EL ARTE CONTEMPORÁNEO

Introducción general: este tema tiene una estructura distinta, por varias razones. La
principal, que no recoge un único arte o estilo, sino varios. Por tanto, se tratan estos por
separado, algunos de forma resumida. Además, algunos artistas se tratan de forma
independiente de todo estilo, a causa de su originalidad o por otras razones. Por tanto, no
hay un hilo conductor del tema, a lo que se añade que se ha adaptado el contenido al que
aparece en los exámenes de Selectividad.

1. El arte neoclásico

 Temporalización: 1750-1850 (aprox.)

 Condicionantes sociales y políticos:

- Época de las revoluciones burguesas: independencia de EE.UU. (1776), revolución
francesa (1789), independencia de América Latina (1810-1823), revoluciones
burguesas europeas (1830, 1848)
- Arte vinculado al cambio social: del barroco tardío (rococó), se pasa a un arte más
sobrio, relacionado con los ideales de la burguesía y la Ilustración
- Es un arte con gran significación política, relacionada con los ideales del
liberalismo y la revolución (sobre todo en Francia)
- Relacionado con el interés por el arte clásico, romano y sobre todo griego:
excavación de Pompeya y Herculano, publicación de “Historia del Arte en la
Antigüedad”, de Winckelmann
- Fundación de las Academias de Bellas Artes: el arte deja de ser algo individual y
gremial y pasa a ser algo intelectual y reglamentado. El academicismo implica la
formación del artista en unos valores rígidos y racionales

 Características generales:
- Rechazo al último barroco (rococó): se rechaza su frivolidad, exceso de decoración,
sentimentalismo, asimetría
- Imitación de la antigüedad clásica: no siempre exacta, pero sí muy similar
- Utilización de elementos renacentistas añadidos. Interés por Palladio y Miguel
Ángel sobre todo
- Simetría, equilibrio compositivo
- Racionalidad, serenidad. Pero también: teatralidad, expresión de sentimientos
siempre que sean grandiosos o trágicos
- Idealización, falta de naturalidad en formas y gestos
- Sobriedad decorativa
- Perfección en el acabado
- Es el último estilo unificado: afecta por igual a arquitectura, escultura y pintura

 Arquitectura:
- Recuperación de tipologías griegas y romanas: templos, arcos triunfales, columnas
- Uso de elementos clásicos: frontones, órdenes (dórico, jónico, corintio)
 - Uso de elementos renacentistas: cúpulas miguelangelescas y palladianas
- Sobriedad decorativa
- Autores: Soufflot (Francia), Langhans (Alemania), Villanueva (España)
 Escultura:
- Movimiento pausado
- Acabado perfecto, sobre todo en mármol
- Sobriedad y escasa expresividad
- Sentimentalismo suave (tranquilidad)
- Autor: Canova

 Pintura:
- Temas: sin temática religiosa. En cambio: tema político-propagandistico
(revolucionario y napoleónico), tema histórico (relacionado con la antigüedad
greco-romana, con significación política revolucionaria), tema mitológico
- Equilibrio compositivo. Composición en friso
- Predominio del dibujo y el contorno sobre la luz y el color: pincelada exacta y
detallista
- Luz con foco único. Colores vivos y contrastados
- Personajes siempre en primer término. Escasa profundidad. Sin embargo: líneas de
fuga centralizadas
- Autores: David, Ingres

2. Goya

 Introducción:

Francisco de Goya es un pintor único por varias razones. En un principio, pasa por
varios estilos de su época, pero luego su obra se va haciendo más personal. En realidad,
salta de un estilo a otro, según las circunstancias, aunque su arte va haciéndose cada vez
más personal. En su obra no se sigue por tanto ninguna evolución clara, aunque se
observa una tendencia a la disolución de las formas y a una aplicación cada vez más
suelta del color. Al final, llega a aplicarlo con la espátula o con los dedos. Es por esto
por lo que no puede ser estudiado en el contexto de ningún estilo concreto. En lugar de
ello, es necesario conocer su biografía y circunstancias, para relacionarlas con su obra.
También hay que tener en cuenta que utiliza gran número de técnicas distintas: fresco,
cartones para tapices, óleo, grabado. Además, gran parte de su obra se adelanta mucho a
su tiempo.

 Biografía:

Nace en 1756, en Fuendetodos, pero se cría en Zaragoza. Asiste al taller del pintor
Luzón, donde aprende el oficio y absorbe el estilo rococó vigente entonces. Todavía
muy joven, realiza un viaje de estudios a Italia, con pocos medios y a sus propias
expensas. A su vuelta a Zaragoza se presenta a varios concursos pictóricos, con poco
éxito. Sin embargo, logra sus primeros encargos (frescos del Aula Dei).
En 1773, por influencia de su amigo y luego cuñado, el pintor Francisco Bayeu, viaja a
Madrid, donde se emplea en la Real Fábrica de Tapices realizando cartones.
Adicionalmente, realiza retratos por encargo a personajes de la alta sociedad madrileña.

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Estas obras le dan cierta fama, hasta que logra el empleo de pintor de la Corte. Allí
conoce el pintor neoclásico Mengs, de quien toma el equilibrio compositivo.
Posteriormente, sucede a Mengs como primer pintor de Corte.
Dos acontecimientos le van a influir poderosamente a partir de entonces. La
Revolución Francesa, desde 1789, y sobre todo desde la ejecución de Luis XVI, van a
provocar una reacción contraria en España. Se prohíben libros y contactos con el
extranjero. Ante esto, Goya reafirma sus ideas liberales y anticlericales, aunque no
puede hacerlas muy explícitas por la fuerte represión. Además, en 1792 sufre una grave
enfermedad que está a punto de acabar con su vida. Como secuela principal, queda
sordo, lo que va a contribuir a aislarle y amargarle. Desde entonces desaparece todo
gusto amable en su pintura, que va haciéndose cada vez más personal.
Desde 1808, la guerra de Independencia contra los invasores franceses va a poner a
prueba sus ideas. Por un lado, simpatiza con los franceses, en quienes ve la oportunidad
para que las ideas liberales se impongan en España. De hecho, conserva el puesto de
pintor de Corte con José Bonaparte. Sin embargo, la guerra le desgarra entre sus ideales
y la simpatía patriótica por los españoles que luchan contra el invasor. De ambas cosas
va a derivar un rechazo y horror por la guerra en sí.
Tras 1814, con el fin de la guerra, se le investiga como sospechoso de
afrancesamiento. Pese a ello, es absuelto y conserva su puesto de pintor de Corte. Sin
embargo, apenas se le realizan encargos, y se retira a su villa junto al Manzanares, la
llamada Quinta del Sordo. Allí realiza sus obras más personales, amargadas y
simbólicas, incluidas las Pinturas Negras. En 1823, con la derrota del Trienio Liberal, se
exilia voluntariamente, ante el acoso de los absolutistas. Se refugia en Burdeos, donde
muere en 1828.

 Periodos:
- Primeras obras (1771-1792): en estilo rococó, amable y anecdótico. Realiza una
pincelada suelta y a grandes manchas de color, a causa del carácter de los
encargos: frescos del Aula Dei, cartones de tapices. Sus temas son sencillos y
populares, y su colorido suave y apastelado. También realiza retratos amables y
sencillos. Con el tiempo, absorbe el neoclasicismo de Mengs, lo que le lleva a
composiciones equilibradas y colores más vivos (frescos de San Antonio de la
Florida, retratos de corte)
- Tras su enfermedad (1792), su paleta se hace más oscura, y sus retratos más
incisivos y psicológicos. Realiza su primera serie de grabados, “Los caprichos”, de
temas simbólicos y anticlericales. Esto, junto a las “Majas”, le valen una denuncia
ante la Inquisición, de la que sale absuelto pero amargado
- Tras el comienzo de la guerra (1808), su obra se escinde en dos: la pública, y la
privada, que no dará a conocer. Realiza las dos obras patrióticas sobre la lucha
contra los franceses (“La lucha del 2 de mayo en Madrid” y “Los fusilamientos del
3 de mayo”), y algunos retratos de corte y de héroes de la guerra de independencia.
Además, realiza su serie de grabados “La tauromaquia”, con la que obtiene
ingresos. Pero también realiza una serie de obras simbólicas de complicada
interpretación, incluidas las “Pinturas negras”. Estas son pinturas privadas
realizadas al óleo sobre las paredes de su quinta, que luego fueron pasadas a tela
tras su muerte. Además, realiza dos series de grabados que sólo se publicarán tras
su muerte: “Los desastres de la guerra”, colección de horrores y muertes, y “Los
disparates”, simbólicos y extraños

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3. La pintura romántica

 Introducción:

El Romanticismo fue un movimiento estético que se originó en Alemania a fines del

siglo XVIII como una reacción al racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo,
dándole preponderancia al sentimiento. El Romanticismo fue una reacción contra el
espíritu racional e hipercrítico de la Ilustración y el Neoclasicismo, y favorecía ante todo
la supremacía del sentimiento frente a la razón, del liberalismo frente al despotismo
ilustrado, de la originalidad frente a la tradición grecolatina, de la creatividad frente a la
imitación neoclásica y de la obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la obra
perfecta, concluida y cerrada. Aunque es una corriente puramente pictórica, en la
arquitectura se corresponde, al menos en algunas características, con el neogótico.

 Características:
- Rechazo al equilibrio, lo perfecto y acabado, lo racional: todo lo que representa el
espíritu neoclásico
- Colores cálidos, contrastados y vibrantes
- Composiciones abiertas, desequilibradas, irregulares
- Temas de actualidad contemporánea, de marcado contenido político crítico y
revolucionario. Sin embargo, también se recurre a temas de la antigüedad, siempre
que su sentido sea actual. También hay interés por el exotismo y lo oriental
- Pinceladas sueltas y flexibles, sin un acabado perfecto (pueden incluso parecer
obras semi-inacabadas o abocetadas)
- Movimiento muy marcado
- Dramatismo, tanto en los temas como en las expresiones y gestos
- Individualismo: el pintor tiene sus propias fuentes de inspiración, muy distintas
- En esta época, el artista como pintor ya se ha desgajado del todo de la arquitectura:
las Academias de Bellas Artes, por un lado, y las facultades de arquitectura e
ingeniería han realizado la separación. El pintor deja de por tanto de tener un
componente científico y pasa a ser un artista en el sentido que le damos
actualmente. Se convierte así en un personaje de vida irregular, carismático y
sensible: lo que se empieza a conocer como “vida bohemia” ya en esta época
- Autores: Delacroix, Gericault

4. Turner

Pintor inglés de la 1ª mitad del XIX. Su obra se caracteriza por el tema del paisaje y la
marina, como casi todos los pintores ingleses de su época. Sin embargo, a diferencia de
estos, su obra es muy personal. Se caracteriza por una progresiva desmaterialización de
la forma, las veladuras de niebla y resplandor del sol, el predominio de la luz y el color,
y los temas que simbolizan el progreso. En gran medida, anticipa a los impresionistas.

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5. La arquitectura de los nuevos materiales

 Introducción:

Se corresponde con el siglo XIX, y con el desarrollo de la revolución industrial. Sus

autores ya no son artistas, sino arquitectos formados en las nuevas facultades de
arquitectura; de hecho la mayoría son ingenieros civiles.

 Características:
- Nuevos materiales: sobre todo el hierro y el acero. También el vidrio y el hormigón
armado
- Casi total ausencia de decoración: todo el edificio es estructura, puramente
funcional
- Modularidad: estructuras repetidas y fácilmente montables
- Vinculación con la industria y el progreso: pabellones, sobre todo en las grandes
Exposiciones Universales, donde se mostraban los grandes avances de la ciencia
- Autores: Paxton, Eiffel

6. La escuela arquitectónica de Chicago

 Introducción:

En 1871, un gran incendio destruye la mayor parte del centro de Chicago. La

reconstrucción será total, y realizada en muy poco tiempo. Por tanto, unos pocos
arquitectos realizarán la mayor parte de la obra, con una notable unidad de estilo.
La escuela de Chicago es notable por la introducción del rascacielos. Hasta entonces, los
edificios nunca tenían más de 4 ó 5 pisos. La innovación se pudo realizar gracias a dos
inventos: el hormigón armado (producto a su vez de dos inventos distintos: el
convertidor de acero Bessemer y el cemento artificial Pórtland), y el ascensor. Su
principal autor e inspirador fue Sullivan.

 Características:
- Sencillez decorativa, basada en líneas rectas
- Ausencia total de referencias al pasado: ni neoclásico, ni neogótico
- Funcionalidad: adaptación de la estructura a la función para la que ha sido diseñada
- Con la escuela de Chicago, se reunifica la arquitectura: los arquitectos hacían edificios
historicistas; los ingenieros hacían arquitectura de los nuevos materiales. El nuevo
estilo reúne las características de ambas

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7. La arquitectura modernista

 Introducción:

Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística y

literaria desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. Según los distintos
países, recibió diversas denominaciones: Art Nouveau (En Bélgica y Francia), Sezession
(en Austria), Jugendstil (en Alemania), Liberty (en Inglaterra) y Floreale (en Italia). En
catalán, Modernisme o Estil modernista. Si bien existe cierta relación que los hace parte
de la misma corriente, en cada país se expresaron con características distintivas.
Todo esto hace referencia a la intención de crear un arte nuevo, llevando a cabo una
ruptura con los estilos dominantes en la época, tales como el historicismo o el
eclecticismo. Se trata de crear una estética nueva, en la que predomina la inspiración en
la naturaleza a la vez que se incorporan novedades derivadas de la revolución industrial.
Y así en arquitectura es frecuente el empleo del hierro y el cristal. Pero es igualmente
una reacción a la pobre estética de la arquitectura en hierro, tan en boga por esos años.
En gran medida sus aspiraciones se basan en democratizar la belleza, en el sentido de
que hasta los objetos más cotidianos tengan valor estético y sean asequibles a toda la
población (socialización del arte), gracias a las técnicas de producción masiva facilitadas
por la revolución industrial. Por ello el modernismo no solo se da en las artes mayores,
sino también en el diseño de mobiliario y todo tipo de objetos de la vida cotidiana. A
menudo los artistas modernistas son artistas "integrales", pues no sólo diseñan edificios,
sino los muebles y otros enseres de uso diario. Así pues muchos arquitectos modernistas
son también diseñadores, pues sus creaciones no se limitan al edificio en sí, dado que
también elaboran su decoración y los utensilios que ha de contener. Autores: Horta
(Bélgica), MacKintosh (Escocia), Wagner y Olbrich (Austria), Gaudí (España).

 Características:
- Inspiración en la naturaleza y uso profuso de elementos de origen natural, pero con
preferencia en las formas vegetales y las redondeadas de tipo orgánico
- Uso de la línea curva y la asimetría, tanto en las plantas y el alzado de los edificios
como en la decoración
- Hay también una tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente
la representación estrictamente realista de estos
- Una fuerte tendencia al uso de imágenes femeninas, las cuales se muestran en
actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en
los cabellos y los pliegues de las vestimentas
- Una actitud tendiente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, con un
guiño hacia lo erótico en algunos casos
- La libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean estos de pura fantasía o con
inspiración en distintas culturas lejanas o antiguas: Japón, Egipto antiguo, la
cultura clásica grecorromana
- Uso de materiales muy diversos, pero sobre todo nuevos: vidrio, hormigón,
metales, cerámica. Las formas constructivas son también modernas: estructuras de
hormigón armado en pilotes
- Existen dos tendencias modernistas: la de línea recta (Austria, Alemania,
Inglaterra), y la de línea curva (España, Italia, Francia, Bélgica). En la línea recta,

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 predomina la estructura sobre la forma y la decoración, aunque esta sea curvada.
En la de línea curva, es la forma y la decoración la que cubren en parte o
totalmente la estructura constructiva
8. La pintura impresionista

 Manet: No es un pintor impresionista, ni pretendió serlo. Sin embargo, los

impresionistas lo adoptaron como inspiración y modelo, y con frecuencia se le cita entre
ellos. Sin embargo, sus intereses y características son distintos, por lo que hay que
estudiarlo aparte. Características: Interés por los pintores del barroco, sobre todo
español y holandés, y por Goya. Realiza composiciones desequilibradas, con pinceladas
sueltas y colores planos, sin perfilar. Sus temas son contemporáneos y cotidianos, pero
están llenos de referencias a grandes pintores antiguos. No pretende romper con la
tradición pictórica como los impresionistas, sino actualizarla. Sin embargo, todas sus
obras provocaron escándalo y rechazo, y fueron admiradas por los impresionistas.

 Características de la pintura impresionista:

- Pincelada suelta y efectista, con predominio total del color y la luz sobre la forma.
No hay dibujo alguno de las figuras
- Colores vivos y vibrantes, incluso más que en la realidad que pintan
- Pintura de caballete (realizada en exteriores) y apenas de estudio
- Composiciones desequilibradas y naturales: falta de preparación y estudio
(deliberado)
- Total ausencia de dramatismo o de interpretaciones del tema
- Interés por captar el momento fugaz, la instantánea. (En esta época se acababa de
inventar la fotografía: por tanto, no tenía interés captar la realidad tal como era,
salvo por esto; las fotografías aún requerían largas exposiciones, y por tanto
posados estáticos)
- Hay un gran interés por el paisaje, aunque no exclusivo. Otros temas son: la figura
humana (sobre todo en grupo), la ciudad y los edificios. Todos los temas son
contemporáneos
- Se sitúan al margen de la pintura académica establecida, por voluntad propia y por
el rechazo que sufren. Sus obras no son admitidas en las exposiciones oficiales, de
modo que crean sus propias “exposiciones de rechazados”
- El rechazo que sufren hace que el pintor se convierta, definitivamente, en un
personaje peculiar, profundizando en su bohemia y singularidad. A partir de ellos,
el artista se sitúa un tanto al margen de la sociedad, a la que critica y contra la que
lucha. En gran medida, se adelanta a su tiempo, realizando obras que desafían al
gusto contemporáneo y que sólo son apreciadas después

 Los principales pintores impresionistas:

- Monet: Pintor totalmente impresionista. Se centra en los paisajes, los efectos de la

luz, los reflejos en el agua. Las formas se difuminan y se convierten en manchas de
luz. Es un pintor de series, en las que estudia las variaciones de la luz (la catedral
de Ruán, a diversas horas del día, las ninfeas, con los diversos reflejos del agua)

- Renoir: Pinta sobre todo paisajes, pero paisajes humanos. Su técnica impresionista
busca el dinamismo, con formas y escenas arremolinadas (bailes, escenas urbanas)

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 - Degas: Utiliza la técnica del pastel, pero al modo impresionista. Se centra en la
figura humana, pero más pausada que Renoir. Son características sus bailarinas,
pero sobre todo las mujeres en actitud y de aspecto antiidealizado

- Pisarro: Paisajista. Pinta escenas de la naturaleza, pero casi siempre con alguna
intervención humana. También pinta escenas ciudadanas de colores vibrantes

- Sisley: Es sobre todo paisajista. Pinta con grandes manchas de color plano, con
colores vivos y vibrantes

 Los pintores postimpresionistas: no forman una escuela. Son pintores que, partiendo
de algunos supuestos impresionistas, llevaron a cabo varias innovaciones, pero distintas
entre sí, y posteriores al impresionismo. Por tanto, hay que estudiarlos cada uno por
separado:

- Van Gogh: Sufrió toda su vida de graves problemas psiquiátricos, que le llevaron a
ingresar en casas de reposo en diversas ocasiones, hasta su suicidio. Mantuvo una
relación amistosa con Gauguin, aunque acabaron enemistados. No tuvo el menor
éxito artístico, y fue mantenido por su hermano. Pintó paisajes, interiores,
naturalezas muertas y retratos. Su pincelada es espesa y arremolinada. Sus
encuadres suelen ser forzados, con una tendencia a la deformación y a la
intensificación de los colores. Hace un uso forzado y deformador de las líneas de
perspectiva

- Gauguin: Llevó una vida burguesa convencional, pintando como aficionado, hasta
que abandonó su empleo y a su familia y se dedicó a una vida errante dedicado a la
pintura. Su obra tiene dos fases principales: en Francia, sobre todo en Bretaña, y en
Tahití, en la Polinesia. En su primera fase pinta escenas deformadas y extrañas, en
la que convive realidad y fantasía. Usa colores puros y planos, separados por
contornos negros, como en el románico. En Tahití, su arte se hace más vital, sus
colores más suaves y sus temas (sobre todo muchachas polinesias) más alegres y
vivos. La interpretación de sus cuadros suele ser compleja y misteriosa

- Cezanne: Aunque pertenecía a una familia acaudalada, prefirió dedicarse a la

pintura. Sin embargo, gracias a esto jamás pasó estrecheces económicas, pese a que
se mantuvo aislado del mundo del arte y fue casi totalmente desconocido, hasta
que al final de su vida logró el éxito. Siempre pinta cuadros de gran equilibrio
compositivo, tranquilos y serenos. Sin embargo, usa el color de forma vibrante,
sustituyendo casi del todo la forma. Los colores no se mezclan, sino que se colocan
uno al lado del otro, en manchas que dan sensación de volumen

9. Matisse

Su obra como pintor se halla vinculada a la corriente denominada Fauvismo. Esta se

caracteriza por seguir la estela de Gauguin. Así, pintan usando tan solo el color, que se
extiende en superficies homogéneas de intensidad violenta. Las figuras son planas, sin
perfilado ni volumen, rodeadas de líneas negras. Tampoco hay perspectiva. Se trata de

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un intento de dar al color todo el protagonismo, con la intención de transmitir estados de
ánimo. En Matisse, estos son sobre todo de serenidad y tranquilidad.

10. Picasso

 Biografía:

Pablo Ruiz Picasso es el gran genio de la pintura contemporánea. Nació en Málaga en

1881. París se va a convertir en la gran meta del joven Pablo y en 1900 se traslada a la
capital francesa por un breve periodo de tiempo. Al regresar a Barcelona, empieza a
trabajar en una serie de obras en la que se observan las influencias de todos los artistas
que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no
retiene nada; está buscando un estilo personal. Entre 1901 y 1907 se desarrollan la Etapa
Azul y la Etapa Rosa, caracterizadas por el uso de esos colores y por su temática con
figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos años
iniciales del siglo XX está viviendo continuos cambios y Picasso no puede quedarse al
margen. Así que se interesa por Cezanne y partiendo de él va a desarrollar una nueva
fórmula pictórica junto a su amigo Braque: el cubismo. Pero Picasso no se queda ahí y
en 1912 practica el collage en la pintura; a partir de este momento todo vale, la
imaginación se hace dueña del arte. Picasso es el gran revolucionario y cuando todos los
pintores se interesan por el cubismo, él se preocupa por el clasicismo de Ingres; durante
una temporada va a alternar obras clasicistas con otras totalmente cubistas. El
movimiento surrealista de 1925 le servirá como elemento de ruptura con lo anterior,
introduciendo en su obra figuras distorsionadas con mucha fuerza y no exentas de rabia
y furia. Igual que le ocurre a Goya, a Picasso también le influye mucho la situación
personal y social a la hora de trabajar. Sus relaciones con las mujeres, muy tumultuosas
en ocasiones, van a afectar muy seriamente a su obra. Pero lo que afectó tremendamente
al artista fue el estallido de la Guerra Civil Española y el bombardeo de Guernica, que
provocó la realización de la obra más famosa del arte contemporáneo, en la que critica la
guerra y la sinrazón que conlleva un enfrentamiento armado. París fue su refugio durante
mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando
en un estilo muy personal, centrándose sobre todo en las series y la cerámica. Falleció en
1973.

 Periodos:

- Etapa azul: extrae sus temas y modelos de los marginados sociales y de la pobreza,
y en sus pinturas se respira una atmósfera de tristeza y dolor expresada a través de
los tonos azules dominantes y el alargamiento de las figuras. El dibujo es preciso y
perfilado
- Etapa rosa: los tonos azules de sus obras anteriores dejan paso a rosas y grises
suaves y claros, y el carácter de las pinturas se vuelve más poético, armonioso e
idílico, predominando los personajes circenses como acróbatas y bailarinas, y en
particular la figura del arlequín. Sin embargo, persiste un aire de melancolía,
aunque más moderado
- Etapa cubista: junto a Braque, Picasso es el iniciador de esta corriente, que se
inicia con su obra “Las señoritas de la calle Aviñón”. En esta obra, se observa el
interés por el arte africano e ibérico. En el cubismo sintético, las formas y colores,

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 siguiendo a Cezanne, se cristalizan en figuras geométricas, en un intento por
representar los objetos desde diversos planos. En esta fase se utiliza con frecuencia
el collage, en combinación con la pintura. En el cubismo analítico, la intención es
representar la realidad desde todos los ángulos. Así, las formas se fragmentan y
sobreponen unas a otras, desde distintos puntos de vista a la vez
- Etapa surrealista: Picasso nunca llega a formar parte de esta corriente, aunque su
obra adquiere algunas de sus características. Se observan las deformaciones
absurdas, lo irracional y lo onírico
- Etapa clasicista: se interesa por la pintura de Ingres, con composiciones
equilibradas y escenas suavemente melancólicas
- Etapa expresionista: en ella, las figuras se contorsionan y deforman. El objetivo es
la expresión de violentas emociones, a lo que se supedita la forma y hasta el color.
Esta etapa coincide con la Guerra Civil española y con la Segunda Guerra
Mundial. A esta obra corresponde el “Guernica”, su obra más famosa
- Etapas posteriores: se centra sobre todo en las series, inspirándose en los maestros
del barroco como Velázquez, a los que reinterpreta. También son características
sus cerámicas pintadas, con figuras animales, de gran serenidad

Elaborado por Ignacio Seligra Abella

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