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Presentación
E
L presente material teórico buscar acercar al alumno las nociones fundamentales de
la producción artísticas, nociones tales como, definiciones a cerca del dibujo, la
pintura, la composición y las técnicas mixtas.
En fin, acercarle a los estudiantes de arte en el taller, todos los conocimientos necesarios para
poder realizar sus obras desde un punto de vista amplio y criterioso, respaldado en la teoría
vista.
También de esta manera se busca lograr una mayor valoración de la producción artística
propia y de sus compañeros de taller.
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Índice:
Presentación..................................................................................................................... Pág.3
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Técnicas de pintura ............................................................................................. Pág.45
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Nociones de composición
El estudio de la composición nos lleva al estudio del orden. Componer no es más que poner
algo en relación ordenada con un referente. Sabemos que la composición ordenada es aquella
donde se equilibran las diferencias. El equilibrio de dichas diferencias nos obliga al análisis del
orden.
La creación de Adán: es un fresco en el techo de la Capilla Sixtina pintado por Miguel Ángel
alrededor del año 1511. Ilustra el episodio bíblico del Génesis en el cual Dios le da vida a
Adán, el primer hombre.
¿Qué se entiende por orden? Orden es un sistema en el cual cada posición o porción contenida
en él, cumple sus funciones de forma que permite la satisfacción completa de todos y cada
uno de sus referentes. Pero satisfacción ¿en función de qué? La necesidad de comprender esta
función, nos pone frente al análisis de otra circunstancia, nos lleva a pensar en la necesidad de
un paradigma referencial. Para que algo esté completo, sea reconocido o esté satisfecho, es
preciso que se establezca la unidad entre intencionalidad, recognición y el acto.
Algo es completo cuando se cumple. Para cumplirse, debe satisfacer a una intención. Debe
satisfacer a una capacidad. Cumplir es completar y sólo puedes completar una capacidad. La
habilidad que satisface o completa a la capacidad del orden, ha de ser también una habilidad
ordenada. Podemos darle muchas vueltas a esto, hasta llegar a necesitar del conocimiento
esencial del orden para poder componer. El orden vale, vale porque posibilita la comunicación
y la unidad entre la posición central del orden y su periferia ordenada en función de completar
dicho orden.
Veámoslo bajo otro prisma: En una casa existen muros referenciales, que determinan espacios.
Estos espacios pueden ser amplios o reducidos; con el techo muy alto o con el techo muy bajo.
Nos encontramos en el interior de un prisma, la habitación. Ese prisma contiene una posición
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de equilibrio, donde todas las diferencias verticales y horizontales encuentran la moderación.
Esa posición es el centro del prisma, el centro de la habitación. Pero en esa posición central
sólo puedo posicionar una cosa. Para componer dentro de ese orden he de relacionar espacios
con objetos. El tamaño de los objetos será determinado por la proporción de los espacios y la
ubicación de los objetos, también será determinada por el tamaño de los espacios donde se
van a ubicar. Esta relación está centrada en las referencias proporcionales de los espacios. Lo
mismo ocurre con la composición de una imagen.
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3-Toda actividad ordenada, precisa de funciones a cumplir en pro de una intención, para lo
cual, tanto el referente como el referido, han de satisfacer dicha intención o estándar. En un
cuadro, tanto la imagen, como los tonos y colores han de cumplir con la función de satisfacer
al creador del trabajo. Si el objeto creado no se determina de acuerdo con el criterio del autor,
no se establece el orden entre ambos.
Simetría:
Un factor importante en una composición plástica es el equilibrio, o sea la compensación de
los distintos elementos para llegar, por medio del movimiento perceptivo, a una situación de
reposo, de armonía. Uno de los recursos que podemos utilizar para lograr dicho equilibrio es la
simetría. Simetría es la reflexión especular de elementos con respecto a uno o dos ejes, o a un
punto central, que pueden ser visibles o no.
Asimetría
significa lo opuesto, lo no simétrico, aunque si la variación con respecto al eje no es grande
puede considerarse como simetría aproximada, siempre que presente la suficiente similitud
entre las partes como para que el eje o el centro se sientan positivamente.
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Los tipos de simetría básicos son:
• Bilateral o axial: es la más simple," consiste en la reflexión especular de elementos con
respecto a un eje central, visible o no, que puede ser vertical, horizontal o pueden cortarse
ambos en ángulo recto.
Indicadores Espaciales
Posición en el plano de la imagen:
Superposición:
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Disminución de tamaños:
Disminución de detalle:
Movimiento Diagonal:
Perspectiva:
Estamos habituados a crear que la perspectiva representa los objetos como vemos; pero es
como los vemos si miramos fijamente con un solo ojo.
Por lo tanto, tengamos en cuenta que la perspectiva es el mejor sistema cuando nuestro
propósito es la exactitud, pero no debe confundirse “fiel exactitud” con expresión. La variedad
que ofrecen otros medios pude servir, precisamente, para reforzar la expresión.
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Definición y Tipología
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AMOS a comenzar definiendo el dibujo, para tener un poco más en claro lo que se
puede hacer con él, en cuanto a la expresividad del material y sus técnicas de variadas
aplicación. Posteriormente veremos algunos ejemplos del dibujo en diferentes
contextos históricos y culturales.
Un dibujo puede ser representativo, abstracto o simbólico, es decir, puede querer ser una
imagen fiel de aquello que representa, o bien, evocar sensaciones, perspectivas o formas del
dibujante, o incluso trabajar por convenciones en, por ejemplo, señalética urbana.
Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para
transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura.
El lenguaje del dibujo supera las barrearas idiomáticas, pues tiene un carácter universal y
facilita las relaciones interculturales.
Tipos de Dibujo
Dibujo según su aplicación
De acuerdo con lo que se desea representar o hacia donde se debe enfocar, el dibujo se
clasifica en:
Dibujo Artístico
El “Dibujo Artístico” se define como el tipo de dibujo que sirve para expresar ideas filosóficas o
estéticas así como sentimientos y emociones. El artista cuando dibuja cosas, las dibuja tal
como las ve emocionalmente de acuerdo con su propia y peculiar manera de percibir la
realidad de su entorno. Este tipo de dibujo requiere aptitudes especiales como las personales y
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naturales. Pero no solo podemos referirnos a la representación de formas ya antes vistas sino
creando nuevas imagen con significado y mensaje propia de esa imagen, paralelo con lo real o
establecido
Técnicas del dibujo: las técnicas de dibujo dependen del material empleado dentro de los mas
usados.
Dibujo Técnico
Dibujo Geométrico
Es aquel que se representa por medio de gráficas planas. Dibujo geométrico constituye un
verdadero y novedoso sistema de enseñanza estructurado para garantizar, tanto al alumno de
los primeros años de las Escuelas Técnicas como a los de las Facultades de Arquitectura e
Ingeniería -bachilleres o peritos mercantiles- un rápido manejo y posterior dominio de la mano
sobre el plano
El Dibujo Técnico: se divide en dos, que en cuanto a técnica son prácticamente lo mismo, lo
que cambia son las bases o fundamentos de la forma en que se encuentra el original, y como
se hará la representación gráfica del mismo:
Geométrico: Traza las cosas a escala, tal cual son, pero considerando que lo que dibuja
es completamente PLANO.
Geodésico: Sirve para dibujar objetos de superficie redonda, o esférica, por lo que les
hace correcciones a la perspectiva en proporción a lo cerca o lejos que se encuentren
de los polos de la esfera.
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Por ejemplo: Un mapa del mundo, en forma geométrica, como si la tierra fuera plana, tendría
las líneas de todos los meridianos en forma vertical, y estaría China muy a la derecha de EUA.
En un mapa geodésico, tendría las líneas de los paralelos en forma concéntrica, y los
meridianos como radios que parten del polo norte; así estaría China frente a EUA, con el polo
norte entre ambos.
Dibujo Mecánico
El dibujo arquitectónico, abarca una gama de representaciones gráficas con las cuales
realizamos los planos para la elaboración de edificios, casas, quintas, autopistas etc…
Se dibuja el proyecto con instrumentos precisos, con sus respectivos detalles, ajuste y
correcciones para poder dar escalas y medidas reales.
Los productos deben estar basados en conceptos teóricos que impliquen una intelectualización
de la observación.
Las técnicas deben emplearse al servicio de las ideas, y el trabajo debe abordarse de manera
racional y ordenada.
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Es necesario conocer los principios básicos del signo visual y de la forma, para emplearlo en la
representación analítica de los objetos. También hay que comprender las características
formales de los objetos, respecto a su organización estructural y sus relaciones espaciales.
El conjunto de los datos visuales nos ayuda a formar el conglomerado de las formas, para
poder representarlos en forma prioritaria, según su importancia, para llegar al resultado
deseado.
Un poco de historia
Nos valemos del dibujo para representar objetos reales
o ideas que, a veces, no podemos expresar fielmente
con palabras. Los primeros dibujos conocidos se
remontan a la prehistoria, como los que se encuentran
en la Cueva de Altamira, donde nuestros antepasados
representaron en los techos y paredes de las grutas lo
que consideraban importante transmitir o expresar.
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Técnicas de dibujo
Las técnicas de dibujo se clasifican en:
Lápices de grafito
Alberto Durero (1471-1528) utilizaba <<punta de plata>> para
conseguir dibujos muy sutiles, aunque tenia algunos
inconvenientes por la necesidad de preparar la base. Por ello
siguió buscando, para encontrar un medio de dibujo más
inmediato <<el grafito>>.
A lo largo de los siglos los artistas han utilizado el lápiz de
diversas maneras, Ingres con mínimas líneas, Degas con
mucha soltura, los estudios reflexivos de los Pre-rafaelistas, la
definición y firmeza de Picasso...
El dibujo de línea pura es la técnica más difícil, como Matisse
Alberto Durero
lo utiliza resolviendo tonos, colores, Texturas y formas en unas
pocas líneas.
TIPOS
Lápices de dibujo.
1. lápiz hexagonal estándar.
2. lápiz redondo de dibujo.
3. portaminas.
4. lápiz hexagonal grande.
5. lápiz de mina rectangular para bocetar.
6. y 7. Barra de grafito.
Soporte
Preferiblemente papel blanco o colores claros. El tipo de papel
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depende de la absorción, peso o gramaje y textura.
Goma de borrar
El dibujo de caracteriza por su facilidad para borrar,
para ello utilizamos diferentes tipos de gomas. Las
más comunes son Goma de pan, Goma de borrar
estándar.
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Mancha a lápiz y tramas (técnica seca)
La trama y la mancha se utilizan para crear escalas tonales, que dependen del tipo de lápiz y
del papel utilizado.
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Tipos de Carbón
La forma corriente de carbón se llama carboncillo, de
diversos grosores y dureza.
Soportes
La mayoría de los papeles de buena calidad son apropiados para esta técnica, pero los mejores
son suaves y granulosos, porque retienen más el carbón y soporta mejor los borrados y
frotados. Los papeles más lisos constituyen buenas superficies para el carbón comprimido.
Para su permanencia haremos uso de fijativos
Técnica
El carbón es adecuado tanto para línea como para mancha y excelente para bocetos previos
por su facilidad de corrección con algún trapo de algodón o goma de modelar.
Otra forma de sujetar el carboncillo es paralela al papel, para crear diferentes líneas.
Para conseguir efectos tonales podemos hacer uso del difumino, cuando dibujamos con
carboncillo comprimido. Los difuminos sirven para esparcir el carbón y crear tonos graduales o
mezclados
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Composición y tipos
Los pasteles son pigmentos en polvo, mezclados con la suficiente
goma de tragacanto o resina para aglutinarse. Existen una
amplia variedad con diferentes grados de dureza y formas. La
variedad de tonos es muy importante para un buen resultado de
color. Las barras más brillantes son más blandas y frágiles.
Se presentan como: barras redondas, barras cuadradas, Lápiz de
pastel recubierto de madera. Pasteles
Soportes
El color y la textura del soporte, sea papel, cartón o lienzo tiene una importante función en el
resultado final.
Papeles: se debe tener en cuenta el tipo de papel (peso, absorción y textura), la gama
cromática, etc... El papel Ingres sería un papel adecuado, incluso los papeles de lija dan buenos
resultados ya que agarran bien las partículas de pigmento.
Técnica
Los trazos deben ser confiados y libres, frotar demasiado con el
dedo o con el difumino es un esfuerzo por mezclar los colores
que da como resultado una superficie pulida.
Se pueden alternar trazos espesos y finos, el borde afilado o
plano, y podemos variar también la presión.
Podemos aplicar el pastel por capas fijando cada una de ellas
como desarrolló Degas (impesto con pastel).
Fijación
Se debe golpear el soporte para que caigan todas las partículas
sueltas del pigmento, se pueden fijar guardándola bajo presión
o utilizar un fijativo, aunque hace disminuir el brillo del pastel
Composición y Tipo
Los pasteles al óleo son más parecidos a los crayones de
cera que a los pasteles blandos. Se componen de pigmento,
ceras de hidrocarburos y grasa animal. Son más flexibles
que los crayones de cera y para manejarlos resulta más
difícil con altas temperaturas. El alcohol blanco o trementina
nos sirve para disolver el color.
Técnica
La superficie de los pasteles se puede manipular de varias formas, como efectos
texturados o de raspado, superponiendo colores para encontrar el efecto que
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buscamos. Se pueden conseguir, mezclas de colores puliendo el color, pero para crear
efectos más suaves se puede utilizar trementina. El resultado de los pasteles al óleo
es completamente diferente de los pasteles puros, más relacionados con la pintura al
óleo. Son útiles para bocetos y apuntes al aire libre, y fáciles de combinar con lavados
de acuarela.
Composición
La sanguina es una variante del pastel, es decir, una barrita de pigmentos secos en polvo. Lo
que la diferencia respecto del pastel es el origen de los pigmentos que le dan ese color
característico. Se trata de un óxido de hierro, conocido como hematites. La variedad de
matices de esta piedra roja va del escarlata al carmesí, del rojo ácido al castaño o a un tono
cercano al rojo ciruela.
El color sepia se obtiene de la bolsa de tinta del calamar o sepia, dando unos matices de color
marrón y terracotas oscuros.
Técnica
Con esta técnica se puede conseguir el efecto de crear una
imagen a todo color con sólo tres colores, la sanguina, el
blanco y el negro, llamada dibujo “a tres couleurs” se suele
utilizar para retratos. Combinando el color de las barras o
lápices con el papel nos dará sensaciones diferentes de
luminosidad en el dibujo.
La calidez y suavidad que aporta la sanguina al dibujo es una
de sus características principales, por ello los artistas han
utilizado esta técnica sobre todo para desnudos por su
delicadeza.
Dibujo a sepia
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Lápices de colores
En el pasado los artistas no utilizaban lápices
de colores por su poca resistencia a la luz. En la
actualidad esto se ha ido mejorando y también
ha aumentado la posibilidad de elección
introduciendo también los lápices solubles en
agua y los solubles en trementina. Entre los
artistas contemporáneos que han trabajado
con lápices de colores se encuentra David
Hockney.
Composición
Se fabrican de la misma forma que los de grafito, salvo que las minas no se calientan en un
horno porque destrozaría los pigmentos. Las barras de pigmento se sumergen en cera
derretida para que adquieran las propiedades necesarias para el dibujo.
Está compuesta por:
• Pigmento
• Relleno (tiza, talco o caolín)
• Aglutinante (goma de celulosa)
Soporte
Los lápices de colores son muy sensibles a la naturaleza de la superficie del soporte. El papel
prensado en frío (NO) da resultados diferentes al papel suave (H.P.). El papel blanco bien
aprestado hecho con un 100% de trapos y la superficie H.P. es el mejor para su permanencia y
detalle.
Técnicas
Se pueden crear efectos muy diferentes, desde bocetos en tonos suaves, a trabajos de gran
detalle con una amplia gradación tonal.
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Pluma y Tinta (Técnica Húmeda)
La tinta como medio para dibujar, se ha venido usando durante mucho tiempo. Los antiguos
egipcios y romanos usaban plumas de caña para dibujar y escribir sobre pergamino y papiro.
Europa en el siglo VII ya usaba plumas de ave, hasta que se inventó la plumilla de acero a
principios del siglo XIX y se comercializó el papel de calidad, lo que permitió la
experimentación.
La marca de la pluma es una línea directa e inequívoca, que es fija y permanente, algunos de
los muchos grandes artistas que utilizaron la pluma para realizar apuntes son Leonardo (1452-
1519), Rembrandt, Durero Holbein.
Tipos de Plumas
1. Pluma de ave.
2. Pluma de caña.
3. Pluma cartográfica.
4. Pluma de dibujo de acero.
5. Pluma de escribir, con plumilla
de punta.
6. ,con plumilla plana.
7. ,con plumilla redonda.
8. Pluma técnica.
9. Rotulador
10. Rotulador de punta de fibra.
Además de las tradicionales plumas de ave o de caña y amplia gama de plumillas de acero
existen nuevos tipos, que podemos clasificar en: plumas de mojar, plumas fuente y plumas
depósito.
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Tintas y Soportes
Tintas para dibujo. Hechas para los artistas, a prueba de agua. Se secan en una película dura y
brillante que permite aplicar más capas encima. La más utilizada es la tinta china (tinta de
dibujo o negra).
Tintas no resistentes al agua. Son similares a acuarela diluida, penetran en el papel más que las
tintas de dibujo y son mates.
Papeles. Se necesita un papel algo grueso (120gr), que acepta lavados, acuarelas y
correcciones.
Deben evitarse las superficies porosas y absorbentes, pero cierto grado de absorción puede ser
útil. Para realizar una línea precisa y definida, necesitamos un papel de superficie dura.
Tipos de Pinceles
Uno de los pinceles de mayor calidad se realiza con pelo de marta, son los más caros, no sólo
por la calidad del pincel, sino también por la escasez de material. Cuanto más fina sea la cerda
del pincel más cantidad de materia recoge.
Soportes
El soporte tradicional es el papel o la seda, pero se pueden usar lienzos u otros soportes.
Los papeles japoneses y chinos son excelentes para el dibujo a pincel, son más delgados y
absorbentes que los papeles occidentales.
El trabajo depende del soporte, si es un papel texturado o liso, y del tipo de pincel.
Un tipo de papel fácil de encontrar que podemos utilizar es el “basic”, que nos va a permitir
trabajar muy bien con esta técnica.
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Diferentes Técnicas
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La Figura Humana
D ESDE las pinturas primitivas en las cavernas la figura humana ha sido un motivo de
representación permanente en la historia del arte. Aunque la figura misma, o la
percepción que se tiene de ella, ha cambiado continuamente. La figura humana, al
igual que todos los demás objetos, también está sometida a las leyes de la perspectiva y como
tal deberemos tratarla según unas normas establecidas, con el fin de guardar las proporciones,
en relación a su posición relativa.
No debemos olvidar que la figura humana compuesta por el cuerpo, los brazos, piernas,
cabeza, … no es más que un conjunto de cilindros a los que necesariamente afectará la
perspectiva más o menos, siempre dependiendo de la distancia a la que esté de la denominada
"Línea del horizonte".
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En los dibujos anteriores podemos comparar y situar todas las partes del cuerpo, aunque estas
posiciones son relativas tanto en el hombre como en la mujer. Hemos de partir de la base que
esto es un canon establecido, pero evidentemente cada persona es distinta a las demás y tiene
sus particularidades. A continuación el canon de la figura femenina.
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Los niños guardan otras proporciones
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Construcción de la figura humana
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La Cabeza Humana
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A cabeza es, sin lugar a dudas, el elemento más importante y expresivo de la figura
humana. Por ello constituye un tema de constante interpretación en el arte, ya que
reúne y manifiesta todas las sensaciones que nos identifican. La cabeza es la parte del
cuerpo que más tiempo contemplamos, pues ella es quien nos mira, nos habla y, en suma, nos
comunica los sentimientos y la propia personalidad del individuo con mayor precisión que
cualquier otro elemento del cuerpo.
La cabeza en el adulto
Entre las proporciones de la cabeza del niño y la del adulto hay una serie de diferencias muy
notables, que todo dibujante debe conocer perfectamente. El canon más conocido de las
proporciones de la cabeza del hombre es el que se representa en estos dibujos, visto de frente
y de perfil.
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La cabeza en el niño
Entre las proporciones de la cabeza del niño y la del adulto hay una serie de diferencias muy
notables, que todo dibujante debe conocer perfectamente. El canon más conocido de las
proporciones de la cabeza del hombre es el que se representa en estos dibujos, visto de frente
y de perfil. En este otro esquema comprobamos, frente a la localización observada de cada
uno de los elementos del rostro humano adulto, que en el caso del niño los ojos ya no
aparecen en la mitad del cuadrado y el volumen de la frente es ahora muy superior. Las cejas,
por su parte, quedarán justo a la mitad del rostro. Así pues, apreciaremos con detalle la
situación de los elementos del rostro, sabiendo en todo momento que los esquemas aquí
expuestos responden a un canon ideal de proporciones, con el que será preciso buscar
semejanzas y diferencias en cada caso real.
El mejor camino para dibujar con perfección tales elementos es practicar estudios a partir de
modelos diferentes y en distintas posiciones.
Ejercitemos esta tarea que, aunque en principio pudiera resultar ardua, finalmente nos
reportará esa destreza determinante para dibujar el rostro humano.
En los estudios que el dibujante lleve a cabo de las diferentes partes del rostro no debe
eliminar ningún elemento, por poca importancia que a primera vista tenga.
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La nariz: se trata de un apéndice de menor relevancia que los ojos o los labios, pero que al ser
un rasgo sobresaliente colabora en la expresividad general del rostro humano, al tiempo que
cobra una enorme trascendencia en la representación de la cabeza de perfil.
La oreja: se trata sin duda del motivo menos importante de todos los que configuran el rostro
humano, y en numerosas ocasiones, incluso, queda oculto bajo el pelo, o porque la posición de
la propia cabeza dificulta o impide su visibilidad
Los ojos: constituyen el elemento más importante del rostro humano, ya que reflejan con
bastante fidelidad la personalidad del individuo. Juntamente con los labios, son a modo de
ventanas, a través de las cuales pueden aflorar los sentimientos más diversos y los estados de
ánimo más complejos. Cada mirada es diferente a las demás y también es distinta la manera
en que en ella se refleja el estado de ánimo. Por esta razón es imprescindible que el artista
practique abundantemente estudios del natural
para que adquiera la destreza precisa
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La boca
La escala de valores
Es el orden de los gradientes que se encuentran entre los extremos máximos. En este caso se
refiere sólo a variaciones crecientes o decrecientes de claridad, ubicadas entre polos de
claridad u oscuridad.
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Definición y Técnicas
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El principio del color básicamente consiste en que nuestros ojos captan las ondas de luz que
reflejan los cuerpos. Este fenómeno se produce debido a que los cuerpos absorben parte de
las longitudes de onda que componen la luz y rechazan otros, que son las que percibimos.
Color – Luz
La luz es el agente físico que ilumina los objetos y los hace visibles. La luz es la
impresión producida en la retina por un movimiento vibratorio que se propaga en el espacio.
Es una energía que estimula nuestras sensaciones visuales, mediante la cual se captan formas
y colores.
El Círculo cromático
Se denomina círculo cromático al esquema resultante de distribuir alrededor de
un círculo los colores que conforman el segmento de la luz visible del espectro solar,
manteniendo el orden correlativo: rojo, anaranjado, amarillo, verde, azul y violeta.
De los círculos cromáticos que se han venido elaborando a lo largo de la
Historia, hay muchas variantes usadas, pero una de las más conocidas, a nivel de libros
de texto, en la enseñanza de la materia de Artística, es la de forma de Hexagrama, más
conocida como Estrella de David, inscrita en una circunferencia básicos diferentes.
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Colores Primarios: Cualquiera de las sensaciones del color, de los matices
fundamentales (rojo, amarillo, azul) perceptualmente irreductibles, de los que derivan
los demás colores (a partir de Isaac Newton se consideran a estos colores como
primarios o fundamentales).
Colores Binarios o Secundarios: Aquellos colores formados por la mezcla de dos
primarios o fundamentales.
Colores Terciarios: Es aquel formado por la mezcla de los tres colores primarios. En la
práctica es el color obtenido de la mezcla de un primario con un secundario.
Colores Adyacentes o Análogos: Los colores análogos son aquellos que se encuentran
muy cerca unos de otros en el círculo cromático. Por ejemplo el rojo y el naranja, el
azul con el violeta, el verde con el turquesa, etc.
Colores complementarios: Los colores complementarios son aquellos que se
encuentran en los extremos opuestos en el círculo cromático. Como por ejemplo el
rojo con el verde, amarillo y violeta, azul y anaranjado, etc.
Matiz: También llamado “tono”, es el color en si mismo, es el atributo que nos permite
diferenciar a un color del otro, por lo cual podemos designar cuando un matiz es verde
violeta o anaranjado.
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Luminosidad: Llamado también “valor”, es la intensidad lumínica de un color (claridad
/ oscuridad). Es la mayor o menor cercanía al blanco o al negro de un color
determinado. A menudo damos el nombre de rojo claro, a aquel matiz de rojo que se
encuentra más cerca del blanco, o de rojo oscuro cuando este color esta más cerca del
negro.
Saturación: Es el grado de pureza que tiene un color determinado respecto al gris. Se
dice que un color tiene una saturación alta cuando supone que apreciamos el color en
toda su pureza, vivo, limpio de interferencias. En cambio decimos que un color tiene
una saturación baja cuando el color se a “ensuciado”, resultando un matiz más
apagado.
Armonía de colores
El círculo cromático se usa muy a menudo para armar o determinar las armonías
de color que se van a usar en determinada obra artística. En este sentido, hay varias
clases de armonías de color, entre ellas, las siguientes:
Armonía de colores complementarios: En el círculo cromático se puede observar que
hay pares de colores ubicados diametralmente opuestos en la circunferencia, unidos
por el diámetro de la misma; a estos pares de colores se les suele llamar "colores
complementarios" o "colores opuestos", ya que al superponer uno de estos colores
sobre un fondo de su color opuesto, complementan el espectro visible, el contraste
que se logra es máximo. Esto se denomina "armonía de contraste de opuestos o
complementarios".
Armonía de colores análogos: Los colores análogos son los que se encuentran ubicados
uno al lado del otro en el circulo cromático del color pigmento.
Armonía básicos terciaria: Se trata de la paleta de colores diseñada por el pintor Carlos
Benítez Campos con colores básicos y terciarios del siguiente modo: en primer lugar
elegimos para nuestra paleta tres colores básicos (primarios o secundarios
indistintamente), y a continuación añadimos a la misma dos o tres colores que
resulten de mezclar dos a dos, los primarios y secundarios del círculo cromático no
elegidos en primer lugar. En total obtendremos cinco o seis colores para pintar un
cuadro en perfecta armonía cromática.
Tipos de Contrastes
Contraste por Tono: Es la utilización de una gama de diferentes tonos dentro del
mismo color. Se ha de tener en cuenta que se debe utilizar uno de ellos, el mas
saturado preferiblemente, en mayor cantidad o espacio para conseguir un efecto
correcto.
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Contraste por Simultáneos: Efecto que se consigue en la utilización de colores y
tonos al superponerse uno encima del otro.
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Técnicas de la Pintura
Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos al
soporte a pintar. En general, y en las técnicas a continuación expuestas, si los pigmentos no
son solubles en el aglutinante permanecen dispersos en él.
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requiere del artista seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución ya que su
mayor mérito consiste en la frescura y transparencia de los colores.
Gouache: Al gouache se le llama
también “el color con cuerpo”. Es una
pintura al agua, opaca, hecha con
pigmento molido menos fino que el de
las acuarelas, por ello es menos
transparente. Al igual que la acuarela, su
medio - o aglutinante - es la goma
arábiga, aunque muchos gouaches
modernos contienen plástico. El medio
está ampliado con pigmento blanco, que
es lo que lo hace más opaco, menos luminoso y menos transparente que la acuarela,
pero y he ahí su ventaja y el argumento para escoger ésta o aquella: los colores
producidos son más sólidos.
Cera o incáustica (o encáustica): Cuando el vehículo son ceras que normalmente se
usan calientes.
Aerosolgrafía: esta técnica consiste en hacer pinturas con aerosol (sprays), trozos de
revista, esponjas, etc
Acrílico: Cuando el vehículo usado son
diversos materiales sintéticos que se diluyen
en agua. La viscosidad puede ser como el
óleo (la presentación también ya que vienen
en tubos). Como la trementina, solvente del
óleo, desprende olores tóxicos hay muchos
artistas que la prefieren. Se podría decir que
es un sustituto moderno al óleo, como
muchas innovaciones tiene sus ventajas y
desventajas, ya dependerá del artista emitir
su propio juicio al respecto.
Pastel: Los pasteles son pigmentos en polvo mezclados con la suficiente goma o resina
para aglutinarlos formando una pasta seca y compacta, la palabra pastel deriva de la
pasta que así se forma, esta pasta se moldea en la forma de una barrita del tamaño
aproximado de un dedo que se usa directamente (sin necesidad de pinceles o
espátulas, ni de solvente alguno) sobre la superficie a trabajar (generalmente papel o
medera). Son colores fuertes y opacos cuya mayor dificultad es la adhesión del
pigmento a la superficie a pintar, por ello suelen usarse al finalizar el dibujo fijadores
atomizados (spray) especiales. El pastel generalmente se usa como el creyón o el
grafito (lápiz), su recurso expresivo mas afín es la línea con la cual se pueden hacer
tramas, también suele usarse el polvo que tiende a soltar el pastel (semejante al de la
tiza) para aplicar color.
Temple: Cuando el aglutinante es una emulsión, generalmente huevo o caseína.
Tradicionalmente se mezcla yema de huevo con agua destilada, pero también se
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puede formar una emulsión con aceite e incluso con cera. Grandes obras maestras
como por ejemplo El Nacimiento de Venus de Sandro Bottichelli son hechos al temple.
Fresco: A menudo el término fresco se usa incorrectamente para describir muchas
formas de pintura mural. El verdadero fresco es a las técnicas pictóricas modernas lo
que el latín es a los idiomas modernos. La técnica del fresco se basa en un cambio
químico. Los pigmentos de tierra molidos y mezclados con agua pura, se aplican sobre
una argamasa reciente de cal y arena, mientras la cal está aún en forma de hidróxido
de calcio. Debido al dióxido de carbono de la atmósfera, la cal se transforma en
carbonato calcio, de manera que el pigmento cristaliza en el seno de la pared. Los
procedimientos para pintar al fresco son sencillos pero laboriosos y consumen
muchísimo tiempo. En la preparación de la cal se tardan dos años.
Tinta: La presentación de la tinta, también llamada tinta china, es generalmente
líquida aunque también puede ser una barra muy sólida que se debe moler y diluir
para su uso. Se usa sobre papel y los colores de tinta más empleados son el negro y el
sepia, aunque actualmente se usen muchos otros más. La tinta se aplica de diversas
maneras, por ejemplo con plumas o plumillas que son más adecuados para dibujo o
caligrafía y no para pinturas, las diferentes puntas de plumillas se utilizan cargadas de
tinta para hacer líneas y con ellas dibujar o escribir. Otro recurso para aplicar la tinta es
el pincel, que se maneja básicamente como la acuarela y que se llama aguada, no
obstante la técnica milenaria llamada caligrafía o escritura japonesa también es hecha
con tinta y pincel sobre papel. Otras formas más utilitarias de usar la tinta es en
tiralíneas (cargador de tinta) o rapidograph. La tinta junto al grafito son más bien
técnicas de dibujo.
Técnicas mixtas: Cuando se emplean diversas técnicas en un mismo soporte. El collage
por ejemplo que es una técnica artística (no pictórica por no ser pintada), se convierte
en una técnica mixta cuando tiene
intervenciones con gouache, óleo o
tinta. Como muestra de sus
posibilidades artísticas, se cita la
Técnica introducida por el pintor
Carlos Benítez Campos desde
principios de siglo. La cual consiste en
pintar al óleo un acontecimiento
cualquiera de la época, sobre el papel
pegado de las noticias en prensa que lo
publican.
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La composición
Definición: organización estructural voluntaria de unidades visuales en un campo dado de
acuerdo con leyes preceptúales, con vista a un resultado integrado y armónico.
Los elementos o sus equivalentes –las unidades ópticas- reciben en la composición una
distribución que tiene en cuenta su valor individual como parte, pero subordinada al total.
Los grandes maestros de la antigüedad empleaban este sistema La “Virgen del jilguero”
para conseguir armonía en sus obras, tal es el caso de Giotto (1505) es una de las
cuya pinturas presentan una composición bien estudiada, por primeras obras de las
ejemplo en “El cristo muerto”, la composición adquiere un muchas que Rafael habría
nuevo carácter ya que la figura humana principal no esta en el de pintar durante su vida
centro, su obra nos ofrece una relación reciproca puesto que sobre el tema mariano. El
todo responde a unos ejes que denotan fehacientemente un trabajo de los rostros y el
ritmo, colinas cuya inclinación transmiten la sensación de manejo del claroscuro
perspectiva hasta los propios ángeles si se los agrupa en pares denotan la influencia de
nos permiten ver un ritmo que origina tensión pues estos están Leonardo da Vinci.
dirigiéndose al cristo muerto.
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Rafael Sanzio es otro de los grandes maestros, en este caso su composición se basa en
un triangulo y otro triangulo invertido.
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En “La escuela de Atenas” organiza su composición basada Microsoft
en laCorporation.
cruza de dos
Reservados
diagonales, Aristóteles es el centro de la composición y de la temática. todos los
derechos.
Un aspecto importante en cuanto a la composición es tener en cuenta que es un sistema de
ordenamiento compuesto en el cual se encuentra presente otros elementos tales como el:
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Espacio: Dimensión, extensión, relación entre los objetos, continente de los mismo.
Dirección en todos los sentidos volumen plástico. Puede considerarse como la experiencia
perceptual a través de las posiciones, direcciones, distancias, tamaños, y formas de los
cuerpos en relación. Estos factores se definen siempre respecto a ; ejes o puntos de
referencia, en lo que hace a la distancia;
Posición, movimiento y dirección. Forma,
Tamaño y relación de las partes en cuanto a
unidades visuales. La percepción del espacio
implica para el ser vivo, acción en el espacio, a
cuya valoración concurren la determinación de
los ejes y coordenadas potenciales. La
percepción del espacio no depende sólo de las
condiciones fisiológicas sino también da las “ La Escuela de Atenas” (1510-1511)
psicológicas. Así una serie de fenómenos es uno de los frescos que Rafael
visuales sobre el plano de la imagen (figura, pintó para decorar las estancias del
fondo, superposición, peso, avances de color, Vaticano y que marca la madurez
gradientes de tamaño y luminosidad, tensión, artística alcanzada durante sus años
contraste.) son considerados entre otros en Roma (1508-1520). En él
factores como determinantes de la percepción aparecen Platón y Aristóteles
espacial. (centro) así como otros filósofos y
eruditos griegos. Está considerado
El mapa estructural: Es la estructura como una obra maestra de la
inducida del campo donde se desarrollan las perspectiva y de la expresión de los
diversas fuerzas del espacio, en el se ideales artísticos del renacimiento.
establece la energía que intrínsecamente
existe en una superficie homogénea. Así inductivamente se demarcan las diagonales y
los ejes del campo, el punto cruce de tales ejes y diagonales resulta ser la zona de
mayor atracción o fuerza; toda forma colocada sobre él permanecerá en relativa
estática y colocada cerca de él, resulta ser atraída por una fuerza magnética. Fuerzas
semejantes aunque de menor cuantía se encuentran en los ángulos, bordes, ejes y
diagonales. El centro es la zona de equilibrio de todas las fuerzas, en consecuencia la
posición central de una forma o un agrupamiento tiende a una cierta estática. Las
zonas de mayor grado de inestabilidad son las que corresponden a la ubicación que se
halla entre dos o más puntos o zonas de atracción. Por tanto se deduce que una
superficie en "blanco" no es una superficie muerta sino por el contrario plena de
acción potencial.
Equilibrio: Según la física el equilibrio es el estado en el cual las fuerzas que operan en
él se compensan mutuamente. Es la distribución de las partes por la cual el todo ha llegado
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a una situación de reposo. No obstante, la idea de equilibrio implica fuerza y dirección, por
lo tanto también movimiento. Esta noción recibe cabida también en el arte mediante la
percepción sin embargo, ello no implica que rijan las mismas leyes. En el arte, el equilibrio
está referido a los bordes o marco del campo donde de acuerdo a éste se crea un campo
visual limitado. (en teatro, espacio escénico) El equilibrio se relaciona principalmente con
el peso compositivo, la dirección y la anisotropía (en todas las direcciones).
Tensión: Es una sugerencia de fuerza que se evidencia en las direcciones de las formas,
las que tienden a dirigirse hacia aquellos lugares en que se acentúa su dirección; tanto
como las fuerzas de un cuadrado de encierro, las que se ponen de manifiesto por la
estructura inducida del mismo. Lo que hace que las formas sean atraídas o repulsadas por,
las distintas zonas de la superficie. La tensión en un campo plástico tiene magnitud y
dirección, dependiendo éstas de la fuerza de atracción que exista entre dos formas y la
dirección hacia la que se dirigen. Esta fuerza se hace evidente no solo allí donde la forma
existe en su configuración visible, sino en direcciones virtuales, una mirada por ejemplo. El
fenómeno tensional al actuar sobre las formas, tanto como actúan los factores de tamaño,
posición, contraste etc. tiende a relacionar distintos elementos en una sola configuración.
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a partir del cual, se desarrolla en movimientos centrífugos o centrípetos; ínter - relación de
las partes con el todo.
Forma Cerrada: Reciben esta denominación las formas que muestran continuidad de
contornos en todo su perímetro, lo que las contrasta con el fondo o medio con el cual
manifiestan independencia, muestran densidad, cerramiento, solidez y carácter envolvente.
Armonía: Principio estético íntimamente relacionado con la unidad orgánica de la
"obra" en las artes espaciales. En lo relativo a sus valores formales incluye a su vez los
principios de Simetría, Equilibrio y Proporción. Es la justa relación de estos principios o
fuerzas, presentes en el arreglo de los valores formales, énfasis en la articulación de las
fuerzas orientadas en actitud dinámica, jugando aquellos principios como parte de un
organismo " vivo " en función de un contenido y no como una simple asociación de las
relaciones formales.
Proporción: Es la relación de las medidas armónicas entre las partes componentes de
un todo. Estas relaciones de medida son encontradas en el mundo orgánico e inorgánico.
Pero tales relaciones matemáticas no se expresan de manera mecánica; la relación existe
pero las formas exhiben una serie de pequeñas variaciones dentro de la relación general, lo
cual contribuye a la "belleza y vitalidad". Razones numéricas o geométricas de distinta
índole que emergieron de las investigaciones sobre el funcionamiento de la naturaleza
fueron aplicadas al arte, siempre en la persecución de una unidad armónica. (Rectángulo
Áureo - Rectángulo Raíz - Numero de Oro)
Simetría: El termino simetría en el sentido corriente tiene dos acepciones lo simétrico,
que significa bien proporcionado o Equilibrado, y simetría, que significa concordancia entre
las partes que concurren a integrar un todo. La imagen de la balanza representa una
vinculación natural con el segundo sentido del termino, lo que se conoce como simetría
bilateral; formas "iguales" (semejantes) a, igual distancia a ambos lados de un eje, simetría
o relación evidente en los animales superiores y el ser humano leyes matemáticas que rigen
la naturaleza son la causa de la simetría en ellas y la realización intuitiva de dicha relación
en la mente del artista que tiene origen en el arte, tal refiere Platón respecto a la simetría.
La bilateralidad constituye una. Reflexión formal. Otros tipos de relaciones en el mundo de
la naturaleza orgánica e inorgánica fueron ampliando las posibilidades; de relaciones
simétricas, alcanzando estas un número considerable de variables, las que se organizaron
acorde a una relación con permanente ley de regularidad. La simetría o el orden regular
entre las formas se pone en evidencia a través de operaciones de superposición, sobre la
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base de órganos de simetría, o lo, que es todas las posibles operaciones de superposición y
sus combinaciones. De acuerdo con esto se llega una sistemática de la simetría.
Dinámica: Perteneciente o relativo a
la fuerza cuando produce movimiento.
Energía activa y propulsora. Líneas de
fuerza generadoras de movimiento
percibido en los esquemas, objetos,
diagramas, etc., en general toda tensión.
Es el movimiento percibido en el sentido
de las direcciones principales del objeto y
son estas tensiones dinámicas dirigidas,
las que acentúan la locomoción, traslado
o desplazamiento perceptual. Así como "Danae" Rembrandt.
hay direcciones " privilegiadas, " para el
movimiento percibido o dinámica de las formas u objetos, hay formas, texturas, posiciones,
actitudes, etc. que resultan altamente dinámicas: formas de cuñas o flecha, direcciones o
posiciones, etc. sin que ninguna de ellas tenga otra obligada relación con un hecho
dinámico real de experiencia cotidiana.
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Bibliografía
1) http://es.wikipedia.org/wiki/Wikipedia:Portada
2) El lenguaje Grafico Plástico. Amalia Polleri / Maria C. Rovira.
3) Léxico Técnico de las Artes Plásticas. Irene Crespi / Jorge Ferrario.
4) Educación Plástica. Anahi Villarruel.
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