Michelangelo Merisi "Caravaggio"

En el ano de 1600 abundan acontecimientos importantes dentro de las artes

plasticas, muere el ultimo dibujante del Renacimiento y Lomazzo, ultimo teorico
del Manierismo. El manierismo se desvanecia, mientras en Roma nacian dos
nuevas formas plasticas, el clasicismo eclectico y el realismo de Caravaggio.

Pintor barroco italiano, se cree que nacio el 29 de septiembre de 1573 en la ciudad

de Caravaggio, Lombardia, de donde tomo su sobrenombre.

Se ha convertido en uno de los pintores mas apreciados en el siglo XXI. A una

pintura magistral se une una vida intensa y polemica: fue un genio incomprendido,
un loco violento, un hombre atormentado y un triste perseguido. Finalmente,
cansado de huir, los ultimos anos de su vida los paso buscando un perdon que
entonces se le negaba y que ahora, a cuatro siglos de su muerte, parece haber
obtenido.

1585-1594 Milan y Roma: Desnudo y extremamente necesitado. Michelangelo

Merisi sera conocido siempre con el nombre de la pequena localidad de
Caravaggio, situada al norte de Italia, de la que procedia su familia y en la que
vivio durante algunos anos para protegerse de una epidemia de peste durante su
juventud. El, sin embargo, nacio en Milan y alli se traslado para formarse en una
escuela de pintura manierista donde aprendio a manejar los pinceles antes de
transmitirles su propia vida. Caravaggio fue el enfant terrible de la pintura italiana
barroca. Pocos autores han gritado tan fuerte con los pinceles su propio conflicto
personal. Aunque no haya dejado mas que una cuarentena de pinturas, cada una
de ellas revela una vision muy personal del arte, una lucha interior, un debate
entre luz y oscuridad, y un espiritu innovador capaz de mezclar en una misma
escena santidad divina y miseria humana.

Alrededor del ano 1600 se encontraba en su momento cumbre, igual que los
Carracci (primeros del clasicismo eclectico), pero a diferencia de estos,
Caravaggio no era un artista clasico ni barroco, ni se atenia a los modelos
antiguos. "Su arte, gustaba menos del estilo de los Carracci, sus contemporaneos
se mostraban renuentes ante sus santos feos y sus virgenes vestidas de andrajos"
. Sus lienzos carecian de decoro, a lo que sus criticos contemporaneos
reprochaban su "falta de invencion" (falta de busqueda a la idealizada y belleza).
Las obras de Caravaggio se dividen en dos grupos: En las primeras representaba
flores, naturaleza muerta o escenas de la vida cotidiana de a gente sencilla, temas
practicamente sin precedentes en la epoca en la que el arte reinaba la estetica de
lo grandioso. Y la segunda parte, sus grandiosos lienzos de temas religiosos
(1600-1606) en lo que demostraba que era un excelente pintor de su epoca.

Caravaggio redujo el distanciamiento entre Dios y los santos y las cosas

terrenales, al igual que en arte medieval.
Caravaggismo

Ofrece una interpretacion naturalista de las Santas Escrituras: las composiciones

abarrotadas y visionarias del Manierismo tardio son sustituidas por un arte
sencillo, humano, una pintura realista, donde las figuras emergen de un fondo
oscuro con una impresionante expresividad. Su dramatico luminismo, sus colores
violentamente contrastados, el realismo exacerbado y la expresividad de sus
personajes provocaron al mismo tiempo admiracion y rechazo entre sus
contemporaneos.

El manierismo fue un estilo artistico que surgio en Italia a comienzos del siglo XVI
y que se caracteriza por la abundancia de las formas dificiles y poco naturales.
Este trabajo consta de hacer un analisis hermeneutico, que es el arte de explicar,
traducir o interpretar) es el arte o teoria de interpretar textos, especialmente las
escrituras sagradas y los textos filosoficos y artisticos. La hermeneutica moderna
incluye comunicacion tanto verbal como no verbal asi como semiotica,
presuposiciones y pre comprensiones.

Tambien representa una teoria de la verdad y el metodo que expresa la

universalizacion del fenomeno interpretativo desde la historicidad concreta y
personal.
Hermenutica

el arte de la interpretacion es ayudarnos a lograr una comprension perfecta, el

hermeneuta tiene que describir las metas de su comprension, las dificultades que
ha debido superar y los metodos que ha usado para lograr el objetivo deseado
(Muller, 1988).

Para Ricoeur es de capital importancia mostrar que el lenguaje tiene alcance

ontologico, pues si este se constituye como una estructura subsistente sin ninguna
referencia fuera de ella misma y en la que el sujeto aparece como mera funcion,
entonces es imposible elaborar un lenguaje en el que se forme, de modo explicito,
el ser como tal, es decir, es imposible la filosofia (Hermeneutica y estructuralismo).
A lo largo del recorrido intelectual de Ricoeur el concepto de hermeneutica sufre
importantes variaciones y ampliaciones. Asi, en el simbolo del Mal, que se
desarrolla en el contexto de una filosofia de la voluntad, presenta la cuestion del
mal. No obstante, se ve obligado a trazar los limites de una criteriologia del
simbolo mediante un analisis de su estructura significativa. Asi, advierte que la
experiencia del mal solo es accesible en el lenguaje en que se lo confiesa; que
ese lenguaje es simbolico; que el lenguaje simbolico es aquel en el que el sentido
literal de las expresiones lingisticas transita hacia un sentido ultimo, implicando
en ese transito al hombre mismo, y que entre sendos sentidos se da una analogia
de semejanza que requiere una interpretacion hermeneutica. Para hablar del
sentido del mal Ricoeur aprecia que es necesaria la lectura de los mitos, pues en
ellos la experiencia del mal se hace lenguaje. Comprende cuatro tipos de mitos
acerca del comienzo y del fin del mal a los que aplica su metodo hermeneutico de
lectura. La hermeneutica de tales mitos reconoce tres pasos de progresiva
profundizacion: la fenomenologia comparatista, el pensar en los simbolos y el
pensamiento de los simbolos. Se trata pues de tres etapas que marcan el transito
desde la vida en los simbolos hacia un pensamiento que ha de ser pensamiento a
partir de los simbolos.

Fenomenologa comparatista

Ricoeur ejemplifica el proceder de la fenomenologia comparatista a partir de las

obras de Mircea Eliade, Van der Leeuw y Leenhardt. El fenomenologo se introduce
en el mundo simbolico con el fin de encontrarle una coherencia interna, por lo que
se sustrae una comprension del simbolo por el simbolo e idealmente por la
totalidad de lo simbolos. De este modo se alcanza desde dentro desde el
simbolo la unidad significativa del simbolo. Para Ricoeur este modo de proceder
tiene ciertas limitaciones: el fenomenologo puede llamar verdad a la coherencia
que descubre del mundo simbolico, pero se trata de una verdad sin creencia o con
cierta distancia en la cual el pensador no se halla concernido.

El pensar en los smbolos

Para llegar a este paso es necesaria una fe explicita. Como se trata de la cuestion
de la verdad, el filosofo tiene que encontrarse concernido y entrar en una relacion
apasionada, al mismo tiempo que critica, con el valor de verdad de cada simbolo.
Ya no se puede pasar de un simbolo a otro con un pensamiento ausente y
distanciado radicalmente, sino que es necesario comprender para creer, pero es
necesario creer para comprender (La Symbolique du Mal). En primer lugar, dice
Ricoeur, es preciso creer, tener la confianza de que en el simbolo habla lo
sagrado, pues solo de este modo se puede entrar en el movimiento general de
sentido presente en el: nunca, en efecto, el interprete se acercara a lo que dice su
texto si no vive en el aura del sentido interrogado (La Symbolique du Mal). Como
dice Bultmann, toda comprension, como toda interpretacion, se halla
continuamente orientada por la manera de plantear la cuestion y por lo que ella
apunta. La cuestion siempre esta dirigida por una precomprension del simbolo a
proposito del cual interroga al texto.

El pensamiento de los smbolos

Para Ricoeur este paso es el momento propiamente filosofico de la hermeneutica.

Llegados a este punto el pensar filosofico se encuentra incoativo en el mito. Es el
momento de ir mas alla de la interpretacion, por exigencia misma del mito que
presenta una universalidad concreta , y entrar en la reflexion filosofica. Siguiendo
a Kant en La critica del juicio, el simbolo da que pensar. El da es el don del
lenguaje, pero este don crea el deber de pensar, de inaugurar el discurso filosofico
a partir de aquello que lo precede y lo funda el lenguaje , instaurando la
cuestion del sentido y del fundamento del sentido. Se trata ahora de una
aproximacion al mito en la que se intenta decir filosoficamente racionalmente
lo que simbolicamente dicen los mitos. El mito debe ser trasladado al discurso
conceptual para alcanzar una comprension ultima del ser humano.

Anlisis Hermenutico

Me basare en algunas de las influencias del pintor, contexto en el que vivio ,

momentos mas destacables de su vida y la evolucion de su estilo, que mas tarde
se llamaria carvaggismo o tenebrismo, que fue adoptado por algunos artistas del
barroco espanol.

Con esta investigacion intentare hacer un profundo analisis del David con la
cabeza de Goliat una de las pinturas mas controversiales que realizo, meses
antes de su muerte, y por consiguiente su ultima obra, ademas de ser una de las
obras que han marcado un antes y un despues en la historia del arte.
Sin Caravaggio, la historia de la pintura hubiera sido muy diferente. Fue un
revolucionario, uno de los artistas mas influyentes de su tiempo y rompio con todo
lo establecido, convirtiendose en una figura esencial del arte.

Caravaggio para representar fielmente sus modelos no fue empleado con la unica
intencion de satisfacer necesidades esteticas. Al igual que en la obra de tantos
otros posteriores a el, el realismo o la precision figurativa la utilizo para
denotar que la realidad no solo es bella.

Ante el horror, el terror, el dolor y el sufrimiento de la vida caben dos posturas:

1) Cubrir la realidad con una cortina creando un mundo ideal de forma y
belleza.
2) La otra postura, afirmar y abrazar la existencia en toda su oscuridad y
horro, dolor y sufrimiento.

Naturaleza contra civilizacion, armonia versus caos, luz ante oscuridad. La

dualidad de lo apolineo y lo dionisiaco se remonta a los dioses griegos de Apolo,
dios del sol, y Dioniso, dios del vino y la embriaguez. Fue Nietzsche, en su obra El
nacimiento de la Tragedia, quien daria mayor alcance a esta dualidad tan conocida
en el arte.

Apolo simboliza la armonia y serenidad de lo bello, la tranquilidad encontrada en el

pensamiento racional y logico (medida y formas acabadas). Tambien hace
referencia a la ilusion de las apariencias, al engano de la belleza. Dioniso invita a
todo lo contrario: la liberacion a traves de los excesos, la vida salvaje, el impulso y
pulsion humana de hacerse con el objeto de deseo, tambien se le atribuye la
desmesura y arte inacabado. El disfrute embriagado de la existencia, la ritualidad
que libera.
En una oposicion que se atrae, cada uno de estos contrarios supone la presencia
del otro.
Un ejemplo de lo apolineo en el arte es la representacion de la calma y luz
contenida en lo divino.
En la Europa Medieval esto se opone al demonio, o dios terrenal, quien encierra
en si el desenfreno e impulso vital propio de lo dionisiaco. Tambien este goce
placentero se podia ver en la antigua Grecia, en donde se llevaban a cabo
carnavales en honor a la cosecha de vid. Se bebia vino y se ingerian narcoticos en
un ambiente de absoluta permisividad.

Obras a interpretar:

Bacco enfermo (1593-1594)

Artista: Caravaggio
Ubicacion: Galeria Borghese
Periodo: Barroco
Fecha de creacion: 1593
Autor: Caravaggio, 1593-1594
Localizacion: Galeria Borghese, Roma, Italia

En esta pintura Caravaggio era muy joven, una de sus primeras pinturas. El oleo
representa al dios Baco, que patrocinaba la fiesta de la recoleccion y el vino.
Aparece representado como un mancebo de complexion musculosa, decrepito, de
piel amarillenta y labios descoloridos, que nos remite al tipo de malestares biliares
relacionados con las grandes ingestas de alcohol o los trastornos
hepaticos. . Durante su convalecencia, y dada la pobreza de este artista italiano,
se utilizo a si mismo como modelo.
El padecimiento es llevado, no con la alegria de un evangelista que sufre en
nombre de su Dios, sino como una inevitable y decantada consecuencia posterior
al banquete, el festejo y la borrachera.

El hecho de que se trate de un autorretrato explica la retorcida postura que adopta

el modelo, sentado de lado pero con el rostro vuelto hacia el espectador con esa
intencion de ser enfrentado.

Tambien intimista y contextualizada en un espacio cerrado y penumbroso, esta

obra posee menos elementos de la vida cotidiana que lleven a asociar al
personaje con un estamento social determinado. El hecho talvez responda a que
fue pintada mucho antes, luego de la enfermedad del propio artista. Sin duda la
aparente sintonia tematica entre su vida y la pintura es real. El rostro conserva aun
el impavido adormecimiento de la embriaguez, el regodeo gestual del abandono.
La mirada se enfrenta al espectador al cual, a pesar del evidente malestar,
continua invitando a unirsele, pues la vida es corta y hay que vivirla.
La ropa es modesta en relacion a la otra obra. Si bien es igualmente un pano, es
llevado con mayor sencillez y las pleguerias apenas se ven, como el manto
mismo. Se puede observar el brazo musculoso del joven y parte de su espalda.La
luz es artificial. Proviene de un foco central y superior (por lo cual el codo del
personaje proyecta sombra sobre su rodilla visible). Al igual que en el otro cuadro
estudiado, el fondo esta trabajado con sombras, logrando un efecto claroscurico
que resalta al personaje retratado como tema de la imagen (que, en todos sus
detalles, esta menos recargada que la anterior).

Bacco
 Artista:
Carava
ggio
Tamano
: 95 cm
x 85 cm
Periodo
: Barroc
o
Medios
: Pintura
al aceite
Autor: C
aravagg
io, 1595
Fecha
de

creacion: 1595
Podemos observar una representacion humana del dios Bacco es muy similar a
los autorretratos del propio autor. Sigue la linea antigua que habian retomado los
escultores , en la cual la figura es mostrada en su juventud y esta coronada con
uvas y hojas, en tanto que una de sus manos sostiene la copa de vino.

El juego de claroscuros es tipico de Caravaggio, donde la luz recae sobre el

personaje y los objetos simbolicos que lo rodean, en tanto la sombra envuelve el
fondo de la escena y resalta, de ese modo, la figura del joven.
Esta inclinado y el drapeado de su manto (trabajado muy barrocamente) indica
una linea de movimiento que dinamiza la imagen (no obstante el ritmo
predominantemente lento, casi estatico, que pareciera provenir metaforicamente
de la embriaguez que envuelve al personaje). Ambos datos: dinamismo y quietud
no llegan, sin embargo, a marcar una tension en la imagen sino que la misma se
resuelve en la actitud de sueno y adormecimiento de los sentidos que el gesto y la
mirada de Baco nos transmiten. El conjunto expone una doble significacion
simultanea de abundancia y decadencia.

Bacco nos invita a compartir el vino a quien se asome a la obra mediante la

mirada. Esta se dirige a quien se pose frente a la tela. Los parpados algo caidos y
las cejas arqueadas sugieren que se encuentra en pleno proceso de embriaguez.
Es una mirada que connota placer, de color oscuro y profundo en intensidad como
el de las uvas entremezcladas en sus cabellos.
este icono caravaggiesco encierra: una alusion a la naturaleza, de la cual somos
parte, y a su exhuberancia; una alusion a la caducidad de la vida y a la corrupcion
o decadencia de dicha naturaleza, y una alusion al placer sensual (perfume, color,
sabor), que en el caso del vino (producto de la vid) conlleva la embriaguez.

La corona de uvas y hojas sigue la linea tradicional de representacion que

coronaba al dios de esta manera. Al igual que en el caso anterior, tanto las uvas
(simbolo dionisiaco por excelencia) como las hojas indican que el placer y la vida
conllevan tambien la caducidad y la decadencia (algunas de las hojas ya no
poseen el verde intenso de las otras sino que comienzan a amarillear).

La ropa es modesta en relacion a la otra obra. Si bien es igualmente un pano, es

llevado con mayor sencillez y las pleguerias apenas se ven, como el manto
mismo. Se puede observar el brazo musculoso del joven y parte de su espalda.

La luz es artificial. Proviene de un foco central y superior (por lo cual el codo del
personaje proyecta sombra sobre su rodilla visible). Al igual que en el otro cuadro
estudiado, el fondo esta trabajado con sombras, logrando un efecto claroscurico
que resalta al personaje retratado como tema de la imagen (que, en todos sus
detalles, esta menos recargada que la anterior).

Mientras que el arte de Caravaggio es predominantemente temas religiosos muest

ra control sobre la violencia, su vida personal se caracteriza por acciones ilegales,
un tema que refleja dos hechos traumaticos de su vida, su obsesion por la muerte
y violencia: su padre murio cuando el tenia 6 anos de edad y con una gran
capacidad de enfrascarse en rinas, muchas de ellas fueron en los mismos lugares
e incluso se le llego a procesar por esto. La noche del 29 de mayo de 1606 mato,
probablemente por accidente, a un hombre llamado Ranuccio Tomassoni, un
famoso espadachin al que batio en duelo,

Mientras que el arte de Caravaggio es predominantemente temas religiosos muest

racontrol sobre la violencia.

En su vida sucessiva Caravaggio era con frecuencia una persona conflictiva, q ue

huia de la autoridad, como hemos aprendido por la policia y documentos legales.
Sus ultimos cuatro anos fueronsus mas productivos cuando pinto en un estilo oscu
ro, introspectivo, al parecer, el uso de memoria en lugar de modelos frescos, con r
eferencia a los tragicos sucesos que lo perseguian.

David con la cabeza de Goliat

Tamano: 95 cm x 85 cm
Fecha de creacion: 1595
Periodo: Barroco

En el cuadro se autorretrata con el rostro maltratado (una pelea le habia

deformado), en la cabeza cortada de Goliat. El joven David la contempla
conmiserativamente, sin afan vencedor, sosteniendola casi con asco. En su
espada se lee una inscripcion que identifica a David con la Humildad, y a Goliat
con la Soberbia: la inscripicion abreviada "H-AS OS", en latin: Humilitas occidit
superbiam ("La humildad mata al orgullo").

El tratamiento del lienzo es, como siempre en Caravaggio, impactante. La cabeza

recien cortada no parece viva ni muerta y la idea de autorretratarse como un
muerto es ciertamente inquietante, aunque no debemos olvidar que
probablemente su intencion no fuera morbosa sino diplomatica. Los colores plata
sucio, negro y marrones dominan el cuadro.

La luz hace que David parezca un muchacho de las calles, con una espada que
tiene solo una gota de sangre para demostrar que, al igual que Caravaggio, sabe
lo que significa haber matado a un hombre. Otra gota de sangre en medio de la
frente del gigante confirma que fue derribado por una piedra.

Conclusin:

Ningun otro pintor del Seicento evoluciono a un ritmo tan rapido y en direcciones
tan diferentes. Contaba con una capacidad de observacion excepcionalmente
aguda y, con su pincel, era capaz de plasmar de manera inigualable los mas finos
detalles y las tonalidades mas sutiles. Con sus colores calidos y su manera
ilusionista, En efecto, su obra es pura sensualidad y erotismo, apela a todos los
sentidos.
Su obra puesta para contemplar y degustar, pero que tambien huele, suena e
invita a tocar la piel de sus protagonistas.
Lo que podemos observar en estas distintas piezas, fue una evolucion tecnica, ya
que su discurso siempre fue por una linea dionisiaca, donde siempre mostro al
hombre en sus peores condiciones y se atrevio a mostrarnos una estetica de la
muerte, un tanto desamparadora.
Artista: Caravaggio
UNIVERSIDAD DE LA COMUNICACIN

TRABAJO FINAL

ANLISIS DEL DISCURSO VISUAL

JIMENA PADILLA

HERMENEUTICA CARAVAGGISTA