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INTRO

El siglo XX es el siglo de la gran renovación del Teatro. Desde comienzos del


siglo XX venía surgiendo en el teatro europeo una nueva corriente que se
oponía a las obras realistas de entonces.

El espectador se sentía identificado con los ambientes, diálogos y problemas


expuestos, sin que hubiese ningún tipo de ruptura entre la obra y sus
convencionalismos sociales.

Los intentos por la renovación son varios y no siempre clara la frontera


entre un teatro y otro. Autores como Benavente participan de las dos
tendencias: frente a obras conservadoras impulsa un teatro modernista,
defiende el Teatro del Arte y ampara un Teatro para los Niños. La
renovación vendrá a causa de las prohibiciones que hacen que algunos
dramaturgos abandonen el país.

Es en este momento cuando aparecen iniciativas teatrales diversas con una


característica común: la creencia de que no era la verdadera realidad la
mostrada en estas obras realistas.

Los últimos años del franquismo dan lugar a un teatro independiente, en el


cual no se hacían representaciones. En épocas anteriores, las revistas
-Primer acto, Pipirijaina- y editoriales especializadas se encargan de
difundirlo, ya que los escenarios no querrán ni podrán hacerlo.

El teatro del siglo XX es un teatro comercial, retórico, simple y mediocre, es


decir, de calidad media. Está destinado a una burguesía acomodada a los
usos más comunes del siglo anterior, y un teatro experimental, inquieto,
vanguardista y difícil de representar.

La nueva tendencia culminaría con el apoyo al teatro clásico durante la


Segunda República, con la fundación de La Barraca, dirigida por García
Lorca, o con las iniciativas de Gallego Burín. Las obras pierden con estos
nuevos autores la estructura clásica de los tres actos y pasan a ser una
sucesión de escenas o una pieza sin interrupción.

El teatro de este siglo se divide en diferentes etapas:

1ra mitad del siglo XX

Las grandes tendencias son el teatro poético, el drama burgués, el social,


las modalidades cómicas ( parodia) y el teatro de experimentación y
vanguardia. La baja calidad de muchas obras teatrales y su exclusivo interés
crematístico provoca que personalidades de la escena pidan a los poetas textos
dramáticos.

El teatro poético, auténtica moda del momento, este tipo de drama se


encuentra íntimamente unido al Modernismo en autores como Francisco
Villaespesa, que halla sus argumentos preferentemente en la historia lejana
y las leyendas.

La parodia, representada por Pedro Muñoz Seca, influye sobre Valle Inclán.
El drama burgués, que enlaza con algunas modalidades del siglo XIX, se
especializa en retratar los conflictos surgidos en el seno de la clase media-
alta de la sociedad, que, además, se convierte en su público más
representativo. El mejor exponente es, sin duda alguna, Jacinto Benavente,
Premio Nobel de Literatura en 1922. Tras él resalta la figura de Gregorio
Martínez Sierra. Algunos autores parten de la estructura de la comedia
burguesa para aportar visiones particulares.

El teatro social, tiene el mejor representante en Joaquín Dicenta. Viene a ser


el contrapunto del burgués, presentando personajes de las clases sociales
menos favorecidas en situaciones hasta entonces reservadas a la nobleza o
la burguesía.

Autores que destacan:

*Jacinto Benavente es autor de unas ciento setenta y dos obras dramáticas. Su


teatro es simbolista y modernista, escribe teatro para los niños y su mayor éxito lo
obtiene con la obra Intereses creados 1907

*Valle-Inclan: su verdadero nombre fue Ramón del Valle y Peña. Muestran una clara
oposición al teatro realista, costumbrista y de corte burgués. Su teatro suele dividirse en
cinco períodos: Ciclo modernista, mítico, de la farsa, ciclo esperpéntico que es una
nueva forma de ver el mundo, ya que deforma y distorsiona la realidad para
presentarnos la imagen real que se oculta tras ella, y para ello utiliza la parodia,
humaniza los objetos y los animales y animaliza o cosifica a los humanos.
Aquí es donde pertenece su obra maestra Luces de Bohemia. El último período sería el
ciclo final, que también utiliza el esperpento.
Luces de Bohemia trata de una visita que hacen Max y Don Latino al librero
estafador Zaratustra. En una taberna, Max persigue un décimo de lotería y, tras
un encuentro con tertulianos modernistas, termina en el calabozo por escándalo
público. Allí encuentra un obrero catalán, al que dedica unas palabras de
anarquistas. Su amigo el Ministro le ayuda a salir de la cárcel y tras hablar a unas
prostitutas y comprobar las consecuencias de una brutal carga policial, Max delira,
hablando del esperpento que supone España. Max muere abandonado por don
Latino, que gana la lotería gracias al décimo que le robó.

* Federico García Lorca: su teatro es poético, en el sentido de que gira en torno a


símbolos como la sangre, el cuchillo o la rosa—,se desarrolla en espacios míticos o
presenta realismo y trata de problemas del existir. Escribe farsas, comedias, tragedias y
dramas. La obra más brillante fue Bodas de sangre, una tragedia.
Se inspiró en un hecho real: el rapto de una novia en el día de su
boda por un antiguo amante. La venganza del novio se salda con la
muerte de los dos hombres. También se considera obra maestra La casa
de Bernarda Alba (1936) que la resumiríamos así: Bernarda Alba es una
mujer adinerada que se acaba de quedar viuda. Ésta es madre de cinco
hijas y las obliga a realizar luto. La hija mayor, Angustias, va a casarse con
un hombre del pueblo, Pepe el Romano. Este hombre solo quiere casarse
con ella por su dinero, pero Adela la hija pequeña no quería que se casaran
porque ella era la amante de él. Las mujeres excepto Bernarda empiezan a
sospechar al ver lo angustiada que se encuentra Adela, y llegan a la
conclusión de que ésta se está viendo a escondidas con Pepe. Cuando Adela
no puede aguantar más decide enfrentarse a Bernarda y a Angustias.
Cuando Fernarda se entera de todo, escorre con una escopeta a Pepe, que
huye en su caballo. Adela, impotente, decide ahorcarse y acabar con el
sufrimiento.

Teatro experimental e innovador

El teatro que se presenta a continuación entra en conflicto con cierto teatro


taquillero, mayoritario y de discutible calidad literaria. Ahora escriben dramaturgos
que no piensan en determinada actriz, actor o compañía y plantean la posibilidad
de que no se represente en las salas convencionales.

Autores como Benavente, Gómez Carrillo o Gregorio Martínez Sierra habían


animado a los poetas a escribir obras teatrales. Tentativas como las de Valle-Inclán
reclamaban un público minoritario e, incluso, salas privadas o semiprivadas donde
representar sus proyectos. A la obra de estos autores se la ha llamado teatro
inquieto español.

Autores destacados:

*Miguel de Unamuno: Su costumbre es mezclar géneros literarios, sin distinguir


claramente el drama de la novela dialogada, tiene una visión dialéctica de la
realidad.
El teatro del autor es un teatro difícil por su intelectualidad o por la densidad de sus
temas. Temas: inmortalidad, paternidad-maternidad, personalidad…

* Antonio y Manuel Machado (incluido en el teatro poético)


Su obra más conocida fue La Lola se va a los puertos (1928). En sus obras se
han querido ver valores tradicionales y conservadores. Sin embargo, late en ellas el
deseo de un teatro diferente, simbólico y enigmático más allá de las apariencias.

* José Martínez Ruiz, conocido como Azorín, Se le aplaude el dominio de los


diálogos y su vanguardismo. El verdadero fallo es que no logró plantear situaciones
de verdadero interés en la escena.

En cuanto al teatro de la segunda mitad del s.XX

La guerra civil supuso una pérdida irreparable en la vida cultural española

En esta época se presenta una inclinación por un teatro crítico y


comprometido. Cultivan con frecuencia el teatro histórico. Todos ellos se
mantuvieron al margen de los experimentos vanguardistas y del teatro del
absurdo.

Miguel Mihura – Tres sombreros de copa

Teatro social

Rompen con la comedia burguesa y empiezan a escribir drama realista o social, el


cual fue capaz de superar los obstáculos contra la censura.

El cambio se consolidó con Antonio Buero Vallejo. Buero recuperaba el protagonista


colectivo, propio del teatro social, y presentaba los conflictos como
dualidades: pasivo/activo; triunfador/fracasado, etc. Buscaba la verdad y
asumía los riesgos.
Despúes volvió teatro histórico con Las Meninas 1960). Buero dejó un teatro
perspectivista de carácter trágico, planteamientos éticos y un teatro
posibilista e independiente de grupos políticos.

Más tarde surgió el Arte Nuevo de Alfonso Sastre y otros.

Teatro desde los años 70

En los primeros años 70 se desarrolla un teatro nuevo, heredero remoto de la


vanguardia. Se difunde en revistas y en editoriales como Espiral o La avispa,
ya que no siempre llega a los escenarios. Se aleja de los cauces comerciales
y convencionales y sufre la censura franquista, que se prolonga hasta los
años 80. Utiliza la cámara negra -pobreza de decorados-. Entre sus
primeros autores destaca José Ruibal.

Teatro independiente

Se considera teatro independiente al de compañías estables que potencian el


elemento coreográfico, plástico, mímico o musical, tanto como el literario, lo
que disminuye la presencia del autor tradicional. Abarca el teatro de calle,
alejado de escenarios convencionales. Ejemplos de grupos teatrales
serían: Els Joglar, Els comediants, Sol solet, Dagoll-Dagom…

-Características generales

- este nuevo teatro rechazaba el diálogo convencional de las obras realistas,


sustituyéndolo por la reflexión sobre temas importantes para la existencia
humana.

- Los nuevos autores rechazaron el ambiente cotidiano de interiores


burgueses de las obras realistas, utilizando escenarios extraños para la
época.

- Usaban rasgos modernistas y neorrománticos.

- Las obras estaban acompañadas por el drama realista, el teatro poético, el


sainete (que sustituye a los entremeses) y la alta comedia procedentes de
finales del siglo XIX.

- Pretendieron ofrecer una visión crítica de diversos aspectos: morales,


sociales y políticos del mundo contemporáneo.

- Se sirvieron de procedimientos alegóricos, simbólicos y muchas veces de


difícil interpretación.

- Convertían a sus personajes en encarnaciones de ideas abstractas como el


poder, la dictadura y la opresión para dar a sus obras una dimensión
universal.

- Utilizaban el surrealismo, el expresionismo, el teatro del absurdo y desde


entremeses hasta la técnica del esperpento, la tragedia grotesca y la
revista.