia la amenaza del terrorismo, que durante su administracin el presidente norteamericano George Bush intent erradicar interviniendo Irak, Afganistan y la zona del Medio Oriente. Durante la dcada se produciran numerosos acontecimientos cientficos. A las tcnicas de clonacin experimentadas en los 90, se suma el descubrimiento del mapa del genoma humano. Al mismo tiempo, los brotes de gripe aviar o porcina, y los desastres ecolgicos como terremotos o tsunamis amenazan al planeta. La internet crece exponencialmente, en paralelo con los ordenadores porttiles y las conexiones hogareas masivas. Los formatos digitales, tanto en msica como en datos visuales o escritos, cobran gran popularidad. La telefona celular se vuelve indispensable, se crean gadgets como el iPod, y las redes sociales en internet se expanden. Las grandes potencias sufren, entre 2007 y 2009, un evidente proceso de recesin o desaceleracin econmica. El mundo contemporneo/posmoderno se puede diferenciar y dividir en dos grandes realidades: la realidad histrico-social, y la realidad socio-psicolgica: Caractersticas histrico-sociales 1. En contraposicin con la modernidad, la posmodernidad es la poca del desencanto. Se renuncia a las utopas y a la idea de progreso. 2. Se produce un cambio en el orden econmico capitalista, pasando de una economa de produccin hacia una economa del consumo. 3. Desaparecen las grandes figuras carismticas, y surgen infinidad de pequeos dolos que duran hasta que surge algo ms novedoso y atractivo. 4. La revalorizacin de la naturaleza y la defensa del medio ambiente se mezcla con la compulsin al consumo. 5. Los medios masivos y la industria del consumo masivo se convierten en centros de poder. 6. Deja de importar el contenido del mensaje, para revalorizar la forma en que es transmitido y el grado de conviccin que pueda producir. 7. Desaparece la ideologa como forma de eleccin de los lderes siendo reemplazada por la imagen. 8. Los medios masivos se convierten en transmisores de la verdad, lo que se expresa en el hecho de que lo que no aparece por un medio de comunicacin masiva, simplemente no existe para la sociedad. 9. Aleja al receptor de la informacin recibida quitndole realidad y pertinencia, convirtindola en mero entretenimiento. 10. Se pierde la intimidad y la vida de los dems se convierte en un show. 11. Desacralizacin de la poltica.
125
Arte, culturas y estticas 12. Desmitificacin de los lderes. Caractersticas socio-psicolgicas 1. Los individuos slo quieren vivir el presente; el futuro y el pasado pierden importancia. 2. Hay una bsqueda de lo inmediato. 3. Se rinde culto al cuerpo y la liberacin personal. 4. Se vuelve a lo mstico como justificacin de sucesos. 5. Prdidas de fe en la razn y la ciencia, pero en contrapartida se rinde culto a la tecnologa. 6. El hombre basa su existencia en el relativismo y la pluralidad de opciones, al igual que la subjetividad impregna la mirada de la realidad. 7. Prdida de fe en el poder pblico. 8. Despreocupacin ante la injusticia. 9. Desaparicin de idealismos. 10. Prdida de la ambicin personal de autosuperacin. 11. Desaparicin de la valoracin del esfuerzo. 12. Aparecen grandes cambios, interpretaciones y divulgaciones diversas en torno a las distintas religiones. 13. Desaparece la literatura fantstica. 14. Las personas tienden a comunicarse masivamente va internet.
Arte, culturas y estticas con producir el aislamiento, el sistema engendra su deseo, deseo imposible que, una vez conseguido, resulta intolerable: cada uno exige estar solo, cada vez ms solo y simultneamente no se soporta a s mismo, cara a cara. Aqu el desierto no tiene ni principio ni fin. El autor as caracteriza quizas generalizando- al vaco que siente el hombre posmoderno. La figura que el hombre individualista toma como referencia es Narciso, quien no puede ver ms all de s mismo, en su propio desierto vital, vaco. Cada individuo acta a medida, en una Expansin del Ego puro. La esfera privada triunfa sobre la esfera pblica, el discurso se hace cool, sin grandes preocupaciones o compromisos, la tecnologa pulveriza las relaciones sociales. Se produce un vaciamiento del sentido de las cosas por sobreinformacin, saturacin y aislamiento. La falta de accin y compromiso del hombre posmoderno en por ejemplo- poltica, ecologa o militancia social se da por la continua insistencia en esos temas, que genera un agotamiento y una falta de interes en la esfera pblica. El vaciamiento de sentido conlleva a la lgica indiferencia en los temas sociales. Lipovetsky menciona que, luego de la angusta metafsica, el nihilismo y la negacin que Nietzsche describi, llega la indiferencia: ni bien ni mal, ser que todo ya es igual. Luego de las guerras, filosofas como la existencialista se basaron en aquello que el yo vive. Las noticias muestran continuos asesinatos, actos de violencia y en concreto- temas sociales que nos son indiferentes... excepto si nos tocan a nivel personal. El posmodernismo no es ms que un grado suplementario en la escalada de la personalizacin del individuo dedicado al self-service narcisista y a combinaciones caleidoscpicas indiferentes. Esta indiferencia, esta apata, se aplica en la esfera colectiva, pero el ms mnimo problema personal, individual, cobra en el hombre posmoderno dimensiones desmesuradas. Los tres conceptos, entonces se relacionan, segn el autor, con el yo como centro posmoderno. En mayor o en menor medida, las palabras de Lipovetsky encuentran eco en la realidad occidental contempornea y actual.
127
Arte, culturas y estticas Dentro del rock, otro gnero que surgi fue el nu metal (o new metal), nacido a mediado de los 90 y popularizado a principio de los aos 00. Mezcla de rock, grunge, metal, hip hop y rap, el concepto de nu metal es amplio y tiene tantos matices como bandas: Limp Bizkit y Linkin Park priorizan las lricas rapeadas sobre bases instrumentales rockeras; Slipknot posee bases musicales ms cercanas al thrash o death metal; los armenios de System of a Down incorporan lricas con contenido poltico y sus instrumentaciones poseen contrastes violentos; y las bandas fundadoras del gnero, Korn y Deftones, puntualizan sobre el rap y el metal, con climas oscuros, agresivos y duros. Alejada del nu metal, pero con influencias del hip-hop y el metal, se encuentra Rage Against The Machine, una interesante agrupacin liderada por el afroamericano Zach De la Rocha. La potente base musical de la banda sirve de colchn para las politizadas lricas de De la Rocha, que poseen una clara postura anti-capitalista y anti-globalizacin, en defensa de conos como el Che Guevara y la lucha y la militancia socialista. Sus letras son rotundas, con una clara intencion de generar pensamiento, mentalidad y relacin social. Rage Against The Machine destac, adems, por sus mltiples iniciativas de protesta y solidaridad con distintos movimientos de reivindicacin sociales y musicales. Otra banda que tom elementos del funk, el rap y el rock, y que naci en 1983, son los Red Hot Chili Peppers. Liderada por Anthony Kiedis, la banda tuvo reconocimiento internacional con su disco blood sugar sex magik de 1991, y posteriormente con su album de 1999, californication, llegara al pico de popularidad. La banda posee gran cantidad de influencias estilsticas en su msica, hecho que qued en evidencia con el eclctico disco by the way (2002), con bases musicales solidas cercanas al pop/rock, pero sin dejar de lado la experimentacin. Se produjo tambien una nueva oleada punk, bastante alejada y vaciada- de los fundamentos culturales e histricos que dieron origen al movimiento en la dcada del 70. Los nuevos punks mantuvieron un sonido acelerado y sucio, tomando a The Clash y a los Ramones como referencias, y elaborando nuevas propuestas, generalmente orientadas a un pblico masivo y, por ende, con caractersticas pop. Algunas de esas bandas fueron, a principios y mediados de los 90, Green Day, The Offspring y, sobre el final de los 90 y principios de los 00, Blink 182. La cita al post-punk y al rock de garage surge masivamente a inicios del ao 2000, con The Strokes. Esta banda norteamericana se hizo masiva con su primer disco, is this it (2001), que contena un puado de canciones de rock pop sucio, prolijo pero despreocupado, siendo catalogado como el sonido de Nueva York, ciudad de origen de los integrantes de la banda. Segn ellos, su sonido est atrapado entre el futuro y los setentas, por su combinacin de citas a bandas de esa dcada junto con experimentaciones propias de la actualidad. El trmino rock alternativo se acu en los 80 para describir la msica de los grupos que grababan sus discos en discogrficas independientes y que no se ajustaban a la msica mainstream de la poca. Entre los diversos gneros que han surgido en la escena independiente desde los aos 80, cabe destacar el grunge, el indie o el britpop, entre muchos otros, y encarnado en bandas como, por ejemplo, R.E.M. o The Velvet Underground, y en Inglaterra bandas como The Cure. Estos estilos tienen en comn la herencia del espritu del punk y de los gneros que surgieron a partir de l a finales de los 70. Aunque la denominacin hace referencia al rock, algunos de los subgneros que engloba tambin reciben la influencia de otros estilos como el pop rock, el folk, la msica electrnica o el jazz entre otros. En los 90, las bandas alternativas norteamericanas encontraron difusin en canales televisivos como MTV, y entre las ms importantes se destacan The Smashing Pumpkins (disco clave: mellon collie and the infinite sadness, 1995), Nine Inch Nails (disco clave: the downward spiral, 1994), Weezer (disco clave: the blue album, 1994) y Foo Fighters (disco clave: theres nothing left to lose, 1999). Dentro del rock alternativo ingles, cabe destacar a una banda cuya versatilidad y experimentacin artstica la hace de difcil clasificacin: Radiohead. La agrupacin liderada por el cantante, multiinstrumentista y compositor Thom Yorke en un primer disco (Pablo Honey, 1993) mostr un sonido britpop con influencia del grunge, y luego una posterior experimentacin (The bends, 1995) sin alejarse demasiado del formato britpop-rock. La consagracin artstica le llegara a Radiohead con un disco que fue proclamado como el mejor de la dcada: OK Computer (1997). En l, Radiohead
128
Arte, culturas y estticas incursiona en el rock experimental, asimilando elementos de la msica electrnica y estilos muy diversos, dando un sonido nico. Radiohead no considera a OK Computer un lbum conceptual; sin embargo, sus letras y el arte visual hacen hincapi en temas comunes, como el como el consumismo, la desconexin social, el estancamiento poltico, y el malestar moderno. Luego de una intensa gira de promocin del disco, Radiohead se dedic a ingresar al estudio y desmantelar su sonido, dando como resultado dos discos hermanos influenciados por la msica electrnica, el free jazz y el kraut rock: Kid A (2000) y Amnesiac (2001). La siguiente placa, Hail to the thief (2003), mostrara un costado pop electrnico, con letras de alto contenido poltico. En 2007 Radiohead revolucion la forma de distribuir msica cuando colg su disco In rainbows en su pgina de internet, permitiendo que el usuario pueda descargarse de all la placa y el arte visual que le acompaa, y que pueda hacerlo gratuitamente o poniendo un precio decidido por l mismo. A falta de discogrfica y ante un inevitable proceso de trfico y descarga ilegal de msica, Radiohead decidi hacerle frente a la situacin, decidiendo que el oyente pague lo que desee por lo que decide escuchar. Como reaccin a la invasin del grunge norteamericano, a principios de los 90, en Inglaterra, surgieron varios grupos insolentemente britnicos que se propusieron declarar la guerra musical a Estados Unidos con ayuda del pblico y la prensa del Reino Unido. Bautizado como britpop por la prensa musical y con Oasis, Blur, Suede, The Verve, Pulp y ms adelante Placebo como cabezas visibles, el movimiento se convirti en el equivalente britnico a la explosin grunge, e impuls al rock alternativo de este pas a figurar en las listas de ventas de otros muchos, adems de provocar una revitalizacin de la cultura juvenil britnica. En 1995 el fenmeno britpop culmin con la publicitada rivalidad de sus dos grupos de cabecera, Oasis (liderado por los hermanos Gallagher) y Blur (liderado por Damon Albarn), simbolizada cuando lanzaron sus respectivos nuevos singles en el mismo da. Blur gan la batalla del britpop, pero el lbum de Oasis (What's the Story) Morning Glory se convirti en el tercer disco ms vendido en la historia del Reino Unido, xito que tuvo continuacin en muchos otros pases. Dentro de la lnea del britpop, en la dcada del 2000 se destaca la banda Coldplay. La msica orientada a adolescentes se vuelve una constante en las ltimas dos dcadas. Dentro de esta intencin, el pop fue una plataforma estilstica ideal para alcanzar a las masas, y as surge el teen pop. Canales como MTV se encargaron de difundir y en muchos casos poner de moda determinadas msicas, artistas o tendencias. A mediados y fines de los 90, se reivindica el fenmeno de las boy bands que iniciaron 20 aos atrs los Jackson Five, pero con grupos como los Backstreet Boys o NSync. Estas agrupaciones conformadas, en cada caso, por 5 cantantes y bailarines jvenes atractivos, interpretaron canciones de pop suave, en muchas ocasiones no compuestas por ellos, sino por las discogrficas que les contrataban, lookeaban y organizaban giras y presentaciones. As, la msica se vuelve un mero producto orientado a un target especfico. Estas agrupaciones generaron un furor incontenible entre las y los adolescentes que les seguan y admiraban, y fueron tildadas de bandas prefabricadas por sus detractores. El fenmeno de la cita al pasado se da en nuevos solistas, que repiten frmulas artsticas ya avaladas. As, si en las boy bands se cita a los Jackson Five y al mismsimo Michael Jackson, por su forma de cantar y bailar, algunas artistas solistas, como Britney Spears o Christina Aguilera, citan a la figura de Madonna. Estas dos jovenes, cantantes y bailarinas, a principios de los aos 00 fueron motivo de un gran furor meditico y musical, y apuntaron a un pblico adolescente. Otras artistas, como Lady Gaga o la colombiana Shakira tambien se enmarcan en el pop de la ltima dcada, pero con una identidad ms definida, tomando diferentes influencias musicales ajenas al pop, ademas de ser compositoras y ejecutantes de sus propias canciones. Tambien se reformulan propuestas musicales y estilos tales como el folk, en cantautores como Elliott Smith. Este cantante, compositor y guitarrista durante los 90 y hasta su fallecimiento en 2003 vincula elementos del folk, el pop, la msica clsica, la msica meldica y el rock, en una clave sonora cercana a lo acstico. Con una influencia de los Beatles, Bob Dylan y hasta Nirvana, Smith elabora un estilo personal, encontrando un sonido propio, una identidad marcada por sus letras, sus melodas y su suave voz
129
Arte, culturas y estticas grabada en una doble pista. Un disco clave de Smith es XO, de 1998. Tambien conjugando elementos del folk con msica experimental, rock y electrnica, hallamos a Beck, un msico muy interesante, generalmente vinculado con el movimiento indie. Si bien encuentra momentos de experimentacin extremos, Beck tiene una veta pop folk muy marcada, como se exhibi en su sea change, de 2002. Otro estilo que vuelve a mediados de los aos 2000 es el soul, de la mano de una cantante y compositora inglesa, Amy Winehouse. La imponente voz de Winehouse lleva adelante a sus canciones, compuestas sobre los cimientos del soul, el jazz y el ryhthm and blues. Su album back to black de 2006 es su obra cumbre, y despliega el talento compositivo e interpretativo de la inglesa. Un estilo que se desarrolla a finales de los 70 en algunos sectores afroamericanos en Estados Unidos, pero se hace masivo en los 80 y mundialmente popular en los 90 es el hip-hop. Encuentra sus origenes el el rap y el funk, musicalmente hablando, pero el hip hop es un movimiento cultural que abarca tambien al baile y a la expresin plstica, como el graffiti. El hip hop se usaba para denunciar actos, normalmente polticos, que conseguan el rechazo o la enemistad de entidades como el gobierno. Durante su crecimiento, los artistas del hip-hop creyeron que popularizar la cultura del hip hop y comercializarla era una manera de canalizarla hacia las masas y as hacer sus bsicas denuncias al sistema. Muchas modalidades del hip-hop legitiman la violencia, el consumismo y muchas acciones ilegales en sus canciones, como apologa al narcotrfico. Si bien inici como una tendencia cultural afroamericana, algunos artistas blancos como los Beastie Boys en los 80 han conseguido gran popularidad. En los aos 00, quien realizara una expansin mundial del hip-hop fue Eminem, un rapero blanco cuyo disco the Marshall Mathers LP (2000) consigui ser el ms vendido de la historia del hip-hop, con 21 millones de copias en todo el mundo. La controvertida figura de Eminem se compara solo con su talento y respeto dentro del mundo del hip-hop. Desarrollado en las dcadas del 80 y 90 en Panam, ms tarde en Puerto Rico desde los 90, y a escala global a mediados de la dcada 00, se destaca el reggaeton, cuyo estilo proviene del reggae en espaol fusionado con varias caractersticas del hip hop. Nace a partir de las fiestas en las que el DJ pinchaba la cara B, de canciones instrumentales, de los vinilos de reggae, ponindolos a 45 rpm (revoluciones por minuto) en lugar de a 33 rpm, hacindolos ms movidos para bailarlos. Las letras del reggaeton se caracterizan por apoyarse en la rima para lograr que la cancin sea pegadiza y de fcil identificacin para el pblico. Este estilo de rima est inspirado principalmente en el rap, aunque tiene influencias de la msica jamaiquina. Los temas de las letras en un origen eran de denuncia social, pero con el paso del tiempo han ido derivando en un tipo de letras mucho ms festivas, abundando sobre todo las que aluden al sexo, en ocasiones de forma discreta y en otras explcitamente. Cabe destacar que el reggaeton tiene un lenguaje propio, palabras y cdigos cuyo significado estan emparentados directamente con la cultura de la cual naci. Algunos de los exponentes internacionales de reggaeton son Daddy Yankee, Wisin & Yandel y Calle 13, aunque esta ltima agrupacin puede considerarse dentro del reggaeton alternativo, con lricas anti-imperialistas y que complementan la parte bailada con el componente potico. Una banda difcil de clasificar, emparentada con el rock progresivo, el jazz fusion, la psicodelia y el rock experimental son los norteamericanos The Mars Volta. Esta agrupacin formada en 2001 por el cantante Cedric Bixler-Zavala y el guitarrista Omar Rodrguez-Lopez constituye una de las bandas ms interesantes y extraas de la ltima dcada. Sus discos generalmente son conceptuales, y cuentan una historia o giran en torno a alguna propuesta esttico-sonora especfica. De gran densidad y virtuosismo instrumental, con efectos espaciales y psicodlicos aportados por la guitarra de Rodrguez-Lopez, y con la inconfundible y penetrante voz de Bixler-Zavala, la banda debuta con su primer disco en 2003, Deloused in the comatorium. El disco posterior, Frances the Mute (2005), lo compusieron temticamente en base a un diario ntimo encontrado en la parte posterior de un auto. Para la grabacin, Rodrguez-Lopez recurri a un mtodo que musicos de jazz, como Miles Davis, solan utilizar: cada miembro deba grabar su parte sin escuchar el contexto o las grabaciones de los otros integrantes, obligndolos a interpretar su
130
Arte, culturas y estticas partitura como si fuera una cancin por s sola. Para facilitar la grabacin, los msicos recurrieron al uso de un metrnomo. Su cuarto disco, The bedlam in Goliath (2008), constituye una especie de ritual o antdoto para la banda, contra un tablero aparentemente maldito que Rodrguez-Lopez consigui tiempo antes de grabar el disco, y trajo desgracias y accidentes a todos los miembros de la banda. Ademas de su carrera con la banda, Rodrguez-Lopez es dueo de una muy variada y prolfica carrera solista, con varios discos en su haber. En el panorama de la msica contempornea, The Mars Volta constituye un nuevo paso en el cmo escuchar msica. A modo de conclusin, y como dato general, la tendencia actual de la msica, como sucede en la posmodernidad misma, se relaciona con la mezcla de estilos y tendencias, y la cita a anteriores momentos de la msica. As, las impurezas y la reinterpretacin de estilos son algo muy comun: dance punk, post-punk revival, post grunge, indietrnica, ryhthm and blues contemporneo, etc. Bajo esta premisa, podra decirse que estamos en un momento de libertad creativa como nunca antes, con la consecuente variedad y versatilidad de las propuestas musicales.
Arte, culturas y estticas hiciese una investigacin sobre qu es el arte, sera necesario dar un giro desde la experiencia sensible hacia el pensamiento. Esto significa, en resumen, que se debe dar un giro hacia la filosofa (...). La pregunta filosfica sobre la naturaleza del arte surgi dentro del arte cuando los artistas insistieron, presionaron contra los lmites tcnicos, temticos y disciplinarios- despues de los lmites y descubrieron que stos cedan (...). Solo cuando qued claro que cualquier cosa poda ser una obra de arte se pudo pensar en el arte filosficamente: cuando una obra de arte puede ser cualquier objeto legitimado como arte surge la pregunta por qu soy yo una obra de arte?. Arthur Danto, de esta manera, caracteriza al arte de las ltimas dcadas, incluyendo las mltiples tendencias que surgieron en los 90 y los aos 2000. Esta libertad de los temas y las tcnicas, esta falta de lmites y de relato legitimador provoca una escalada de propuestas artsticas individuales, y no solo eso, sino que se derriba todo etnocentrismo artstico. As, aparecen temas regionales, realzando identidades nacionales o de subculturas que antes no habran podido encontrar su espacio, porque estaban oprimidas por el discurso artstico hegemnico de las potencias. Ademas, con el ya mencionado revival del arte pasado, por citar un ejemplo, la esttica de las culturas primitivas americanas o los pueblos originarios encuentran su lugar, son motivo de cita y reinterpretacin, de autoanlisis y de identificacin con las races americanas. Este caso es uno de tantos, en los cuales es el artista quien realiza la bsqueda y propuesta acorde a sus propios parmetros. No obstante, esta etapa de absoluta libertad tiene sus lgicos lmites, ya sean morales, polticos o econmicos. El caso Habacuc o el caso Ferrari en Argentina son ejemplos en los que la libertad de uno termina donde empieza la del otro. Como ya se ha mencionado en un inicio, quien legitima la obra en la posmodernidad es la institucin-arte, entendida sta como el circuito de museos, galeras, tericos, crticos, marchands, mercado artstico y los mismsimos artistas. En funcin de esta absoluta libertad en el arte, las propuestas se multiplican. Entonces, en ltima instancia, y en funcin de este esquema de oferta-demanda, es la institucin-arte quien decide qu legitimar, ya sea por una cuestin de talento del artista, valor econmico de la obra o intereses extra-artstico. Desde la dcada del 90 se asiste a un proceso de mercantilismo del arte nunca antes visto, ya sea en remates de obras de artistas ya consagrados (U$S 140 millones por un Pollock en 2006, U$S 137.5 millones por un De Kooning en 2006, o U$S 135 millones por un Klimt tambien en 2006, por citar algunos ejemplos) como en intereses econmicos puestos en artistas emergentes. Algunas galeras o coleccionistas privados suelen apadrinar a artistas en los cuales ven un talento o una controversia que atraiga algun dinero, y les exponen, promocionan y ponen en la escena del arte contemporneo. En concreto: suele suceder que, metafricamente hablando, el artista mismo es quien est a la venta. Una de las ltimas tendencias del arte tambien ha sido apuntar a sorprender al espectador. Esta tendencia, en la mayora de los casos, apunta al pblico masivo, y encuentra su basamento en el virtuosismo tcnico o en una ejecucin/realizacin novedosa y compleja de la obra. Internet, por ejemplo, ha sido una plataforma ideal para exhibir este tipo de proezas, que presentan al arte como espectculo: un hombre pintando un retrato al reves en un gran lienzo de 3 metros de lado; la filmacin de alguien haciendo un retrato absolutamente fiel de La Gioconda en el Microsoft Paint; una mujer que pinta paisajes con lpices labiales sobre un vidrio; un artista que pinta retratos en vivo va Skype... con su pene. La barrera entre arte y espectculo, entre los medios acadmicos y los medios tecnolgicos actuales, se hace borrosa. Tal es la posmodernidad: una poca de falta de lmites, sin antinomias duras, en donde la propuesta se adapta al criterio de cada uno, y en definitiva es el receptor quien determina qu es arte y qu no. Hay propuestas como las citadas que no tienen un basamento o un concepto firme o al menos claroque las respalden, y son un esfuerzo tcnico y espectacular, pero nada ms. En otros casos, como el de la artista ucraniana Kseniya Simonova, hay algo ms debajo del aparente espectculo. Ella usa una caja de vidrio con una luz interna, msica dramtica, la imaginacin y ejecuta sobre el vidrio sus pinturas de arena en vivo, mientras la filman. La manera en que Simonova sintetiza y enlaza las imgenes es increble, pero ademas hay una historia que las une y fundamente: interpreta libremente la invasin alemana y la ocupacin de Ucrania durante la Segunda Guerra Mundial. De esta manera, hay un relato sobre el cual la artista se explaya, una historia regional y personal, y un virtuosismo tcnico poco visto.
132
Arte, culturas y estticas Simanova gan, con esta obra en vivo y cuyo video fue popularizado mundialmente va internet, la versin ucraniana de Americas Got Talent. A continuacin nombraremos a algunos de los artistas de los ltimos 20 aos. Por la pluralidad de propuestas del arte contemporneo, resulta imposible determinar un eje central, un centro del cual aferrarse, por lo cual solo ejemplificaremos con algunos nombres aislados, y puntualizaremos sobre el caso Americas Most Wanted y el caso Habacuc. Damien Hirst (1965-) es un artista britnico cuyo tema principal en sus obras es la muerte, en trabajos que oscilan entre la pintura, el objeto, la escultura y la instalacin, con un tinte conceptual. Es conocido sobre todo por su serie natural history, en las cuales animales muertos (como tiburones, ovejas o vacas) son preservados, a veces diseccionados, en formol. Uno de sus trabajos ms icnicos es la imposibilidad fsica de la muerte en la mente de algo vivo (1992): se trata de un tiburn tigre de 14 pies de largo inmerso en una vitrina con formol. Su venta por 10 millones de dlares, en 2004, hizo de l el segundo artista vivo ms caro, despus de Jasper Johns. En 2007, Hirst super su anterior venta con su trabajo por el amor de Dios (2007), una calavera humana autntica, toda ella incrustada de diamantes, 8.601 en total, que alcanz los 74 millones de euros, pagados por un grupo inversionista desconocido (posteriormente, se supo que el propio Hirst, su manager y uno de sus galeristas pertenecan al consorcio). Esta jugada habla del interes de Hirst en el precio de sus propias obras, y en la estrategia diseada para que se eleve el precio de las mismas. Se le calcula una fortuna superior a los mil millones de dolares. Siendo la muerte el tema central en su obra, sta siempre ha estado rodeada de gran polmica, ms o menos premeditada, y por consiguiente de un gran seguimiento meditico. Por ejemplo, las autoridades de Nueva York le negaron el permiso para exponer su pareja muerta follando dos veces: dos cadveres de un toro y una vaca flotando en formol. Esta controversia alimenta su obra y su leyenda como uno de los personajes ms celosos y avaros del mercado artstico. De hecho, lleg a demandar a un joven que venda remeras en la calle con la imagen de su calavera con diamantes, por usurpacin de la propiedad intelectual. Por eso, en un tono jocoso pero sin dejar de ser verdad, algunos crticos dicen que se recomienda siempre observar el arte de Damien Hirst con temor reverencial, pues puede demandarle a uno por diez millones de dlares en caso contrario. Julian Beever (1959-) es un artista britnico que se dedica a dibujar con pastel tiza en espacios urbanos. Se especializa en realizar dibujos de un gran naturalismo en el pavimento, utilizando un mtodo llamado anamorfosis que crea una ilusin ptica. As, Beever compone sus imgenes en suelo, pero observandolos desde un punto de vista especfico, se crea la sensacin de tridimensionalidad o volmen, desafiando as las leyes de la perspectiva. Es un arte ptico y efmero: requiere que el espectador se posicione en un lugar puntual para llegar a apreciar el efecto, y es efmero porque, al ser realizado con pastel tiza a la intemperie, tiene una vida muy breve, sujeta a factores climticos y urbanos. Aparte del arte en tres dimensiones, Beaver pinta murales y rplicas del trabajo de grandes maestros del arte. Usualmente lo contratan para crear murales para compaas, o incorporar sus logos o slganes en sus dibujos pticos. Asimismo, se dedica a la publicidad y el marketing, y sus obras son un claro ejemplo del arte-espectculo. Varias de las fotografas de las obras de Beever circulan hace aos por internet en forma de mail, y el artista ha visitado la ciudad de Buenos Aires hace algunos aos, contratado por la empresa de telefona mvil Movistar, por lo cual incluy su logotipo en el diseo que realiz en el centro porteo. Tony Cragg (1949-) es uno de los escultores contemporneos ms reconocidos. De origen britnico, durante la dcada del 70 trabaj con materiales de desecho y descarte, pero durante la dcada del 90 se destac con materiales como madera, bronce o mrmol, en esculturas monumentales, de formas abstractas pero al mismo tiempo orgnicas. Son esculturas cuyas principales formas son las elpticas y esfricas, y en muchos casos tienen referencias flicas. Tambien incorpor elementos para forrar esas esculturas, como caucho extrado de neumticos, o dados. El color es de gran importancia en sus obras, y complementan y refuerzan los volmenes. Cragg dice: hay una idea de que la escultura es esttica,
133
Arte, culturas y estticas incluso muerta, pero me opongo a esa idea. No soy religioso, pero para m el material es algo absolutamente excitante, sublime. Cuando me involucro en la realizacin de una obra, busco que el material tenga una dinmica, que empuje, se mueva y crezca. Cragg ha sido premiado en mltiples ocasiones por sus trabajos, y en septiembre 2008 realiz un conjunto de obras que se emplazaron en una plaza de Wuppertal, Alemania. Reconocido artista ya en los 80, hoy da es un escultor ineludible. Lucian Freud (1922-) es un pintor britnico de origen aleman. Nieto de Sigmund Freud, Lucian declara no conocer la obra del padre del psicoanlisis, y que sus memorias de l se vinculan ms con la imagen que tuvo de l como abuelo. Sin embargo, en la pintura de Lucian Freud hay un estudio de la psicologa de cada personaje all representado. Luego de una etapa cercana al surrealismo y de otra cercana a la nueva figuracin fue gran amigo de Francis Bacon-, la obra de Freud se vuelve naturalista. Sus pinturas exhiben personajes desnudos, que en su mayora son cercanos al pintor: amigos, colegas, modelos pagos, conocidos, su perro galgo, su esposa, su madre o su propia hija. Es decir, Freud pinta lo que conoce, lo que ama. Los gestos y las posiciones de cada ser representado en sus pinturas cobra una identidad, una vida, por lo cual se puede inferir que hay un estudio racional y psicolgico de aquello que observa y lleva a la tela. Sus pinturas poseen un naturalismo y realismo crudo, pero que deja entrever tambien a la materia pictrica. No solo es un excelente anatomista, sino que comunmente realiza estudios de paisajes, ya sea de interiores o exteriores. Freud pasa entre 6 y 18 meses trabajando en sus obras, por el nivel de detalle y la maduracin que le requiere cada tela. En la actualidad, es uno de los pintores ms cotizados e interesantes del panorama artstico contemporneo. Banksy es uno de los artistas ms interesantes de las ltimas dcadas. Se cree que naci en 1974 en Bristol, Inglaterra, pero ningun dato es certero porque nada concreto se sabe de la identidad de Banksy. Generalmente se cree que es un varn blanco, de pelo rubio, alto, que viste ropa tpica del grafitero y que tiene entre 28 y 35 aos. Solo existe una aparente foto de l, capturada por el objetivo de un telefono mvil, mientras trabajaba en uno de sus stencils en Bristol. Su trabajo, en su gran mayora piezas satricas sobre poltica, cultura pop, moralidad y etnias, combina escritura con graffiti con el uso de stencil realizados con varias plantillas y colores. De hecho, a Banksy se lo conoce como uno de los artistas del stencil ms importantes de su historia. Banksy utiliza su arte urbano callejero para promover visiones distintas a las de los grandes medios de comunicacin, con una intencionalidad poltica e ideolgica contraria a la del sistema, pero sin perder el humor y la irona. As, Banksy stencilea en un callejn a un guardia britnico orinando, o toma escenas de la pelcula Pulp Fiction y las esparce por ciudades britnicas, hace un Charles Manson vestido de prisionero haciendo dedo con un cartel que dice anywhere, o multiplica a sus ratas una de sus imgenes ms comunes- por toda Londres, algunas levantando carteles anarquistas. Siempre ejecuta sus obras de noche, cuando nadie pueda descubrirlo, y elige blancos estratgicos: el stencil no se realiza en un lugar al azar, sino que termina fundamentando el mensaje que quiere expresar. Una de sus obras muestra una ventana de la cual, del lado de afuera, cuelga un hombre desnudo, y por la ventana se asoma un hombre de traje enojado, buscando a alguien... y a su lado, una mujer semidesnuda. Evidentemente, una escena de amantes que fueron descubiertos. Tambien pint murales sobre el muro de Cisjordania, en Israel. En ocasiones intervino museos, entrando disfrazado y colgando sus imgenes por encima de las obras exhibidas. Polmico como pocos, muchos consideran su arte como un vandalismo, o una contradiccin, ya que critica al mismo sistema que lo avala, y que en muchas ocasiones vendi sus obras. Existe la teora de que Banksy no sea una sola persona, sino varias, por la complejidad de los stencils y sus tamaos. Aun as, el halo de misterio alrededor de su persona refuerza su obra, como un testimonio urbano y posmoderno. El duo de artistas poshistricos como les llama Danto- Vitaly Komar y Alexander Melamid tienen muchas cosas que decir acerca del arte que gran cantidad de gente, si no la mayora, aun prefiere, mediante una obra que a su propia manera resalta la comedia y la tragedia del arte en nuestra poca. Komar y Melamid son artistas emigrados de lo que fue la Unin Sovitica, y que durante los 80 consiguieron algun renombre en Nueva York mediante sus pinturas satricas, como el rapto del Arte
134
Arte, culturas y estticas Moderno por los Neoyorquinos (1985), en la que unos personajes extraidos de cuadros de Rubens raptan a las seoritas de Avignon del cuadro de Picasso. Pero la obra ms clebre de Komar y Melamid es Americas Most Wanted, propuesta de la cual se desprende la Most Wanted Painting (es decir, la pintura ms buscada). Komar y Melamid iniciaron una investigacin, en 1994, de lo que fue denominado un arte del pueblo, entendida esta idea como el tipo de arte que el pueblo realmente quiere. Sabido esto sera posible ajustar al arte a la demanda de una armona preesta blecida descubierta por los economistas clsicos, y la sociedad poda tener el arte que quera, y los artistas que supieran lo que el pueblo quera podan tener una vida decente y vivir del arte. Se realizaron, entonces, diversas encuestas y censos a grupos determinados, y se estudiaron minuciosamente los resultados. La situacin del arte, entonces, se emple como una ciencia social. Los hogares norteamericanos, azarosamente seleccionados, fueron interrogados a fin de que respondieran a un conjunto de preguntas acerca de sus preferencias artsticas. Los resultados son calificados como estadsticamente exactos dentro de un margen de error de 3,2% con un 95% de fiabilidad. Las respuestas constituyen una pieza de sociologa esttica singularmente interesante. El color azul, por ejemplo, es de lejos el color favorito de los Estados Unidos (44%), el ms atrayente para la poblacin masculina blanca entre los 40 y los 49 aos de edad, conservadores, y que no van jamas al museo. La atraccin por el azul decae a medida que aumenta el nivel de instruccin, pero el color negro crece su atraccin a medida que los ingresos anuales descienden, y los que ms ingresos anuales tienen prefieren el color verde. Al mismo tiempo, determinaron que el estilo pictrico ms buscado no es la abstraccin o el retrato, sino el paisaje, en un genrico estilo realista internacional. En base a estos datos, Komar y Melamid pintaron la obra ms buscada (un paisaje realista con un 44% de azul en total, respetando los datos recolectados) y realizaron la exhibicin The Most Wanted Painting, de la cual muy pocos saban el origen y proceso. La muchedumbre llen el saln del museo buscando comprobar, probablemente, si esa imagen era lo que Amrica ms deseaba en la pintura. As, Komar y Melamid llegaron a encontrar qu es lo que desea la gente que no sabe mucho de arte, pero sabe lo que quiere. Distinta tendra que haber sido la investigacin si se hubiese querido saber qu consideraba el mundo del arte como la pintura ms buscada, pero ese es otro tema. Lo que Komar y Melamid comprobaron es que el paisaje con 44% de azul con agua y rboles debe ser un universal esttico a priori: un estereotipo cultural. Es lo que a cualquiera le viene a la mente cuando piensa en arte, como si el arte moderno nunca hubiera ocurrido. Sin embargo, no se trata de lo que la gente prefiera, sino de lo que encuentra ms familiar en las pinturas. Danto dice: como pintura, la Americas Most Wanted no tiene un lugar en el mundo del arte. Lo que hace que tenga un lugar en el mundo del arte es la pieza performativa de Komar y Melamid, que es la encuesta de opinin, la pintura, la publicidad, etc. Esa obra es probablemente una obra maestra. Esa obra es acerca del arte del pueblo sin ser ella misma para nada arte del pueblo. Esa obra es posmoderna, humorstica e icnica. Nos muestra qu grande es la distancia entre el arte de hoy y la gente. Mi impresin es que esas formas de tragedia y comedia artstica definen el fin del arte . Incluso, repitieron la experiencia en otros pases, y asombrosamente los resultados son muy similares. As, Komar y Melamid involucran sociologa y arte, y hacen una reflexin acerca de la posicin que la pintura tiene en la cultura occidental. Guillermo Vargas (1975-), ms conocido por su seudnimo Habacuc, es un artista oriundo de Costa Rica. Salt a la fama cuando en agosto de 2007, en una exhibicin en una galera en Nicaragua, su obra consisti, bsicamente, en un perro atado en la esquina de la galera, al cual dej morir de hambre y de sed. Al menos, eso es lo que masivamente trascendi de lo que Habacuc hizo. La inauguracin de la muestra dur 3 horas, durante las cuales un perro callejero, llamado Natividad, estuvo atado con una cuerda de nylon sujetada a una de las esquinas de la sala. En la pared, Habacuc escribi, con comida para perro, eres lo que lees, y quem unos gramos de cocana y marihuana mientras se escuchaba el himno sandinista (una faccin poltica socialista de Nicaragua) reproducido al reves. Habacuc elabor esta instalacin viva inspirado en Natividad Canda, un indigente nicaraguense, sandinista y adicto a las drogas, quien en 2005 muri indefenso devorado por 2 perros
135
Arte, culturas y estticas Rothweilers. Habacuc caz a un perro callejero moribundo, a quien bautiz como Natividad, en homenaje al nicaraguense fallecido. Hay diversas versiones sobre lo que realmente pas en esa exhibicin. La ms conocida de hecho, es la que hizo famoso mundialmente a Habacuc- es la versin que circula en internet, en forma de mails y blogs de protesta. Ellos sostienen que el perro efectivamente muri de hambre y sed, por causa de la mente retorcida de Habacuc y por la negligencia de la galera. La otra versin es la que la galera da, muy probablemente para no mancharse de las acusaciones de grupos humanitarios y de defensa animal. Esta versin sostiene que el nico momento en el cual el perro no fue alimentado y estuvo atado fue durante la inauguracin, que dur 3 horas, y que luego estuvo suelto y alimentado por comida que el mismo Habacuc le llev- en el patio de la galera, durante los das precedentes y posteriores a la inauguracin. Incluso, la galera lleg a declarar que el perro, a los 2 das de la inauguracin, se escap. El comunicado reza: la Galera Cdice se reserva el derecho de velar por la calidad de los trabajos expuestos, respetando en todo momento la creatividad del artista y jams ha pretendido ejercer ningn tipo de censura, siempre y cuando no atenten contra los principios elementales de la tica y mucho menos que impliquen la vida de un ser viviente, sea humano o animal. Yo (la directora de la galera) pensaba quedarme con Natividad, pero l prefiri retornar a su propio habitat. Celebro el que tantas personas en el nivel internacional se hayan mostrado molestas por las declaraciones brindadas por Habacuc, en las que sostena que su intencin era dejar morir al perro de inanicin, lo que es de su absoluta responsabilidad. De hecho, el artista declar eso en un inicio, pero despues, en base al anlisis suprfluo e insuficiente que hicieron de su obra, tuvo que salir a explicarla. Habacuc hizo un paralelismo entre un hecho pasado (el nicaraguense muerto por perros), invirtiendo los roles: la vctima (el perro) fue victimario en el pasado, y a su vez el victimario del presente (el hombre) fue vctima en el pasado. Pero aqu cabe destacar algo importante: el victimario o, si se lo quiere llamar de una forma ms fuerte, el asesino, no es el hombre individual, no es solamente Habacuc, no es solo la galera: somos todos nosotros. Si ese perro muri, no fue solamente por la accin ejecutante de Habacuc y la accin pasiva de una institucin-arte que permiti que all en teora- muriera, sino tambien por la inaccin del pblico presente. Pueden verse fotografas de la inauguracin en la que el debilitado y atado animal est frente a un pblico indiferente, que fue a ver arte, un pblico vaco de accin, que es un reflejo de la sociedad posmoderna, que toma una copa, charla con sus colegas y disfruta de la comodidad de la institucin-arte. La vida y la muerte han sido un tema que traz a toda la historia del arte, pero siempre de manera simblica o metafrica: se represent la muerte en pinturas, objetos, esculturas, pero muy pocas veces sobre un ser vivo en concreto. Habacuc dijo, antes de la muestra, que esperaba que el perro muriera, porque as la obra tendra mucho ms fuerza que si hubiese permanecido vivo o si hubiese dramatizado una muerte. De alguna forma, con la muerte del perro, tambien se cerrara la idea de inversin de roles que Habacuc hizo, con el caso de Natividad Canda devorado por perros. Si el perro efectivamente muri, quin lo mat? Solo Habacuc y la galera? No. Todo aquel que pas por enfrente de l y no intent alimentarlo o desatarlo, tambien es cmplice. Si el perro muri, lo mat la indiferencia y la inaccin posmoderna. Y llevado eso a escala macro, a escala social, vemos la misma reaccin en muchos de nosotros: animales e incluso seres humanos mueren todos los das en las calles, por no tener un techo, por no tener lo bsico para salud y alimentacin... y nosotros hacemos muy poco, o directamente nada. Solo observamos. Como ejemplo, la obra es un reflejo del individualismo posmoderno. Y luego de ella, viene la queja posterior, como, por ejemplo, los petitorios va internet para evitar que Habacuc repita su obra al ao siguiente en la Bienal Internacional de Honduras. Es cmodo y fcil comprometerse firmando o cliqueando un archivo digital, y dejar la conciencia tranquila a nivel personal, creyendo que se hizo algo pero, cuntos Natividad Canda y cuntos Natividad mueren en ese exacto momento, por la falta de compromiso social? Por eso la obra de Habacuc triunfa: es un alegato social, una acusacin que no todos supieron entender, porque la crueldad concreta del acto nubla el mensaje que el artista quiso expresar. Quizas esa sea su debilidad: afect tanto la sensibilidad, por su crudeza, que ms all de lo injustificado de maltratar a un animal, el concepto qued escondido. El medio de expresin qued en primer plano. O quizas el anlisis est dentro nuestro, pero no siempre queremos verlo.
136
8.1. Del perodo hispano a los primeros pintores criollos (s. XVII-XIX)
Siendo Buenos Aires colonia espaola, a mediados del siglo XVII (aos 1600) las primeras pinturas y esculturas se limitaban a temas religiosos: escenas del Nuevo Testamento y de la vida de los santos. Como excepcin tambien haban algunos paisajes, cuadros costumbristas, temas mitolgicos o histricos. Las primeras esculturas que hubo en Buenos Aires, en la fecha citada, fueron tradas desde Espaa o Italia; tambien circularon tallas de origen brasileo y peruano, cuyos temas tambien eran sacros y religiosos. Durante los siglos XVII y XVIII trabajaron escultures y tallistas en Buenos Aires, que realizaron retablos, plpitos, confesionarios e imgenes de Vrgenes y santos. La escultura ms antigua realizada en Buenos Aires que se conserva es el Santo Cristo de Buenos Aires, en la Catedral Metropolitana (altar izquierdo del crucero), realizada hacia 1671 por un escultor portugus. Los artistas
137
Arte, culturas y estticas que trabajaron en este perodo en Buenos Aires provenan de diversos orgenes: Filipinas, Dinamarca, Brasil, Portugal, Francia o Espaa, y algunos criollos. Las pinturas e imgenes talladas estaban destinadas en su mayor parte a las iglesias y las capillas, aunque tambien se colocaban en las salas de recibo y en los cuartos interiores de las casas particulares. En las Misiones jesuticas, en los siglos XVII y XVIII, se desarroll una produccin de grabados que sirvieron, en su mayor parte, para ilustrar libros. Las tcnicas de grabado empleadas en su mayora fueron la del grabado sobre cobre, y la xilografa (grabado sobre madera). La posibilidad de la mltiple impresin del grabado le permiti ser la disciplina plstica ideal para comunicar masivamente. Con la creacin del Virreinato del Ro de la Plata en 1776, se desarroll ms la produccin de pinturas, miniaturas y retratos. Del retrato, cabe destacar que surgi entre fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, y se desarroll ms fuertemente despues de la Independencia, al asumir un papel laico y social. Por iniciativa de Manuel Belgrano, en 1799 comienza a funcionar la primera Academia de Dibujo en Buenos Aires. Segn Belgrano, los buenos principios los adquirir el artista en una escuela de dibujo que es sin duda el alma de las artes, algunos creen intil este conocimiento pero es tan necesario, que todo menestral lo necesita para perfeccionarse en su oficio. La Academia inici con 50 alumnos, luego su nmero trep a 64, y la edad mnima para el ingreso era de 12 aos. El mtodo de enseanza se limitaba a la copia de modelos grabados, que el profesor facilitaba a los alumnos de acuerdo a sus conocimientos y aptitudes. Los estudios fueron principalmente de figura humana. La Academia de Dibujo funcion en la actual esquina de Rivadavia y Reconquista hasta 1804. Con la Revolucin de Mayo, aparecieron algunos ejemplos de estilo neoclsico en la arquitectura, que ya haba penetrado en los ltimos aos del dominio hispnico como reaccin contra los excesos formales y la exuberancia del barroco. La arquitectura se orient oficialmente hacia los modelos franceses. De algun modo, adoptando el neoclsico, las instituciones del pas tuvieron una tendencia a borrar los ltimos rastros del vasallaje espaol: los edificios pblicos deban manifestar otro estilo. As, el arte se transforma en una expresin de fe poltica. En 1826 lleg a la ciudad Jean Baptiste Douville, quien trajo la litografa (grabado sobre piedra) a Buenos Aires. En sociedad con un retratista frances, hizo una serie de retratos de prceres y figuras histricas (Brown, Alvear, Soler, Lavalleja, Mansilla, Gonzlez Balcarse) que imprimi en cantidad y distribuy entre los ciudadanos. Ms tarde, Csar Bacle tomara la direccin de la empresa, y la litografa sera el vehculo para mostrar y comunicar las costumbres pintorescas del pas, tales como los trajes y vestidos parisinos que se usaban en Buenos Aires, un gaucho que bolea avestruces, un lechero, un panadero y una mulata que compra pan, trabajos y oficios tpicos de la poca. Las litografas de Bacle muestran el interes por lo popular, la vida urbana cotidiana, las modas y costumbres, siempre en un espritu afin con la perspectiva cultural ilustrada. En 1828 arriba al pas Carlos Enrique Pellegrini (1800-1875), quien puede ser considerado uno de los primeros artistas argentinos del siglo XIX. Si bien es de origen italiano y un ilustrado frances, pas gran parte de su vida en Buenos Aires, y su hijo Carlos fue presidente de la Nacin entre 1890 y 1892. Pellegrini, ademas de ingeniero, fue un retratista y pintor costumbrista. Realiz numerossimos retratos, muchos de ellos por encargo, de personajes de la poltica, hombres del clero, de las armas, de las letras y del mundo social, y tambien pint temas urbanos, como las imgenes de la Catedral de Buenos Aires. Fue quien proyect, promovi, dirigi y en gran parte financi la construccin del primer Teatro Coln, que estaba ubicado en donde actualmente se erige el Banco de la Nacin Argentina, sobre Plaza de Mayo, y que fue inaugurado en 1857. El diseo, de carcter neoclsico, signific un adelanto en la aplicacin de nuevas tcnicas de construccin. Recien en 1821, por impulso del ministro Rivadavia, se cre la Universidad de Buenos Aires, donde la Ctedra de dibujo se integr al departamento de ciencias exactas de dicho organismo. Como innovacin en la enseanza de artes visuales, se inici la copia de figura humana con modelo vivo, y no con lminas. Ademas, los alumnos aventajados podan ser becados o pensionados por el gobierno para estudiar en Europa, con la condicin de que enviaran sus trabajos a Buenos Aires para juzgar el adelanto de su aprendizaje.
138
Arte, culturas y estticas Como primeros pintores argentinos cabe destacar la figura emblemtica de Carlos Morel (18131894), quien pint retratos, escenas de costumbre de ciudad y campo, represent al gaucho de las maneras ms diversas, pint al leo y a la acuarela, como as tambien realiz litografas. Se destac en la representacin de batallas, con un carcter romntico. Tambien cabe mencionar al mximo representante de la pintura argentina del siglo XIX antes de la llamada generacin del 80-, Prilidiano Pueyrredn (1823-1870). Pintor academicista, incorpor algunos elementos de la esttica romntica a los modelos. Pint fundamentalmente retratos de personajes histricos y pblicos, como Manuelita Rosas o Bernardino Rivadavia. Tambien pint retratos de muertos, para lo que utiliz fotografas, y algunos retratos colectivos. Realiz pinturas de temas costumbristas como las escenas de pulpera, las estancias, el gaucho, las carretas y los ombes.
139
Arte, culturas y estticas mostrarse fracturas y disidencias con el mtodo y la intencin artstica, siendo Martn Malharro uno de los principales opositores al academicismo y la copia constante que se realizaba en Estmulo. En 1892 se cre El Ateneo, una asociacin de carcter literario y artstico, que organiz la primera Exposicin anual de dibujo, pintura y escultura, a la que podan concurrir los artistas argentinos y latinoamericanos. Entre los jurados estaban Eduardo Schiaffino, Eduardo Svori y ngel Della Valle, y participaron De la Crcova y Malharro, entre muchos otros. En los salones del Ateneo abundaban las artistas mujeres, como Diana Cid Garca, Eugenia Sarmiento y Sofa Posadas. Alrededor de los artistas del Ateneo y sus reuniones nocturnas en los tpicos cafs, esta asociacin tuvo un carcter pblico, instando al pueblo a participar de sus bohemias nocturnas, mediante conciertos de msica y las primeras exposiciones peridicas de pintura y escultura en Buenos Aires. El carcter vanguardista del grupo los llev a querer fundar el Museo Nacional de Bellas Artes. Haba sido creado por decreto por firma del presidente Uriburu en julio de 1896. Se inaugur y abri al pblico el 25 de diciembre de dicho ao, siendo Eduardo Schiaffino su primer director. La primera sede del Museo fue donde hoy da estan las Galeras Pacfico. En la inauguracin se exhibieron 116 pinturas, 15 dibujos, 5 esculturas, miniaturas y un grabado de autores tanto nacionales como extranjeros. Las obras, que fueron recogidas por donaciones a traves de los aos, eran ya coleccin estable del Museo y tenan un hogar en el que tanto artistas como pblico poda visitarlas asiduamente. Educar el buen gusto del pblico para poder crear un ambiente propicio para el desarrollo del arte fue la consigna. La fundacin del museo fue la de propiciar el desarrollo de una escuela nacional en el arte, con caracteres propios pero moderna, que pudiera ubicarse ventajosamente en el mbito internacional. En 1889 se inicia la construccin de la nueva y actual sede- del Teatro Coln, obra que se finaliz en 1908, cuando se abri al pblico. Pronto se convirti en el centro que reuni a los aficionados a la msica, la pera y otros gneros, como as tambien fue el foco de una sociedad elegante que gustaba lucirse, ver y ser vista.
140
Arte, culturas y estticas de los ms importantes e influyentes artistas argentinos de la poca y el siglo. As, l y su obra se transforman en un exponente del realismo social argentino. De la Crcova tambien fue fundador y director de la Escuela Superior de Bellas Artes y Museo de Calcos, y co-fundador de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Buenos Aires.
141
Arte, culturas y estticas Lopez nunca se consider un artista profesional, sino que atribua a su obra un valor netamente documental.
142
Arte, culturas y estticas breve lapso. Malharro fallece tempranamente, a sus 42 aos, pero dej un legado de alumnos y discpulos cuyas obras son muy interesantes, entre los que se destacan Valentn Thibon de Libian (1889-1931) y Ramn Silva (1890-1919), pintores y dibujantes que se acercan al tratamiento post-impresionista del frances Henri de Toulouse-Lautrec.
143
Arte, culturas y estticas en su escultura pueden apreciarse las huellas, la marca, el gesto del artista el equivalente a la pincelada en la pintura. Sus enormes esculturas en bronce, pieda o yeso patinado tienen temas diversos, entre los que se hallan los retratos de prceres, citas histricas y alegoras a oficios y costumbres, como su canto al trabajo (1922), emplazado en las avenidas Paseo Coln e Independencia. En su obra, el conjunto de figuras no solo remiten a la fuerza del trabajo, sino del amor, y resignifica a la mujer como figura de sostn energa y esperanza de la lucha del hombre. Actualmente en el barrio de Belgrano puede visitarse el Museo Casa de Yrurtia, donde pueden apreciarse gran cantidad de sus obras.
144
Arte, culturas y estticas Ademas de los grupos de Florida y Boedo en la dcada del 20 y parte del 30, hubo otras manifestaciones artsticas. Entre ellas hallamos a los artistas del grupo de Pars, y manifestaciones aisladas de artistas autnomos. Desarrollaremos a algunos de los protagonistas a continuacin.
Arte, culturas y estticas msicos y arlequines, las naturalezas muertas y algunos paisajes. Incorpora, en el caso de los retratos de msicos, elementos argentinos como el bandonen. Tuvo un perodo del espacio metafsico, en donde aparecan elementos como tinteros, plumas o frutas con un nivel de detalle fotogrfico, en un entorno visual cubofuturista. Cuando se vuelca totalmente a la abstraccin, parte desde elementos de la realidad como su serie de los pjaros- pero solo queda la referencia a ellos en el ttulo, y en la sensacin de movimiento que el objeto base tiene. El color empleado tiene la funcin de generar climas especiales, dandole a sus pinturas un carcter y un sello absolutamente personal. La obra de Pettoruti es un ejemplo de ver ms all: fue un adelantado a su poca, gracias al contacto que tuvo con la vanguardista cultura europea. Sin embargo, su estilo no es un rejunte de otros es tilos, sino un trabajo de elaboracin personal, que Pettoruti bien supo expresar, y hoy lo hacen ser uno de los artistas argentinos ms talentosos y reconocidos en el mundo.
Arte, culturas y estticas utpicas, ajenas a la catstrofe y al apocalipsis. Estas visiones msticas pueden rastrearse en algunos textos bblicos, como el del libro del Apocalipsis en que Juan dice v la Ciudad Santa, la nueva Jerusalen, descender del cielo por la mano de Dios, compuesta, como una novia engalanada para su esposo. En lo que refiere a la representacin visual en las pinturas de este perodo, el espacio es semejante al renacentista, en el sentido de que ya no hay superposiciones o transparencias de elementos, sino que hay una cierta perspectiva en la imagen. En el contexto de desarrollo de la Segunda Guerra Mundial, en 1941 la obra de Xul Solar se torna pesimista. Los colores clidos que poblaban su obra dan paso al blanco, negro y grises, mostrando una clara tristeza por el dolor de la humanidad provocado por el conflicto blico. Muestra un aislamiento del ser humano, representando personajes solitarios frente a enormes montaas. El ascenso y el descenso del hombre, as como la lucha entre la luz y la oscuridad son permanentes en este perodo, que se extiende hasta 1946. Posteriormente volvera el color, y la alegrora del progreso de la humanidad en la posguerra: personas ascendiendo escaleras en paisajes, y una multiplicidad de puentes y caminos por tomar. En la dcada del 50 Xul Solar instal un taller en el Delta del Tigre, sobre el ro Lujan. All, elabora imgenes en donde la arquitectura es la principal protagonista. Tambien introduce la tipografa en sus pinturas, en donde, en ocasiones, las letras en maysculas son las que componen o forman parte de las estructuras de las imgenes, armando frases alusivas. Cre estilos de escrituras pictogrficas: geomtricos, silbicos, guardas, cursivas, vegetales, antropomrficas y zoomrficas. Pero el carcter de inventor constante de Xul no solo se manifestaba en la pintura, sino en muchos ms mbitos: en la dcada del 30 desarroll el neocriollo. Su neocriollo es un sabir (lengua franca o lengua de intercambio) con formas modificadas del espaol y del portugues, y algunas palabras del ingles, con una singular abreviatura. Public algunas visiones msticas en neocriollo, lengua cuya finalidad era generar unidad americana. En la misma dcada, en su bsqueda de un idioma universal invent la panlengua, basada en una lengua adnica que fue desarrollada por la teologa, la liturgia y los mitos. Era una lengua de origen divino que, en el principio, permita la comunicacin directa con Dios. Xul la toma y desarrolla para llegar a una lengua universal, comn, hablada y entendida por todos los seres humanos. Tambien invent juegos como el panajedrez, con las reglas (basadas en el zodaco, los planetas y la numeracin duodecimal), figuras y el tablero diseado y realizado por l. En su aproximacin a la msica, modific un piano, reduciendo la longitud del teclado en una medida equivalente a casi dos octavas. Las teclas estan dispuestas en tres hileras y su superficie posee relieves diferentes que permiten la identificacin por los no videntes. Cada tecla est coloreada, porque el color de cada nota pertenece en vibracin, muchas octavas por encima, al nmero de vibraciones de cada cuerda, correspondiendo el fa al infrarrojo o ultravioleta, y as las demas notas con los colores del arco iris. Esta modificacin del piano permitira una escritura musical sin sostenidos ni bemoles, dentro de un sistema anlogo al actual. Xul deca que era campen del mundo de un juego que nadie conoca: el panajedrez; que era maestro de una escritura que nadie lea; creador de una grafa musical para facilitar el estudio del piano; director de un teatro que no funcionaba; creador de un idioma universal que contribuira a que los pueblos se conociesen mejor; creador de doce tcnicas pictricas (grafas plastitiles). Tambien era el hacedor de una lengua que reclamaba con insistencia Latinoamrica. Si afirmaba que nadie conoca sus inventos, que nadie lea sus escrituras, hablaba sus idiomas o jugaba sus juegos, agregaba con talante utpico e irnico: todava. El legado artstico de Xul Solar es enorme, y hoy da puede visitarselo en su propio museo, en el barrio porteo de Palermo.
147
Arte, culturas y estticas Todos se iniciaron hacia 1913-1914 en la Asociacin Estmulo de Bellas Artes, ya separada de la Academia Nacional. La educacin de los integrantes del grupo se haba realizado en las bibliotecas socialistas y anarquistas, o en las sociedades obreras de resistencia. Una de las obras de principal influencia del grupo fue Qu es el arte? de Leon Tolstoi. Los cinco artistas dedicaron la mayor parte de su obra a la crtica social. En sus trabajos, los personajes de las clases bajas estan caracterizados en oposicin a las clases altas, de cuyo poder resultan sus miserias y sufrimientos. Muy lejos estamos de aquella poca en que De la Crcova, Collivadino y Reinaldo Giudice se dieron a la tarea de pintar la vida de los pobres para recoger los aplausos de los ricos. Este tipo de declaraciones de oposicin al sistema artstico, poltico y social vigente eran moneda corriente entre los integrantes del grupo, y as como el grupo de Florida se expres mediante Martn Fierro, los de Boedo se reunieron en torno a la revista Claridad, publicacin cuya ideologa corra paralela a la del grupo plstico. Las actitudes pblicas ms tempranas que revelan la posicin del grupo se produjeron en 1914, cuando expusieron sus trabajos en el Primer Saln de Rechazados, que coincidi con el Saln Nacional de Buenos Aires, que seleccion las obras ms acadmicas y avaladas. La agrupacin de Boedo no tena un carcter de club, sino de fuerza gremial, en palabras de Stagnaro, escultor anarquista que adhera a los postulados del grupo. Eligieron el grabado como tcnica de expresin plstica. La voz del grabado seala Facio- es hoy la voz que llega a todos los rincones del mundo. La facilidad de su reproduccin facilita la multiplicacin fantstica de la estampa, conservando lo mismo su nobleza artstica y espiritual. Fue por esto, quiz, que se volcaron hacia el grabado los artistas revolucionarios que aspiraron a comunicarse con las multitudes. La oposicin con el grupo de Florida era evidente: los de Martn Fierro queran la revolucin para el arte, y los de Claridad el arte para la revolucin. No se conformaron con exponer sus trabajos en salones, sino que, al tener el grabado como medio artstico que puede multiplicarse, acentuaron la comunicacin y no esperaron a que el pblico se acercara al arte, sino que llevaron el arte al pblico: expusieron sus trabajos en los sindicatos, a la salida de los obreros de las fbricas, en la calle o en camiones que oficiaban de galera ambulante y circulaba por los lugares de interes expositivo. En una poca en donde en Buenos Aires solo haba dos posturas (el impresionismo como academicismo avalado y la vanguardia artstica de Florida) los Artistas del Pueblo aportan una tercera posicin: la del arte puesto en funcin de la crtica social. Podemos entonces arriesgarnos a afirmar que estamos en presencia de un grupo que toma algunas caractersticas expresionistas, en los temas que tratan (el drama social y la fuerza del trabajo) y el mtodo de expresin (el grabado como tcnica que multiplica la imagen), ademas de una influencia del realismo social. El ms destacado artista del grupo de Boedo es Guillermo Facio Hebequer (1889-1935), de origen uruguayo pero criado desde pequeo en Buenos Aires. Comenz como pintor pero a partir de 1914 se inclin hacia el grabado y la litografa. Fue alumno de Collivadino en su taller de aguafuerte, donde aprendi el oficio de esa tcnica (grabado sobre chapa) y desarroll la tcnica durante 14 aos, cuando por una afeccin a la vista empez a trabajar la litografa. En 1928 present su primera exhibicin individual, en donde la influencia del arte social es clarsima. Muestra escenas de trabajo, de carboneros y fundidores, obreros en huelga, y escenas de conventillos, prostbulos. Trabaj como ilustrador en varias publicaciones como Claridad, La montaa, Soviet, La Nacin, La prensa y Crtica, entre otras. Lo principal en los grabados de Facio es el dibujo, en donde puede verse una influencia clara de las estampas de Goya y Kathe Kollwitz. Cabe destacar la obra de Abraham Vigo (1893-1957), quien fue un activo militante poltico del anarquismo, socialismo y comunismo. En sus grabados (aguafuertes y, al final de su vida, xilografas) hay un fuerte contenido satrico, ademas de social y poltico y, como Facio, trabaj como ilustrador en diversas publicaciones. Realiz tambien diseos de escenografas para teatros independientes. Tambien mencionar a Adolfo Bellocq (1899-1972), quien toc como tema a los atorrantes, vagos, mendigos, prostitutas, conventillos y, en particular, la miseria. Ilustr el Martn Fierro de Jos Hernndez y El matadero de Esteban Echeverra en xilografas que fueron impresas y editadas, siendo as un conjunto de obras que lleg al alcance de todos.
148
149
Arte, culturas y estticas gobierno peronista. Su papel como formador de futuras generaciones fue vital en el desarrollo del arte nacional, habiendo tenido alumnos como Leopoldo Presas o Carlos Alonso. Desde 1959 residi entre Buenos Aires y Unquillo, provincia de Crdoba, hasta su muerte.
150
Arte, culturas y estticas entre 1942 y 1952, las principales esculturas del Monumento Nacional a la Bandera, emplazado en Rosario, provincia de Santa Fe. Entre ambos escultores realizaron 25 esculturas, 5 grandes estatuas de bronces, 2 grandes estatuas y 2 cruces de piedra, 4 bajorrelieves de mrmol, 2 bajorrelieves de bronce y 2 de mrmol de tamao menor, que rodean al monumento citado. Bigatti, ademas, realiz otras esculturas alusivas a prceres de la nacin a lo largo de su carrera. Pablo Curatella Manes (1891-1962) fue uno de los primeros artistas que introdujo la va de la escultura abierta con el ejemplo formal del cubismo sinttico y, en algunos casos, de la simplificacin abstracta. Este platense se relacion amistosamente con el grupo de impresionistas simbolistas (Malharro, de Navazio, Thibn de Libian) y en 1911 fue becado para estudiar en Italia, donde conoci a Pettoruti y Juan Gris. Por momentos trata a una cabeza como un simplificado valo regular, y representa a los movimientos de sus figuras, y a las figuras mismas, con macizos volmenes simplificados y fragmentados, recortados con aristas rectas. Residi en Europa hasta 1951, y estando all ejecut ms de 60 esculturas, en las que prevalecen los volmenes geometrizados, las superficies texturadas y los ritmos extremos de la masa.
Arte, culturas y estticas Jos Planas Casas (1900-1960) es tambien de origen catalan. Dibujante y grabador, se inici en la tcnica con Pompeyo Audivert. Se destac en litografa, punta seca y xilografa iluminada (coloreada), principalmente. Sus grabados, a partir de fines de la dcada del 30, toman elementos del surrealismo perifrico y son dotados de un gran simbolismo. Victor Rebuffo (1903-1983), italiano, arrib con su familia a Buenos Aires a sus 3 aos de edad. Estudi en la Academia Nacional de Bellas Artes, se instal en La Boca y en muchas xilografas represent las tpicas viviendas de los inmigrantes italianos y las escenas simples de la vida marinera. Ilustr con xilografas varios libros, entre ellos los Santos Evangelios de Nuestro Seor Jesucristo (1944), consistente de 186 xilografas. Es uno de los grabadores argentinos ms importantes del siglo XX. Luis Seoane (1910-1979) era pintor, pero tambien destac como grabador. Realiz obras en metal, xilografas, serigrafas, litografas y estarcidos. Destac como ilustrador de revistas literarias, libros y en particular de poemas, con un estilo verstil. Explot la forma y el color con una figuracin plana, geomtrica, austera. Imgenes nacidas mediante la razn y la emocin conjugadas, Seoane siempre exhibi gran instinto e imaginacin. Amrico Baln (1915-1986), nacido en la ciudad de Kiev, Rusia, estudi en la Academia Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. Se destac en la xilografa, impresa en negro y en varios colores. El estilo de Baln es de corte expresionista, y de alguna forma se emparenta con la esttica de algunos grabadores alemanes del Die Brucke, pero con temas sociales, una figuracin irnica y un contenido humanistapoltico. Ada Carballo (1916-1985) fue una grabadora de dibujo expresivo, que mantuvo en su obra cierta relacin con lo fantstico, pero tambien con la locura. Sus trabajos adquieren madurez en las representaciones de ciertas experiencias cotidianas y vulgares, as como algunas experiencias psicolgicas, con despego por las cuestiones tcnicas. El tema del autorretrato y la autorreferencia est muy presente en la obra de Carballo, quien se destac en el aguafuerte-aguatinta y los grabados sobre chapa. Norberto Onofrio (1927-) es un prolfico grabador que se destac en la xilografa y en pertinax, un material aislante de electricidad muy duro. Alejado de una representacin naturalista, en la dcada del 50 Onofrio trat el tema de la guerra y la paz en imgenes crudas, a menudo irnicas, como la que exhibe a los esqueletos y cadveres en procesin, con pancartas y carteles que rezan paz en el mundo y destruccin de las armas nucleares, o nos levantamos por la paz. En la dcada del 60 mostr una esttica cercana a la nueva figuracin argentina y al expresionismo aleman, con una gran carga de crtica social y denuncia. Sus personajes gestuales, casi violentos, pueblan las xilografas. Tambien realiz naturalezas muertas y retratos. La vertiente renovadora del grabado argentino se da principalmente a partir de la dcada del 50, e incluye la mezcla de tcnicas, nuevos usos del papel y el color, combinacin de recursos inditos. Los medios combinados, que a veces se aproximaron a la escultura, el collage, el montaje o el arte-objeto, hicieron del grabado mucho ms rico en posibilidades. Quien ms incursion en este tipo de grabado, en la dcada del 60, fue Antonio Berni, a quien desarrollaremos posteriormente con sus series de xilocollages sobre Juanito Laguna y Ramona Montiel. El otro artista destacado es Fernando Lopez Anaya (19031987). Luego de adherir a una esttica surrealista y de ilustrar poemas de Rafael Alberti y Federico Garca Lorca, desde fines de la dcada del 40 comenz un ciclo orientado hacia la renovacin con ceptual del grabado, al que separa de su dependencia del libro. As, realiz obras de grandes dimensiones, con medios grficos combinados, como el gofrado (grabado en relieve), el troquelado, etc. Desarroll el concepto de la impresin sin tinta, las ausencias, y as la impresin deja ver las formas en relieve: puntos, crculos, cuadrados, rectngulos, elipses. Con respecto al troquelado, se agregaba al diseo para acrecentar la estructura volumtrica de la estampa, durante la dcada del 60.
152
153
Arte, culturas y estticas partes del mundo. Hoy da, un conjunto de obras de Soldi que fueron diseadas para la cpula de la Galera Santa Fe pueden apreciarse realizadas en cermica, en ambos andenes de la estacin del subte porteo Jos Hernndez, de la lnea D.
154
Arte, culturas y estticas que incluy el Bombardeo de la Plaza de Mayo y el centro de la ciudad de Buenos Aires con ms de 300 muertos y centenares de heridos. El ataque se produjo con una veintena de aviones de la Aviacin Naval sobre la multitud que se encontraba en una manifestacin. En respuesta al ataque, algunos grupos peronistas quemaron varias iglesias de la ciudad. En septiembre, finalmente, las Fuerzas Armadas derrocaron a Pern, quien se exili en Espaa. Luego de los gobiernos de los generales Lonardi y Aramburu, en 1958 asume el poder Arturo Frondizi, en un gobierno elegido por el pueblo. Los votos peronistas fueron depositados en Frondizi, quien habia hecho un pacto con Pern para que se presente a elecciones a cambio de abolir la proscripcin del peronismo. Frondizi impuls un proyecto desarrollista, con capitales extranjeros que entraban al pas, y como llegaban se iban. Aparecen los primeros rasgos de la sociedad de consumo: jeans, autos, electrodomsticos, son elementos hasta ese momentos no masivos, y que apost a un cambio en la mentalidad del consumo del pueblo. Frondizi fue derrocado por un golpe militar que dej a Jos Mara Guido como presidente en 1962. En este complejo contexto poltico se desarrollaron diversas propuestas en el campo artstico, de las cuales destacaremos tres: - Por un lado, hubo un grupo de artistas plsticos que siguieron trabajando con la figuracin, entre los que se encuentran, principalmente, dos integrantes del grupo de Pars: Raquel Forner (a quien ya hemos desarrollado), Antonio Berni (a quien desarrollaremos en profundidad ms adelante) y a los integrantes del grupo Taller de Arte Mural. - En segundo lugar, el movimiento de Arte Concreto. - Sobre el final de la dcada del 50, el surgimiento del movimiento informalista. A continuacin desarrollaremos estas tres tendencias.
Arte, culturas y estticas inicio, se inclin hacia los tierras, ocres, azules grisceos y algunos rojos y verdes. Particip en el grupo Taller de Arte Mural, entre cuyas obras se encuentra la mtica cpula pintada de las Galeras Pacfico. En los aos 60 utiliza un color ms saturado: los rojos y los ocres, los azules y los verdes se oponen a las tierras rojizas y los negros del dibujo. De esta poca son las series las masacres, dedicada a la guerra de Vietnam, y en 1962 realiza las ilustraciones para el gaucho Martn Fierro de Jos Hernndez. Este es el trabajo ms difundido de Castagnino, puesto que nunca un libro de edicin argentina haba alcanzado el nmero de ediciones y de ejemplares vendidos que tuvo esa obra.
Arte, culturas y estticas algunas obras de Maldonado pueden verse la influencia del diseo, y la pureza compositiva. Algunas pinturas solo estan construidas con lneas horizontales y verticales, y con sutiles toques de color ms blanco y negro, totalmente estructuradas en base a la razn y a un estudio cientfico del espacio. Aqu se resalta el valor de la lnea y el espacio compositivo, como una invencin limpia de toda ideologa o carga personal. Tambien se destacan tres artistas dentro del movimiento: Alfredo Hlito, Ral Lozza y Enio Iommi. La imagen de Alfredo Hlito (1923-1993) se reconoce por la pureza compositiva propia del grupo que integr, pero a nivel personal desarroll imgenes abstractas con fondos homogneos, empleando encima de l numerosas curvas, lneas oblicuas, ritmos ondulados y, en una etapa posterior, solo lneas rectas o curvas, o figuras geomtricas como microformas cuadradas o rectangulares y circulares. Ral Lozza (1911-) se desprendi del grupo y fund el perceptismo, movimiento de pintura abstracta en donde formas irregulares recortadas se colocan en relieve sobre el cuadro. Lozza considera que la participacin visual del espectador es fundamental ya que, dependiendo a qu distancia o altura el lector visual mire el cuadro, habr diferentes respuestas de la imagen. Como representante escultrico cabe mencionar a Enio Iommi (1926-), quien se inici en el oficio escultrico en el taller familiar. Iommi trabaja a partir de 1946 con esculturas de alambre grueso, generando estructuras visuales mnimas, en donde se lleva la ln ea al espacio escultrico. Un aspecto importante en estas esculturas es que, a primera vista, solo son alambres retorcidos, pero estan perfectamente equilibradas desde el punto de vista compositivo, y el vaco/aire que penetra entre los alambres est considerado por el artista como volmen. El historiador del arte Giulio Carlo Argan elogiara su obra, diciendo que ms que esculturas son construcciones plsticas, porque Iommi anul los procedimientos habituales de la escultura con un fin netamente visual. A partir de los 50s, Iommi incursion con el plano (chapas de metal recortados circularmente) y con lo geomtrico. En los ltimos aos se ha volcado a realizar escultura collage, ensamblando diferentes y diversos materiales, generando con sus obras un mensaje poltico y social. Durante 1946 el grupo Concreto-Invencin realiz numerosas exposiciones dando a conocer su ideologa y bsqueda artstica, funcionando como grupo estable hasta 1950, ao de la ltima exposicin realizada. Respecto al Movimiento Mad, fundado en 1946, su principal impulsor y exponente es Gyula Kosice. Tambien lo integraron, entre otros, Carmelo Arden Quin, Martn Blaszko, Rhod Rothfuss. Como ha explicado el propio Kosice, el nombre Mad proviene del lema republicano en la Guerr a Civil Espaola, Madr, Madr, no pasarn. El trmino tambin se considera como un acrnimo de cuatro conceptos artsticos bsicos: Movimiento, Abstraccin, Dimensin, Invencin. Tambien se dice que proviene de la abreviatura de materialismo dialctico. A diferencia del invencionismo que se enfoc en pintura, escultura y diseo, el movimiento Mad es una propuesta para todas las ramas del arte (dibujo, pintura, escultura, msica, literatura, teatro, arquitectura, la danza, etc.) basada en la extremacin de los conceptos de creacin e invencin, con el fin de expandir ilimitadamente todas las posibilidades que derivan de la continuidad de la obra de arte. En ese afan, dentro de la pintura mad (tambien abstracta) una de las novedades visuales que aporta el movimiento es el marco recortado del cuadro. Las pinturas no estaban delimitadas de forma rectangular, sino que el permetro de la imagen era irregular, y tenan una directa relacin con la composicin y la intencin visual. En este sentido, Kosice dira que todo cuadro ya no debe existir; no es sostn, y menos terminacin de la pintura. Todo cuadro (cuadrado) conmemora el tradicional concepto de ventana, idea a la cual se oponan. Los principales exponentes en pintura son Arden Quin y Blaszko. Gyula Kosice (1924-) inicia la dcada del 40 realizando sus primeros dibujos, pinturas y esculturas no figurativas. Tambien realiza poemas y escritos sonbre el arte interdisciplinario. En 1944 realiza Royi, una escultura abstracta en madera, cuyas piezas son mviles y articuladas. Constituye una novedad no solo compositiva sino conceptualmente: Kosice no realiza una escultura nica, sino que la obra ofrece mltiples visiones y posibilidades. En este sentido, Kosice vincula a las artes plsticas con lo ldico, y as no solo se circunscribe a lo meramente escultrico, sino que su obra abarca otras reas, tales como la arquitectura y el diseo. Esta invencin tambien involucra al espectador, ya que la obra no es
157
Arte, culturas y estticas cerrada: Kosice deja abierta la posibilidad de modificarla, de que no haya una rigidez, sino una fluidez y versatilidad compositiva. En este sentido, Royi no solo constituye un cono de la obra de Kosice, sino tambien un ejemplo claro de la bsqueda y espritu del movimiento Mad. En 1946 fundar el movimiento Mad, ya separado de los invencionistas. Escribir el Manifiesto Mad, y realizar numerosas muestras con el grupo, tanto en Argentina como en Francia. A finales de la dcada del 40, empezara con su propuesta de la ciudad hidroespacial, justificada por su creencia de que el hombre no ha de terminar en la Tierra. Incorpora el gas nen y el hidrocinetismo en la obra de arte: agua, luz y movimiento, siendo Kosice el primer artista a nivel mundial en incorporar estos recursos en el arte. Durante la dcada del 50, realizar esculturas monumentales en hormign armado, polister y marmolina, fuentes de agua con plexigls, recorridos hidroespaciales, etc. El grupo Mad poco a poco fue disolvindose, y en 1960 dej de exponer y de publicar su revista arte Mad.
158
Arte, culturas y estticas En Buenos Aires, en 1957 se form una suerte de grupo informalista, integrado por jvenes artistas, entre los que se encontraban Kenneth Kemble, Luis y Alberto Wells, Rubn Santantonn y Alberto Greco (a quien estudiaremos en particular ms adelante). Los organismos artsticos oficiales rechazaron la propuesta, por lo cual los informalistas se movieron por galeras y espacios no-oficiales, y el pblico dudaba de la seriedad de las obras y sus autores. La figura de Kenneth Kemble (1923-1998) es emblemtica dentro del movimiento informalista. Su obra ser motivo de cita en artistas posteriores como De la Vega o Berni. Sin embargo, y como hemos destacado, la intencin artstica de Kemble no era transmitir un mensaje social, o recuperar la relacin significante/significado, sino simplemente experimentar. Para ello, como varios artistas se valieron, ademas de la mezcla de pinturas y materiales, del collage: Kemble utiliza chapas, maderas, trapos rejilla, clavos y lonas enmohecidas de las villas miseria. Sin embargo, sus obras no constituyen una denuncia social, sino un alegato plstico puro. Y provocativo, puesto que si se aceptaba esto, poda aceptarse cualquier cosa en el circuito artstico de la ciudad. Y si bien los informalistas argentinos tomaron como cita al informalismo europeo (en especial la obra de Tapies), lleg un punto en el que no supo diferenciarse qu influencia provena de Europa y qu se haba gestado ac. La figura de Kemble, junto con la de Alberto Greco, constituyen los puntos fuertes del grupo informalista, que oper entre 1957 y 1961. En su obra paisaje suburbano (1961), Kemble utiliza chapas oxidadas, lona, leo y enduido sobre hardboard. La obra, que a simple vista es abstracta, rescata el fragmento del relato. Si comparamos a las experimentaciones de Kemble y a las obras con mensaje social de Antonio Berni, el primero aporta un dato visual, mientras que Berni en sus imgenes de Juanito Laguna, por ejemplo- utiliza a la esttica y tema informalistas para componer una narracin y transmitir un mensaje. Kemble fragmenta, y su obra es a simple vista es abstracta, pero en paisaje suburbano no solo hay una relacin directa con la realidad (dada por la eleccin de los materiales con los que trabaj), sino que esa obra constituye una ventana, un recorte de aquella fuente a la que Kemble acudi a la hora de hacer seleccin de materiales. Esas chapas y lonas pueden ser el fragmento de una vivienda de una villa miseria, o un trozo de pared en el medio de la ciudad. Por eso, en el caso puntual de esta obra, si bien la abstraccin se halla presente, es por un recorte, por una visin parcial de la realidad, que termina abstrayendo y ocultando un mensaje social, pero que se encuentra latente, ms all de la experimentacin y la bsqueda plstica. Luego de la euforia informalista, para 1961 su potica se hallaba agotada. Muchos copiaron las experiencias, lo cual llev a un desgaste que desemboc, en noviembre de ese ao, en la exposicin Arte destructivo. El artista cabecilla de este emprendimiento fue, casualmente, Kenneth Kemble, y entre otros se adhirieron a su propuesta Jorge Lpez Anaya, Antonio Segu y Luis Wells. El contexto poltico y social, a nivel mundial, se hallaba agitado por el fantasma de la guerra nuclear que poda desencadenarse entre Estados Unidos y Rusia, en el contexto de la Guerra Fra. Esa realidad, sumada al agotamiento de las expresiones informalistas, llev a un acto-exposicin que mostr simblicamente la violencia en la que artistas y sociedad se hallaban inmersos. La inauguracin de la muestra Arte destructivo se realiz con el esperado escndalo. La tarjeta de invitacin a la inauguracin mostraba la fotografa de un viejo coche de caballo destrudo en un accidente en la va pblica. Al llegar a la sala de exposiciones, era evidente que haba cambiado su aspecto habitual, exhibiendo una cortina de arpillera que obstrua la entrada mientras se escuchaban, provenientes del interior, extraas voces recitando textos sin sentido y sonidos irritantes. En la sala, apenas iluminada, haba un conjunto de objetos encontrados, semidestrudos, que se haban transformado en irnicas obras, mas antiarte que arte. Ninguna de las piezas estaban firmadas, lo cual realz el carcter grupal de la muestra. El hilo conductor de la muestra era el del desastre, y no persegua ninguna ilusin placentera o agradable. Se exhiba un silln tapizado abierto con un profundo tajo que remita a una vagina; tres atades desgastados por el tiempo apoyados en el fondo de la sala; del techo colgaban muchos paraguas destrozados; pinturas informalistas destrozadas (un guio impecable al en ese momento ya casi decadente movimiento que esos mismos artistas haban hecho nacer); cabezas humanas de cera con cabelleras naturales, brutalmente desfiguradas por el fuego; muecas colgadas sobre un fondo negro; una baera
159
Arte, culturas y estticas golpeada y manchada con pintura; restos de barcos; piezas mecnicas y botellas rotas; retratos fotogrficos de los expositores, brutalmente deformados; y demases objetos violentados por accidentes o por los mismos artistas, que los juntaron de la calle, del puerto y de las piras de la ciudad. En el texto del catlogo de la muestra, Kemble escribi: se me ocurri que sera interesante canalizar esta tendencia destructiva del hombre, esta agresividad, reprimida en la mayora de los casos pero siempre pronta a explotar nocivamente, en una experiencia artsticamente inofensiva. As, Kemble y el grupo destructivo, mediante su muestra, hablaron de la condicin humana, embebidos en la filosofa existencialista: abordaron algo tan cotidiano, corriente y tab como la muerte, el sexo, la violencia y los simbolismos polticos, y lo expresaron mediante un ensayo, una exposicin de carcter experimental que no permaneci indiferente en la Buenos Aires de 1961. Con esta exhibicin, se produce un quiebre con el concepto de modernidad: los artistas ya no hablan de un progreso ilimitado, de una filosofa positivista, sino que hablan del hoy, de los dramas y los fracasos, de la condicin humana misma. Y al ser imgenes con multiplicidad de significados, el artista no presenta una imagen cerrada, sino abierta a la interpretacin y sentido del espectador, que se vincul ms humanamente con la obra. En este sentido, la relacin arte-vida se hizo ms estrecha. Kemble dira tambien: parecera que vivisemos al borde de una orga destructiva. Una bomba de cincuenta megatones puede eliminar en pocos instantes a toda la ciudad de Buenos Aires y sus habitantes, y las autoridades norteamericanas hablan tranquilamente, en estos momentos, de la posibilidad de que 160 millones de habitantes de sus 175 millones mueran en una prxima guerra atmica. Es que se puede pretender que el artista, que siempre ha actuado como antena receptora de lo porvenir, permanezca insensible ante tal eventualidad?. La muestra, no muy bien recibida en nuestro pas, luego fue realizada de manera similar por otro grupo de artistas norteamericanos, dos aos despues en Nueva York. Ruben Santantonn (1919-1969) tambien puede ubicarse dentro del informalismo, aunque con algunas diferencias. Desarroll el llamado arte-cosa, derivado directo del informalismo y fundamentado por la filosofa existencialista de Sartre y otros autores. Santantonn realizaba objetos, llamados por l como cosas, con materiales pobres y rudimentarios. Parecan enormes envoltorios de madera, cartn y tela pintada que dejaban entrever en su interior elementos dispuestos dentro de ellos. Casi todas las cosas eran semi-esfricas, oscuras y sus pesos livianos permitan colgarlos desde el techo, que era como en su mayora Santantonn los present. Si bien estamos hablando de volmenes pintados, Santantonn aclar que no quiso unir pintura y escultura, sino que se alej de esas disciplinas para, exclusivamente, colocar al hombre frente a la encrucijada existencial con una ms intensa vibracin. Santantonn exhiba sus cosas en espacios pequeos, que eran ambientados por sus obras colgadas del techo a variadas alturas y distancias. El espectador ingresaba al recinto y deba recorrer ese espacio, generando una relacin directa con las cosas. Ah est la experiencia vital: las cosas se interponen en el camino del hombre, y l dialoga con ellas, se relacionan en un mismo tiempo y lugar, generando esa encrucijada existencial que menciona Santantonn. En 1963 empez a proyectar su idea de la Arte cosa rodante, una especie de informe superficie rojiza y seca extendido sobre una tarima (...) arrastrada por un jeep (...) que se paseara por la ciudad (...). Una vez estacionado en una plaza se apelara al pblico (...) invitando a la gente a penetrar en su interior. Una vez adentro el espectador dejara de serlo para participar directamente en este mundo mgico y distinto del cual l mismo creara buena parte (...), entrara en el vientre de una inmensa forma donde se encontrara moviendo y componiendo formas. La propuesta de Santantonn no lleg a realizarse, pero lo que s realiz junto con una participacin de Marta Minujn (quien se adjudic la obra como suya) fue la ambientacin-happening La Menesunda (1965) en el Instituto Di Tella, en el contexto de las experiencias pop de ese ao. Santantonn justifica su obra con una frase de marcado tinte existencialista: intento en lo posible que el hombre no contemple ms las cosas, sino que se sienta inmerso en ellas con todo su placer, con su angustia, con su imaginacin (...). Nombro cosas a estos objetos, porque si los nombrara objetos los
160
Arte, culturas y estticas colocara en el campo de la objetividad y en cambio deseo que no salgan del campo de la cosidad, el nico en el que se puede actualmente alcanzar sentido artstico.
13.1. Folclore
La msica folklrica de Argentina tiene una historia centenaria que encuentra sus races en las culturas indgenas originarias. Tres grandes acontecimientos histrico-culturales la fueron moldeando: la colonizacin espaola (siglos XVI-XVIII), la inmigracin europea (1850-1930), la migracin interna (1930-1980). Aunque estrictamente folklore slo es aquella expresin cultural que rene los requisitos de ser annima, popular y tradicional, en Argentina se conoce como folclore o msica folclrica a la msica popular de autor conocido, inspirada en ritmos y estilos caractersticos de las culturas provinciales, mayormente de races indgenas y afro-hispano colonial. En Argentina, la msica de proyeccin folclrica comenz a adquirir popularidad en los aos treinta y cuarenta, en coincidencia con una gran ola de migracin interna del campo a la ciudad y de las provincias a Buenos Aires, para instalarse en los aos cincuenta, con el boom del folclore, como gnero principal de la msica popular nacional junto al tango. Otro hito que expandi su popularidad fue la aparicin de grandes festivales del gnero, en particular del Festival Nacional de Folclore de Cosqun. El folclore argentino es muy variado, y posee estilos caractersticos. La chacarera (danza del Chaco) parece haber nacido a mediados del siglo XIX, en Santiago del Estero, pero su origen histrico se desconoce. Corresponde al rea que se extiende desde el centro de la Argentina al sur de Bolivia, extendindose tambin por el territorio boliviano y paraguayo perteneciente a la regin del Gran Chaco. Para fines de la dcada de 1860 aparece la zamba argentina, estilo nacional argentino por excelencia, diferencindose de la zamacueca afroperuana y la cueca chilena de las que deriva, ingresadas a la Argentina entre 1825 y 1830 por el norte, a travs de Bolivia, y por el oeste, desde Chile, quedando instalada en Cuyo como cueca cuyana y en La Rioja como cueca riojana. Tambin en la segunda mitad del siglo XIX aparece en el Nordeste el chamam (aunque recin adquiri este nombre en los aos treinta), como resultado de la fusin de los ritmos que llevaban consigo los inmigrantes alemanes, alemanes del Volga, polacos, ucranianos y judos, principalmente la polka y el shottis, con los ritmos ancestrales de la regin, provenientes de la cultura indgena guaran y de las tradiciones afro-rioplatenses. El chamam y la polka paraguaya seran el eje alrededor del cual se estructurara la msica litoralea, como una de las grandes ramas de la msica folclrica argentina. Al igual que el tango, las danzas litoraleas adoptaron una coreografa de pareja enlazada con libertad para los bailarines, que se realizaban en bailantas populares. Desde entonces el trmino bailanta se extendera por todo el pas para designar los bailes populares. Otras variaciones del folclore son la baguala, la copla, la cueca, el malambo, el carnavalito, el gato y la milonga. En las ltimas dcadas, el estilo se ha fusionado y ha tomado elementos del rock y el pop local, mostrando su versatilidad y valor artstico. Algunos importantes exponentes del gnero son el Chango Nieto, Ariel Ramrez, Jorge Cafrune, el Chango Faras Gmez, los Fronterizos, los Chalchaleros, Jos Larralde y Mercedes Sosa. Sin embargo, cuando se habla de folclore argentino, es ineludible la figura de Atahualpa Yupanqui (1908-1992), cantautor, guitarrista y escritor argentino cuyo nombre original era Hctor Roberto Chavero Aramburo. Su padre era originario de la provincia de Santiago del Estero, y tena sangre quechua, mientras que su madre provena de Espaa. Estudi guitarra y canto, ampliando su repertorio de temas gauchescos, al punto de estudiar composiciones de msica clsica. Desde que empez a dar a conocer sus poemas firmaba con el
161
Arte, culturas y estticas seudnimo de Atahualpa Yupanqui. La etimologa de este nombre la dio l mismo: viene de lejanas tierras para contar algo (Ata: viene; Ku: de lejos; Alpa: tierra; Yupanqui: narrars, has de contar). De las 325 canciones de su autora registradas oficialmente, pueden citarse: La alabanza, El arriero, Camino del indio, Criollita santiaguea, Duerme negrito, Coplas del payador perseguido, Los ejes de mi carreta, Indiecito dormido, Le tengo rabia al silencio, Luna tucumana, Milonga del solitario, Piedra y camino, El poeta, Las preguntitas, Sin caballo y en Montiel, Viene clareando y Zamba del grillo, entre muchas otras, que fueron interpretadas por muchsimos msicos posteriores. Ademas, escribi varios libros de poemas. Yupanqui fue perseguido y marginado en Argentina por comunista y guitarrero, por lo cual se exili en Francia, donde obtuvo un gran reconocimiento. A partir de los aos sesenta, don Ata, como se lo llamaba cariosamente, ser reconocido como mximo exponente de la msica folclrica argentina de todos los tiempos. Una chacarera con letra del poeta Miguel ngel Morelli llamada A don Ata dice en su letra: Ah anda don Atahualpa por los caminos del mundo, con una copla por lanza marcando los cuatro rumbos; que Dios lo bendiga, lo tenga en la gloria por tantos recuerdos lindos y por su memoria. Falleci en Fra ncia, y sus cenizas descansan en la actualidad en los jardines de su casa museo en la localidad de Cerro Colorado, Crdoba.
13.2. Tango
El tango es un gnero musical y una danza, existen controversias respecto de si fue creado solo en Buenos Aires o si tambin naci en Montevideo y Rosario o simplemente se extendi luego a estas ciudades, pero si se sabe que es hijo del candombe al igual que la milonga, musica afro uruguaya argentina introducida por los esclavos africanos. De naturaleza netamente urbana y renombre internacional, musicalmente tiene forma binaria (tema y estribillo) y comps de cuatro cuartos (a pesar de que se le llama el dos por cuatro). Clsicamente se interpreta mediante orquesta tpica o sexteto y reconoce el bandonen como su instrumento esencial. En esencia el tango es una expresin artstica de fusin, de naturaleza netamente urbana y raz suburbana, que responde al proceso histrico concreto del mestizaje biolgico y cultural de la poblacin afrocriolla y la inmigracin masiva, mayoritariamente europea, que reconstituy completamente las sociedades rioplatenses, especialmente las de Buenos Aires y Montevideo, a partir de las ltimas dcadas del siglo XIX. El tango es hijo directo de ese intenso mestizaje. Se sabe que los primeros tangueros eran afroargentinos y afrouruguayos; que el bandonen proviene de Alemania; o que su sensualidad deriva de su origen prostibulario. Se sabe tambin que el lenguaje del tango, el lunfardo, est plagado de expresiones italianas y africanas; que su ritmo y clima nostlgico tiene un cercano parentesco con la habanera cubana; y que tango, milonga, malambo y candombe, son parte de una misma familia musical de races africanas y tambin de las costumbres provenientes de los gauchos que migraron a la ciudad. Sin embargo el tango no se confunde ni deriva de ningn estilo musical en particular. Ernesto Sabato dice que por sobre todas las cosas el tango es un hbrido, una expresin original y nueva que deriva de una movilizacin humana gigantesca y excepcional. La cancin de tango comenz a interpretarse desde 1850, pero no era tal porque el estilo vocal estaba ligado a la habanera y tangos espaoles, sin una personalidad tanguera definida. Los cantantes de entonces no eran profesionales ni tampoco se conoca la voz del tango. El tango se cantaba como tango milongueado y los versos eran picarescos, lo que escandalizaba a la alta sociedad portea. Carlos Gardel (1890-1935), quien se inici como payador alrededor de 1910, es el ms recordado cantante de tango de los aos veinte y treinta. Muchos de los temas que interpretaba los compuso l mismo y encarg sus letras a su inseparable compaero, el poeta Alfredo Le Pera (1900-1935). Gardel, que comenz su carrera en comits polticos de los suburbios fabriles de Buenos Aires, cant en Pars y en Nueva York, film varias pelculas en EE. UU. Se convirti en un mito para los rioplatenses cuando muri en un accidente de aviacin en Medelln (Colombia). Algunos de los tangos famosos de esta primera poca son la cumparsita, caminito, el da que me quieras, por una cabeza, etc. Msicos como Juan DArienzo, Julio De Caro y Osvaldo Fresedo, o cantantes como Agustn Magaldi, integraron lo que se conoci como la nueva guardia del tango en aquella poca. Entre ellos, muchos fueron los descendientes 162
Arte, culturas y estticas de inmigrantes italianos, como Osvaldo Pugliese (1905-1995), pianista,director y compositor, apodado el Santo del Tango. La del cuarenta fue una dcada dorada para el gnero, que se interpretaba ya en locales nocturnos de lujo, cuyos ambientes alimentaron a su vez a los letristas, que en sus versos contraponan el lujurioso cabaret y los desbordes de la vida nocturna a la infancia en el arrabal, paisaje ste que adquiri entonces ribetes mticos de paraso perdido. Los temas que trataban las letras de tango, entonces, eran el arrabal, el desengao, el deseo sexual y la tristeza, el hacer diario y el tiempo. Grandes orquestas, como las de Pugliese o la del bandoneonista, director y compositor Anbal Troilo (1914-1975), actuaban a la vez en los cabars del centro y en salones barriales, y, con ellos, creci enormemente la industria discogrfica en la Argentina. Letristas de gran vuelo Enrique Cadcamo, Enrique Santos Discpolo, Homero Manzidieron al tango composiciones inolvidables, signadas por la amarga crtica de costumbres (Discpolo), el matiz elegaco y las metforas inspiradas en grandes poetas (Manzi, Castillo), la recurrente pintura de ambientes sofisticados con resonancias del poeta modernista Rubn Daro (Cadcamo). Con respecto al baile, la coreografa, diseada a partir del abrazo de la pareja, es sumamente sensual y compleja. Las letras suelen expresar las tristezas, especialmente en las cosas del amor, que sienten los hombres y las mujeres de pueblo, circunstancia que lo emparenta en cierto modo con el blues, sin que por ello opte para el tratamiento de otras temticas, incluso humorsticas y polticas. Desde fines de los aos cincuenta comenzaran a surgir corrientes tangueras renovadoras. Los primeros fueron msicos como Anbal Troilo o Mariano Mores que empezaron a experimentar con nuevas sonoridades y temticas. Pero el renovador indiscutido fue el marplatense Astor Piazzolla (1921-1992), quien alternaba entre las tardes de msica clsica en el Teatro Coln y su pasin por gor Stravinski y Bela Brtok, con las noches de tango, y su desempeo como bandoneonista y arreglador musical de la orquesta de Troilo. Fusionando creativamente las influencias ms diversas, Piazzolla introdujo en el tango armonas disonantes y bases rtmicas intensas y nerviosas que produjeron una transformacin radical del gnero. La msica de Piazzolla produjo una apasionada controversia entre tradicionalistas y renovadores, sobre si eso era o no tango. El punto culminante de esa controversia fue el Festival de la Cancin de Buenos Aires realizada en el Luna Park en 1969, en el que Astor Piazzolla y el uruguayo Horacio Ferrer presentaron un valsecito tanguero, balada para un loco, interpretado por Amelita Baltar en la seccin correspondiente al tango. La cancin produjo un escndalo descomunal que llev a los organizadores a cambiar las reglas para evitar que balada para un loco ganara el festival. Pese a ello, el nuevo tango-cancin, gan la adhesin popular, especialmente entre los jvenes y se volvi un xito de ventas como haca aos que el tango no tena. El do Piazzola y Ferrer realizaron otras obras de amplia difusin popular como el tango chiquiln de bachn (1968) o la pera-tango Mara de Buenos Aires (1967). Piazzolla aportara composiciones fundamentales como sus cuatro estaciones porteas (verano porteo, otoo porteo, invierno porteo y primavera portea), la serie del ngel (entre ellas milonga del ngel y la muerte del ngel) o la suite troileana, de 1976, dedicada a la memoria del fallecido Troilo. Libertango es uno de los mejores discos de su carrera, editado en 1974, e incluye una versin de Adis Nonino, inspirado en la muerte de su padre, y dedicada a l. Piazzolla tambin aport decisivamente a la renovacin instrumental del tango con su octeto, que inclua instrumentos hasta entonces absolutamente ajenos al tango, como los elctricos (guitarra, bajo, teclados, sintetizador), la batera y el saxo. Piazzolla tambin realiz una audaz fusin tango-jazz con el saxofonista estadounidense Gerry Mulligan en 1974 (registrado en el lbum reunin cumbre). La palabra libertango bien define la msica del genial Piazzolla: un tango vanguardista, que se reinventa para constituir un gnero nuevo y riqusimo. Astor Piazzolla falleci en Buenos Aires de una trombosis cerebral, luego de residir en Europa durante varios aos. En la renovacin de las dcadas del 60 y 70 surgieron tambin otros autores e intrpretes de gran importancia como Eladia Blzquez, Chico Novarro, Cacho Castaa, la voz juvenil y romntica de Susana Rinaldi, la madurez compositiva de Leopoldo Federico, Rodolfo Mederos a quien se consideraba como la cabeza visible de una nueva msica portea en los aos setenta, etc. Tambin debe me ncionarse aqu a Roberto El Polaco Goyeneche (1926-1994), un cantor de prolfica carrera, quien en su ltima etapa, conocida como la de la garganta de arena, desarroll el arte de decir el tango, basada en una
163
Arte, culturas y estticas interpretacin expresiva del sentimiento. En estas dos dcadas el tango sufri tambin la confrontacin generacional y contracultural musical, entre tango y rock: el tango era la msica de los viejos, y el rock era la msica de los jvenes. Como consecuencia de la revolucionaria obra de Piazzolla y tambien al fenmeno de aculturacin mundial, a partir de los 80 y los 90 el tango comienza a fusionarse con otros lenguajes musicales, como el jazz, rock, la msica electrnica y msicas tnicas o locales. La electrnica ha sido una fusin muy difundida, y algunas bandas caractersticas de esta tendencia son Bajofondo Tango Club, Gotan Project y Tanghetto. Entre aquellos que fusionan con el jazz, se puede encontrar al pianista Adrin Iaies, el contrabajista Pablo Aslan o al saxofonista Miguel de Caro, entre otros. Tambien a partir de los aos 90, varios msicos provenientes del rock nacional se volcaron al tango, o realizaron versiones libres, dentro del rock, de clsicos del tango. Enrique Santos Discpolo, uno de sus mximos poetas, defini al tango como un pensamiento triste que se baila. Por su innegable legado cultural, en 2009 fue presentado por los presidentes de Argentina y Uruguay para ser incluido, y finalmente aprobado en la Lista del Patrimonio Cultural Inmaterial (PCI) de la humanidad por la UNESCO. Tango y folclore aparecieron como formas diferenciadas y hasta encontradas de la msica popular argentina. El tango se identific con la msica ciudadana, mientras que el folclore qued identificado con la msica rural. En esta confrontacin, durante varias dcadas el tango se instal como la msica popular argentina por excelencia, postergando al folclore, que permaneci aislado en los mbitos locales de cada regin. Hoy da, ambos lenguajes musicales se encuentran vivos, y encuentran voz y lugar en la cultura nacional y mundial.
164
Arte, culturas y estticas hecho fue el surgimiento de un nuevo rol: guionista, tarea que recay en las manos de escritores, periodistas y redactores publicitarios. As, empieza a gestarse una relacin entre escritor-ilustrador, que ira aceitandose con el pasar de los aos. La poca de oro de la historieta argentina, en la que las publicaciones se multiplicaron y la calidad de la produccin nacional estaba en su auge, alcanza su tope cuando, el 4 de septiembre de 1957, sale a la venta en la revista Hora Cero semanal la primera entrega de El Eternauta, la historieta argentina por excelencia, con guin de Hctor German Oesterheld y dibujos de Francisco Solano Lpez. Durante 2 aos, la historia del Eternauta se public en las pginas de Hora Cero semanal, y gener furor en el pblico de poca, transformandola hasta hoy en una historia de culto. Una de las caractersticas ms innovadoras de El Eternauta es que toda la historia, vertebrada en torno a la ciencia ficcin, se desarrolla en Buenos Aires, en escenarios reconocidos, mientras que todas las historietas realizadas hasta ese momento se ambientaban en lugares y tiempos ambiguos, no siempre reconocibles, pero en El Eternauta aparecen referencias puntuales como el colectivo 60, la cancha de River, el subte de Plaza Italia y la Plaza de los dos Congresos, por ejemplo. La historia de El Eternauta inicia cuando a un guionista de historietas (el propio Oesterheld) se le aparece o materializa en una silla de su estudio un personaje, que se hace llamar El Eternauta. Este personaje pasa a contarle su historia, que es la que se relata a partir de all, durante toda la historieta, y que cuenta la historia de Juan Salvo, su familia y amigos, quienes en una muy fra noche se encuentran jugando al truco en la casa de Juan, en Vicente Lopez, cuando notan que haba empezado a nevar, y no se perciba ningun sonido o ruido en el exterior. Al asomarse por la ventana, los Salvo y amigos ven cadveres en las calles, y comprueban que cada copo, al tener contacto con la piel humana, provoca la muerte instantnea. Favalli, uno de los amigos de Juan, construye un traje aislante para l, y as poder salir al exterior a buscar provisiones y explorar el territorio. Los pocos sobrevivientes que Salvo encuentra son hostiles, por lo cual familia y amigos deciden huir de la ciudad lo antes posible. En el trayecto, descubren que la nevada radioactiva es la primera ofensiva de una invasin extraterrestre. Los Salvo y amigos encuentran nuevos aliados en su viaje por la desolada y nevada Buenos Aires, y batallan con los cascarudos gigantes en un combate en la avenida General Paz y despues en la cancha de River, se encuentran con los imponentes gurbos, y confrontan con los inteligentsimos Manos, unos extraterrestres que poseen entre 12 y 20 dedos por brazo, y que dominan a los cascarudos y gurbos. Por los Manos, Salvo se entera que quienes estan detrs de la invasin son los Ellos. Salvo determina que los Ellos se encuentran protegidos bajo una cpula de energa en la Plaza de los dos Congresos, lugar que Salvo y amigos atacan, suspendiendo momentneamente las operaciones de los extraterrestres. Al saber que el foco extraterrestre de Buenos Aires es vulnerable, la ciudad es bombardeada por las potencias mundiales con un ataque nuclear. Al escuchar una transmisin radial que llamaba a los sobrevivientes a un punto de encuentro seguro en Pergamino, Salvo y familia se dirigen ah, para encontrarse con una emboscada. En un intento de escape, Juan Salvo ingresa en una cosmonave, acciona unos aparatos y es transportado por diferentes dimensiones. En estos viajes a traves de diversos continiums y mundos el Eternauta (Salvo) busc encontrar a su mujer e hija, a quienes nunca encontr. Finalmente, apareci en el estudio de Oesterheld, a quien le cont su historia. Fue entonces que se hizo notar un detalle: la historia relatada por el Eternauta habra tenido lugar en 1963, pero en ese momento los personajes estaban en 1959 (el ao real de la finalizacin de la publicacin de la historieta). Esto implicara que la mujer y la hija de Salvo an estaran en su hogar, al cual Juan acude rpidamente. Al llegar, fusionndose consigo mismo aos ms joven, olvida por completo todo lo ocurrido, pero al autor se le confirma la veracidad de la historia al ver llegar a sus amigos, quienes iban a jugar al truco igual que todas las noches, tal como Juan haba sealado. En los cuadros finales, el personaje que personifica al autor se propone a s mismo escribir una historieta sobre lo que Juan Salvo le cont, para prevenir que la invasin tenga lugar en 1963. As, El Eternauta queda como una historia posible de suceder, al ser publicada entre 1957 y 1959. Hubo varias continuaciones o historias paralelas de la primera versin, entre las que se destacan El Eternauta II, continuacin directa de la primera parte y publicada en 1976, con una enorme carga poltica e ideolgica relacionada con la dictadura nacional; y El Eternauta: el regreso, donde se muestra una visin actual (2003, ao de edicin de la historieta), en que la hija de Salvo ya es adulta, los Manos gobiernan como polticos respetados y la mente de todos los sobrevivientes
165
Arte, culturas y estticas fue reprogramada para que no recuerden la violenta invasin de finales de la dcada del 50. El Eternauta es una de las obras de arte ms populares y nacionales que la historieta y el arte grfico nos han dado. Hctor German Oesterheld (1919-desaparecido en 1977) es el guionista de, entre otras historias, El Eternauta. En 1957 fund con su hermano la Editorial Frontera, en la cual public varias de sus historias, ilustradas por varios dibujantes. Entre sus creaciones se encuentran Ernie Pike, Sherlock Time, Rolo el marciano adoptivo, Marcianeros, Mort Cinder, y adaptaciones en historieta sobre la vida de Evita y el Che Guevara. Oesterheld se asoci con Montoneros, tomando el lugar de jefe de prensa, en 1976. Ese ao, empez con el guin de El Eternauta II, historia que reflejaba el compromiso poltico de Oesterheld, mostrando al Eternauta como un caudillo que guiaba a un pueblo oprimido para alzarse contra un gobierno opresor y derrotarlo a cualquier precio. Esto gener algunos conflictos con Solano Lpez, quien no estaba del todo de acuerdo, y presiones constantes de parte del gobierno. Oesterheld continu escribiendo desde clandestinidad, hasta que l y sus cuatro hijas, tambien asociadas a Montoneros, fueron capturados y desaparecidos. El legado de Oesterheld sigue vivo, sostenido no solo por su capacidad creativa, sino por su innegable compromiso humano y social. Francisco Solano Lpez (1928-) es el dibujante que acompa a Oesterheld en El Eternauta, y en muchsimas historietas ms. Dueo de un dibujo limpio, claro, herencia de ilustradores norteamericanos de la dcada del 50, Solano particip en numerosas editoriales, y en la actualidad sigue dibujando. Es responsable tambien, junto con Pablo Maiztegui, del guion y dibujo de El Eternauta: el regreso. En la dcada del 60, la historieta nacional comienza a tener un declive, por la competencia extranjera. Editoriales mexicanas como Novaro ofrecen historietas norteamericanas de gran calidad y a bajo costo, y sumado a la masificacin de la televisin y a la partida a Europa de algunos de los dibujantes y guionistas ms talentosos, el gnero experimenta un declive. No obstante, caben destacar a dos autores vitales. Uno de ellos es Alberto Breccia (1919-1993), un dibujante uruguayo pero radicado en Argentina, que en un inicio mantuvo un estilo standard, pero luego mostrara gran experimentacin. El estilo de Breccia se acerca ms a las artes plsticas (de hecho, toma gran cantidad de tcnicas de all) que al comic, por lo cual su estilo no fue muy comprendido. Ademas de Sherlock Time, una de sus obras claves es Mort Cinder, con guin de Oesterheld. Mort Cinder es un inmortal, un personaje que se asocia con un anticuario a quien le ayuda a clasificar sus objetos histricos, basado en sus experiencias anecdticas. As, Mort estuvo en la construccin de la Torre de Babel, en la Batalla de las Termpilas y en numerosas guerras y momentos de la historia de la humanidad, y en historias cortas Oesterheld y Breccia describen sus experiencias. Esta dupla creativa tambien realiz una segunda versin de El Eternauta original, en la cual Breccia comienza a experimentar con una esttica expresionista, agregando collage, tramados y texturas mecnicas. La versin se public en 1969 en las pginas de la revista Gente, pero la esttica experimental de la reversin no gust a los lectores, por lo cual fue abruptamente concluda luego de unas breves entregas. Con Oesterheld tambien trabaj en las adaptaciones de la vida de Evita y el Che. Breccia se dedic a ilustrar cuentos de terror, suspenso y ciencia ficcin de Horacio Quiroga, H. P. Lovecraft o Edgar Allan Poe, como la gallina degollada, los mitos de Chtulhu, Drcula, el corazn delator, la pata de mono y otras historias. En 1974, junto a Carlos Trillo en guin realiz Un tal Daneri, una serie de historias cortas que protagoniza un polica retirado, Daneri, en dramticos relatos ambientados en el Mataderos natal de Breccia. A esta altura, Alberto Breccia experimenta libremente con el campo visual: incorpora dibujo a pluma y lpiz, con collages, transferencias en fotocopias, papeles pegados, monocopias, xilografas, manchas gestuales, tramados mecnicos, tipografas, etc. Su obra ms importante tras Mort Cinder lleg de la mano del guionista Juan Sasturain, y se trata de Perramus (1983). A medio camino entre las aventuras y el humor absurdo, esta obra ridiculiza y a la vez denuncia la dictadura argentina, mezclando personajes ficticios con otros reales (como el escritor Jorge Luis Borges, que, en un ejercicio de la ms pura historia ficcin, es galardonado con el premio Nobel, que en realidad jams recibi). De sus ltimas obras, cabe destacar Informe sobre ciegos (1991), adaptacin de uno de los pasajes ms escalofriantes de la novela de Ernesto Sabato Sobre hroes y tumbas, donde Breccia capta magistralmente la atmsfera inquietante y enfermiza del texto original y logra imgenes
166
Arte, culturas y estticas alucinatorias angustiosas. Alberto Breccia es uno de los artistas grficos-plsticos ms importantes del mundo, y su obra representa un paso ms en la concepcin visual de la historieta. El otro autor que entre 1964 y 1973 realiza su tira ms reconocida es Joaqun Lavado, ms conocido como Quino (1932-). La tira y su personaje ms clebre es, por supuesto, Mafalda, quien apareci por primera vez en las pginas de Primera Plana y luego se muda al diario El Mundo y Siete Das. La tira tuvo una tirada a nivel nacional e internacional, consolidando a Quino como uno de los humoristas y grficos ms importantes del pas. Mafalda es una nia de 6 aos y, como el resto de sus amigos de esa edad, realizan agudas observaciones e inquietudes sobre el mundo social y poltico. Quino encierra en personajes infantiles, en su inocencia y cuestionamientos, las preguntas que muchos adultos no se atreveran o incluso se les ocurrira preguntar. Reformula as una forma de ver el mundo, con los ojos puros de un nio, pero sin perder un afilado compromiso con la realidad. Quino,dueo de un humor cnico y cido, realiz tambien innumerable cantidad de ilustraciones y chistes en gran cantidad de publicaciones. Ademas de Quino, otros autores humorsticos de especial importancia son Roberto Fontanarrosa (1944-2007), creador de Inodoro Pereyra y Boogie el Aceitoso; Carlos Loiseau, ms conocido como Caloi (1948-), creador de Clemente; Guillermo Mordillo (1932-), dibujante y humorista grfico que se destac con el chiste mudo; Lino Palacio (1903-1984), ilustrador que particip en numerosos diarios, y cuyos personajes ms conocidos son Ramona y Don Fulgencio; y Carlos Garaycochea (1928-), quien ademas de dibujante y humorista, se destac como actor y profesor de dibujo. Entre 1965 y 1975, en la revista Anteojito se public la historieta del primer superhroe al estilo norteamericano, pero creado en Argentina: Snoman. Creado y dibujado ntegramente por Osvaldo Walter Viola, ms conocido como Oswal (1933-), Snoman es el superhroe del poder msico y mental, que le permite controlar todo el espectro de los sonidos existentes, ademas de otras habilidades como superfuerza, o mutar su cuerpo en ondas sonoras. Durante 10 aos ininterrumpidos, Snoman pobl las pginas de Anteojito, con una vasta galera de personajes surrealistas y tramas ingeniosas. Oswal es reconocido principalmente por este personaje, pero realiz tambien infinidad de historietas, como el espritu de Mascarn, o la tercera parte de El Eternauta, en 1983, con guin de Alberto Ongaro. Public en diarios y revistas locales, como Skorpio, Chaupinela y Satiricn, y public gran cantidad de historietas de su autora en Espaa, Italia y Holanda, entre otros pases europeos. Ademas de su labor como historietista, cabe destacar su trabajo como docente, transmitiendo sus conocimientos a nivel artstico y humano. En 1975 en las pginas de Clarn se publica la primera tira de El Loco Chvez, un periodista pcaro y aventurero, producto del guin del ya mencionado Carlos Trillo (1943-) y del dibujante Horacio Altuna (1941-). La tira tuvo una gran aceptacin y se public hasta 1987 en el peridico que lo vi nacer. El Loco y sus amigos fueron protagonistas de gran cantidad de aventuras, con un marcado tono porteo, en donde se destaca tambien la claridad del dibujo de Altuna. La dupla volvera a trabajar en Las puertitas del seor Lpez, de 1979, una serie de historias cortas que relatan la vida de Lpez, un empleado pelado y regordete, que es avasallado por sus jefes, su esposa y la sociedad misma. Para escapar de ese infierno personal, Lpez escapa a traves de puertas a otras dimensiones, en donde sus sueos se hacan realidad... hasta cierto punto. Cargada de humor e irona, Las puertitas... tambien es un sutil guio a la situacin poltica y social de la poca. En 1978 surge la revista Humor, publicacin que pretenda ser una voz de opinin diferente dentro de un panorama de censura por parte del gobierno del pas. Al frente del emprendimiento se encontraba Andrs Cascioli con Ediciones de la Urraca. La misma editorial public en 1984 la revista Fierro, hogar de gran cantidad de historietistas y que revolucion la manera de presentar al gnero, intercalando historias cortas de diversos autores en un mismo nmero. Luego de 100 nmeros, en 1992 la revista Fierro dej de publicarse, hasta que se reflot en octubre de 2006, en un proyecto impulsado por el diario Pgina/12. Con el librecambio de la dcada del 90, ingresan todo tipo de historietas extranjeras al pas, haciendo difcil la competencia en el mercado. De esta dcada se destaca Cazador, un comic-book de tono irreverente y transgresor, famoso por haber iniciado una nueva era de cmics para adultos en la Argentina. Fue escrito y dibujado por Ariel Olivetti, Jorge Lucas (creador del personaje), Mauro Cascioli y Claudio
167
Arte, culturas y estticas Ramrez. Estos cuatro dibujantes tuvieron como una fuerte influencia las ilustraciones de Simon Bisley. El primer nmero de El Cazador de Aventuras sali en octubre de 1992. Se trataba de un personaje que se asemejaba a un superhroe, grotesco y bruto. Los primeros siete nmeros fueron en blanco y negro, pero en 1995 decidieron ponerle color y la revista tuvo su mejor poca hasta 1999. El Cazador vuelve en noviembre de 2000 editada por Mauro Cascioli. El Cazador viaj por todo el mundo y combati en distintas guerras (Primera y Segunda Guerra Mundial, en Corea, en Irak, en las Malvinas). Una vez que comienzan sus aventuras en el cmic se enfrenta a distintos personajes ficticios como El Hombre Lobo, Drcula, Extraterrestres y toda clase de demonios. Entre sus principales enemigos se encuentran los demonios Balrog y Melkor, seores de la oscuridad que juraron destruir al Cazador en los primeros nmeros del comic. Adems se ha podido observar que en algunos episodios han participado personajes famosos de la historieta argentina como Hijitus, Patoruz, Isidoro, Sherlock Time, Nippur de Lagash y Gilgamesh el inmortal. Entre los personajes reales que han aparecido en el cmic pueden destacarse Maradona (el mejor amigo del Cazador), Fidel Castro, el ex presidente Menem, Susana Gimenez y Mike Tyson. Por ltimo hay que mencionar la fuerte presencia de los mitos germnicos y griegos en algunos episodios. El Cazador surgi como una oposicin al cmic norteamericano y al anim japons, caracterizados por sus estereotipados personajes, defensores de la justicia, pulcros y de buen aspecto. De ah que en algunos nmeros se enfrente a personajes del mercado estadounidense como Superman y a personajes del anime como son los de Dragon Ball. Lo que diferencia al Cazador de esta clase de personajes es que a l no le interesa ser heroe, no le importa salvar a nadie, hace lo que quiere, se desquita con quien quiere. Ya sea con el chofer de colectivo que no le da las monedas del vuelto, con los borrachos que le tiran mala onda, con los funcionarios corruptos, con los cobradores de impuestos o todo aquel que venga a molestarle. Al Cazador le gustan la cerveza, las mujeres y es seguidor de Racing Club. Ms que un hroe argentino es un anti-hroe que, a causa de combatir todo aquello que agobia el da a da de los argentinos, se ha convertido en un personaje admirado y seguido por infinidad de lectores. Con cuidado aspecto grfico y mayor formato, las historias mantuvieron ese tono y temticas hasta su ltimo nmero, el 22 de diciembre de 2001. En la actualidad, la historieta argentina encuentra su lugar tanto en las grandes editoriales como en los peridicos y las publicaciones independientes.
168
Arte, culturas y estticas polticas econmicas, y desemboc en una masiva protesta en la ciudad de Crdoba, en que los sindicatos, trabajadores y ciudadanos chocaron en conflicto con las fuerzas policiales y posteriormente militares. El Cordobazo fue un punto de inflexin en la historia poltica argentina de las ltimas dcadas. Tuvo un efecto multiplicador de manifestaciones violentas contra el gobierno militar y contra la burocracia sindical en otras ciudades del pas, y fue el punto de partida del resurgimiento de la corriente clasista en las fbricas, e incentiv el crecimiento y accionar de agrupaciones de izquierda y clulas activistas, algunas de las cuales derivaron en organizaciones polticas armadas. De tal manera ese movimiento constituy un factor determinante para el debilitamiento y la posterior destitucin del presidente de facto Ongana, abrindose a partir de all un perodo de transicin, incertidumbres y decadencia del rgimen militar. En mayo de 1970 se crea Montoneros, una organizacin guerrillera argentina que se identificaba con la izquierda peronista y que desarroll la lucha armada entre ese ao y 1976, y en menor medida hasta 1979. En el campo artstico, luego de la explosin informalista, la dcada del 60 se caracteriza por la variedad de instituciones artsticas en Buenos Aires, algunas de ellas surgidas previo al golpe de Ongana. De estas instituciones se destacan el ya clsico Museo Nacional de Bellas Artes (representante del arte oficial a los ojos del Estado), el Museo de Arte Moderno (que en la dcada del 60 funcionaba en el actual Centro Cultural San Martn) y el surgimiento del Instituto Di Tella en 1958. Como caracterstica principal de la dcada podemos decir que se institucionaliza el campo artstico, y las vanguardias se dan dentro de las instituciones en s, en la bsqueda de la construccin de un arte nuevo, de vanguardia, nacional. Se impuls una poltica desarrollista con el arte coincidente con los 150 aos de 1810, y Guido Di Tella compr numerosas obras en Europa, las cuales se sumaron a las colecciones ya existentes en el pas. Tambien hubo numerosas Bienales de arte en el territorio nacional y americano, patrocinadas por asociaciones e industrias, fomentando la produccin esttica. En el arte propiamente dicho, en la dcada del 60 se produce una divisin en dos ten dencias muy claras, de las cuales habla el historiador Arthur Danto a nivel mundial, pero tambien se aplica a la realidad nacional: - Por un lado, la llamada lnea duchampiana o post-estructuralista, que le da importancia a la reflexin sobre la realidad, antes que a la reflexin sobre el lenguaje artstico. Estas tendencias toman a la figura de Marcel Duchamp como padrino, ya que su obra signific uno de los ms tempranos cuestionamientos a la modernidad y un anlisis contextual de la realidad humana. Este conjunto de tendendias comprende en Argentina- al Arte destructivo, Alberto Greco, las experiencias del Di Tella como los happenings, la experiencia de Tucumn arde y a todo arte en el que es de vital importancia que el espectador participe activamente, dando como resultado obras de carcter existencialista. Esta lnea se caracteriza tambien por, en su mayora, esquivar a la pintura, y valerse de otros soportes y medios de expresin (collage, arte vivo, escultura ensamblada, instalacin, happening) para comunicar sus mensajes. - La otra lnea artstica es la lnea neoconservadora o de la realidad y del lenguaje. Es aquella en donde es tan importante el lenguaje artstico como tambien la reflexin sobre la condicin humana y la realidad, y se expresan mediante fenmenos simblicos de comunicacin. El espectador aqu no participa, al menos no activamente (con el cuerpo) como en la lnea duchampiana. En este conjunto de tendencias inclumos a Antonio Berni, el Grupo Espartaco, la Nueva Figuracin, el arte ptico, y el arte y objeto pop. En este caso, los artistas realizan un retorno a la pintura, y eligen ese medio para realizar sus expresiones simblicas. A continuacin destacaremos estas tendencias y artistas, dejando a Antonio Berni para el final, y as desarrollar la totalidad de su obra.
169
Arte, culturas y estticas llegada de Esperilio Bute, Juana Elena Diz, Ral Lara Torrez, Pascual Di Bianco, Franco Venturi y Carlos Sessano. En 1959, el llamado grupo Espartaco da a conocer su manifiesto. A todos los une una misma comprensin: contribuir a que el sujeto vea a travs del arte lo que el sistema le oculta. Un lenguaje nuevo es la apuesta para impactar tanto en los crculos artsticos como en los entornos fabriles. Su arte es un arte de compromiso, de acento americano en el que, mediante un lenguaje plstico ms contemporneo y que rechazaba el naturalismo, se busca la expresin simblica del trabajo y de las luchas sociales. La historia del grupo est indisolublemente ligada a la poca que le dio entidad, en donde sus trabajos hablan de un tiempo en el que las fbricas humeaban las 24 horas y los obreros peleaban por mejoras. En lo estrictamente plstico poseen una unidad esttica y realizan pinturas de grandes dimensiones, que remiten a los murales de Siqueiros. Plantean abiertamente la no-existencia de un arte nacional, puesto que culturalmente nos hallamos sometidos a un vasallaje colonial. La disolucin del grupo, en palabras de sus integrantes, fue porque paradjicamente, el grupo Espartaco ha sido institucionalizado por el sistema al que se opone por definicin. Ha sido aceptado como un grupo de pintores que es caracterizan por una forma y una temtica, cuyas obras se valoran de acuerdo con la magnitud de su habitual demanda en el mercado. En sntesis, el sistema los absorbi. Realizaron una muestra en 1968 en la Galera Witcomb una de las ms prestigiosas del circuito institucional- en la cual se despidieron como agrupacin. La figura ms representativa del grupo fue Ricardo Carpani (1930-1997). Sus personajes (trabajadores, obreros, desocupados) tienen una concepcin maciza, parecen esculturas, en un intento de reforzar la fuerza y el peso de sus labores. Parecen mirar siempre hacia el futuro de la humanidad, con miradas profundas que cuestionan al espectador. Asimismo, los elementos secundarios de sus composiciones muestran la cultura tecnificada y deshumanizada del mundo contemporneo. Carpani siempre busc los medios lingusticos para conferirle a sus personajes y escenas una mayor densidad simblica y una ptima condicin comunicativa. Estuvo vinculado a la CGT de los Argentinos y dise numerosos afiches de la organizacin, que tuvieron una notable difusin pblica, entre ellos los destinados a la huelga general del 61, el Cordobazo, y realiz ilustraciones de Eva y Juan Domingo Pern o el Che Guevara. Realiz murales en varios edificios sindicales, edit trabajos tericos y realiz ilustraciones para el Martn Fierro de Jos Hernndez. En 1961 dej el grupo Espartaco motivado por la decisin de asumir un compromiso directo con la militancia poltico-sindical. Realiz numerosas exposiciones en el exterior, incluso Europa. En 1975 se instal en Espaa y residi all durante 10 aos para luego regresar a nuestro pas.
Arte, culturas y estticas cuadro la figuracin y la abstraccin, y las obras tienen un mensaje referente a la realidad y a la condicin humana. Como dato curioso hay que mencionar que, como sucedi tambien con el pop, la nueva figuracin se gest casi simultneamente en diversos lugares, mediante distintos autores, que en su mayora no se conocan entre s ni estaban enterados que otro estaba experimentando con una esttica y una propuesta similar. De alguna forma, este dato confirma que el artista es un espejo de su tiempo y lugar, siente y est en contacto con su realidad para representarla apropiadamente. En la Argentina la nueva figuracin cobr caractersticas locales, y el movimiento n o fue importado de afuera, sino que se gest autnomamente ac. Estuvo representada por un grupo de cuatro artistas, que en un inicio se hicieron llamar Otra figuracin: Jorge De la Vega, Luis Felipe No, Ernesto Deira y Rmulo Macci. El grupo funcion entre 1961 y 1966, y en el catlogo de su primera exhibicin (agosto de 1961) proclamaron: no constituimos un movimiento, ni un grupo ni una escuela. Simplemente somos un grupo de pintores que en nuestra libertad expresiva sentimos la necesidad de incorporar la libertad de la figura. Porque creemos justamente en esa libertad no queremos limitarla dogmticamente, esclavizndonos a nosotros mismos. No dira: Otra figuracin no es otra vez figuracin. Los hombres de hoy tienen los mismos rostros que los de ayer y, sin embargo, la imagen del hombre de hoy es distinta de la imagen del hombre de ayer. El hombre de hoy no est guardado detrs de su propia imagen (...). Creo en la revalorizacin de la figura humana, no en el retorno a la figuracin. Pese a no declararse un grupo, los 4 artistas trabajaban juntos y se criticaban continuamente, y mientras expusieron juntos sus pinturas tuvieron una unidad temtica y esttica, haciendo difcil, en algunos casos, determinar de quien era cada obra. El xito del grupo fue inmediato: entre 1962 y 1963 realizaron exposiciones en Buenos Aires (Galera Bonino, Di Tella, MNBA), Ro de Janeiro y Pars, y sus integrantes recibieron numerosos premios y reconocimientos, siendo una tendencia aceptada por la institucin-arte y por el pblico. El grupo se disolvi en 1966, pero cada artista prosigui con su propia obra...
171
Arte, culturas y estticas En 1965 De la Vega se instala en Estados Unidos, y all se manifiestan cambios formales y conceptuales en su obra, producidos por el impacto del pop, del hippismo, la psicodelia y del contexto sociohistrico norteamericano. La etapa pop de la obra de De la Vega incluye una nueva iconografa: figuras entrelazadas, distorsionadas como por espejos deformantes, figuras fragmentadas realizadas casi ntegramente en blanco y negro, y planos o fondos de colores saturados o psicodlicos para aclimatar las composiciones. Abandona el collage y los relieves, pero las oposiciones y altos contrastes de valores continuan presentes. Cambia el leo de su anterior perodo para ahora pintar con acrlico. Los temas abordados son tomados del mundo contemporneo amenazado por las aglomeraciones, por las multitudes de hombres y mujeres cuyos cuerpos se mezclan y deforman en una confusin constante. Estos personajes viven la experiencia de la sociedad de masas con alegra y frivolidad, sin interesarse por las amenazas de deshumanizacin y alienacin de una poca volcada hacia el hedonismo y el consumo. La imagen de esta etapa tiene una influencia y reminiscencias a la ilustracin publicitaria, la publicidad, el cine y la televisin, y en ms de una ocasin represent personajes populares. Tambien inventa una tcnica que llam efasages, en la que sobre avisos grficos y re vistas pornogrficas dibujaba con lpices de colores que borran la tinta de impresin. En 1967 De la Vega regres a Buenos Aires, donde continu trabajando con sus imgenes psicodlicas, con espejos cncavos y sus pinturas en blanco y negro. En 1968 grab su primer y nico disco como cantautor, el gusanito en persona, una placa con canciones que a primera escucha parecen infantiles, pero cuyas letras poseen en un entrelineado poltico y social comprometido con la realidad del pas y el mundo. Ese ao expone en la Galera Bonino y presenta en vivo sus canciones. En 1970 realiz una de sus ms clebres pinturas, su rompecabezas (actualmente en el MALBA), una imagen consistente de 30 paneles cuadrados de 1 metro de lado cada uno, pintados con acrlico, en blanco y negro. La propuesta era que los paneles pudieran ser combinados de cualquier manera para formar siempre una imagen con unidad y sentido. Actualmente en la pgina web de De la Vega (www.jorgedelavega.com), en la seccin de obras pop, hay un juego interactivo de su rompecabezas para que los usuarios puedan combinar sus partes y armarlo a gusto. Jorge De la Vega falleci en 1971, a la edad de 41 aos, de una aneurisma. Luis Felipe No, su compaero de frmula en el grupo neofigurativo, dijo alguna vez: Jorge siempre fue un adelantado. A nuestro tiempo, a nosotros... y hasta en la muerte se nos adelant.
Arte, culturas y estticas quebrado) ya que, segn l, un solo cuadro es insuficiente para decir todo, por lo cual fragmenta en numerosos cuadritos a una sola obra, mostrando numerosas realidades parciales. No retrata en esta obra a la masa, la multitud sin rasgos individualizados, cuya identidad se diluye en lo colectivo. Una masa que levanta consignas, lderes y banderas, formas de identificacin en las que el individuo se desmarca pero no se desactiva. No es diferente a los otros artistas. l hace una narracin de nuestra historia, mostrando las tensiones y contradicciones de la misma, como ya mencionamos en la citada serie federal. Luego toca temas actuales y populares, relacionado con la poca de las movilizaciones del peronismo. Aunque l no era peronista, muestra la fascinacin que tena por la movilizacin social y, nuevamente, por el caos. De alguna forma, en introduccin a la esperanza cita a la manifestacin de Berni, a esa expresin que aparece en los rostros, expresivos y muy distorsionados. Incluso, en una de las partes de introduccin... hay un retrato de Berni con el rtulo honesto. No no solo busca renovar las formas, sino tambien los temas: no narrar la historia argentina, sino sumergir al espectador de la experiencia de sus contradicciones. En 1965 viaja a Estados Unidos y realiza una instalacin enorme que, al no poder traerla de vuelta a nuestro pas, la desarm y arroj al ro Hudson. De estas experiencias con sus pinturas de visin quebrada y algunas instalaciones, No dira: yo quera ambientar al espectador en un entorno que l no dominara, me d cuenta que fallaba al darle como punto de referencia mi yo, mi pintura, mi angustia. En 1966 No deja de pintar, y en 1969 presenta una exposicin de sus ltimas pinturas realizadas al momento, con el irnico ttulo No m pintor: liquidacin por cambio de rubro. Saldos. Sobre la pintura moderna, No reflexion diciendo que con las vanguardias se produjo una especie de striptease de la pintura: el expresionismo le quit la belleza, el cubismo desnud la perspectiva, y as. Actualmente, la pintura est en bolas, haciendo alusin a los cuestionamientos sobre si la pintura puede o no representar la vida y la realidad, y concluir que los lenguajes artsticos llegaron a una sntesis en donde ahora solo hay que volver a vestirlos. En 1975 retoma la pintura, tratando temas sobre la conquista americana y la conquista o colonizacin en la dcada del 70, con una serie llamada la naturaleza y los mitos. En 1978 consigue una Mencin de Honor en la Bienal de Tokio por un autorretrato grabado, en el que el espectador se ve reflejado en la pelada de la cabeza de No. En la ltima dcada se dedic al dibujo, acentuando el caos visual, va la representacin compartimentada, la variedad y riqueza del color utilizado y composiciones muy detallistas, en donde se entremezcla la figuracin y la abstraccin. Ademas de su enorme y vasta obra pictrica y dibujstica, Luis Felipe No ha escrito numerosos ensayos sobre arte, y es uno de los pensadores y artistas plsticos ineludibles de nuestro siglo.
Arte, culturas y estticas exposicin se encontraba recubierta, desde el cielo raso al piso, por largas tiras de papel en las que haba dibujado infinidad de figuras con diferentes tcnicas y medios plsticos. Posteriormente y si bien fue una constante en su trabajo- la obra de Deira se tornara netamente dibujstica. Abandonara el leo y se dedicara exclusivamente al acrlico. La figura humana sera protagonista constante de esta etapa final.
174
Arte, culturas y estticas una muestra con obras de artistas brasileos entre los que se incluy. En 1959 se vincul con el movimiento informalista argentino. Sus pinturas se caracterizaban por las grandes superficies monocromas, texturadas, que remitan a viejos muros descascarados. Luego incursionara en pinturas informalistas oscuras, alquitranadas. Obsesionado por las calidades de la materia, expona las telas de noche, a la intemperie, para que el holln y la lluvia las cargara de fuerza. En ocasiones orin sobre sus propios cuadros, e invit a sus amigos a hacerlo, para que las reacciones de la materia enriquecieran de manera aleatoria la superficie. Greco crea en la pintura grito, la pintura vital, en la pintura como una gran aventura de la que podamos salir muertos o heridos pero jamas intactos. Tambien deca que el pintor pinta de afuera hacia adentro: ve las formas externas, las elabora con su espritu y les da vivencias especiales que escapan a la comprensin general. Greco era improvisado, impulsivo, irreverente. Su estrategia para ingresar en el espacio artstico se bas en una provocacin tan sistemtica que rebas el lmite de iconoclasia que las instituciones, e incluso los mismos artistas, podan admitir. Excludo de todas las consagraciones repartidas en los certmenes que se organizaron en 1960 y 1961, Greco pas varios meses recorriendo el interior del pas a bordo de los camiones que trasladaban las exposiciones rodantes de pintura argentina, organizadas como parte de las actividades culturales del sesquicentenario de 1810. Desde su marginacin, Greco describa con irona y resentimiento el medio artstico porteo. En palabras de Luis Felipe No, lo que Greco significaba era la liberacin del prejuicio. Por esto sus propias vctimas las cargadas de prejuicios, sobre todo sociales- eran quienes coqueteaban con l. Lo vean como un ngel liberador de los prejuicios que en definitiva los ataban a ellos mismos. En estos aos realiz algunas intervenciones urbanas en Buenos Aires (las primeras del pas), en las que empapel la ciudad con carteles que decan Greco: el pintor informalista ms grande se Amrica, o Greco, Qu grande sos!. En 1961 presenta la exposicin las monjas en la Galera Pizarro de Buenos Aires. La muestra fue intensamente publicitada por l y, en sus propias palabras, sera lo ms importante de este siglo. Greco realiz las 5 o 6 pinturas que conformaban la muestra unos pocos das antes de la inauguracin, en la baera de la habitacin del Hotel Lepanto en el que viva. En esos das previos, Greco amenaz con suicidarse, por lo cual Marta Minujn y una amiga, al ver que Greco no apareca, fueron a buscarlo al hotel. Cuando les explicaron la situacin al dueo del hotel, y ste les dej entrar a la habitacin, en el bao haba una camisa clavada contra el inodoro chorreando alquitrn y pintura colorada (...). Todo lleno de engrudo, de brea, una cosa terrible. All estaban, en la baera, los cuadros de la exposicin, todava frescos. No se haba suicidado, pero esa noche algo grave haba pasado en aquel cuarto. Las obras posean pocos elementos figurativos que apenas hacan alusin a religiosas, eran pinturas negras, dramticas, desgarradas. La que ms llamaba la atencin era la monja asesinada, una sucia camisa sujeta con clavos de herradura a un bastidor de madera, chorreada con alquitran y pintura roja, y que aluda al hbito de una religiosa. Entre otras excentricidades, Greco haca joyas, colgantes y collares realizados con clavos para herraduras de caballo, soldados con plata. Tambien confeccionaba botones de solapa con alambre de plata, dispuestos en espirales cerradas. Los haca en cualquier lado, y no era raro verlo por la calle o los cafs con unas pinzas y alambre en el bolsillo. Con esa insignia cre la Orden de Greco, que otorgaba a los elegidos por l, colocandola en la solapa de sus chaquetas. De algun modo parodiaba a la Orden del Tornillo que Benito Quinquela Martn confera, con irnico tono, a quienes les faltaba un tornillo, los locos, bohemios, escritores, poetas y pintores, entre otros. La Orden de Greco era la orden de l mismo, no representaba a nadie ms, ni a ninguna idea, y reparti las insignias entre amigos, para premiar la irracionalidad, el humor crtico y la imaginacin rebelde. En marzo de 1962 se realiz en Pars la muestra Pablo Curatella Manes y treinta argentinos de la Nueva Generacin, de la cual Greco particip. Durante la inauguracin se present como hombre sandwich, llevando un cartel con la leyenda Alberto Greco, obra de arte fuera de catlogo, y firmaba a visitantes de la muestra (una duquesa y un mendigo, por ejemplo) con un bolgrafo, avalandolos como obras de arte, y entregaba tarjetas personales con el texto Alberto Greco. Objet dart. En esa ocasin Greco present la obra treinta ratones de la nueva generacin: un recipiente de cristal, con fondo negro, y treinta ratones blancos dentro. Cada uno de los roedores llevaba el nombre de los artistas
175
Arte, culturas y estticas participantes en la muestra, incluyendo a Greco, y la obra puede entenderse como una analoga de cmo los artistas interactuan dentro del sistema artstico. La obra dur un solo da en exposicin, ya que la sacaron por mal olor. No hay documentacin de ella, puesto que Greco la llev a su habitacin de hotel y la mucama, al encontrar la caja con los ratones, los tir a la calle. Es en este momento cuando se genera un quiebre en la carrera de Greco: inicia sus vivo-ditos. La accin de firmar gente se empez a repetir ms sistemticamente: sus acciones consistan en elegir una persona, lugar o cosa, hacerle un crculo con tiza alrededor, y firmarlo con su apellido. Greco, as, empieza a realizar un tipo de accin que se puede tomar como el antecedente del conceptualismo latinoamericano, siendo al mismo tiempo un ejemplo de vanguardia antiinstitucional. En este caso, lo que Greco pone en evidencia es que no es el museo o la institucin-arte quien determina qu es arte y qu no, sino el mismsimo artista... en este caso, l mismo. Cuestionado, lleno de humor, pardico o sarcstico, el vivo-dito (en italiano, dedo vivo) lo empez firmando a un escultor amigo, pero en su paso por Europa y Amrica firm ancianas, negocios de anticuarios, cabezas de cordero, vendedores ambulantes, mendigos, ciegos, campesinos, burros, lustrabotas y otros personajes. La mayora de las acciones eran realizadas en la calle y el espacio pblico, frente a las cmaras fotogrficas que documentaron esta especie de happening conceptual. Unos meses despues escribi el Manifiesto Dito dell Arte Vivo, que entre otras cosas declaraba: El arte vivo es la aventura de lo real. El artista ensear a ver no con el cuadro sino con el dedo. Ensear a ver nuevamente aquello que sucede en la calle. El arte vivo busca el objeto pero al objeto encontrado lo deja en su lugar, no lo transforma, no lo mejora, no lo lleva a la galera de arte. En 1963, con la colaboracin de dos artistas italianos, present en un teatro instalado en un garage una representacin teatral improvisada que parodiaba la crucifixin de Cristo. Tuvo que hur de Italia por blasfemo y porngrafo. Se radic en Espaa, donde hizo y document gran cantidad de vivo -ditos. En Madrid realiz un gran vivo-dito en el metro, en donde se present con un balde plstico en la cabeza, se distribuyeron recipientes con pinturas, y se despleg una tela de sbana para que la gente que por all pasaba pintara, firmara o pisara. En palabras del mismo Greco, el vivo-dito aconteci as: Lo del metro fue alucinante y termin con fuegoy todo aunque muchos no entendieron nada. Los mejores momentos fueorn la gigantesca tela-afiche pintada con el vivo-dito, luego recogida como un rollo con todos los palos y tarros de pintura y corriendo a lo loco, con esto chorreando pintura roja por todas las calles. Luego, la gente corriendo hacia atrs, delirante. Di la vuelta al ruedo, con esa especie de cadver chorreante y lleno de tierra. Los gritos segian cada vez ms. Uno de la calle le dijo a otro: esto es el twist hecho con la pintura. El twist de la pintura, al final quera atarme a m tambien a la quemazn del cadver. Cuando todo el fuego se acab escrib sobre un pedazo de tela sin quemar: el vivo-dito son ustedes; el vivo-dito somos nosotros; el vivo-dito es esto, los firm a todos juntos, trazando un crculo alrededor. Firm la aglomeracin y me fui. Instalado en Madrid, se transform en una especie de celebridad. Adquiri un espacio en las afueras de la ciudad, que oficiaba de estudio y domicilio, al que llam Galera Privada, aunque era abierto a todo el mundo, no concibiendo ni privacidad ni intimidad. All Greco pint un mural con el informalista Antonio Saura, y realiz numerosas exhibiciones y reuniones de intelectuales y gente del ambiente. Sus actos excntricos se tornaban impredecibles: el da que inauguraba una muestra de sus pinturas, public en el diario, annimamente, un anuncio que deca se necesitan nios y nias de 3 a 9 aos, que canten y bailen, para pelcula, con la hora y direccin de la galera en donde ese da inaugurara su exhibicin. Numerosos chicos vestidos de flamencos, con sus padres, se sumaron al multitudinario vernissage, que se convirti en un catico, improvisado y absurdo espectculo, en donde se realizaron numerosos vivo-ditos, coronado con la presencia de Greco disfrazado de almirante. Las pinturas de esta poca se alejaban del informalismo, y mostraban imgenes y escrituras diseminadas, inestables, fragmentarias, con una esttica que remita al graffiti callejero y la publicidad. Con letras manuscritas podan leerse letras de tango y frases que remitan a Argentina, y el siempre presente Greco como centro de la composicin. Luego de un paso por Buenos Aires y Nueva York (donde junto con otros artistas realiz una especie de rifa de llaves para abrir cofres ubicados en el metro, donde en cada uno se escondan obras de arte y objetos sin valor), en mayo de 1965 se instala en Madrid con su pareja, Claudio Badal. La posterior
176
Arte, culturas y estticas separacin con su pareja desencadena su besos brujos, un manuscrito de 130 pginas, trazadas con letra de imprenta o con caligrafa ilegible, llenas de manchas de grasa, cerveza o vino, y que relatan las vicisitudes de su amor por Claudio. El libro es un collage ertico y delirante, en el cual se mezclan banales y angustiosas confesiones. All escribi ya lleg el momento de morir. De comprar esas pastillas absurdas. Aunque tengo menos ganas que ayer. Pero quiero que quede bien sentado que lo hago como resultado de mi relacin frustrante con Claudio. Aunque ya no me queda nada para dejarle. Greco puso fin a su vida ingiriendo barbitricos en Barcelona, tres meses despues de cumplir sus 35 aos. Badal, en una carta, record los ltimos momentos del pintor: encontr la puerta entreabierta y en una mesa haba muchos platos con restos de comida y botellas y en el dormitorio estaba Greco, vestido con unas bombachas turcas de color rojo y el torso descubierto, respirando apenas, con los brazos en cruz y en la palma de cada una de las manos escrita la palabra Fin con tinta. La ltima obra de Greco fue un escrito trazado sobre el frasco de los barbitricos que ingiri, en el que relata las sensaciones que senta mientras iba muriendo.
Arte, culturas y estticas Pars descubre el cinetismo. En 1960 forma el GRAV (Grupo de Investigacin de Artes Visuales), influenciado por la obra de Lucio Fontana y los artistas del arte concreto-invencin, e introduce la luz artificial en la obra. La relacin luz-objeto se vuelve primordial en Le Parc. Es el nico artista argentino en tener un Primer Premio en la Bienal de Venecia, galardn que le otorgaron en 1963. En un inicio (1958-59) Le Parc se dedica a obras bidimensionales de cinetismo ptico. La modulacin de colores genera un movimiento, una ilusin ptica dada por el acto receptivo/perceptivo del espectador. Durante la dcada del 60 se dedica a realizar obras cinticas tridimensionales y proyecciones. Incorpora la luz razante, espejos deformantes, realiza anteojos con efectos pticos para los espectadores, y mviles con figuras geomtricas simples. Aqu es vital la participacin del espectador, que interviene y as fundamenta la obra. Le Parc en esta poca realiza events (participaciones callejeras), las cuales refuerzan esa relacin arte-vida que Duchamp y algunas vanguardias buscaron, en un intento de acercarse a la praxis vital de los hombres, y est tambin relacionado con la filosofa del existencialismo. Estas intervenciones callejeras como hace Greco- son arte de accin, y se ubicaran en lo que llamamos lnea duchampiana o post-estructuralista, que le da importancia a la reflexin sobre la realidad y a la participacin del espectador. De 1969 en adelante Le Parc retoma las obras bidimensionales de su primera etapa, y resuelve problemas no tratados en ese momento. Sus obras son seriadas: es una crtica a la tpica obra nica que est en el museo, y mediante la seriacin se permite llegar a ms espectadores.
Arte, culturas y estticas calle Florida, dirigido por el mismo Romero Brest, quien se fue de la direccin del MNBA. Desde 1960 el Instituto mont numerosas exposiciones, entre las cuales estaba la coleccin personal de 102 obras nacionales e internacionales propiedad de Guido Di Tella., y realiz cada ao el Premio Nacional e Internacional Instituto Di Tella, en donde haba prestigiosos jurados (como Giulio Carlo Argan y Clement Greenberg) y se otorgaban becas y premios en efectivo a artistas nacionales y extranjeros. Muestras y exhibiciones enviadas desde el Museo de Arte Moderno de Nueva York y de otras partes del mundo fueron colgadas en las salas del Instituto. La presencia del Di Tella en la calle Florida, con sus consecuentes controversias y conflictos, le vali a la zona geogrfica de la ciudad el apodo de la manzana loca. En 1964 se produce un quiebre: los artistas jvenes buscaron convertir sus obras en una manifestacin de lmites confusos, donde lo esttico se involucraba en lo social. El problema, entonces, era acercar el arte a la vida cotidiana. Para ello, los artistas se inclinaron a producir obras con materiales nuevos (polister, acrlico, fibra de vidrio), alejndose del clasicismo de la pintura y trabajando casi exclusivamente en obras tridimensionales. Pero estas obras no tenan una intencin de ser solo esculturas, sino de relacionarse con otros medios: teatro, cine, ballet, televisin. Se alejaron de la pintura y los medios tradicionales porque se quera innovar en el campo del arte, y stos medios ya estaban mitificados, culturalmente hablando nadie se interrogaba sobre su validez. La innovacin artstica, entonces, no solo pasaba por el contenido de lo que se deca, sino por los medios en s mismos. En muchos casos, se dio la paradoja que dira Marshall McLuhan de que el medio es el mensaje. Un ejemplo de esto fueron las experiencias referidas al arte de los medios, en las que se enviaron noticias falsas sobre supuestos happenings a numerosas revistas y medios masivos de comunicacin, que se complotaron para difundir la noticia falsa. El happening inventado, conocido como happening para un jabal difunto (1966) fue argumentado con datos tericos, detalles y fotografas trucadas, e incluy la participacin del dibujante Divito, el psicoanalista Pichon-Riviere, los escritores Dalmiro Senz y Manuel Mujica Linez, entre muchos otros, y relataba un suceso en el que participaban los mencionados, y la accin colectiva culmin con un asado de jabal, cazado por Senz. Los medios y, consecuentemente, el pblico creyeron que todo haba sido cierto, generando una catarata de comentarios incrdulos acerca del supuesto happening, hasta que finalmente los medios en donde la noticia se public confesaron haber sido todo un juego de los autores. Oscar Masotta tambien realiz el mensaje fantasma (1967), en el que mediante afiches callejeros difundi una noticia que deca: Este afiche aparecer proyectado por Canal 11 de Televisin el da 20 de julio. Ese da, en dos espacios de publicidad paga, de diez segundos, un locutor anunciaba: Este medio anuncia la aparicin de un afiche cuyo texto es el que proyectamos . A continuacin apareca una placa en la que se repetan las palabras del anuncio callejero. Las experiencias de arte de los medios tenan la intencin de producir todos los efectos de la noticia sobre un hecho artstico, difundida por los canales habituales de informacin, pero con un contenido falso. Aqu se aplica de manera acorde la frase y el pensamiento de McLuhan anteriormente citado. La ruptura de los lmites, esta falta de claridad sobre las fronteras de qu es arte y qu no hallan su origen en el ready-made duchampiano, las manifestaciones dad y frases como la de Kurt Schwitters: todo lo que el artista escupe, es arte. As, se empez a hablar de la muerte del arte, producto de esta constante falta de lmites y de la intencin de fundir el hecho artstico a la vida cotidiana. En la Buenos Aires de mediados de los 60 era impensado generar un pop art similar al norteamericano, puesto que en ese pas tom caractersticas autctonas que ac no seran vlidas. Aun as, los pop porteos se identificaron con los mass-media y la iconografa cotidiana, en ese afan de volcarse a un arte que estuviera cercano a la praxis vital del hombre. Los jvenes artistas pop que participaban en el Di Tella se negaban a ser llamados surrealistas, o pop, y cuando les preguntaban sobre el futuro de su arte proclamaban que no tiene porvenir sino presente. En 1967 el Premio Nacional del Instituto Di Tella se convirti en la muestra experiencias visuales, sin premios por pedido de los artistas. Los fondos destinados a las recompensas se dividieron en partes iguales entre los participantes de las Experiencias 1967. Participaron artistas porteos, rosarinos, marplatenses, y bonaerenses, y la intencin era exhibir a los visitantes extranjeros, crticos, marchands y
179
Arte, culturas y estticas artistas, una sntesis de las tendencias principales de ese momento. Hubo proyecciones audiovisuales, happenings, performances, arte ptico y cintico, ambientaciones, pinturas y esculturas. Al ao siguiente, en las Experiencias 1968 hubo propuestas de carcter poltico, intencionalmente provocativas, que le ocasionaron problemas al instituto. Una de las obras, baos, de Roberto Plate, fue clausurada por parte del gobierno de facto de Ongana. La obra, que consista en la instalacin en la sala de una simulacin de baos pblicos, invitaba a los asistentes a escribir las paredes tal como es prctica comn en los baos pblicos. Una de las inscripciones result ofensiva a un alto funcionario militar y desencaden la clausura de esa obra, que luego fue acompaada por el retiro voluntario del resto de las obras en protesta por la censura. En 1970 el Di Tella fue cerrado por causas de carcter econmico, pero las verdaderas razones haban partido de aquella censura y clausura dos aos antes. La presin poltica del gobierno y la falta de financiamiento provoc que la manzana loca de Buenos Aires perdiera esa locura vital. Sin embargo, fue plataforma de lanzamiento de numerosos artistas. La artista plstica probablemente ms reconocida del Di Tella fue Marta Minujn (1941-). Todo es arte es una frase que bien puede sintetizar la concepcin que animaba a una creadora que se convirti en el paradigma de su generacin. Nosotros nos autodefinamos como pop. Arte popular, arte que todo el mundo puede entender, arte feliz, arte divertido, arte cmico. No un arte que es necesario entender, es un arte que es necesario gustar; que hace pop y lo entendes. Estudi bellas artes en Buenos Aires, y fue becada para estudiar en Pars. All, en 1963 realiz su primer happening, la destruccin, en la que quem todas sus obras (esculturas realizadas con cartones y colchones que recoga de los desechos de los hospitales parisinos) en un baldo, y para ello invit a diversos artistas a participar. En 1964 realiza la ambientacin revulquese y viva en el Instituto Di Tella, en la cual los espectadores ingresaban a una tienda llena de colchones multicolores, para echarse en ellos y cumplir el propsito explcito del ttulo de la obra, y as unir arte y vida. Otros happenings, sucesos y ambientaciones que Minujn realiz fueron cabalgata, un grupo de caballos con recipientes de pintura atados a sus colas coloreaban colchones, mientras un grupo de atletas reventaba globos y dos msicos de rock eran envueltos en cinta adhesiva; y sucesos, una performance con 500 pollos, mujeres gordas, bailarinas, atletas, motociclistas y otras cosas, que culmin con un helicptero que a escasa altura arroj sobre el pblico una lluvia de harina. Pero quizas la obra ms celebrada y reconocida de Marta Minujn sea la Menesunda, la cual realiz en conjunto con Ruben Santantonn, aunque ms de una vez la autora se le haya (auto)adjudicado solamente a Minujn. En esta ambientacin-happening polisensorial realizada en 1965 en el Instituto Di Tella, el espectador deba recorrer varias zonas y situaciones diferentes. En la Menesunda, a la que se acceda en grupos de 8 personas por vez luego de esperar en largas filas, se ingresaba a traves de la silueta de un hombre recortada en una cortina de plstico transparente. Despues se transitaba por un tnel de luces de nen que llevaba a un espacio con diez televisores encendidos a todo volmen. Luego se ingresaba en un dormitorio con una pareja en la cama. Otro tnel, con luces de nen y sonidos callejeros, conduca a una escalera con pasamanos de esponja y perfume penetrante, que finalizaba en una enorme cabeza de mujer, cuyo interior estaba cubierto de cosmticos. En su interior, una maquilladora atenda al pblico aplicndole sus productos. Un canasto giratorio conduca al espectador maquillado a un tnel de paredes blandas y suelo gomoso. Al traspasar una puerta se entraba en un espacio oscuro con olor a consultorio dental, en el que haba un disco telefnico gigante: para salir de la ambientacin era necesario acertar el nmero a marcar. La salida era a traves de una cmara frigorfica, con una temperatura de algunos grados bajo cero, llena de telas de todo tipo y color que cerraban el paso. Finalmente, se acceda a una cmara octogonal con espejos, que se oscureca al ingresar el visitante. De inmediato se encendan luces negras y unos ventiladores hacan caer una lluvia de papel picado de colores. Como despedida, un aroma a frituras devolva al espectador a su espacio cotidiano. En todo el conjunto se perciba cierto tono popular, en particular en la configuracin visual del contexto, en las alusiones a la publicidad barata, en los carteles de plstico, en la decoracin del gabinete de la maquilladora y en otros pasajes del recorrido.
180
Arte, culturas y estticas Otras monumentales y recordadas obras de Minujn fueron el Obelisco acostado (1978) que realiz en la Bienal de San Pablo, el Obelisco de Pan Dulce (1979), la torre de James Joyce de pan (1980) y su Partenn de libros (1983), emplazado en una plazoleta de la avenida 9 de julio en Buenos Aires. Esta obra es una reproduccin del Partenn de la Acrpolis de Atenas, de 15 metros de frente por 30 de profundidad y 12 de altura, pero construido con 20.000 libros, muchos de ellos censurados por la ltima dictadura nacional. Inaugurado el 19 de diciembre de 1983, en la Nochebuena, luego de inclinarse la estructura del edificio con dos gras, los libros se repartieron entre el pblico presente y algunas bibliotecas populares. Desde 1980 Minujn realiza esculturas con apropiaciones de obras clsicas de la estatuaria grecoromana, renacentista y cicldicas. Sus obras son reproducciones en yeso pero fragmentados, desarticulados y desplazados. Algunas de esas esculturas, partidas en mltiples trozos, citan al pasado y al mismo tiempo personifica al zapping contemporneo, que fragmenta de manera frentica la informacin.
Arte, culturas y estticas El grupo de artistas que integraron y dieron vida a Tucumn arde luego del evento se disolvi por la postura combativa de cada uno, que los llev a las armas, a la militancia poltica y as abandonar el arte. Es esta violencia del discurso plstico y de las acciones polticas un pequeo eco de la agresin que trazara a toda la dcada del 70.
Arte, culturas y estticas propio material. La integraron Litto Nebbia (primera voz y armnica), Ciro Fogliatta (rgano), Oscar Moro (batera), Kay Galifi (guitarra) y Alfredo Toth (bajo). Su primer xito, la balsa, est considerado la cancin fundadora del rock argentino. Fue compuesta en la madrugada del 2 de mayo de 1967 por Tanguito y Litto Nebbia en el bao de caballeros de la pizzera La Perla del Once, ubicada en la esquina de las avenidas Rivadavia y Jujuy, en la ciudad de Buenos Aires. La letra habla de un joven que est muy solo y triste y que quiere ir a un lugar deseado (al lugar que yo ms quiera). Como a ese lugar no puede llegar caminando, precisa construir una balsa. Una vez lista la balsa, el joven promete partir hacia la locura e irse a naufragar. Como con muchos otros temas del rock & pop nacional e internacional, ha sido habitual sugerir que la balsa tiene un mensaje encubierto referido al consumo de drogas ilegales. Pero tambin es cierto que para toda una generacin de jvenes que adhirieron al sentido tico y esttico propuesto por la balsa, para quienes la cancin no estaba relacionada con las drogas, sino con la libertad y el deseo de seguir un camino propio, distinto del que haban trazado sus padres para ellos. A diferencia de lo que sucedi en el movimiento rock norteamericano o britnico, las drogas ilegales tuvieron un lugar marginal en el movimiento juvenil argentino de los aos 60 y 70, ms orientado a la revolucin sexual y a las pautas sobre presentacin personal. Como ha contado Litto Nebbia, coautor del tema, inicialmente Tanguito haba propuesto iniciar una cancin con la frase estoy muy solo y triste en este mundo de mierda. Se trataba de una expresin contundente, caracterstica del espritu del movimiento juvenil rockero en su etapa contracultural, iniciada mundialmente con msicos como Los Beatles y Bob Dylan, y con hechos histricos relevantes como el nacimiento del movimiento hippie, que instaban a los jvenes a naufragar, como bien deca la letra de la cancin. Los Gatos se separan en 1968 luego de grabar sus 3 primeros LPs, y vuelven a juntarse a fines de 1969 con Pappo como nuevo guitarrista. Vox Dei nace en la localidad de Quilmes, provincia de Buenos Aires en septiembre de 1967 al unirse Willy Quiroga (bajo y voz), Rubn Basoalto (batera), Ricardo Soul (guitarra y voz) y Juan Carlos Godoy (guitarra y voz). Tras varios shows, la banda consigue un contrato con la editora Mandioca en 1969, y comienzan a grabar lo que sera su primer single. Ese mismo ao graban un segundo simple que inclua el tema Presente, que se convertira en una de las canciones ms importantes del rock argentino, la N 7 segn la encuesta conjunta de la MTV y la revista Rolling Stone. En 1970 y gracias a la favorable respuesta del pblico graban y editan su primer larga duracin llamado "Caliente", adems para esa poca ya comienzan a darle forma a lo que sera su segundo y quizs ms recordado lbum : "La Biblia". La Biblia se termina de grabar en enero de 1971 y rpidamente es editado en forma de LP doble. El proyecto y su realizacin resultan asombrosos para el contexto cultural e histrico de ese momento. En ese momento el llamado rock nacional an se encontraba en su primeros inicios y se trataba de un movimiento incierto, casi sin acceso a los medios masivos de comunicacin. Como agravante Vox Dei era una banda recin surgida, de msicos suburbanos (Quilmes) muy jvenes, ajenos al mundo fundacional del rock argentino. Finalmente la obra se proyectaba durante una dictadura que se haba mostrado muy celosa en censurar obras de arte provocativas y en un pas catlico con gran influencia de la Iglesia Catlica, institucin que sutilmente consigui que el sello Mandioca le entregara las letras del disco para su control antes de su publicacin. Las lricas fueron aprobadas, y el Cardenal responsable del control incluso dijo: a m me hubiera costado tres horas explicar qu es Dios y vos apenas con un silogismo lo conseguiste. La Biblia es una obra conceptual casi nica en el mundo, un clsico local que permanece vigente en fogones de guitarreadas y ventas de versiones, reversiones y reediciones. Actualmente, y con algunas modificaciones en su formacin, Vox Dei contina haciendo msica. Manal fue un tro fundado en 1967, precursor del blues en castellano, integrado por Alejandro Medina (bajo, voz, teclados), Claudio Gabis (guitarra, armnica, piano y rgano) y Javier Martnez (batera y voz), considerado como otro de los grupos fundacionales del rock argentino. El estilo del tro tena sobre todo influencias de la msica afroamericana: blues, rhythm & blues, soul, rock and roll, cool jazz, bebop, y tambin de la msica rioplatense: tango y candombe. El nombre Manal, inventado por Javier Martinez durante un brainstorming, fue asumido de inmediato y en forma definitiva por el grupo.
183
Arte, culturas y estticas La mayora de los temas fueron compuestos por Javier Martinez, quien tuvo la notable singularidad de ser al mismo tiempo baterista y vocalista, cumpliendo de manera notable con ambos roles. En 1969 la banda se haba presentado con mucha frecuencia, logrando una justeza instrumental notable. Con "Manal", su primer LP (1970), qued demostrado que se poda hacer blues y rhythm & blues en castellano. El disco inclua los clsicos "jugo de tomate" y "Avellaneda blues". Durante 1970 Manal alcanz su mayor popularidad, siendo seguido en sus conciertos no solo por el pblico rockero, sino tambin por los amantes del jazz, quienes apreciaban las extensas improvisaciones del tro y la sonoridad jazzstica de la guitarra de Claudio Gabis. La banda se disuelve en 1971, y se volvi a juntar 10 aos despues para una serie de presentaciones en el estadio Obras, que fueron un xito absoluto. En 1967 tambien surge Almendra, formado por Luis Alberto Spinetta (voz y guitarra), Edelmiro Molinari (guitarra principal y voz), Emilio Del Guercio (bajo y voz) y Rodolfo Garca (batera, percusin y voz). Almendra compone una poesa sensible, lrica, en un primer disco (Almendra, de finales de 1969) con gran eclecticismo de ritmos y estilos musicales, una dulce melancola propia de la ciudad de Buenos Aires. De ese disco, considerado por muchos como el mejor disco de rock nacional, pueden mencionarse canciones como plegaria para un nio dormido, Laura va y a la clsica muchacha (ojos de papel), inspirada en la relacin de Luis Alberto con su pareja de ese momento. Puede destacarse la innovacin en lo que refiere a la presentacin visual del vinilo: en la contraportada no estaban los nombres de los temas, sino una especie de cdigo que identificaba a las canciones segn su temtica. La tapa del payaso llorando con la sopapa en la cabeza fue un diseo y dibujo del propio Luis Alberto. Realizaron innumerable cantidad de recitales en vivo, entre los que se destacan los efectuados en el Teatro El Globo, el Teatro Coliseo y el Instituto Di Tella. El segundo disco de la banda, tambien llamado Almendra pero conocido como Almendra II o el doble de Almendra, sali a la venta en 1970, y aborda gran variedad de estilos, incluyendo una cancin instrumental semi-improvisada de 14 minutos, llamada Agnus Dei. Esta placa no tuvo el xito comercial del primer disco, pues constituye una coleccin de canciones de carcter ms experimental. Entre las canciones ms recordadas de el doble se encuentran rutas argentinas, los elefantes y para ir. Por diferencias internas, Almendra se separa a finales de 1970, pero de su disolucin sus integrantes daran vida a tres agrupaciones: Pescado Rabioso, Aquelarre y Color Humano. Los integrantes de Almendra volvieron a reunirse una dcada despues, en 1979-80, para hacer una gira nacional que fue editada en un disco doble, y una placa con nuevas canciones (el valle interior), siendo ste el ltimo puado de canciones compuesto por el cuarteto. Almendra puede considerarse una de las primeras bandas pop, en lo que a pblico masivo refiere, y su lirismo y potica musical es ineludible a la hora de hablar de los clsicos de nuestro rock.
184
Arte, culturas y estticas Luego de tres exposiciones que la crtica halag, en 1923 Berni, de tan solo 17 aos, expone en Buenos aires en la Galera Witcomb, y en 1924 comienza sus envos de obras al Saln Nacional de Bellas Artes. En 1925, el Jockey Club de Rosario le otorg al joven Berni una beca para estudiar en Europa. All inicia un nuevo perodo en su obra, plagado de experimentacin y contacto con esos ecos que hasta el momento no le haban llegado...
185
Arte, culturas y estticas representacin realista que las vanguardias haban abandonado. Los temas giran en torno a el trabajo, el hambre, la miseria, el desempleo, la manifestacin y la situacin obrera. La ideologa de Berni empieza a cobrar fuerza y a manifestarse a partir de 1933, en el contexto de la mencionada dcada infame argentina. En este momento siente la obligacin de mantener los ojos abiertos, y romper los ojos de los demas. No adhiere a ningun partido poltico, pero insista en que el arte deba generar conciencia social. Junto con Castagnino y Spilimbergo escribe un manifiesto que refiere a lo tcnico, lo metodolgico y la funcin social del arte y el mural. As, Berni se muestra solidario con las clases trabajadoras, mostrando y manteniendo un compromiso que estar presente de aqu en adelante, en su vida y su obra. En esta etapa, que tiene contacto con el expresionismo, por sus temas y personajes, y los paisajes tienen una influencia de los escenarios metafsico-surrealistas. Sus pinturas cobran un tamao enorme, casi como murales. En palabras de Siqueiros: la pintura de caballete es el pasado, el presente es el mural. Y como el gobierno nacional no permita realizar murales pblicos, las telas de Berni cobran un tamao monumental. La intencin de Berni con esto es comunicar a la mayor cantidad de personas posible y que sus obras no estuvieran encerradas en un museo, sino que circularan por las fbricas y pudieran estar en contacto con los trabajadores. De esta etapa pueden mencionarse un conjunto de tres pinturas-mural, que forman una unidad temtica: manifestacin (1934), desocupados (1934) y chacareros (1935). En ellas, pueden verse una manifestacin de trabajadores pidiendo pan y trabajo, un grupo de trabajadores y sus fami lias durmiendo en la zona del puerto, y un conjunto de chacareros y trabajadores del campo observando al espectador, respectivamente. Las tres obras miden, cada una, aproximadamente 2 metros por 3 metros, y fueron realizadas con temple sobre arpillera. Este dato tiene un fundamento: el temple es el antecedente del leo, y al no elegir lienzo y utilizar arpillera, Berni destaca indirectamente el valor del trabajo y de lo tradicional. La intencin era que las tres obras estuvieran juntas, y sean expuestas en exteriores, fbricas, plazas y lugares pblicos. Por esas ironas de la vida, con Berni ya fallecido, las pinturas fueron separadas y pertenenecen a colecciones privadas. En el caso de manifestacin, por ejemplo, se encuentra en el Malba, coleccin de Eduardo Constantini, y para poder ver la pintura hay que abonar entrada, contrario al deseo con que la obra fue concebida y obedeciendo al actual capricho del mercado del arte. De esta etapa de Berni pueden destacarse tambien las pinturas del perodo de la melancola, donde aparecen personajes solitarios, con rasgos expresionistas, bastante intimistas y sin tema social. Algunos ejemplos de este perodo son autorretrato con cactus (1934), la mujer del suter rojo (1935) y primeros pasos (1937). En esta obra puede verse la contraposicin desolacin-esperanza: por un lado Paula, su mujer, apoyada sobre su mquina de coser, con un rostro desesperanzado, y por otro lado Lily, su hija, haciendo estudios de danza, muy animada. Entre ambas, un espacio vaco, de incomunicacin, y la habitacin con una puerta que deja ver el contexto de fondo. Como ancdota, cabe mencionar que estos retratos melanclicos son admitidos en el Saln Nacional, mientras que las obras con tema social son rechazadas, demostrando as cul era la tendencia ideolgica del Saln de ese momento. Entre fines de 1941 y comienzos de 1942 viaja por latinoamrica becado por la Comisin Nacional de Cultura, para realizar estudios sobre las culturas precolombinas y coloniales. Durante la dcada del 40 recibe muchos premios por sus retratos, y encargo de diversas pinturas. Es premiado con el Primer Premio en el Saln Nacional por su obra Lily (1943). En 1945 se encarga al Taller de Arte Mural (Berni, Spilimbergo, Castagnino, Urrucha y Colmeiro) la realizacin de los murales de la cpula central de las Galeras Pacfico. Este grupo haba formado el ao anterior el taller de arte mural, y eran los principales artistas argentinos que aun defendan la figuracin. Para elaborar el proyecto de las Galeras Pacfico, los artistas realizaron una maqueta de yeso a escala, en la que se enfocaron en respetar una unidad compositiva y de color. Trabajaban en grupo en el taller de Urrucha. Pintaron las obras en la cpula con pigmentos al agua, es decir, con materiales y herramientas cotidianas. Los temas de las pinturas son mitolgicos, y en el caso de Berni su obra se ubica sobre el fragmento que da a la calle Viamonte. Su obra, titulada el amor germinacin tiene una contraposicin entre lo celestial y lo terrenal, y en l se observa a una pareja de trabajadores descansando, en un ambiente rural, junto con otras parejas y figuras alegricas. Tambien pint en otro sector de la
186
Arte, culturas y estticas cpula una obra ms pequea, en la que se ven a un grupo de trabajadores cargando un tronco, y una mano gigante detrs de ellos, remarcando la vida sacrificada con un tinte surrealista. En 1946, cuando los murales son inaugurados, cada uno del grupo explic el sector que pint. Debido al deterioro de las pinturas, en 1978 el mismo Berni restaura su pintura, pero esta vez utilizando una paleta ms viva, distinta a la que utiliz en los 40. Una tercera restauracin del mural se efectu en 1991, con Berni ya fallecido. En 1949 Berni pinta el obrero muerto, una excelente sntesis del compromiso social y artstico del artista. En esta obra monocroma, se representa a un hombre fallecido, con el torso desnudo y vestido de manera humilde, tendido en una camilla, rodeado de diferentes personajes que lo llevan sobre sus hombros. Estos rostros corresponden a trabajadores y gente humilde, que portan expresiones de dolor o de rigidez. La obra tiene unos pequeos golpes de rojo, que representan la sangre del fallecido. La composicin del cuadro remite directamente al Cristo muerto de Mantegna, cuyo escorzo puede ser considerado el primero en la historia del arte. Por ende, con esta cita Berni desacraliza al Cristo, representndolo como un obrero fallecido en una manifestacin. Esto habla del sentido social que tiene el trabajador para Berni, que lo jerarquiza como Mantegna hizo con su Cristo. Al mismo tiempo, dignifica al obrero y, por ende, a lo que representa (el trabajo) dndole una categora sagrada. Berni, con su cita, realiza un puente entre dos pocas.
187
Arte, culturas y estticas En el caso de Ramona Montiel, es una muchacha humilde que se dedica a la prostitucin y trata de triunfar en la ciudad. Berni la defini como un personaje de arrabal, como surgido de una letra de tango. Vive una situacin muy particular, pasa por los momentos ms duros, pero por momentos tiene una vida fcil, pasa a ser de costurera a amante de varios individuos. Berni incorpora a sus collages, cada vez con ms intensidad, objetos y materiales de desecho, en una especie de reciclaje, dndole utilidad a algo aparentemente inservible. Sedas chillonas, puntillas de plstico, encajes y molduras, junto a otros materiales, constituyen el entorno de Ramona y le otorgan relieve a las obras. En Ramona aparece el problema del cuerpo: la culpa y sus pesadillas se manifiestan por ello. En esta poca realiza los monstruos, esculturas hechas con desechos, que poblaban las pesadillas de Ramona Montiel. En sus collages, Berni no pinta el entorno, sino que lo hace corpreo, pegando o clavando elementos que el artista juntaba personalmente en aquellos barrios, donde se arrojaban los desechos de la gran ciudad: latas, botellas, cartones, chapas, maderas, plsticos, hierros, telas, zapatos, juguetes, papeles, seales de trnsito, etc. De esta manera, le otorga un carcter casi testimonial a la obra, que nos acerca la realidad de una manera ms expresiva, y valoriza a los desechos de la sociedad de consumo como obra y testimonio de la realidad social. En este sentido, difiere del pop art norteamericano, que mostraba objetivamente los conos y desechos de la sociedad de consumo. Berni, en cambio, los utiliza como un sutil pero acusador recurso, que respaldan su obra y le dan una fuerza conceptual especial. En este sentido, y a partir de la dcada del 30 y el resto de su carrera, Berni permanecer ajeno a los grupos, vanguardias perifricas y tendencias artsticas que se dieron en nuestro pas, realizando una bsqueda nica y plenamente personal. Juanito y Ramona fueron llevados tambien a la tcnica del grabado, y por ellos Berni recibi el Gran Premio en la Bienal Internacional de Venecia, en 1962. Si bien ya haba comenzado a utilizar esta tcnica en la dcada del 20 en Paris, es a partir de los 60 cuando ms la desarroll. Las primeras xilografas de Juanito eran en color y de gran formato. A los tacos de madera de las xilografas tradicionales incorpor cada vez ms, al igual que en sus collages, telas y objetos que quedan marcados sobre el papel, dandole a los grabados gran juego de tramados y formas, creando una nueva tcnica que el mismo Berni llam xilo-collage relieve. Cada estampa impresa de este tipo de grabados requera, al menos, entre 6 y 8 horas de trabajo, puesto que los enormes relieves perforaban el papel y deba ser reconstitudo en el momento, con pulpa de papel. Dira Berni, sobre su tcnica: un artista que siente que las sustancias clsicas, sus sistemas de empleo y los temas en boga no le alcanzan para dar densidad expresiva, echa mano de otros recursos que por su novedad pueden servirle para dar una fuerte imagen del mundo buscado. As, utilizando el grabado y sus personajes, Berni enfatiza la comunicacin de sus obras, gracias a la multiplicidad de estampas que permite la tcnica. Tanto en Juanito como en Ramona aparecen los excesos y lo grotesco, propio del ambiente en el que los personajes se desenvolvan, y que Berni supo destacar y exhibir con total soltura y cdigo visual. As, los personajes cobran vida y son la cara de miles de realidades annimas.
188
Arte, culturas y estticas Gonzaga, de la ciudad de Las Heras. Dice Berni sobre la ltima obra mencionada: es el Cristo que ha bajado a la Tierra en medio de los hombres. Yo he querido darles a las imgenes la idea del dolor humano por el sacrificio, pero los personajes son de todos los tiempos. Es tambien de esta poca el actualmente robado Cristo en el garage, y otros Cristos en habitaciones vacas. De alguna forma, con estos Cristos y los temas religiosos que abord al final de su vida, aparece en sus obras la indignacin moral y la impotencia que abrumaban a Berni. Tambien habla cada vez ms de la muerte, como anticipandose a lo que se avecinaba. Continu trabajando y exponiendo hasta el fin de sus das. La ltima escultura que realiz en su vida, la partida de Fierro, que hace referencia al mtico personaje de Jos Hernndez, est emplazada en la Plaza Kennedy, en San Martn. Completan su vasta y polifactica obra trabajos escenogrficos para teatro e ilustraciones para libros, ademas de los artculos periodsticos y las conferencias sobre arte que hacen de Berni, quiz, el artista ms completo del arte argentino. El 13 de octubre de 1981, a los 76 aos, Berni fallece en Buenos Aires. Aun no est esclarecido el verdadero motivo de su muerte. Hay versiones que dicen que falleci en un accidente domstico en su taller, otras que muri atragantado por un hueso de pollo comiendo en un restaurant. Los ms aventurados apuntan a la mala prxis. El artista sanmartinense Adrian Giacchetti, durante los ltimos aos de su vida, se dedic a estudiar y rearmar los pasos que Berni dio en el ltimo ao de su vida, pero su proyecto, que iba a tener forma de libro, qued trunco. Dijo Berni, seis aos antes de su muerte, en un reportaje: la muerte es un hecho natural. Un da va a entrar por la puerta de mi taller y yo no lo voy a impedir. Seguir pintando. Que me lleve con el pincel y el caballete, si quiere. Alguna vez expres: Siempre he sido movilizado por el amor; sin amor no hay Arte. Sin duda, el amor por el hombre, el amor por la justicia y la libertad, fueron los grandes motores de su obra.
189
Arte, culturas y estticas portavoces de ideales contrarios a la junta militar tuvieron que exiliarse, trabajar desde la clandestinidad, o bien fueron desaparecidos. Luego de la fiesta de los sesenta, con las experiencias del Instituto Di Tella, el happening, el pop art, cierto clima irreverente y ldico, la dcada del 70 instaura un clima poltico y social complicado para nuestro pas. Esta realidad no permanece ajena a los artistas, quienes deben elaboran una identidad espejo de la poca, acorde a la nueva realidad, oficiando de observadores y comunicadores de su entorno.
Arte, culturas y estticas Ferrari siempre supo poner de manifiesto los mecanismos de poder de las instituciones polticas y sociales, muchas veces autoritarios, con ejemplos que en muchas ocasiones le tocaron de cerca. La mujer es otro tema que Ferrari aborda en su obra. La violencia y los asesinatos realizados sobre el gnero femenino durante los 400 aos de la inquisicin le sirvieron de tema para elaborar otra serie de trabajos. En 1997 realiza su serie braile, Ferrari escribe poemas de amor sobre fotos y esculturas de mujeres, en escritura braile. Durante la dcada del 2000 retorna a sus montajes anacrnicos, pero en este caso trabaja con los mimetismos: el Cristo crucificado aparece camuflado entre un estampado verde militar. En esta etapa, le interesan los elementos kitsch propios de los todo por $2, y el montaje con rejunte de elementos variados, mostrando la variedad y el colorido de la posmodernidad, pero con un tono crtico: soldaditos de plstico, armas, aviones y elementos que entremezclan lo ldico y lo violento. Teniendo en cuenta la descripcin de sus principales obras, entonces, podemos asegurar que en Ferrari hay 2 vertientes principales: la figurativa, dada por sus montajes anacrnicos y series de collages, y la abstracta, dada por sus esculturas de alambre y sus manuscritos ilegibles. Pero en ambos casos, sus obras poseen una naturaleza conceptual, una bsqueda de transmisin de mensaje. Como Ferrari la describe, su obra gira en torno a el arte de los significados, y es tan potica como poltica. Como reconocimiento a su extensa y comprometida trayectoria, Ferrari recibi en 2007 el Len de Oro en la Bienal de Venecia, uno de los mayores galardones que pueden otorgrsele a un artista plstico. A fines de 2004, Len Ferrari realiz su Retrospectiva. Obras 1954-2004 en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires, pactada entre el 30 de noviembre de 2004 y el 29 de enero de 2005. Nunca antes una exhibicin haba suscitado debates o expresiones pblicas capaces de afectar esferas tan diversas (artstica, religiosa, poltica, jurdica). El impacto que inicialmente produjo la exposicin fue diferencindose en distintas problemticas relativas a los lmites del arte, la libertad de expresin, la relacin entre la cultura y la Iglesia, entre sta y el Estado, la financiacin de la cultura y la responsabilidad de las instituciones pblicas. Excedi su mbito especfico e intervino en otras agendas que, en ese mismo momento, estaban en debate (la ley de educacin sexual, la legalizacin del matrimonio homosexual, las campaas de prevencin del sida) y que no solo involucraban las polticas pblicas del Estado, sino tambien las posiciones sostenidas por la Iglesia. Asimismo, la muestra habl de las posiciones acerca del lugar del arte y consideraciones sobre las distintas concepciones del hecho artstico. Pero antes de proseguir con el anlisis, cabe mencionar qu se expuso y qu sucedi en la retrospectiva de Ferrari. Las obras expuestas comprendieron el perodo de produccin 1954-2004, descripto anteriormente. De hecho, todas las obras mencionadas en este apartado sobre Len Ferrari fueron expuestas en la retrospectiva en cuestin. Bsicamente, las imgenes que ms impacto causaron fueron las palabras ajenas y sus ideas para infiernos, en las que Ferrari somete a imgenes de la santera catlica a los mismos tormentos que se anuncian para los pecadores e incrdulos. Reproduzco la idea de infierno, pero en lugar de hacerlo con las personas comunes, lo hago con los propios santos que abonaron la idea de infierno, declar Ferrari. As, aparecen imgenes de Cristos de plsticos metidos en tostadoras, o un conjunto de santos en una sartn, o una Virgen en una licuadora. Ferrari presenta estas series como una investigacin sobre la conducta de los dioses bblicos y la violencia contenida en las pginas de las Sagradas Escrituras, y para ello parte de imgenes clebres y consagradas de la historia del arte y la cultura, las cuales utiliza para representar la violencia en sus distintas articulaciones dentro de la cultura de Occidente. A la luz de tan provocativas obras, hubo amenazas de bomba, actos violentos de personas aisladas o grupos que al grito de Cristo Rey rompieron obras y alteraron el orden pblico, lo cual llev a que el Poder Judicial clausurara temporalmente la exhibicin. Lo que la retrospectiva de Ferrari dej en tela de juicio fue el problema de interpretacin. Palabras como libertad, discriminacin, responsabilidad, censura u orden pblico son trminos cuyo significado (y consecuente instrumentacin) no es fijo, sino que vara de acuerdo con el que previamente les atribuye quien los usa. Entonces, el sentido que se concede a cada trmino incide en la definicin de los otros, y tal relacin es de orden ideolgico. Un hecho visible, que se torn particularmente visible durante la exhibicin, es que no hay una forma nica de entender qu es la
191
Arte, culturas y estticas cultura en democracia. Tambien destaca el hecho de que conceptos como libertad de expresin u orden pblico, que se pronuncian con el fin de alinear voluntades, deben ser considerados en sus contextos de enunciacin, ya que stos permiten analizar ideolgicamente qu forma de democracia implican y, en consecuencia, demostrar que cada concepcin est vinculada a un sistema de valores y a un punto de vista que representa a un sector de la sociedad. Por ltimo, es importante sealar que el anlisis del uso de cada uno de estos conceptos hace evidente que el valor que se les asigna depende de la competencia intelectual de quien los utiliza. Palabras como discriminacin, responsabilidad, censura u orden pblico, enunciadas como trminos de autoridad, no tienen un sentido definitivo. Se puede argumentar sobre lo que representa la libertad de expresin, pero no demostrar en forma absoluta cules son o deben ser sus lmites. Esto no es diferente de lo que sucede con la calidad artstica de una obra, sobre la que puede argumentarse persuasivamente tanto en un sentido como en otro completamente contrario. El juicio esttico es histrico y, en definitiva, subjetivo. Las instituciones que exhibieron la obra de Len Ferrari conocan sus aspectos polmicos y, en este sentido, tomaron decisiones acordes con la responsabilidad que implicaba exponerla. De algun modo, la confrontacin tambien se dio porque, a metros del Centro Cultural Recoleta, est erigida la Iglesia del Pilar, institucin que de alguna manera vela sobre el contenido moral que puede exhibirse a su alrededor, incluyendo los salones del Cultural Recoleta. Hubo recursos de amparo que se elevaron a la jueza Liberatori, quien en vez de pedir que se retiren las obras que contenan los 51 insultos a Jesucristo, 24 a la Virgen Mara, 27 a los ngeles y santos, 3 directamente a Dios y 7 al Papa , decidi clausurar la muestra. All, se involucr el Poder Judicial, y nuevamente se entra en debate acerca de la libertad de expresin, lo cual lleva a preguntarse qu es ms relevante para quienes sostienen el valor de la democracia: si la libertad de expresin o la armona del orden pblico. No hay acuerdo nico sobre este punto. Sin embargo, la libertad de expresin es un valor que todas las partes sostienen y dicen defender. El cierre dispuesto por la jueza desencaden mayores expresiones pblicas de rechazo hacia su decisin que aquellas en contra de la muestra que se haban realizado. En sntesis, dicho cierre no contribuy a mantener el orden pblico, sino que tuvo el efecto de alterarlo aun ms. Llegados a este punto, es necesario formular una pregunta que recorre distintos discursos sociales y, con particular nfasis, aquellos sobre el arte: Debe gozar el arte de una completa libertad, o estar sujeto a algn lmite? A partir de la modernidad, el arte se independiz de la esfera del Estado y de la Iglesia, y as sus lmites y formas de organizacin dependen de sus actores, de su propio funcionamiento, y no de lo que establezcan otros poderes. Que esta independencia es relativa y no absoluta qued demostrado en este caso, en el que fue la justicia la que cerr y luego reabri la exposicin. Cmo se regulan los lmites del arte en el interior del campo artstico? Son los museos, los crticos, los historiadores, los propios artistas quienes han de determinar qu se debe y qu no se debe exponer? Es inherente a la expresin creativa la posibilidad de romper con los lmites de lo establecido. Desde esta perspectiva, la creatividad artstica desempea un papel central en la transformacin de la sociedad, de las creencias de los principios constitudos. Los temas que Ferrari aborda en sus obras no representan solo su pensamiento. Como l mismo seala, sus opiniones acerca de la religin coinciden con autores como Antonin Artaud, Sigmund Freud, el Marqus de Sade o Jos Saramago, entre otros. En un sentido general, la produccin de Ferrari se encuentra estrechamente ligada a la tradicin del dadasmo y del conceptualismo poltico como estrategia del arte conceptual. Ferrari presupone que su trabajo causa un shock. Ese efecto, podra decirse, es parte de los dispositivos de sus obras. Es una estrategia de provocacin que no est al margen de las tradiciones de las vanguardias histricas. La obra de Ferrari compromete cuestiones morales y frente a ella es imposible permanecer en un estado contemplativo como el que nos propone, por ejemplo, una obra de abstracto. Esta polmica forma de presentar el arte nos interpela, nos lleva a tomar una posicin ideolgica, requiere nuestra opinin. La retrospectiva de Ferrari no solo fue el homenaje a un artista extraordinario y el reconocimiento de su obra, sino tambien un hecho artstico colectivo, en el que gran parte de la sociedad particip de la compleja tarea de establecer y sostener el sentido de la cultura en democracia.
192
Arte, culturas y estticas entidades socio-culturales y de cierto pblico que alienta y aplaude todo lo que se produce para su halago y evita encontrarse con obras que conmuevan sus prejuicios o le produzcan emociones profundas. La emocin mermelada es falsa, superficial, almibarada y slo alcanza el escaso nivel del sentimentalismo. La idea de vanguardia est muy presente en el pensamiento de Renzi.Cuando los grupos de vanguardia de Rosario y Buenos Aires nos juntamos a discutir cual era el camino a seguir, detectbamos dos cosas: una, que no podamos seguir trabajando con las instituciones tradicionales, incluso tradicionales a la vanguardia; y tambien visualizbamos la potencia particular de juntar esos dos trminos: la vanguardia esttica y la vanguardia poltica. La ideologa revolucionaria de ese momento (1968), generalmente el marxismo, coincidente con ciertas posiciones como las del Mayo Francs o como la Revolucin cubana, que creaba la idea de revoluciones puntuales en Latinoamrica, esto es, la actitud de vanguardia poltica, y por otra parte, la forma vanguardia esttica, juntas, creamos que un punto muy importante, que no tenan por qu estar separadas. Eso era lo que nos diferenciaba de la primera vanguardia del Di Tella, la ms asociada con el pop, en el sentido de que ellos pensaban que se poda ser de derecha y de vanguardia. Nosotros sostenamos que no se poda pensar de derecha y de vanguardia, y ademas, si se era de izquierda eso se tena que hacer explcito tambien. Las palabras de su manifiesto sobre la cultura mermelada era no solo un golpe a los institucionalismos, sino tambien a los aparatos legitimadores del arte, y a la mismsima modernidad. Dice Renzi, en agosto de 1968: la concepcin vanguardista como una insercin inquietante en los esquemas culturales burgueses choca irremediablemente con un fenmeno, hasta ahora, histricamente irreversible (...), la prdida de virulencia (...) y la indefectible absorcin y consumisin de esos productos por parte de quienes eran los destinatarios del ataque. Renzi entenda que la vanguardia iniciaba como revolucin, pero inevitablemente era avalada, institucionalizada, suavizada y finalmente vaciada de contenido. Por eso esquiv las instituciones artsticas, consideradas por l como esa cultura blanda, mermelada, estticamente bella y cmoda al gusto burgus. Incluso, en 1971, cuando lo nombraron como uno de los impulsores del arte conceptual argentino quizas en un intento de institucionalizar su apellido- Renzi aclar: ahora lo que est de moda es el arte conceptual (renovar el stock peridicamente para incentivar la venta de su mercanca propia de la cultura burguesa), y resulta que soy (al menos para algunos crticos) uno de los responsables de la iniciacin de ese fenmeno, junto con mis compaeros de los ex grupos de artistas revolucionarios de Rosario y Buenos Aires en los aos 67-68. Esta afirmacin es errnea. Como es errnea toda intencin de vincularnos a dicha especulacin esttica. A continuacin enumero las razones que nos diferencian. De nuestros mensajes: 1) No nos interesa que se los considere estticos; 2) Los estructuramos en funcin de su contenido; 3) Son siempre polticos y no siempre se transmiten por canales oficiales como ste; 4) No nos interesan como trabajos en s, sino como medio para denunciar la explotacin. En consonancia con estas ideas, Renzi y su grupo protagonizaron varias acciones artsticas, e intervenciones urbanas. Quizs la ms recordada fue cuando en Rosario interrumpieron una conferencia del en ese entonces director del Di Tella, Jorge Romero Brest, en lo que el grupo denomin una accin comando. Se trat de un asalto a la conferencia en la que hablaba Romero Brest, al cual interrumpieron para proclamar las consignas de un arte que sera revolucionario, y defenestrando la propuesta blanda e institucionalizada del Di Tella. Otra fue la accin de las fuentes rojas, realizada en Buenos Aires, en octubre de 1968, cuando se cumpli un ao de la muerte del Che Guevara. La accin consisti en teir de rojo el agua de las fuentes pblicas de Buenos Aires, en alusin a la sangre del guerrillero asesinado. Estas acciones tienen una clara relacin con las acciones de militancia poltica de izquierda, agrupacio nes a las que los miembros del grupo pertenecan. El panfleto poltico y social, en ese sentido, fue otro soporte explotado por el artista. Renzi tambien dira que si uno quera transformaciones en el arte, era porque quera transformaciones en la sociedad. Luego de Tucuman arde, del cual fue cabeza visible junto a Len Ferrari, en 1968, Renzi deja de pintar y producir obra, por voluntad tica. Se muda a Buenos Aires, y el traslado opera como catalizador cuando llega el momento crtico en que el deseo de pintar se enfrenta a esa empecinada abstinencia. Dej de pintar durante ocho aos y volv a hacerlo para no morirme, o al
194
Arte, culturas y estticas menos para no volverme loco. Aunque empec a hacerlo casi a escondidas, pensando que no iba a exponer nunca ms. A partir de 1976, Renzi se sumerge en un realismo visual cuya premisa era borrar toda huella de la artesana de la mano, y al mismo tiempo combatir todo conceptualismo y vanguardismo entre comillas- de la poca. As, represent obsesivamente mesas tendidas e intactas, rincones de la cocina y otros espacios interiores, utensilios domsticos (platos, cacerolas, cafeteras, tazas), retratos familiares (su primera comunin) y su propio autorretrato. La soledad de los objetos y personas es suficientemente elocuente, y provoca una sensacin de opresin angustiante. Lo cotidiano se vuelve un tema recurrente, aunque su tratamiento visual lo coloca en un nuevo lugar: no el cotidiano, sino el de la pintura. Renzi evoca el espacio privado del que no se puede salir, el encierro, la soledad, el aislamiento, los personajes vacos de expresin, o de espaldas al espectador, ausentes, plasmados en pinturas meticulosas y obsesivas que aparentan hablarnos de cosas intrascendentes. En mirando al cielorraso, de 1978, la escena muestra el ngulo superior de una habitacin, como quien mira para arriba, y una bombita elctrica colgando del techo. La lectura descriptiva de esta obra nos dice eso, pero la fecha en la que la pinta puede hacer alusin a los interrogatorios realizados en la poca de la dictadura, en que los interrogados eran atados a una silla e inmovilizados, y quizas solo podan ver ese cielorraso de la pintura de Renzi. Una obra clave es el da de la primera comunin, de 1977. En esta obra los personajes parecen detenidos en el tiempo, todos representados de la misma manera, como sin vida, congelados. Les faltan referencias culturales que puedan identificarlos con un lugar, por lo cual se podra decir que estn desterritorializados. Representados con una frialdad y un naturalismo excesivo, Renzi toma un tema corriente y lo vaca de su contenido, nuevamente acentuando el encierro y la soledad, sensaciones sociales en boga en 1977. A pesar de su naturalismo excesivo, la luz en las escenas de estas pinturas dan un clima extrao, casi artificial. A partir de la dcada del 80, Renzi incursion en el neoexpresionismo, con trazos espontneos y chorreados, oponiendose as a su anterior etapa. En sus pinturas comenzaron a aparecer citas a artistas consagrados del arte moderno, como Malevich, Van Gogh o la serie dedicada al Der Blaue Reiter. A finales de los 80 se dedic a pintar cuadros plagados de signos, como la estrella, el martillo o las letras. Sobre el final de su vida, realiz pinturas en las que los textos, con letras muy coloridas y legibles pero entrecortadas por formas abstractas, abarcan toda la superficie del cuadro. Un mural con esta esttica puede apreciarse en el anden sur de la estacin Medrano de la lnea B del subte porteo. La ltima obra que Renzi pint fue fantasa pompeyana, una cita reelaborada en base a una postal del Mural de Villa de Los Misterios, de Pompeya. Renzi toma el fondo abstracto del mural original, y lo tie de un rojo ms intenso, contraponiendo frutas suspendidas en el espacio, y formas como transparentes, vacas, que dejan leves huellas, como si se tratara de rastros de la memoria, personal y social, que buscan hacerse accesibles en formas, sombras y colores. Juan Pablo Renzi ha sido uno de los ms comprometidos artistas nacionales. Crtico y multifactico como pocos, defendi la libertad creativa y denunci todo acartonamiento o amoldamiento de la actividad artstica, replanteando cul es el rol del artista de vanguardia.
195
Arte, culturas y estticas El conceptualismo argentino se expres de maneras muy diversas, y hay tantas propuestas como actores. Algunos artistas conceptuales a destacar son: Luis Fernando Benedit (1937-), arquitecto, quien con su proyecto juguete realiza obras escultricas y pictricas en base a dibujos de su hijo, revalorizando el sentido ldico del arte; y Clorindo Testa (1923-), tambien arquitecto y pintor, se destac por su vasta y variada obra, y trabaj el tema de la peste, la enfermedad y la contaminacin ambiental. Pero ellos son solo ejemplos aislados. A continuacin desarrollaremos a 2 autores de especial importancia. Oscar Bony (1941-2002) fue un precursor del videoarte, del arte de concepto y de la instalacin en la Argentina. En las Experiencias 1968 del Di Tella expuso la familia obrera, un operativo de explcito contenido poltico, social y tico. La obra consista en una presentacin en vivo de una autntica familia, integrada por tres personas (padre, madre e hijo), sentados sobre una tarima. El sentido de la obra se completaba con un pequeo letrero con los datos personales del jefe de la familia: Luis Ricardo Rodrguez, matricero de profesin, percibe el doble de lo que gana en su oficio por permanecer en exhibicin con su mujer y su hijo durante la muestra. Poco despues, convencido de que el arte deba involucrarse en la vida, Bony abandon la prctica artstica. Recien en 1975, despues de un largo viaje por Europa, retorn a la pintura con la serie cielos y nubes, un conjunto de cuadros de extraa objetividad realista, prximos a la fotografa. Luego de alternar entre Europa y Argentina, se instala en Buenos Aires y en 1994 presenta su primer conjunto de obras baleadas, tituladas objetos de amor y violencia. Son cuadros con vidrios astillados y planchas de plomo perforadas con disparos de armas de fuego y en las que, en las referencias tcnicas, Bony especifica, por ejemplo: disparos de revlver Smith & Wesson 32 sobre blindex. Con esta muestra se inici la serie de trabajos dedicados a la violencia y a la muerte. En 1996 expuso fusilamientos y suicidios, un conjunto de fotografas de paisajes y de cielos, enmarcadas y perforadas a balazos, con los vidrios cuidadosamente astillados. Dos aos ms tarde presenta el triunfo de la muerte, en donde se destacan los autorretratos fotogrficos baleados, en donde Bony, indiferente a la muerte en el momento de la toma, rueda por las escaleras, da saltos o grita. La angustia por la muerte y la referencia a los lmites de la vida fueron uno de los temas ms recurrentes de la obra de Bony. Una de las figuras emblemticas del arte conceptual argentino es Vctor Grippo (1936-2002). Trabaj con la pintura, la instalacin y el arte cintico, y desde principios de la dcada del 70 permaneci alejado de toda ortodoxia o convencionalismo, inclinandose por una va conceptual solitaria. Su interes radicaba, ante todo, en los significados. La esttica y la tica estuvieron siempre en el centro mismo de su discurso; jams disoci el arte de la vida. Siempre utiliz elementos pobres y se opuso de manera sistemtica a la frialdad annima del universo industrial. Reivindic los objetos simblicos, haciendo nfasis en los procesos alqumicos de esos objetos, sus cambios y mutaciones, para as hacer alegoras de la conciencia humana. Grippo se preocup por desdibujar los mrgenes de lo poltico, lo artstico, lo mtico, lo individual y lo subjetivo. El universo simblico de Grippo est poblado de alimentos simples, de antiguos oficios, de rosas, de hornillos y energas. Abundan los desequilibrios y las transmutaciones. Tambien las frases, propias y ajenas. Un ejemplo de ello es su obra Analoga I (1971), actualmente montada en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. La obra consiste en una estructura de madera geomtrica, regular, blanca, casi minimalista, con cuarenta compartimentos, cada uno de los cuales contiene una papa ligada por electrodos de cobre y zinc, conectadas entre s, en serie y en paralelo, a un voltmetro. Los espectadores que pulsan el voltmetro pueden comprobar la energa (0,7 voltios por unidad). Desde cierto punto de vista, es una batera de papas. Se trataba de aludir a la energa, el mis mo tema de sus obras cinticas. En el centro de la obra, el artista seala la relacin analgica de los tres estados de la papa: la definicin, el uso cotidiano, el no cotidiano (produccin de energa elctrica) y tres situaciones equivalentes de la conciencia: Analoga I. 1. Papa: (voz quechua). Nombre primitivo de la papa que an se usa en Espaa y en toda Amrica. Tubrculo (...). 2. Funcin cotidiana de la papa: alimentacin bsica. 3. Ampliacin de la conciencia: obtencin de energa elctrica (0,7 volt. por unidad). Y all Grippo hace la analoga entre una papa y la conciencia misma: Conciencia: conocimiento, nocin. Deriva del latn concientia.
196
Arte, culturas y estticas Sentimiento interior por el cual aprecia el hombre sus acciones. Nuestra conciencia es nuestro juez. Moralidad-integridad. En el sentido figurado: libertad de conciencia, derecho que reconoce el Estado a cada ciudadano de pensar como quiera en materia de religin. 2. Forma cotidiana de la conciencia: conciencia individual. 3. Ampliacin de la funcin cotidiana: obtencin de conciencia de la energa. As, Grippo toma un elemento de raz cultural latinoamericana, y la vincula con nuestra naturaleza de seres con razn propia, en un mensaje que, ademas, es un llamado de atencin sobre la ignorancia sobre cmo puede usarse una papa o cmo se pueden reformular alternativas sobre algo aparentemente bsico- y adhiere a una postura de preservacin de energa, es decir, una posicin ecolgica. Incluso hay un guio histrico: algunas culturas andinas prehispnicas ensayaban en papas la trepanacin de crneos, haciendo as otra analoga entre el tubrculo y el ser humano. Otra obra de este tipo, en donde la papa es nuevamente el soporte elegido para expresar el concepto, es Analoga IV (1972), compuesta por una mesa comun, sobre la cual se extiende un mantel, mitad de tela de algodn blanca y mitad de terciopelo negro. En cada parcela estan ubicadas tres papas servidas en un plato flanqueado por un cuchillo y un tenedor. En la parcela blanca, las papas son autnticas; el plato es de loza y los cubiertos son de metal; las otras papas, as como los objetos ubicados en el sector negro, son de acrlico macizo transparente. As, Grippo opone dos ideas: de un lado de la mesa est lo visualmente rico, lo tecnolgico y moderno (incomestible), y del otro lado estn los tubrculos extrados de la tierra, que sirven como autntico alimento. Siempre con una postura que pone el acento en la relacin arte-vida, en septiembre de 1972, acompaado por un escultor amigo y un trabajador rural, present el operativo urbano construccin de un horno popular para hacer pan, en la exposicin al aire libre escultura, follaje y ruidos, en la plaza Roberto Arlt de Buenos Aires, en la esquina de Esmeralda y Rivadavia. El horno fue construdo con barro, de acuerdo con las tradiciones del campo argentino, y la accin, segn los actores, tena tres momentos: construccin del horno, fabricacin del pan, particin y reparto entre los transentes. Tambien distribuan una hoja explicativa con las intenciones estticas del hecho. Grippo operaba sacando el objeto del contexto habitual (el campo) para ubicarlo en la transitada plaza portea: introduce lo humilde, domstico y ancentral en la trama urbana moderna. No estaba ausente el sentido de que alimentar al otro es un gesto lleno de amor y de convivencia. La muestra fue clausurada por la polica a las 48 horas de inaugurada. Los oficios artesanales son un tema predilecto de Grippo. En 1978 realiz un trabajo paradigmtico: Tabla. La obra es una humilde mesa de madera, desgastada y manchada, en cuya superficie, un texto escrito por el artista con caligrafa espontnea, describe con tono potico los usos que pudo tener: Sobre esta tabla, hermana de infinitas otras construdas por el hombre, lugar de unin, de reflexin, de trabajo, se parti el pan cuando lo hubo; los nios hicieron sus deberes, se llor, se leyeron libros, se compartieron alegras. Fue mesa de sastre, de planchadora, de carpintero. Aqu se rompieron y arreglaron relojes. Se derram agua y tambien vino. No faltaron manchas de tinta que se limpiaron prolijamente para amasar la harina. Esta mesa fue tal vez testigo de algunos dibujos, de algunos poemas, de algn intento metafsico que acompa a la realidad. Esta tabla, igual que otras, y la transustanciacin de.... En el cajn de la mesa se reitera el mismo texto. As, Grippo invita a reflexionar sobre la historia y los significados de aquellos objetos cotidianos que nos rodean y sostienen como seres culturales. Tambien realiz una serie de valijitas, que describen distintos oficios, y de ellas se destaca su valijita del panadero (1977). Compuesta por un pan quemado, renegrido, colocado dentro de una pequea valija de vidrio que permite verlo, debajo se lee un texto que dice: Valijita de panadero: harina + agua + calor (excesivo), la obra es una metfora de lo que suceda en el pas, con la muerte y cremacin de cadveres durante la dictadura nacional que se desarrollaba al momento de Grippo realizar la obra. Con sta y en la mayora de sus obras, Vctor Grippo exhibe un profundo compromiso con la conciencia y el ser humano.
Arte, culturas y estticas perteneciente al peronismo obrero, un piedrazo en la cara lo dej ensangrentado, como una premonicin de los aires violentos que se avecinaban en el pas. De la violencia verbal ya se estaba pasando a una violencia fsica, e ideolgica. Luego de marzo de 1976, el delito de pensar se pag con la muerte, la tortura, la carcel o el exilio. Dentro del pas se intent dar continuidad a la cultura, como una forma de resistencia frente al autoritarismo. Esta actitud tica fue compartida por artistas de diferentes tendencias estticas. Luego de las experiencias del Di Tella, el todo es arte, la bsqueda de la proximidad arte -vida y el conceptualismo, durante la dcada del 70 en la Argentina y tambien en el mundo- se empez a hablar de la muerte de la pintura. Sin embargo, los artistas que pertenecieron al grupo de Nueva Figuracin seguan vigentes, otras poticas expresionistas se hallaban en etapa de experimentacin plena (como fue el caso de Jorge Demirjin) y surgan nuevas imgenes de tendencia hiperrealista, como las de Ricardo Garabito. Por ende, se hablaba de muerte de la pintura en relacin a su concepcin netamente acadmica pero, en palabras de Danto, lo que haba muerto era un relato homogeneizador en la pintura. En la Argentina de los 70, la pintura fue una plataforma simblica que pudo desarrollar estrategias para hacer llegar mensajes de valor, independientemente de las novedosas tendencias en el campo artstico o las limitaciones y presiones externas que aquejaron a los artistas. En este sentido, pintores y artistas en general tuvieron que generar para sus obras un lenguaje y un cdigo acordes a la realidad poltica y social de la poca. Los artistas, entonces, poblaron sus obras con guios y metforas, reinventando el sentido artstico, y es aqu donde se puede hablar de resurreccin o reformulacin de las disciplinas. Y si bien hablamos de pintura, dentro de la escultura hay un personaje que, en la dcada del 70, incorpor las caractersticas antes citadas: Juan Carlos Distfano (1933-). Las esculturas de Distfano son, en su mayora, realizadas con resina polister coloreada. Segn un crtico de su obra, el centro de sus reflexiones es el cruce entre cuerpo y violencia. En sus obras el cuerpo humano modula torsiones, se extena, se estira, se contrae, se expande, se confunde con los objetos, forzado por distintas clases y grados de violencia. Son cuerpos atravesados (e inscriptos) por el dolor de la violencia social y poltica que caracteriza la historia facciosa y sangrienta de la Argentina. Inscripto dentro de esta intensa trama del campo artstico, la obra el mudo (1973) representa un hombre amarrado sacando su cabeza de un balde con agua; un hombre sometido al mtodo de tortura conocido como submarino. Se trata de una de las ms impactantes obras plsticas argentinas que, lejos de retricas panfletarias, proporciona una imagen-denuncia contundente. La obra permaneci en exhibicin durante los aos de la dictadura, curiosamente. Disloca el cuerpo de la figura, lo retuerce produciendo dolor, casi llegando aproximandose a un tratamiento retorcido similar al de Nueva Figuracin. Resulta sorprendente, cuanto no paradjico, que la potente denuncia que se desprende de la escultura de Distfano lograra eludir censuras y encierros. De este modo, entre 1977 y 1980, mientras que el artista se encontraba exiliado junto a su familia en Barcelona, el mudo formaba parte de la muestra permanente del Museo Nacional de Bellas Artes. En una poca de silencios, exilios y reclusiones, su obra segua diciendo pblicamente. El grueso de las obras escultricas de Distfano muestran al ser humano fragmentado, parcializado y torturado, como si fueran gritos silenciosos. Un artista muy reconocido popularmente, que desarrolla gran parte de su obra en los 70, aunque bastante ajeno a los temas polticos y sociales, es Celis Prez, quien es ms conocido como Prez Celis (1939-2008). De reconocimiento internacional, su obra se expres a travs la pintura, la escultura, el muralismo, y el grabado. Desarroll un estilo abstracto, recurriendo a la fusin de lneas estticas de las culturas amerindias andinas con las vanguardias plsticas internacionales, a la vez de la utilizacin de imgenes de fuerte arraigo en la cultura portea para construir obras de fuerte impacto popular. Una de las particularidades de sus pinturas es que las obras abstractas remiten a los ambientes en los que fueron creadas. As, las obras pintadas en Nueva York adquieren ritmos verticales en relacin a los rascacielos-, o en el Alto Per la paleta cromtica se tie de amarillos, rojos y tierras. Los chorreados de pintura es una de las caractersticas ms reconocibles de las obras de Prez Celis, generando manchas controladas por el artista. Su pasin por el mural lo llev a realizar obras monumentales, como el gran libro, de 5
198
Arte, culturas y estticas metros por 8 metros, que se encuentra emplazado en la Biblioteca Nacional. La luz y el color son protagonistas de sus pinturas, que en algunos casos toman elementos figurativos, sin perder fluidez en el tratamiento matrico. Confeso hincha de Boca, Prez Celis don murales a la cancha de la institucin, y realiz pinturas con el club y sus colores como tema. Dueo de una esttica reconocible, Prez Celis permanece al margen de compromisos sociales o polticos, y su obra como otrora la de Quinquela- se insert en el mundo, haciendolo uno de nuestros ms recientes representantes en el mercado artstico internacional. El cordobs Antonio Segu (1935-) plante con agudeza los diferentes arquetipos sociales del pas, incorporando la stira y la caricatura en sus trabajos visuales. Las circunstancias alienantes de la vida urbana, del hombre aislado en su mundo pivado y alejado de la naturaleza, han sido algunos de los principales temas que Segu abord en su pintura. Sus cuadros se poblaron de hombrecitos vestidos a la usanza de los aos veinte, de ciegos que vagan en los parques, de elefantes que transitan por la pampa, de perros amenazantes. En algunos cuadros incluy recursos propios del comic: textos, flechas y seales diversas, yuxtapuestas a las figuras. En todos los casos el sentido se basa en los mecanismos de un humor puesto al servicio de las reflexiones sobre el hombre. En un inicio informalista, cuando luego se volc a la figuracin incursion en la caricatura, con un guio al dibujo infantil y perspectivas quebradas, similares a las que ejecutan los nios. Con el advenimiento de la dictadura, se provoca en Segu una especie de autocensura: no habla de los temas que quisiera hablar. Aparecen inquietantes hombres solitarios de espaldas al espectador, despersonalizados, que miran detrs de un alto muro, acentuando la incomunicacin y la imposibilidad de poder ver ms all. La obra de Guillermo Roux (1929-) se inscribe entre lo bello y lo terrible. Est lo contradictorio: la belleza y el horror, aquello que se ve y lo que no, presencias y ausencias, lo que se puede decir y lo que se debe evitar pronunciar. Hay un gran detalle en las imgenes, una minuciosidad y detallismo para mostrar una realidad, pero lo ms perturbador es aquello que no se ve. En las pinturas de Roux se dan ausencias, distorsiones y fragmentaciones como prdida de una totalidad. As, mediante estas constantes visuales, Roux reflexiona sobre la totalidad del hombre que se perdi en la poca de la dictadura. Como en la obra de Segu, en Roux hay autocensura. A diferencia de por ejemplo Carlos Alonso, quien desde su exilio pudo abordar ms crudamente algunas temticas sociales, Roux acomoda su discurso, y utiliza las ya mencionadas metforas visuales para decir o no decir-, pero el tema concreto de la realidad social argentina post-ao 76 no se debate abiertamente en su obra. En su obra juego interrumpido (1973), como en otras del autor, se comienzan a palpitar estas ausencias. La pintura en cuestin muestra una silla vieja rota, y como amalgamada a ella las piernitas de un nio o nia, del cual no se ve su torso o cualquier otra parte de su cuerpo que no sea de las rodillas para abajo. A su lado, cado en el pasto, una oveja de juguete completa la inquietante escena. En la banda, una acuarela de 1973, los msicos correctamente uniformados estan atrapados por las sillas que se amontonan sobre sus cabezas, y permanecen impasibles, con manos calmas, como ajenos al encierro. Y en el abanico rojo un modelo masculino sin cabeza y sin torso se abanica su inexistente rostro, como si no se enterara de su propia desaparicin. Si bien Roux pinta con leo, temple, pasteles y tmperas, ademas de incursionar en el collage o en el grabado, a partir de la dcada del 90 prefiere la acuarela. Aunque es un material muy difcil para trabajar, porque no permite enmiendas y el agua distribuye muchas veces azarosamente los colores, Roux logra manejarlo con maestra. Los desnudos son pintados del natural, es decir, con una modelo posando para el artista. La transparencia de la acuarela deja ver los trazos del lpiz y nos habla del gran dibujante y colorista, ya que sus figuras integran composiciones con floreros, lienzos o sillones que enmarcan el color de la piel, tan difcil de lograr, ya que en ella se refleja todo lo que tiene a su alrededor. Es tambien un gran retratista, pero el concepto del retrato para Roux no es representar fotogrficamente, sino tan slo reflejar lo que l ve en el personaje. Es muy normal que la gente diga, al ver algun retrato que le hacen: esa no es mi expresin..., como si uno tuviera una sola expresin en la vida. Como los grandes
199
Arte, culturas y estticas maestros, Roux considera que no es necesario conocer en profundidad la personalidad de quien retrata, sino que simplemente plasma lo que el modelo le dice o le hace sentir en ese momento en el que est posando. Destacado en acuarela y dibujo, ademas de su labor como docente y escengrafo, Guillermo Roux es uno de los artistas contemporneos argentinos ms premiados y reconocidos, y su obra una de las ms interesantes de observar y desentraar.
Arte, culturas y estticas Tambien inicia una serie de retratos de Spilimbergo tal como se lo vea unos aos antes de morir. En 1968 viaja a Florencia donde realiza ms de 250 dibujos referidos a La Divina Comedia de Dante Alighieri, que serviran para la ilustracin de una edicin en castellano que finalmente no se public. Las imgenes son un conjunto de fotografas intervenidas, collages y dibujos, con un lenguaje grfico contemporneo. Alonso dira, sobre estas obras: no me siento un ilustrador, sino alguien que hace algo a partir de una obra clsica y fundamental para la cultura, y que trata de encontrarle puntos de coincidencia con nuestra poca. El infierno que interpreta Alonso va ms all de lo que cuenta el Dante: est tambien en Vietnam, las villas miseria, el hambre de los nios y la tortura. Ernesto Sbato elogia las obras: no hace ilustraciones sino interpretaciones, obras de valor plstico propio. Y no digo autnomas, porque de una manera u otra deben guardar relacin con la obra literaria. Pero es una relacin a la vez entraable y de vuelo personal. A principios de la dcada del 70 Alonso participa de muestras colectivas como El Che vive o el mural Hambre, basta, y exposiciones en repudio a represiones policiales. Muchas de estas obras son censuradas o retiradas de los salones de exposicin por la ltima dictadura militar argentina, como pas con La leccin de anatoma, en la cual, partiendo de la obra de Rembrandt del mismo ttulo, Alonso cita a esa pintura y coloca al cadver del Che Guevara como motivo del cuadro. En 1974 realiza su primera exposicin en homenaje a Vincent Van Gogh, quien es, segn la opinin de Alonso, la visin del arte despojado de literatura, ya que reflej lo cotidiano, lo sencillo, lo que le rodeaba. La carne y el cuerpo han sido dos temas muy recurrentes en la obra de Carlos Alonso. La carne, como metfora del pas y como metfora desgarrada del cuerpo humano reiteradamente mancillado, horadado, desollado y torturado. Durante la dcada del 70 principalmente, pero en otros momentos de su historia como artista tambien, Alonso explot esta metfora, haciendo un paralelismo entre la vaca y as con la economa y la identidad argentina- y el ser humano. En las ilustraciones de El matadero ya est presente esa metfora, en la que el cuerpo-mercanca es violentado y desgarrado por voluntad de unos pocos poderosos: en algunos casos son los terratenientes del campo, en otros casos los poderes militares y polticos. En su serie hay que comer, realizada entre 1965 y 1978, los temas giran en torno al campo, y los protagonistas son los estancieros y terratenientes del campo, personajes poderosos que posan orgullosos junto a las reses de vacas sangrantes colgadas en los congeladores, entre las cuales a veces aparecen cuerpos humanos colgados, mutilados. All descansa una metfora violenta, que no es una alusin directa, sino un guio a la realidad poltica y social que se avecinaba. Sin ir ms lejos, unos pocos meses antes de marzo del 76, Alonso realiza una instalacin llamada manos annimas, en donde se observa una habitacin allanada, un militar con un arma, un personaje medio de espaldas que con sombrero y piloto inquieta al espectador porque parece mirar sin ser visto, un cadver en el piso, reses vacunas que cuelgan al lado de partes humanas, una camisa con sangre, un ropero registrado. Ac, la imagen es una triste premonicin, escapa a la esfera netamente artstica, e incluso anuncia una tragedia inevitable. Este conjunto escultrico fue realizado en tamao natural, con papel mach, pero nunca fue exhibido, por lo cual fue destrudo y solo se conservan registros fotogrficos. Alonso se exili en Europa durante los aos de la dictadura, donde trab gran amistad con Antonio Berni. Durante este perodo, su mujer y su hijo seran sus modelos predilectos, por lo cual el retrato y la figura humana es uno de sus temas ms explotados. Tambien realiza una serie dedicada al tango, en donde las parejas de baile se relacionan sensualmente. Luego de recibir la noticia de la desaparicin de su hija mayor en Buenos Aires, Alonso se muda a Madrid, en donde hace obras y retratos referidos a grandes pintores como Courbet y Renoir. Ademas pinta paisajes de la ciudad en donde vive, con una paleta clara y luminosa. Frente al paisaje no busca mostrar en detalle las edificaciones, sino reflejar la luz de su modelo. Es el ambiente, el clima del lugar, lo que interesa mostrar en la obra. Regres a Argentina en 1981 y se estableci en Unquillo, un pueblito en las sierras de Crdoba, justo arriba de la casa donde su maestro Spilimbergo vivi sus ltimos aos. Desde ese ao, realiz innumerable cantidad de obras y exposiciones en todo el pas y en el exterior. Carlos Alonso es un excepcional retratista. El hombre y sus circunstancias son el tema central de su obra, que tiene un fuerte contenido testimonial: son los conflictos humanos los que me llevan a encarar la pintura. Los que ponen en marcha mi trabajo. No pienso en cuadros: pienso en encontrar
201
Arte, culturas y estticas metforas plsticas que contengan la temperatura de mi circunstancia personal con lo que pinto... . En su vasta produccin artstica estan presentes los desnudos femeninos, la figura humana y el paisaje, y tambien trabaja por series, como la dedicada a su maestro Spilimbergo o a Van Gogh. Dijo Alonso de sus retratos: no soy un pintor de parecidos. Son ms bien cuadros evocativos, dira, porque son hechos de memoria: es ella la que recoge las puntas de lo memorable para m, lo que queda. Eso, mezclado con lo mo, con otros recuerdos. Y sobre todo, con las circunstancias. Ninguna de las tcnicas visuales le es ajena: el grabado, el dibujo y la pintura son acometidas simultneamente por el artista. Que siempre haya considerado al dibujo como algo individual y autnomo puede comprobarse por la gran cantidad de exposiciones que realiz, en la que el lenguaje del dibujo y la lnea han sido los protagonistas. Es uno de los pintores contemporneos ms populares de la Argentina, y considerado uno de los ms grandes dibujantes de todos los tiempos. Dijo Rafael Squirru: si Alonso es un eximio pintor, no exagero al afirmar que es un genio del dibujo. El talento tcnico y el profundo compromiso social, poltico e histrico con las races argentinas, hacen de Carlos Alonso uno de los artistas nacionales ms importantes de toda su historia.
Arte, culturas y estticas combinara el rock y el folk; Ral Porchetto y Pedro y Pablo, entre otras bandas. Estos grupos no solo se inclinaron hacia el folclore argentino en busca de inspiracin, sino tambin hacia otros sonidos latinoamericanos. La proliferacin de estas bandas y su creciente popularidad, sumado al hecho de que a comienzos de la dcada se dio el auge del movimiento hippie en la Argentina, llevaron al acusticazo de 1972. Dentro de esta tendencia, destaca Sui Generis, banda conformada por Charly Garca (1951-) y Nito Mestre (1952-). La banda existi entre 1971 y 1975, y su nombre significa su gnero o nico en su especie en latn. En 1972, Sui Generis saca su primer LP, vida, que se convierte en un xito instantneo entre la juventud argentina con clsicos como cancin para mi muerte. Tambin seria uno de los primeros grupos que inicio el famoso formato fogn, con temas que podan ejecutarse solo con una guitarra acstica. Luego de ese disco editaron confesiones de invierno (1973) el cual signific un mayor xito debido a la publicidad y a un mejor equipo de realizacin aunque conservaba el estilo del primer lbum. Para 1974 se grab el lbum pequeas ancdotas sobre las instituciones donde la banda se presenta en un formato elctrico, con la inclusin de tres integrantes a la banda: Rinaldo Rafanelli (bajo), Juan Rodrguez (batera) y David Lebon (Guitarra, despus dejara el grupo). As tambin, Charly, adems de usar un piano, agrego los nuevos sintetizadores que venan de Europa y Estados Unidos. El disco tuvo una referencia completa a la situacin de represin y censura del momento, tanto que el ttulo original, instituciones, tuvo que ser cambiado; varias canciones fueron modificadas, y dos de ellas (botas locas y Juan Represin) debieron ser sacadas y cambiadas por otras. En 1975, Sui Generis empez a tener problemas internos, Nito Mestre no estaba conforme por los cambios y la nueva direccin que estaba tomando la banda, los nuevos miembros del grupo no fueron bien aceptados por el pblico y Charly Garca estaba cansado de los fans y los productores que buscaban solamente escuchar el viejo estilo de Sui Generis. Finalmente, el 5 de septiembre de 1975, Sui Generis se despidi con un concierto en el estadio Luna Park, con dos recitales en la misma noche y al menos 30 mil personas presente, que sellaron el adis de este grupo argentino. A mediados de los 70 el rock progresivo domina la escena musical portea. Tomando elementos estilsticos del rock progresivo y sinfnico desarrollado en Estados Unidos y Europa, se popularizaron bandas como Crucis y Espritu, entre infinidad de otras agrupaciones, muy ricas y variadas en estilo y contenido musical. Charly Garca impuls La mquina de hacer pjaros, una agrupacin formada por l, Carlos Cutaia, Oscar Moro, Gustavo Bazterrica y Jos Luis Fernndez. Aunque no tuvieron una aceptacin por parte del pblico, la crtica les elogi y, con el tiempo consigui un lugar indiscutido dentro de la historia del rock progresivo nacional e internacional. Con tan solo dos discos (un autotitulado, de 1976, y pelculas, de 1977), La mquina de hacer pjaros despleg un virtuosismo instrumental y compositivo pocas veces visto. Sin embargo, para el ao del debut del segundo disco, la banda se separara, y la llama del rock progresivo nacional se extinguira de a poco. Garca en 1978 form una de las superbandas ms importantes del rock nacional: Ser Giran. Junto a David Lebn, Pedro Aznar y Oscar Moro, Garca ciment a una de las agrupaciones ms slidas musical, conceptual y escenogrficamente hablando, mezcla de rock, jazz fusin y rock progresivo, entre otros estilos. Su primer disco, de 1978, fue grabado junto a una orquesta de 24 msicos, inclinndose as al rock sinfnico, que en un inicio no tuvo aceptacin, pese a que el disco contena clsicos como Seminare o Eiti Leda. Un ao ms tarde, apareci la grasa de las capitales con un cambio en la temtica sonora del disco: las canciones son ms directas, los instrumentos suenan en un primer plano sin el agregado de cuerdas. Viernes 3 am y noche de perros son los picos ms altos de la genialidad que denota el segundo lanzamiento de Ser Girn. Viernes 3 am sera censurada durante un tiempo en las radios porque se la consideraba una cancin que incitaba al suicidio. Este disco fue el que catapult a Ser Girn como uno de los grupos ms populares de la poca en Argentina. En 1980, vio la luz Bicicleta, un disco que relat con delicada y admirable exactitud la realidad argentina de una poca poltica nada fcil bajo la dictadura: cancin de Alicia en el pas y encuentro con el diablo son las canciones que mejor exponen aquella realidad social. En cancin de Alicia en el pas, Garca pinta de cuerpo entero la realidad argentina, mediante metforas que los censores no llegaron a captar. Bicicleta tambin contiene la nostalgia de Charly Garca en composiciones como A los jvenes de ayer y Mientras miro las
203
Arte, culturas y estticas nuevas olas. El disco Bicicleta nombre que en un principio Charly haba propuesto para el grupo, pero rechazado por el resto fue presentado oficialmente en el estadio Obras, en junio de 1980. En el escenario haba ruedas de bicicleta, conejos y flores, lo que llam la atencin de pblico y prensa, por ser el primer grupo que tena algn tipo de preocupacin por la puesta en escena. Ser Girn haba delegado la responsabilidad escenogrfica a Renata Schussheim, artista plstica y vieja amiga de Charly. A partir de Bicicleta, Ser Girn comenz con sus grandes shows. En agosto de 1980 se presentaron en el Monterrey Jazz Festival, de Ro de Janeiro, Brasil. Por lo general, los argentinos que iban a ese festival estaban ms vinculados al jazz o al tango que al rock progresivo que propona Ser. Ese ao el concierto se dividi: En la primera parte, se presentaron Ser Girn, el guitarrista estadounidense Pat Metheny y George Duke. El xito obtenido por los argentinos fue tal, que los organizadores les ofrecieron volver a tocar en la segunda la principal junto a John McLaughlin, Hermeto Pascoal, Egberto Gismonti y el grupo Weather Report. La presentacin fue un xito entre el pblico, respuesta favorable que residi en la variedad de matices en los temas, algunos, con una cadencia que invitaba al baile. Cuando Aznar decidi dejar la banda para ir a estudiar jazz al exterior, luego de editar el disco Peperina, se organiz una serie de recitales para despedir al bajista. El futuro de Ser Girn era incierto. Comenzaba 1982, se avecinaba la Guerra de las Malvinas, y el disco grabado en esos recitales, no llores por m, Argentina, sera una de las placas ms vendidas en ese ao. El tema homnimo transformado casi en un himno-, y otras composiciones como en la vereda del sol, cunto tiempo ms llevar y Eiti Leda, lo convirtieron en un disco imprescindible, relato y sello histrico de la poca. Ms avanzado el ao, las diferencias entre Garca, Lebn y Moro (en especial de los dos primeros) acerca de cmo reemplazar a Aznar y del futuro del grupo hicieron que la banda decidiera disolverse. Una reunin del cuarteto se dio en 1992, para editar un disco con nuevas canciones, llamado Seru 92.
204
Arte, culturas y estticas numerosos paros generales, Alfonsn se vio obligado a renunciar para hacer la entrega anticipada del mando con seis meses de anticipacin a Carlos Sal Menem.
Arte, culturas y estticas acontecimientos polticos nacionales, y toc el tema de las movilizaciones callejeras. En 1977 comenz a hacer sus alambrados: pinturas en las que aparecan los alambrados tejidos que suelen delimitar un permetro, encerrando cosas. Esos alambrados aparecen a veces rotos, pero tensos, sobre edificios y paisajes naturales, aludiendo al encierro forzado y a la dificultad de recuperar la libertad. Tambien realiz una serie en la que se muestran edificios paradigmticos de las instituciones nacionales quebrados, con partes desplazadas, desestructurados como si una sbita hecatombe les hiciera perder su estabilidad y su orden. As aparece el Saln Blanco de la Casa de Gobierno, el Palacio de Tribunales y otros lugares similares, haciendo una alusin directa a la fisura y el desmoronamiento del credo en las instituciones pblicas. Pablo Surez (1937-2006) fue un pintor y escultor que realiz una crtica social amparado en la irona y el humor. Inventa personajes como el Narciso de Mataderos, que se est mirando al espejo y tiene los dientes sucios de verdura. Surez aborda el tema del excludo, o de la exclusin de las clases sociales marginales, con caractersticas grotescas, que le permiten hacer una parodia de la sociedad, y en esa parodia hay una crtica, cosa que no se da prcticamente en los 80. El artista logra, de manera vibrante, transmitir el vrtigo y el terror de estar afuera del sistema. Surez es tambien un referente ineludible del arte argentino en los 90. Una obra emblema es exclusin (1999), una pintura-escultura, en la que se observa la figura de un hombre de torso desnudo colgado del lado de afuera de la puerta cerrada de un tren. As, Surez ms que una metfora muestra una ancdota, hace una observacin y una crtica del transporte pblico, la exclusin y los menesteres de la vida urbana. Ya en los 60 se habl, por un lado, de la lnea neoconservadora, que se enfoca en la vuelta de la pintura. Los artistas descriptos en los prrafos anteriores, y Guillermo Kuitca (a quien destacaremos como prrafo aparte) pertenecen a esta lnea narrativa, dentro de la dcada del 80. Pero tambien se mencion a la llamada lnea duchampiana o post-estructuralista, que le da importancia a la reflexin sobre la realidad, antes que a la reflexin sobre el lenguaje artstico. De este conjunto de la postestructuralista en Argentina de los 80 (porque en los 90 hay ms), destaca el grupo Escombros. Es un conjunto de artistas con una clara intencionalidad poltica y social en su mensaje, que empiezan en 1988 como grupo de arte callejero. Entre 1989 y 2008 organizaron acciones e intervenciones del lugar pblico, en las que participan artistas de todas las disciplinas y pblico en general que se convierte en co-autor: Arte en las Ruinas, La Ciudad del Arte, Recuperar, Arte en la Calle, Arte a la Deriva, Madre Tierra, Crimen Seriado, Todos o Ninguno, La Mirada de Jos Luis, El Bosque de los Sueos Perdidos, El Sembrador de Soles, Juguetes Solidarios, Protesta contra el Hambre, La Costura de las Fallas, entre otras. Sostenemos a la solidaridad como el mximo valor, dicen en su primer manifiesto, titulado la esttica de lo roto. De hecho, el sub-rtulo del Grupo, con el que se identifican y explican su nombre Escombros, es artistas de lo que queda. Ellos operan como un grupo, no hay individualidades, y presentan sus obras tambien dentro del museo, cuestionandolo, mientras que fuera de l toman un no lugar y lo transforman en un lugar, se lo apropian, le dan una identidad. El no-lugar, un lugar en el anonimato, abandonado y lleno de desperdicios, lo limpian, lo arreglan y lo estructuran, lo sacan del no-lugar, y lo resignifican con sus obras e intervenciones, que llevan a la reflexin poltica y social. Con el Grupo Escombros se produce un juicio existencial, es decir: no se trata de si una obra de arte est bien o mal hecha, sino de qu me produce. Y produce de todo. Te aman, te felicitan y te odian. La virtud que tiene el arte de Escombros es que no hay indiferentes. A veces, cada tanto viene un tipo y rompe la obra, es la invasin del espacio sacralizado con cuidado, y quienes se enojan siempre son los polticos , dicen. Realizan performance, instalaciones, arte digital, murales, afiches, grabados, libros de artista, poesas concretas, pinturas. Con sus objetos de conciencia, presentan una obra-objeto cuyo contenido induce a reflexionar sobre el tema propuesto. Tienen, sin excepcin, un contenido tico y social y estn dirigidos a todo tipo de pblico. Algunos de ellos son siembra, una serie de bolsitas con semillas incorporadas, en cuya bolsa se lee para sembrar la nada y dar vida a la muerte; o la instalacin pas de lgrimas, un conjunto de bolsas de polietileno conteniendo agua a manera de lgrimas, que cuelgan del techo, con inscripciones en ellas que indican, por ejemplo: lgrimas de los que no pueden educarse, lgrimas de los que comen basura y visten harapos, lgrimas de los que no tienen ni tendrn trabajo, lagrimas de los que mueren de enfermedades curables, lgrimas de los chicos que mueren
206
Arte, culturas y estticas de hambre o lgrimas de aquellos a los que les robaron el futuro. Tambien destacar a objeto inaccesible, un conjunto de panes presentados como instalacin, en los que cada uno est rodeado por alambre de pa, o quemado, o encerrado en un acrlico transparente, o aplastado, momificado o encarcelados, con textos como en Argentina 40 chicos mueren de hambre por da . As, el pan se presenta como una referencia directa a la alimentacin, pero tambien es analoga del ser humano. El Grupo somete al pan a torturas que sufre tambien el cuerpo. Le dan identidad al alimento, y al mismo tiempo realizan una agudsima crtica y observacin social.
Arte, culturas y estticas de su contexto a ambos elementos, resaltando lo netamente visual: el mapa como dibujo-pintura, el colchn como escultura. A pesar de decir que no hay concepto detrs de sus obras, eso no quita que no tengan un significado. Algunos de los mapas nuevamente tienen una alusin autorreferencial y anecdtica en relacin a la vida personal de Kuitca. Tambien en esta etapa comienza a pintar las plantas arquitectnicas de departamentos. En esta serie, lo que l hace son cosas generales: el sentimiento de angustia en abstracto, el sentimiento de soledad, pero no como una narracin, mostrandola directamente. Muestra las plantas vacas, o con poqusimos elementos, o personajes que estn en una habitacin, solos. Quizas, sobre el plano arquitectnico, pinta un corazn roto, una referencia a la muerte, una corona de espinas o una letra, como signos de que ah dentro, en esos espacios, hay vidas. Nuevamente, como con los colchones, son lugares de interioridad, espacios de distanciamiento, de aislamiento netamente urbano, los que Kuitca quiere exhibir. Cosas conocidas y reconocidas por todos, que estan, pero que no siempre se ven o se concientizan en el espectador-individuo. Guillermo Kuitca ha sido galardonado con infinidad de premios, a nivel nacional e internacional, y realiz numerossimas exposiciones tanto en Argentina como en el mundo. Sus obras son propiedad de los museos ms importantes del mundo, y en Buenos Aires algunas de sus obras pueden verse en el Malba, museo propiedad de su amigo Eduardo Constantini.
Arte, culturas y estticas su obra estuvo censurada durante la dictadura. Con el advenimiento de la democracia, Gieco realiz una obra emblemtica, De Ushuaia a la Quiaca, tres discos en los cuales el guitarrista y compositor recorre, como el nombre del disco lo indica, de una punta a la otra nuestro pas, como un trovador moderno, recogiendo registros musicales autctonos y grabando msica alusiva, rescatando parte de nuestra identidad cultural y musical perdida. Entre los nuevos solistas, se puede mencionar a Juan Carlos Baglietto, Patricia Sosa, Alejandro Lerner, pero fundamentalmente Fito Pez (1963-). El debut discogrfico del rosarino fue en 1984, con el disco del 63, haciendo alusin a su ao de nacimiento. Las composiciones pop-rock de Pez, cuyo instrumento distintivo es el piano, alcanzan una madurez y profundidad en discos como Giros (1985), La La La (1986, disco doble compuesto y grabado junto a Luis Alberto Spinetta) o Ciudad de pobres corazones (1987). Tiene el rcord del disco ms vendido del rock argentino, con El amor despus del amor, editado en 1992, con casi 750.000 unidades vendidas a la fecha. Junto a Garca y Spinetta, se suele situar a Pez como uno de las ms importantes figuras del rock nacional. Quien tambien incursion con una carrera solista a partir de 1984 fue Andrs Calamaro (1961-). Cantante y multiinstrumentista, aunque ms destacado en guitarra y teclados, Calamaro trabaj con gran cantidad de msicos y particip de bandas como Los Abuelos de la Nada, y posteriormente con Los Rodrguez. Otra banda emblemtica que nace en 1985 es Los Fabulosos Cadillacs. Liderada por Vicentico (Gabriel Fernndez) y por Flavio Cianciarulo, es una de las bandas ms importantes de Argentina, con una importante proyeccin e influencia en Latinoamrica. El estilo musical de los Cadillacs es un cctel de rock nacional y americano, murga, reggae, ska y salsa, entre otras influencias. Algunos de sus discos, como Rey Azcar (1995), Fabulosos Calavera (1997) o La marcha del golazo solitario (1999) estan considerados de los ms importantes dentro de la musica latinoamericana. Canciones y videoclips como los de vasos vacos o matador son un testimonio de la versatilidad y talento instrumental y compositivo de la banda. En 1981 un italiano educado en Inglaterra llamado Luca Prodan (1953-1987) llega a Argentina y se instala en Traslasierra, Crdoba, escapando de su adiccin a la herona. Al ao siguiente, con Hurlingham y la zona oeste del conurbano como escenario, Prodan form Sumo, banda integrada ademas por Alejandro Sokol, Germn Daffunchio, Roberto Pettinato, Ricardo Mollo, Diego Arnedo y Alberto Troglio. Con su debut discogrfico de 1985, divididos por la felicidad, que contena hits como la rubia tarada o mejor no hablar de ciertas cosas, Sumo se consagr. Su estilo giraba en torno al reggae, ska y el post-punk de bandas como Joy Division. Luego de una meterica carrera, la adiccin a la ginebra de Prodan acab con su vida, a los 34 aos, vctima de un paro cardaco y una cirrosis irreversible. De la disolucin de Sumo, en 1988, surgieron dos bandas emblemticas: Divididos y Las Pelotas. Algunos dicen que el nombre de esas bandas surgieron de una entrevista a Prodan, cuando le preguntaron si imaginaba a Sumo separado, y l contest Sumo divididos?Las pelotas!. Ambas bandas continuaron con una prolfica carrera durante los aos siguientes. Estos son tan solo algunos de los nombres ms trascendentes de la dcada, pero la msica y las bandas se multiplicaron exponencialmente durante los 80. Una de las razones fue la ya mencionada situacin poltica y social, que le dio lugar a nuevas expresiones. Las nuevas tecnologas en instrumentos, y la llegada masiva de los mismos a nuestro pas, abri un nuevo campo de experimentacin y crecimiento. Las bandas under empezaron a proliferar y, con ellas, surgieron nuevos espacios de difusin, como bares y pubs montados para que las bandas toquen y se den a conocer. Era frecuente que, al finalizar los recitales, las bandas comercialicen sus demos o discos grabados en cassettes, por lo cual tambien se empez a desarrollar una nueva corriente de propuestas independientes. En 1985 abre sus puertas Cemento, fundado por Omar Chabn, por cuyo escenario pas practicamente todo el rock nacional. Bandas consagradas y unders, nacionales e internacionales, tocaron en el templo del rock, que en 2005 cerr sus puertas, para ser demolido y transformarse en un estacionamiento, en el barrio porteo de San Telmo. Ms all de todas las bandas mencionadas, en la dcada del 80 se desarrollan dos agrupaciones que, hasta el da de hoy, dejaron una huella indeleble en la cultura nacional: Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, y Soda Stereo.
209
Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, banda que comenz a tocar por 1976, fue ganando escala nacional a partir de su poltica de independencia frente a las empresas discogrficas y sus particulares letras. Formada en la ciudad de La Plata por el Indio Solari en voz y Skay Beilinson, en las primeras presentaciones la banda incursion por otros generos ademas de lo estrictamente msical, tales como la puesta en escena de nmeros de teatro y ballet. En numerosas presentaciones se repartan redonditos de ricota al pblico, lo cual radicara posteriormente en la designacin del nombre del grupo. La receta de esos buuelos redonditos se extraan de un libro de cocina de Patricia Rey, por lo cual de ah se extrae el nombre de la banda. Suele creerse que Patricio Rey es el Indio, pero Patricio es un personaje ficticio, parte del folklore de la banda. Si bien en algunas entrevistas los integrantes de la banda hablaban sobre el personaje como un sujeto que los ayud econmicamente en sus comienzos, que tena mucho poder y que cada tanto se comunicaba con ellos; se supone que Patricio Rey no existe; Patricio Rey son todos, tal como lo defini Solari. En 1978 hacen su primera presentacin en Buenos Aires, y luego de mltiples presentaciones y un crecimiento de la popularidad del grupo (en este caso, lase popularidad en un sentido muy especial), basada en la publicidad boca a boca de sus shows y presentaciones. As, Los Redondos se fueron haciendo una mstica especial, y se transformaron en una banda de culto para pblico y prensa. De hecho, siempre escaparon al aparato mainstream de la industria musical, permaneciendo independientes y autogestionados, y aun as llenaron estadios y se erigieron como una de las bandas ms grandes de la historia de nuestro pas. Las letras y temas tratados en sus canciones tienen una potica nica, y tratan de temas sociales y polticos, entre otros, con una gran imaginacin e ingenio, ademas de tener un lenguaje y un universo propio. En 1984 editaron su primer disco, Gulp!, y dos aos despues a uno de sus discos de culto: Oktubre. Los hits mas relevantes de este lbum son Semen-Up , Fuegos de octubre y Jijiji. Este disco es posiblemente el de mayor contenido ideolgico explicito que haya hecho la banda, el ttulo hace una clara referencia a la Revolucin de Octubre de 1917 que tuvo lugar en Rusia. En 1989 hacen su primer recital masivo, en el estadio de Obras Sanitarias, convocando a 25.000 personas. A principios de los 90 inicia desde el pblico la rivalidad con Soda Stereo, haciendo una divis in entre los oyentes ricoteros y los sifones, como les llamaban despectivamente a los seguidores de Soda. Con Lobo suelto / Cordero atado, de 1993, inicia la etapa en la que los Redondos llenan estadios de ftbol, como en la presentacin de ese disco doble, en el estadio de Huracn, en el cual convocaron, en 2 fechas, a 80.000 espectadores. Luzbelito sera su siguiente placa, la cual sale a la venta en 1996, y es considerado uno de los mejores de la banda. El arte de cada disco siempre estuvo a cargo de Rocambole, un amigo artista plstico de la banda, que desarroll una esttica ricotera muy particular. La etapa final de la banda tiene un carcter experimental. Los discos Ultimo bondi a Finisterre (1998) y Momo Sampler (2001) presentan un sonido ms electrnico, con sonidos digitales, samplers y efectos de computadora. Las presentaciones de estos discos fueron en el estadio de Racing, convocando 90.000 espectadores entre las 2 noches de presentacin de cada disco. La banda dio su ltimo concierto en agosto de 2001, y posteriormente declar su separacin. Los motivos no estan del todo claros, y responden a conflictos e intereses internos entre el Indio y Skay quienes, como el resto de los miembros de la banda, continuaron con sus carreras solistas. Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota constituyen un templo de la cultura musical argentina. La cultura ricotera que crearon, en base a su msica y su misticismo, alcanz cada rincn del pas, valindose solamente de su talento y creatividad, al margen de convencionalismos y estereotipos. Soda Stereo es el nombre de la banda integrada por Gustavo Cerati en guitarra y voz, Zeta Bosio en bajo y Charly Alberti en batera. Cerati y Bosio se conocieron como estudiantes de publicidad, y queran formar un grupo musical con influencias de The Police y The Cure. Cerati conoci a Alberti porque ste ltimo llamaba insistentemente a su hermana, y un da Gustavo atendi y se puso a hablar con l. Alberti le mencion que era baterista, por lo cual Cerati y Bosio fueron a escucharlo tocar, y as se conform la banda, en 1982. El nombre Soda Stereo surgi porque, segn un periodista, ellos dicen que hacen
210
Arte, culturas y estticas msica con burbujas. Pero en lugar de tratarse de lujosas burbujas de champagne, afirman hacer asumido la representatividad cotidiana y popular del sifn. En 1983 comenzaron a tocar en algunas discotecas y bares, y sus primeros demos comenzaron a sonar en algunas radios y el circuito underground. El sonido de Soda Stereo, en ese momento, se acercaba al ska y a un punk limpio, y en 1984 sali su primer disco, autotitulado. El circuito en el que se mova Soda Stereo era distinto al de los Redondos, por citar un ejemplo. Los Soda tocaban en bares y pubs de Palermo, y eran, en palabras de Luca Prodan, unos chetitos. Zeta Bosio coment, aos despues, cual era la propuesta de la banda en ese momento: la democracia produca la adrenalina de algo nuevo, algo que estaba ocurriendo, que saba que nos iba a modificar sin saber bien cmo. Haba ms aire para hacer cosas y divagar, y nosotros ramos una banda de pibes que tenamos ganas de hacer lo. Nuestra atencin estaba en el punk y en tratar de mostrar que haba otra cosa que era ms directa . En 1985 sacaron a la venta su segundo disco, Nada personal, el cual inclua el xito cuando pase el temblor, cuyo videoclip fue filmado en el Altiplano argentino, con unos Soda lookeados a-lo-The-Cure. El sonido de la banda se hace ms maduro, y abandona las propuestas del primer disco, para abordar un sonido prolijo, ms oscuro por momentos, en los que las letras de Cerati cobran un cierto tinte surrealista. El disco Signos, de 1986, los lleva por una extensa gira latinoamericana, la cual consagra a la banda como una de las ms importantes del habla hispana. Dos aos despues sacan a la venta Doble vida, disco que grabaron ntegramente en Nueva York, y contiene xitos como en la ciudad de la furia o corazn delator. Luego de ms de un ao sin presentaciones en Buenos Aires, Soda present el lbum en la cancha de hockey de Obras Sanitarias ante 25.000 personas. Para coronar un gran ao, cerraron el Festival Tres Das por la Democracia que se realiz en Buenos Aires en el cruce de la Avenida del Libertador y la 9 de julio ante 150.000 personas y junto a Spinetta, Fito Pez, Los Ratones Paranoicos, Man Ray y otros. Considerado el mejor disco de la banda, y uno de los mejores del rock latino de todos los tiempos, Soda Stereo edita en 1990 Cancin animal. La placa es prcticamente un grandes xitos, en que cada cancin que lo integra es un hit, o un potencial hit. Un milln de aos luz, sueles dejarme solo, hombre al agua, t para 3, entre canbales o de msica ligera son solo algunos de los nombres de las canciones que integran el disco. La gira de presentacin dur 2 aos, llevando a la banda a rincones del pas en los cuales nunca haba tocado una banda grande, y tambien por Latinoamrica, e incluso Europa. El 14 de diciembre de 1991 se produjo el histrico recital de la avenida 9 de Julio, en Buenos Aires. Soda Stereo sorprendi y se vio sorprendido reuniendo a 250.000 mil personas (hay quienes dicen 500.000) para escuchar a la banda en el marco del ciclo de recitales gratuitos realizados por la Municipalidad de Buenos Aires llamados Mi Buenos Aires Querido II, que adems fue televisado en directo. Se trata de la mayor reunin de personas de la historia argentina para escuchar msica, convirtindose en uno de los pocos grupos de rock del mundo y el nico de habla hispana en lograr un hecho de tal magnitud. Luego de eso, sobrevino una especie de dispersin en el grupo. Cerati dira: es muy difcil encontrar objetivos claros despus de semejante recepcin. Estar parado ante tanta gente que corea tu nombre es una experiencia muy fuerte. Ahora hay que empezar de nuevo desde abajo. El pblico esperaba otro Cancin Animal, pero Soda Stereo ingres en una etapa de experimentacin. Dynamo, de 1992, es un disco snico, en clave noise-pop, con elementos de dance y trance, que no tuvo gran aceptacin entre el pblico, a pesar de ser una excelente placa. El corte de difusin ms reconocido del disco es primavera cero. Luego de un perodo de silencio, en que Cerati aprovech para registrar su disco solista Amor amarillo, en 1995 la banda edit su ltimo disco de estudio, Sueo Stereo. Un paso ms en la experimentacin estilstica, el disco es un excelente resumen de todo lo que Soda Stereo hizo, y poda seguir haciendo. A mediados de 1996 fueron invitados por la cadena MTV para sus famosas sesiones unplugged (desenchufadas) en Miami. Luego de rechazar la invitacin varias veces, Soda Stereo logr que la cadena aceptara su propuesta de tocar con sus instrumentos elctricos enchufados, pero re orquestando y modificando las versiones clsicas para hacerlas ms lentas y musicalmente ms complejas, agregando la voz femenina de Andrea Echeverri de Aterciopelados en una notable interpretacin de en la ciudad de la furia. La presentacin fue registrada parcialmente en la placa Comfort y msica para volar (1996) y de manera completa en una nueva
211
Arte, culturas y estticas versin del lbum editado en 2007. El lbum incluy adems cuatro temas nuevos que haban quedado fuera de Sueo Stereo, y constituye uno de los mejores unpluggeds latinos grabados para MTV, ademas de un interesantsimo registro en vivo de Soda Stereo. Luego de 15 aos de carrera, y por conflictos internos, Soda Stereo se separ en 1997. La banda encar la ltima gira, que pas por Mxico, Venezuela y Chile. Durante el tour se grabaron versiones en vivo, que fueron editadas en dos CD separados, bajo el nombre de El ltimo Concierto. Cerraron con un ltimo show el 20 de septiembre en el estadio de River Plate, que finaliz con la interpretacin del tema de msica ligera y el famoso saludo con el que cerr Cerati: no slo no hubiramos sido nada sin ustedes, sino con toda la gente que estuvo a nuestro alrededor desde el comienzo; algunos, siguen hasta hoy... Gracias totales!. Cerati continu su carrera solista con discos como Bocanada (1999), Ah vamos (2006) y Fuerza natural (2009); Bosio continu produciendo bandas y dedicandose a otras actividades ajenas a la msica; y Alberti form su propia banda, Mole. En 2007 hubo una reunin de Soda Stereo, llamada Me veras volver, en la que giraron por toda Latinoamrica. La reunin fue estrictamente para realizar shows en vivo, y no hubo planes de grabar nueva msica. Entre los mltiples logros de Soda Stereo se destaca que fueron los primeros artistas latinoamericanos en editar un disco en formato CD, con signos; el primer grupo de rock en castellano en presentarse en los Estados Unidos como nico grupo del evento y la primera en hacer una gira por Latinoamrica; fue la primera banda iberoamericana en transmitir un concierto va internet (1996); y su gira Me veras volver, con ms de un milln de asistentes, es la de mayor convocatoria de una banda de rock iberoamericana en la historia. A la manera de Los Beatles y la beatlemana, Soda Stereo fue la banda que hizo lo justo en el momento justo, creando los puentes esttico-idiomticos para conectar a la juventud de habla hispana con el fenmeno mundial del rock and roll. Por esa razn el trmino sodamana, utilizado en reiteradas oportunidades para describir el efecto de Soda sobre los jvenes latinos, no es inadecuado. Soda Stereo constituye un pilar indispensable dentro de la msica argentina y latina.
212
Arte, culturas y estticas Menem fue presidente por dos perodos consecutivos, uno de 6 aos y otro de 4, entre 1989 y 1999. Las consecuencias de sus polticas econmicas ya haban comenzado a exhibirse durante sus mandatos, pero eran solo un adelanto a la crisis social que acontecera en los primeros aos del nuevo siglo.
Rosana Fuertes (1962-) se define como una artista no-poltica pero que cuestiona la realidad. Tiene un acercamiento a la esttica pop, e incluso ironiza con ello utilizando la frase los 60 no son los 90. Muestra el vaciamiento de significados de la dcada, exhibiendo la cara del Che Guevara como estampado en remeras de moda, o la cara sonriente de Menem, a quien no tiene reparo en ridiculizar y criticar, pintado a-lo-imagen-pop, sobre un fondo color rosa beb. Fuertes se vale de la pintura como plataforma para transmitir sus mensajes. Fabiana Barreda (1967-) es psicloga y escritora, y de su obra se conservan las fotografas de sus acciones, que se acercan a la intervencin urbana y el happening. Su Proyecto hbitat: reciclables es una de sus ms notables acciones artsticas. Barreda construy varios trajes-cpsula con los que se visti y se camufl en diversos no-lugares, o lugares de trnsito urbano. Uno lo realiz con sachets, cajas y cartones de leche reciclables, y se sac fotos camuflada frente a las gndolas de supermercado, en donde apenas puede versela. Otro, con basura y cartones. De esas acciones urbanas, queda el registro fotogrfico. Barreda dice: tomo al reciclaje como algo de lgica constructiva. Estas obras se presentan como algo positivo: gente que construye con restos. As, no solo hace una reflexin sobre el reciclaje de la basura, sino que muestra los residuos de la globalizacin como elementos de anonimato, que no vemos, que pueden incluso abrigar a un ser humano en las calles, a quien tampoco solemos ver. Dino Bruzzone (1965-) es arquitecto y fotgrafo. l toma fotografas de construcciones en lugares perifricos de la ciudad, como fbricas o supermercados mayoristas para luego, en base a esa fotografa, hacer una maqueta arquitectnica exacta. Luego, fotografa la maqueta, y realiza una comparacin entre el objeto real y su relectura artstica. De alguna forma, tambien hace una inversin del proceso: el edificio fue diseado y proyectado, y luego construdo en base a un plano y una maqueta, y Bruzzone realiza lo inverso, construyendo su inicio, en forma de maqueta. Otro artista que trabaja de manera similar es Sebastian Gordn (1969-), quien tambien realiza maquetas de cartn pequeas, a mitad de camino entre la escultura y el objeto. Realiza una serie de maquetas que representan a las sedes de los antiguos Cines Odeon, que quebraron en la dcada del 90. As, Gordn exhibe a esos cines abandonados como no-lugares, y tambien hace una alegora de cmo los cines de barrio, los cines emblemas de la modernidad, desaparecieron para dar paso a las cadenas de cines extranjeros, los shoppings y otros emblemas posmodernos. Jorge Gumier Maier (1953-) destaca principalmente como coordinador del Rojas, pero tambien tuvo una prolfica carrera como pintor. En sus obras hay una cita a las pinturas del grupo Mad, de cuadro recortado, y al mismo tiempo una cita al fileteado porteo. Entonces, en las pinturas de Gumier Maier, de cuidada escala cromtica, los arabescos de los fileteados son los que enmarcan y recortan sus diseos abstractos. Graciela Hasper (1966-) es una pintora abstracta, en cuyas obras hay una referencia ntima, cotidiana. Algunas de sus pinturas, en las que aparecen tramados de cuadrados exactos muy coloridos, remiten a los clsicos manteles sintticos de las cocinas, acentuando el sentido del diseo y la decoracin. Daniel Garca (1966-) hace una serie de pinturas en las que indefinidos pedazos de carne, sangrantes y atravesados por objetos, yacen sobre desgastadas camillas. La alusin a la muerte y a lo indefinido se hallan presentes en sus obras. Pablo Siquier (1961-), con sus pinturas, juega con la ilusin y la percepcin real del espacio. Se trata de trabajos que llevan la tensin de la representacin volumtrica a travs de la luz y la sombra a su punto lmite, en pinturas monocromticas o en murales exhaustivamente elaborados. Los dibujos, generados por computadora, como arquitecturas visionarias, son posteriormente transferidos a gigantescas superficies impresas, paredes dibujadas a carboncillo o cubiertas de poliestireno y parecen borrar las fronteras que existan entre la pintura y el mundo real. Luz y sombra, alto contraste, se articulan para crear arquitecturas abstractas entretejidas, un sello esttico que identifica claramente a Siquier. Miguel Harte (1961-) es un artista que coquetea con la pintura y la escultura bajorrelieve. Sobre superficies metlicas o de aglomerado, perforadas y pintadas con esmaltes sintticos, incrusta insectos o formas orgnicas encerradas en resina polister, como encerrados en mbar. Las formas orgnicas e industriales conviven en la obra de Harte, que invitan al espectador a asomarse en cada orificio, para observar una realidad distinta. Silvia Gai (1959-) es otro ejemplo del deslmite entre disciplinas artsticas. Sus esculturas hechas en t ejidos pueden ser tomadas como escultura no-tradicional, o como un arte textil tridimensional, o ser ambas cosas. Tambien cercano al arte textil se encuentra Feliciano Centurin (1962-), un artista homosexual cuyo rasgo distintivo es que realiza
214
Arte, culturas y estticas diseos bordados sobre almohadas y almohadones. Estos diseos abarcan palabras o imgenes cercanas al pop-kitsch, y destacan el valor de la lnea y el color, elementos que toma prestados del dibujo, pero ejecuta como textil, siendo as otro ejemplo de deslmite de disciplinas, y un referente del arte argentino de la poca a escala internacional. Nicola Constantino (1964-) es una artista que, como Centurin, tienen proyeccin artstica mundial durante los 90. Su muy reconocible obra consta de esculturas blandas, pero lo que la distingue es qu representan. Con gran detalle, Constantino exhibe tetillas, anos, orificios, pelo y piel humana, realizados con silicona, que se asemejan increblemente a los modelos reales. Con esa piel sinttica, Constantino tapiza sillones, carteras, sacones, ironizando sobre cmo se hace lo mismo con piel de animales pero, en su caso, con piel humana falsa. Aprovecho la perversin de los demas; la gente quiere tocar, dice Constantino. Sus obras muestran la relacin entre moda y muerte, pero tambien una ambigedad entre lo pblico y lo privado. Un sacn imitacin piel humana y recubierto de anos y vaginas, por ejemplo, es una irona absoluta: si la ropa es para cubrir las partes ntimas, resulta metafrico que la prenda de vestir exhiba lo que precisamente se quiere ocultar. Jorge Macchi (1963-) es uno de los artistas ms interesantes del perodo. Si bien a simple vista su obra parece derivar del arte conceptual, no es as, ya que Macchi parte primero de una imagen. Cuanto ms familiar es el objeto que encuentro, y menos mi accin, le hace mejor a la obra, la hace ms enigmtica, dice. Mira y selecciona, aproximandose as a la idea del ready-made duchampiano. Recurre a objetos cotidianos e incluso banales, pero al inscribirlos en contextos distintos, los resignifica. PerezBarreiro dice, sobre Macchi: se centra en lo que ese objeto le permite pensar sobre aquello que podra ser, que soamos o deseamos, pero que no es posible realizar. Es tericamente posible que 400 fsforos se dispongan de la misma forma en los 2 compartimentos de la caja, pero inverificable. Tanto como que 2 vidrios se quiebren exactamente de la misma manera. Tan imposible y tan deseable como encontrar nuestra alma gemela o el amor perfecto. Un objeto banal es el punto de partida para una reflexin sobre la lgica, que se traduce en el registro sensible o romntico. Macchi realiz varias obras juntando cosas que encontr en la calle, interesado en los materiales de descarte. Una obra de materiales poco costosos, basada en la investigacin de lo mnimo. Porque el interes por el deshecho va ms all del objeto concreto. En una ocasin, el artista confes que desde haca algunos aos conservaba una nota policial recortada de un diario londinense , con el ttulo beb muere debajo de babysitter borracha, y que relataba la tragedia de una niera que haba bebido de ms y que se acost sobre el sof, sin advertir que el beb que cuidaba estaba all. El artista se preguntaba quien, ademas de los implicados en la tragedia, y l mismo, se acordaban de la historia. Sealaba, ademas, que dos cuestiones haban atrado su atencin: el accidente y el deshecho: uno hace alusin a la historia en s, el otro a lo que ocurre con esa historia despues de ser leda en el peridico. Cuando el lector da vuelta la pgina segn Macchi- el beb se pierde entre polticos, caballos de carrera o personajes de historieta; se transformaen deshecho como el mismo papel del peridico. Se cierra rpidamente el crculo: conocimiento, terror y olvido . En consonancia con esa idea, Macchi realiza varias obras tomando como punto de partida los peridicos, las tragedias humanas y el olvido. Su obra un charco de sangre est compuesto por noticias recortadas del peridico, dispuestas una debajo de la otra en finas lneas. Son 25 noticias policiales, cuyo eje central y que se repite en cada una es la frase un charco de sangre, que da ttulo a la obra. Con peridicos realiz tambien msica incidental, un ttulo irnico que hace referencia a ese estilo musical. La obra consta de crnicas policiales de gente annima, dispuestas en tres pginas de 250 cm x 150 cm, que pegadas de tal forma que conforman un gran pentagrama con una meloda que se puede escuchar con auriculares, colgados del techo de la exhibicin. La relacin entre la msica y la plstica se da en otras obras, como en sus nocturnos, homenajes a los Nocturnos del compositor Erik Satie, en la que en el lugar de cada nota hay un clavo que sujeta la partitura en la pared. En accidente en Rotterdam, una serie de fotografas, la sombra del marco de la ventana de su estudio de Rotterdam le ofician de interseccin de calles, en las que pone a dos cochecitos de juguete, chocando. Este tipo de lecturas ficticias, casi absurdas, realizadas con recursos mnimos (una sombra que simulan calles y 2 juguetes) son una constante en Macchi. En su performance TWG100, dos actores metidos en un Fiat Spazio con esa patente, que estacion frente a la Fundacin Proa, el Rojas y el Insituto Goethe en diferentes ocasiones, discuten dentro del auto por un perodo de 15 minutos. Lo que dicen se escucha de manera desmesurada gracias a dos altoparlantes
215
Arte, culturas y estticas ubicados en el techo del auto. Se pelean, intentan calmarse, y la discusin inicia porque creen que embistieron a una persona, pero no estan seguros porque la accin sucede de noche. La msica dramtica acenta el carcter ficticio de la escena, que contrasta con el trabajo intencionalmente naturalista de los actores. stos continan su discusin, encerrados; a los 15 minutos el coche abandona el lugar. El pblico, que haba rodeado el auto, se mostr ofendido con la accin, no poda aceptar la ficcin en medio de la realidad. Buenos Aires Tour es la obra que ms intensamente se detiene sobre las consecuencias de ese momento que tuvo como protagonista al azar. Un vidrio quebrado sobre el plano de la ciudad marc los recorridos con los que Macchi y otros 2 artistas crearon itinerarios que pueden recorrerse y recrearse. Es decir: la fractura de un vidrio, las lneas de las roturas s obre el mapa, traz una ruta turstica, marcada por el azar, la cual Macchi document y registr fotogrficamente. As, se gener una experiencia de prxis-vital para el artista: es el relato de un viaje, un relato urbano, que se deja llevar por la mirada, atento a los objetos y a los lugares que la casualidad dict que deba conocer. La ciudad se transforma en un texto que se camina, se vuelve poesa y abre un campo experiemental. En la actualidad, Jorge Macchi contina trabajando, repartiendose entre sus talleres en Buenos Aires y Europa. Marcelo Pombo (1959-) demuestra un particular interes por los productos manufacturados en serie, cercanos a la cultura de masas y de la retrica publicitaria. La intervencin sobre productos muy diversos, por lo general de origen popular, es su prctica habitual. De esa manera, en 1986 intervino un viejo tocadiscos Winco, de fama legendaria, modificado con fotografas adheridas y manchas de pintura. En Frutillitas y la enredadera (1992), Pombo pinta sobre una sbana infantil con dibujos estampados, y as el mundo encantado de los productos Frutillitas para nios, importados de los Estados Unidos, est transformado en un motivo inquietante y perverso. Las ramas y las hojas de una enredadera pintada sobre ella se superponen a las inocentes figuras de nias y ciegan sus ojos; el encanto, convertido en pesadilla. En la misma va realiz la fiesta de despedida (1992), con guirnaldas y adornos de papel, y que alude al trabajo que hizo en escuelas de chicos carenciados, y a la despedida que le hicieron cuando se fue. Durante la dcada del 90 Pombo trabaj con cajas de jugo Cepita o cajas de polvo para lavar la ropa Skip, pintandole gotitas de color, o detalles que mimetizan y se camuflan con el diseo de las cajas. Reivindica aquello que la sociedad minimiza, descarta y deshecha, porque estan vaciadas de su contenido. Hay una directa relacin al pop, al kitsch y a lo decorativo, lo artesanal. Siempre existe en la obra de Pombo, segn sus palabras, el gusto por la belleza ligera, liviana. Lo decorativo, dice se considera como algo menor, ms de oficio de artesano. Y a m me parece todo lo contrario. Me parece honesto, bueno, necesario. Tambien afirm que no le interesaba nada que sucediera ms all de un metro de distancia de l mismo. Las interpretaciones sobre esta afirmacin sostienen tanto su inters como su desinters social. Pombo no desmiente ninguna. l siempre se neg, e incluso resisti, a la interpretacin discursiva de su obra. Probablemente sea esta resistencia a los discursos pautados por instituciones o el mercado artstico el aspecto ms poltico de su obra. Pombo hace sus cajas de Cepita decoradas porque quiere, sin saber demasiado por qu, y buscando una cierta honestidad intelectual. En una poca en que pareciera que las obras s o s tienen que tener un fundamento, Marcelo Pombo es un elemento de friccin permanente con el crculo que institucionaliza el catlogo del arte. Graciela Sacco (1956-) es una de las artistas que durante la dcada del 90 se mantuvo al margen de instituciones, pero cuyo mensaje social y bsqueda de sentidos la proclaman como una de las ms interesantes figuras del panorama artstico contemporneo. La obra de Sacco, nacida en Rosario, desde 1983 est basada en el uso de la heliografa, un mtodo de impresin empleado por los arquitectos y dibujantes tcnicos para duplicar los proyectos originales, diseados sobre papel translcido. En los primeros tiempos imprimi las obras proyectadas con diapositivas sobre papel heliogrfico convencional. En 1992 consigui utilizar la emulsin fotosensible sobre objetos muy diversos (valijas, cucharas, palos, cortinas, pelotas de ftbol, etc) para imprimir sobre ellos, con una fuente de luz ultravioleta intensa, imgenes fotogrficas, por momentos difusas, escasamente perceptibles, que sugieren cierto aire de tiempo pasado, de recuerdo impreciso. En 1993 Sacco realiza la primera de sus interferencias urbanas, nombre con el que refiere a sus intervenciones en el espacio pblico (interferir e s obstruir, estorbar, cortar). Con el ttulo en peligro de extincin, la ejecut de manera simultnea en siete escuelas
216
Arte, culturas y estticas pblicas de Rosario, en las que adhiri, a los lados de las puertas principales, heliografas con formato de afiche, con imgenes de alas desplegadas (sin texto alguno). Sealaba de este modo, con alusiones anglicas, los lugares abandonados por la administracin provincial, sumidos en el abandono y la desidia. En otra interferencia urbana, en las calles de la misma ciudad, en competencia con los afiches y los graffitis, realiz una pegatina de grandes fotografas heliogrficas de bocas excesivamente abiertas, elocuentemente hambrientas, todas diferentes y sin texto alguno (serie bocanada, de 1994). Las mismas imgenes se reiteraron en otros soportes, como en las cucharas con bocas impresas, que creaban una notoria tensin con la condensacin de trminos prximos y opuestos (hambre/alimento). Las obras estaban presentadas como mercancas, con un packaging similar al de los supermercados (una caja de plstico sellada con film transparente, y etiquetadas con un cdigo de barras). En la Bienal de San Pablo de 1996, cuyo tema era la desmaterializacin del arte en el fin del milenio, Sacco fue la nica representante argentina. Exhibi el incencio y las vsperas, obra que inici la extensa serie de instalaciones con fotografas fragmentadas, de manifestaciones callejeras que avanzan amenazantes. La fotografa, apropiada de un peridico, est heliografiada sobre trozos verticales de maderas mal cortadas y astilladas, apoyadas en la pared como un cerco rudimentario. El ttulo cita un libro de Beatriz Guido, cuyos personajes estan sumergidos en los sucesos de la quema de iglesias de Buenos Aires, durante el gobierno de Pern. La fotografa, que haba sido tomada de un diario de Buenos Aires, mostraba una escena del Mayo Frances, de 1968, aunque ilustraba una nota sobre las grandes huelgas de 1995, tambien en Pars. La instalacin, para los espectadores, sintonizaba tanto con los ecos de Pars como con el Cordobazo que sacudi a nuestra provincia en 1969, y a los rosarinos les evoc al Rosariazo, del mismo ao. Sacco ubica a la cita del pasado en el presente, para hacer recordar y pensar al espectador, valiendose de la relacin arte-vida. Si bien particip como representante argentina en muchas Bienales internacionales, el mensaje social de Sacco no encontr lugar en el arte nacional durante la dcada del 90, y recien sera ntegramente valorado a nivel local luego de la crisis de 2001, cuando el conflicto poltico y el interes social comenzaron a ser unos de los temas vertebradores de las obras del perodo. En la Bienal de Venecia de 2001, Sacco integr el envo argentino con una interferencia urbana: entre nosotros. En el correo veneciano, en las zonas aledaas, en las escaleras de los puentes, en columnas, pavimentos y fachadas, peg centenares de pares de pequeos ojos, impresos sobre pelcula de acrlico transparente autoadhesiva. Eran ojos extranjeros, quiz no europeos, que miraban o interpelaban, casi ocultos, a los paseantes que recorran la ciudad. La artista, durante un tiempo, debi reponer constantemente los ojos que los turistas se llevaban como curioso souvenir. Tambien hizo lo mismo en Oriente Medio, en Jerusaln, en las afueras de El Cairo, en el desierto del Sina y en el camino hacia Luxor, donde proyect ojos sobre la piedra de edificios histricos y de antiguos muros agrietados, acciones que fueron registradas en fotografas, y que tena que ver con la idea de pertenencia, de propiedad, de lmite y de fronteras, tanto en espacios pblicos como privados. Cuando expone en recintos cerrados, Sacco trabaja estas temticas tambien, aunque en soportes diversos, como sus bocas heliografiadas sobre gastadas y desinfladas pelotas de ftbol, haciendo un paralelismo entre un deporte millonario y el hambre del pueblo. Esas mismas bocas hambrientas, impresas en 9000 estampillas postales, fueron pegadas en el piso de la instalacin bocanada. El pblico que se acercaba para observar una mesa, en cuya superficie estaba heliografiado un mapamundi con un tenedor clavado en la ciudad en la que se exhiba, las pisoteaba sin consideracin alguna, sin advertir que eran parte de la instalacin (la obra se reiter en Rosario, Buenos Aires, Crdoba, Aarhus, San Pablo y Nueva York). En 2004 Sacco present una exposicin con el ttulo sombras del sur y del norte, integrada por proyecciones de sombras de tenue definicin en un mbito oscuro. Una videoinstalacin mostraba similar definicin frgil de las imgenes en movimiento. El tema era solo uno: las filas de hombres y mujeres que esperan ser atendidos para cualquier trmite, como obtener un certificado, pagar un impuesto, atenderse en un hospital y muchas situaciones similares. Todo es tiempo de espera; los que aguardan, muchas veces tendran que volver a formar la interminable fila por cualquier detalle intrascendente. Estas obras muestran a las vctimas del sistema de las colas con fotografas obtenidas por la artista y otros colegas, tomadas en diversas ciudades de Europa, los Estados Unidos y la Argentina. En los rostros de los que esperan, no importa la geografa, predominan las miradas ausentes y los gestos de tedio, de cansancio. Sombras del
217
Arte, culturas y estticas sur y del norte podra ser contemplada como un ensayo visual sobre la espera, pero no solo eso, sino sobre la relacin entre lo pblico y lo privado, la mirada, el aislamiento, la indiferencia, todos ellos temas subyacentes a la poca, que trascienden fronteras, y que Sacco analiza y exhibe crtica, psicolgica y sociolgicamente.
Arte, culturas y estticas prolfica carrera solista. La banda tambien se caracteriza por su autogestin en lo que a difusin, recitales y edicin de discos refiere, teniendo un sello discogrfico que edita sus trabajos y los de otras bandas y msicos emergentes. Durante los 90 y la dcada 00, Pez fue ganandose un nombre de importancia dentro del rock under argentino, siendo una banda de culto para sus seguidores. Dentro de las bandas que participan del sello discogrfico de los Pez, cabe mencionar a una agrupacin particular: Honduras. La banda liderada por Alejandro Leonelli y los hermanos Kodric toma su nombre de una ancdota particular: estabamos buscando un nombre que nos represente como latinoamericanos, pero que no sea una referencia geogrfica demasiado obvia. Y justo vimos en las noticias que un grupo indgena de Honduras haba asaltado un camin repleto de armas que se diriga a un asentamiento militar. Habamos descubierto a un grupo indgena militarizado, y eso nos pareci que estaba en consonancia con lo que nosotros eramos. El estilo de Honduras se enmarca en el progresivo, la psicodelia, y por momentos el free jazz, y el jazz fusin. Sus canciones, que ms que canciones son composiciones, son extensas, poseen ritmo libre, y en sus shows en vivo quizas tocan 3 composiciones, con una duracion de 50 minutos entre las tres. Un aspecto interesante de Honduras es que se hacen llamar libregrupo. Esto refiere a que, si bien son un septeto (bajo, guitarra, teclados, batera, saxo, trombn y percusin), rara vez se presentan los siete miembros. Por eso, a veces se presentan como La Clula Dormida de Honduras Libregrupo, que es una formacin alternativa, en la que a veces tocan 2 o 3 miembros de la banda, o bien invitados, o incluso alguna vez se ha llamado a alguien del pblico para que aporte con percusin o voces, o los msicos interpretan con instrumentos no tradicionales (como una garrafa, por citar algo). Estos shows tienden a la experimentacin, mientras que los shows como septeto presentan las composiciones que han grabado y editado en sus discos de estudio. Su disco la nica posicin es la oposicin, de 2008, es una cita directa al Rock In Opposition internacional de los 70. Honduras es una banda que se presenta como una alternativa vanguardista, que no pretende vivir de la msica, sino vivir para la msica, arte que ejecutan dejando entrever una clarsima lnea poltica e ideolgica. Una de las ms extraas agrupaciones que surgi durante los 90 fue Illya Kuryaki and the Valderramas, do integrado por Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur. El nombre proviene de dos cosas: el primero, Illya Kuryakin, es como se llamaba el personaje de una serie norteamericana de espas, y el otro, The Valderramas, hace referencia al apellido del jugador colombiano Carlos Valderrama, representando as lo blanco/sajn y lo negro/latino de su msica. El estilo de IKV es una mezcla de hiphop funk, con influencias del rock alternativo, el acid jazz, y el soul, entre otros estilos, como la msica tnica o electrnica. Su consagracin fue con el disco Chaco, de 1995, que contena gran parte de los xitos de la banda, como abarajame, jaguar house, abismo, hermana sista o remisero. Una caracterstica muy trascendente de IKV, ademas de su msica, eran las letras de sus canciones, que poseen un lenguaje muy particular, entremezclando trminos de distintas culturas y subculturas provenientes del hip-hop, en gran parte. La esttica de la dupla tambien fue bastante distintiva, con referencias directas a las artes marciales y a la moda oriental. Otros discos destacables son ninja mental (unplugged para MTV, de 1996) y versus, de 1997. En 2001 el do se separ, y ambos msicos continuaron con sus carreras solistas. El rock rolinga en 1995 se convirti en un xito comercial masivo. Como contraparte de propuestas como el rock snico, el progresivo o la msica intelectual, el rock rolinga se convirti en una ten dencia musical ms directa y concreta, tanto musical como lricamente. Tambien llamado rock barrial, o tildado de rock chabn por quienes lo defenestran, el rock rolinga encuentra sus races en la msica de los Rolling Stones, y los temas de las lricas giran en torno al barrio, a las experiencias personales, la vida urbana, y tienen un lenguaje coloquial, basado en el habla del da a da. La banda ms emblemtica es Viejas Locas, liderada por Pity Alvarez, quien luego de la disolucin de la agrupacin, en 2000, integrara Intoxicados, grupo con el cual incursion en reggae, funk, hip-hop y otros estilos fusionados con el rock rolinga. Otras bandas enmarcadas dentro de este estilo, que surgen en los 90 y se desarrollan durante los aos venideros son La 25, Pier y Guasones, entre otras. Por el lado del rock tropical o fusin, Bersuit Vergarabat sigue estando a la cabeza, con su rock mezclado con cumbia, candombe, murga y tango. En homenaje a los internos del hospital psiquitrico Borda de Buenos Aires, visten siempre en escena el pijama que los distingue; la difundida historia de la internacin del cantante Gustavo Cordera en el mismo
219
Arte, culturas y estticas es una leyenda urbana, pero la afinidad de la banda con los fenmenos de la locura y la marginalidad es innegable. El reggae tuvo un gran salto meditico en la dcada del 00, con bandas como Kapanga y Los Cafres, principalmente, y decenas de bandas under. Solistas como Charly Garca, Luis Alberto Spinetta y Fito Pez siguieron vigentes, al igual que Andres Calamaro, luego de su incursin en la banda argentino-espaola Los Rodrguez. Luego de la disolucin de Soda Stereo en 1997, Gustavo Cerati continuara una prolfica carrera solista. Esta segunda generacin de solistas son en su mayora ex miembros de grandes bandas de los 80 y 90, como Cerati, el Indio Solari y Vicentico. Durante los aos 00 tambien surgira una nueva generacin de solistas, muchos de ellos volcados hacia el folk y la msica acstica argentina. Uno de los principales impulsores de esta renovacin temtica y estilstica fue el proyecto de tro de Flopa Lestani, Manza Esan y Ariel Minimal, tres guitarristas que conformaron Flopa Manza Minimal. La agrupacin solo grab un disco, en 2003, que se llama simplemente Flopa Manza Minimal, y reflota la imagen del cantautor contemporneo, con arreglos acsticos y otros elctricos, todo puesto en funcin del formato cancin. Dentro de esta nueva oleada de cantautores se encuentran Gabo Ferro, Lisandro Aristimuo, Juan Ravioli, entre otros. Dentro del rock alternativo, Catupecu Machu es una banda a destacar. Se caracteriza por la fusin de gneros musicales, tales como funk rock, rock industrial, msica electrnica y pop rock. En la actualidad, el nico miembro fundador de la banda que continua en ella es el guitarrista y cantante Fernando Ruiz Daz. El potente y enrgico rock de la banda se aprecia no solo en sus shows en vivo, sino en discos como dale! (1997) y cuentos decapitados (2000), y mostraron una versatilidad y experimentacin con diversos estilos en placas como cuadros dentro de cuadros (2002) o laberintos entre aristas y dialectos (2007). Una de las bandas ms grandes de las ltimas dcadas fue Los Piojos. Originarios de El Palomar y liderados por el cantante Andres Ciro Martnez, la banda tiene una fuerte influencia del folclore rioplatense, del tango, la murga y el candombe, fusionados con rock. Formados en 1988 y despues de mltiples presentaciones, la banda se consagrara con discos como ay ay ay (1994), tercer arco (1996) y azul (1998). Ritual, el quinto disco de Los Piojos, y el primero en vivo, fue grabado en 1999 en los shows que la banda realiz en el estadio de Obras, conmemorando sus 10 aos de trayectoria, y es un documento de su sonido en vivo. Los multitudinarios shows de Los Piojos se convocaron, en muchas ocasiones, mediante el boca a boca y sin difusin meditica masiva, hecho que se asimila a cmo Los Redondos daban a conocer sus espectculos en vivo. Siguiendo esa misma lnea de difusin se encuentra otra de las ms multitudinarias bandas de los ltimos aos, La Renga. Agrupacin liderada por el cantante y guitarrista Chizzo Npoli, nace en Mataderos a fines de 1988. El nombre surgi como referencia a la poca, donde pareca que siempre faltaba algo para poder encaminarse bien. Enmarcados dentro de un potente hard rock, con influencias del blues y el heavy metal, La Renga se destaca por ser una de las bandas independientes ms convocantes del pas. Luego de 3 discos de estudio, se edita en 1998 el disco de la estrella, por la gran estrella blanca en la tapa, o simplemente La Renga, aunque en realidad no presenta ningn nombre, llegando a vender 2.000.000 de discos en la primera semana y consagrando a la agrupacin como una de las ms importantes del momento. Con ms de 20 aos de trayectoria, La Renga constituye hoy un referente directo del rock nacional. Callejeros es una de las bandas enmarcadas dentro del rock barrial, que ademas del rock and roll posee influencias del tango y el blues, entre otros estilos. Luego de editar los discos sed (2001) y presin (2003), la banda alcanza un renombre con rocanroles sin destino (2004). Sin embargo, su fama masiva sobrevino por ser protagonistas de la tragedia de Repblica Cromagnon, acontecida el 30 de diciembre de 2004, en la citada discoteca del barrio porteo de Once. A causa de que parte del pblico que asista al recital de Callejeros encendiera bengalas en el local cerrado, se ocasion un incendio que provoc 193 muertes y ms de 1000 heridos. La tragedia caus, adems, importantes cambios polticos y culturales. En relacin a lo poltico, la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires inici un juicio poltico para destituir al entonces Jefe de Gobierno Anbal Ibarra, por considerarlo responsable poltico de la tragedia. Este enjuiciamiento termin con su destitucin, siendo reemplazado por el Vicejefe de Gobierno Jorge Telerman. En cuanto a lo cultural, la tragedia concientiz a la sociedad sobre el estado de las discotecas y locales destinados a espectculos musicales, al haber fallado en Cromagnon las salidas de
220
Arte, culturas y estticas emergencia, el lmite de espectadores acorde al espacio fsico, el control de materiales inflamables y del ingreso al local con bengalas, y las habilitaciones correspondientes al aspecto legal. El Gobierno comenz entonces a revisar ms exhaustivamente el estado de las discotecas y locales bailables, resultando en la clausura de una gran cantidad de ellos. Omar Chabn, dueo del local, y la banda fueron juzgados para determinar el nivel de responsabilidad que tuvieron en la tragedia. Todo ello puso en tela de juicio el lugar cultural del rock en la sociedad, y aun hoy los ecos de la tragedia continuan sonando. Si bien el rock nacional es una de las corrientes ms diversas y abarcativas en lo que a msica refiere, no todas las propuestas pasan por all. Dentro del estilo pop, las propuestas de los ltimos 20 aos estuvieron, principalmente, vinculadas al pblico joven. Testimonio de ello fueron las boy-bands formadas a principios de la dcada 00, como Bandana, o Mambr, que surgieron del concurso de talento televisivo popstars. Bandas como Airbag o Arbol conjugan el rock, el punk y el pop mostrando una frmula sonora accesible, mientras que agrupaciones como los ya mencionados Babasnicos incorporan elementos electrnicos o dance. Dentro de los msicos solistas, Diego Torres (1971-) se destaca por realizar una carrera artstica sostenida durante los ltimos 20 aos, y conseguir un lugar en el imaginario popular argentino. La msica pop electrnica encontr un punto fuerte con Miranda!, agrupacin formada en 2001, y que debe sus races al pop electrnico ochentoso de la banda Virus, y con sus discos, particularmente los dos primeros, consiguieron reconocimiento nacional e internacional. En la dcada del 40 comenz a hacerse popular el fenmeno del cuarteto. En la dcada del 70 y con ayuda de la televisin el cuarteto no slo se hizo masivo y trascendi las fronteras cordobesas, sino que a travs de las presentaciones diarias de docenas de conjuntos en diversas localidades, se fueron gestando las vivencias de un tipo de folklore popular que sobrepasara los lmites de lo musical. Ninguna msica habl tanto de los cordobeses como el cuarteto, con sus letras pobladas de negrazones, humor casero, trasnochados, flacas alegres y desgracias del cario. El ritmo del cuarteto que naci de la mano del Cuarteto Leo, que mantuvo su vigencia gracias a Carlos La Mona Jimnez (1951-), quien es un representante ineludible del cuarteto. Jimnez graba dos discos al ao (en julio y en diciembre), ya ha editado 80 discos compactos (nmero que lo acerca al record mundial por todos los discos que realiz), y vendido ms de 3 millones de copias en todo el pas. La otra figura que inmortaliz al cuarteto fue El potro Rodrigo Bueno (1973-2000), quien masific a este estilo musical fuera de las fronteras cordobesas, alcanzando una influencia nacional. Su trgica muerte en un accidente automovilstico lo convirti en un mito viviente. El cuarteto ha llegado en la actualidad a traspasar las fronteras de la Argentina. La msica de cuarteto comienza as, despus de largos sesenta aos, a posicionarse entre los grandes ritmos hispanoamericanos. La cumbia argentina es un estilo relativamente nuevo a diferencia de otros gneros que ganaron popularidad entre los aos 70 u 80, dcadas en las que la agrupacin Los Wawanc comenzaban a popularizar la cumbia. Influenciada por el folclore nacional, la msica andina, ritmos caribeos, y la misma cumbia colombiana, gan gran popularidad en los aos 90 de la mano de solistas como Gilda (1961-1996), Grupo Sombras, Rfaga, Amar Azul, Los Charros y Los Palmeras, presentando en su mayor parte letras romnticas o describiendo problemas de la vida normal y el agregado de bajos, guitarras, instrumentos de percusin (como timbales), de viento (trompetas o quenas) o de percusin (como giros). Para muchos crticos los 90 fueron los aos dorados de la cumbia argentina, con hits como la ventanita o amores como el nuestro. Durante las crisis econmicas que fueron desde los aos 1999 a 2001, la tonalidad y estilo en este gnero fue agregando diversos elementos, como influencias del hip-hop o el reggaeton, cambios como letras simples (en canciones slo producidas para bailar) o la inclusin de drogas, pobreza y delincuencia. As surgieron otros gneros como la cumbia villera, liderados por agrupaciones como Yerba Brava, Damas Gratis y Los Pibes Chorros, con letras describiendo situaciones de pobreza, criminalidad o drogas. En muchas ocasiones los msicos son acusados de poco originales ya que la mayor parte de las letras son copiadas de otros grupos que no son conocidos en Argentina (por ejemplo, grupos ecuatorianos, peruanos o bolivianos ). En la actualidad, la
221
Arte, culturas y estticas cumbia, a pesar de no ser promocionada o patrocinada por las grandes cadenas de entretenimiento, marcas o medios masivos de comunicacin (como por ejemplo el rock nacional, promocionado en forma constante) y rechazada por el mainstream, es quizas el estilo musical ms popular en Argentina, cubriendo la mayor parte de los sectores bajos y medios debido a que las mismas agrupaciones no combaten (y en ocasiones incitan) a la piratera de los discos debido a que los msicos ganan ms dinero dando shows en vivo en diversos locales bailables que vendiendo discos en forma legal, y por la rpida proliferacin de radios locales dedicadas al gnero mismo.
222
Arte, culturas y estticas la mirada esttica, que es el cmo se ejecuta esa obra; y por otro lado el contenido, que son los temas que esa obra trata, y que tienen una relacin directa o indirecta con el contexto sociocultural en que naci. Por muchos aos, los centros culturales occidentales (Europa, posteriormente Estados Unidos) determinaron cual era la forma o tendencia esttica de las obras, y eso fue exportado a pases perifricos, como en el caso de Argentina. Citando el caso del impresionismo argentino, por ejemplo, la forma (pincelada, color, etc) y el contenido (paisaje, principalmente) fueron adoptadas del impresionismo original, nacido en Europa. Pero la diferencia entre nuestro impresionismo y el europeo, no est en la forma, sino en el contenido: los paisajes representados son locales, de nuestro territorio, y ademas fueron y son valorizados como un testimonio cultural de la poca en que el artista pint. Este ejemplo, que se posiciona en la Argentina de principios del siglo XX, muestra la importancia de el centro como distribuidor de parmetros estticos y hasta temticos en ese momento histrico, situacin que a mediados y fines de siglo comienza a flexibilizarse. En la posmodernidad y en el arte contemporneo de fines del siglo XX, los artistas argentinos no tuvieron necesidad de adoptar una esttica importada, una forma ajena, avalada por los principales centros culturales del mundo, porque esos centros se abrieron a otras posibilidades. De hecho, a partir de los 90, se asisti a un proceso de revalorizacin de las culturas regionales, y tanto en el ambiente artstico europeo y norteamericano se presencia un genuino interes hacia el arte latinoamericano y, como hemos definido, perifrico. Esto tiene una relacin directa con la cada de los relatos hegemnicos, nicos, y de esa prdida de verdades nicas, caractersticas de la poca posmoderna. A modo de ejemplo, cabe citar que las grandes bienales de arte siempre fueron en Pars o Venecia, por ejemplo, y durante los 90 se multiplicaron las propuestas de bienales, formando un circuito de ms de 200 destinos, en la actualidad, que se hayan descentralizados. Se trata de anclar la bienal a su espacio, en un desdibujamiento de lo global en funcin de lo local. Las potencias, los centros culturales occidentales comenzaron a mostrar un interes en nuestro arte y en el de los pases perifricos pero, por qu?. Este interes se da principalmente no por la forma o la esttica de las obras, sino por el contenido de las mismas, porque el contenido lleva implcito el dato contextual, sociocultural, histrico. Durante dcadas, el arte y el mercado artstico mundial- se trat de estticas, hasta que con el arte conceptual y posterior- el tema y los contenidos se pusieron en primer plano. Este interes de el centro en el contenido del arte de otras culturas se basa en la idea de que, de alguna manera, a traves del arte se puede conocer a un pas y a una cultura. Una instalacin que exhibe el horror de la ltima dictadura militar argentina, un conjunto de fotografas que muestran un piquete, una pared repleta de stencils polticos, son obras que se identifican con nuestra raz cultural y, como tal, son de interes a los ojos del centro. Incluso, esos productos culturales son de un cierto exotismo, les ayuda a conocer una cultura ajena a la suya, como a nosotros muchas de sus obras y fenmenos culturales- nos acercan a conocer y desentraar tiempos y lugares distintos a los nuestros. En este momento histrico, el arte argentino, entendido como perifrico, tiene la oportunidad de revalorizar y elaborar una identidad propia desde el mismsimo campo artstico. Entonces, del arte contemporneo argentino podemos decir que, en lneas generales, si bien hay una bsqueda esttica por las innovaciones materiales y el deslmite de las disciplinas, esta bsqueda est puesta en funcin de un contenido por mostrar. Y que a los ojos del mundo, los artistas argentinos son productores de objetos culturales, porque en esas obras dejan plasmados implcita y explicitamente el origen y el contexto histrico en que estan inmersos. Ante una falta de relato hegemnico, el artista recurre a la cita regional, basada en su postura antropolgica y su propia experiencia cultural, por lo cual el tema de las obras tienen una raz local. Luego de la crisis de 2001, el contenido de las obras fue puesto en primer plano, hecho que acentu nuestra identidad cultural, a nuestros ojos y a los del mundo. Antes de abordar las caractersticas concretas del arte de poscrisis, cabe mencionar cul era la situacin de las instituciones artsticas. En diciembre de 2000 se abri un Museo Nacional de Bellas Artes, delegacin Neuqun, el cual encarna la realizacin de un reclamo histrico respecto de la centralizacin cultural en nuestro territorio.
223
Arte, culturas y estticas Ahora, para conocer la coleccin del Museo Nacional, tambien hay que viajar a Neuqun. As, el patrimonio nacional y sus bienes culturales se hayan distribudos, y no solamente centralizados en Buenos Aires. En consonancia con este carcter descentralizador, en diciembre de 2004 se abri el Macro (Museo de Arte Contemporneo de Rosario), el cual alberga obras nacionales de la dcada del 60 en adelante. El Macro se inaugur en la torre del silo Davis, cedido por la Municipalidad de Rosario, y ubicado en un lugar privilegiado frente al ro Paran. Tambien en 2004 se abrieron Museos de Arte Contemporneo en Baha Blanca, Salta y Misiones. El 20 de septiembre de 2001, nueve das despues del ataque a las torres gemelas de Nueva York y tres meses antes de que estallara la crisis social, de inaugur el Malba (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires). El museo, propiedad de Eduardo Constantini, se consolid rpidamente, pese a la crisis, como uno de las instituciones ms slidas de la escena del arte de la Argentina post-2001. El diseo del museo se asemejaba al del Museo de Arte Moderno de Nueva York (antes de su actual remodelacin), adaptandose plsticamente a las exhibiciones que el museo colg. Entre las muestras que se expusieron, caben destacar las retrospectivas de Berni, Grippo, Kuitca, Bony, Tarsila do Amaral, Helio Oiticica, Lichtenstein y Warhol, entre otros. El Malba ademas posee una coleccin estable, propiedad de Constantini, que alberga importantsimas obras de artistas argentinos y latinoamericanos. Tambien en Buenos Aires, el nuevo montaje de las salas de arte argentino del Museo Nacional de Bellas Artes, inauguradas en abril de 2005, permiti mostrar muchas ms obras de las que antes estaban colgadas. Por momentos, la disposicin curatorial del museo puede resultar recargada, por la gran cantidad de obras en exhibicin. Este dato es de especial importancia, pues destaca cmo el museo decidi abrir sus puertas, y exhibir todo lo que est en su poder al pblico. Ademas, el tramo de arte argentino presenta a las obras agrupadas segun ncleos temticos e histricos, los cuales permiten al visitante obtener un registro histrico ms claro, amparado en un criterio curatorial pedaggico. Destaca tambien el Centro Cultural Recoleta, el cual, si bien funciona desde 1980, en los ltimos aos cobr una importancia vital, como centro experimental y como escenario de las propuestas culturales ms renovadoras. All se presentan exhibiciones, conciertos y obras de teatro, se realizan exposiciones de artistas internacionales y de artistas nacionales emergentes, y su posicin estratgica le favorece como atractivo cultural y turstico. En cierta forma, desde el inicio de la democracia, el Centro Cultural Recoleta se vincula directamente con la idea de libertad de expresin y, curiosamente, fue escenario de muchos de los procesos culturales escondidos o prohibidos durante la dictadura. Tambien hay que destacar el apogeo de galeras privadas de arte, que exhiben a sus artistas, y generalmente son propiedad de coleccionistas privados o marchands. La finalidad de estas galeras o pequeas salas de arte estan directamente vinculadas con la venta de obra. Tambien mencionar a las instituciones ajenas al crculo artstico, que comenzaron a insertarse en el circuito, acondicionando salas y exhibiendo muestras que, en muchos casos, son de gran calidad y renombre. Un ejemplo concreto es el Espacio de Arte Imago, fomentado por la Fundacin Osde, que funciona desde 2004 en la sede de Osde de la calle Suipacha, en la ciudad de Buenos Aires. Para comprender el arte de poscrisis, es necesario entender el contexto cultural en que ste se dio. Y para ello, es de vital importancia entender que los ciclos culturales no pueden planificarse ni predecirse, y la crisis de 2001 involucr intensamente la trama urbana y las formas de organizacin de la cultura. Tal fue la magnitud de la crisis, que podra decirse que, en el territorio argentino, el siglo XX termin a fines de 2001. Toda la escena social, poltica, econmica y cultural se hall al borde del abismo, y ante lo indefinido y urgente, la sociedad multiplic creativas formas de respuesta. El famoso que se vayan todos fue una frase que hizo eco en practicamente todos los rincones de la sociedad, y habla no solo de un rechazo hacia la clase poltica, sino de un descrdito en las instituciones, tanto polticas y sociales como artsticas. En el plano poltico, la desarticulacin del poder del Estado y la prdida de soberana, como consecuencia de 10 aos de neoliberalismo y dominio del mercado, llev en 2000 a nuevas formas de protesta, como el corte de ruta, el piquete, el paro, la manifestacin o el ataque a edificios. El corte tena una forma de sostener su propia economa de subsistencia a partir de una organizacin solidaria y horizontal de las tareas, desde la alimentacin hasta el cuidado de los nios. Los cortes se incorporaron al repertorio de la accin colectiva, con una multitud unida, comprometida y
224
Arte, culturas y estticas carente de lderes. Los hechos de diciembre de 2001 fueron la culminacin de la sublevacin expresada en imgenes y en acciones de respuesta ante un proceso econmico, poltico y cultural que durante los 10 aos anteriores haba cambiado el pas, y la experiencia acumulada estall cuando el reclamo ya no involucr a un sector en particular (maestros, desocupados, empleados pblicos), sino a la sociedad en su totalidad, incluso a la clase media argentina. La experiencia colectiva de tener entre las manos el poder de modificar el presente intervena en las prcticas artsticas. De este modo, se reactualiz el debate entre el arte y la poltica. La creatividad se mezcl con la protesta. La irona y el humor, la bsqueda de formas nuevas para hacer visible el eje de las demandas, se democratiz. La ciudadana elaboraba, cada da un modo distinto de manifestarse. Por ejemplo cuando en el verano de 2002, durante una marcha contra la Corte Suprema de Justicia, una mujer se encerr en un corral de madera disfrazada de oveja, en alusin al corralito, o cuando una pareja se instal en el hall de un banco con sombrillas y reposeras y decidi pasar all las vacaciones que la crisis haba cancelado. De golpe, las formas de protesta coqueteaban con el concepto de happening, o de apropiacin esttica de un espacio, pero en funcin de un reclamo social. El mbito del taller fue reemplazado por el de la calle, y por un tiempo pareci que el artista individual desaparecera inmerso en un grupo de artistas. Se produjo, en la mayora de los casos, una colectivizacin de la prctica artstica. La ciudad se colectivizaba y tambien las formas de produccin artstica. La figura del artista creando aislado en su taller perdi, por un tiempo, legitimidad; para inscribir su nombre ste tena que actuar desde un colectivo, es decir, desde un grupo. El Grupo Escombros, ArDetroy, Vrtice Argentina, el grupo Fosa, son solo algunos de los nombres que empiezan a sonar luego de 2001. Los motivos de esta colectivizacin de la prctica artstica son diversos. Por un lado, artista se entiende como ciudadano y, como tal, no puede estar encerrado, aislado de su entorno, y sale a producir y decir en la calle, y para ello necesita de otros colegas. Los artistas se interesaron en vincular sus prcticas con la urgencia social. Al mismo tiempo, por motivos econmicos y por necesidades materiales, los artistas se reunieron en espacios comunes, lo cual desemboc en trabajar en obras en conjunto. Aquellos que requeran insumos importados para sus obras saban que el arte que hasta ese momento hacan, amparados en la convertibilidad y el uno a uno, iba a diluirse cuando sus reservas de materiales se agotaran. Tenan que elaborar una potica sin esos insumos, por lo cual el reciclaje, el uso de materiales preexistentes y las estrategias colaborativas fueron una caracterstica de este perodo. En relacin a los colectivos, los espacios de arte no son solo los que tradicionalmente les estn reservados, sino todos aquellos que los artistas quieran ocupar con sus obras. En este caso, fue la calle. Colectivos como el Grupo de Arte Callejero o el Taller Popular de Serigrafa introdujeron una forma distinta de entender la creacin artstica, desdibujando la diferencia entre el papel del creador y del espectador. El Grupo de Arte Callejero (GAC) se form en 1997, y se compone por artistas plsticos, fotgrafos y diseadores grficos. Busca fundir lo artstico con lo poltico, y subvertir los mensajes institucionales (cdigos viales, carteles publicitarios) con intervenciones grficas y performticas. La idea es alterar lo cotidiano para desmarcar el lenguaje del poder. Trabajan con las organizaciones de derechos humanos, con HIJOS y realizando escraches. En 2003 fueron invitados a participar de la Bienal de Venecia, donde presentaron una cartografa del Riachuelo en la que estaban sealados centros de poder, actos de represin y zonas militares. El Taller Popular de Serigrafa se constituy en febrero de 2002, y surgi al calor de la crisis. Formado por un grupo de artistas visuales que intervino en el contexto de las luchas sociales, sus imgenes procuraban testimoniar el momento y el lugar donde la protesta se desarrollaba, y dar cuenta del nimo de sta. Con la imagen como soporte material de problemas donde queremos intervenir, llevamos el taller a la calle, donde la protesta sucede, e imprimimos las prendas que la gente lleva puesta. Esto hace que no solo sea visible en una protesta determinada, sino que se disperse tanto en otras manifestaciones como en cada lugar al cual alguien llega con esa estampa. Trabajaban en la calle, estampando remeras, banderas y papeles con imgenes vinculadas a las luchas sociales y la represin, como las del movimiento nacional por una jornada laboral de seis horas, la memoria sobre los hechos de diciembre de 2001, o recordatorios sobre el golpe de est ado del 76. Este colectivo se disolvi en 2007. Otros colectivos enfocaron su actividad en el stencil, siendo ste una ya
225
Arte, culturas y estticas clsica tcnica esttico-poltica transmisora de mensajes ideolgicos, mayoritariamente exhibidos en la va pblica. Las prcticas de los grupos terminan siendo equiparables a las de los artistas individuales. Utilizan la discusin, internet o el trabajo colectivo en lugar del pincel, el leo o la tela. Comparten las formas de organizacin del trabajo, pero no siempre tienen los mismos objetivos. Todos valoran los lazos personales, la amistad y varios relacionan la actividad que realizan con la felicidad, la alegra y el placer. Ninguno de estos grupos rechaza el valor de lo creativo ni de lo social. Es destacable que sealen que lo poltico tambien es esttico, y viceversa. Lo que los vincula fuertemente es que todos subrayan la importancia de la investigacin. Unos se vinculan ms a la idea de goce, otros a los de responsabilidad. Es comn a todos la centralidad de la prctica y el hecho de que todas las decisiones se tomen en forma grupal, desde el ms sencillo al ms dificultoso acuerdo. El lugar del creador individual, resolviendo los problemas que le plantea su obra, aparece disuelto. Naturalmente, y es necesario aclararlo, esto no significa que hayan desaparecido los artistas que trabajan de manera individual. En rasgos generales, podemos afirmar que muchos de los artistas que en la dcada del 90 iniciaron o consolidaron sus carreras como Sacco, Pombo o Macchi, por ejemplo- continuaron produciendo obra, ademas de los representantes ya habituales de nuestro arte como No o Ferrari, por solo citar a dos. La globalizacin y los nuevos medios actan como condicin de posibilidad de nuevas formas de creacin. Individuos abiertos, que discuten sus diferencias y complejidades, que son capaces de adaptarse a distintas escenas (tanto geogrficas como temporales), que se insertan en configuraciones momentneas, planteadas en funcin de una accin concreta, y que persiguen un objetivo que se cumple con su realizacin. Ya no es el anhelo de socavar el poder para reemplazarlo a futuro, sino de involucrarse con el presente ms inmediato a fin de cambiar las lgicas desde las que operan para que stas no se desgasten, para que sean capaces de competir en la definicin del sentido del presente. Los artistas posmodernos/contemporneos se mueven, en general, dentro de los formatos de la globalizacin (en redes) buscando intervenir crticamente sobre sus consecuencias: son, al mismo tiempo, militantes que estan en contacto con las organizaciones polticas sin pertenecer a ellas. Estan en relacin con la creatividad artstica, pero no se presentan como hbiles gestores, no aspiran a los beneficios econmicos de una buena administracin. Son eficaces en todos estos campos, potencialmente pasibles de funcionar en la lgica del trabajo en el mundo globalizado, pero resistentes a productivizar sus capacidades en funcin de la lgica del mercado. Materializan, en el nivel simblico de sus prcticas, las formas de organizacin de un mundo globalizado al que quieren desestructurar. Al mismo tiempo, los artistas se vinculan con su propia identidad, con su propia cultura, y son espejo de las emociones, tanto sociales como individuales. A modo de cierre, una reflexin de la crtica Andrea Giunta: Sigue siendo la Argentina un pas encerrado en una ciudad? Desplazarse hacia Buenos Aires para luego saltar a una de las grandes metrpolis del mundo, como Berln, para, despues de varios aos, regresar, simplemente porque se extraa el idioma o los amigos, o para no sentirse solo contemplando la propia obra, para poder observarla en el eco de los otros. Una ciudad en la que no es necesario cumplir con protocolos, ttulos, donde cualquiera puede ser un artista y donde todo puede hacerse. Inmensa, y a la vez aislada (...), sigue siendo Buenos Aires una ciudad encerrada en el mundo? O es que es ms fcil alcanzar la escena internacional quedndose en ella? (...) Querer estar en el mundo, que nuestros artistas sean reconocidos en el exterior, que integren las colecciones de los ms importantes museos internacionales, es una marca recurrente en el discurso de la cultura argentina. Sin embargo, parece que la necesidad de salir es equivalente a la de volver (...). Quizas sea cierto que nuestro trabajo genera ms interes cuando se inserta en un conjunto de relaciones especficas, cercanas, queridas, y que nuestra mejor manera de insertarnos en lo global consista en sumergirnos en lo local.
226
227
Arte, culturas y estticas al retrato social, tanto en fotografa como en pintura, teniendo como protagonista a muchos de sus vecinos y amigos de Villa Ballester, siendo este perodo de su obra un verdadero documento histrico. Si bien la obra de Ceferino Carnacini se encuentra en numerosos museos, la Casa Museo Carnacini de Villa Ballester, que en vida fue el hogar en donde vivi y trabaj, alberga parte de su obra. Este acervo incluye leos, numerosos grabados, y los frescos que Carnacini pint en las paredes de la casa. Ademas, se conserva el espacio que oficiaba como taller de grabado, y en la Casa Museo (situada en la calle Pueyrredn n2720) se realizan exposiciones itinerantes, transformando a este sitio en uno de los ms importantes centros culturales del Municipio de General San Martn.
228
Arte, culturas y estticas perfilaba hacia un realismo social de tratamiento expresionista, que fue el basamento de toda su obra posterior: los temas sociales y humanos, visualmente presentados con el alto contraste propio de la xilografa, en climas a menudo dramticos, melanclicos, pero clidos. En estos aos, cumple uno de sus sueos: que uno de sus trabajos se exhiba junto a otros de Antonio Berni, a quien Giacchetti siempre admir, en una muestra realizada en San Martn y organizada por el Museo Nacional del Grabado. Uno de los motivos por los cuales el tema social se encuentra presente en su obra, es que en 1975 Giacchetti se recibe de licenciado en sociologa. Y a esas temticas, a partir de 1976, se incorporan elementos surrealistas en sus obras. En su serie de grabados titulados ausencias y soledades, de este ao, los personajes protagonistas eran las sombras, metfora visual que alude al contexto poltico y social de poca. Estos guios surrealistas se repetirn a lo largo de toda su carrera, encarnados en personajes alados, monstruos fantsticos, vboras gigantes que salen de agujeros en el suelo, o personajes que mutan en bandoneones, por ejemplo. En 1979 comienza a interpretar en grabados a los textos de Ernesto Sbato, iniciando este ao con la ilustracin del relato Abaddn, el exterminador, en xilografas al taco perdido de gran formato y mltiples colores, donde el expresionismo y el surrealismo se entremezclan con el barrio y las escenas descriptas por Sbato. En 1984 realiza otra carpeta de grabados inspirado en Sobre hroes y tumbas, otro libro del mismo autor. Las grabados de Giacchetti estan compuestos y elaborados con dedicada firmeza y decisin, con un expresionismo de lenguaje visual claro, sencillo y directo, caracterstica siempre presente en su carrera artstica. De su obra, en 1991 Ernesto Sbato dijo: presentar al artista Adrian Giacchetti me parece innecesario, su obra habla por s sola. Con el advenimiento de la democracia, comienza el intercambio artstico con el exterior, siendo Giacchetti uno de los primeros grabadores de la Argentina en tejer puntos de contacto con artistas y grabadores europeos. Sus viajes, financiados por su rol docente y otras actividades vinculadas con la pintura, el mural, el dibujo y el grabado, lo llevaron a conocer el Viejo Continente, donde los certmenes, bienales y concursos de grabado son moneda corriente, ya sean de grabados en gran, mediano o pequeo formato, o grabado ex libris (pequeos grabados dedicados a personas, bibliotecas o instituciones, que solan cumplir el rol de sello identificatorio de los libros). Giacchetti fue premiado en varias oportunidades, ingresando as en el circuito de exposiciones y concursos que se realizan en Italia, Francia, Rusia, Polonia, Espaa, Blgica, Rumania y toda Europa. Lituania es un caso particular, ya que en 1991 Giacchetti recibi una Mencin de Honor en la Bienal de Panevezs, y el premio Theater Life en la ciudad de Vilnius, en 1992, motivo por el cual tuvo que viajar a ese pas a recibir el premio. All, la relacin entre l y el crculo cultural lituano se hizo estrecha, abriendo puertas para el intercambio artstico entre ambas naciones. Es la poca en que colegas de Giacchetti, como Claudio Lara o Mauricio Schvarzman, comienzan tambien a participar en los certmenes europeos de grabado, obteniendo premios y comenzando a posicionar a la Argentina en el circuito del grabado europeo. El tango ha sido uno de los temas predilectos de Giacchetti, en sus grabados. Las series Gotango o 14 con el tango son prueba de ello, en las que aborda escenas de arrabal, patios, msicos, parejas bailando, y elementos surrealistas como mujeres aladas, como as tambien interpretaciones de letras de los tangos ms reconocidos. La msica, entonces, es una inspiracin frecuente en l, y muchos de los ttulos de sus trabajos aluden a letras de canciones de cantautores de su agrado, como Silvio Rodrguez, Joan Manuel Serrat o Joaqun Sabina. Una de las caractersticas de la obra de Giacchetti es que trabaja por series temticas. En la dcada del 90 realiza Sueos, una serie de xilografas en gran formato, cada uno de ellos con una vibrante paleta cromtica, en donde el dato surrealista-onrico se amalgama con las escenas cotidianas: gigantescos globos, como de historieta, emanan de personajes cotidianos, de barrio, ilustrando as sus ilusiones y sueos. En su serie Ventanas, desarrollada entre 1998 y 2000, Giacchetti aborda el tema de la ventana, no solo a nivel visual y compositivo, sino metafrico: la estampa de grabado o la obra de arte- como ventana a otra realidad. En Imagen, ahonda en su pasado familiar con cierta nostalgia, rescatando un pasado del cual proviene, y del que solo posee unas pocas fotos. Su presente, entonces, reinterpreta y completa su propia historia.
229
Arte, culturas y estticas En estos aos, Giacchetti comienza a hacer linografas, es decir, grabados en linleo. La tcnica es igual a la xilografa, pero el linleo, como elemento ms plstico, permite una ductilidad y un manejo mucho ms suave y clido del trazo, en comparacin con la madera. Con esta tcnica, a mediados de 2001 Giacchetti presenta su serie Riesgo Pas, que se diferencia de series anteriores por tener implcito un dato social ms contemporneo, y una esttica en la que la maraa de lneas, como las que hace quien juega a hacer frenticas elipses con un bolgrafo, es el principal elemento rtmico. Esta serie presenta nuevamente temas cotidianos, pero no a escala barrial, sino masiva: alusiones al ftbol con trabajos como La mano de Dios- o a la realidad social argentina con Piqueteros. El 2001 es tambien el ao en que Giacchetti recibe uno de sus reconocimientos ms importantes: el Excelent Prize en la Bienal de Grabado de Quindao, China, con El regreso del Calandria parte de la serie Riesgo Pas. Al ao siguiente, su obra La espera es finalista en el Certmen Mundial de Grabado en pequeo formato, organizado por la Academia de Pisa, Italia. Por primera vez en su carrera, en 2004 Giacchetti se vuelca a la abstraccin. Si bien en Riesgo Pas las maraas de lneas son un dato abstracto, venan acompaadas de la referencia figurativa. Pero en 2004, con su siguiente serie, Giacchettismos imprevistos, las abstracciones poblaron las estampas linogrficas. Los ttulos, aun as, aluden a la particular situacin social del pas. Las abstracciones de Giacchetti se construyen por la tcnica misma: tramados, texturas, altos contrastes, mariposas efmeras que plantean una relacin figuracin-abstraccin en la interpretacin del espectador. A fines de 2004, a Adrian Giacchetti le diagnostican cncer de pulmn. Debido a su delicado estado de salud, toma licencia en todas las escuelas en las que trabajaba, pero no se aleja del mbito del taller. De hecho, el taller le recibe, le mantiene vivo. A lo largo de 2005, Giacchetti elabora una de sus ms sentidas y recordadas series, Cristo pas por ac. Ya en la dcada del 90 haba tomado a la imagen de Cristo cargando su cruz, inmerso en situaciones cotidianas y sociales, como en el caso del irnico grabado en que el Cristo quiere subir a tomar el colectivo, pero el chofer se lo impide porque si no tiene monedas no viaja. En su serie de 2005, el Cristo con la cruz al hombro es parte del paisaje urbano y humano: camina junto a los cartoneros, en los hospitales, sale del subte, se sienta y pide monedas, avanza entre la muchedumbre que asiste a un acto poltico... y visita a Adrian en su taller. En todos los casos, el Cristo pasa por ah, silencioso, con la cruz a cuestas, con la espalda curva por el peso, pero firme y seguro. Es inevitable notarlo en los grabados, pero al mismo tiempo se hace evidente cmo es ignorado dentro de las escenas, por los que lo rodean: nadie le ayuda, nadie le ve, como si la indiferencia social tambien fuera protagonista de las situaciones que Giacchetti describe y graba. Y sin embargo, para l, ese Cristo fue la fuerza que le acompa durante ese ao, para realizar la descripta serie y recuperar su salud. De hecho, en muchsimas de las estampas, los rasgos faciales del Cristo mimetizan con los de Giacchetti, como si ambos compartieran la misma cruz. En 2006, Giacchetti reasume sus actividades como docente, y recibe uno de los encargos ms importantes de su carrera: realizar una carpeta de grabados con motivo del 150 aniversario de la fundacin del partido de General San Martn. El Municipio le encarg que realice 12 imgenes que representen y sinteticen la historia del partido. Para ello, Giacchetti se document e hizo una seleccin de lugares del pasado y el presente de San Martn: la vieja y nueva Municipalidad, los viejos telares, la sede Migueletes de la Universidad Nacional de Gral. San Martn, la vieja Catedral (hoy demolida), un viejo almacn, la Escuela n3 de Villa Ballester, el monumento al Gral. San Martn ubicado en la Plaza Municipal, el monumento La partida de Fierro realizado por Antonio Berni y ubicado en la Plaza Kennedy, el tranva de Ballester, la Chacra Pueyrredn y el combate de Perdriel. De cada grabado impreso en negro y un color- Giacchetti realiz 200 estampas, las cuales fueron adquiridas por el Municipio, para ser distribuidas en carpetas como obsequios por el aniversario del partido. Tambien durante 2006 empez a escribir un libro, La partida de Fierro, cuyo ttulo hace alusin a la escultura de Berni. La investigacin que Giacchetti realiz y comenz a volcar en escritos relata el ltimo ao de la vida de Antonio Berni, incluyendo la historia del destacado monumento, la realizacin de los murales en la capilla del Instituto San Luis Gonzaga, de la ciudad de Las Heras, y la ancdota sobre la muerte de Berni. Lamentablemente, el libro qued inconcluso.
230
Arte, culturas y estticas Paralelamente a su produccin de grabados para concursos y certmentes en el exterior, durante 2007 Giacchetti inici su serie de Homenaje a mis maestros, linografas en mltiples colores que retrataban a colegas y artistas admirados por l. Los retratos de Berni, Goya, Ada Carballo, Picasso o Van Gogh aparecen en escenas que evocan a obras de cada uno de ellos. La serie qued inconclusa, siendo el retrato de Paul Gauguin, con su Cristo amarillo detrs, el ltimo que Giacchetti complet. Luego de algunos meses de batallar nuevamente con el cncer, Adrian Giacchetti falleci el 8 de julio de 2007. Al da siguiente, la ciudad de Buenos Aires se ti de blanco, por una nevada indita. De alguna manera, esa nevada tambien fue una metfora: como en El Eternauta, historieta que Giacchetti admir y am, la nieve cay sobre la ciudad. Quizas, un guio del artista, un ltimo regalo desde el cielo. Por sus grabados, Giacchetti recibi ms de 70 premios nacionales, provinciales y municipales, numerosos reconocimientos internacionales, fue seleccionado en ms de 150 certmenes internacionales, realiz ms de 170 muestras individuales, 15 de ellas en el exterior. Su obra ha sido elogiada por incontables crticos, y se encuentra dispersa por museos, galeras y colecciones de todo el mundo. Su labor docente fue una labor netamente humana, de amor y entrega, que profes en incontables escuelas por ms de 30 aos, y que sus alumnos recuerdan entraablemente. Grabador, docente, socilogo, dibujante, muralista, pintor, ensayista, escritor, periodista, Giacchetti deca en 2005: rescatando nuestra identidad tendremos una posibilidad mayor de crecer. Si no, creceremos sin saber quienes somos . Sin perder de vista sus races, Adrian Giacchetti proyect el barrio al mundo, y su obra es un reflejo directo de su persona.
231
Bibliografa
- Argan, Giulio Carlo. El arte moderno. Ed. Akal, 1998. - Autores varios. Antonio Berni obra grfica. Ed. Muntref, 2005. - Autores varios. Artistas argentinos de los 90. Ed. Fondo Nacional de las Artes, 1999. - Autores varios. Carlos Alonso Hay que comer. Ed. Muntref, 2004. - Autores varios. Carlos Alonso ilustrador. Ed. Fundacin Aln, 2008. - Autores varios. Coleccin Centro Editor de Amrica Latina, fascculos Malharro, Fader, Deira, No, De la Vega, Roux, Pompeyo Audivert, Fernando Lpez Anaya, Ada Carballo, Facio Hebequer, Seoane, Sergi, Norberto Onofrio, Planas Casas, Carlos Alonso. Ed. Centro Editor de Amrica Latina, 1980-82. - Autores varios. Coleccin El arte de los argentinos, fascculos Carlos Alonso, Antonio Berni, Prez Celis, Guillermo Roux, Xul Solar. Ed. Atlntida, 2009. - Autores varios. Coleccin Grandes maestros de la pintura, tomos Kandinsky, Klimt, Munch, Toulouse-Lautrec. Editorial Sol 90, 2008. - Autores varios. Coleccin Grandes pintores del siglo XX, tomos Dal, Dubuffet, Matisse, Motherwell. Ed. Polgrafa/Globus, 1994. - Autores varios. Coleccin Maestros de la pintura, fascculos Boccioni, Kokoschka, Turner. Ed. Noguer, 1973. - Autores varios. Coleccin Pintura argentina, fascculos Generacin del 80, Impresionismo y paisaje, Quinquela y Victorica, Primeras vanguardias, Emilio Pettoruti, Abstraccin I, Abstraccin II, Nueva Figuracin, Antonio Berni, Pintores de los 70, Final del siglo XX I, Final del siglo XX II. Ed. Banco Velox, 2001. - Autores varios. Ediciones Fundacin Osde Espacio de Arte Imago, catlogos La vida de Emma en el taller de Spilimbergo (2006),Los artistas del pueblo 1920-1930 (2008), Juan Pablo Renzi la razn compleja (2009). - Autores varios. Grupo Espartaco obra pictrica 1959-1968. Ed. Muntref, 2004. - Autores varios. Jorge De la Vega. Un artista contemporneo. Ed. El Ateneo, 2003. - Autores varios. Julio Le Parc en el Museo Nacional de Bellas Artes. Ed. MNBA, 2000. - Autores varios. Marcel Duchamp. Una obra que no es una obra de arte. Fund. Proa, 2008 - Autores varios. M. C. Escher. Estampas y dibujos. Ed. Taschen, 2007. - Brass/Dillon/Eggers Lan. Culturas y estticas contemporneas. Ed. Maipu, 2004. - Buruca/Telesca. El impresionismo en la pintura argentina. Publicacin del Instituro del arte Julio Pair, 1989. - Cirlot, Lourdes. Las claves de las vanguardias artsticas en el siglo XX. Ed. Ariel, 1988 - Cufr, Hctor. Culturas y estticas contemporneas. Ediciones Polimodal, 2001. - Danto, Arthur. Despues del fin del arte. Ed. Paids, 2009. - De Micheli, Mario. La negacin dadasta. Ed. Universitaria de Crdoba, 1968. - Elger, Dietman. Dadasmo. Ed. Taschen, 2006. - Elger, Dietman. Expresionismo. Ed. Taschen, 2008. - Fevr, Fermn. Berni. Ed. El Ateneo, 2001. - Fevr, Fermn. Forner. Ed. El Ateneo, 2001. - Fischer, Wolfgang. Schiele. Ed. Taschen, 2008. - Giunta, Andrea. Poscrisis. Arte argentino despues de 2001. Siglo XXI editores, 2009. - Giunta, Andrea. Vanguardia, internacionalismo y poltica. Ed. Paids, 2001. - Glusberg, Jorge. Polesello. Ed. El Ateneo, 2001. - Lipovetsky, Gilles. La era del vaco. Ed. Anagrama, 2008. - Lpez Anaya, Jorge. Arte argentino. Cuatro siglos de historia (1600-2000). Ed. Emec, 2005. - Malosetti Costa, Laura. Los primeros modernos. Ed. Fondo de Cultura Econmica, 2003. - Martin, Sylvia. Futurismo. Ed. Taschen, 2006.
232
Arte, culturas y estticas - Martnez Bragagnolo, Manuel. Qu es el arte del siglo XX. Ed. Granada, 1991. - Osterwold, Tilman. Pop art. Ed. Taschen, 2008. - Romero, Luis Alberto. Breve historia contempornea de la Argentina. Ed. Fondo de Cultura Econmica, 2005. - Sarlo, Beatriz. Una modernidad perifrica: Buenos Aires 1920 y 1930. Ediciones Nueva Visin, 1988. - Smee, Sebastian. Lucian Freud. Ed. Taschen, 2007. - Tristezza, Nora. Artistas de Villa Ballester en la conformacin del arte nacional. Ed. Unsam, 2009. - Walther/Metzger. Chagall. Ed. Taschen, 1993. - Walther/Metzger. Van Gogh. Ed. Taschen, 2008. - Warncke, Carsten-Peter. Picasso. Ed. Taschen, 2008. - Wechsler, Diana. Algunas consideraciones acerca de la vanguardia en el campo artstico de Buenos Aires en la dcada de 1920-1930. Publicacin del Instituro del arte Julio Pair, 1989. Seleccin y desarrollo de textos: Juan Manuel Plana Sabatez. Se termin de redactar el da 18 de junio de 2010 en San Andres, partido de General San Martn.
233