ARTECONTEX TO

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arte cultura nuevos medios ART CULTURE NEW MEDIA

ARTECONTEXTO arte cultura nuevos medios - ART CULTURE NEW MEDIA

Revista trimestral. Nmero 28 Quarterly magazine. Issue 28 Espaa 18!

arte cultura nuevos medios - 2010 / 4

ARTECONTEX TOART CULTURE NEW MEDIA - 2010 / 4
Dossier: CIUDAD, ARQUITECTURA Y SOSTENIBILIDAD

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CITY, ARCHITECTURE AND SUSTAINABILITY

9 771697 234009

9 771697 234009
12 Mostra Internazionale di Architettura di Venezia
ISSN 1697-2341

ISSN 1697-2341
J.M.Torres Nadal, Ecosistema Urbano, Santiago Cirugeda
Marta Minujn, Dan & Lia Perjovschi, Doris Salcedo
Cine / Cinema Msica / Music Libros / Books Crticas / Reviews
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Alicia Murra
ARTECONTEX TO
ARTECONTEXTO arte cultura nuevos medios
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Portada / Cover: Dan Perjovschi trabajando en el EACC para la exposicin

Time Specific, 2010. Cortesa. EACC / Dan Perjovschi working
on the exhibition Time Specific, 2010 at the EACC. Courtesy: EACC
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 Primera pgina / Page One Msica / Music
ARTECONTEXTO / SUMARIO / INDEX / 28

9 Ciudades y ciudadanos 86 Reseas / Reviews

Cities and Citizens ABRAHAM RIVERA JOS MANUEL COSTA

Dossier 88 Conociendo al Seor E

Meet Mr. E
10 Navegando en el mar de la sostenibilidad IRENE BONILLA
Navigating the Sea of Sustainability
JOS M. TORRES NADAL Libros / Books

18 Esttica y sostenibilidad para una cultura del proyecto 90 Reseas / Reviews

Notas sobre la XII Bienal de Arquietectura de Venecia
Aesthetics ans Sustainability for a Project Culture
Notes on the 12th Venice Architecture Biennial
PEDRO MEDINA
26 Diseo social urbano / Urban Social Design
ECOSISTEMA URBANO
ADRIANA LORENZO ALANNA LOCKWARD
92 Los espejismos de la imagen en los lindes del siglo XXI
The Mirages of the Image at the Edge of the 21st Century
LUIS FRANCISCO PREZ
Crticas de exposiciones / Reviews of Exhibitions

36 Santiago Cirugeda / Recetas Urbanas 95 Fuera Del muro. Parte 1 y 2

La eficacia de las microintervenciones Off the Wall. Part 1 and 2
The Effectiveness of Micro-Interventions Whitney Museum of American Art, Nueva York
ALICIA MURRA LAURA F. GIBELLINI

Pginas Centrales / Central Pages 97 Eadweard Muybridge

Tate Britain, Londres
48 Marta Minujn. ALICIA MURRA
Artista multifactica / Multi-Faceted Artist
BERTA SICHEL 99 Matthew Barney
Devocionario con llaga y clavo
58 Dan & Lia Perjovschi Prayer Sheet with the Wound and the Nail
Irona y fbula moral Schalauger, Basilea
Irony and Moral Fable ALEJANDRO J. RATIA
JUAN SEBASTIN CRDENAS
101 VIII Bienal de Gwangju: 10.000 vidas
73 Doris Salcedo 8th Gwangju Biennial: 10,000 Lives
Y el enmudecimiento de las vctimas Gwangju
And the Silence of the Victims EMMA BRAS
CARLOS JIMNEZ
103 The Original Copy
Cine / Cinema Fotografa de escultura de 1839 hasta hoy
Photography of Sculpture, 1839 to Today
82 Reseas / Reviews Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York
ABRAHAM RIVERA MARIANO NAVARRO

84 Del xtasis al arrebato 105 Gil J Wolman

Un recorrido por el cine experimental espaol Soy inmortal y estoy vivo
From Ecstasy to Rapture I am Immortal and Alive
A Journey through Spanish Experimental Cinema MACBA Barcelona y Fundao Serralves, Oporto
PABLO G. POLITE ALFONSO LPEZ ROJO
107 Antes que todo 125 Huis clos

ARTECONTEXTO / SUMARIO / INDEX / 28

Before Anything Else Galera Elba Bentez, Madrid
Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid MNICA NEZ LUIS
JOS MANUEL COSTA
127 Pipilotti Rist
109 Los juguetes de las vanguardias Partido amistoso - Sentimientos electrnicos
Avant Garde Toys Friendly Game - Electronic Feelings
Museo Picasso de Mlaga Fundacin Joan Mir, Barcelona
FRANCISCO BAENA ALICIA MURRA

111 Afro Modern 129 Dexter Dalwood

Viajes a travs del Atlntico Negro Centro de Arte Contemporneo, Mlaga
Journeys through the Black Atlantic CARLOS G. DE CASTRO
Centro Galego de Arte Contempornea
Santiago de Compostela 131 Laboratorio Gran Va
EMANUELA SALADINI Gran Via Laboratory
Fundacin Telefnica, Madrid
113 American Colors by PSJM PEDRO MEDINA
Galera Blanca Soto, Madrid
MIREIA A. PUIGVENTS 133 Modelos para armar
A Model Kit
115 Kristoffer Ardea Museo de Arte Contemporneo de Castilla y Len
Homenaje: Murcia / Homage Murcia SANTIAGO B. OLMO
La Conservera, Murcia
SEMA DACOSTA 135 Susan Hiller
Lo que veo / What I See
117 Jaime Davidovich Centro Cultural Montehermoso, Vitoria-Gasteiz
Morder la mano que te da de comer ITXASO MENDILUZE
Biting the Hand that Feeds You
Artium. Centro-Museo Vasco de Arte 137 Hans-Peter Feldmann
Contemporneo. Vitoria-Gasteiz Una exposicin de arte
ALICIA MURRA An Art Exhibition
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofa, Madrid
119 Coleccin Christian Stein. SUSET SNCHEZ
Una historia del arte italiano
Christian Stein Collection. 139 Mona Hatoum: Le Grand Monde
A History of Italian Art Fundacin Marcelino Botn, Santander
Instituto Valenciano de Arte Moderno, Valencia TANIA PARDO
PEDRO MEDINA
141 Medianoche en la ciudad
121 Ms que la vida Midnight in the City
Larger than Life Centre dArt La Panera, Lleida
Museo de Arte Contempornea de Vigo PABLO G. POLITE
EMANUELA SALADINI
143 Carlos Garaicoa
123 Thomas Joshua Cooper Fin de silencio
Cierto / True End of Silence
Centro de Arte y Naturaleza, Huesca Abierto X Obras. Matadero, Madrid
ALEJANDRO J. RATIA CARLOS JIMNEZ
Cities and Citizens

To think about the city, its architecture and structure, the design of the elements it requires,
from benches to streetlamps and rubbish bins, and its equipment and services, requires a deep
understanding of the needs of its inhabitants, and an ability to think of solutions, inventing radically
new models on some occasions, and, on others, respecting old customs and uses. Ultimately, it
is a matter of integrating a wide range of interests and needs, but, above all, and essentially, it
is necessary to think about citizens. However, should we be doing this without taking them into
account? And how can we know what citizens are thinking and what their needs are? On the other
hand, what are the responsibilities of architects and designers? In what way should we establish
a dialogue between the different agents, those who make the decisions, whether they are public
administrations, companies, urban planners, architects, or those who have to inhabit the results
of these decisions? And, for example, how are we to articulate the concept of sustainability in the
context of the various interests with which we struggle in the cities of the 21st century? Without a
doubt, all of these issues are so open and complex, and they involve such a large number of sectors,
that their possible answers would be almost impossible to encompass. What we aim to achieve
with our dossier is to come closer to a number of professionals from the field of architecture who
are developing new approaches, alternative ways of thinking, planning and building, which include
questioning their own role and highlighting other possible ways of intervening on the complex fabric
which makes up the city. This wide range of approaches, however, revolves around a shared idea:
that it is essential to encourage a real and active involvement on the part of citizens themselves.
Along with the texts by Jos Mara Torres Nadal (for whom architecture is a cultural tool which can
make important contributions to social cohesion), the Ecosistema Urbano group (an agency made up
of architects and urban planners from different countries, which has received prestigious international
awards), and the analysis of the work carried out by Santiago Cirugeda / Recetas Urbanas (who
plays an active role in collective networks working toward a truly social architecture), Pedro Medina
examines the proposals which have been presented at the XII Venice Architecture Biennial on the
issue of sustainability.
Our central pages include journeys through the work of artists such as the Argentine Marta
Minujn, whose unusual work is dealt with by Berta Sichel. Dan and Lia Perjovschi speak with Juan
Sebastin Crdenas, who has compiled two extensive conversations with these Romanian artists
who, despite their different careers, are now presenting two simultaneous shows at the EACC, in
Castelln. This years Premio Velzquez de Artes Plsticas, which has gone to Doris Salcedo, is a
good excuse for Carlos Jimnez to offer a closer view of the highly committed work by this Colombian
artist. An international journey through the most relevant exhibition proposals and our regular film,
music and book sections complete issue 28 of ARTECONTEXTO. We hope you enjoy it.
Ciudad y cuidadanos

Pensar la ciudad, su arquitectura y ordenamiento, el diseo de los elementos que precisa, desde
bancos a farolas o papeleras, sus equipamientos y servicios, exige conocer a fondo las necesidades
de sus habitantes e imaginar soluciones, inventar modelos radicalmente nuevos unas veces,
respetuosos con determinados usos y costumbres otras; adecuar en suma intereses y objetivos
muy variados pero, sobre todo y de forma esencial, exige pensar en los ciudadanos. Pero al
margen de ellos? Y cmo se sabe qu piensan y qu necesitan? Por otro lado, cules son las
responsabilidades de arquitectos y diseadores? De qu manera hacer posible el dilogo entre
los diferentes actores, entre quienes deciden, sean las administraciones pblicas, las empresas,
los urbanistas, los arquitectos, y quienes han de habitar los resultados de estas decisiones? O,
por ejemplo, cmo se articula el concepto de sostenibilidad entre los diversos intereses que se
lidian en las urbes del siglo XXI? Desde luego, todas estas cuestiones son tan abiertas, complejas
e implican a tal cantidad de sectores que sus posibles respuestas resultaran casi inabarcables. Lo
que pretendemos ahora con este dossier es acercarnos a una serie de profesionales del campo
de la arquitectura que estn desarrollando otros enfoques, maneras alternativas de reflexionar,
planificar y construir, incluido el cuestionamiento de su propio papel, y que sealan otros modos
posibles de actuar sobre los complejos tejidos que conforman la ciudad. Todos ellos, desde
distintos puntos de vista, comparten sin embargo una idea: que es imprescindible la participacin
real y la implicacin activa de los propios ciudadanos en la toma de decisiones. Junto a los textos
de Jos Mara Torres Nadal (para quien la arquitectura es un instrumento cultural que puede
contribuir decididamente a la cohesin social), del equipo Ecosistema Urbano (agencia integrada
por arquitectos y urbanistas de diferentes nacionalidades, que ha que ha recibido prestigiosos
galardones internacionales) y la aproximacin al trabajo desarrollado por Santiago Cirugeda /
Recetas Urbanas (que desarrolla un activo papel en redes de colectivos que trabajan por una
arquitectura verdaderamente social). Por ltimo, Pedro Medina analiza las propuestas que, en
relacin a sostenibilidad, se han presentado en la XII Bienal de Arquitectura de Venecia.
En nuestras pginas centrales ofrecemos recorridos por las obras de artistas como la
argentina Marta Minujn, de cuyo singular trabajo se ocupa Berta Sichel. Con Dan y Lia Perjovschi
dialoga Juan Sebastin Crdenas, quien ha reunido dos extensas charlas mantenidas con esta
pareja de artistas rumanos que, con trayectorias independientes, se dan cita ahora con sendas
muestras en el EACC de Castelln. La concesin este ao del Premio Velzquez de Artes Plsticas
a Doris Salcedo es una buena excusa para que Carlos Jimnez nos acerque al comprometido
trabajo de la artista colombiana. El recorrido internacional por las propuestas expositivas ms
relevantes y las secciones que se ocupan de cine, msica y libros completan este nmero 28 de
ARTECONTEXTO. Que disfruten.
ANDRS JAQUE ARQUITECTOS Fray Foam Home, 2010 Andrs Jaque Arquitectos. Foto: Pedro Medina
 Navegando en el mar de la sostenibilidad
En los aos setenta el grupo italiano Superstudio (integrado por
Adolfo Natalini, Piero Frasinelli y Cristiano Toraldo di Francia)
desarroll un trabajo excepcionalmente complejo y hermoso acerca
de las incipientes posiciones ecolgicas o, si se quiere, acerca de sus
visiones sobre cmo reconstruir las relaciones entre el ser humano
y la naturaleza y, por extensin, entre el ser humano y la ciudad.
Sus proyectos, textos, fotografas y fotomontajes, sobre todo estos
ltimos, son por su condicin visionaria y avanzada un excelente
punto de partida para pensar la actualidad.
Superstudio desarrolla como base de su trabajo una serie de
superficies neutras, apenas reticuladas, en las que va depositando
una serie de composiciones que dan vida e ilustran los distintos
pasajes de lo que ellos conciben como un nuevo modo de vida. La
familia, los amigos, el picnic, ellos mismos, los muebles que idearon
como extensin domstica de esas plataformas, son los motivos
centrales de unos fotomontajes que explican un compromiso vital.
Su apuesta intelectual es tan intensa que hace de los fotomontajes
una representacin arquitectnicamente muy elaborada de la vida del
futuro tal como ellos la proponen. La ciudad es dibujada de la misma
manera, como algo que puede ser alterado al ubicar en ella una de
esas plataformas de relacin y transformacin.
Sobre los paisajes, sobre los edificios, en el interior de las calles,
sobrevolando la ciudad, en cualquier espacio fsico, dice Superstudio,
es posible colocar, construir o desarrollar una plataforma en la que sea
posible empezar la conversacin para que esa transformacin ocurra.
Todo su trabajo remite a esta idea: es sobre esa tabula rasa, sobre esa
cuadricula neutra, sobre ese lugar sin condiciones formales, donde
deben establecerse las pautas polticas acerca de las ecologas, y es,
por tanto, la apuesta de la arquitectura construir esas plataformas de
negociacin. Es en ellas donde debe tener curso la construccin de
nuevos lxicos, un nuevo abecedario a travs del cual hacer posible
una nueva forma de vida. Un lxico, un alfabeto: la condicin seminal
del lenguaje, las palabras que decimos para poder pensar la nueva
ciudad y los nuevos paisajes
JOS M. TORRES NADAL*
En el que me parece esencial, de entre aquellos fotomontajes,
aparecen slo tres elementos sobre la plataforma que describo:
seres humanos, maquinas y naturaleza. Personas, mquinas y
naturaleza hablando de poltica, una conversacin entre ellos,
una conversacin como a la espera de un cambio de lo que cada
cosa es y representa: lo humano o la construccin de nuevos
paradigmas del cuerpo desde la tecnologa y desde el artificio de la
naturaleza; la naturaleza activada por las acciones de ese humano
con una innovacin tecnolgica permanente como instrumento
de movilizacin y, finalmente, la innovacin tecnolgica liderando
y actualizando una conversacin donde cuestionar el uso que las
leyes y los protocolos han establecido, y donde integrar el paisaje
como parte de un nuevo espacio pblico.
No hace falta ms: la creatividad as entendida, actualizada, es
decir hecha ahora, tiene que ver con una construccin de ideas y
de flujos que de modo eventual, es decir no permanente, no estable,
va a ir creando formas organizativas, contenidos, visiones, proyectos
acerca de un entramado ecolgico de alta complejidad. Pero hay
una novedad respecto de lo que conocemos: ese entramado es
extraordinariamente ligero, delicado, atento a lo precario, y valora lo
que pareca accesorio, lo que era accidental. Estos adjetivos pasan
a ser ahora contenidos que se oponen al rudo y cruel construirse de
la prctica poltica urbana de la ciudad tal como hoy funciona. Estos
adjetivos, convertidos en conceptos, construyen una red distributiva
de ideas con una capacidad de permeabilidad y adaptacin tan
elevada como la capacidad de comunicacin pblica que proyectan.
1970-2010. Cuarenta aos ha costado empezar a penetrar en
una historia que trata de no ser moral sino eficiente, pero que trata
de desarrollar una proyeccin tica distinta. Trato de ordenar ahora
lo que creo argumentos esenciales de esta transformacin a travs
de tres aproximaciones a las, tambin tres, entidades que, desde
mi punto de vista, soportan el peso de la discusin: Sostenibilidad
versus Ecologa; Polticas versus Nueva profesionalidad y, finalmente,
Ciudad/Arquitectura. Las tres caractersticas de cada uno de estos
DOSSIER ARTECONTEXTO 11
dominios establecern as una matriz de nueve condiciones, como
un territorio conocido y desconocido a la vez, para cada uno de
estos dominios. Esta tabla tiene la misma condicin de neutralidad
que las plataformas de Superstudio: son slo manteles de un picnic
en celebracin continua, la celebracin ecolgica de los conflictos,
alfombras de un t imaginario y a la vez visionario, escenarios para
una danza distinta. Cada cual puede recorrer esas condiciones en
la direccin que quiera. Puede incluso generar otras nuevas a partir
de las apuntadas. Lo ms importante ser aceptar esas definiciones
desde la posibilidad de reconstruir sus vnculos como un sinfn de
balsas, diversas, llenas de gentes, de ideas y de cosas, de mquinas
y de nuevas naturalezas, multiplicndose y navegando en ese mar de
la sostenibilidad.
Sostenibilidad versus ecologa
1. Los enlaces de la sostenibilidad
La imagen del cuadro de Klee En suspens. Sur le point de selever
(1930) ilustra a la perfeccin la complejidad con la que debe aceptarse
la construccin de las entidades que forman el entramado que cada
actor, o actante, construye en torno a la manera que l entiende la
sostenibilidad. Entidades a veces transparentes, a veces opacas, a
veces en primera lnea, a veces como fondo, pero siempre elaboradas
desde la ms completa libertad pensante. Y los enlaces que esas
entidades construyen son las maneras como se establecen esas
conexiones, su intensidad, su continuidad, su eficiencia, lo que
proporciona veracidad a la progresin de la idea de sostenibilidad que
tratamos de construir. Se trata, como en los modelos matemticos, del
poder de las formas: libertad originaria en su construccin axiomtica,
o en la hiptesis que sostienen su existencia, y necesidad transparente
en los encadenamientos y las conexiones que constituyen su dialctica
inteligible, tal como lo describe Alain Badiou.
2. Cmo NO construir una moral de sostenibilidad.
La sostenibilidad es evidentemente una buena causa pero no debe
plantearse como una cuestin propagandstica. Lo mejor que la
arquitectura, me atrevera casi a decir que cualquier actividad,
puede aportar al proyecto poltico general, y a las acciones de
transformacin ecolgica en particular, es una base sana a partir
de la cual el pblico pueda construir una opinin personal, en tanto
que la arquitectura proporciona una perspectiva adicional. Esta es
una relacin entre lo general y lo particular, entre el producto y el
servicio, extraordinariamente importante. En este sentido, considerar
los acontecimientos, personas o productos, como parte de una red
distributiva, ni tan siquiera descentralizada, es esencial para que la
arquitectura forme parte de este sentido creativo de una inteligencia
general colectiva. Las descripciones y matices que han aportado los
tericos del poder de las redes ayudan a configurar esta imagen
distributiva como una nueva tabula rasa, donde ni las cosas ni las
ideas tienen un valor a priori, y el que poseen lo van adquiriendo en la
medida que el consenso general se lo otorga.
12 ARTECONTEXTO DOSSIER
3. Aceptar trabajar sobre situaciones altamente controvertidas enten-
didas como espacios en movimiento y transformacin continua.
Anotemos dos: Innovacin/ beneficio y movilidad/ detenimiento.
Una de las cuestiones esenciales sera transformar el concepto
de beneficio y establecer sistemas de comprobacin sobre qu parte
del beneficio del trabajo es beneficio pblico. La transformacin de la
idea de propiedad/ beneficio est vinculada a la idea de transformacin
producto/ servicio. El trabajo como un rendimiento personal y como
un servicio pblico.
El derecho a avanzar frente al derecho a detenerse. Movilidad:
beneficio pblico/privado e innovacin/desarrollo. Detenimiento acti-
vo: conservacin; reconocimiento de lo frgil, lo precario y lo eventual.
El detenimiento informa la idea de servicio.
Poltica versus accin profesional
1. Figuras de transicin. La celebracin ecolgica del conflicto.
La celebracin ecolgica del conflicto o una manera de cuestionar
desde posiciones ms flexibles (de gnero, minoritarias, etc.) los
factores determinantes de la sostenibilidad. A propsito de Andrs
Jaque en la Bienal de Venecia de Arquitectura de 2010: La ecologa
era su levedad, la fina construccin de la complejidad de ese conflicto,
una delicadeza que quiere ser el contrapunto intencionadoa lo rudo, a
lo cruel incluso, de las circunstancias polticas, sociales y econmicas
del momento. Una delicadeza opuesta al impacto visualy hegemnico
de una parte de la produccin arquitectnica actual. Al lado, unos
dibujos daban cuenta de ese conflicto, del primero de todos, el lugar
donde maduran los sentimientos y las emociones, lo cotidiano, lo ms
sagrado y lo ms profano. Todo en conflicto, todo susceptible de ser
un proyecto socialmente til slo si se entiende como una celebracin.
Es una diferencia esencial entre nuestro trabajo y el discurso poltico
general, cada vez mas alejado de todo.1
2. El trabajo profesional como vector de un cambio en el ejercicio de
lo poltico.
Hablar de cmo reivindicar la construccin de lo poltico desde lo pro-
fesional y desde lo docente es un acontecimiento extraordinario por
su novedad, su ambicin y su potencialidad, y una tarea esencial y
determinante de la agenda sobre la que trabajar. Y es hablar, adems,
de dos cosas: de la debilidad extrema, y por tanto la inoperancia prc-
tica, del discurso poltico, y de la importancia del trabajo como un
factor esencial de cohesin social.
Ni la docencia, ni la actividad profesional, ni los trabajos a de-
sarrollar en el mundo de la investigacin pueden plantearse, y por lo
tanto no pueden cerrarse, sin hacer explcita su proyeccin poltica y
sin evaluar cunto y cmo contribuyen a generar estructuras de rela-
cin social nuevas, o a generar aportaciones tcnicas sustanciales en
este sentido.
Hablar de cuestiones esenciales como la sostenibilidad, las
transformaciones celebrativas de los conflictos ecolgicos, las im-
plicaciones de situaciones arquitectnicas en las cuestiones medio-
ambientales, nuevas formas para una nueva energa, la vivienda de
nuestra poca, los compromisos docentes, las tcnicas y las cultu-
ras, etc., es encontrar una manera creativa de abordarlos de modo
que den entidad a esta proyeccin que hace del trabajo profesional
un trabajo esencialmente poltico.
3. Como dar voz al otro
Las imgenes que al principio comentaba de Superstudio eran, como
seal, de 1970. Estamos en 2010. Nuestra bibliografa particular del
trabajo urbano se ha modificado. Junto a los clsicos de la ciudad han
aparecido otros libros con ttulos extraos: Alguien dijo participar?,
Pueden hablar los subalternos?... Buscamos la produccin de la ciu-
dad en un momento tan potente como frgil, y es posible que tenga-
mos que aceptar que parte de nuestro trabajo slo puede ser en este
momento entidades de transicin como forma de representacin de los
conflictos tcnicos y sociales, y como posicin hacia situaciones ms
avanzadas y ms perfectas. Y para que esa produccin sea real, es
decir, algo ms que sueos que acaban siendo humo, debe aceptarse
que nuestro trabajo es por igual un trabajo asentado en la disidencia
de lo profesional y de lo poltico, de la misma manera que tiene que
aceptar que el otro no es un convidado de piedra ni un mero receptor/
usuario, sino una parte esencial de la construccin de ese futuro. En la
plataforma ests en igualdad de condiciones t y l, l y ella, ella/l, l/
ella, ellal. Y as sucesivamente Y quien lea ahora estas notas.
Ciudad / Arquitectura
1. Aplanar la arquitectura o la disminucin del impacto.
El sujeto, el arquitecto cuestionado. El solapamiento entre lo personal,
lo pblico, lo poltico, lo meditico y lo trascendente, etc., en el trabajo
del arquitecto nunca ha sido cuestin sencilla ni balad. Ni en el trabajo
de arquitectura ni en la proyeccin exterior de ese trabajo. Me refiero
a la dificultad por trasladar al mundo de la arquitectura una categora
de la actividad humana que parece formar parte ms del texto que de
la actitud y de la imagen del contundente mundo de lo arquitectnico.
Hablo de la irona. Y cuando hablo de irona estoy hablando de una
aproximacin al listado de responsabilidades que se supone conlleva
la arquitectura y que determina al arquitecto como profesional
imprescindible. Y pasar a ser imprescindibles pero no centrales es
algo que me parece mucho ms que un simple cambio de actitud
en la produccin arquitectnica. Es un esfuerzo por escapar de la
centralidad de la profesin y del trabajo del arquitecto que transita la
delgada lnea entre lo racional y lo irracional. Es esta ambigedad lo
que aleja la incorporacin a su trabajo de un ego sobreactuado, un ego
que remite a la potencia con la que el arquitecto se ve obligado, como
extrema supervivencia, a generar huidas hacia delante en las que slo
puede existir l mismo. La fragilidad de un trabajo que procede de
colocar por delante de la investigacin la curiosidad, por delante del
acontecimiento el lenguaje continuo, como un sucederse infinito, y
por delante de la razn personal la accin participativa.
El trabajo as producido reduce el impacto, aplana la arquitec-
tura, la convierte en fondo, renunciando de un modo, llammosle,
femenino, que hace prevalecer la idea de horizontalidad frente al or-
gulloso ttem erecto de la arquitectura vertical. Es un camino que ya
recorri el arte y que, por fin, tambin asume la arquitectura.
2. Identidad. Memoria y futuro.
Es esta una de las cuestiones ms relevantes en la arquitectura actual
y que obliga a un posicionamiento ms preciso. Porque tiene que ver
con la arquitectura y su capacidad para producir cohesin social.
La controversia esencial del capital entre ciudadana e identidad
tiene en el caso de la arquitectura entendida como escenario, como
plataforma de esa cohesin social, la construccin de un proceso de
des-identidad disciplinar. Y slo hay dos maneras de hacerlo: desde
la irona, como forma de gestacin de una teora del valor del desen-
fado, de lo no-heroico y de lo eventual, o a travs de un proceso de
construccin de una identidad no propia sino acumulada; ser parte de
otra historia, la que ya funciona, ser entidad y forma superponindose
a los lugares y a las voces ya existentes. Es el discurso que tiene que
ver con no tener ni querer cambiar, no querer sino cabalgar sobre lo ya
existente. El edificio en la ciudad propone algo que tiene que ver con
lo ya sentido, con el lugar del sentido comn entendido como una
resistencia y tambin como una posibilidad.
3. La arquitectura como teln de fondo
Extender el trabajo a la idea de generacin de servicios, como
contrapunto al producto, es un sistema que debera permitir
incorporar los conceptos de nueva propiedad, de beneficio pblico,
en el trabajo privado cualquiera que fuera el beneficiario directo del
trabajo. La arquitectura ha sido desarrollada como un fin en s mismo,
como una entidad con vida propia, autnoma. Y la arquitectura ha
desarrollado, desde esta autonoma, un poder descentralizado muy
potente que ha permitido constituirse en protagonista icnico de
la ciudad. Paralelamente han ido desplegndose otras exigencias.
Grupos sociales diversos, nuevos colectivos urbanos, nuevos
profesionales, han priorizado la arquitectura como una herramienta
de trabajo, una ms pero tal vez la ms poderosa y evidente, para
construir la ciudad. Pero esta consideracin de ser una herramienta
ms ha permitido que desplegara sus resultados como algo ms
cercano a la idea de servicio que a la idea de producto. Es esta
reivindicacin de la arquitectura como herramienta, como un servicio,
como teln de fondo y no como protagonista, la que construye una
nueva ciudad y una nueva agenda para la ciudad, y la que puede
proporcionar los vnculos imprescindibles sobre los que construir de
un modo creativo y avanzado la ecologa de la ciudad.
*Jos M. Torres Nadal es Dr. Arquitecto Catedrtico de Proyectos
en la Escuela Arquitectura de Alicante.
1.- Ver: www.torresnadal.com/blog
DOSSIER ARTECONTEXTO 13
ANDRS JAQUE ARQUITECTOS World as a House with Rooms (Fray Foam Home), 2010 Andrs Jaque Arquitectos Courtesy: Andrs Jaque Arquitectos and 12th Venice Architecture Biennial.
 Navigating the Sea of Sustainability
In the 1970s the Italian group Superstudio (made up of Adolfo
Natalini, Piero Frasinelli and Cristiano Toraldo di Francia) developed
an exceptionally complex and beautiful work about emerging
environmental positions or, if you will, about their views on how to
rebuild the relations between man and nature and, by extension,
between humans and the city. Projects, texts, photographs and
photomontages, especially the latter, are, due to their visionary and
advanced nature, an excellent starting point from which to think about
the present.
Superstudio develops as the basis of their work a series of
neutral, barely reticulated, surfaces, on which are deposited a series
of pieces that enliven and illustrate the various passages of what they
see as a new way of life.Family, friends, picnics, themselves, and the
furniture they designed as a domestic extension of these platforms,
are the main motifs of a series of photomontages that reflect a vital
commitment. Their intellectual commitment is so intense that the
photomontages are rendered an elaborate architectural representation
of life in the future as proposed by Superstudio.The city is drawn in
the same way, as something that can be altered by placing in it one of
those relationship and processing platforms.
On the landscapes, the buildings, inside the streets, flying over
the city, in any physical space, say the members of Superstudio, it
is possible to place, construct or develop a platform from which it is
possible to start the conversation so that this transformation takes
place.All their work refers to this idea: it is on that tabula rasa, that
neutral grid, that place without formal requirements, where policy
guidelines on the various ecologies must be established, and it
JOS M. TORRES NADAL*
is, therefore, a challenge for architecture to build these negotiation
platforms.These institutions must undertake the ongoing construction
of a new vocabulary, a new alphabet with which to bring about a new
way of life.A lexicon, an alphabet, the seminal status of language, the
words we say to think the new city and new landscapes
In what seems to me to be an essential issue, from those
montages, only three elements appear on the platform described
above: human beings, machines and nature. People, machines and
nature talking about politics, in what is a conversation between them,
a conversation which seems to be waiting for a change, regarding
what each thing is and represents: the human or the construction of
new paradigms of the body on the basis of technology andthe artifice
of nature; nature activated by human actions, with a permanent
technological innovation as a means of mobilization and, finally,
technological innovation as a way of driving forward a conversation
which questions the uses established by laws and protocols, in which
to integrate the landscape as part of a new public space.
Nothing else is needed: creativity, when seen in this way,
updated, made now, is linked to the construction of ideas and flows,
which sporadically, in a temporary and unstable way, give rise to
organizational forms, contents, visions, projects about a highly
complex ecological network.But there is something new about what
we know: this framework is extremely light, delicate, attentive to the
precarious, and it values what seemed to be incidental, what was
accidental.These adjectives now become content which opposes the
harsh and cruel construction of the citys urban policy practice as it
works today. These adjectives, converted into concepts, construct
DOSSIER ARTECONTEXTO 15
a distribution network of ideas with a capacity for diffusion and
adaptation as great as the capacity for public communication that
they project.
1970-2010. It has taken forty years to begin to penetrate into
a history that tries to be not moral, but efficient, and which tries to
develop a different ethical projection. I will now attempt to organise
what I believe to be essential arguments of this transformation through
three approaches to the, also three, entities that, from my point of view,
bear the brunt of the discussion: Sustainability versus Ecology, Policies
versus New Professionalism and finally, City / Architecture.The three
characteristics of each of these domains will establish a matrix of nine
conditions, like a simultaneously known and unknown territory, for
each of these domains.This table has the same condition of neutrality
as Superstudio platforms: they are just tablecloths of a picnic in
continuous celebration, the ecological celebration of conflicts, carpets
of an imaginary and, at the same time, visionary tea party, stages for
a different dance.Everyone can cover those conditions in whichever
direction he wants.One can even create new ones from those pointed
out.The most important thing is to accept those definitions from the
possibility of rebuilding their ties with countless rafts, varied, full of
people, ideas and things, machines and new natures, multiplying and
sailing in this sea of sustainability.
service. In this sense, considering the events, people or products
as part of a not even decentralized distribution network, is essential
so that architecture forms part of this creative sense of a general
collective intelligence.The descriptions and nuances that the theorists
of the power of the networks have contributed, help to shape this
contributive image as a new tabula rasa, where neither things nor
ideas have value a priori, and he that possesses them acquires them if
the general consensus allows it.
3. Agree to work on highly controversial situations understood as
spaces in continuous movement and transformation. Let us note two:
Innovation / profit and mobility / care.
One of the key issues would be to transform the concept of
profit and establish systems to check on how much of the profit
from the work is public profit. The transformation of the idea of
property / profit is linked to the idea of product transformation /
service, work as a personal achievement and as a public service.
The right to advance against the right to stop. Mobility: public /
private profit and innovation / development.Active care: conservation,
recognition of the fragile, the precarious and the temporary. Care
governs the idea of service.

Political versus professional action

Sustainability versus ecology
1. Sustainability links
The image of Klees painting En suspens. Sur le point de se elever
(1930) perfectly illustrates the complexity with which must be
accepted the construction of entities that form the framework
which each actor or actant constructs around the way that he
understands sustainability. Entities, sometimes transparent,
sometimes opaque, sometimes in front, sometimes as background,
but always made from the most comprehensive freedom of
thought. And the links that those entities construct are the ways
that those connections are established, their intensity, continuity,
and efficiency, what gives credence to the progression of the
idea of sustainability that we are trying to build. It is about, as in
mathematical models, the power of forms: original freedom in
its axiomatic construction, or in the hypotheses that underpin its
existence, and transparent necessity in the links and connections that
constitute the intelligible dialectics, as described by Alain Badiou.
2.How NOT to build a moral sustainability.
Sustainability is obviously a good cause but should not be considered
as a matter for propaganda.The best that architecture, I would almost
say that any activity, can contribute to the overall political project,
and greening activities in particular, is a sound basis from which the
public can build a personal opinion, while architecture provides an
additional perspective. This is an extremely important relationship
between the general and particular, between the product and the
1. Transition figures.The ecological celebration of conflict.
The ecological celebration of conflict or a way of questioning from
more flexible positions (gender, minority, etc.) are the determining
factors of sustainability. Speaking of Andrs Jaque at the Venice
Architecture Biennale 2010: Ecology was his lightness, the thin
construction of the complexity of this conflict, a delicacy that wants
to be the deliberate counterpoint to the harsh, to the cruel even, of
the political, social and economic circumstances of the times. A
delicacy opposed to the visual and hegemonic impact of a part of
current architectural production.Next to it, some drawings recounted
this conflict, the first of all, the place where feelings and emotions,
everyday life, the most sacred and the most profane, mature. All in
conflict, all capable of being a socially useful project only if understood
as a celebration.It is an essential difference between our work and the
general political discourse, more and more removed from everything1.
2.Professional work as a vector for change in the exercise of politics.
Discussing how to demand the construction of the political from
professional and teaching aspects is an extraordinary event because
of its novelty, its ambition and potential, and an essential and
determinant task on the agenda on which to work. And it means
talking about two things: of the extreme weakness, and therefore the
practical ineffectiveness, of political discourse, and the importance of
work as an essential factor of social cohesion.
Neither teaching, nor professional activity, nor the work
to be carried out in the world of research can be raised, and

16 ARTECONTEXTO DOSSIER
therefore cannot be closed, without making explicit its political
purposes and without evaluating the amount and manner in which
they contribute to generate structures of new social relations,
or generate substantial technical contributions in this regard.
Speaking about key issues such as sustainability, celebratory
transformations of ecological conflicts, the implications of architectural
situations in environmental issues, new forms for a new energy, the
home of our time, teaching commitments, technology and cultures,
etc.etc., is to find a creative way to address them so as to give body
to this projection that makes professional work essentially political.
3. How to give voice to the other
The images of Superstudio that I commented on at the beginning
were from 1970.We are in 2010.Our particular bibliography of urban
work has changed.Along with the classics of the city have appeared
other books with strange titles: Alguien dijo participar?, Pueden
hablar los subalternos?... We seek the production of the city at a
time as powerful as it is fragile, and we may have to accept that part
of our work at this time can only be entities of transition as a way of
representing technical and social conflicts, and as a positiontowards
more advanced and perfect situations.And for this production to be
real, that is, something more than dreams that end up in smoke, we
have to accept that our work is equally based on the dissidence of
the professional and the political, in the same way that it has to be
accepted that the other is not a guest of stone or a mere recipient /
user, but an essential part of the building of that future.On the platform
you are on the same footing, you and him, him and her, she /he, him/
her, her/him.And so on... and who is now reading these notes.
City / Architecture
1.Levelling the architecture or the reduction of the impact.
The subject, the architect questioned. The overlap between the
personal, public, political, media and the transcendent, etc.etc. in the
architects work has never been an easy or trivial matter, neither in the
work of architecture or the projection of that work.I refer to the difficulty
of moving to the world of architecture a category of human activity
that seems to form more part of the text than the attitude and strong
image of the architectural world.I speak of irony.And when I speak of
irony Im talking about an approach to the list of responsibilities that
one imagines are involved in architecture and which determine the
architect as an essential professional. And to become essential but
not central is something which I think is much more than just a change
of attitude in architectural production. It is an effort to escape the
centrality of the profession and the work of the architect who walks the
fine line between the rational and the irrational.It is this ambiguity
which keeps away the incorporation into his work of an overacted ego,
an ego that refers to the power with which the architect is forced, as a
survival extreme, to generate flights forward in which only he himself
can exist. The fragility of a work that comes from putting research
ahead of curiosity, putting the continuous language, like an infinite
following of one another ahead of the event, and the participatory
action ahead of personal sense.
The work thus produced reduces the impact, levels the
architecture makes it background, renouncing it in a, let us
say, feminine, way which makes the idea of horizontal prevail
over the proud erect totem of vertical architecture. It is a path
that art has travelled and which, finally, architecture takes on.
2.Identity.Memory and future.
This is one of the most important issues in contemporary architecture
and requires more precise positioning, for it has to do with architecture
and its ability to produce social cohesion.
The capitals essential controversy between citizenship and
identity has, in the case of architecture as stage, as platform for
that social cohesion, the construction of a process of de-identity
discipline. And there are only two ways of doing it: from irony, as a
form of preparation of a theory on the value of naturalness, of the
non-heroic and the temporary, or through a process of construction of
an identity, not ones own but cumulative; being part of another story,
which already works, being entity and form, superimposing it on the
already existing places and voices.It is the discourse that has to do
with not having or wanting to change, only wanting to ride on what
already exists.The building in the city offers something that has to do
with the already felt, with the place of common sense understood as
a resistance and as a possibility.
3.Architecture as a backdrop
Stretching the work to the idea of the generation of services, as a
counterpoint to the product, is a system that should allow the
incorporation of the concepts of new property, of public benefit in
the private job, whoever the direct beneficiary of the work.Architecture
has been developed as an end in itself, as an entity with a life of
its own, independent. And architecture has developed, since this
independence, a powerful decentralized power which has allowed it
to become an iconic protagonist in the city.In parallel, other demands
have been unfolded.Various social groups, new urban communities,
new professionals, have prioritized architecture as a tool, one more
but perhaps the most powerful and obvious, to build the city. But
this status as one more tool has allowed it to deploy its results as
something closer to the idea of service than to the idea of product.It
is this claim of architecture as a tool, as a service, as a backdrop and
not as a protagonist, which builds a new city and a new agenda for the
city, and which can provide the essential links on which to build the
ecology of the city in an advanced and creative way.
* Jos M. Torres Nadal is an architect and Professor
of Projects at the Architecture School of Alicante.
1.- See: www.torresnadal.com / blog
DOSSIER ARTECONTEXTO 17
Martin Rajni (e-mrak) y Zlat rez Natural Architecture.
Pabelln de las Repblicas Checa y Eslovaca en la XII Bienal de Arquitectura de Venecia.
Foto: Pedro Medina XXXXXXX
 Esttica y sostenibilidad para una cultura del proyecto
Notas sobre la XII Bienal de Arquitectura de Venecia
Kazuyo Sejima, fascinante arquitecta capaz de imaginar las ms
fabulosas formas y directora de la XII Bienal de Arquitectura, anunci
para Venecia cierto foro: People meet in architecture. Sin embargo, lo
social supuesto en el ttulo no responde a un anlisis profundo de
los urgentes retos a los que se enfrenta la arquitectura, sino ms bien
al deseo de mostrar la emocin de la arquitectura. Adems, Sejima
eligi un tema y a quin deba interpretarlo, confiando tambin en laboratorio de desarrollo urbano sostenible donde sobresale la fuerza
cada autor como comisario de su propio espacio, lo que difcilmente
puede propiciar un relato continuo o un mensaje unitario.
En estas obras se encuentra la gente, pero no se estudia la
emergencia de sensibilidades colectivas y de nuevos valores sociales
que, en dilogo con las incesantes transformaciones tecnolgicas,
nos sitan de forma diferente en nuestro mundo. Como afirma Odile
Decq: Social significa ayudar a las personas a vivir, no solamente
a encontrarse, porque nos hallamos en una poca de massive
changes, como reza el libro de Bruce Mau. La globalizacin y los
nuevos desastres marcan la Historia, lo que conlleva otras formas de
actuar y, por tanto, de proyectar lo que nos rodea. Mau nos invita as
a cambiar el mundo, lo que supone crear otro paradigma. Y es ahora
cuando esa nostalgia de un habitar armonioso se vuelve a manifestar,
entendindose el vivir moderno como proyecto que domine el
devenir.
De esta manera, la cultura del proyecto debera atreverse
a imaginar ntegramente el mundo, demostrando la ambicin de
convertirse en sistema de pensamiento y abordando cuestiones como
Pedro Medina*
la sostenibilidad, a pesar de aparecer como algo secundario en los
fabulosos espacios de Sejima y en otras iniciativas que la olvidan o
dan por supuesta.
En cambio, dentro de las propuestas nacionales se muestran
varios proyectos donde una investigacin seria ofrece soluciones
concretas, como es el caso del Pabelln de Dinamarca, un gran
de la pregunta como inicio de cada proyecto.
Y puestos a realizar un elenco de intereses sostenibles, destaca
Terreform o Guy Nordenson y Catherine Seavitt en Estados Unidos;
el montaje 3D de proyectos para 2050 en Australia; discretas apor-
taciones por parte de Malasia y Ruanda; proyectos multidisciplinares
como los presentes en Culture_Nature o en The Garden and Beyond:
A Global Garden; u otros paralelos como el modelo de ciudad
sostenible basado en el hidrgeno creado por Enric Ruiz-Geli y su
estudio Cloud 9, que completa con un caso prctico las discusiones
tenidas en Beyond Entropy: When Energy Becomes Form, un debate
sobre nuevos modos de pensar la energa.
Es explcita entonces una gramtica comn en torno a lo verde,
sostenible, respetuoso en todos los mbitos de vida. Un fenmeno
tambin vigente en el Pabelln espaol que, si bien muestra los
proyectos de casas solares de Solar Decathlon Europe 2010,
avergenza en su lamentable montaje y en su evidente improvisacin,
lo cual llev a que no apareciera en ninguna gua y a que su espacio
en el catlogo aparezca en blanco.
DOSSIER ARTECONTEXTO 19
STUDIO ANDREA BRANZI La citt reale, 2010. Coleccin Marc Benda, Nueva York. Foto: Pedro Medina
Al mismo tiempo, hay diversas reformulaciones o acercamientos
a la naturaleza como las extensiones de madera que unen los
Giardini y el interior del Pabelln de Chequia y Eslovaquia, o el frgil e
hilozosta bosque de Canad donde la naturaleza artificial interacta
con el visitante. Expositivamente, son tambin llamativas la sutil y
sorprendente puesta en escena de Holanda, donde el vaco da paso a
un paisaje de tipologas, o la propuesta de Rumana, que reproduce los
94,4 m2 que corresponden a un habitante en Bucarest, estableciendo
una relacin entre densidad demogrfica y espacio vital.
Es en el mbito expositivo donde hay que reconocerle a Sejima
su capacidad para crear emociones y en su propuesta nos lega un
conjunto de obras que exaltan la potica de la arquitectura. La que
sirve de manifiesto personal es la realizada con Win Wenders, If
Buildings Could Talk, donde se puede experimentar la atraccin de
recorrer el Rolex Learning Center. El dinamismo fragmentado de este
espectacular espacio de luces y curvas resume esa comunin ideal de
arquitectura y personas en un edn del siglo XXI.
Adems, muchas de las obras seleccionadas parecen sentir la
fascinacin de la inmaterialidad y la sensorialidad del espacio, como
es evidente en Cloudscapes de Transsolar KlimaEngineering & Tetsuo
20 ARTECONTEXTO DOSSIER
Kondo o en Your Split Second House de Olafur Eliasson, que dan
forma a los sueos en medio de una gran nube artificial o reflejan el
espacio entre dos segundos. Sin olvidar el premiado Architecture
as Air de junya.ishigami+associates, que reproduce la estructura de
un edificio con hilos, construyendo lbiles contornos inmersos en un
cuidadoso y largo proceso de elaboracin.
Igualmente destacan obras como Balancing Act de Ensemble
Studio y Antn Garca-Abril, un ejercicio de equilibrio donde dos
lneas estructurales se mantienen dentro de las antiguas Corderie. Una
levedad dignamente acompaada por los tambin espaoles Andrs
Jaque, con su celebrado Fray Foam House, el Palacio del cerezo en
flor de AMID.cero9 y el Vacuum pack-ing (in room 25) de SelgasCano.
Sin olvidar los homenajes a Rem Koolhaas, que se recicla a s mismo
como pensador de la preservacin, pero, sobre todo, como pensador
capaz de edificar sus visiones; y a Kazuo Shinohara, con el que se
reconoce el valor simblico del espacio que toda una generacin de
arquitectos japoneses ha sabido erigir.
Pero, puestos a hacer balance, podemos ver la metaobra de Hans
Ulrich Obrist sobre los propios protagonistas de la Bienal o acudir a
los breves momentos en los que la teora aflora, gracias a arquitectos-
ANTN GARCA-ABRIL y ENSEMBLE STUDIO Balancing Act, 2010. Foto: Pedro Medina
pensadores como Andrea Branzi, quien plantea varios proyectos
que oscilan desde un modelo terico de parque agrcola integrado
al post-ambientalismo y que son, en suma, ejercicios mentales que
nos incitan a reflexionar sobre cules son las premisas sobre las que
debemos fundar nuestro futuro, ya que una arquitectura, antes de ser
construida, debe ser imaginada.
Pero quizs haya que replantearlo todo no en secciones parciales
donde lo sostenible o lo econmico se impongan, sino dentro de un
concepto ms holstico. Aldo Cibic nos invita a Repensar la felicidad,
con una serie de proyectos-reflexiones donde asoma lo utpico, como
si los radicales italianos estuvieran an presentes. Aqu se concibe un
acercamiento distinto al proceso de elaboracin del proyecto, una vez
que la crisis actual ha desvelado un modelo de desarrollo insostenible.
Krisis, etimolgicamente remite a una separacin, lo que implica la
invalidez de un paradigma. Y esto nos lleva a una premisa fundamental:
no hay respuestas directas, sino que es necesario activar dinmicas
sociales y econmicas, siendo el mismo proceso lo fundamental.
Llegados a este punto podramos preguntarnos por la posibilidad
de unas estticas de la sostenibilidad. Recordemos cmo para
Kant la categora de lo bello supone una relacin armoniosa con la
naturaleza, sin embargo, dentro de las dialcticas actuales sobre el
paisaje suele pervivir con ms frecuencia lo sublime o monumental,
asumido dentro de un giro nostlgico hacia una naturaleza pura.
Seremos contempladores romnticos metidos a productores
tecnolgicos que buscan reconciliarse con la naturaleza mientras
crean ms vertederos?, como se preguntaba Molinuevo.
Al respecto, Ezio Manzini s que cree que se puede hablar de
unas poticas de la sostenibilidad como necesario mecanismo de
comunicacin y concienciacin, orientado hacia una conciliacin con
la diversidad coherente con una globalizacin llena de particularidades
locales.
Sejima reivindica la embriagadora suma de puntos de vista y
la realidad nos pide medidas concretas que respondan a urgencias
vitales. No se trata entonces de desterrar toda poesa arquitectnica,
sino de contagiar el sueo con una responsabilidad cosmopolita,
proyectando as para situarnos en el territorio con un fin: crear un
mundo todava habitable.
*Pedro Medina es crtico de arte, comisario y profesor
en el Istituto Europeo di Design (Madrid)
DOSSIER ARTECONTEXTO 21
 Vacant NL, where architecture meets ideas. Netherlands Pavilion. 12th Venice Architecture Biennial.
Curators: Rietveld Landscape. Photo: Pedro Medina
22 ARTECONTEXTO DOSSIER
 Aesthetics and Sustainability for a Project Culture
Notes on the 12th Venice Architecture Biennial
Kazuyo Sejima, a fascinating architect, capable of imagining the
most fabulous forms and director of the 12th Architecture Biennial,
announced a certain forum, for Venice: People Meet in Architecture.
However, the social aspect implied by the title does not respond to
a deep analysis of the urgent challenges with which architecture is
confronted, but rather to the wish to display the emotion of architecture.
In addition, Sejima chose a theme and those who should interpret it,
trusting in each artist as curator of his own space, which is unlikely to
favour a continuous account or a unitary message.
People are encountered in these works, but what is not studied is
the emergence of collective sensitivities and of new social values which,
in dialogue with incessant technological transformations, position us
in a different way in our world. As Odile Decq stated: Social means
helping people to live, not just to be, because we find ourselves in
a period of massive changes, as reads the book by Bruce Mau.
Globalization and new disasters mark history, which involves new
ways of acting and, therefore, of planning what surrounds us. This
is how Mau invites us to change the world, which means creating
another paradigm. And it is now that this nostalgia for a harmonious
way of living manifests itself again, understanding modern living as a
project which dominates the process of development.
In this way, the culture of the project must undertake to imagine
the entire world, demonstrating the ambition to convert it into a
system of thinking and tackling questions like sustainability, in spite of
appearing as something secondary in Sejimas fabulous spaces and in
other initiatives which forget it or take it for granted.
Pedro Medina*
Instead, among the national proposals various projects are
shown in which a serious investigation offers concrete solutions, such
as the case of the Denmark Pavilion, a great laboratory of sustainable
urban development where the force of the question stands out at the
beginning of every project.
And, if we are going to compile a list of sustainable interests,
noteworthy is Terreform or Guy Nordenson and Catherine Seavitt in
the United States; the 3D montage of projects for 2050 in Australia;
modest contributions by Malaysia and Rwanda; multidisciplinary
projects like those in Culture_Nature or in The Garden and Beyond: A
Global Garden; and other parallels like the model of a sustainable city
based on hydrogen created by Enric Ruiz-Geli and his studio Cloud
9, which finishes with a specific case, the discussions held in Beyond
Entropy: When Energy Becomes Form, a debate on new ways of
thinking about energy.
So, there must be an explicit common grammar about what is
green, sustainable, and respectful in all areas of life. A phenomenon
also in force in the Spanish Pavilion which, although it displays the
projects for solar houses by Solar Decathlon Europe 2010, is put to
shame with its regrettable assembly and its obvious improvisatin,
which has led to it not appearing in any guide and its space in the
catalogue remaining blank.
At the same time, there are various reformulations and
approaches to nature, such as the wooden extensions which unite
the Giardini (Garden) and the interior of the Pavilion of the Czech
Republic and Slovakia, or the fragile and hylozoist forest of Canada
DOSSIER ARTECONTEXTO 23
Vacant NL, where architecture meets ideas. Netherlands Pavilion. 12th Venice Architecture Biennial. Curators: Rietveld Landscape. Photo: Pedro Medina
ALDO CIBIC explaining his project
Rethinking happiness: new realities for changing lifestyles,
at the 12th Venice Architecture Biennial. Photo: Pedro Medina
24 ARTECONTEXTO DOSSIER
where artificial nature interacts with the visitor. From the exhibition viewpoint, it is
worth noting the subtle and surprising staging of Holland, where emptiness gives
way to a landscape of typologies, or the proposal of Romania, which reproduces the
94.4 sq.m. corresponding to a resident of Bucharest, establishing a relation between
demographic density and vital space.
It is in the exhibition sphere where one has to recognize Sejimas ability to create
emotions, and in her proposal she bequeaths us a group of works which intensify the
poetics of architecture. The work which acts as a personal manifesto is that carried out
with Win Wenders, If Buildings Could Talk, where one can experience the attraction
of going through the Rolex Learning Center. The fragmented dynamism of this
spectacular space of light and curves sums up that ideal communion of architecture
and people in a 21st century paradise.
Moreover, many of the selected works seem to sense the fascination of
immateriality and the sensoriality of space, as is evident in Cloudscapes by Transsolar
KlimaEngineering & Tetsuo Kondo or in Your Split Second House by Olafur Eliasson,
which gives shape to dreams in the middle of a great artificial cloud or reflects the
space between two seconds. Not to be forgotten is the prizewinning Architecture
as Air by junya.ishigami+associates, which reproduces the structure of a building
with threads, constructing fragile outlines immersed in a long and careful production
process.
Equally outstanding are works like Balancing Act by Ensemble Studio and Antn
Garca-Abril, an exercise in balance where two structural lines are maintained in the
old Corderie. A lightness fittingly accompanied by the also Spanish Andrs Jaque, with
his celebrated Fray Foam House, the Palacio del cerezo en flor by AMID.cero9 and
WIM WENDERS If Buildings Could Talk , 2010. 3D video-installation filmed at the Rolex Learning Centre of the Ecole Polytechnique Federale de Lausanne.
Produced by Neue Road Movies (Berlin). Post-production by Cinepostproduction (Munich), with the collaboration of Rolex. Neue Road Movies 2010
the Vacuum pack-ing (in room 25) by SelgasCano; and not forgetting
the tributes to Rem Koolhaas, who recycles himself as a thinker of
preservation, but above all, as a thinker capable of building his visions;
and Kazuo Shinohara, with whom one recognizes the symbolic value
of space which a whole generation of Japanese architects has known
how to establish.
But, to take stock, we can see the metawork of Hans Ulrich
Obrist about the protagonists of the Biennial themselves, or go to
the brief moments in which theory emerges, thanks to architect-
thinkers like Andrea Branzi, who poses various projects that swing
from a theoretical model of an integrated agricultural park to post
environmentalism, and which are, in short, mental exercises
which urge us to reflect on what are the premises on which we
must found our future, for an architecture, before being built, must
be imagined.
But perhaps everything should be reconsidered, not in partial
sections where the sustainable and economics are imposed, but
within a more holistic concept. Aldo Cibic invites us to Repensar la
felicidad [Rethink Happiness], with a series of projects-reflections in
which the Utopic appears, as if the Italian radicals were still present.
Here an approach which is different from the drawing-up of a project
is conceived, once the current crisis has revealed an unsustainable
development model. Krisis etymologically refers to a separation,
which implies the invalidity of a paradigm. And this takes us to a
basic premise: there are no direct responses, but rather it is necessary
to activate social and economic dynamics, being fundamental the
process itself.
Having reached this point we could ask ourselves about the
possibility of some aesthetics of sustainability. Let us remember
how, for Kant, the category of beautiful is a harmonious relation with
nature. However, within current dialectics the sublime or monumental
more frequently survives over the landscape, adopted in a nostalgic
turn towards a pure nature. Will we be romantic beholders involved in
technological production who seek to reconcile ourselves with nature
while we create more rubbish tips, as Molinuevo wondered?
On this matter, Ezio Manzini believes that one can speak of a
poetics of sustainability as a necessary communication and awareness
mechanism, aimed towards conciliation with diversity and coherent
with a globalization full of local features.
Sejima claims responsibility for the intoxicating summary of
points of view and reality asks for specific measures which respond to
vital emergencies. This, then, is not about dismissing all architectural
poetry, but about infecting the dream with a cosmopolitan responsibility,
planning thus to position ourselves in the territory with one aim: to
create a world which is still habitable.
*Pedro Medina is an art critic, curator and a professor
at the Istituto Europeo di Design (Madrid)
DOSSIER ARTECONTEXTO 25
Proyecto de estrategias de mejoras medioambientales de espacios pblicos en Madrid, 2007

26 ARTECONTEXTO DOSSIER

La ciudad es un organismo complejo compuesto por una multitud de
capas, vnculos e interacciones cruzadas entre todos los elementos
que la conforman; y el espacio pblico es donde la mayora de esas
interacciones y fenmenos aleatorios tienen lugar, por lo tanto su
diseo es responsable de aumentar o impedir el desarrollo de estas
actividades.
Entendemos que el espacio pblico debe ser un medio abierto a
la gente, un lugar de encuentro para todos en el que la participacin
de cada individuo que lo ocupa lo va definiendo y caracterizando. Por
otra parte, en la actualidad el lugar donde con ms xito se estn
experimentando modelos de creacin colectiva y auto-organizacin
es sin duda Internet. La Red ha potenciado las identidades sociales y
los intereses colectivos de la gente, convirtindolos en una fuerza con
importante influencia en el mbito urbano. Por el contrario, el espacio
urbano est cada vez ms controlado y dirigido por el exceso de normas
y restricciones, haciendo que su uso sea progresivamente menos
espontneo y creativo. Hagamos pues la siguiente pregunta: puede
un espacio fsico emular las condiciones que propician el intercambio
y la interaccin que se produce entre los usuarios de la Red? Internet
permite y potencia la interaccin entre las personas, mientras que el
diseo de muchos espacios fsicos la anula. Se trata de encontrar un
espacio hbrido en el cual estas relaciones sean posibles y deseadas.
Durante dcadas las ciudades han sido concebidas y
construidas principalmente desde el punto de vista fsico (geometra,
infraestructuras, edificios, tecnologas, materiales...). Esta percepcin
Diseo social urbano
ECOSISTEMA URBANO*
dominante nos ha llevado a creer que la realidad y sus procesos
estn constituidos por situaciones definitivas y cerradas en lugar de
por relaciones, patrones y redes significantes. Debido a este tipo de
percepcin los valores y la dimensin social han sido expulsados.
En este sentido definimos el concepto de diseo urbano social, que
entendemos como el diseo de ambientes, espacios y dinmicas cuyo
fin es mejorar las relaciones sociales, como generador de condiciones
para la interaccin y la auto-organizacin entre las personas y su
medio ambiente. Es necesario entender la construccin de la ciudad
desde los espacios pblicos que la configuran y pensar en ellos en
calidad de procesos abiertos a multitud de oportunidades de uso y
como catalizadores de actividades humanas.
A partir de nuestros trabajos sobre el espacio pblico hemos
detectado cuatro escenarios principales sobre los que queremos
seguir investigando: procesos de regeneracin urbana, procesos de
mediacin urbana, procesos de innovacin urbana y procesos de
acupuntura urbana. Cada uno de ellos aborda el espacio pblico desde
un punto de visto diferente, a veces a escalas fsicas y temporales
diversas, y siempre con el objetivo de mejorar los espacios en los
cuales se desarrollan los encuentros entre las personas y ampliar las
posibilidades de interaccin entre ellas. Cmo podemos, utilizando
el diseo, la participacin, la regeneracin y la comunicacin mejorar/
aumentar/ multiplicar/ promover la interaccin, la creatividad y la
dinmica de auto-organizacin entre las personas?
DOSSIER ARTECONTEXTO 27
El espacio pblico es el centro de los procesos de regeneracin
urbana, aunque no se le confiera esta importancia a la hora de
planificar la ciudad. Estos procesos suelen ser costosos, largos y
complejos, por lo cual los ciudadanos pueden tardar aos en percibir
cambios significativos. Entre la decisin poltica, la planificacin
tcnica y los primeros proyectos ejecutados pueden pasar aos. Por
ese motivo es necesario acompaar estos planes de intervenciones
estratgicas, no necesariamente asociadas a presupuestos elevados,
que sean capaces de plantar semillas del cambio futuro que se
promete al ciudadano, en colaboracin con los agentes activos
locales. Pequeos proyectos que transmitan emocin y capacidad de
implicacin para el usuario. Acciones que a su vez guen el proceso,
lo enriquezcan y multipliquen sus posibilidades de xito.
En un proceso de larga duracin se deben poder realizar
determinadas actuaciones que anticipen los beneficios futuros, que
permitan experimentar posibles soluciones y confrontar determinadas
decisiones con situaciones reales. Estas acciones son de coste
muy bajo, permiten plantear opciones varias, incluso equivocarse
en determinadas cuestiones y as evitar algunos errores, de cara
al diseo final del plan de regeneracin urbana, que podran tener
consecuencias econmicas y sociales irreversibles. La herramienta
what if cities1 que hemos lanzado en 2010 es un espacio digital de
dialogo sobre propuestas e ideas para mejorar las ciudades en las
cuales se pone en marcha. A travs de varios pasos sencillos en
una web de acceso pblico, el ciudadano hace su aportacin en
140 caracteres y localiza en un mapa su propuesta. En la misma
herramienta se pueden visualizar las diferentes aportaciones para
conseguir sacar datos de las ideas de los ciudadanos sobre su propia
ciudad. Es un formato que pretende atraer a un pblico que no siempre
tiene tiempo u oportunidad de intervenir en procesos de participacin
ciudadana, que est en las principales redes sociales, y que gracias a
esta herramienta tiene la oportunidad de construir de forma colectiva
el imaginario ciudadano.
A partir de estas aportaciones se pretende, en una segunda
fase, desarrollar prototipos de ideas a escala real para poner a
prueba el espacio y decidir colectivamente si algunas son vlidas
para el proyecto de regeneracin urbana en el cual se inscriben.
Se persigue producir un efecto de topofilia2 entre los ciudadanos,
poner en marcha experiencias compartidas, validando entre todos las
propuestas aportadas, tanto a travs de la va de la plataforma como
de la va de los expertos, para conseguir abordar la planificacin
urbana a una escala ms humana.
En cuanto a los procesos de mediacin urbana, los concebimos
como la provocacin de determinadas situaciones en el espacio
pblico que son capaces de mejorar el espacio desde un problema
detectado o una necesidad sealada. El conflicto (positivo) es la
esencia de la convivencia en las ciudades; el contacto con los vecinos
en el ascensor, la plaza del barrio, la cola en el cine, este encuentro
no deseado es lo que hace que dos personas entren en contacto
sin que tengan una experiencia comn previa. Crear situaciones que
28 ARTECONTEXTO DOSSIER
provoquen este momento de cercana y lo amplifiquen es lo que
denominamos mediacin urbana. Estos procesos pueden intentar
resolver conflictos (negativos) espaciales aportando semillas de
propuestas, o favorecer las condiciones idneas para entablar un
dialogo constructivo o, simplemente, crear situaciones de nuevos
encuentros forzados con el objetivo de acercar a nuevos ciudadanos
al espacio de lo pblico y ver lo que pasa. Entendemos que es
importante incluir en estos procesos imgenes fuertes y sugestivas
que sean capaces de provocar reacciones positivas y negativas entre
los diferentes actores, de forma que generen este espacio de dialogo
mediante la construccin de este proyecto. Ms tarde este proyecto
se tiene que llevar a cabo en una escala abordable para demostrar
su pertinencia o probar su coherencia y aceptacin, tanto entre los
vecinos como entre los diferentes actores implicados. Pasar de la
idea a la realidad, aunque sea de una forma muy reducida, permite
seguir hablando sobre algo real. En el proyecto de La Noche de los
Nios3, realizado en Madrid en septiembre de 2010, abordamos la
ciudad como campo de juego, desde la adaptacin de la ciudad a los
nios y no a la inversa. Es necesario reconquistar el espacio pblico
a travs de quienes hacen un uso ms desprejuiciado y libre de l, no
adscrito a reglas y patrones preestablecidos: los nios. Slo a travs
de esa mirada infantil seremos capaces de redescubrir la ciudad y
transformarla de manera estructural y no meramente esttica. La
Noche de los Nios, dentro de la Noche en Blanco, ha sido el evento
de presentacin de un nuevo espacio compartido de Madrid, en el
cual los padres pudieron llevar a sus pequeos para intercambiar
un juguete usado por otro y, de paso, disfrutar de una instalacin
pensada slo para ellos.
Se ha puesto en marcha una pgina web que da continuidad, ms
all de la Noche en Blanco, al proceso de intercambio de juguetes. La
pgina permitir a los nios crear grupos de juego y ofrecer a sus
padres nuevas oportunidades para mejorar sus relaciones sociales.
Los enlaces iniciales entre los nios se generan a travs del acto
de intercambio de juguetes, posteriormente en la web es posible
establecer vnculos y seguir compartiendo experiencias. Esta dinmica
crea nuevas conexiones entre nios y padres que, en algunos casos,
supondr una oportunidad para ganar nuevos compaeros de juego
o quizs nuevos amigos.
Las ciudades tienen esta dicotoma imposible de resolver:
concentran la mayor densidad de creativos e innovadores entre
sus murallas pero, por otra parte, son incapaces de responder en
tiempo real a las necesidades de sus propios ciudadanos. Siempre
llegan tarde, debido al propio proceso temporal de llevar a cabo un
diseo a la realidad. Por eso se deben crear las herramientas que
permitan poner en marcha espacios especiales en los cuales existan
mecanismos de creacin colectiva y auto-organizacin asociados al
uso del espacio pblico. Existen espacios residuales que aceptan, y
necesitan, estas activaciones creativas para servir de modelos, de
referencias, que conduzcan a reflexiones ms amplias como planes
estratgicos o futuras renovaciones urbanas. Las ciudades creativas
e innovadoras que hayan conseguido resolver esta difcil ecuacin
Proyecto Gran Va Procomn para la exposicin Laboratorio Gran Va de la Fundacin Telefnica. Madrid, 2010
sern capaces de cumplir dos objetivos perseguidos por cualquier
ciudad del mundo: acercarse al bienestar ciudadano y mejorar su
imagen de cara al exterior.
Como proceso de innovacin urbana, hemos desarrollado la
propuesta denominada Gran Va Procomn4. Es un proyecto que
caracteriza la Gran Va como un paisaje cultural identificable con los
innovadores procesos de auto-organizacin e intercambio generados
en Internet. Un paisaje comn y compartido, donde cada ciudadano
pueda replicar las infinitas iniciativas presentes en la red, partiendo
esta vez desde el soporte fsico.
Que pasara si cada usuario de la Gran Va fuera un potencial
activador de procesos y dinmicas de creacin colectiva? Que
pasara si la Gran Va volviese a ser un espacio urbano donde vivir
una experiencia de ciudadana nica? Gran Va Procomn se entiende
desde la interseccin de los conceptos bsicos que activan, por un
lado, el mundo digital de Internet y por otro el espacio fsico que es
la ciudad. A travs del uso de las herramientas digitales existentes
se propone crear una nueva entidad municipal, el sistema operativo
urbano, que tiene por objetivo ofrecer a cualquier ciudadano un
apoyo administrativo para desarrollar cualquier tipo de actividad en
el espacio pblico de la Gran Va. De esta forma se resuelven los
DOSSIER ARTECONTEXTO 29
trmites administrativos. El ciudadano se registra y realiza su actividad
donde quiera y como quiera. A partir de aqu el futuro del proyecto
depender de si ha tenido aceptacin entre el pblico y ha conseguido
seguidores para poder repetir. Al mismo tiempo, ciudadanos que se
registran de forma voluntaria en el sistema recibirn informacin en
tiempo real sobre todas las actividades que tienen lugar y sobre los
dems ciudadanos que se han registrado. Se les invitar a contactar
con personas o actividades que puedan ser de su inters y, a su vez,
participar en un proyecto en el cual se quieran implicar. De esta forma
facilitamos los intercambios y dinamizamos un espacio central de la
ciudad con muy pocos recursos.
Hemos vivido un tiempo de opulencia arquitectnica en el que prim
la sofisticacin formal y material, en el que la aplicacin de una cierta
economa de medios no era demasiado frecuente. La labor de los
gestores urbanos debera consistir en el establecimiento de prioridades
encaminadas a conseguir ms con menos, un efecto mximo con
una intervencin mnima, que tiene mucho de sostenible y poco de
minimalista. Los planes urbansticos que dictan el crecimiento de
nuestras ciudades siguen un modelo empobrecido de ensanche, que
tiene ya 150 aos. Este modelo se ha repetido sistemticamente por
toda la geografa espaola superponindose a distintas realidades
geogrficas, fsicas, climticas y ambientales, configurando periferias
muertas, ciudades dormitorio carentes de complejidad y diversidad.
En estas no-ciudades se ha planificado el espacio pblico sin rasgos
de identidad, que aparece como un campo estril de actividad y sin
las condiciones mnimas para el desarrollo de la necesaria vida social
que constituye ciudad. Las ciudades requieren de intervenciones
acertadas, no necesariamente costosas, de aplicacin inmediata con
recursos limitados y que sean capaces de conseguir grandes logros.
Acciones fsicas que no dependen de grandes planes urbanos sino
30 ARTECONTEXTO DOSSIER
que responden a necesidades reales de los ciudadanos. Es lo que
hemos denominado procesos de acupuntura urbana. Como tal
hemos realizado el estudio Estrategias para la mejora bioclimtica
del espacio publico5, que pretende ofrecer un catlogo de espacios
analizados y de soluciones del tipo de las que se pueden aplicar de
forma inmediata, sin grandes recursos. Se definieron cinco estra-
tegias plasmadas en 12 propuestas en espacios pblicos del centro
de Madrid. Cada una se poda aplicar en varios espacios con similares
condiciones de partida. UNIFICAR: Frente al espacio fragmentado y
discontinuo, y al exceso de mobiliario disperso, se propone el fomento
de la accesibilidad universal en todo el espacio pblico mediante la
unificacin de los diferentes niveles. CONCENTRAR: Redefinicin
de los elementos urbanos para un uso ms racional del mismo (por
ejemplo, juntar un banco con una farola, una papelera e informacin).
RENATURALIZAR: Frente a la desnaturalizacin del diseo urbano
se propone recuperar elementos ms naturales en la escena urbana,
como la integracin de zonas con agua, sombra y arboledas.
ACONDICIONAR: Utilizacin de elementos y sistemas naturales de
bajo coste de acondicionamiento de espacio pblico para tratar de
hacerlo ms agradable, til, y elevar el grado de confort. ACTIVAR:
Fomento e intensificacin de actividades mediante el diseo de
soportes abiertos capaces de dinamizar el espacio pblico.
Nuestra labor como profesionales consiste en responder a las
necesidades de nuestro principal cliente, la ciudad, usando de todas
las herramientas posibles y en los escenarios ms inesperados.
*Ecosistema Urbano es una agencia que entiende la ciudad como fenmeno
complejo, situndose en un punto intermedio entre arquitectura, ingeniera,
urbanismo y sociologa. Denominan su campo de inters como sostenibilidad
urbana creativa, desde ah asumen una postura de reaccin frente a la
situacin actual a travs de la innovacin, la
creatividad y, sobre todo, la accin.
Notas
1.- Alicante.whatifcities.com desarrollado para el
espacio CAMON de Alicante.
2.- Amor por los lugares.
3.- lanochedelosninos.org (proyecto desarrollado
para La Noche en Blanco, Madrid)
4.- Proyecto desarrollado para la exposicin
Laboratorio Gran Va de la Fundacin Telefnica.
5.- Estudio realizado para la Oficina Municipal de
Centro, Madrid.
Proyecto de mobiliario urbano para el Pabelln de la ciudad
de Madrid en la Expo Shanghai 2010. Foto: Emilio P. Doitzua

The city is a complex organism made up of multitude of layers,
connections and crossed interactions between all the elements that
shape it; and the public space is where the majority of those interactions
and random phenomena take place; therefore its design is responsible
for increasing or impeding the carrying out of these activities.
We understand that the public space should be an environment
which is open to people, a meeting place for all, where the participation
of each individual who occupies it defines and characterises it. On
the other hand, today the place where models of collective and
self-organised creation are being tried out with most success is
without doubt the Internet. The web has encouraged the social
identities and collective interests of people, converting them into
a force with significant influence in the urban sphere. On the other
hand, urban space is increasingly more controlled and directed by
an excess of rules and restrictions, making its use progressively
less spontaneous and creative. Let us ask the following question
then: Can a physical space emulate the conditions that favour the
exchange and interaction that is produced between Internet users
of the Net? The Net permits and promotes interaction between
people, while the design of many physical spaces neutralizes it. It
is a question of finding a hybrid space where relations are possible
and wanted.
For decades cities have been principally conceived and
constructed from the physical viewpoint (geometry, infrastructures,
Urban Social Design
ECOSISTEMA URBANO*
buildings, technologies, materials...). This dominant perception has led
us to believe that reality and its processes are made up of definitive and
closed situations instead of important relations, patterns and networks.
Because of this type of perception values and the social dimension
have been ejected. In this sense we define the concept of social urban
design, which we understand as the design of environments, spaces
and dynamics whose aim is to improve social relations, as generator
of conditions for interaction and self-organization between people and
their environment. It is necessary to understand the construction of
the city from the public spaces that shape it and think of them as
processes open to a multitude of opportunities for use and as catalysts
for human activities.
Starting starting from our work on public spaces we have detected
four main stages where we wish to continue investigating: processes
of urban regeneration, processes of urban mediation, processes of
urban innovation and processes of urban acupuncture. Each one of
these processes tackles the public space from a different viewpoint, at
times on several physical and temporal scales, and always with the aim
of improving the spaces where meetings between people are carried
out and increasing the possibilities of interaction between them. How
can we, using design, participation, regeneration and communication
improve/ increase/ multiply/ promote interaction, creativity and the
dynamics of self-organisation between people?
DOSSIER ARTECONTEXTO 31
Project for environmental improvement strategies in Madrid, 2007
The public space is the centre of the processes of urban
regeneration, although this importance is not conferred on it when
the city is being planned. These processes tend to be costly, long
and complex, and consequently citizens may have to wait years
to see significant changes. Years may elapse between the political
decision, the technical planning and the first projects being carried
out. For this reason it is necessary to accompany these plans with
strategic interventions, not necessarily associated with big budgets,
which are capable of planting the seeds of the future change which
awaits the citizen, in collaboration with local active agents. Small
projects that transmit emotion and involve the user. Actions which
32 ARTECONTEXTO DOSSIER
in their turn guide the process, enrich it and multiply its possibilities
of success.
In a long-term process it should be possible to be able to carry out
certain actions which anticipate future benefits, enable possible solutions
to be tried out and confront certain decisions with real situations. These
actions cost very little, they enable various options to be posed, even
to make mistakes in certain matters and thus avoid errors in the final
design of the urban regeneration plan, which could have irreversible
economic and social consequences. The tool what if cities1 which we
launched in 2010 is a digital space for dialogue on proposals and plans
to improve the cities in which it was set up. Through various simple steps
on a public access web page, the citizen makes his contribution in 140
characters and locates his proposal on a map. With the same tool the
different contributions can be visualised in order to obtain data on the
ideas of citizens concerning their own city. This is a format which wants
to attract a public which does not always have time or the opportunity
to intervene in citizen participation processes, which is on the main
social networks, and which, thanks to this tool, has the opportunity to
collectively construct the city imagery.
From these contributions it is hoped, in a second phase, to
develop scale prototypes of ideas to put the space to the test and
collectively decide whether some are valid for the urban regeneration
project in which they are inscribed. It is hoped to produce a topophilia2
effect among citizens, promoting shared experiences between them
all, validating the contributed proposals, both through the platform
and with experts, to succeed in approaching urban planning on a
more human scale.

With regard to the processes of urban mediation, we conceive them
as the provocation of certain situations in the public space which are
able to improve the space, from a problem detected or a need which
has been identified. Conflict (positive) is the essence of coexistence
in cities; the contact with neighbours in the lift, the neighbourhood
square, the queue at the cinema; this unwanted encounter is what
makes two people have contact without having had any previous
common experience. Creating situations that provoke this moment
of closeness and increase it is what we call urban mediation. These
processes can try to resolve conflicts (negative) concerning space by
contributing the seeds of proposals, or favouring suitable conditions
embarking on a constructive dialogue or, simply, creating new forced
encounter situations, with the aim of bringing new citizens to the Proyecto What if...? cities project, 2010. CAMON Alicante
space of the public and see what happens. We understand that it
is important to include powerful and thought-provoking images that
are capable of provoking positive and negative reactions among the A web page has been launched to lend continuity, beyond the
different actors, in such a way that they generate this space of dialogue Night in White, to the process of toy exchange. The page allows
by means of the construction of this project. Later this project has to children to create play groups and will offer parents new opportunities
be carried out on a manageable scale to demonstrate its relevance to improve their social relationships. The initial link-up between
or prove its coherence and acceptance, both by neighbours and the children is generated through the exchange of toys, afterwards it is
different actors involved. Passing from the idea to reality, even though possible to link up on the Net and continue to share experiences. This
in a much reduced way, allows us to continue talking about something dynamics creates new connections between children and parents
real. In the project for the Noche de los Nios3 [Night of the Children] which, in some cases, will be an opportunity to meet new playmates
carried out in Madrid in September, 2010, we approached the city as or perhaps make new friends.
a playground, from the adaptation of the city to children and not the Cities have this impossible dichotomy to resolve: they
opposite. It is necessary to reconquer the public space through those concentrate the greatest number of creatives and innovators within
who make the most unprejudiced use of it, free of bias, untrammelled their walls but, on the other hand, they are unable to respond in real
by pre-established rules and patterns: children. Only through that time to the needs of their own citizens. They are always late, due to
childs gaze will we be able to rediscover the city and transform it the time necessary to take a design to reality. For this reason tools
structurally and not just aesthetically. The Night of the Children, within should be created which enable special spaces to be set up in which
the Noche en Blanco [Night in White], was the presentation event of collective creation and self-organization mechanisms exist, connected
a new shared space in Madrid, where parents were able to take their to the use of public space. There are residual spaces which accept,
children so they could change one of their used toys for another and, and need, these creative activations to serve as models, references,
at the same time, enjoy an installation intended just for them. which lead to more extensive reflections such as strategic plans or

DOSSIER ARTECONTEXTO 33
future urban renovations. Creative and innovative cities that have
managed to resolve this difficult equation will be able to fulfil two
objectives which are pursued by any city in the world: to move closer
to the citizen and improve its image to the outside world.
As a process of urban innovation, we have developed the proposal
called Gran Va Procomn4. This is a project which characterises
the Gran Va as a cultural landscape identifiable with an innovative
exchange and self-organization processes generated on Internet.
A common and shared landscape where each citizen can reply to
the infinite initiatives present on the Net, starting this time from the
physical support.
What would happen if every Gran Va user were a potential
activator of the collective creation dynamics and processes? What
would happen if the Gran Va became, once again, an urban space
where people could live a unique citizen experience? Gran Va
Procomn can be understood from the intersection of the basic
concepts which activate the digital world of the Internet, on the one
hand, and the physical space which is the city, on the other. Through
the use of existing digital tools it is proposed to create a new municipal
organization, the urban operative system, with the aim of offering
every citizen administrative support to carry out any kind of activity in
the public space of the Gran Va. In this way administrative procedures
would be resolved. The citizen registers and carries out his activity
where and how he wants. From here, the future of the project will
depend on whether it is popular with the public and has won enough
supporters to be repeated. At the same time, citizens who voluntarily
register on the system will receive information in real time about all the
activities taking place and about other citizens who have registered.
They will be invited to make contact with people or activities of possible
interest and, at the same time, take part in any project in which they
want to become involved. In this way we facilitate exchanges and put
new life into a central space of the city with very few resources.
We have experienced a period of architectural opulence in which
formal and material sophistication predominated, and in which the
application of a certain economy of resources was not very frequent.
The work of urban managers should consist of the establishment
of priorities directed towards achieving more with less, maximum
effect with the minimum intervention, which has a lot to do with being
sustainable but little to do with being minimalist. The urban plans that
dictate the growth of our cities follow an impoverished enlargement
model dating back 150 years. This model has been systematically
repeated throughout the whole of Spain, superimposing itself over
the different geographical, physical, climatic and environmental
realities, giving shape to dead peripheries, bedroom cities lacking
any complexity or diversity. In these non-cities public space has been
planned with no traces of identity, and seems like an area bereft of
34 ARTECONTEXTO DOSSIER
activity and without the minimum conditions for the development of
the necessary social life which makes up a city. Cities need the right
interventions, not necessarily costly, able to be applied immediately,
with limited resources and which are capable of great achievements.
Physical actions that do not depend on large urban projects, but
which respond to the real needs of citizens. This is what we have
called urban acupuncture processes. As such we prepared the
study Estrategias para la mejora bioclimtica del espacio publico5
[Strategies for the Bioclimatic Improvement of the Public Space],
which tries to offer a catalogue of analysed spaces and the types of
solutions that can be applied immediately, without great resources.
Five strategies were defined, embodied in 12 proposals for public
spaces in the centre of Madrid. Each one could be applied to various
spaces with similar characteristics. UNITE: Faced with fragmented
and discontinuous space, and the excess of dispersed real estate,
the promotion of universal accessibility in all public space was
proposed, through the unification of different levels. CONCENTRATE:
Redefinition of urban elements for their more rational use (for example,
put together a bench and a street lamp, a litter bin beside a source
of information). RENATURALIZE: In face of the denaturalisation of
urban design it was proposed to bring more natural elements to the
urban scene, such as the integration of zones with water, shade and
trees. PREPARE: Use of low-cost natural elements and systems in
the preparation of public space in order to make it more agreeable
and useful, and to raise the level of comfort. ACTIVATE: Promotion
and intensification of activities by means of open supports capable
of energising public space.
Our work as professionals consists of responding to the needs
of our principal client, the city, using all the tools possible and in the
most unexpected places.
* Ecosistema Urbano is an agency which understands the city as a
complex phenomenon, and positions itself at an intermediate point between
architecture, engineering, urbanism and sociology. They refer to their field of
interest as creative urban sustainability, and from there assume a position
of reaction in face of the current situation, through innovation, creativity and,
above all, action.
NOTES
1.- Alicante.whatifcities.com developed for the CAMON space of Alicante.
2.- Love of places.
3.- lanochedelosninos.org/ (Project carried out for the Noche en Blanco, Madrid)
4.- Project carried out for the exhibition Laboratorio Gran Va of the Fundacin
Telefnica.
5.- Study carried out for the Oficina Municipal de Centro, Madrid.
Project for environmental improvement strategies in public spaces in Madrid, 2007

DOSSIER ARTECONTEXTO 35
Contenedores. Benicssim 2010, Cortesa: Santiago Cirugeda
 SANTIAGO CIRUGEDA / Recetas Urbanas
La eficacia de las microintervenciones
Frente a los macroproyectos urbansticos y la arquitectura de las
grandes firmas, frente a la planificacin mercantilista de la ciudad
gestada a espaldas de las necesidades reales de la inmensa mayora de
los ciudadanos, frente a las intervenciones espectaculares y la aficin
de los polticos por construir iconos identificables, caracterizadores y
megalmanos como marchamo de pedigr urbano, surgen formas de
entender y hacer ciudad a otra escala.
Desde hace catorce aos Santiago Cirugeda est empeado en
impulsar microactuaciones, ideando, proponiendo y llevando a cabo
soluciones concretas a problemas concretos. Si en las dcadas de
los 60 y 70 del pasado siglo colectivos como Archigram, Superstudio
o Archizoom desarrollaron propuestas tericas sobre nuevas formas
de diseo urbano que buscaban propiciar cambios en la organizacin
social, y que a menudo contenan mucho de utopa, el arquitecto
sevillano se gua por un radical pragmatismo. Las utopas, parece
afirmar, estn bien pero, mientras tanto, mejor actuemos; est
convencido de que en las sociedades desarrolladas los ciudadanos
se han acomodado, a la espera de que sean siempre el Estado y a
las administraciones pblicas quienes aporten soluciones, de modo
que eluden su responsabilidad y su capacidad para intervenir y
transformar. Cirugeda cuestiona el papel del arquitecto como eslabn
de un engranaje diseado para perpetuar un modelo de arquitectura
y de ciudad que estrictamente obedece a las reglas y a los intereses
del mercado. Como no es un iluso sabe de la imposibilidad de lograr
grandes y radicales cambios, por ello elige comportarse como un
microorganismo que busca, junto a otros microorganismos, activar
pequeas soluciones tras crear las condiciones que las hagan
posibles.
Ya a finales de los aos 90 atrajo la atencin de los medios de
comunicacin con intervenciones como aprovechar contenedores
de residuos procedentes de obras para darles utilidades diversas,
como instalar plataformas con columpios para que jugasen los cros,
ALICIA MURRA*
convertirlas en jardineras e, incluso, colocar un modesto tablao
flamenco; o por ejemplo, ocupar mediante ligeras construcciones
de madera las copas de los rboles de una plaza que iban a ser
talados. La mayora de estas ideas slo podan llevarse a cabo con la
complicidad, y la colaboracin, de los vecinos de la zona, quienes se
sentan comprometidos con estas actuaciones y se responsabilizaban
de su mantenimiento Incluso aunque fuesen realidades efmeras.
Otro de sus ms exitosos proyectos, cuando an no haba
acabado los estudios de arquitectura, fue ampliar una vivienda unos
cuantos metros construyendo una extensin, especie de ampolla, que
sobresala en la fachada del edificio. Era la ampliacin de su propia
vivienda. Esta actividad parasitadora a travs de intervenciones ms
o menos ligeras se ha ido sucediendo a lo largo de estos aos y es
ya uno de los rasgos definidores de su trabajo y, casi se podra decir,
de su actitud. A comienzos de la dcada de 2000, Cirugeda ocupa
solares en Sevilla, en la calle del Barco, como estudio y espacio de
recreo, o en Madrid, en la calle Olivar del barrio de Lavapis, donde
se instal durante seis meses en 2003 el popular centro cultural y
social autogestionado El Laboratorio, que ha conocido diferentes
ubicaciones a lo largo de estos aos
Cirugeda sabe que toda normativa, en este caso urbanstica,
tiene sus lagunas y, efectivamente, en ninguna parte se deca que
lo que l haba hecho no se pudiese hacer. Conocer a fondo la
legalidad para trabajar en su filo o para saltrsela a la bsqueda
de nuevas soluciones, sta es su forma de proceder. Siempre he
credo seala que el conocimiento de los soportes normativos
que regulan la actividad urbana y definen los derechos y deberes de
los ciudadanos era fundamental para poder desarrollar y evaluar las
intervenciones urbanas. Apunta, adems, que el desconocimiento
de esas normativas no slo afecta al ciudadano sino tambin y, con
mucha frecuencia, al arquitecto, adems de que son susceptibles de
las interpretaciones ms subjetivas. Ms all de ese esfuerzo por
DOSSIER ARTECONTEXTO 37
estar al corriente de estos mecanismos legales, la experiencia obtenida
con el uso de los mismos me ha demostrado que la mayora estn
sometidos a la arbitrariedad de tcnicos que interpretan de manera
particular o partidista el desarrollo y cumplimiento de las ordenanzas
o legislaciones.
Quien le conozca personalmente entender esa especie
de facilidad para llevar a cabo proyectos que a cualquier otro le
pareceran imposibles. Con un aspecto que le acerca ms al prototipo
de un boxeador que al de un arquitecto, Cirugeda es un hiperactivo
cuya energa es contaminante, y posee un sentido del humor que
forma parte de esa fuerza con la que mueve lo que parece inamovible.
Junto a estas caractersticas, el arquitecto sevillano ha desplegado
una especial habilidad para atraer la atencin de los medios de
comunicacin, como ya hemos sealado, a la bsqueda de un altavoz
para sus ideas y, a la vez, para conseguir que la gente vea como
posibles unas actitudes y unas formas de proceder cargadas de
insumisin, una insumisin que le define y que busca contagiar. Del
mismo modo se ha servido con inteligencia de lo se puede denominar
mbito del arte; ya que en la actualidad el concepto de prctica
artstica da cabida a expresiones y formalizaciones que unas cuantas
dcadas atrs hubiesen sido inimaginables incluso para los expertos
en la materia. As, Cirugeda ha sido desde comienzos de esta primera
dcada del siglo XXI un nombre ampliamente conocido en los circuitos
del arte nacionales e internacionales, participando en encuentros,
seminarios, exposiciones, obteniendo becas y premios y rebasando,
en fin, los mrgenes cannicos del mundo de la arquitectura. Incluso
fue seleccionado para participar en la seccin oficial de la Bienal de
Arte de Venecia de 2003, un asunto del que no sali nada satisfecho.
Lo que queran los comisarios era exponer unos dibujitos de las
intervenciones que habamos llevado a cabo comentaba entonces,
no nos invitaban a participar activamente y, claro, aquello no funcion.
Lo que suceda era que no se estaban enterando de nada. Sin
embargo otras invitaciones procedentes del mbito artstico han
dado interesantes resultados, caso de su intervencin en el edificio
del Espai dArt Contemporani de Castell, en 2005, que consisti
en crear una prtesis al edificio ampliando su espacio expositivo y
que tras cinco aos desde su realizacin contina en uso; o, ms
recientemente, la construccin sobre la azotea de Blit (Centre dArt
Contemporani de Girona) de un anexo pensado como estudio para
artistas en residencia.
En 2005 cre el estudio de arquitectura Recetas Urbanas, un
lugar flexible donde arquitectos de diferentes procedencias y pases
trabajan en proyectos comunes o en ideas individuales pero bajo la
premisa de que siempre han de buscar un beneficio comunitario, y
que est desplegando una gran actividad con proyectos en red que
une a colectivos de arquitectos y ciudadanos de diferentes puntos
geogrficos para compartir experiencias y abordar proyectos en
comn. En 2007 Cirugeda / Recetas Urbanas publica una especie
de manual sobre cmo llevar a cabo determinadas actuaciones, una
especie de hgalo usted mismo donde se explica, por ejemplo,
cmo edificar una pequea vivienda en una azotea, perfectamente
38 ARTECONTEXTO DOSSIER
habitable, aunque dudosamente respetuosa de las normativas mu-
nicipales. Y por qu no se pregunta cuando hay un dficit de
viviendas asequibles y mucha superficie desaprovechada en las
ciudades? Ha decidido que su mbito de trabajo es el activismo
urbano, la subversin del espacio pblico, y para ello se sirve de
estrategias como la arquitectura efmera, el reciclaje, la ocupacin,
la incorporacin de prtesis a edificios existentes y, sobre todo,
busca la participacin de los ciudadanos en decisiones que
afectan a los asuntos urbansticos. Esa implicacin de la gente es
lo que, a menudo, hace viable este tipo de actuaciones. Insiste en
la importancia de trabajar con diferentes colectivos relacionados en
red como manera de generar una amplia masa crtica que pueda
propiciar pequeas parcelas de libertad. Actualmente desarrollamos
protocolos de gestin, financiacin, mecanismos de ocupacin,
colaboraciones institucionales, etc., o sea, diferentes maneras de
funcionar como colectivos, asociaciones o cooperativas, que sirven
de ejemplo e incentivo a grupos de ciudadanos que quieren participar
colectivamente en la gestin cultural, social o poltica de su ciudad.
Acaba de volver de Colombia y habla con entusiasmo de la
actitud de la gente en contextos realmente precarios y muy alejados
de las condiciones que dominan en el Primer Mundo. En los ltimos
ocho aos he viajado por once pases de Latinoamrica, de modo
que puedo decir que he conocido una gran variedad de situaciones y
he podido comprobar cmo la gente tiene que inventarse soluciones
por s misma y ha de posicionarse con contundencia pues las
limitaciones de los Estados, tanto para cubrir las necesidades bsicas
como para proteger los derechos civiles, son enormes. Los niveles
de compromiso y de activismo en el Primer Mundo, creo que son
ms limitados y controlados, no quiero decir que no existan, sino que
acompaan ms tranquilamente a las instituciones. De todas formas
hay que inventar maneras para seguir negociando y exigiendo a las
empresas y a las administraciones pblicas. Por otro lado creo que
la crisis econmica est influyendo respecto a que la gente asuma
con mayor decisin que debe organizarse. Creo que es el momento
de exigir y de lograr que nos dejen hacer proyectos y actuaciones
que antes eran sistemticamente rechazadas. Me refiero, aunque sea
lamentable tener que decirlo, a que cuando los poderes pblicos y
los gobiernos se han dado cuenta de su incapacidad para ordenar
la economa y limitar los excesos del capitalismo, es cuando nos
miran con cierta comprensin. Tenemos que construir estructuras
sociales y culturales que duren en el tiempo, ms all de una posible
recuperacin econmica.
Estos ltimos aos han supuesto un cambio en su manera, si no
de entender el trabajo, s en cuanto a cmo expandirlo y hacerlo cada
vez ms ambicioso y eficaz. Atrs quedan los tiempos de las iniciativas
que, a pesar de contar siempre con grupos comprometidos de vecinos,
ciudadanos independientes o asociaciones, prosperaban gracias a su
propio empuje, y donde su despliegue de energa se constitua en el
principal motor. Como si pensase en voz alta comenta su satisfaccin
respecto a cmo se est afianzando una nueva forma de acometer los
proyectos. Posiblemente de lo que me siento ms satisfecho es de
Ampliacin de vivienda con andamiaje, Sevilla, 1998. Cortesa: Santiago Cirugeda
la etapa que abarca de 2007 hasta hoy. El trabajo que se ha hecho a
travs de Recetas Urbanas nos ha ido permitiendo construir o afianzar
lo que ahora llamamos red de arquitecturas colectivas. Estamos
trabajando con varios colectivos, con Conceptuarte, en el reciclaje de
una fbrica cementera en Badajoz; con Baruma Teatro, haciendo una
escuela de circo en Sevilla, en un solar cedido para cinco aos. Tambin
estamos trabajando con elcolectivo Proyecta en una intervencin de
reciclaje, con prtesis de contenedores, para un centro cultural en la
antigua estacin de trenes de Benicassim.Tenemos un organigrama
donde se puede ver, por ejemplo, el punto en que se encuentra ahora
un proyecto de reciclaje de contenedores-vivienda para un poblado
gitano temporal en el que estamos trabajando con 15 colectivos
muy diversos. Cada proyecto requiere una gestin diferente, pactos,
convenios, financiaciones diferentes, pero puede servir de modelo
para otros colectivos. Ahora mismo estamos metidos en la realizacin
de un documental que se titula En la red, y tambin en la edicin de
Niu / Blit. (Centre dArt Contemporani de Girona) 2008, Barcelona. Cortesa: Santiago Cirugeda
un libro titulado Camiones, contenedores y colectivos, ambos recogen
estos procesos y se presentarn en diciembre de 2010. Creo que
estos proyectos, y otros muchos, son la evidencia del trabajo en red
que estamos llevando a cabo y que nos permite, adems de compartir
conocimientos, ayudarnos mutuamente en la ejecucin; nos rene
en diferentes ciudades para, de forma colectiva, demandar el uso
de lugares, edificios y recursos pblicos a nuestros representantes
polticos.
Le pregunto qu implica para l el concepto SOSTENIBILIDAD
cuando se habla de diseo urbano y de arquitectura. Que la gente sea
partcipe de la ciudad y el entorno que se construye, as se identificar
con l y con su desarrollo, manteniendo su conservacin y siguiendo
su evolucin de manera protagonista y no slo como usuario.
*Alicia Murra es crtica de arte, comisaria de exposiciones
y directora de ARTECONTEXTO
DOSSIER ARTECONTEXTO 39
40 ARTECONTEXTO DOSSIER
 SANTIAGO CIRUGEDA / Recetas Urbanas
The Effectiveness of Micro-Interventions
In the face of urban macro-projects and architecture designed by large
firms, in the face of mercantilist city planning gestated without taking
into account the real needs of the vast majority of citizens, in the face
of spectacular interventions and the penchant of politicians to build
identifiable, characterising and megalomaniacal icons as a sign of
urban pedigree, other ways of understanding and making the city, on
a different scale, are emerging.
Fourteen years ago Santiago Cirugeda was committed to
encouraging microactions, devising, proposing and carrying out
concrete solutions to concrete problems. While in the 1960s and
70s collectives such as Archigram, Superstudio and Archizoom
developed theoretical proposals about new forms of urban design
to bring about changes in social organization, which often had a
largely Utopian nature, the architect from Sevilleis guided by a radical
pragmatism.Utopias, he seems to say, are all well and good, but in the
meantime we should take action; he is convinced that in developed
societies citizens have become complacent, waiting for the state and
the government to provide solutions, eluding theirresponsibility and
ability to intervene and transform.Cirugeda questions the architects
role as a link in a chain designed to perpetuate a model of architecture
and the city dictated by market interests and rules. As he is not a
dreamer, he is aware of the impossibility of achieving great and radical
changes, so he chooses to behave like a microorganism that seeks,
along with other microorganisms, to activate small solutions, after
creating the conditions that make them possible.
Since the late 1990s, he has attracted the attention of the
media with interventions such as the use of waste containers from
building works, transforming them into platforms with swings for kids to
play, turning them into planters and even installing amodest flamenco
ALICIA MURRA*
stage; or, for example, using light wood structures to occupy the tops
of the trees in a plaza, which were going to be felled. Most of these
ideas could only be carried out with the complicity and cooperation of
the locals, who felt committed to these actions and were responsible
for their maintenance... even if they were ephemeral realities.
Another of his most successful projects, from when he still had
not finished his architectural training, was to expand a house by a
few feet, building an extension, a kind of blister, protruding from the
front of the building.It was the extension of his own home.This act of
feeding off buildings through a range of interventions has continued
over the years, becoming one of the defining features of his attitude
and his work. In the early 2000s, Cirugeda occupied empty plots in
Seville, on the Calle del Barco, as a studio and recreational space,
and in Madrid, on Calle Olivar, in the Lavapis neighbourhood, where
he established, for six months in 2003, the popular self-managed
cultural and social centre El Laboratorio, which has moved to different
locations over the years.
Cirugeda knows that any legislation, in this case in the field of
urban planning, has its shortcomings and, indeed, nowhere is it stated
that what he has done could not be done. Being aware of the law,
to work at the edge of it, or ignoring it, in search of new solutions:
this is his way of working. I have always believed, he says, that
being aware of legislation contexts which regulate urban activity and
define the rights and duties of citizens was essential to develop and
evaluate urban interventions.He also points out that the lack of such
regulations affects not only citizens but often, the architect, as well
as being susceptible to subjective interpretations.Beyond this effort
to be aware of these legal mechanisms, the experience gained by
using them has shown me that most of them are subject to arbitrary
DOSSIER ARTECONTEXTO 41
 interpretations by technicians who apply
their own personal or partisan views to
the development and implementation
ofordinances or laws.
Those who know him personally
understand his ability to carry out
projects that would seem impossible
to others. With an appearance which
has more to do with the archetype of a
boxer to that of an architect, Cirugedas
hyperactive energy is contagious, and
he has a sense of humour that forms part
of the power which allows him to do the
impossible. Along with these features,
the Seville architect has the special
ability to attract the attention of the
media, as already noted, in his search
for a way of circulating for his ideas, and
to get people to a number of forms and
attitudes, drenched in insubordination,
as possible. This rebelliousness defines
him, and he wants to share it with
others. Likewise, he has wisely used
what could be called the field of art,
at times, such as the present, in which
the concept of artistic practice allows for
Trincheras. Fine Arts Department, Malaga University. Courtesy: Santiago Cirugeda expressions and formalizations which
would have been unimaginable even by
experts on the subject a few decades
ago.In this way, Cirugeda has become,
since the beginning of the first decade of
the 21st century, a name which is widely
known in the art circuits, both in Spain
and abroad, participating in meetings,
seminars, exhibitions, scholarships and
awards. In short, he has gone beyond
the canonical borders of the world of
architecture. He was even selected
to participate in the official section of
the Venice Biennale in 2003, an issue
which ultimately did not satisfy him in
the least. What the curators wanted
was to show some little drawings of the
interventions that we had conducted,
he said at the time. They did not
invite us to take an active part in it,
and, of course, that did not work.What
happened was that they were confused
about everything. However, other
invitations from the field of art have
Azotea. Madrid. Courtesy: Santiago Cirugeda yielded interesting results, such as his

42 ARTECONTEXTO DOSSIER
Casa Pollo. Poble Nou, Barcelona, 2005. Courtesy: Santiago Cirugeda
involvement in the building of the Espai d Art Contemporani in
Castelln, in 2005, where he successfully created a prosthetic for the
building, to expand its exhibition space, which, five years later, is still
in use, or, more recently, the building, on the roof of Blit (Centre dArt
Contemporani de Girona) of an annex designed as a studio for artists
in residence.
In 2005 he set up the architectural firm Urban Recipes, a flexible
place where architects from different backgrounds and countries
work on joint projects or individual ideas but under the premise of
always looking to benefit the community, and which carries out a wide
range of network projects that bring together groups of architects and
citizens from different geographical locations to share experiences
and address common projects. In 2007, Cirugeda / Urban Recipes
published a sort of manual on how to carry out certain actions, a
kind of Do It Yourself which explains, for example, how to build a
perfectly habitable small house on a roof (although it cannot be said
to fulfil municipal regulations). And why not, he asks, when there
is a shortage of affordable housing and so much wasted space in
DOSSIER ARTECONTEXTO 43
Trincheras. Fine Arts Department, Malaga University, 2006. Courtesy: Santiago Cirugeda
cities? He has decided that his sphere of action is urban activism,
the subversion of public space, and, to this end, he usesephemeral
architecture strategies such as recycling, occupation, the inclusion of
prosthetics to existing buildings and, above all, the participation of
citizens in the decisions which affect urban affairs. The involvement
of people is often what makes this type of action viable.He stresses
the importance of working with various networked groups as a
way of generating a critical mass that can lead to small pockets
of freedom. Today, we develop management protocols, funding
and occupation mechanisms, institutional partnerships, etc., In
other words, different ways of working as groups, associations or
cooperatives, which serve as an example and an incentive for groups
of citizens who wish to take part, as a collective, in the cultural, social
and political management of their city.
He has just returned from Colombia and he talks enthusiastically
about the attitude of people in truly precarious situations, far from the
prevailing conditions in the First World.In the past eight years I have
travelled around eleven Latin American countries, so I can say Ive
dealt with a range of situations and I have had the chance to see how
44 ARTECONTEXTO DOSSIER
people have to invent solutions for themselves, to forcefully position
themselves, as the limitations of the state, both to cover basic needs
and to protect civil rights, are enormous.The levels of commitment and
activism in the first world, I think, are more limited and controlled, not
to say that do not exist, but they accompany institutions in a quieter
way.In any case, we have to find ways of continuing negotiating with
and making demands of businesses and the government. On the
other hand, I think the economic crisis is leading people to realise they
need to organise themselves.I think its time to make demands and
to get them to let us carry out projects and activities that used to be
systematically rejected.I mean, even if it is sad to say it, that when
public authorities and governments become aware of their inability to
manage the economy and to curb the excesses of capitalism, is the
time when they look at us in a more understanding way.We need to
build social and cultural structures that will last for a long time, beyond
a possible economic recovery.
The last few years have brought about changes in the way, if not
of understanding work, of realising the need to expand it and make it
more ambitious and effective.Gone are the days of initiatives which,
despite always boasting a committed group of neighbours, independent
citizens or associations, prospered only thanks to their own drive, with
the use of their own energy constituting their main engine. As if thinking
out loud, he speaks of his satisfaction at the way this new approach to
the undertaking of projects is gaining strength.Perhaps what Im most
satisfied with is the stage between 2007 and today.The work which
has been done with Urban Recipes has been allowing us to build or
reinforce what we now call a network of collective architectures.We
are working with several groups, with Conceptuarte, on the recycling
of a cement factory in Badajoz; with Barum Teatro, on a circus school
in Seville, on a plot loaned to us for five years.We are also working
with the group Proyecta on a recycling intervention, with container
prosthetics, for a cultural centre in the old Benicassim train station.We
have a chart showing, for example, the point at which a container-
home recycling project stands, offering housing for a temporary gypsy
settlement, where we are working with 15 very different groups.Each
project requires different managements, covenants, agreements and
Casa Pollo. Poble Nou, Barcelona, 2005. Courtesy: Santiago Cirugeda
financing, but can serve as a model for other groups.Right now were
working on the production of a documentary entitled En la red, and
editing a book entitled Camiones, contenedores y colectivos, which
capture these processes and will be presented in December 2010.I
think these projects, and many others, are evidence of the network
work that we are carrying out, and also allow us to share knowledge,
help each other in the implementation of this work; it brings us together
in different cities, to collectively demand the use of sites, buildings and
public resources from our elected representatives.
I ask what the concept of SUSTAINIBILITY means to him when
speaking about urban design and architecture. That people should
participate in the city and the built environment and will identify with it
and its development, contributing to its conservation and following its
evolution as central players, and not just as users.
*Alicia Murra is an art critic and an independent curator.
She directs ARTECONTEXTO
DOSSIER ARTECONTEXTO 45
46 ARTECONTEXTO
 Marta Minujn

Dan y Lia Perjovschi

Doris Salcedo
ARTECONTEXTO 47
Minucodes, 1968-2010. Cortesa: CAAC. Foto: Guillermo Mendo

Al hablar acerca de la obra de Marta Minujn me interesa describir el
momento en el que descubr su trabajo y pude conocerla personalmente.
Era octubre de 1983 y se inauguraba la XVII Bienal Internacional de So
Paulo. Comisariada por el historiador de arte Walter Zanini, aquella edicin
de la Bienal est considerada como una de las ms importantes de su
larga historia. La estupenda labor curatorial de Zanini gir alrededor del
movimiento Fluxus, los happenings y los new media, y llev por primera
vez a Brasil una serie de obras e ideas que cambiaron de forma irreversible
el arte de la segunda mitad del pasado siglo. Estas obras artsticas e
ideas revolucionarias no aparecieron solas: venan acompaadas de
todos los maestros Fluxus, entre los que se encontraban Dick Higgins,
Ben Patterson, Wolf Vostell y Ben Vautier. No muy lejos del espacio que
estos ocupaban se encontraba una gran instalacin, Louvre revisitado
una muestra de falsos bustos romanos, cortados en rodajas de la artista
argentina Marta Minujn. A pesar de no pertenecer realmente al movimiento
Fluxus, que raramente incluy mujeres entre sus artistas, ella tambin fue
seleccionada para participar en esta Bienal y, aunque no estaba integrada
en la exposicin del grupo, fueron ellos quienes la invitaron a formar parte
de un programa performativo Fluxus, con una obra titulada Msculos y
caf, escenificada en paralelo a la obra de Vostell.
Aquel ao de 1983 me encontraba estudiando el doctorado en Nueva
York y Zanini me invit a organizar una exposicin de obras new media.
Fue mi primera incursin en el mundo de las muestras internacionales, y,
despus de pasar un par de das buscando desesperadamente pletinas
U-Matic que pudieran reproducir vdeos en formato NTSC (Brasil utiliza
el formato PAL), empec a fijarme en todos aquellos nombres que me
sonaban de mis libros de Historia del Arte. En So Paulo estbamos todos
nosotros, hablo de los invitados a la Bienal, alojados en el mismo hotel,
y disfrutamos mucho charlando durante los desayunos. La posibilidad de
pasar un tiempo con los chicos y Marta fue una experiencia inolvidable.
La personalidad de Menujn, sus impresionantes atuendos y su confianza
en s misma cuando hablaba con todos ellos, como si les conociese desde
siempre, ya transmitan su carcter creativo y su inters en el activismo
artstico.
Minujn estudi en la Escuela de Bellas Artes de Buenos Aires, don-
de present su primera muestra en 1959. Un ao ms tarde recibi una Glusberg en el Museo Nacional de Bellas Artes. Segn la comisaria de la
Marta Minujn
Artista multifactica
BERTA SICHEL*
beca que le permiti viajar a Pars para participar en la exposicin Pablo
Curatella Manes and Thirty Argentines of the New Generation. Todava
no haba cumplido treinta aos. Durante su estancia en Pars conoci a
artistas pertenecientes a la corriente del Nuevo Realismo, la vanguardia
de la poca, y empez a crear esculturas parecidas a refugios, utilizando
colchones que encontraba en los basureros de los hospitales. En l963, or-
ganiz su primer happening, haciendo uso de estos colchones, e invitando
a artistas como Christo para que la ayudasen a destrozarlos. Un ao ms
tarde, ya de vuelta en Buenos Aires, recibi el Premio Nacional Di Tella,
el galardn de mayor prestigio para cualquier artista contemporneo ar-
gentino de la poca. Durante su estancia en la capital argentina, cre una
de sus obras ms conocidas, La Menasunda, en colaboracin con otros
dos artistas de su misma generacin: David Lamelas y Leopoldo Maler. En
l966 recibi una beca Guggenheim y se mud a Nueva York, donde vivi
durante 10 aos. Al igual que aos atrs en Pars, no tard en situarse en
el corazn de los movimientos vanguardistas de la ciudad, y estableci
amistad con Andy Warhol y sus compaeros de la Factory, convirtindose
en asidua de los bares y clubs de moda.
Por mi parte, mientras preparaba la coleccin de vdeos histricos
para el Museo Reina Sofa, encontr una de las video-performances de
Marta Minujn, que fue mostrada en First Generation: Art and the Moving
Image l963-l986, exposicin que se celebr en 2007 en el MNCARS. Ahora y
hasta el prximo mes de enero, el Centro Andaluz de Arte Contemporneo
acoge una de sus primeras piezas, Minucodes, de 1968, ofreciendo una
oportunidad muy especial para que el pblico espaol pueda ser testigo
de su libertad, originalidad y excentricidad creativas. Al contrario que otros
muchos artistas contemporneos, que vienen acompaados de una corte
de asistentes, Minujn es una emprendedora que se encarga de todo lo
relacionado con su obra. Su exuberante personalidad, perspectiva crtica
y aficin por la irona y lo absurdo queda patente en su obra, llenando sus
eclcticas creaciones de una alquimia transgresora, ofreciendo la visin
ms completa de sus ideas formales y conceptuales.
En paralelo a la muestra de Sevilla, el MALBA de Buenos Aires
presenta una gran retrospectiva dedicada a esta artista su ltima
gran exposicin se realiz hace once aos y fue organizada por Jorge
ARTECONTEXTO 49

Minuphone, 1967. Cortesa de la artista
50 ARTECONTEXTO
muestra, Victoria Noorthoorn, la exposicin hace hincapi en la contemporaneidad
pertinente de su obra, sin importar la fecha en la que fue creada o mostrada por
primera vez. A travs de una cuidada seleccin de sus obras ms esenciales se
celebra la audacia de Marta Minujn, que lleva 40 aos dedicada a derrumbar los
muros del arte, para crear un universo nico y casi imposible de definir.
En algunos textos que analizan tu obra se te presenta como una artista
pop, mientras en otros se habla de ti como de una artista conceptual y de
performance, y los hay tambin que te definen como una activista artstica.
Quin es Marta Minujn?
Una artista activista multidireccional y multimeditica.
Estos trminos los has creado t? Cmo los explicaras?
Multidireccional porque que voy en todos las direcciones. Multifactica, ya que
trabajo con diferentes elementos, tcnicas y conceptos. Activista porque soy una
artista que en mi arte busco la accin y la participacin del pblico.
En tu carrera de ms de cuatro dcadas cules han sido los puntos cardinales
y las influencias que ms te han marcado?
El nuevo realismo, el pop, el arte de los nuevos medios y la filosofa de lo
imposible.
Qu te ha influido ms de cada una? Esta fusin es como unaespecie de
nouvelle cuisine?
No, para nada, nada que ver. No es una fusin sino una esquizofrenia armnica,
distintas partes que se armonizan entre s. Todos estos movimientos son distintos
estados de vida.
Cundo te conoc en la Bienal de So Paulo de 1983, disponas de un gran
espacio con una serie de esculturas clsicas fraccionadas Recuerdo
que me llamaron mucho la atencin. Esta exposicin no formaba parte de
lamuestra Fluxus era slo tuya, no es as?
Ese espacio era slo mo. Lo que vos viste era el Louvre revisitado, una obra
conceptual. Abajo, al lado del auto de Vostell, hice, como parte de la muestra Fluxus,
una accin con musculosos y gordas que tenan vasitos de caf adheridos por
todo el cuerpo, y se movan de forma que iban cayendo los granos de caf. Se llam
Msculos y caf.
Cul fue tu conexin con Fluxus? Cmo fue posible? Fluxus no era particu-
larmente abierto a las mujeres
Comenc en Pars con Robert Filiou y Daniel Spoerri, y al llegar a Nueva York, sien-
do amiga de Al Hansen, ste me present a Dick Higgins, Alison Knowles, Emmett
Williams, Ray Johnson, Nam June Paik Asist a todas las performances y situacio-
nes que se creaban en el 65 y 66 en Nueva York, participando de maneras impro-
visadas. Aos despus, en 1973, invit a algunos de estos performers a mi Galera
Blanda, en Washington DC.
En Nueva York creaste un homenaje a Fluxus y a los artistas Charlotte Moorman
y Al Hansen, con colchones atados entre s con sogas que recubran las
paredes, techo y piso de la galera, en 1983. Con anterioridad, como sealas,
habas organizado un evento de caractersticas similares, en la galera Harold
 Minucodes, 1968-2010.
Cortesa: CAAC. Foto: Guillermo Mendo
Rivkin. Puedes comentar un poco el happening y la performance
influenciada por Fluxus o no en tu obra.
No estuve influida por Fluxus, pero hubo coincidencias. Invit a algunos
de ellos, como ya hemos dicho, a participar en una accin incluida en Soft
Gallery, en Washington. Despus en l983, en el PS1,hice un homenaje a
Charlote Moorman, donde interpret el concepto de John Cage para chelo
de hielo, mientras Richard Squires recitaba poemas envolvindose la cara
con cinta adhesiva como haba hecho Al Hansen en 1973.
Y con Andy Warhol? Esa historia que circula sobre que t eras su
confidente es verdad?
No, no es verdad. Yo era su colega y ramos identikit. Yo vena de
Argentina con una imagen meditica y escandalosa, y me encontr con mi
par en Nueva York. Fuimos dos compaeros de aventuras en las noches
de Nueva York, de Maxs Kansas City, la discoteca Chita, etc. El apoy
mucho mi obra Minuphone. Juntos visitbamos a Dal en el Saint Regis
Hotel.
Eres una creadora de palabras y trminos. Qu es un identikit? Un
kit de indentidad?
Era mi igual, un par.
Qu es Minuphone? Est relacionada con los Minucodes?
Minuphone es una obra de l967 y la present en la Howard Wise Gallery
en Nueva York, con el apoyo tcnico de Pier Bjorn, del laboratorio Bell
y que era miembro de Experiments in Art and Technology. Es una obra
interactiva en la que utilizo una cabina telefnica equipada con aparatos
electrnicos. Hay una serie de instrucciones como llamar, esperar el
tono (no tenamos telfonos digitales) y no moverse. Dependiendo de
la reaccin individual, pasaban cosas como encenderse luces o entrar
humo dentro de la cabina. Tambin haba una cmara polaroid que
sacaba una foto. Si la persona quera su foto se la vendamos por 50
centavos de dlar
Tu obra es poco conocida en Espaa. Compr el vdeo Comunicando
con la tierra para la coleccin del MNCARS, incluido en Primera
Generacin. Que sepa, no se ha visto ms. Ahora Minucodes se
presenta en el Centro Andaluz de Arte Contemporneo. Minucodes
(1968) es una obra singular, creada para el Center for Inter-American
Relations, la actual American Society. Cmo ves la inclusin de esta
pieza en un contexto tan distinto? Crees que el contenido de crtica
social a los ccteles de la institucin americana se quedar en un
segundo plano?Cmo crees que el pblico actual leer esta obra?
Creo que hoy no tiene absolutamente nada que ver respecto a cuando
fue hecha. Lo interesante es la idea. El concepto fue mostrar cmo se
comporta la gente de distintos grupos sociales en una misma situacin
frvola como es un cctel y qu son capaces de crear, en un plano del
absurdo, desde su profesin.
No hablaba de la fecha, sino del contexto y de esa mirada crtica sobre
las fiestas de la institucin americana en los aos 60. Seguimos
acudiendo a los openings para tomar copas?
Si, creo que no se han cambiado los comportamientos y que el cctel
sigue siendo un lugar de trabajo y diversin.
Una de las ideas ms interesantes que permean tu obra son la idea
de intercambio y la de participacin del publico. En Comunicado
con la tierra, por ejemplo, la tierra utilizada en la performance es un
ARTECONTEXTO 51
Torre de pan lactal de James Joyce. Dubln, 1980. Cortesa de la artista
intercambio realizado con 25 artistas latinoamericanos. Pero tanto
Comunicado con la tierra como Minucodes son de los aos 60 y 70.
Y hoy? Cmo estas ideas se aplican en tu obra actual?
A travs de cualquier proyecto que pueda realizar por Internet, ya que
todo el mundo est informado de todo lo que pasa en todas partes. En
este momento estoy centrada en la Torre de Babel que se construir con
libros de todas las partes del mundo, para el ao que viene.
Pero hay mucha informacin basura Esta clase de informacin
tambin puede llegar a convertirse en arte?
S, totalmente.
Qu es esta Torre de Babel?
Una Torre de Babel hecha con libros donde, aproximadamente, 30.000
libros cubrirn su superficie exterior, protegidos con plstico, y recubriendo
totalmente el tejido metlico de las bandas que conforman las paredes de
la Torre. Aqu est el dibujo. Son 1.000 libros de cada pas, en su idioma
original (best sellers, diccionarios, de arte, de geografa, etc.), que despus
sern donados a las bibliotecas municipales. El pblico podr subir y bajar
por rampas en espiral.
Es similar al Partenn de Libros que realic en Buenos Aires, en
diciembre de 1983. El pblico podr ascender hasta la altura de 23 metros
por una plataforma y observar desde lo alto el entorno, como tambin, al
52 ARTECONTEXTO
Venus apoltica triplicndose, 1983. Cortesa de la artista
dirigir la mirada hacia abajo, las cabezas de los otros, subiendo en espiral
por plataformas ascendentes, elpticas y asimtricas.
Antes y ahora, cul es la idea conceptual de estas torres?
La Torre propone una lectura de doble significado esttico. Por un lado, su
forma, con todo el impacto visual de la fragmentacin multicolor producida
por los miles de libros yuxtapuestos que forman la piel de la torre. Por otro,
la lectura inconsciente que hace el pblico,con su propia perspectiva, de
los ttulos en todos los idiomas que observa al recorrerla, participando as
de la propuesta intelectual de la misma.
Muchas de las obras, como la actual Torre de Babel, tienen como
referente obras ya realizadas. Cules son las claves de este reciclaje
artstico?
Estas obras se parecen entre s porque tiene un mismo hilo conductor que
es su fuente de creacin, y siempre vuelven ah. La repeticin no existe,
son vueltas a la propia identidad creativa. Todas las ideas que tengo
parten de esa misma fuente, cuando me encontr a m misma en los 60.
Vuelvo siempre ah a buscar mi propia identidad, que es multidireccional
y que crece en cada obra.
*Berta Sichel es Directora del Departamento de Medios Audiovisuales
del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofa (MNCARS).

When speaking about the work of Marta Minujn I like to describe the
moment when I discovered her work and had a chance to meet her in
person. It was October 1983, at the XVII So Paulo International Biennial.
Curated by the art historian Walter Zanini, that Biennial is regarded as
one of the most important of the 20th century. His superb curatorial work
revolved around Fluxus, happenings and new media, bringing to Brazil for
the first time works and ideas that have irreversibly changed the art of the
second half of last century. These artworks and revolutionary ideas did not
come alone: they were accompanied by all the Fluxus masters, including
Dick Higgins, Ben Patterson, Wolf Vostell and Ben Vautier. Close to their
space was a large installation, Louvre Revisited an arrangement of sliced,
faux Roman busts by the Argentinean artist Marta Minujn. Despite not
really being part of Fluxus, which rarely included women among its artists,
she too was selected to take part in the Biennial, and, although her work
was not included in the groups show, they invited her to take part in a
Fluxus performative programme, with a work entitled Muscles and Coffee,
staged in parallel to Vostells work.
That year, l983, I was a graduate student living in New York and
Zanini invited me to organize an exhibition of new media works. This
was my first venture into the world of international exhibitions and after
spending a couple of days desperately searching for U-Matic decks that
could play NTSC videos (Brazil uses the PAL system) I started to pay
attention to all those names that I only knew from Art History books. All
of us who had been invited to the Biennial were staying at the same hotel
in Sao Paulo, and had great talks over breakfast. Hanging out with the
boys and Marta was an unforgettable experience. Martas personality,
her amazing wardrobe and her assertive way of talking to the boys, as if
she had known them forever, was a clear indication of her creative and art
activist personality.
Marta Minujn
Multi-Faceted Artist
BERTA SICHEL*
Minujn studied at the School of Fine Arts in Buenos Aires and had
her first solo show in 1959. A year later she received a grant that allowed
her to travel to Paris as one of the artists featured in the exhibition Pablo
Curatella Manes and Thirty Argentines of the New Generation. She was
not yet 30 years old. There she befriended artists from Nouveau Realism,
the avant-garde movement at the time and, at the same time, she started
making sculptures that resembled shelters using discarded mattresses
salvaged from the garbage outside hospitals. In l963, she organized her
first happening with these mattresses, inviting artists such as Christo to
help her destroy them. A year later, back in Buenos Aires, she received the
Di Tella National Award, the most prestigious prize for any contemporary
Argentinean artist at that time. During her stay in the Argentine capital she
created one of her best-known works, La Menasunda, in collaboration with
two other artists of her generation: David Lamelas and Leopoldo Maler.
In l966 she received a Guggenheim Fellowship and moved to New York,
where she lived for 10 years. As had happened years before in Paris, she
was soon at the centre of the citys avant-garde art movements, hanging
out with Andy Warhol and his gang from the Factory in the trendiest bars
and disco clubs.
For my part, while putting together the historical video collection for the
Reina Sofia Museum, I bought one of Marta Minujns video-performances,
which was shown during First Generation: Art and the Moving Image
l963-l986, which was on display at the MNCARS in 2007. Between now
and next January, the Centro Andaluz de Arte Contemporaneo will be
showing one of her earlier pieces (Minucodes, from 1968). This is quite a
special opportunity for Spaniards to get a glimpse of Minujns freedom,
originality and most eccentric creativity. Unlike many other contemporary
artists who have an entourage of assistants, Minujn is an entrepreneur
who takes care of everything related to her art. Her exuberant personality,
ARTECONTEXTO 53
 critical point of view and the zest for irony and absurdity displayed by her art,
imbue her eclectic creations with a transgressive alchemy that constitutes the
most insightful way to understand her conceptual and formal ideas.
In parallel to the Seville show, the MALBA in Buenos Aires will be hosting
a full retrospective devoted to this artist the last one was organized, eleven
years ago, by Jorge Glusberg at the Museo Nacional de Bellas Artes.
According to its curator, Victoria Noorthoorn, the exhibition will emphasize the
pertinent contemporaniety of her work, regardless of the year it was created
or shown. Through a careful selection of landmark pieces, the exhibition is
a tribute to the audacity of Marta Minujn, who has spent 40 years tearing
down the familiar walls of art to create a unique artistic universe that is almost
impossible to define.

In some texts that analyse your work you are being presented as a pop
artist, while others describe you as a conceptual and performance artist,
and you are also defined as an artistic activist.Who is Marta Minujn?
A multimedia and multi-directional artist and activist.

Are these terms youve created yourself?How do you explain them?

Multi-directional because I go in all directions. Multi-Faceted, because I
work with different elements, techniques and concepts. Activist because
I am an artist who seeks audience participation and action in my work.

In your career, which spans four decades, what have been the crucial
issues and influences that have most defined your work?
New realism, pop, new media art and the philosophy of the impossible.

What is it about each of them that has most influenced you?Is this fusion
a sort of nouvelle cuisine?
Not at all, it has nothing to do with that. It is not a fusion but a harmonic
schizophrenia, where various parts blend together. All these movements
represent different states of life.

When I met you at the So Paulo Biennial, in 1983, you had a large space
displaying a series of split classical sculptures... I remember they really
caught my attention.This exhibit was not part of the Fluxus display. Was
it just yours?
That space was mine alone. What you saw was the Louvre Revisited, a
conceptual work. Below, next to the Vostells car, I carried out, as part
of the Fluxus show, an action with muscular men and fat women
who had coffee cups attached to their bodies, and moved in such a way
Msculos y caf, 1983. Courtesy: the artist

that the coffee beans fell off them. It was called Muscles and Coffee.

What was your relationship with Fluxus?How was it possible? Fluxus was
not particularly open to women...
I started in Paris with Robert Filiou and Daniel Spoerri, and, when I came
to New York, as I was friends with Al Hansen, he introduced me to Dick
Higgins, Alison Knowles, Emmett Williams, Ray Johnson, Nam June Paik...
I attended all the performances and situations conducted in 1965 and
1966 in New York, taking part in improvised ways. Years later, in 1973, I
invited some of these performers to my Soft Gallery in Washington DC.

54 ARTECONTEXTO
Marta Minujn in the CAAC. Courtesy: CAAC. Photo: Guillermo Mendo
In New York you carried out a tribute to Fluxus and to the artists
Charlotte Moorman and Al Hansen, with mattresses, tied together
with rope, that covered the walls, ceiling and floor of the gallery, in
1983. Previously, as youve said, you had organised a similar event
at the Harold Rivkin Gallery.Could you tell us a bit about happenings
and performances in your work whether or not they were influenced
by Fluxus.
I was not influenced by Fluxus, but there were coincidences. I invited
some of them, as I said, to participate in an action covered by Soft Gallery
in Washington. Then in l983, at PS1, I organised a tribute to Charlotte
Moorman, where I performed John Cages concept for ice cello while
Richard Squires read poems as he wrapped his face with tape, like Al
Hansen had done in 1973.
And Andy Warhol? This story circulating about you being his
confidante Is it true?
No, its not true.I was his colleague and we were identikit.I came from
Argentina with an outrageous and mass media image, and I found my match
in New York.We were adventure companions in the nights of New York
overnight, at Maxs Kansas City, the Chita club, etc.He was very supportive
of my work Minuphone. We used to visit Dali at the Saint Regis Hotel.
You are a maker of words and terms.What is an identikit?An identity kit?
I mean he was my equal, my match.
What is Minuphone?Is it related to the Minucodes?
Minuphone is a work from l967, presented at the Howard Wise Gallery
in New York, with the technical support of Pier Bjorn, from the Bell
laboratory, as well as being a member of Experiments in Art and
Technology. It is an interactive display where I use a telephone booth
equipped with electronic devices. There are a number of commands
such as dial, wait for the dial tone (we had no digital phones at the
time) and do not move. Depending on the individuals reactions, things
happened, such as the lights turning on or smoke coming into the
booth. There was also a Polaroid camera that took a picture of each
person.If the person wanted to buy it, we sold it to him or her for 50 cents.
ARTECONTEXTO 55

Minucodes, 1968-2010. Courtesy: CAAC. Photo: Guillermo Mendo
Torre de Babel. Preparatory drawing, 2010. Courtesy: the artist.
56 ARTECONTEXTO
Your work is not very well known in Spain. I purchased the
videoCommunicating with the Land for the Reina Sofia
Museum, included in First Generation.As far as I know, it
has never been seen again. Now, Minucodes is on show at
the Centro Andaluz de Arte Contemporneo.Minucodes
(1968) is a unique piece, created for the Center for Inter-
American Relations, now the American Society.How do
you see the inclusion of this piece in such a different
context?Do you think the social criticism of the cocktail
parties of American institutions will remain in the
background? How do you think modern audiences will
interpret this work?
I think the present has absolutely nothing to do with the time
when it was made.What is interesting is the idea.The concept
was to address the way in which people from different social
classes behave in the same frivolous context, a cocktail
party, and what they are able to create, from their profession,
on an absurd plane.
I was not referring to the time, but to the context and the
critical view of the parties at American institutions in the
1960s. Are we still going to openings to have a drink?
Yes, I dont think that has changed: cocktail parties are still a
place for work and fun.
One of the most interesting ideas that permeate your work
is the notion of exchange and audience participation.In
Communicating with Earth, for example, the land used
in the performance constitutes an exchange made with
25 Latin American artists.But both Communicating with
Earth and Minucodes were made in the 1960s and 70s.
What about today? How do these ideas apply to your
current work?
By means of any project that can be produced online, now that
everyone is aware of everything that happens everywhere.Right
now Im focused on the Tower of Babel, which will be built with
books from all over the world, and is planned for next year.
But there is so much junk information... Can this kind of
information also be turned into art?
Yes, absolutely.
What is this Tower of Babel?
A Tower of Babel made of books, with approximately
30,000 books covering its outer surface, protected
with plastic and with the walls of the Tower completely
covered in wire mesh. Here is the drawing. There are
1,000 books from each country, in their original language
(bestsellers, dictionaries, art books, geography books,
etc.), which will later be donated to local libraries. Visitors
will use spiral ramps to climb up and down the Tower.
Partenn de libros. Buenos Aires, 1983. Courtesy: the artist
It is similar to the Parthenon of Books that I made in Buenos Aires in December
1983.The audience will go 23 metres up, on a platform, and see the Museum,
as well as, when they look down, the heads of the other visitors, climbing,
in a spiral movement, ascending, elliptical and asymmetric platforms.
Then and now, what is the conceptual idea behind these towers?
The Tower offers a twofold aesthetic interpretation.On the one hand, its
form, with all the visual impact of the multicoloured fragmentation offered
by the thousands of juxtaposed books which make up the skin of the tower.
On the other, the unconscious interpretation conducted by the audiences,
from their own perspective, of the titles in all languages that they will see as
they look through it, thus participating in the works intellectual proposal.
Many of these works, such as the Tower of Babel, reference
existing works. What are the keys to this creative recycling?
These works resemble each other because they have a common thread,
which is their creative source, to which they always return. There is no
repetition, they are just returns to creative identity itself. All of my ideas
come from that same source, when I found myself in the 1960s.I always
go back there to seek my own identity, which is multi-directional and which
grows with every work.
* Berta Sichel is Director of the Audiovisual and
Media Department of the Reina Sofia Museum (MNCARS).
ARTECONTEXTO 57
DAN PERJOVSCHI Vista de la exposicin Time Specific, 2010. Cortesa: EACC
58 ARTECONTEXTO

Con motivo de la exposicin que se inaugura en el EACC de Castelln
presentamos dos entrevistas con el artista rumano Dan Perjovschi. La
primera de ellas tuvo lugar en febrero de 2007, fecha en la que expuso
por primera vez en la galera madrilea Helga de Alvear. En la segunda
se incluyen tambin las declaraciones de Lia Perjovschi, su mujer y
compaera de trabajo en la intervencin que se presenta por estos das
en la institucin castellonense. Lia, que cuenta con una larga trayectoria
como artista y activista poltica, nos ofrece una particular visin sobre
temas tan cruciales como la educacin, el conocimiento y la historia. En el
espacio del EACC esa visin, donde lo formal est siempre determinado
por los aspectos ms comunicacionales, se presenta como un extrao
antagonista de la obra de Dan. Sorprendentemente, el conflicto resulta de
lo ms fructfero. Colorido, rabia, elocuencia, risa.
En la galera Helga de Alvear, en cambio, la primera impresin fue
muy distinta. El inmaculado cubo blanco, la adustez de un espacio estril
habitado por cuatro pedestales inertes, una maqueta vaca, el desierto
sin clima, sin aroma. Convencido de que nada poda crecer en un terreno
tan yermo, uno se iba aproximando a las paredes con una mezcla de
resignacin y desencanto. Con todo, slo unos pasos nos separaban de la
primera sorpresa: un trazo dbil, fantasmal, algo tan tenue que casi podra
atribuirse a una accin involuntaria. Se trataba de una serie de dibujos a
lpiz, muy similares a esas celebraciones de la obscenidad que adornan
los baos pblicos. Una raya vertical parta la figura simplsima de una
persona en dos mitades, una de ellas dibujada con una lnea punteada.
Abajo se lea immigration. Inesperadamente, desde las profundidades del
estmago emergan los estertores de la risa. Una risa que se aproximaba
a la carcajada y que acababa estabilizndose en una mueca burlona
cuando uno recorra el resto de dibujos: los jeans del artista valen ms
que unos jeans idnticos comprados en la tienda de la esquina. Primero
los clonamos, luego destruimos los originales, le dice un tipo a otro en
referencia a unas vacas. Una colina con tres cruces es una tragedia, pero
una colina repleta de ellas es simplemente una estadstica. As, entre risas,
me acerqu en esa ocasin a Dan Perjovschi (Sibiu, Rumania, 1961), cuyo
bigote tupido no haca ms que acentuar el rastro permanente de la irona
en su rostro. No sin cierta extraeza, antes de empezar con las preguntas,
DAN Y LIA PERJOVSCHI.
Irona y fbula moral
JUAN SEBASTIN CRDENAS*
pens en la manera despectiva en que Deleuze se refiere a la irona en uno
de los primeros captulos de su Lgica del sentido: el humor es este arte de
la superficie contra la vieja irona, arte de las alturas o de las profundidades.
Perjovschi parece contradecir estas palabras en su tratamiento de las
superficies mediante una irona que, lejos de ser un indicio de superioridad
o gravedad, se muestra como algo leve, sutil y bondadoso. Un gesto
que se limita a establecer una distancia y no a recalcar una jerarqua. La
irona de Perjovschi no sirve para destruir el objeto de la burla, sino para
comprenderlo. Antes que en el despiadado Voltaire, habra que pensar ms
bien en la compasin, la ternura y la lucidez que despiden las carcajadas
de Cervantes o de Kurt Vonnegut cuyos dibujos, por otro lado, comparten
tantas cosas con los del rumano.
1
Charla con Dan Perjovschi
Podras describir tu posicin en el actual panorama de la vida poltica
y cultural de tu pas?
Puedo intentarlo. Vamos a ver, vivo en Bucarest, pero en los ltimos dos aos
he estado poco en mi pas. Y vers, es interesante porque este hecho ha
cambiado un poco la manera en que me concibo a m mismo como artista.
Ahora debo adaptarme a cada nueva situacin, a cada nuevo lugar, en
Barcelona, en la bienal de Sevilla, en Estambul o aqu mismo. Dar un rodeo
para explicarlo. Siempre he estado muy comprometido con mi contexto,
como activista y no slo como artista. 22, la revista en la que trabajo, fue
la primera (y quizs la ltima) publicacin independiente en Rumania tras
el final de la dictadura. Ahora, diecisiete aos despus, el mercado ha sido
conquistado por los grandes capitales. Todas las televisiones o peridicos
pertenecen a una serie de grandes estructuras que se limitan a competir
entre s en un claro juego de control poltico. Y nosotros, bueno, somos el
ltimo superviviente. No tenemos mucho dinero, mucha improvisacin, una
impresin de baja calidad. Pero esto me parece positivo porque pese a todo
somos un medio libre. Un medio fundado con la idea de transmitir, en las
condiciones de la Rumania post-comunista, unas ideas ms bien liberales no
liberales en el sentido fuerte en que se entiende ese trmino aqu, sino como el
elemental respeto por los derechos individuales, por las minoras, el discurso
ARTECONTEXTO 59

LIA PERJOVSCHI. Vista de la exposicin Knowledge Museum, 2010. Cortesa: EACC. Foto: Jorge Wamba
60 ARTECONTEXTO
de reivindicacin de gnero, muy moderado. Los fundadores de
la revista, intelectuales y artistas, lo mejor de lo mejor del pas,
pertenecen a una generacin que debe asumir el trauma que
dej el comunismo. Y en mi opinin estn un poco decantados
hacia la derecha. Vivimos una situacin muy compleja donde los
antiguos torturadores y asesinos se encuentran ahora contro-
lando el capital; donde aquellas regiones que fueron obligadas
a industrializarse durante el comunismo, se encuentran hoy
sumidas en la miseria tras el colapso de la industria. Y ante estas
realidades habra que elaborar un discurso ms de izquierda,
ms crtico de todas esas condiciones, reinventando el discurso,
la terminologa, claro, porque la herencia del comunismo fue
mortfera. Por otro lado, tambin es cierto que son esas mismas
condiciones las que hacen muy difcil mantener cierta dignidad
intelectual. Se promulga una especie de igualitarismo, pero se
trata de algo que lo iguala todo por lo bajo. Y entonces, como
te deca antes, el hecho de estar viajando tanto genera en m
un distanciamiento cada vez mayor respecto de las posiciones
y planteamientos de muchos de mis colegas. Ya no puedo
opinar igual porque la reinsercin es complicada. Ya no juego las
cartas, slo me limito a observar. Junto a mi esposa La, tambin
artista y una activista mucho ms comprometida que yo, hemos
creado una plataforma de pensamiento crtico alrededor del arte.
Se trata de preguntarnos qu debemos hacer con la libertad de
expresin de la que ahora gozamos. Dinero? Fama? Creemos
que eso no basta.
Este rodeo confirma de algn modo lo que pensamos en
la redaccin de la revista cuando vimos por primera vez
algunos de tus dibujos, esto es, que retratan una situacin
post-traumtica.
Creo que es cierto, aunque en un principio yo no lo haba
pensado exactamente as. En realidad fue una investigadora
norteamericana, Kristine Stiles, especialista en culturas del trau-
ma, quien apunt por primera vez esta caracterstica, no slo
en mi obra sino tambin en la de Lia. La idea de fondo era si
no puedes cambiar la sociedad entonces cmbiate a ti mismo,
ya sabes. Pero respecto a lo que dices, es cierto. El hecho de
que en mi estrategia yo me incline por lo low-tech es un gesto
de independencia de los medios tcnicos, la distancia crtica
que proporciona el humor como un elemento de mi obra, todo
eso, creo yo, proviene de la situacin post-traumtica a la que
te referas. Para los creadores, o en general, para la gente que
trabaja con ideas, el comunismo fue terrible. Quizs no tanto
para la clase obrera. Pero para nosotros s lo fue. No slo por
la censura, sino por el contexto y la estupidez a la que tenamos
que ceder a la hora de representar de modo figurativo y realista
la vida feliz del comunismo. Y ahora, despus de tantos aos de
trabajo en los que finalmente he logrado desarrollar este lenguaje,
me resulta increble pensar en el pasado. Y ms increble an es
que me inviten en todo el mundo a exponer estas cosas.
DAN PERJOVSCHI Detalle de la exposicin Time Specific, 2010. Cortesa: EACC. Foto: Jorge Wamba
Resulta curioso ver que una obra como la tuya, donde los aspectos
comunicacionales tienen tanta relevancia, sea bien recibida en un
medio, el artstico, proclive a ensalzar lo ilegible.
Te refieres a eso de que vas a la galera y no entiendes nada?
Digamos que s.
Bueno, amigo, dicen que el populismo ha regresado. No, hablando en serio,
es cierto que uso un lenguaje popular, cercano a la caricatura, pero detrs
hay una forma de pensamiento artstica. Lo que intento es comprender. Y si
yo lo comprendo quiero que los dems lo comprendan. Asimismo, mis textos
estn escritos en ingls para poder llegar a un pblico ms amplio. A veces
ni siquiera uso textos y me limito a la imagen. Todo es simple, pero detrs
hay una actitud crtica que me distancia radicalmente de los populistas. Mi
relacin con las galeras tambin es particular porque, al fin y al cabo, qu es
lo que estoy vendiendo? En este caso, en Helga de Alvear, hay muy poco...
De hecho las paredes estn cubiertas por dibujos casi invisibles y me
temo que no te los puedes llevar a casa.
Eso es. Aqu slo hay unas postales baratas y mis cuadernos, que son
como mi cocina. Entonces estoy vendiendo mi cocina. Los dibujos de las
paredes son versiones ampliadas de los dibujos que hice en los cuadernos.
Y la pregunta es necesitas tener los originales? No. Y ah radica el asunto
porque lo que yo vendo son ideas. Vendo ideas.
Me resulta tentador comprender tu obra como una reunin de notas
al pie de un gran texto, el texto del mundo contemporneo con sus
guerras, Guantnamo, atentados suicidas...
Eso es cierto. Vivo muy pendiente del presente, leo los peridicos,
veo la televisin, intento empaparme del tiempo y el lugar especficos
en los que trabajo. Y creo que al final todas esas pequeas notas
configuran una especie de fresco. Y esto est ntimamente relacionado
ARTECONTEXTO 61
 con lo que hablbamos antes del uso del lenguaje popular, pues lo
que intento cuestionar es el lugar que ocupa el hecho cultural en el
mundo contemporneo. Es algo paradjico porque pertenecemos
a una generacin educada, cientos de miles de personas con ttulos
universitarios, y an as, las discusiones sobre arte y cultura pertenecen
a una esfera aislada. Por qu? Pues ah se inserta mi trabajo,
diciendo: s, puedo estar en las pginas centrales del peridico y no
necesariamente en la parte trasera, en la seccin de cultura. Y no soy
un caricaturista. Soy un artista. As que intento poner la discusin sobre
el arte de vuelta en el flujo general del discurso.

Pensaba en lo interesante que resulta precisamente tu crtica de las

instituciones artsticas. Y sobre todo, me preguntaba por tu extraa
posicin en todo este juego de la cultura y el mercado.
La historia de mi vida. En fin, es lo que mi amigo, el terico berlins Marius
Babias se preguntaba al final de uno de sus libros: Se puede ser crtico
an usando zapatillas Nike? Pues bien, creo que la respuesta es afirmativa.
Mi relacin con las instituciones en este sentido est llena de paradojas,
manejo una distancia respecto a todo, con los museos, con los curadores.
Y esto tambin se traduce en mi posicin poltica. Con el debido respeto,
no puedo estar de acuerdo con los tericos neo-marxistas. Ellos estn
todava en el prlogo. Yo estoy en el eplogo, y me temo que el contenido
del libro es un gran fracaso. Ellos an no han tenido que leer el libro, yo
s. Asimismo, el capitalismo tal y como quieren imponrnoslo tambin
me parece nefasto. Rumania ha hecho grandes esfuerzos para entrar en
la Unin Europea, pero las reformas a veces conducen al absurdo ms
flagrante. Por poner un ejemplo mnimo: a personas que llevan miles de
aos fabricando el queso de cierta manera se les dice ahora que no pueden
seguir hacindolo as, sencillamente porque va contra la normativa europea.
Es ridculo. La invasin de los supermercados, las grandes empresas. El
crecimiento econmico ha venido ligado a la produccin de una enorme
DAN PERJOVSCHI Detalle de la exposicin Time Specific, 2010. Cortesa: EACC.

masa de perdedores, junto a una pequea minora de ganadores, muy,

muy ricos. Pero volviendo al tema de las instituciones, hay que sealar que
vivimos en un mundo lleno de situaciones paradjicas. La globalizacin ha
dado pie a ello. No te resulta increble que sean los rusos quienes estn
sacando un provecho econmico descarado del espacio, ofreciendo
viajes tursticos a sus estaciones espaciales, mientras los americanos
siguen pensando en el espacio en trminos ms o menos cientficos?
Pues lo mismo sucede en el mundo del arte. A veces la institucin ms
monoltica, ms tradicional, puede abrir las puertas a proyectos con una
poltica ms flexible, mientras que espacios supuestamente radicales y
underground slo producen mierda mientras creen estar apartndose del
sistema. Pues, amigos, les tengo una noticia: nada escapa del sistema.
Todo es parte del sistema.

An as, pese a tus intenciones de hablar un lenguaje popular que

se inserte en el mainstream, creo que tu posicin tan singular sera
diferente si tu procedencia no fuera marginal.
S, pero mi marginalidad es conceptual. Es algo construido. El hecho
de venir de un pas perifrico, que sufri durante el comunismo y ahora
padece los embates de su insercin en el capitalismo contemporneo,

62 ARTECONTEXTO
un pas alejado de todo, sin una participacin destacable en la cultura
moderna... nosotros no sabamos quin era Duchamp. Pues bien,
tuvimos que descubrirlo y ms que nada, redescubrirnos a nosotros
mismos. Dad, por ejemplo, en gran parte fue obra de judos rumanos.
Eso, por supuesto, tampoco lo sabamos En fin, digamos que mi
marginalidad es la marginalidad del bufn medieval, el cndido juglar
que canta la fbula moral. Alguien a quien le permiten decir la verdad
con franqueza y ser brutalmente crtico con los poderes hegemnicos.
Pues ms o menos en eso consiste mi trabajo.
2
Charla con Dan & Lia Perjovschi
A pesar de que cada uno ha elegido un ttulo diferente, en la muestra se
entreveran perfectamente las dos propuestas: por un lado, el Museo del
Conocimiento creado por Lia, en un intento por replantear la distribucin
y organizacin contempornea de la informacin, y por otro, Dan, que
bajo el ttulo de Time Specific, nos presenta una nueva entrega de sus
mordaces dibujos.
Cuntanos cmo est organizada la muestra.
Lia: Mi idea para organizar el material era la del museo del conocimiento.
Ese museo est dividido en distintas partes tales como Tierra, Cultura,
Cuerpo y Universo. Para cada parte eleg la estructura de las cronologas.
Desde hace muchos aos hago cronologas sobre eventos histricos que
considero relevantes. Algunas van desde 1997 hasta 2006, el ao en que
google lleg a China. Luego hay otra cronologa paralela relacionada con
la historia de Rumana, cosa que de algn modo devuelve el ejercicio a un
terreno que es siempre personal. Tambin hay una pequea historia del
arte: tres cuadros diminutos monocromticos, Malevich, Rauschenberg
y Fontana. En la parte de la Tierra tenemos tambin algunas fotografas
hechas desde el espacio. Y aqu tambin hay alusiones a una coleccin
que estuve haciendo durante un tiempo, una coleccin solo de distintas
representaciones del globo terrqueo. Asimismo, incluyo aqu algunas
menciones al cambio climtico. Me interesa que mi posicin quede muy
clara: si no hacemos algo, si no encontramos soluciones, todo esto que
mostramos aqu puede quedar reducido a un mero vestigio. Por otro lado,
si consideramos que nunca antes la humanidad haba contado con tanta
gente que hubiera recibido una educacin superior, y si consideramos que
vivimos en el reino de Lady Gaga, entonces es preciso que hagamos un
alto y pensemos en lo que estamos haciendo con todo ese conocimiento
que tenemos a nuestra disposicin.
Siempre he tenido la impresin de que los pueblos que vivieron
bajo el estalinismo tienen un enfoque muy fresco y optimista de
ese conocimiento. Quizs en este lado del teln de acero, por la
disponibilidad constante de esa informacin y la incapacidad para
usarla de la mejor manera en beneficio de todos, lo que predomina
es una aceptacin cnica y desencantada de la indiferencia, de la
imposibilidad de posicionarse. Vosotros sois crticos pero nunca
totalmente escpticos. Siempre hay una alta dosis de celebracin en
lo que hacis.
LIA PERJOVSCHI Vista de la exposicin Knowledge Museum, 2010. Cortesa: EACC. Foto: Jorge Wamba
Lia: No slo soy crtica. Me gusta proponer cosas. Por supuesto, durante
el comunismo vivamos sumergidos en un estado de coma. Era muy
angustioso no tener a disposicin el conocimiento. Y claro, cuando
despiertas de un coma muy prolongado tienes hambre, tienes sed,
quieres ver cunto han cambiado las cosas. Pero al mismo tiempo, ese
estado de coma te hace diferente. No puedes simplemente despertar y
asumir la mirada de los que han estado despiertos. Construyes una nueva
y as empiezas a preguntarte cosas simples como qu significa hacer
arte despus de todo lo ocurrido, despus de todo lo que sabemos.
Esta organizacin de la informacin, este museo del conocimiento, por
supuesto, es una respuesta a mis frustraciones de aquel entonces. No
tenamos juguetes, no tenamos material didctico, no tenamos nada.
Yo soaba con acceder a la informacin. Por eso empec a coleccionar,
como en un intento de suplir esas carencias.
Se tratara entonces de organizar la informacin de tal modo que
sea como una invitacin para que la gente construya sus propios
mapas, sus propias cronologas?
Lia: Eso es. Mis cronologas son invitaciones a la contrainformacin. A no
quedarse con lo dado. Un ejemplo: google da prioridad a la informacin
dependiendo de cada pas. Si vas al Reino Unido, el buscador te
proporcionar informacin britnica. Lo mismo pasa en Estados Unidos y
otros tantos lugares. Qu sentido tiene entonces esta informacin si el
criterio de seleccin es nacional? Por favor El criterio nacional es nefasto.
El reto est en organizar el conocimiento de acuerdo a tus propios criterios.
Es as como la adquisicin de informacin se convierte en algo performa-
tivo. De lo contrario, lo que tenemos es ms Lady Gaga y el culto idiota al
individualismo, a la cultura del nmero uno. A qu viene ese cuento de ser
el nmero uno? En mi seleccin de acontecimientos y personajes histricos
incluyo a muchos nmeros 2 y nmeros 3, sin los cuales no habra podido
haber nmeros 1. Los considero igual de importantes.
ARTECONTEXTO 63
 contra la hiperespecializacin del
conocimiento?
Lia: Por supuesto. Me interesa mucho la
idea del resumen, del compendio, la po-
sibilidad de crear mecanismos sencillos
para organizar cantidades de informacin
compleja. Y todo esto, adems de haber
nacido de dificultades personales para
adquirir y estructurar esa informacin,
pasa por hacer las cosas con una lgica
diferente a la de la exposicin taquillera.
La idea es que nada sea caro. Que se
pueda hacer con poco dinero.
Dan: Esa lgica es un verdadero proble-
ma. Por un lado, el arte lleva tanto tiem-
po encerrado en s mismo, refirindose a
otras obras de arte una y otra vez, que
ya no puede conectar con la gente. Ese
aspecto de comunicacin est roto. Por
otro, las cosas funcionan con cierta hi-
pocresa. Dicen que no hay dinero pero,
si te fijas bien, las grandes bienales y ex-
posiciones tienen diez o doce sponsors
multimillonarios. Entonces s parece ha-
ber dinero para algunas cosas. Nosotros
no nos sentimos cmodos con la idea
de los presupuestos astronmicos para
trabajar. Si asumes esa manera de tra-
DAN PERJOVSCHI trabajando en el EACC para la exposicin Time Specific, 2010. Cortesa: EACC bajar significa que de algn modo ests
dejando de lado lo que tienes que decir.
Tu posicionamiento queda absorbido por
Tambin veo que has incluido unos diagramas. una forma de presentacin. Creo que el objeto ms caro que incluimos en
Lia: S, olvidaba comentarlos, pero son muy importantes en el montaje. esta muestra es una pelota hinchable pintada con el globo terrqueo.
Empec a hacer estos diagramas como simples notas de lectura. An hoy
conserva la estructura de entonces. Pongo una palabra clave en el centro Algo que me llama la atencin de todo el montaje es que la reflexin
del papel y empiezo a tomar notas que se proyectan como radios desde sobre la historia y el conocimiento que hace Lia se complementa con
ese punto central. los dibujos de Dan, ms centrados en comentar la actualidad.
Dan: S, ha sido una autntica lucha por el espacio, aunque no lo parezca.
La informacin sale disparada. Y se produce una interesante Al final ha sido una negociacin que ha dado lugar a lo que ests viendo:
confrontacin entre las cronologas, que son lineales, y estos las dos propuestas se solapan en diversos puntos.
diagramas, que son como diseminaciones o estallidos.
Lia: Es un trabajo que se ha ido desarrollando por s solo y tiene que A pesar de las diferencias formales.
ver sobre todo con mi obsesin por la coleccin y el mapa personal de Dan: Quizs eso es lo interesante, no?
la informacin del que antes hablbamos. Las cronologas, obviamente,
son lneas, todo cae en un continuum. Los diagramas, en cambio, son A juzgar por tus dibujos, Dan, es poco lo que ha cambiado el estado
momentos. Acontecimientos que sealan las distintas capas y niveles del mundo contemporneo.
presentes en esas lneas temporales. Alguien me coment que mis Dan: S, en estos tres aos las cosas han seguido igual. Aunque, bien
diagramas podan entenderse como una reaccin contra la manera mirado, mi trabajo ahora incluye un elemento que no estaba presente en
paternalista en que se nos ensea a tomar notas en las escuelas. esa poca. Entonces todo pareca muy prometedor y fantstico para el
capitalismo. Ahora vivimos esta etapa de crisis que inevitablemente forma
Y todo este museo podra entenderse tambin como una reaccin parte de mis intereses actuales.

64 ARTECONTEXTO
Todava crees que se pueden usar unas Nike
y mantener una actitud crtica?
Dan: Sin duda. Se puede ser millonario y
mantener esa actitud.
Lia: Creo que lo importante es que tengas la
valenta de tomar posicin, de ofrecer tu punto
de vista con energa y transparencia.
Dan: Y en ese sentido es una suerte contar con
un lugar como el EACC. Aqu nos han prestado
este playground, todo el espacio para que
expongamos nuestras afirmaciones.

Y qu hay de tu experiencia en el MoMA?

Tuvo mucha resonancia y, si no estoy mal
informado, era la primera vez que un artista
intervena el espacio con semejante libertad.
Dan: Fue una experiencia muy intensa. Nunca
antes haba trabajado rodeado de gente, con
todo el mundo por ah, mirndome mientras
dibujaba. Cuando haces eso te conviertes en
un mono A la gente le gustan los monos,
claro. Por otro lado, en Estados Unidos debes
cuidarte de no ofender a nadie con lo que digas.
La gente es muy quisquillosa con el lenguaje,
as que cada cosa que pona en mis dibujos
deba ser sometida a un minucioso escrutinio
para descartar posibles ofensas. Una cosa muy
ardua. Eso no pasa en Europa, por suerte. Aqu
puedes decir lo que quieras realmente. An as,
la intervencin en el MoMA fue una oportunidad
inmejorable para poner a prueba mi trabajo y mi
posicin como artista. Y creo, humildemente,
que fue importante tambin para la institucin.

* Juan Sebastin Crdenas es escritor y crtico

de arte. Nacido en Colombia, reside en Madrid

Notas
1.- Dan Perjovschi. Galera Helga de Alvear. Madrid.
Febrero de 2007.
2.- Dan y Lia Perjovschi. EACC. Castelln. Octubre de
2010.

DAN PERJOVSCHI Detalle de la exposicin Time Specific, 2010. Cortesa: EACC.

ARTECONTEXTO 65
LIA PERJOVSCHI Detail of the exhibition Knowledge Museum, 2010. Courtesy: EACC. Photo: Jorge Wamba
 DAN AND LIA PERJOVSCHI.
On the occasion of the opening of the exhibition at the EACC in Castelln
we present two interviews with the Romanian artist Dan Perjovschi.The
first took place in February 2007, when he first exhibited his work at
the Helga de Alvear gallery in Madrid. The second includes statements
by Lia Perjovschi, his wife and colleague in the intervention on show at
the Castellon institution.Lia, who has had a long career as an artist and
political activist, offers a personal view of such crucial issues as education,
knowledge and history.In the space at the EACC, that vision, where the
formal is always determined by the most communicative elements, is
presented as a strange antagonist to Dans work.Surprisingly, the conflict
is highly fruitful.Bright colours, rage, eloquence, laughter.
At the Helga de Alvear gallery, however, my first impression was
very different. The pristine white cube, the austerity of a barren area
inhabited by four inert pedestals, an empty model, a desert without
climate, without scent. Convinced that nothing could grow in such a
barren land, one approached the walls with a mixture of resignation
and disappointment. However, just two minutes separated us from the
first surprise: a faint and ghostly trace, something so tenuous it could
almost be attributed to an involuntary action. It was a series of pencil
drawings, very similar to those celebrations of obscenity that adorn public
restrooms.A vertical line slashed the extremely basic figure of a person
into two halves, one drawn with a dotted line.Below it, we could read the
word immigration.Suddenly, from the depths of the stomach came the
throes of laughter. The loud laughter eventually stabilised into a grin upon
seeing the other pictures: the artists jeans are worth more than a pair of
identical jeans purchased at the corner store.First, we clone them and
then we destroy the originals, says one guy to another in reference to
some cows.A hill with three crosses is a tragedy, but a hillside full of them
is just a statistic. Thus, chuckling, I approached Dan Perjovschi (Sibiu,
Romania, 1961), whose bushy moustache did nothing but accentuate the
permanent look of irony in his face.Not without a certain sense of wonder,
before asking the questions, I thought about the derogatory manner in
which Deleuze refers to irony of one of the first chapters of his Logic of
Sense: humour is the art of the surface against the old irony, theart of
the heights or the depths. Perjovschi seems to contradict these words
with his treatment of surfaces, with an irony that, far from being a sign of
superiority or severity, is shown to be mild, subtle and gentle.A gesture
Irony and Moral Fable
JUAN SEBASTIN CRDENAS*
that merely provides a distance and does not attempt to emphasize
a hierarchy. The irony of Perjovschis work does not serve to destroy
the object by ridiculing it, but to understand it. Rather than the ruthless
Voltaire, we should think about the compassion, tenderness and clarity
exuded by the laughter of Cervantes or Kurt Vonnegut, whose drawings,
on the other hand, share many elements with those by the Romanian artist.
Talking to Dan Perjovschi 1
Could you describe your current position in your countrys political
and cultural landscape?
I can try. Lets see, I live in Bucharest, but in the last two years I have
spent very little time in my country.And you see, it is interesting, because
this has changed the way I see myself as an artist. Now I must adapt
to each new situation, each new place, Barcelona, the Seville Biennial,
Istanbul or right here.I will take a detour to explain this better.Ive always
been very committed to my background as an activist and not just as an
artist.22, the magazine where I work, was the first (and perhaps the last)
independent publication in Romania after the end of the dictatorship.Now,
seventeen years later, the market has been conquered by big capital.All
broadcasters and newspapers belong to a series of large structures which
are limited to competing against one another in what is a clear game of
political control. And we, well, were the last survivor. We do not have
much money; we improvise a lot, and use low-quality printing. But this
seems positive, because despite all that we are a free medium. A medium
founded on the idea of conveying, in the context of post-communist
Romania, a set of rather liberal ideas, not liberal in the strong sense in
which that term is understood here, but as the elementary respect for
individual rights,minorities, gender issues, all very moderate.The founders
of the magazine, the best intellectuals and artists in the country, belong
to a generation that must bear the trauma of communism. And in my
opinion they are somewhat leaning towards the right.We are experiencing
a very complex situation where former torturers and murderers are now
controlling capital, where regions that were forced to become industrial
under communism are now mired in poverty after the collapse of their
industries.And, in the face of these realities, we should develop a discourse
which leans more to the left, to criticise these conditions, reinventing the
ARTECONTEXTO 67
discourse and its terminology, because the legacy of communism was
deadly.On the other hand, it is also true that it is these very conditions that
make it very difficult to maintain any sense of intellectual dignity. A kind of
egalitarianism is defended, but it is something that focuses on the lowest
common denominator.And then, as I said before, the fact that I have been
travelling has given rise to a widening gulf between me and the stances
and approaches of many of my colleagues.I cannot have the same opinion
as before, because reinsertion is complicated. I cannot play the game,
so I just watch.Together with my wife, Lia, also an artist and an activist
who is much more committed than I, we have created a critical thinking
platform about art.We should question what to do with freedom of speech
now that we have it.Money?Fame?We believe that this is not enough.
This detour somehow confirms what we at the magazine thought
when we first saw some of your drawings, i.e. that they portray a
post-traumatic situation.
I think that is true, although at first I did not think about it in those
terms.It was actually an American researcher, Kristine Stiles, a specialist
on trauma cultures, who first pointed this out, not only with regards to
my work but also to Lias. The basic idea was if you cannot change
society then change yourself, you know. But with regard to what you
say, it is true.The fact that I tip my strategy towards low-tech elements
is a gesture of independence from the technical, a critical distance that
offers humour as an element of my work. All that, I think, comes from
the post-trauma state you mentioned. For creators, for people who
work with ideas, communism was terrible. Maybe not so much for the
working class. But for us it was. Not only because of censorship, but
because of the context and stupidity we had to give in to in order to
figuratively and realistically represent the happy life of communism.And
now, after many years of work, where I finally managed to develop this
language, I find it incredible to think about the past.And it is even more
incredible that I am invited to speak about these things all over the world.
It is unusual to see a work like yours, whose communication aspects
are so relevant, being welcomed in a medium, that of art, which is so
prone to extolling the unreadable.
Are you referring to going to a gallery and not understanding a thing?
Let us say that is the case.
Well, my friend, they say that populism is having a resurgence. No,
seriously, it is true that I use popular language, close to caricature, but
behind it lies a form of artistic thought.What I try to do is understand.And
if I understand it, I want others to understand.Also, my texts are written
in English to reach a wider audience. Sometimes I dont use texts and
just make do with images.Everything is simple, but behind it is a critical
attitude, to distance myself from populist radicalism.My relationship with
galleries is also unique because, after all, what am I selling?In this case, at
Helga de Alvear, there is very little...
In fact, the walls are covered with almost invisible drawings and Im
afraid one cant take them home.
68 ARTECONTEXTO
Thats right. There are only a few cheap postcards and my notebooks,
which are like my kitchen. So Im selling my kitchen. The drawings
on the walls are enlarged versions of the drawings I did in the
notebooks. And the question is, do you need the originals? No.
And therein lies the issue because what I sell are ideas. I sell ideas.
It is tempting to understand your work as a collection of footnotes
to a great text, the text of the contemporary world with its wars,
Guantanamo, suicide bombings...
Thats true. I am very aware of this, I read newspapers and watch
television, trying to drench myself in the specific time and place in which
I work.And I think that ultimately all these little notes make up a kind of
fresco. This is closely related to what we said earlier about the use of slang,
as I try to question the position of the cultural event in the contemporary
world. It is somewhat paradoxical because we belong to an educated
generation, made up of hundreds of thousands of people with college
degrees, and yet the discussions on art and culture belong to an isolated
sphere.Why?Well, that is where my work exists, where it says, Yes, I can
be on the centre pages of the newspaper, not necessarily at the back, in
the culture section.And Im not a cartoonist.I am an artist.So I try to bring
the discussion on art back into the general flow of the prevailing discourse.
I was just thinking that your criticism of art institutions is very
interesting.Above all, I was wondering about your strange position in
this whole game of culture and the market.
The story of my life. In the end, it is what my friend Marius Babias, a
theoretician from Berlin, asked at the end of one of his books: Can you
be critical when you are wearing Nike shoes? Well, I think the answer
is yes. My relationship with institutions in this area is full of paradoxes,
and I remains somewhat distant from all the museums and curators.This
also applies to my political position. With all due respect, I cannot
agree with neo-Marxist theorists. They are still in the prologue. I am in
the epilogue, and I am afraid that the contents of the book are a huge
failure.They have not yet read the book, and I have.Similarly, capitalism,
in the form which they want to impose, also seems a terrible idea to me.
Romania has made great efforts to enter the European Union, but the
reforms carried out sometimes lead to absurd situations. For example:
people who have spent thousands of years making cheese in a certain
way are now told they cannot continue to do so, simply because it goes
against EU regulations. Its ridiculous. The invasion of supermarkets,
large companies. Economic growth has been linked to the production
of an enormous mass of losers, along with a small minority of very rich
winners.But, to return to the subject of institutions, it should be noted that
we live in a world full of paradoxical situations.Globalisation has given rise
to this.Is it not amazing that the Russians are taking huge advantage of
space, offering tourist trips to space stations, while the Americans continue
to think about space only in scientific terms?The same thing happens in
the art world. Sometimes the most monolithic and traditional institution
opens its doors to projects with a more flexible policy, while supposedly
radical and underground spaces only produce crap and let themselves
believe that they are moving away from the system. Well, folks, I have
DAN PERJOVSCHI View of the exhibition Time Specific, 2010. Courtesy: EACC
some news: nothing escapes the system.Everything is part of the system.
Still, despite your intentions to speak a popular language which can
be inserted in the mainstream, I think your unique position would be
different if your origins were not marginal.
Yes, but my marginality is conceptual. It is a construct. Coming from a
peripheral country that suffered under communism and is now subject to
the ravages of its inclusion in contemporary capitalism, a country which is
far from everything, and which has not played a significant role in modern
culture...we didnt know who Duchamp was.Well, we had to discover it,
and above all, we had to rediscover ourselves. Dada, for example, was
largely the work of Romanian Jews.We didnt know that either, of course
Lets say my marginality is the marginality of the medieval jester, a candid
minstrel who sings naive moral fables.Someone who can tell the truth and
be brutally critical of hegemonic powers.Well, that is more or less my job.
Talking to Dan and Lia Perjovschi 2
Although each has chosen a different title, the two proposals intermingle
perfectly in the show: on the one hand, the museum of knowledge
created by Lia, in an attempt to rethink the distribution and organization
of contemporary information, and on the other, Dan, who under the
title Time Specific, presents a new episode of his scathing drawings.
Tell us how the exhibition is organised.
Lia: My idea was to organize the material as a museum of knowledge.This
museum is divided into different sections: Land, Culture, Body, and
Universe. For each section, I chose different chronologies structures. I
have spent many years compiling chronologies of historical events that
I consider to be relevant. Some are from 1997 to 2006, the year that
Google went to China. Then theres another parallel chronology related
to the history of Romania, which somehow brings the exercise to a field
which is always personal. There is also a short history of art: three tiny
monochrome paintings, Malevich, Rauschenberg and Fontana. On the
Earth section we also have some pictures taken from space.And, again,
there are allusions to a collection Ive been working on for a while, just a
collection of different representations of the globe. There are also some
references to climate change.I want my position to be very clear: if we do
nothing, if we do not find solutions, all that is shown here can be reduced
to a mere trace.On the other hand, considering that mankind has never
boasted so many people with a higher education, and keeping in mind that
we live in the kingdom of Lady Gaga, it is necessary for us to stop and
think about what we are doingwith the knowledge we have at our disposal.
I have always had the impression that people who lived under Stalinism
have a very fresh and optimistic view of that knowledge.Perhaps on
this side of the Iron Curtain the continued availability of this information
and the inability to use it to benefit us all, has led to a cynical and
disillusioned acceptance of indifference, of the impossibility of
positioning ourselves.You are critical but not entirely sceptical.There
is always a high dose of celebration in what you do.
Lia: I am not just critical.I like to suggest things.Of course, we lived under
ARTECONTEXTO 69
 communism, and it was like being in a coma. It was very distressing
not to have access to knowledge. Of course, when you wake from a
very long coma youre hungry and thirsty, and want to see how things
have changed. But at the same time, the coma changes you. You
cannot just wake up and adopt the gaze of those who have been
awake.You build a new gaze and start to wonder about simple things,
such as the effect on art of all that has happened, all that we know.This
organization of information, this museum of knowledge, is, naturally, a
response to my frustrations of the time. We had no toys, we had no
teaching materials, we had nothing. I fantasised about accessing
information. So I started collecting, in an attempt to fill those gaps.

Would it be, then, a way of organizing information so that it

becomes an invitation for people to build their own maps, their own
timelines?
Lia: It is.My chronology is an invitation to counter-information.To not
accept what is given.For example: Google gives priority to information
depending on the country.If you go to Google UK, the search engine
will select information relevant to that country. The same happens in
the U.S. and many other places. What is the point of information if
the selection criterion is national? Please... The national criterion is
something terrible.The challenge lies in organising knowledge according
to your own criteria. In this way, information acquisition becomes
performative.Otherwise, what we have is more Lady Gaga and the idiotic
cult of individualism, the culture of the number one. Whats the deal with
becoming number one?In my selection of events and historical characters
I include many number twos and threes, without which there could not
have been a number one. I consider them to be equally important.

I see you have also included a few diagrams.

Lia: Yes, I had forgotten to talk about them, but they are very important.I
DAN PERJOVSCHI Detail of the exhibition Time Specific, 2010. Courtesy: EACC.

started doing these simple charts and using them like reading notes.
They still have the original structure. I put a keyword in the centre of
the page and I begin to take notes, radiating from that central point.

Information shoots out. And there is an interesting comparison

between the timelines, which are linear, and these diagrams, which
are like disseminations or small explosions.
Lia: It is a work that has developed on its own and is mainly linked to my
obsession with collecting and with the personal information map of which
we spoke earlier.Chronologies, obviously, are lines where everything is
shown in a continuum.Diagrams, on the other hand, are moments.Events
that signal the different layers and levels in those timelines. Someone
told me that my diagrams might be understood as a reaction against
the patronising way in which we are taught to take notes at school.

And this whole museum could be understood as a reaction against

the hyper-specialisation of knowledge?
Lia: Of course.I am very interested in the abstract idea of the compendium,
in the ability to create simple mechanisms to organise certain amounts
of complex information.And all this, besides being born from personal

70 ARTECONTEXTO
LIA PERJOVSCHI working at the EACC on the exhibition Knowledge Museum, 2010. Courtesy: EACC.
difficulties to acquire and organize this information, requires the use of a
different logic to that of a blockbuster exhibition.The idea is that nothing
should be expensive, that it should be done with little money.
Dan: That logic is a real problem.On the one hand, art has spent so
much time locked in on itself, in a constant reference to other works of art,
that it no longer connects with people.This aspect of communication is
broken.On the other hand, things work better with a certain hypocrisy.They
say there is no money but if you look closely, the major biennial exhibitions
have ten or twelve billionaire sponsors. So there does seem to be enough
money for some things. We do not feel comfortable with the idea of
astronomical budgets in our work.If you adopt this way of working it means
that, somehow, youre abandoning what you have to say.Your position is
absorbed by a form of presentation.I think the most expensive item we include
in this exhibition is an inflatable ball on which we have painted the globe.
What really stood out about the entire set-up was the way in which
Lias reflection on history and knowledge was complemented by Dans
drawings, which are more focused on commenting on the present.
Dan: Yes, it has been a real struggle for space, although it may not seem
so.At the end it was a question of negotiating, which resulted in what you
see: the two proposals overlap at various points.
Despite their formal differences.
Dan: Maybe thats the interesting thing, dont you think?
Judging by your pictures, Dan, there is little that has changed in the
state of the contemporary world.
Dan: Yes, in these three years things have remained the same. Although, all
things considered, my work now includes an element that was not present at
that time.Back then, it all seemed very promising for capitalism.Now we are
experiencing a time of crisis that inevitably forms part of my current interests.
Do you still think one can wear Nike shoes and maintain a critical
attitude?
Dan: Definitely. One can be a millionaire and maintain that attitude.
Lia: I think the important thing is to have the courage to take a stand, to
express your views energetically and clearly.
Dan: And in that sense it is fortunate to have a place like the EACC.They
have provided this playground, a whole space for us to express our
opinions.
What about your experience at the MoMA? It enjoyed great
repercussion, and, if I am not wrong, it was the first time an artist
intervened on that space with such freedom.
Dan: It was a very intense experience.I had never worked surrounded by
people, with everybody there, watching me draw.When you do that you
become a monkey... People like monkeys, of course.On the other hand,
in the United States you must take care not to offend anyone with what
you say.People are very picky about language, so everything I put on my
drawings was subjected to close scrutiny to rule out anything which could
possibly offend. It was very arduous. This does not happen in Europe,
fortunately. Here you can say what you want.Still, the intervention at the
MoMA was a great opportunity to test my work and my position as an
artist.And I think, humbly, that it was also important for the institution.
* Juan Sebastin Crdenas is a writer and art critic.
He was born in Colombia and lives in Madrid
Notes
1.- Dan Perjovschiat Helga de Alvear Gallery.Madrid.February, 2007.
2.- Dan and Lia Perjovschi at the EACC.Castelln.October, 2010.
ARTECONTEXTO 71
The Unilever Series: Doris Salcedo.
Shibboleth, 2007. Vista de la instalacin. Tate Modern, Turbine Hall. 9 de octubre de 2007 - 6 de abril de 2008. de la artista. Cortesa Tate Modern.

y el enmudecimiento de las vctimas.
Colombia ha tenido tres veces ms desaparecidos que las tres
dictaduras militares del Cono Sur sumadas. Esta terrible conclusin es
de Claudia Lpez Hernndez, cabeza de un equipo de investigadores
colombianos que acaba de publicar un estudio muy documentado
sobre la violencia poltica padecida por el pueblo colombiano en las
dos ltimas dcadas1. La sorpresa y la incredulidad con que se pueden
leer estas palabras es directamente proporcional a la envergadura
del silencio meditico que ha acompaado la consumacin de las
atrocidades que denuncian. La misma que cuantifican estas cifras
estremecedoras: 163.762 asesinatos polticos, 31.841 desapariciones
forzadas, 1.309 masacres, 66.562 comunidades rurales vctimas de
actos sistemticos de violencia2 que han producido el desplazamiento
forzado de entre los 2,5 y los 3 millones de personas, segn clculos
de las Naciones Unidas.
Pero con todo, y lo abrumadoras que son estas cifras, no
provocan tanta indignacin como la que causa la constatacin de
que tamaos crmenes hayan estado encubiertos hasta la fecha por
un atronador silencio meditico, acompasado con el mimo con el que
los medios occidentales trataron, hasta hace muy poco, al gobierno
de lvaro Uribe. Colombia no ha tenido hasta ahora una Comisin
de la Verdad afirma Lpez Hernndez. El Gobierno de lvaro Uribe
sostuvo siempre que no era necesario, que Colombia haba sido y era
una democracia ejemplar3. Cuntos de nosotros no hemos ledo o
Doris Salcedo
CARLOS JIMNEZ*
escuchado la continua y contundente afirmacin, en los ms distintos
medios y por parte de los ms variados informadores y comentaristas,
de que Colombia es una democracia ejemplar? Quizs lo sea. Quizs
las democracias ejemplares sean en nuestro tiempo aquellas en
las que democracia y genocidio puedan coexistir sin entorpecerse
mutuamente. Pero pinsese lo que se piense de una cuestin tan
absolutamente decisiva, lo cierto es que all estn las vctimas de
esa democracia ejemplar, soportando unas penas agravadas por el
ominoso silencio que las acompaa
A Doris Salcedo artista a quien Espaa ha concedido, muy
merecidamente, el Premio Velzquez de las Artes en 2010 le ha
indignado este silencio desde los comienzos de su carrera artstica,
que coinciden con los inicios en los aos 90 del siglo pasado
de esos aos de plomo investigados por Lpez Hernndez y su
equipo. De hecho Casa viuda y Atrabiliarios, dos obras que marcaron
la orientacin ulterior de su trayectoria artstica, slo se comprenden
en toda su conmovedora intensidad en conexin con la voluntad de
la artista de sacar a la luz los padecimientos de las vctimas de las
masacres que entonces comenzaban a ensangrentar las aldeas y
los campos colombianos. La primera es una serie de intervenciones
en el espacio logradas mediante unos inslitos acoplamientos de
muebles y de puertas viejas, desgastadas, ultrajadas si se quiere,
y abandonadas sin remedio por gente a la que alguna innominada
ARTECONTEXTO 73
catstrofe ha obligado a huir de sus hogares. Esos acoplamientos,
aunque extraos, no eran sin embargo casuales o caprichosos
sino que obedecan a una estrategia de la artista que provocaba el
desplazamiento de los muebles desde el plano de los usos cotidianos
al de las significaciones reveladoras: En esa poca explica Doris
Salcedo hablaba con muchas viudas y viudos acerca de cmo era
esa experiencia de estar sentado a diario en la mesa con un ser querido
que, de repente, desaparece. Cundo esta persona ya no est, qu
haces t con ese asiento? Ese asiento vaco grita la ausencia de ese
ser. Yo pensaba que si estas personas ya no estn ac, ya no estn
presentes, es como si el objeto, ese objeto que nos tortura con su
ausencia, tampoco debera existir, quera convertir estos objetos
en objetos intiles, disfuncionales, que cambiaran de estatus, de lo
utilitario a lo simblico4 .
A este desplazamiento tambin contribua un detalle que
conectaba esos inquietantes ensamblajes con los modestos
mobiliarios de las casas que abandonaban en contra su voluntad
las miles y miles de familias campesinas colombianas vctimas del
desplazamiento forzado. Me refiero a los diminutos fragmentos de
huesos incrustados en cada una de esas obras y que estaban all
como testimonios inexpugnables de los horribles crmenes que haban
producido tales desplazamientos.
La asociacin con el terror de masas adoptaba una forma
distinta en Atrabiliarios una pieza de 1991 que consista en una
secuencia de pequeos nichos en la pared, cubiertos de vejiga de
vaca cosida en los bordes con hilo quirrgico, en cuyo interior haba
zapatos usados. Zapatos que adquiran una connotacin especial
para quienes guardamos el recuerdo de documentales como Noche
y Niebla de Alain Resnais, en los que poda verse que los cadveres
insepultos de las vctimas de los campos de exterminio nazi estaban
amontonados de la misma forma ignominiosa en que lo estaban
los zapatos de los que previamente haban sido despojados. Y
esa asociacin se intensificaba por el hecho de que las pantallas
de tejido animal de la obra de Doris Salcedo evocaban, a su vez,
las pantallas de lmparas mandadas a hacer por los nazis con piel
humana.
La conexin entre Atrabiliarios y los campos de extermino
induce a una pregunta que resulta crucial en el conjunto de la obra
de Doris Salcedo y que interroga sobre la posibilidad o no de rendir
un testimonio personal de la experiencia del terror. Giorgio Agamben
se ocupa en su libro Homo sacer5 del musulmn, o sea de aquellos
que en los lager estaban tan desmoralizados que habitualmente
permanecan postrados en el suelo, en una posicin que recordaba
la de los creyentes musulmanes postrados para la oracin. Ellos s
que eran las vctimas ms extremas del terror nazi pero, al mismo
tiempo y debido a su irremediable postracin, eran los ms incapaces
de rendir un posterior testimonio personal de las atrocidades a las
que haban sido sometidos. Arbitrarios, pero tambin obras como
las pertenecientes a la serie Unland o la instalacin Noviembre 7
presentada en Documenta de Kassel por mencionar slo las ms
destacadas son resultados de los esfuerzos de la artista colombiana
74 ARTECONTEXTO
por conjurar esta clase de silencio de las vctimas. Conjurar es para
el Diccionario de la Real Academia de la Lengua un verbo que remite
tanto a la invocacin como al alejamiento de algo que pertenece a
un mbito distinto del mundano. Y ese doble movimiento est en la
relacin del arte de Doris Salcedo con el silencio o, ms precisamente,
con el en-mudecimiento que produce en sus victimas la violencia
extrema: la invoca y al mismo tiempo la exorciza. La mudez de las
victimas es invocada por la mudez de unas obras suyas que subvierten,
de hecho, su propia mudez y la de las vctimas, exhibiendo en toda su
expresiva crudeza los despojos y los rastros que dejan tras de s los
actos de increble violencia que han privado de voz a sus vctimas.
La tensin entre el habla y el enmudecimiento se superpuso a
la que se da entre el olvido y el recuerdo en un contexto igualmente
traumtico, en una obra que la propia artista llam un Acto de memo-
ria y que fue realizada entre el 6 y el 7 de noviembre de 2002, en con-
memoracin de acontecimientos sucedidos 17 aos antes. Entonces
un comando del movimiento guerrillero M-19 se apoder del Palacio
de Justicia de Bogot, la capital de Colombia, y tom como rehenes
a los integrantes de la Corte Suprema de Justicia, con la pretensin
de obligarla a enjuiciar al presidente de gobierno Belisario Betancur,
por el supuesto incumplimiento de la tregua que meses atrs haba
pactado con dicho movimiento guerrillero6. La respuesta del Gobierno
no fue menos desmesurada: rechaz los llamamientos a la negocia-
cin formulados por el presidente de la Corte Constitucional y orden
un asalto militar al Palacio que se sald con la muerte de todos los
miembros de la Corte Suprema, un nmero todava indeterminado de
funcionarios y visitantes y todos los integrantes del comando guerri-
llero7.
El sinsentido de este trgico episodio resulta emblemtico
del sinsentido que todava aqueja a la guerra sucia que padece
Colombia, generando impedimentos adicionales para verbalizarla,
y de este modo exorcizarla, por parte de quienes son sus vctimas.
Doris Salcedo se hizo cargo de dicho agravamiento de la mudez por
el sinsentido, mediante una accin que se inici el 6 de noviembre,
a las 11.35 horas de la maana y que consisti en deslizar lenta y
silenciosamente desde la azotea del nuevo Palacio de Justicia, y
a lo largo de dos de sus fachadas, 280 sillas de madera. Las sillas
quedaron suspendidas en el vaco hasta que se invirti el proceso y
comenzaron a ser izadas hasta que no qued ninguna. La operacin
dur en total 53 horas: el mismo tiempo que dur la devastadora
batalla por el control del Palacio de Justicia8.
Quiero crear una pieza conmemorativa explic en su
momento pero muy diferente de los monumentos tradicionales que
a menudo son nacionalistas y grandilocuentes () Por esta razn
intento generar una imagen que pueda sacudir la memoria de los
transentes, para que ellos puedan confrontar su propia memoria de
este terrible evento () Es una obra que negocia con la tensin entre
recuerdo y olvido () con la que los supervivientes y las afectados
luchan ao tras ao9.
Las sillas fueron utilizadas masivamente de nuevo por Doris
Salcedo, en su intervencin en la octava edicin de la Bienal de
Estambul, celebrada en 2003. En esa
oportunidad rellen con centenares de
sillas usadas de madera un solar entre
medianeras situado en uno de los barrios
tradicionales de la legendaria ciudad
turca, con el propsito de sacar del olvido
el hecho atroz de que en 1942, y en plena
guerra mundial, el gobierno impuso por
decreto unos impuestos verdaderamente
confiscatorios a las minoras juda y
griega. A quienes no pudieron pagarlos les
expropiaron sus bienes y les encerraron
en campos de concentracin.
En fin, no es posible escribir ahora
sobre Doris Salcedo sin ocuparse de
Shibboleth, su contundente intervencin
en Turbine Hall de la Tate Modern de
Londres en 2007. Shibboleth fue una grie-
ta y ahora es una cicatriz, igual de enorme
y a la vez refinada que la grieta que cruzaba
de un extremo a otro el suelo de la sala
ms emblemtica de la escena artstica
internacional. Su ttulo corresponde a una
voz hebrea que antes fue utilizada para Untitled, 1998. Madera, hormign y metal. Cortesa: Coleccin Daros Latinoamrica, Zrich
discriminar entre quienes eran hebreos y
quienes no lo eran. Slo a quienes podan
pronunciarla correctamente se les reconoca como pertenecientes al *Carlos Jimnez es crtico de arte y comisario independiente.
pueblo de Israel y no como espas o infiltrados. Doris Salcedo utiliz Nacido en Colombia, reside en Madrid.
este hecho histrico para justificar su decisin de llamar as una obra
que, para ella, es una alegora de la brecha abismal que separa al NOTAS
Primer Mundo del Tercero. Ella asocia la grieta con ese agujero 1.- Claudia Lpez Hernndez (Editora), Y refundaron la patria De cmo mafiosos y
que le impide a la modernidad asumir que su historia entera de auto polticos reconfiguraron el Estado colombiano, Debate, Bogot 2010.
cultivo de la mente humana a travs del ejercicio de la razn y estudio 2.- Op cit, p. 76.
de los clsicos, orientada a la creacin de una sociedad bella, 3.- Ibid, p. 78.
racional y homognea tiene como contrapartida inexcusable una 4.- Doris Salcedo citada por Dominique Rodrguez Dalvard en La mujer invisible.
empresa imperial, cuya historia de violencia, despojos y exclusiones http://www.gatopardo.com/numero94/crnicas
ha sido desatendida, marginalizada o simplemente obliterada10. 5.- Giorgio Agamben, Homo sacer. El poder soberano y la nuda vida, Pre-textos,
Para Doris Salcedo, sin embargo, la empresa imperial no es del Valencia, 1999.
pasado sino que tiene una actualidad que se manifiesta con fuerza 6.- Andreas Grillo, La toma del Palacio de Justicia. La herida abierta. Publicado en
en el racismo del que ahora son vctimas preferidas en Europa los Colombianlink
inmigrantes del Tercer Mundo. Shibboleth puede ser vista como el 7.- Ibid
producto de un evento irracional, que cruza un edificio racionalista. 8.- Memoria artstica de una tragedia. La toma del Palacio de Justicia en 1985. El
Su aparicin disturba la Turbine Hall de la misma manera que la tiempo, edicin del 7 de noviembre de 2002
aparicin de los inmigrantes disturba el consenso y la homogeneidad 9.- Doris Salcedo, Proposal for a project for the Palace of Justice , Bogot, 2002,
de las sociedades europeas11. Y concluye: Yo estoy centrada en en Doris Salcedo, Shibboleth, Tate Modern, London 2007, p. 83. (La traduccin de
las fronteras porque sealan la posicin desde la cual un artista de esta cita y de todas las siguientes del mismo libro son del autor de este texto)
hoy puede remitirse a la experiencia de la gran mayora de los seres 10.- Doris Salcedo, Proposal for a Project for the 8th International Istambul Biennal.
humanos: una monstruosa exclusin social de los desclasados que 2003, en Doris Salcedo, Shibboleth, p. 99.
viven en los confines, en el epicentro de la catstrofe, en los bordes 11.- Ibid
de la vida. Ellos recorren senderos en donde la vida es reducida a una 12.- Doris Salcedo, Proposal for a project for the Turbine Hall, Tate Modern, London,
pura experiencia desnuda. Su experiencia define mi trabajo12. 2007. Op cit. p. 65

ARTECONTEXTO 75
The Unilever Series: Doris Salcedo
Shibboleth, 2007. Installation Views . 9 October 2007 - 6 April 2008. Tate Modern, Turbine Hall. Copyright the artist. Courtesy: Tate Modern

And the Silence of the Victims.
Colombia has had three times more disappearances than the three
military dictatorships in the Southern Cone combined. This terrible
conclusion has been reached by Claudia Lpez Hernndez, the head
of a Colombian research team, which has just published a very well
documented report on the political violence suffered by the Colombian
people during the last two decades1. The surprise and incredulity
that can be observed in these words are directly proportional to the
scale of the media silence which has accompanied the execution
of the atrocities described. The same can be said of these alarming
figures: 163,762 political murders, 31,841 forced disappearances,
1,309 massacres, and 66,562 rural communities which have suffered
systematic acts of violence2, giving rise to the displacement of between
2,5 and 3 million people, according to United Nations figures.
However, despite all this, and the overwhelming facts, they
are not as appalling as the realisation that these crimes have been
concealed by a deafening media silence, similar to the gentleness with
which the western media treated, until very recently, the government
of lvaro Uribe. Up to now Colombia has not had a Commission
for Truth, says Lpez Hernndez. The government of lvaro Uribe those who have been forced to flee their homes as a result of some
always maintained that it was not necessary, that Colombia had
always been and still was an exemplary democracy3. How many of
us have heard or read the constant and firm statement, in all sorts of
media, and made by a wide range of newscasters and commentators,
Doris Salcedo
CARLOS JIMNEZ*
that Colombia is an exemplary democracy? Perhaps it is. Perhaps
exemplary democracies are, today, those in which democracy and
genocide can coexist without any problems. However, whatever
one thinks about such a crucial issue, the truth is that victims of this
exemplary democracy are still there, subject to pain made worse by
the ominous silence which accompanies it.
Doris Salcedo an artist whom the Spanish government has,
deservedly, awarded the Premio Velzquez de las Artes for 2010 has
been disgusted by this silence since the beginning of her artistic career,
which coincided with the beginning the 1990s of those leaden
years researched by Lpez Hernndez and her team. In fact, Casa
viuda and Atrabiliarios, two works which defined the ultimate direction
of her work, can only be fully understood in all their emotional intensity
in connection with the desire of the artist to reveal the suffering of the
victims of the massacres which were, then, beginning to fill Colombian
villages and fields with blood. The former is a series of interventions in
space achieved through the unusual assembling of furniture and old,
worn doors, which could even be described as injured, abandoned by
nameless catastrophe. These assemblies, however strange, were not
random or whimsical, but responded to a strategy on the part of the
artist to cause the displacement of the furniture from the perspective
of daily use to that of revealing meanings: At that time, explains Doris
ARTECONTEXTO 77
Installation for the 8th International Istanbul Biennial, 2003
Salcedo, I used to speak with lots of widows and widowers about the
experience of having sat at a table with your spouse for years and then
suddenly have him or her disappear. When the person is no longer
there, what should you do with their chair? The empty seat screams
the absence of the loved one. I thought that, if these people are no
longer here, no longer present, it is as if the object torments us with
their absence, and should not exist either, so I wanted to turn those
objects into useless, dysfunctional items, to change their status from
the utilitarian to the symbolic4.
This displacement was enhanced by a detail that connected
these perturbing assemblies with the modest furniture of the houses
which thousands upon thousands of peasant Colombian families
were forced to leave behind. I am referring to the tiny fragments of
bone encrusted in each of the pieces, which function as impregnable
expressions of the horrible crimes that caused these displacements.
The association with mass terror adopted a different form in
Atrabiliarios a piece from 1991 which consisted of a sequence
of small recesses in the wall, covered with a cows bladder, sewn
with surgical thread, containing used shoes. These shoes acquired
a special significance for those of us who remember documentaries
such as Night and Fog, by Alain Resnais, which showed the unburied
bodies of the victims of Nazi concentration camps, piled up in the
same ignominious way as the shoes which had been previously taken
from them. This association was intensified by the fact that the animal
78 ARTECONTEXTO
tissue screens in Doris Salcedos work also evoked the lamps made
by Nazis with human skin.
The connection between Atrabiliarios and extermination camps
leads to a crucial question regarding all of Doris Salcedos work, on
the possibility of offering a personal account of the experience of
terror. Giorgio Agamben, in his book Homo sacer5 wrote about the
Muslim, that is, those in the lager who were so demoralised that
they lay on the floor, in a position reminiscent of Muslims at prayer.
These were the most extreme victims of Nazi terror, but, at the same
time, and because of their unavoidable position, they were incapable
of offering a personal account of the atrocities they had suffered.
Arbitrarios, as well as other works, such as those in the series Unland,
or the installation Noviembre 7, presented at Documenta in Kassel
to mention only the best known are the result of the efforts on
the part of the Colombian artist to conjure this kind of silence of the
victims. To conjure, according to the Royal Academy of Language,
is a verb which refers both to an invocation and to the distance from
something which belongs to a realm outside our daily mundane lives.
This double movement can be found in the relationship of the work of
Doris Salcedo and silence, or, to be more precise, with the silencing
caused by extreme violence in its victims: it invokes it at the same
time as it exorcises. The speechlessness of the victims is invoked
by the silence of works which subvert her own silence and that of
the victims, exhibiting, in their expressive rawness, the remains and
 The Unilever Series: Doris Salcedo
Shibboleth, 2007. Installation Views . 9 October 2007 - 6 April 2008. Tate Modern, Turbine Hall. Copyright the artist. Courtesy: Tate Modern
Acto de memoria. 6 y 7 de noviembre de 1985, 2002. Intervention on the facade of the Palace of Justice of Bogot.
traces left behind by the acts of incredible violence which once left its
victims without a voice.
The tension between speech and silence was superimposed to
that between oblivion and memory in an equally traumatic context, in a
work which the artist entitled Acto de memoria, and which was carried
out between the 6th and the 7th of November, 2002, to commemorate
the events which had taken place 17 years before, when a commando
unit of the guerrilla movement M-19 took over the Palace of Justice
of Bogot, the capital of Colombia, and held hostage the members
of the Supreme Court, under the pretence of forcing them to judge
the President, Belisario Betancur, for the supposed breech of the
truce he had agreed months before with the guerrilla movement6. The
governments response was no less extreme: it refused to negotiate,
as requested by the president of the Constitutional Court, and ordered
a military siege of the Palace, which resulted in the death of all of the
members of the Supreme Court, a yet to be determined number of
staff and visitors and all of the members of the guerrilla commando7.
The meaninglessness of this tragic episode represents the
absurdity which still affects the dirty war suffered by Colombia,
generating additional obstacles for its victims to verbalise it, and, in
this way, exorcise it. Doris Salcedo approached this added pain to
the silence at this absurdity, through an action which began on the
6th of November, at 11.35 am, which consisted of slowly and silently
sliding, from the roof of the new Palace of Justice, and across its two
facades, 280 wood chairs. The chairs were suspended in the air until
the process was inverted and they were pulled up until none was left.
The operation lasted a total of 53 hours: the same as the devastating
battle for control over the Palace of Justice8.
I want to create a commemorative piece, she explained at the
time. But I want it to be very different from traditional monuments
which are often nationalistic and pompous () Because of this I try to
generate an image which will shake the memory of passersby, so that
they can face their own memory of this terrible event () It is a work
which negotiates with the tension between the memory and oblivion
80 ARTECONTEXTO
() with which the survivors and those affected struggle year after
year9.
Chairs were used again by Doris Salcedo in her intervention
at the eighth Istanbul Biennial, in 2003. On that occasion, she filled
a plot of land with hundreds of used wooden chairs, in one of the
traditional neighbourhoods of the legendary Turkish city, with the aim
of remembering the atrocious occasion when, in 1942, in the midst of
the Second World War, the government imposed by decree a series
of truly confiscatory taxes to Jewish and Greek minorities. Those who
could not pay them had their possession seized and were sent to
concentration camps.
Ultimately, it is not possible to write about Doris Salcedo today
without speaking about Shibboleth, her bold intervention in the Turbine
Hall of the Tate Modern Museum in London, in 2007. Shibboleth was a
crack, and is now an equally large and refined scar of the fissure which
crossed the floor of the most emblematic room in the international
art scene. Its title comes from a Hebrew word that used to be used
to distinguish between Hebrews and non-Hebrews. Only those who
could pronounce it properly were recognised as belonging to the
people of Israel, instead of as spies or moles. Doris Salcedo used this
historical fact to justify her decision to give this name to a work that,
for her, is an allegory of the gulf that separates the First and the Third
Worlds. She associates the crack with that hole which prevents
modernity from assuming that its entire history of self-cultivation
of the human mind through the exercise of reason and the study
of the classics, aimed at the creation of a beautiful, rational, and
homogenous society, has as its unforgivable counterpart an imperial
enterprise whose history of violence, siege and exclusion has been
ignored, marginalised or simply obliterated10. For Doris Salcedo,
however, the imperial enterprise does not exist only in the past but
can also be seen today, in racism, whose current favourite victims
in Europe are immigrants from the Third World. Shibboleth can be
seen as the product of an irrational event, which crosses a rationalist
building. Its appearance disturbs the Turbine Hall in the same way
that the arrival of immigrants disturbs the consensus and
homogeneousness of European societies11. And she adds:
I focus on borders because they mark the position from
which todays artists can evoke the experience of the vast
majority of human beings: a monstrous social exclusion of
the marginalised, who live in the confines, in the epicentre of
catastrophe, at the edges of life. They wander down paths
where life is reduced to a pure and bare experience. Their
experience defines my work12.

*Carlos Jimnez is an art critic and independent curator.

He was born in Colombia, and lives in Madrid.

NOTES:
1.- Claudia Lpez Hernndez (Editora), Y refundaron la patria De cmo
mafiosos y polticos reconfiguraron el Estado colombiano, Debate, Bo-
got 2010.
2.- Op cit, p. 76.
3.- Ibid, p. 78.
4.- Doris Salcedo quoted by Dominique Rodrguez Dalvard in La mujer
invisible. http://www.gatopardo.com/numero94/crnicas
5.- Giorgio Agamben, Homo sacer. El poder soberano y la nuda vida, Pre-
textos, Valencia, 1999.
6.- Andreas Grillo, La toma del Palacio de Justicia. La herida abierta.
Published in Colombianlink
7.- Ibid
8.- Memoria artstica de una tragedia. La toma del Palacio de Justicia en
1985. El tiempo, 7th of November, 2002
9.- Doris Salcedo, Proposal for a project for the Palace of Justice, Bo-
got, 2002, in Doris Salcedo, Shibboleth, Tate Modern, London 2007,
p. 83.
10.- Doris Salcedo, Proposal for a Project for the 8th International Istan-
bul Biennial. 2003, in Doris Salcedo, Shibboleth, p. 99.
11.- Ibid Noviembre 6, 2001. Stainless steel, lead, wood and resin. Courtesy: Daros Latinamerica Collection, Zrich
12.- Doris Salcedo, Proposal for a project for the Turbine Hall, Tate
Modern, London, 2007. Op cit. p. 65
cine
I Wish I Knew
Director: Jia Zhangke
138 minutos
2010
Abraham Rivera
Cuando el festival de Locarno decidi dar este ao el Leopardo de
Honor a Jia Zhangke (Fenyang, 1970), saba que se lo entregaba a
un cineasta an joven y con un gran camino por recorrer. El premio
valoraba una manera de hacer cine avalada por ciertos estudios cul-
turales del momento, encaminados a redefinir los conceptos de cine
nacional y del tercer mundo desde la fragmentacin de una supuesta
identidad nacional homognea en innumerables identidades alternas
definidas por lo social, econmico, sexual o religioso. El cine transna-
cional encontraba en la globalizacin econmica The World (2004) y
la aceleracin tecnolgica Still Life (2006) temas que la obra de Jia
Zhangke saba reflejar muy sutilmente.
Algunos de sus posteriores trabajos han jugado con la ficcin,
pero siempre teniendo muy presente el valor del testimonio. Dong
(2006) y 24 City (2008) han acercado al cineasta a un relato donde
lo im-portante es la escritura del tiempo, imprimir sobre la pelcula
las vidas de un pasado en vas de extincin. I Wish I Knew (2010), su
ltima obra presentada en el Festival de Cannes, contina con este
trabajo y narra la historia de Shanghai a travs de 18 entrevistas a
figuras relevantes de la vida cultural y social de la ciudad portuaria,
aunque no deja entrever ni la claridad, ni la ambicin precedentes, y
por momentos parece que nos encontremos ante un bello anuncio de
la Exposicin Universal china. Slo en los momentos en que deam-
bula por las calles su musa Zhao Thao podemos tocar con los dedos
esa manera de filmar nica, un territorio donde lenguaje y estructura
vuelan por los aires.
82 ARTECONTEXTO
Ben Rivers
El pasado que nunca fue
A.R.
En menos de diez aos, con una produccin que tiene en el
cortometraje su mxima expresin, Ben Rivers (Somerset, 1972)
se ha hecho con un lugar destacado dentro del cine experimental.
Armado con una Bolex a cuerda que slo le permite realizar breves
tomas de 30 segundos, su cine se ubica dentro de un espacio
temporal difuso. A esta sensacin brumosa ayuda una eleccin
magistral de entornos y personajes, alejados de lo que entendemos
como la vida moderna. A primera vista sus breves pelculas se
relacionan con el documental etnogrfico y el cine de archivo. Sin
embargo, la manipulacin del sonido juega a modo de falsa memoria
con las imgenes y confiere a estas una atmsfera de ficcin
fantstica, de manera que la idea de lo real se torna ms compleja.
Es en ese instante cuando el lirismo y la potica desaparecen para
crear narrativas ms abiertas.
De momento, podemos encontrar en su cine una primera
etapa ms oscura, con ttulos como We the People (2004) y Old
Dark House (2003), donde coloca su cmara en el interior de
pequeas construcciones y observa el discurrir de la naturaleza; y
una segunda, con piezas como I Know Where Im Going (2009) u
Origin of the Species (2008), que tiene en la descripcin de paisajes
y figuras de outsiders un reverso ms luminoso. Este cine de
connotaciones fantsticas se encuentra cercano al de otros
cineastas de su generacin como Emily Richardson (1971),
Luke Fowler (1978) o Ben Russell (1976). Los dos primeros
reelaboran la geografa britnica, mientras que el tercero
desactiva el colonialismo europeo. Estos cineastas, junto con
Ben Rivers, ofrecen una mirada singular y polidrica a momentos
del presente que permanecen inalcanzables a nuestra mirada.

Del xtasis al arrebato.
Un recorrido por el
cine experimental espaol
EUGENIA BALCELLS Boy meets girl,1978.
Cortesa: Cameo, CCCB y SEACEX.
cine
PABLO G. POLITE*
Para empezar a valorar y entender el cine experimental hecho aqu, en Espaa,
para conocer por fin a sus inslitos directores y saber de qu manantial ha brotado
su desatendido talento, conviene hacerse urgentemente con el doble DVD que
recientemente ha editado Cameo: un pack titulado Del xtasis al arrebato que rene
31 cortometrajes realizados en Espaa en el ltimo medio siglo y que sirve como
(reducido) catlogo visual de la retrospectiva homnima con vocacin de itinerancia
internacional que han puesto en marcha conjuntamente el Centre de Cultura
Contempornia de Barcelona (CCCB) y la Sociedad Estatal para la Accin Cultural
Exterior (SEACEX), con el voluntarioso fin de recuperar ese cine limtrofe espaol
que se aparta del circuito comercial y acadmico, y honrar as a sus artfices como
respuesta al crdito que sus pelculas merecen.
Ms all de la justicia cinematogrfica y de su necesaria sistematizacin, Del
xtasis al arrebato es un preciso artefacto para adentrarse en el cine espaol menos
ortodoxo y arrojar algo de luz sobre algunas de sus pelculas ms representativas,
un primer paso para profundizar en unos autores que desafiaron las tradiciones
heredadas de la representacin cinematogrfica y apostaron, cada uno con su propia
motivacin, por la ausencia de linealidad, teatralidad o narrativa, abriendo puertas y
ventanas a todos los que han llegado detrs y han sido abducidos por el cine menos
fosilizado, estndar y acomodaticio. La imaginacin, en algunos casos mucho ms
desatada que la de los surrealistas, y la experimentacin, palmaria en todos y cada
uno de ellos, son quizs los dos ejes fundamentales de esta seleccin de pelculas,
ignoradas por la historia del cine y restringidas, por su falta de distribucin, a stanos,
cineclubs y, slo recientemente, galeras o museos.
El subttulo del DVD, Un recorrido por el cine experimental espaol, no deja un
milmetro a la duda. Sin dejar de ser una antologa, Del xtasis al arrebato no pretende
constituirse en canon y se limita a recoger en estricto orden cronolgico pelculas que
tienen un denominador comn: haber sacudido los cimientos estticos e ideolgicos
del cine desde la segunda mitad del siglo XX, con representacin de los 50 (Jos Val
del Omar, Joaqun Puigvert y Equipo 57), los 70 (Carles Santos, Eugeni Bonet, Jos
Antonio Sistiaga, Ivn Zulueta y Eugnia Balcells) y las generaciones ms jvenes
desde los 90 (David Domingo, Velasco Broca, Laida Lertxundi o Antoni Pinent). No
estn todos los que son ni son todos los que seguramente podran estar, pero la
seleccin es lo suficientemente amplia y, adems de dar claves y probadas muestras
de la prctica habitual del cine experimental en Espaa, deja entrever que en un
futuro se aadirn nuevas entregas a esta singular propuesta.
Si algo merece destacarse en esta seleccin de ese otro cine espaol, es su
voluntad de trascender nuestras fronteras antes de perderse irremediablemente en
el cajn del olvido. Todas las pelculas que incluye tienen su pedigr. Cada fotograma
revela una factura hecha de asombro y paciencia. Y sugieren, casi sin quererlo, que
su originalidad responde a un solo fin: desprenderse de todas las reglas para mirar
sobre lo visto y mostrar otra realidad con los ojos nuevos. Fuego en Castilla (1958-
60), Impresiones en la alta atmsfera (1988-89), Photomatons (1976), Copy Scream
(2005) o La costra lctea (2001) son slo cinco ejemplos que ilustran la diversidad de
enfoques estticos y metodolgicos; cinco perlas, entre otras tantas, que dejan en
el espectador la semilla de la curiosidad y la estimulante sensacin de que an hay
tesoros por descubrir en las profundidades del cine.
* Pablo G. Polite es crtico de arte, cine y msica, y comisario independiente
ARTECONTEXTO 83
cinema
I Wish I Knew
Director: Jia Zhangke
138 minutes
2010
Abraham Rivera
When the Locarno festival awarded the Leopard of Honour to Jia
Zhangke (Fenyang, 1970), it was in the knowledge that he is still
a young filmmaker, with a long career ahead of him. The prize
valued a way of making films supported by certain cultural studies
from that moment, aimed at redefining the concepts of national
and Third-World cinema, from the fragmenting of a supposedly
homogeneous national identity which turned it into countless
alternative identities, defined by social, economic, sexual and
religious elements. Trans-national cinema found in economic
globalisationThe World (2004) and technological acceleration
Still Life (2006) a number of issues which the work of Jia Zhangke
reflected with great subtlety.
Some of his subsequent works have played with fiction, but
always keeping in mind the value of the testimony. Dong (2006)
and 24 City (2008) have brought the filmmaker closer to a narrative
where the most important element was the writing of time, to
impress on the film the lives of a past in danger of extinction. I
Wish I Knew (2010), his latest work, presented at the Cannes Film
Festival, continues with this work and runs through the history of
Shanghai through 18 interviews with relevant figures in the port
citys cultural and social life, although it does not boast the clarity
and ambition of his previous work, and at times we feel like we
are watching a beautiful advertisement for the Chinese Expo. Only
when his muse Zhao Thao wanders through the streets are we able
to once again observe his unique way of filming, a territory where
language and structure soar across the sky.
84 ARTECONTEXTO
Ben Rivers
The Past which Never Was
A.R.
In less than ten years, with a production which reaches its maximum
expression in short films, Ben Rivers (Somerset, 1972) has achieved
an important position in experimental film. Armed with a manual
Bolex which only allows him to film brief 30-second takes, his film
is situated within a diffuse temporal space. This blurred sensation is
enhanced by a masterful selection of environments and characters, far
from what we understand as modern life. At first sight, his brief films
are reminiscent of ethnographic documentaries and archive films.
However, the manipulation of sound functions as a false memory with
the images and lends them a fantasy fiction atmosphere, in such a
way that the idea of what is real becomes more complex. It is at this
point that the poetry and lyrical sense of the work disappear to create
more open narratives.
For the moment, we can find in his cinema a darker first period,
with movies such as We the People (2004) and Old Dark House (2003),
where he places his camera inside small constructions and observes
the comings and goings of nature; and a second, with pieces such as
I Know Where Im Going (2009) or Origin of the Species (2008), which
finds in the description of landscapes and the figures of outsiders a
more luminous reverse. These films, with their fantasy connotations,
are close to that of other filmmakers from his generation, such as
Emily Richardson (1971), Luke Fowler (1978) and Ben Russell (1976).
The first two revisit British geography, whilst the third deactivates
European colonialism. These filmmakers, along with Ben Rivers, offer
a unique and multi-faceted vision of moments from the present which
our own gaze cannot reach.

Del xtasis al arrebato.
Un recorrido por el
cine experimental espaol
[From Ecstasy to Rapture.
A Journey through Spanish
Experimental Cinema]
EUGENI BONET Photomatons,1976
Cortesy: Cameo, CCCB and SEACEX.
cinema
PABLO G. POLITE*
In order to begin to appreciate and understand the experimental cinema made here in
Spain, to finally meet its unusual directors and know from which source their disregarded
talent has sprung, it is advisable to urgently get hold of the double DVD that was
published recently by Cameo: a pack entitled Del xtasis al arrebato which contains
31 shorts made in Spain in the last fifty years and which acts as a (reduced) visual
catalogue of the homonymous retrospective, designed to be circulated internationally,
jointly produced by the Centre de Cultura Contempornia de Barcelona (CCCB) and
the Sociedad Estatal para la Accin Cultural Exterior (SEACEX), with the enthusiastic
aim of recuperating this borderline Spanish cinema which distanced itself from the
commercial and academic circuit, and to honour its directors reflecting the credit their
films deserve.
Beyond cinematographic justice and its necessary systematisation, Del xtasis
al arrebato is the precise artefact for penetrating less orthodox Spanish cinema and to
throw a little light on some of its most representative films, a first step towards an in-
depth analysis of some filmmakers who challenged the inherited traditions of film and
opted, each for his own reasons, for the absence of linearity, theatricality and narrative,
opening doors and windows for all those who came after and have been abducted
by a less fossilised, standardised and accommodating cinema. Imagination, in some
cases much more uncontrolled than that of the surrealists, and experimentation,
clearly displayed in each and every one of them, are perhaps the two basic premises
of this selection of films, ignored by cinema history and limited, because of lack of
distribution, to basements, film clubs and, just recently, to galleries and museums.
The subtitle of the DVD, Un recorrido por el cine experimental espaol [A Journey
through Spanish Experimental Cinema], leaves not an ounce of doubt. While remaining
an anthology, Del xtasis al arrebato does not try to become a canon and it limits
itself to bringing together in strict chronological order films which have a common
denominator: that of having shaken the aesthetic and ideological foundations of
cinema since the second half of the 20th century, with directors from the 1950s (Jos
Val del Omar, Joaqun Puigvert and Equipo 57), the 1970s (Carles Santos, Eugeni
Bonet, Jos Antonio Sistiaga, Ivn Zulueta and Eugnia Balcells) and the younger
generations from the 1990s on (David Domingo, Velasco Broca, Laida Lertxundi and
Antoni Pinent). Not all of them are included, but the selection is sufficiently wide and,
as well as giving key and proven examples of the customary practice of experimental
cinema in Spain, it suggests that in the future new editions will be added to this
singular proposal.
If anything should be highlighted in this selection of that other Spanish cinema,
it is its wish to transcend our borders before it is irremediably consigned to oblivion.
All the films it includes have their pedigree. Each still reveals a production based
on astonishment and patience. And they suggest, almost without wishing to, that
their originality responds to one single aim: to shake off all rules in order to show
another reality, seen with new eyes. Fuego en Castilla (1958-60), Impresiones en la alta
atmsfera (1988-89), Photomatons (1976), Copy Scream (2005) and La costra lctea
(2001) are just five examples that illustrate the diversity of aesthetic and methodological
approaches; five pearls, among as many others, that leave the spectator with the seed
of curiosity and the stimulating sensation that there are still treasures to be discovered
in the depths of cinema.
* Pablo G. Polite is an art, film and music critic, and an independent curator
ARTECONTEXTO 85
msica
Daniel Lopatin
Oneohtrix Point Never, Games,
Sunsetcorp...
ABRAHAM RIVERA
El caso de Daniel Lopatin (Boston, 1982) nos sirve para percibir la
velocidad a la que en estos momentos se desarrolla la produccin
musical. Este autor, residente en Brooklyn, se ha convertido en slo un
ao en el hype experimental del momento, aupado por la reedicin de
No Fun a finales de 2009. A partir de ese momento, la proyeccin de
Lopatin ha sido meterica: expansin de su sello Upstairs, donde da
cobijo a artistas afines al ambient de sintetizadores analgicos; edicin
del DVD-r Memory Vague, donde se recopilan todos los vdeos que
fue produciendo como Sunsetcorp: obras colgadas en Youtube que
experimentaban en torno a la forma y la repeticin. Realiz la remezcla
para Gonjasufi y particip en Let Me Shine For You, proyecto que
homenajeaba de manera horizontal a Lindsay Lohan y su fascinante
agujero negro existencial; tambin colabor con Antony Hegarty,
realiz la instalacin sonora multicanal para la exposicin Sonic Tank
y sac nuevo disco en Editions Mego. Todo ello coronado con la
realizacin de vdeos para White Car y oOoOO, una gira europea y un
proyecto paralelo junto a Joel Ford llamado Games.
Dentro de este ltimo proyecto, Lopatin y Ford han realizado una
decena de mixtapes que pueden ser descargadas desde su pgina
de Soundcloud. En ellas, dan un giro a lo apuntado anteriormente
en torno a la velocidad y nos animan a ralentizar xitos de dcadas
pasadas. Cercanos al espritu de un Feldman, un Basinski o un Kirby,
el do alarga y repite los sonidos hasta alcanzar momentos de trance
que nos permiten detenernos a observar el discurrir del tiempo desde
la vorgine de la poca moderna.
86 ARTECONTEXTO
Thomas Kner
lbumes: Nunatak (Gongamur), Teimo, Permafrost
Sello: Type
JOS MANUEL COSTA
Thomas Kner (1965, Bochum) se autodenomina media artist.
Desde su irrupcin en los terrenos de la electrnica no-acadmica
(pese a que su formacin musical incluye actuar como segundo
violn de la Joven Orquesta de su ciudad a los ocho aos!), Kner
apareci siempre acompaado de imgenes que distaban de la me-
ra decoracin. Su trabajo en la sonorizacin de mltiples pelculas
mudas por encargo de algunos de los ms importantes museos
de Arte Contemporneo no hizo sino acentuar esa relacin con lo
visual. Ahora se reeditan sus tres primeros trabajos clsicos que
haban permanecido fuera de catlogo durante casi una dcada.
Nunatak (Gongamur) (1990), Teimo (1992) y Permafrost (1993)
fueron concebidos como una triloga, aunque los tres CDs no
estuvieran disponibles simultneamente hasta hace unos pocos
aos. Dado que los dos ltimos fueron reeditados por Mille Plateaux
(que cerro en 2004) la gran revelacin ahora puede ser Nunatak.
Este nombre se refiere a un pinculo rocoso que emerge del hielo
en zonas como la Antrtida o Groenlandia. La msica de Nunatak,
realizada mediante gongs sper-procesados, era casi descriptiva
de un ambiente, una lnea que seguira luego Wolfgang Voigt en
lbumes como GAS. Son evocaciones de lo que en los 80 se habra
llamado genius loci, o espritu del lugar, y que hoy, con bastante peor
fortuna, se llama hauntology. Sera cuestin de realizar un estudio
detallado de estos ambientes que suenan a romanticismo y quizs
lo sean. Pero, con o sin terica, lo que hizo entonces Kner sigue
mereciendo la pena y mucho. Con unos pocos elementos logra
variaciones que otros, maximalistas del sonido, apenas suean.
 msica

Conociendo al seor E IRENE BONILLA*

Al hablar de artistas con vidas trgicas lo habitual es hacerlo en tiempo pretrito.
Mark Oliver Everett (o Mr. E, o E) no est muerto, pero sabe lo que es sentirse
perseguido por la oscuridad, el dolor, por la simple y llana mala suerte. Hijo de un
fsico cuntico (al que slo lleg a abrazar el da de su muerte, en el fallido intento de
reanimar su corazn parado); hermano de una chica preciosa y dbil que se perdi
en desequilibrios qumicos (externos e internos); con una madre feliz y cariosa a la
que fulmin un cncer; un buen amigo no adicto que muri por sobredosis... Los giros
trgicos habran resultado inverosmiles en una historia ficticia pero, por desgracia
para l, no son una novela, sino la base de su libro de memorias, Cosas que los nietos
deberan saber (Blackie Books, 2009). Cuando su banda, Eels, hizo una curva en su
gira europea para volver a nuestro pas (despus de seis aos de ausencia) el pasado
18 de septiembre, casi todos los que llenaban la madrilea sala La Riviera tenan este
libro en mente, y muchas ganas de llorar. No obstante, los pauelos que muchos
habran querido usar para enjugar lgrimas (la catarsis puede resultar extraamente
adictiva), slo sirvieron para secar gotas de sudor. Una vez vomitados sus fantasmas,
E parece tener ms ganas que nunca de entretener o, mejor an, hacer (son)rer. Y
bailar. Puede que el arte le haya salvado la vida pero l no est aqu para salvar la vida
a nadie (mala noticia para las editoriales que cuentan los dlares obtenidos por los
siempre rentables libros de autoayuda).
Con gafas de sol impertrritas, pauelo de motorista y un curioso mono de pintor,
desgran una actuacin, para muchos, caprichosa. No slo dej fuera grandes hits
sino que reinterpret hasta lo irreconocible sus canciones ms conocidas. Una opcin
arriesgada si se quiere contentar las expectativas obvias, pero maravillosa si lo que se
desea es conquistar desde la sorpresa.
Con esta gira, en la que hay cabida para toda su discografa, E ha presentado su
noveno disco en catorce aos, Tomorrow Morning, cerrando una triloga que abri con
Hombre Lobo (una maravillosa descarga de rock en torno al deseo), continu con End
Times (nuevo anlisis del dolor, con un divorcio real como teln de fondo) y que cierra
ahora con ste su disco ms electrnico y optimista en aos. Si como en sus profticas
obras cuando el fin de los tiempos se acerca lo que sigue siempre es la luz de la
maana siguiente, los optimistas crnicos pueden estar de enhorabuena, ya que este
buen hombre tiene un master en resurreccin y sabe bien de lo que habla cuando lo
hace del maana. Lejos de tan chamnicos propsitos, E parece conformarse con
seguir dando cuerda a su indudable talento, armado de un sempiterno sentido del
humor (su libro y sus canciones, incluso las ms tristes, estn impregandas de altas
dosis de irona y liviandad a veces surrealista) para seguir viendo siempre el final del
tnel. Y han sido muchos tneles.
Son varios los ruegos que le han llegado desde todo el planeta para que escriba
un segundo libro. De hacerlo, l espera que sea muy aburrido, que ya no tenga grandes
cosas que contar porque su particular maldicin haya terminado. Sus seguidores de
momento podemos disfrutar de su indudable talento para la narracin en tercera
persona, contando maravillosas y alucinantes historias ajenas como la de su pastor
alemn mestizo, Bobby Jr (cuyo canto puede orse en varios discos), otro que sabe
bastante de lo perra que puede ser la vida. Larga vida a E, con e de escritor.
http://www.eelstheband.com/bobbyjr.php

*Irene Bonilla es crtica de msica y cine.

ARTECONTEXTO 87
music
Daniel Lopatin
Oneohtrix Point Never, Games,
Sunsetcorp...
ABRAHAM RIVERA
The case of Daniel Lopatin (Boston, 1982) serves us to observe
the speed at which music is currently being produced. This artist,
who lives in Brooklyn, has become, in just a year, the focus of the
experimental hype of the moment, thanks to the reissue of No
Fun in late 2009. From that moment onwards, Lopatins rise has
been meteoric: his record label Upstairs, which promotes ambient
artists using analogue synthesisers, has been expanded; the DVD-r
Memory Vague has been released, bringing together all of the videos
he produced under the name of Sunsetcorp: clips on YouTube
which experiment with form and repetition. He produced the remix
of Gonjasufi and took part in Let Me Shine For You, a project which
paid horizontal homage to Lindsay Lohan and her fascinating
existential hole; he also worked with Antony Hegarty, carried out
the multichannel sound installation for the exhibition Sonic Tank and
released a new album with Editions Mego. The cherry on the cake
was the production of videos for White Car and oOoOO, a European
tour and a parallel project along with Joel Ford entitled Games.
As part of this project, Lopatin and Ford have produced ten mix
tapes available for download at their Soundcloud page. They take
the issue of speed to another level and encourage us to slow down
the hits of past decades. With an approach which is reminiscent of
Feldman, Basinski and Kirby, the duo expand and repeat sounds
until they reach trance-like moments which give us a chance to stop
and observe the passing of time from the perspective of the frenzied
times in which we live.
88 ARTECONTEXTO
Thomas Kner
Albums: Nunatak (Gongamur),Teimo, Permafrost
Label: Type
JOS MANUEL COSTA
Thomas Kner (1965, Bochum) defines himself as a media artist. Since
he burst onto the non-academic electronic scene (despite the fact that
his musical training includes performing as second violin in his citys
Youth Orchestra, at the age of eight!), Kner was always accompanied
by images which were far from mere decoration. His work on the
sonorisation of several silent films, commissioned by some of the
most important contemporary art museums, serves to emphasise that
relationship with the visual. Now, his first three classical works are
being reissued, after being out of print for almost a decade.
Nunatak (Gongamur) (1990), Teimo (1992) and Permafrost
(1993) were conceived as a trilogy, although the three CDs were not
simultaneously available until a few years ago. Given that the last two
were reissued by Mille Plateaux (which closed down in 2004), the
great revelation today might be Nunatak. The title refers to a rocky
pinnacle which emerges from the ice in areas such as the Antarctic
or Greenland. The music on Nunatak, carried out through super-
processed gongs, almost described an atmosphere, a line which
would then be followed by Wolfgang Voigt on albums such as GAS.
These are evocations of what in the 1980s would have been known
as genius loci, or spirit of a place, and which today goes by the more
unfortunate name of hauntology. Perhaps it is necessary to carry out
a detailed analysis of these atmospheres, which sound, and perhaps
are, romantic. However, with or without a theoretical foundation, what
Kner did then continues to be worthwhile. Using only a few elements,
he achieves variations which others, those sound maximalists, can
barely dream of.
 music

Mett Mr. E IRENE BONILLA*

When we speak about artists who led tragic lives, the usual approach is to refer to
them in the past. Mark Oliver Everett (aka Mr. E, or just E) is not dead, but he knows
what it is to be pursued by darkness and pain, by simple and pure bad luck. The
son of a quantum physicist (whom he only had a chance to hug on the day of his
death, as he attempted to resuscitate him); the brother of a beautiful and fragile girl
who lost herself in (internal and external) chemical imbalances; the son of a happy
and loving mother who was killed by cancer; the friend of a non-addict who died
of an overdose... The tragic turns taken by his life would seem hard to believe in a
piece of fiction, but, unfortunately for him, this is not a novel, but the basis for his
memoir, Things the Grandchildren Should Know (Blackie Books, 2009). When his
band, the Eels, made a stop in its European tour to come back to our country (after
almost six years) on the 18th of September, almost all of those who filled the La
Riviera venue in Madrid were thinking about this book, and wanted to cry. However,
the handkerchiefs, which many would have liked to use to dry their tears (catharsis
can be strangely addictive), were only used to dry their sweat. Now that his ghosts
have been exorcised, E seems to be as keen as ever to entertain or, better, to make
people smile and dance. Art might have saved his life, but he is not here to save
anyone (bad news for the publishing houses which rely on the dollars obtained by
the always profitable self-help books).
Wearing inscrutable sunglasses, a bikers bandanna and strange painters
overalls, he offered what for many was a whimsical performance. Not only did he
fail to play his biggest hits, but he also reinterpreted his best-known songs until they
were barely recognisable. This is a risky choice if one wants to satisfy the obvious
expectations, but a marvellous one if the aim is to conquer through surprise.
Along with this tour, where his whole discography will be on display, E has
presented his ninth album in fourteen years, Tomorrow Morning, which closes a
trilogy which began with Hombre Lobo (a marvellous dose of rock at the service of
desire), continued with End Times (a new analysis of pain, with a real-life divorce as
its backdrop) and which now ends with his most optimistic and electronic album
in years. If, as in his prophetic songs, the end is near, and what always follows
is next mornings light, the chronically optimistic will be pleased to see that this
man has an MA in resurrection and knows what he is talking about when he speaks
about tomorrow. Far from such shamanic aims, E seems to be satisfied with letting
his considerable talent flow free, armed with an endless sense of humour (his book
and his songs, even the saddest, are full of irony and sometimes surreal lightness)
so that the end of the tunnel always stays in sight. And there have been many
tunnels.
Many have begged him to write a second book. If he does, he hopes it will
be very boring, that he wont have anything to say, because his private curse will
have come to an end. His fans, for the moment, must continue to enjoy his skill
with third-person narrative, and his wonderful and incredible stories, such as that
about his mixed-breed German shepherd Bobby Jr (whose singing can be heard
in several of his albums), who also knows what a dogs life it can be. Long live E,
the writer.
http://www.eelstheband.com/bobbyjr.php

*Irene Bonilla is a film and music critic.

ARTECONTEXTO 89
libros
Local / Visitante.
Arte y creacin en el espacio social
Autor: Varios autores
Edita: Idensitat
156 pginas
Barcelona, 2010
ADRIANA LORENZO
Existen iniciativas que sin levantar ruido meditico ni contar con
grandes inversiones obtienen unos excelentes resultados; sirva
como ejemplo la actividad llevada a cabo desde 1999 por Idensitat,
impulsada desde la localidad catalana de Calaf, y que se define como
un espacio de produccin e investigacin en red fundamentado
en el arte que explora nuevas formas de implicacin e interaccin
en el contexto social como seala su idelogo y gestor, Ramn
Parramn, artista, docente y terico de referencia en este mbito.
Hace unos pocos meses se editaba la publicacin que recoge los
trabajos realizados en esta cuarta edicin, que se desarroll bajo el
ttulo Local/ Visitante. Arte y creacin en el espacio pblico. Junto
a la publicacin, la sala La Capella de Barcelona, presentaba las
obras y materiales documentales que daban cuenta del trabajo
desarrollado. La continua revisin y expansin del proyecto (a l
se han sumado Manresa, y espacios como Can Xalant de Matar
y Priorat Centre DArt) le ha llevado a crear conexiones con lugares
como Tirana, Johannesburgo, Liverpool, Roma o Sevilla a travs de
las intervenciones de los artistas seleccionados, procedentes de
diferentes pases, tal es el inters que han despertado las sucesivas
convocatorias de Idensitat. El libro recoge, entre otras, las propuestas
desarrolladas por Sans Faon, Roc Pars, What if: projects Ltd, Daniel
G. Andjar, Santi Cirugeda, Dora McGrant, Publikarrak, Stefano
Romano, Nicolas Dumit o Carme Nogueira, e incluye debates llevados
a cabo en paralelo a las intervenciones de los artistas y arquitectos
participantes.
90 ARTECONTEXTO
Aesthetic Journalism.
How to inform without informing
[Periodismo esttico. Cmo informar sin informar]
Autor: Alfredo Cramerotti
Editorial: Intellect
135 pginas
Bristol, Chicago, 2009
ALANNA LOCKWARD
Desde que Octavio Paz escribiera, en 1995, que la buena poesa
(contempornea) est impregnada de periodismo, slo era cuestin de
tiempo que este axioma se aplicase a las artes visuales. La portada de
este libro habla por s sola ya que su autor es un artista, no un periodista
o terico. Sin embargo, el autor da por sentado una serie de nociones
bsicas, como la idea de verdad, que no existe en otros escenarios
epistmicos no europeos. El anlisis crtico discursivo que se lleva a
cabo en China, por ejemplo, se centra en la bsqueda de la armona,
no de la verdad. Otra cuestin problemtica es la invisibilidad
normalizadora del sujeto hablante. En su anlisis de la obra de Renzo
Martens, el autor hace uso de una cita para comentar la supuesta
imposibilidad del arte comprometido. No nos avisa de que el sujeto
que hace la pregunta, que habla en nombre del nosotros colectivo,
es un hombre blanco europeo. Para una feminista de Europa del este
o un alemn negro, o alguien del Caribe o del continente africano,
esta cuestin puede parecer totalmente irrelevante. A pesar de todo,
en su afn por definir la interaccin entre las prcticas artsticas y
periodsticas, este libro alcanza perfectamente su objetivo. Una de
las contribuciones ms importantes que ofrece es el anlisis de las
obras paradigmticas del periodismo esttico un trmino articulado
de forma especialmente correcta como son las de Renzo Martens y
Alfredo Jaar. Estas obras son presentadas respectivamente como el
ideal y el fracaso del periodismo esttico. Cramerotti nos ofrece un
documento fruto de una meticulosa investigacin sobre la inminente
relevancia de esta temtica.
 libros

Los espejismos LUIS FRANCISCO PREZ*

El historiador francs, desde hace muchos aos afincado, primero en Estados

de la imagen Unidos y, actualmente, en Canad, Serge Guilbaut, es conocido en Espaa

fundamentalmente por su famossimo ensayo De cmo Nueva York rob la idea de

en los lindes arte moderno, y tambin porque hace tres aos comisari en el MACBA barcelons
la magnfica exposicin Bajo la bomba. El jazz de la guerra de imgenes trasatlntica

del siglo XXI
Autor: Serge Guilbaut
Editorial: AKAL / Coleccin arte contemporneo
208 Pginas
Madrid, 2009
Traduccin: Alfredo Brotons Muoz
1946-1956, que en gran medida era una demostracin prctica de las tesis
defendidas en el ensayo citado. Guilbaut nunca ha ocultado su admiracin (diramos
ms y mejor: su pasin) por el expresionismo abstracto norteamericano; al igual, y
en relacin dialctica con Pollock y Ca., que su inters por los mltiples caminos
y desencuentros de los artistas adscritos al informalismo europeo de posguerra.
Diramos entonces que el autor lleva una vitola como historiador demasiado conocida,
que incluso le puede llegar a resultar (si bien querida y admitida) un tanto pesada y
agobiante. Dentro de la magnfica coleccin, dirigida por Anna Mara Guasch, de la
editorial AKAL/arte contemporneo se acaba de publicar un conjunto de ensayos de
Serge Guilbaut que se ha dado en titular Los espejismos de la imagen en los lindes
del siglo XXI. Dentro del material seleccionado, tanto en el prefacio como en una
entrevista a l realizada, Guilbaut deja entrever un cierto cansancio con respecto a
sus originales motivos de investigacin, ya citado por nosotros, si bien en absoluto
da por finalizada esa, muy suya, pasin de juventud.
Los espejismos de la imagen en los lindes del siglo XXI resulta un ttulo un
tanto equvoco; quiz un poco arrogante: por vasto, por ambiguo, por pretender
abarcar demasiadas parcelas y que luego no son tantas. Los espejismos
rene ensayos que abarcan un arco temporal de ms de treinta aos, entre 1974
y 2005, siendo mucha, tanto buena como turbia, el agua que ha pasado por estos
puentes durante esos aos. Ensayos, as es, pero tambin la citada entrevista a l
realizada, ms otras por l llevadas a cabo a Martha Rosler (excelente) y Jo Baer;
junto a otro par de entrevistas realizadas en grupo a Jeff Wall y Hans Haacke, pero
tambin nos encontramos con una conferencia (rpida, veloz) dictada en Mxico.
Los espejismos es, bsicamente, una miscelnea que debera haber sido mejor
estructurada, sin que ello desmerezca la vala intelectual de muchas de las ideas aqu
desarrolladas, o de las inteligentes preguntas que Guilbaut lanza a sus entrevistados.
Pero, insistimos, agrupar en un mismo volumen un texto sobre Tpies (magistral)
con una entrevista a la Rosler resulta, como mnimo, un tanto extrao o chocante.
De las tres secciones en las que se ha querido dividir el libro, Miradas, Entrevistas
y Perspectivas, es esta ltima parte, a nuestro parecer, la que ms grato recuerdo deja
en el lector, en concreto dos textos de antologa: La Historia del Arte despus del
revisionismo: pobreza y esperanzas y El Arte en los Estados Unidos tras la guerra
del Golfo: Nuevo orden mundial, llamada al orden u orden nuevo. Este ltimo texto,
en concreto, posee un arranque que merece ser citado: A los americanos les encanta
ver en sus presidentes las cualidades que definen su imaginario cultural: el cowboy
y Hollywood. Humorstico inicio para un texto, escrito en 1991, de una inteligencia y
brillantez admirables, si bien, para mejor saborear tan nobles cualidades, es necesario
hacer antes una especie de regresin (siempre volvemos a un famoso mdico de
Viena) y situarnos en la Amrica de Bush padre (jams dir eso de senior, que tanto
odio). Pero, fidelidad obliga, Guilbaut siempre termina por citar a la recia muchachada
que comandaba Greenberg. Es lo suyo. Siempre se vuelve al primer amor.
* Luis Francisco Prez es crtico de arte

ARTECONTEXTO 91
books
Local / Visitor.
Art and Creation in the Social Space
Author: Several authors
Publishers: Idensitat
156 pages
Barcelona, 2010
ADRIANA LORENZO
Some initiatives, without making the news or enjoying large
investments, obtain excellent results; an example of this is the activity
carried out, since 1999, by Idensitat, based in the Catalan town of
Calaf, and which defines itself as a space for network production
and investigation based on the art which explores new forms of
involvement and interaction with the social context as pointed out
by its ideologue and manager, Ramn Parramn, an artist, teacher
and theoretician who enjoys great prestige in this field. A few months
ago was published the book covering the works carried out during
the fourth edition of the event, which was developed under the title
Local/ Visitante. Arte y creacin en el espacio pblico. Along with this
publication, the space La Capella, in Barcelona, presented the works
and documentary materials which conveyed the works developed.
The constant revision and expansion of the project (which has been
joined by Manresa, and spaces such as Can Xalant de Matar y
Priorat Centre DArt) has led it to establish connections with places
such as Tirana, Johannesburg, Liverpool, Rome and Seville, by means
of the interventions of the selected artists, who come from different
countries, revealing the interest aroused by the events organised by
Idensitat. The book includes, among others, the proposals organised
by Sans Faon, Roc Pars, What if: projects Ltd, Daniel G. Andjar,
Santi Cirugeda, Dora McGrant, Publikarrak, Stefano Romano, Nicolas
Dumit and Carme Nogueira, as well as the debates conducted in
parallel to the interventions by the artists and architects taking part.
92 ARTECONTEXTO
Aesthetic Journalism.
How to inform withouth informing
Author: Alfredo Cramerotti
Publishing House: Intellect
135 Pages
Bristol, Chicago, 2009
ALANNA LOCKWARD
Since Octavio Paz wrote, in 1995, that good [contemporary]
poetry is impregnated by journalism, it was a matter of time before
this axiom arrived in the visual arts. This book also has a self-
explanatory quality because it is written by an artist, not a journalist
or theoretician. However, the author takes some basic assumptions
for granted, like the notion of truth, which is non-existent in other
non-European epistemic scenarios. Critical Discourse Analysis
from China, for instance, focuses in the search for harmony, not
truth. Another problematic issue is the normalizing invisibility of
the speaking subject. When discussing the work of Renzo Martens,
a quote addresses the alleged impossibility of committed art. It is
not explained that the subject posing the question, who speaks
in the name of a collective we, is a white European male. For a
feminist Eastern European or a Black German, or someone from
the Caribbean, or from the African continent, this question might
appear as utterly irrelevant. Nevertheless, in the pursuit of explaining
the interaction between artistic and journalistic practices this book
succeeds with honors. A decisive contribution is the analysis of
paradigmatic works of aesthetic journalism -a term notably well
articulated- as for example those of Renzo Martens and Alfredo Jaar.
Both are discussed as ideal and failed forms of aesthetic journalism
respectively. Cramerotti has contributed a thoroughly researched
document on this subjects impending relevance.
 books

The Mirages LUIS FRANCISCO PREZ*

The French historian Serge Guilbaut, who lived for many years in the United States

of the Image and is currently based in Canada, is known in Spain mainly for his extremely famous
essay On How New York Stole the Idea of Modern Art, and also because three years

at the Edge ago he curated, at the MACBA in Barcelona, the magnificent exhibition Bajo la bomba.
El jazz de la guerra de imgenes trasatlntica 1946-1956, which was largely a practical

of the 21st Century demonstration of the theories he defended in the abovementioned essay. Guilbaut has
never concealed his admiration, or rather, his passion, for North American abstract
Expressionism; in the same way, and in a dialectic relationship with Pollock and co., it
is clear that he is interested in the many paths and disagreements of the artists working
Author: Serge Guilbaut in the context of European post-war Informalism. It could be said, then, that the author
Publishing house: is excessively well-known as a historian, which might be (despite being enjoyed and
AKAL / Coleccin arte contemporneo recognised) a somewhat heavy and cumbersome burden. The magnificent collection
208 pages directed by Anna Mara Guasch, AKAL/arte contemporneo, has recently presented a
Madrid, 2009 group of essays by Serge Guilbaut entitled Los espejismos de la imagen en los lindes
Translation: Alfredo Brotons Muoz del siglo XXI [The Mirages of the Image at the Edge of the 21st Century]. Amongst
the selected material, both in the preface and during an interview, Guilbaut hints at
a certain tiredness with regards to the original raison dtre of his research, as we
mention above, at the same time as he makes it clear that his youthful passion for the
subject is now a thing of the past.
Los espejismos de la imagen en los lindes del siglo XXI is a somewhat confusing
title, and it is perhaps a little arrogant, in its vastness and ambiguity, in its desire to
encompass so many issues which turn out not to be so many. Los espejismos
brings together essays that cover a period of more than thirty years, between 1974
and 2005, and a lot of clean and murky water has flowed under these bridges over all
this time. The book includes, as well as the essays, the abovementioned interview, and
others conducted by Guilbaud, with Martha Rosler (an excellent read) and Jo Baer;
along with another couple of collective interviews, with Jeff Wall and Hans Haacke.
Additionally, it boasts a (fast, swift) lecture he gave in Mexico. Los espejismos is,
essentially a miscellanea, which should have been better structured, although this
should not detract from the intellectual value of the ideas developed in the essays,
or from the intelligent questions which Guilbaut asked his interviewees. However, to
reiterate, bringing together in a single volume a (masterful) text on Tpies and an
interview with Rosler seems, at the very least, to be somewhat strange or jarring.
Of the three sections into which the book has been divided, Gazes, Interviews and
Perspectives, the last one is, in my opinion, the most pleasing to the reader, specifically
two anthology texts: Art History after Revisionism: Poverty and Hopes and Art in
the United Sates after the Gulf War: A New World, a Call to Order or a New Order.
This last text begins with a sentence which is worth repeating: Americans love to
see in their presidents the qualities which define their cultural imagery: cowboys and
Hollywood. A humorous beginning to a text, written in 1991, which displays admirable
intelligence and brilliance, although, if we are to fully savour these qualities, it is
necessary to conduct a sort of regression (we always return to that famous Viennese
doctor) and situate ourselves in the America of Bush the Elder (I will never use the
expression senior, which I find quite appalling). However, Guilbaut, showing great
loyalty, always returns to the sturdy group of kids commandeered by Greenberg. It is
what he does. One always returns to ones first love.
* Luis Francisco Prez is an art critic.

ARTECONTEXTO 93

Off the Wall. Part 1 and 2
NEW York
Whitney museum of american art
DARA FRIEDMAN Bim Bam, 1999. Courtesy: Whitney Museum of American Art
LAURA F. GIBELLINI
In a post-Abramovi New York, as the city has recently been
described, the value of the re-performance is undeniable. It entails
a revision of the performance, emphasising the real-time spatial
experience of the body, seeking to drag the viewer beyond the
passiveness of mere contemplation: art is off the wall.
This is the case of this exhibition, arranged in two parts, where the
Whitney Museum returns to essential performances in its collection,
94 ARTECONTEXTO REVIEWS
updating their significance and recovering historic pieces. Part 1:
Thirty Performative Actions is centred on thirty actions which use the
body in relation to both a physical space and a medium which frames
and defines it, regardless of whether it is the camera, photography or
the printed and drawn surface. Part 2: Seven Works by Trisha Brown
returns to the most emblematic works by this choreographer,
including Walking on the Wall, which was carried out at the
museum in 1971, Man Walking Down the Side of a Building, from
1970, and the sound installation Skymap, from 1969.
Part 1 begins with the work by Maya Deren Meditation on
Violence (1948) where Deren films the phases of traditional Chinese
fighting in what looks like a single and fluid movement, highlighting
two basic elements of the show: the body and the distortion of
representation. That same year, Jackson Pollock was producing
his huge gestures on the floor, undermining the importance of the
vertical line.
Both the fall in popularity of verticality and the move from
the object to the gestures were exemplified in the 1960s, when
the generation of artists whose work is on show at the exhibition
challenged the white cube as the ideal context for the production
and exhibition of art at the time. In this act of provocation, the focus
on day-to-day activities (walking, writing, cleaning), which became
almost theatrical through the use of a range of recording, screening
and representation resources, occupied a crucial place.
In this way, the dramatic move to the floor can be seen in
works such as A Painting (Work) To Be Stepped On, 1960, by Yoko
Ono (carried out by Nate Lowman); Dance Diagram, 5 (Fox Trot:
The Right Turn-Man), 1962, by Warhol; several pieces by Paul
McCarthy and Carl Andr from the 1970s and works by David
Hammons from the 1990s.
On the other hand, the vertical wall is demythologised and
integrated in the creation of works such as Bouncing in the Corner
no. 2: Upside Down, where Bruce Nauman repeats, in front of an
upside-down camera, an action carried out at the Whitney in 1969;
I Will Not Make Any More Boring Art by John Baldessari, 1971,
and Hannah Wilke Through the Large Glass, 1976, where Wilke
unrobes behind Duchamps Large Glass. The use of dance and
choreography can be seen in many of the pieces mentioned above,
as well as in others by Simone Forti and Merce Cunningham, and in
a recording by Walter Gutman which, by examining the rehearsals
for Browns work Walking on the Wall, serves as a link between the
two sections of the show.
However, in the same way, performance and the use of the
female body in the exhibition space serve artists such as Martha
Rosler, Dara Birnbaum and Joan Jonas to challenge the male definition
of the female body. This transgressive impulse was manifested, from
the 1980s onwards, through the questioning of identitary and sexual
notions in the form of cross-dressing, theatrics and make-up. This can
be seen in the work of Jimmy de Sana, Mapplethorpe, Cindy Sherman
and, recently, Kalup Linzy, whose career, incidentally, began on the
Internet.
Fuera de la pared. Parte 1 y 2
Nueva York
Whitney museum of american art

LAURA F. GIBELLINI
En una Nueva York post-Abramovi, como ha sido definida
recientemente, resulta evidente el valor de la re-performance. Esta
implica una revisin de lo performativo que enfatiza la experiencia
espacial del cuerpo en tiempo real, buscando arrastrar al espectador
ms all de la pasividad de la mera contemplacin: el arte est ya
fuera de la pared.
Es el caso de Off the Wall, una muestra en dos partes donde
el Whitney Museum recupera performances fundamentales de su
coleccin, actualizando su vigencia y re-presentando piezas ya
histricas. Part 1: Thirty Performative Actions se centra en treinta
acciones que utilizan el cuerpo en relacin tanto con un espacio fsico
como con un medio que lo enmarca y determina, sea la cmara, la
fotografa o la superficie impresa o dibujada. Part 2: Seven Works
by Trisha Brown supone la re-presentacin de los trabajos ms
emblemticos de esta coregrafa, incluyendo Walking on the Wall,
realizado en el museo en 1971, Man Walking Down the Side of a
Building de 1970 o la instalacin sonora Skymap, 1969.
Part 1 comienza con el trabajo de Maya Deren Meditation on
Violence (1948) donde Deren filma las fases de la lucha tradicional
china en lo que parece un nico movimiento fluido, enfatizando dos
elementos bsicos de la muestra: el cuerpo y la distorsin en la
representacin. Ese mismo ao Jackson Pollock estaba realizando
sus grandes gestos sobre el suelo, desviando la importancia de la
vertical.
Tanto el destronamiento de la verticalidad como el paso del
objeto al gesto se evidenciarn en los aos 60 cuando la generacin
de artistas presentes en la muestra desafe al cubo blanco como el
contexto ideal de produccin y exhibicin del arte del momento. En LAURIE SIMMONS Walking Camera II (Jimmy the Camera), 1987.
esta provocacin la insistencia en las acciones cotidianas (caminar, Cortesa: Whitney Museum of American Art

escribir, limpiar), que se convertan en casi teatrales por el uso de

diversos recursos de grabacin, proyeccin y representacin,
ocupaban un lugar fundamental.
As, el dramtico paso al suelo se manifestar a travs de
obras como A Painting (Work) To Be Stepped On, 1960, de Yoko
Ono (realizada para la ocasin por Nate Lowman); Dance Diagram, 5
(Fox Trot: The Right Turn-Man), 1962, de Warhol; en piezas de Paul
McCarthy o Carl Andr en los 70 y de David Hammons en los 90.
Por otro lado el muro vertical es desmitificado, pasando a formar
parte de la creacin en trabajos como Bouncing in the Corner n 2:
Upside Down, en el que Bruce Nauman repite, ante una cmara
puesta boca abajo, una accin realizada en el Whitney en 1969; I Will
Not Make Any More Boring Art de John Baldessari, 1971, o Hannah
Wilke Through the Large Glass, 1976, donde Wilke se desnuda tras el
Gran Vidrio de Duchamp. Tambin el uso de la danza y la coreografa
har su aparicin en muchas de las piezas ya mencionadas y en otras
de Simone Forti, Merce Cunningham o en una grabacin de Walter
Gutman que, centrada en los ensayos de la obra de Brown Walking on
the Wall, sirve de enlace entre las dos partes de la muestra.
Pero, asimismo, la performance y el uso del cuerpo femenino
en el espacio expositivo servirn a artistas como Martha Rosler, Dara
Birnbaum o Joan Jonas para desafiar las definiciones masculinas del
cuerpo de la mujer. Este impulso transgresor se manifestar a partir de
los 80 en el cuestionamiento de las nociones identitarias y sexuales a
travs del travestismo, la teatralizacin y el maquillaje. As lo muestran
Jimmy de Sana, Mapplethorpe, Cindy Sherman o recientemente Kalup
Linzy cuya carrera, por cierto, se inici en internet.

CRTICAS ARTECONTEXTO 95
 by the images of little-known places, the Indian tribes and the rapidly
EADWEARD MUYBRIDGE growing cities, like San Francisco, and he succeeded in feeding this
demand through the direct sale of his photographs and albums. In
LONDON this exhibition numerous series from each of these stages are shown,
TATE BRITAIN which demonstrate his refined technique, his use of large formats and
panoramic views, like that of San Francisco,
which measured almost four metres and which
is one of the gems of this exhibition.
In 1872 he met Leland Stanford, a rich
businessman who became his patron, thanks
to which he was able to begin his experiments
into the search for movement. It was in the
tycoons stables that he carried out the series
of photographs which detailed the trot of
Occident, surely the most photographed horse
in history; with extraordinary ingenuity (placing
a camera battery which took a photograph
every second) Muybridge had succeeded in
capturing something that the human eye could
not detect, and laid down the foundations for
the development of cinema. It is true he was not
the only one to follow that path, but perhaps
he was the one who came closest. Such was
Muybridges confidence in his discoveries that
he even got in contact with Edison to study
the possibility of synchronising movement with
the sound of the gramophone, something that
Horses. Running. Phryne L. Plate 40, 1879. From The Attitudes of Animals in Motion, 1881. would not be done until 1927.
Courtesy: Tate Britain, Board of Trustees, National Gallery of Art (Washington). Gift of Mary and Dan Solomon He also used the human figure in his
sequences, as well as a wide variety of animals,
ALICIA MURRA all materials, which, published as albums and book, were widely
He was born in Great Britain (Kingston upon Thames, 1830) although sold, bringing him great popularity and substantial profits. In 1875,
he carried out almost all his work in the United States. His life contained something happened which was widely reported in the press. After
fictional features which contributed complexity to the portrayal of this discovering that his wife had been unfaithful and that their only son
character, who occupies a place of honour in the history of photography was in fact the result of that other relationship, Maybridge killed his
and in the proto-history of cinema. The exhibition offered by the Tate wifes lover. The much talked-about scandal and the investigation by
Britain, organized by the Corcoran Gallery of Art of Washington, is the law made the photographer fear for a very unfavourable outcome
magnificent and provides the opportunity to see the huge body of for him and he fled to Panama, where he continued to photograph
work brought together for the first time of this researcher, reputable landscapes.
professor and lecturer, in addition to being a go-ahead, enterprising In 1880 he had the first public exhibition of another of his
businessman, and also murderer, fugitive, as well as a marketing inventions: the zoopraxiscope; a device which projected images in
pioneer, such was his ability to attract the attention of the press to movement drawn in sequence on crystal discs, and which was shown
him. with great success at the Universal Exhibition of Chicago. However,
When he was little more than twenty, Muybridge, who changed he always considered this contraption to be of little importance and
his name several times throughout his life, emigrated to the United he tried to disassociate himself from his discoveries in photographic
States, where he worked as a travelling book salesman. In 1867, circles. He bequeathed all his work to the place of his birth, which now
equipped now with sound knowledge, he began his career as a pays homage to him with this London exhibition.
landscape photographer, under the commercial name of Helios; with His sequence of a female nude descending a staircase was the
his portable camera he tackled the photographing of the wild territory reference used by Duchamp for his famous work, showing just how
of the American west, the Yosemite Valley, Alaska, the construction of much influence Muybridge has had in the contemporary way of seeing
the railroad, the Gold Fever. Muybridge noticed the interest aroused and representing the world.

96 ARTECONTEXTO REVIEWS
EADWEARD MUYBRIDGE
LONDRES
TATE BRITAIN

ALICIA MURRA
Naci en Gran Bretaa (Kingston upon Thames, 1830) aunque
desarrolla prcticamente toda su obra en Estados Unidos. Su vida
contiene rasgos novelescos que aportan complejidad al retrato de este
personaje que ocupa un lugar de honor en la historia de la fotografa y
en la protohistoria del cinematgrafo. La exposicin que ofrece la Tate
Britain, organizada por la Corcoran Gallery of Art de Washington, es
magnfica y ofrece la oportunidad de ver el ingente trabajo reunido
por vez primera de este investigador, profesor y conferenciante
reputado, adems de hombre de negocios, emprendedor, aventurero,
y tambin asesino, prfugo, as como pionero del marketing, tal era
su capacidad para atraer sobre s la atencin de la prensa.
Con poco ms de veinte aos, Muybridge, que modific su nom-
bre varias veces a lo largo de su vida, emigra a Estados Unidos donde
se dedica a la venta ambulante de libros. Ser en 1867, pertrechado
ya de slidos conocimientos, cuando comienza su trayectoria como
fotgrafo de paisajes, bajo el nombre comercial de Helios; con su c-
mara mvil aborda la captacin de los agrestes territorios del Oeste
americano, del valle de Yosemite, de Alaska, de la construccin del
ferrocarril, de la fiebre del oro. Muybridge se da cuenta del inters que
suscitan las imgenes de parajes apenas conocidos, de tribus indias
y de ciudades en rpido crecimiento, como San Francisco, y consigue
alimentar esta demanda a travs de la venta directa de sus fotografas Portrait of Eadweard Muybridge, 1890. Smithsonian Institution, National Museum
y lbumes. De cada una de estas etapas se muestran ahora numero- of American History, Kenneth E. Behring. Cortesa: Tate Britain. Foto: Frances Benjamin Johnston

sas series que dan cuenta de su depurada tcnica, de su empleo de

los grandes formatos y de las panormicas, como la de casi cuatro
metros que protagoniza San Francisco y que es una de las joyas que
ofrece esta exposicin.
En 1872 conoce Leland Stanford, rico hombre de negocios que
se convierte en su protector, gracias al cual emprende sus experimen-
tos a la bsqueda de la captacin del movimiento. Es en las cuadras
que posee el magnate donde lleva a cabo las series de instantneas
que recogen el trote de Occident, con seguridad el caballo ms re-
producido de la historia; Muybridge haba logrado con extraordinario
ingenio (colocando una batera de cmaras que disparaban con un
segundo de diferencia) captar algo que el ojo humano era incapaz de
apreciar, y pona las bases que permitiran el desarrollo del cinemat-
grafo. No fue el nico en desarrollar ese camino, es cierto, pero quiz
fue quien ms se acerc. Tal fue la confianza de Muybridge en sus
hallazgos que incluso entr en contacto con Edison para estudiar la
posibilidad de sincronizar el movimiento con el sonido del fongrafo,
algo que no se hara realidad hasta 1927.
Tambin utilizar la figura humana en sus secuencias, adems de
un amplio repertorio de animales, materiales todos ellos que editados
en forma de lbumes y libros alcanzarn una gran difusin reportndole
popularidad y sustanciosos beneficios. En 1875 tiene lugar un suceso
que adquiere notable eco en la prensa. Tras descubrir la infidelidad
de su esposa, y que el hijo de ambos es en realidad fruto de esa
otra relacin, Maybridge asesina al amante. El sonoro escndalo y el
proceso judicial hacen temer al fotgrafo un desenlace nada favorable
para l y huye a Panam, donde contina fotografiando paisajes.
En 1880 realiza las primeras exhibiciones pblicas de otro de
sus inventos: el zoopraxiscopio; un aparato que proyecta imgenes
en movimiento dibujadas secuencialmente en discos de cristal, y
que mostrar con xito en la Exposicin Universal de Chicago. Sin
embargo, siempre consider este artilugio como un invento menor
e intent desvincularlo de sus hallazgos en el medio fotogrfico.
Leg toda su obra a su pueblo natal, que ahora le rinde homenaje
coincidiendo con la muestra londinense.
Su secuencia del desnudo femenino que desciende una escalera
fue la referencia que utiliz Duchamp para su famoso cuadro, hasta
tal punto ha influido Muybridge en la forma contempornea de ver y
representar el mundo.

CRTICAS ARTECONTEXTO 97
 Prayer Sheet with the Wound and the Nail, is linked to a very specific
MATTHEW BARNEY variant of pious engravings, where the instruments of the Passion and
their effects on the body of Christ are brought together.
Prayer Sheet with the Wound and the Nail One of the strategic advantages of displaying this drawing in
this way, out of context, is that it arouses curiosity and encourages
BASEL visitors to pay more attention to it than to other similar pieces in the
SCHALAUGER Schaulager, competing with the striking and enigmatic sculptural and
videographic memorabilia found in the
various editions of Drawing Restraint, a
series which, since 1987, has defined the
work of this North American artist.
The drawing in question (Der Tod
und das Mdchen) belongs to a symbolist
and macabre lineage, which began in the
Middle Ages, continued with Baldung Grien
and was further examined by decadent
and surreal artists such as Paalen. It also
serves as a summary of Drawing Restraint
#17, an action conducted and recorded
in Basel. In it, symbolic materials are
combined in order to continue feeding an
insatiable personal mythology. The theme
of the Death and the Maiden is mixed
with that of Icarus, and with our memory
of Barneys own actions, who tends to
make use of his athletic skills to climb the
walls, although in Basel it was a female
climber (the Maiden), not Barney, who
attempted to climb the great atrium of the
Schaulager, and whom we would watch
as she fell to the ground, like Icarus.
One of Barneys most memorable
images comes from Drawing Restraint #7
View of an exhibition room. Courtesy: Schaulager Mnchenstein/Basel. Photo: Tom Bisig (1993). What up to then had been more
or less conventional actions suddenly
underwent a process of extreme
Matthew Barney or the Voluntary Via Crucis Baroquisation. In that piece, the artist dressed up as a satyr, reminding
us that his work is a prolific factory of symbolic hybrids, where others
ALEJANDRO J. RATIA myths and rites become his own obsessions. It is a world that boasts
The first time I encountered the work by Matthew Barney (San its own dictionary and even a coat of arms. In Basel we find odes to
Francisco, 1967) in Basel was not at the Schaulager but at the pheromones and the fitness aesthetics, satyrs being driven around in
Kunstmuseum. One of his drawings was on show there, along with limos, transvestites, the escape artist Harry Houdini, General MacArthur
works by Durer, Cranach, Schongauer and other German and Alsatian and some ornate productions on Japanese themes: the whaling
masters from the 16th century, sharing a wall with Hans Baldung fleet, Shinto temples, the tea ceremony, etc. They are combined with
Grien and his well-known painting on limewood where Death courts Christian iconography and devotional prints. The parallel established
a woman. In what bears a (disproportionate) contrast with that single with sacred art is reinforced by the design of the show, arranged on
sheet of paper, a group of works by these artists, among others, two levels: the upper level, with a basilica-like structure and a number
including some isolated paintings, but mainly a formidable collection of rooms presented as chapels; and the lower level, reminiscent of a
of etchings and xylographs from the 15th and 17th centuries, were at crypt. This crypt, surprisingly, is where we find the largest and most
the disposal of Barney and the curator Neville Wakefield in the vast striking statues, presenting a childish and psychoanalytic image,
spaces of the Schaulager. In fact, the strange title of the exhibition, according to which the sublime lies underground.

98 ARTECONTEXTO REVIEWS
 de las propias acciones de Barney, que suele aprovechar sus dotes
MATTHEW BARNEY atlticas para trepar por las paredes, aunque en Basilea fuera una
escaladora (la Doncella), y no l, quien intent ascender por el gran
Devocionario con llaga y clavo atrio del Schaulager, y a quien veramos desplomarse hasta el suelo
(como caro).
BASILEA Una imagen perdurable de Barney corresponde a su Drawing
SCHALAUGER Restraint #7 (1993). Lo que hasta entonces haban sido acciones ms
o menos convencionales, saltaron a una barroquizacin extrema. En
ese trabajo, el artista se disfraza de stiro. Es una afortunada carac-
Matthew Barney o el va crucis voluntario terizacin, pues la suya es una productiva fbrica de hbridos simbli-
cos, donde mitos y ritos ajenos pretenden convertirse en obsesiones
ALEJANDRO J. RATIA propias. Es un mundo que cuenta con su propio diccionario y hasta un
Mi primer encuentro con la obra de Matthew Barney (San Francisco, emblema herldico. En Basilea encontraremos odas a las feromonas
1967) en Basilea no fue en el Schaulager sino en el Kunstmuseum. Uno y esttica de gimnasio, stiros en limusina, travestismo, al escapis-
de sus dibujos se expona all, junto a Durero, Cranach, Schongauer ta Houdini, al general MacArthur y unas alambicadas elaboraciones
y otros maestros alemanes y alsacianos del XVI, compartiendo pared sobre temas japoneses: la flota ballenera, los templos sintostas, la
con Hans Baldung Grien y su conocida tabla donde la muerte corteja ceremonia del t Se suma a ello la iconografa cristiana y las es-
a una mujer. Como contrapartida (desproporcionada) de ese nico tampas devocionales. El paralelismo con el arte sacro se ve reforzado
papel, un conjunto de obras de estos y otros autores, con algunas por el diseo de la exposicin, dispuesta en dos niveles: el superior,
pinturas aisladas, pero, en lo fundamental, con una formidable con estructura basilical y salas a modo de capillas; el inferior, a modo
coleccin de aguafuertes y xilografas de entre los siglos XV y XVII, se de cripta. En esta cripta, curiosamente, es donde se encuentran las
haba puesto al servicio de Barney y del comisario Neville Wakefield esculturas ms llamativas y gigantescas, resueltas en plsticos ines-
en los vastos espacios de Schaulager. De hecho, el extrao ttulo de tables, haciendo buena una imagen tan psicoanaltica como infantil
la exposicin, Prayer Sheet with the Wound and the Nail, tiene que que piensa que lo sublime habita bajo tierra.
ver con una variante muy concreta de las
estampas piadosas, donde se renen los
instrumentos de la Pasin y sus efectos en
el cuerpo de Cristo.
Una ventaja estratgica obtenida al
exhibir as, fuera de contexto, este dibujo
es la de despertar la curiosidad e invitar a
dedicarle una atencin de la que papeles
similares se ven privados en el Schaulager,
compitiendo la llamativa y enigmtica
memorabilia escultrica y videogrfica de
las sucesivas entregas de Drawing Restraint
[Restricciones al Dibujo], una serie que,
desde 1987 hasta el presente, viene de-
finiendo la evolucin del norteamericano.
El papel en cuestin (Der Tod und das
Mdchen) pertenece a una estirpe simbolista
y macabra, que parte del Medioevo, sigue
con Baldung Grien y se prolonga a travs
de decadentes y surrealistas como Paalen.
Sirve adems como resumen del Drawing
Restraint #17, una accin realizada y gra-
bada en vdeo en Basilea. En ella, los
materiales simblicos se mezclan para se-
guir alimentando una mitologa personal
insaciable. El tema de la Muerte y la Donce-
lla se cruza con el de caro, y con la memoria Vista de la exposicin. Cortesa: Schaulager Mnchenstein/Basel. Foto: Tom Bisig

CRTICAS ARTECONTEXTO 99
 made up of more than 10,000 images, with the aim of demonstrating
8th Gwangju Biennial: 10,000 Lives their richness, relevance and value in our lives, as well as reminding
us of our need to create substitutes, portraits and effigies of ourselves
GWANGJU and our loved ones.
VARIOUS SPACES For its curator, the Gwangju event is not a typical biennial
featuring fashionable artists and site-
specific commissions but something
that resembles a huge museistical
show with artworks and cultural
artefacts produced between 1901 and
2010, which support its discourse.
The result is an overwhelming
collection of visual culture which
centres, according to Gioni himself,
on the human face and eye. However,
in order to return, on the one hand,
to the super-abundance of images
in the contemporary worldwhich is
essentially a clich and to defend,
on the other hand, the importance of
vision in the face of the post-modern
questioning of its central and truthful
nature, he has relied on a somewhat
precarious curatorial discourse. If
to this we add the absence of any
visual product from Africa, Australia
and Central and South America (with
the exception of a video on the Che
Guevara icon, by the Argentinean
Leandro Katz), the analysis of the
GUSTAV METZGER Historic Photographs: No. 1: Liquidation of the Warsaw Ghetto, April 19-28 1943, 1995/2009. links which join images and people is
Courtesy: Generali Coleccin Foundation, Vienna and Gwangju Biennial. Photo: Sylvain Deleu. geographically limited.
The one-directional journey of
EMMA BRAS the show through the four galleries of the biennial building and two
The Gwangju Biennial is proud to be the oldest Asian event of its kind, other attached spaces is conducted like a succession of illustrations
although at present it coincides with the Seoul and Busan exhibitions or examples of sub-issues, using often interesting works and
(also in Korea), as well as the Taipei (Taiwan), Aichi (Japan), Beijing objects. In this way, the juxtaposition of the new Artur Zmijewski
and Shanghai (China) events. However, regardless of the success with video of a group of blind people who paint landscapes next to the
which these countries have made use of the international biennial photographs by Harold Edgerton, exemplifies two non-retinal visual
exhibition format to enter the global contemporary art scene, the experiences. On the other hand, the two fantastic videos by the
Gwangju Biennial stands out for its popular vocation, as it was devised Chinese Liu Wei on the Tiananmen Square student protests in 1989
for and by a city defined by the dramatic pro-democracy student and the installations by Gustav Metzger (who won the prize awarded
protests, which, in 1980, led to the end of authoritarian regimes in by the Biennial) deal with the complex relationship between history,
South Korea. memory and representation. Self-portrait, fetishism and idolatry, the
The Italian Massimiliano Gioni, who has curated this edition of iconography of martyrs, the appropriation and reappropriation of
the event, has taken this into account, choosing as the title of the images, the power of the gaze and optical illusion are just some of
biennial the name of a very long poem written by one of those who the many other issues which the event aims to explore. However,
took part in the protests, and who subsequently spent some time in this excessive ambition means that none of the analyses of each
prison. In Maninbo (or 10,000 Lives, its English title) Ko Un describes, of these themes is sufficiently in-depth, and prevents the exhibition
in verse, each of the people he has known throughout his life, in an from making a real contribution to the always essential issue of the
attempt to remember them. Gionis exhibition, on the other hand, is role of the image in our world.

100 ARTECONTEXTO REVIEWS

 de cualquier producto visual de frica, Australia y Amrica Central y
VIII Bienal de Gwangju: 10.000 vidas del Sur (con la excepcin de un vdeo sobre el icono-Che Guevara del
argentino Leandro Katz), el anlisis de los vnculos que unen imgenes
GWANGJU a personas y viceversa queda limitado geogrficamente.
VARIOS ESPACIOS El recorrido unidireccional de la muestra por las cuatro galeras

EMMA BRAS
La de Gwangju se vanagloria de ser la ms
antigua entre las bienales asiticas, si bien
en la actualidad coincide en fechas con
las de Sel y Busn, (tambin en Corea),
adems de las que se estn celebrando
en Taipei (Taiwan), Aichi (Japn), Beijing y
Shangai (China). Pero con independencia
del xito de estos pases al elegir el formato
de la exposicin internacional bianual para
integrarse en el panorama del arte contem-
porneo global, la Bienal de Gwangju se
caracteriza por su vocacin popular al
haberse concebido por y para una ciudad
marcada por las dramticas revueltas de
estudiantes pro-democrticos que en 1980
desembocaron en el fin de los regmenes
autoritarios en Corea del Sur.
El italiano Massimiliano Gioni, comisario
de la presente edicin, ha sido sensible
a este hecho eligiendo como ttulo para
la exposicin el de un extenssimo poema
escrito por uno de los participantes en
aquellas revueltas durante su consiguiente LIU WEI Unforgettable Memory, 2009. Cortesa: Bienal de Gwangju
estancia en prisin. En Maninbo (10.000
Lives, en la traduccin inglesa) Ko Un
describe en verso a cada una de las personas a las que ha conocido del edificio de la Bienal y otros dos espacios adyacentes se desarrolla
a lo largo de su vida en un intento por no olvidarlas. La exposicin de como una sucesin de ilustraciones o ejemplos de sub-temas
Gioni, por otro lado, est compuesta por ms de 10.000 imgenes utilizando para ello obras y objetos, en ocasiones, muy interesantes.
con la finalidad de demostrarnos la abundancia, vigencia y valor As la yuxtaposicin del nuevo vdeo de Artur Zmijewski sobre un
de las mismas en nuestras vidas, as como nuestra necesidad de grupo de ciegos que pintan paisajes junto a las fotografas de Harold
crear sustitutos, retratos o efigies de nosotros mismos y nuestros Edgerton, ejemplifican dos experiencias visuales no retinianas. Por otro
allegados. lado, los dos estupendos vdeos del chino Liu Wei sobre las protestas
Para su comisario, la de Gwangju no es una Bienal al uso estudiantiles en la plaza de Tiananmen en 1989 y las instalaciones de
con artistas de moda y encargos especficos relativos al lugar de Gustav Metzger (ganador del Premio que concede la Bienal) tratan
acogida o site sino algo ms parecido a una gran muestra musestica la complicada relacin entre historia, memoria y representacin. El
con obras de arte y artefactos culturales de entre 1901 y 2010 que autorretrato, el fetichismo y la idolatra, la iconografa de los mrtires,
apoyan su tesis. El resultado es una inabarcable coleccin de cultura la apropiacin y reapropiacin de imgenes, el control ejercido por la
visual que tiene como protagonistas, segn el propio Gioni, al rostro mirada o las ilusiones pticas son slo algunos de los otros muchos
y ojo humanos. Pero retomar, por un lado, la superabundancia de temas que se pretenden aqu abordar. Pero esta excesiva ambicin
las imgenes en el mundo contemporneo lo que es ms bien un hace que nunca se alcance la profundidad de anlisis que cada uno
clich y defender, por otro, la importancia de la visin frente al de ellos necesitara para que la exposicin hiciera una contribucin
cuestionamiento postmoderno de su centralidad y veracidad, derivan real al siempre fundamental asunto del rol de las imgenes en nuestro
en un discurso curatorial algo precario. Si a ello unimos la ausencia mundo.

CRTICAS ARTECONTEXTO 101


The Original Copy:
Photography of Sculpture, 1839 to Today
NEW YORK
MUSEUM OF MODERN ART (MoMA)
FISCHLI & WEISS Outlaws,1984. Courtesy: MoMA
MARIANO NAVARRO
One of the main activities that define a museum is the instrumentalisation
that it conducts with the works in its collection, both in terms of the
different meanings that they acquire through use, and with regard to
what that same wealth and differentiation tells us about their ability to
narrate thetime and circumstances in which they exist.This is a more
noticeable phenomenon in the case of those devoted to modern and
contemporary art, and even more so at a time defined by the need
to question and contextualise what is now known as conventional
102 ARTECONTEXTO REVIEWS
accounts, offering, in contrast, not only paradigms which are very
different from those which have long been established, but also radically
different discursive syntactic models from their forms of expression.
Hence, I think, the importance of exhibitions that delve into the
collections of institutions, not infrequently completing their arguments
with works from other sources, establishing the main lines that generate
a vision and a perspective, and thus consolidating the landscape that
the museum wants to offer with regards to art.
These are characteristics that are worth being pointed out in The
Original Copy, curated by Roxana Marcoci, from the photography
department of the MoMA, one of those museums that stands out for
establishing its own specific and radiating way of narrating the art of
the twentieth century.
The exhibition critically examines the interconnections between
photography and sculpture since the birth of photography, at the end
of the third decade of the nineteenth century, to the present day, for
the most recent works are from 2007.
The first work shown in the catalogue on display in the first
room of the exhibition- is the famous Untitled (Your gaze hits the side
of my face), by Barbara Kruger, produced in the early 1980s, which
emphasises the fact that no gaze can be innocent or removed from its
social role, and which heralds the approach adopted by the curator.
The show can be divided into two parts, although not spatially,
separated and at the same time united by the presence of Marcel
Duchamp, who can be included in what could be described as the
external gaze on sculpture, which defines the first half of the exhibition,
as well as being part of a transforming activity, capable of incorporating
any object or thing in sculptural practice, including photography itself,
which characterises the second half of the display.
In this way, the viewer first witnesses the archaeological
photographs from the 19th century, displaying colonialist visions; the
still lifes made up of antiques, such as the panels by Aby Warburg;
the contemplation in parks and streets of fountains and sculptures
masterfully captured by Atgt; the view of the rooms in the museums
and galleries where Greek and Roman pieces were collected; the
academies, such as the Julien one in Paris, or that in Washington and,
above all, the view of the studios of Rodin and, especially, Constantin
Brancusi, in what is a true epiphany of recognition and projection
of classic models, cunningly interspersed with the commemorative
photographs by Luise Lawler and Jan de Cook.
The second part, which contains even more pieces, offers a cross
section of the monument as a cultural icon and its subversion since
the 1960s, which turned it into a different icon, such as film, as can be
seen in the work of Cindy Sherman; sculpture in the expanded field,
which deals with huge land art productions, but forgets its minimalist
applications; the lack of difference between sculpture and object; and,
in a double, and somewhat perverse, section, the Pygmalion complex
of avant garde artists and the transformation of the human body into a
performative sculptural object.
Complex and debatable, yet fascinating, The Original Copy is
one of those exhibitions one wishes were organised here.
The Original Copy:
Fotografa de escultura de 1839 hasta hoy
NUEVA YORK
MUSEUM OF MODERN ART (MoMA)

MARIANO NAVARRO
Una de las actividades primordiales que definen un museo es la
instrumentalizacin que hace de las obras de su coleccin, tanto
por los diferentes sentidos que sta adquiere mediante su uso,
como por lo que esa misma diferenciacin y riqueza nos informa
respecto a su idoneidad para relatar el tiempo y las circunstancias
que le corresponden. Un fenmeno ms acentuado en el caso de los
dedicados al arte moderno y contemporneo, y an ms en momentos
en que se ha puesto de moda la necesidad de relativizar y cuestionar
los que ahora se denominan relatos convencionales, oponindoles no
slo paradigmas distantes de los establecidos, sino tambin maneras
sintcticas discursivas radicalmente opuestas a sus modos propios
de decir.
De ah, creo, la importancia de aquellas exposiciones que
buceando en los fondos de la institucin, y completando no pocas
veces sus argumentos con obras de otras procedencias, asientan las
lneas fundamentales generadoras de una visin y una perspectiva, y BARBARA KRUGER Untitled, 1981. Cortesa: MoMA
de este modo consolidan el panorama que el museo quiere desplegar
respecto al arte.
Estas son caractersticas que cabe resaltar en The Original Copy, De este modo, el espectador recorre primero las fotografas
comisariada por Roxana Marcoci, conservadora del Departamento de arqueolgicas del siglo XIX, incluida la ptica colonialista; las natu-
fotografa del MoMA, uno de esos museos que se ha distinguido por ralezas muertas compuestas con antigedades a la manera de los
determinar una manera propia, especfica e irradiadora de contar el paneles de Aby Warburg; la contemplacin en parques y calles de
arte del siglo XX. fuentes y esculturas magistralmente captadas por Atgt; la aproxima-
La exposicin analiza crticamente las relaciones transversales cin a las salas de los museos y galeras donde se acumulaban las
entre fotografa y escultura desde el nacimiento de la fotografa, a obras griegas y romanas; las academias, como la parisina Julien o la
finales de la tercera dcada del siglo XIX, hasta la actualidad, pues los de Washington y, sobre todo, se introduce en los estudios de Rodin
trabajos ms recientes son de 2007. y, especialmente, de Constantin Brancusi, en lo que es una autntica
La primera obra que reproduce el catlogo incluida en la primera epifana del reconocimiento y la proyeccin de los modelos clsicos,
sala de la muestra es la clebre Untitled (Your gaze hits the side of hbilmente entremezclados con fotografas contemporneas de Luise
my face) [Tu mirada golpea un lado de mi cara] de Barbara Kruger, Lawler o Jan de Cook.
fechada muy a principios de los ochenta del siglo pasado, y que pone La segunda parte, an ms numerosa, atraviesa el monumento
el acento en el hecho de que ninguna mirada es inocente ni est como icono cultural y su subversin desde los aos sesenta, que lo
independizada de su papel social, y que nos avisa de la perspectiva mut en icono de otra sustancia, as la cinematogrfica, por ejemplo
adoptada por la comisaria. en Cindy Sherman; la escultura en el campo expandido, que se ocupa
La muestra, aunque no espacialmente, puede dividirse en dos de las grandes realizaciones del land-art, pero olvida su aplicacin
partes, separadas a la vez que unidas por la presencia de Marcel en el minimalismo; la indistincin entre escultura y objeto; y, en un
Duchamp, quien tanto puede incorporarse a la que cabe calificar de apartado doble, y algo perverso, el complejo de Pigmalion de los
mirada externa puesta sobre la escultura, que caracteriza a la primera artistas vanguradistas y la transformacin del cuerpo humano en
parte de la exposicin, como a la actividad transformadora, capaz de objeto escultrico performativo.
incorporar cualquier cosa u objeto a la prctica escultrica, incluida la Compleja y discutible, pero apasionante, The Original Copy es
fotografa misma, que distingue a la segunda. de esas exposiciones que te gustara que se diesen aqu.

CRTICAS ARTECONTEXTO 103

 The Pre-situationist Rumour
GIL J WOLMAN
ALFONSO LPEZ-ROJO
I am Immortal and Alive All the sensible people of our time agree that art cannot be explained as a
superior activity, or as a compensation activity to which one can honourably
BARCELONA give oneself. The cause of this deterioration is clearly the emergence of
MUSEU DART CONTEMPORANI DE BARCELONA (MACBA) productive forces that need other production connections and a new life
practice. Thus began the work Mtodos de tergiversacin [dtournement]
OPORTO by Gil J Wolman and Guy Debord, published in 1956.
FUNDAO SERRALVES This quote enables us to be directly in tune with the concerns which, in
1957, were latent in the formation of the historical Situationist International.
It also serves to highlight the active role played by the artist Gil J Wolman
at the start of this movement. In fact, his position as pre-situationist, his
status as co-founder of the Lettrist International in 1952 (again together with
Debord) and the creation, in 1951, of his ground-breaking film LAnticoncept
are the three aspects of his career which have done most to ensure that the
figure of Wolman is known to anyone who is interested in the wide situationist
orbit. An orbit that cannot be understood as an artistic practice separated
from the explicit political and transforming will of its protagonists.
However, the problem with academic and museum revivals which, since
the 1980s, have been made of artists who, in one way or another, formed
part of that orbit from its lettrist origins, is that the well-deserved attention
paid to the figure of Guy Debord has excessively overshadowed the attention
given to other lucid minds like that of Raoul Vaneigem, Asger Jorn or Gil J
Wolman himself, not to mention Isidore Isou. In fact, it is significant that this
Romanian artist a patriarch who, in one way or another, was always to be
found in the centre of the above-mentioned orbit left this world in 2007 with
the satisfaction of having lived 82 years without being revived.
The retrospective exhibition on Wolman organized by the MACBA and
the Fundacin Serralves of Oporto is the second big show dedicated to this
artist since 2001, when an exhibition of his works took place in the French
cities of Dijon and Blois.
In the exhibition titled Soy inmortal y estoy vivo, the most important
works of the creator of the mgapneumie (physical poetry of a penetrating
sonority) are displayed; his first metagraphies, to which he applied
the principle of dtournement which he would later go on to develop in
his Scotch Art: a technique that Wolman invented to make large-scale
mechanical dtournements.
But, undoubtedly, the centre of attention is located in the force that
emanates from the film LAnticoncept, conceived as cinema of the time
through light projected on a sphere and using sound as the material of
perception. This clear intention could lead us to think of lettrist cinema as
the abstract materialization of the Image-Time that Gilles Deleuze believed
to be the most important event to have emerged in cinema after the Second
World War.
The show is also an occasion to contemplate works like Duhring,
Duhring (1979) or the separated tree (1978) in which the artist systematically
introduced a effect of separation which prolongs the concept of separation
in an outstanding way, which, for the situationists, reflected the split between
Gil J Wolman in his studio, 1966. the wished-for life and the lived reality. A fact which, for its permanent nature,
Acquaviva Archive, Pars. Courtesy: MACBA of the reproduction Vanessa Miralles turned Wolman not into an immortal being but into a completely alive artist.

104 ARTECONTEXTO REVIEWS

 La exposicin retrospectiva sobre Wolman organizada por
GIL J WOLMAN el MACBA y la Fundacin Serralves de Oporto es la segunda gran
muestra que se dedica al artista tras la celebrada en 2001, en las
Soy inmortal y estoy vivo ciudades francesas de Dijon y Blois.
En la exposicin, titulada Soy inmortal y estoy vivo, pueden
BARCELONA verse desplegadas las obras ms significativas del creador de
MUSEU DART CONTEMPORANI DE BARCELONA (MACBA) la mgapneumie (poesa fsica de una penetrante sonoridad);
sus primeras mtagraphies, en las que se aplica el principio de
OPORTO dtournement que, ms tarde, desarrollar en su art scoth: una tcnica
FUNDACIN SERRALVES que Wolman invent para realizar de forma mecnica dtournements
de gran formato.
Pero, sin duda, donde se sita el centro de atencin es en la
El rumor presituacionista fuerza que emana del film LAnticoncept, concebido como un cine

ALFONSO LPEZ-ROJO
Toda la gente avisada de nuestra poca est de
acuer-do en que el arte ya no puede justificarse como
una actividad superior, ni tampoco como una actividad
de compensacin a la que uno pueda entregarse
honora-blemente. La causa de este deterioro es
claramente la emergencia de fuerzas productivas que
precisan otras relaciones de produccin y una nueva
prctica de vida. As comenzaba el texto Mtodos de
tergiversacin [dtournement] que Gil J Wolman firm
junto con Guy Debord en 1956.
Esta cita permite sintonizar directamente con
las preocupaciones que en 1957 estuvieron latentes
en la formacin de la histrica Internacional Situa-
cionista. Y sirve, tambin, para resaltar el papel ac-
tivo jugado por el artista Gil J Wolman en la base de
este movimiento. De hecho, su condicin de pres-
ituacionista, su calidad de cofundador de la Interna-
cional Letrista en 1952 (de nuevo junto a Debord) y la
creacin, en 1951, de su rompedor film LAnticoncept
son los tres aspectos de su trayectoria que ms han
Mtagraphie, 1954.
hecho que la figura de Wolman no sea desconocida Muse dArt Moderne, Saint-tienne Mtropole. Cortesa: MACBA. Foto: Yves Bresson. Gil Joseph Wolman
para nadie que se haya interesado por la amplia r-
bita situacionista. Una rbita que no puede entenderse como una del tiempo a travs de la luz proyectada sobre una esfera y con
prctica artstica separada de la explcita voluntad poltica y trans- el sonido como materia de percepcin. Esta clara intencionalidad
formadora de sus protagonistas. nos puede hacer pensar en el cine letrista como la materializacin
Sin embargo, el problema de las recuperaciones acadmicas y abstracta de la Imagen-Tiempo que Gilles Deleuze teoriz como el
musesticas que desde la dcada de los ochenta se vienen haciendo acontecimiento ms importante surgido en el cine tras la segunda
de los artistas que, de un modo u otro, han formado parte de esa rbi- guerra mundial.
ta desde su origen letrista, es que la merecida atencin sobre la figura La muestra es tambin una ocasin para contemplar obras
de Guy Debord ha oscurecido en exceso la atencin de otras mentes como Duhring, Duhring (1979) o el rbol separado (1978) en las que
lcidas como la de Raoul Vaneigem, Asger Jorn o la del propio Gil J el artista introdujo sistemticamente un efecto de separacin que
Wolman, y no digamos ya la de Isidore Isou. De hecho, no deja de ser prolonga de manera singular el concepto de divisin que para los
significativo que este artista rumano un patriarca al que por activa o situacionistas reflejaba en todas las esferas la escisin entre la vida
por pasiva siempre te encuentras en el centro de la rbita referida se deseada y la realidad vivida. Un hecho ste que, por su carcter de
fuera de este mundo en 2007 con la satisfaccin de haber vivido 82 permanencia, convierte a Wolman no en un ser inmortal pero s en un
aos sin haber sido recuperado. artista completamente vivo.

CRTICAS ARTECONTEXTO 105


Before Anything Else
MADRID
CENTRO DE ARTE 2 DE MAYO (CA2M)
FRANCESC RUZ Los cmics de la Revolucin, 2009. Courtesy: CA2M
JOS MANUEL COSTA
In a very short time the Centro de Arte 2 de Mayo (CA2M) in Mstoles
has become a major focus of interest, both of the visual arts in Spain
and of local culture life. The director, Ferran Barenblit, says this takeoff
is due to its peripheral location with respect to Madrid, which enables
the CA2M to take greater risks that more central institutions in the
Spanish capital would dare.
The risks taken and many specific successes have served
to engender curiosity about each new show, but there is always a
106 ARTECONTEXTO REVIEWS
danger that the results may fall short of expectations. And this is what
happened with Antes Que Todo [Before Anything Else], the show now
taking up the centres exhibition and other spaces. It is a collective
assembled by young curators featuring the work of todays artists,
mainly Spaniards, and it might have been one of the sensations of the
year. But this, I believe, is unlikely.
To a large extent the problems is that the organisers, Aimar Arriola
and Manuela Moscoso, who deserve plenty of praise for their efforts,
bit off more than they could chew. Lacking a sharply defined central
idea (the theme expectation: the possibility that something might
happen, is too vague to be useful), they have hung such a theoretical
burden on each of the woks and its relations that as a whole the show
is dragged down by the weight of confusion. And as both Robert
Browning and Mies van der Rohe noted, less is more. Ad Reinhardt
would add that more is less. And this is the problem here.
A close look at the introductory text tells us that we are seeing
lightning bolts that use lines of discontinuous relations, invisible, and
zigzagging to join the senses of the different works on display here.
But these lines of discontinuous relations, invisible, and zigzagging
do not chart a path that is easy to follow. Perhaps in recognition of this,
six routes through the exhibition are proposed, along with numerous
talks and seminars. This may help, but it doesnt quite overcome the
initial impression.
The fact is that what we really find is something simpler, something
like Arte Conceptual Espaol Ahora [Spanish Conceptual Art Now].
If there is a common denominator shared by these 56 relatively young
artists, it is that they present themselves as a new wave of what we call
Conceptual Art in its classical objectual, and even pictorial strands.
This idea is underlined by the presence of two historic icons of the
genre, Isidoro Valcrcel Medina and Esther Ferrer.
As a simple display of what there is, Antes Que Todo offers us
a panoramic view of a diversity of proposals, not necessarily very
innovative in formal or thematic terms, but in some cases very striking.
Some of them accentuate the procession and others many more
use architecture or furniture as a theme.
This is plenty of painting, and, of course, texts. Not an
overabundance, but enough to remind us of the conceptual intent of
the show. And performances, to keep it from faltering. The problem
is that the theatrical performance that we saw on the opening night
was absolutely pedestrian, one more sign of the crisis into which the
practice has fallen.
At the same time, there are conspicuous absences sound, light,
digital art. It is not that technology-based art beyond videos must
necessarily be represented, but that there are so many contemporary
artists working in these forms, some of who pose questions that are at
least as critical or thoughtful as those chosen for this show.
Still, what best symbolises this exhibition may be the measuring
devices that Ignasi Aball has deployed throughout the CA2M. It was
certainly not his intention, but they seem to be there to register the
vital signs of this new art. Well have to wait for a diagnosis, but one
fears that a certain tepidness is all that is being registered.
Antes que todo
MADRID
CENTRO DE ARTE 2 DE MAYO (CA2M)

JOS MANUEL COSTA

En muy poco tiempo el Centro de Arte 2 de Mayo de
Mstoles (CA2M) se ha convertido en un gran foco
de inters, tanto de las artes visuales en Espaa
como en la cultura local. Segn su director, Fer-
ran Barenblit, este despegue se debe a su carcter
perifrico respecto al ncleo capitalino, lo que ha
permitido al CA2M tomar riesgos que otras institu-
ciones, ms centradas y en el centro de Madrid,
temen permitirse.
Los riesgos asumidos y muchos aciertos con-
cretos han servido para generar curiosidad ante cada
propuesta, pero el peligro es que los resultados no al-
cancen las expectativas. Es lo que sucede con Antes
Que Todo, la exposicin que ahora ocupa todos los
espacios, expositivos o no, del Centro. Una muestra
de jvenes comisarios sobre artistas actuales, en su
mayora espaoles, que podra haber sido una de las
sensaciones del ao. No creo que lo sea. PATRICIA ESQUIVIAS The Future Was When, 2009. Cortesa: CA2M
Esto ocurre en gran medida porque los or-
ganizadores, Aimar Arriola y Manuela Moscoso, a
quienes no se debe regatear el reconocimiento por su trabajo, han Como simple presentacin de lo que hay, Antes Que Todo ofre-
querido decir demasiadas cosas y se han liado. En vez de apoyarse ce una panormica amplia sobre diversas propuestas, no necesaria-
en una idea rectora fuerte (el lema expectativa: la posibilidad de que mente muy innovadoras en lo formal o en lo temtico, pero algunas
algo suceda, no vale por demasiado genrico) han volcado tal carga veces muy potentes. Hay casos que ponen el acento sobre lo proce-
terica sobre cada una de las obras, y sus relaciones, que el conjunto sual y otros muchos ms que usan la arquitectura o el mobiliario
acaba sufriendo el peso de la confusin. Y es que, como dijo alguien, como motivo.
a veces menos es ms (Robert Browning / Mies Van Der Rohe). Ad Hay bastante pintura y, por supuesto, textos. No una inflacin,
Reinhardt aadira que ms es menos. ste es el caso. pero s los suficientes como para volver a recordar la aspiracin con-
Espigando el texto de presentacin, se nos dice que estamos ceptual de Antes Que Nada. Y performances, para que no decaiga.
ante relmpagos que unen por lneas de relacin discontinuas, in- El problema es que una performance teatral, a la que asistimos el da
visibles y en zigzag los sentidos de las diferentes obras aqu expues- de la inauguracin, result absolutamente pedestre, una muestra ms
tas. La verdad, unas lneas de relacin discontinuas, invisibles y en de la crisis en la que ha cado dicha prctica.
zigzag no dibujan un sendero fcil de seguir. Quizs reconociendo De otro lado, se registran ausencias espectaculares, como lo so-
este hecho, se han trazado seis recorridos y programado numero- noro, lo lumnico, lo digital. No se trata de que el arte basado en tec-
sas charlas y seminarios. Esto puede ayudar, pero no remedia la im- nologas, ms all del vdeo, tenga que estar presente como cuota, se
presin general. trata de que hay demasiados artistas contemporneos que las usan y
En realidad, lo que encontramos es ms sencillo, algo parecido a travs de ellas plantean cuestiones tanto o ms crticas y reflexivas
a Arte Conceptual Espaol Ahora. Si existe un comn denominador que las aqu seleccionadas.
entre estos 56, relativamente jvenes, artistas es que se presentan Con todo, lo ms simblico de esta exposicin quizs sean los
como otra oleada de eso que conocemos como Conceptual, en su aparatos de medicin que Ignasi Aball ha dispuesto por todo el CA2M.
rama clsica objetual e incluso pictrica. Una idea que viene sub- Seguro que su intencin es otra, pero parecen estar all tomando las
rayada por la presencia de dos iconos histricos del gnero, como constantes de este arte actual. Ya se ver lo que han registrado, pero
Isidoro Valcrcel Medina y Esther Ferrer. cabe temer que slo registre una cierta tibieza.

CRTICAS ARTECONTEXTO 107

 games, puppets, furniture and other documents by more than
Avant Garde Toys 50 creators (in the visual arts, but also designers, architects and
photographers), and is made up of two clearly differentiated and
MLAGA relatively independent sections, as well as a more heterogeneous
MUSEO PICASSO DE MLAGA central body.
The first section is presented as an
introduction and consists of the selection that
Juan Bordes has made of some educational
and commercial toys from the 19th century,
which are from his own collection, collected
during years of research carried out to
collect convincing documentary proof
which would justify the arguments published
in his persuasive study La infancia de las
vanguardias (Ctedra, 2007).
The second section, which will later go
on to the MUVIM in Valencia, is the object
of a monographic catalogue of its own, and
reconstructs the exhibition El libro de nios
en la URSS, shown in the bookshop of
Jacques Povolozky in Paris in 1929. Blaise
Cendrars signed the preface of the plaquette
which was published then, a text that could
be described as a manifesto in favour of the
childrens book, as pointed out Franoise
Lvque, in charge of that show along with
Batrice Michielsen and Michle Noret.
The rest combines very diverse elements
in intention (from prototypes and industrial
products to objects made for children in the
creators domestic or family scene), material
supports (marionettes, drawings, figurines,
MARIE CERMINOVA TOYEN Ns Svet / Nuestro mundo, 1934. Courtesy: Institut Valenci dArt Modern and Museo Picasso Mlaga dolls, cut-outs, construction toys, etc.) and
results. The abundance of the materials
enables various sub-groups to be described,
FRANCISCO BAENA which are susceptible to very interesting readings by themselves
If we accept the opinion of Neil Postman, childhood has already or through their mutual relationships (for example, the Noahs ark
disappeared. Not yours, reader (on the contrary, perhaps it is still and other animal groups, or the different construction blocks or, for
there, in your memory or its effects, where it survives), but as a social example, the collection of pieces of Ladislav Sutnar, that of Joaqun
construct or historical product. It is not strange then that the visit to Torres-Garca, and that of Bruno Munari).
this aseptic bazaar is an experience very like one to an archaeological The determination to include the great names of the moment (for
site. There is something definitely perturbing here. But I would say it example Duchamp and Mir) and to draw lines of perspective (relevant
is not so much the infamy that Toy Story 2 (a toy museum) effectively questions perhaps, suggested meanders through such a vast territory)
denounced, as, perhaps, the caustic evidence of which Pasolini has played, however, against the sum of less well-known works and
spoke to Gennariello of the disappearance, now not of childhood and names which had found here a suitable context for presenting some of
all the lives for which the exhibited objects were destined that , like their creations. I am speaking from Granada, so I miss a Hermenegildo
these, so relational, nor, therefore, less autonomous but the complete Lanz. But there are other artists who, like him, dedicated a great deal
disappearance of a world: what has changed is not the language of of time to imagining and making toys in coexistence (I was going
things, what has changed are the things themselves. to write connivance) with childhood, in the words of Jos Antonio
The exhibition, curated by Carlos Prez and Jos Lebrero, is Lago... from the avant garde for the men of a future that has happened
composed of more than 500 pieces between publications, various already.

108 ARTECONTEXTO REVIEWS

 hasta objetos, realizados para nios, del mbito domstico o familiar
Los juguetes de las vanguardias de los autores), soportes materiales (marionetas, dibujos, figurines,
muecos, recortables, juegos de construccin, etc.) y resultados. La
MLAGA abundancia de los materiales permite trazar variados subconjuntos
MUSEO PICASSO DE MLAGA susceptibles de lecturas muy interesantes por s mismos o por sus
relaciones mutuas (por ejemplo los grupos de arcas de No y otras
faunas, o los de distintos bloques de construccin o, por ejemplo, la
FRANCISCO BAENA coleccin de piezas de Ladislav Sutnar, la de Joaqun Torres-Garca,
Si aceptamos la tesis de Neil Postman, la niez ya ha desaparecido. o la de Bruno Munari).
No la tuya lector (por el contrario, quiz sea an ah, en tu memoria o El empeo por incluir los grandes nombres del momento (por
sus efectos, donde sobreviva) sino como constructo social o producto ejemplo Duchamp o Mir) y por tirar lneas de fuga (preguntas acaso
histrico. No es extrao entonces que la visita a este asptico bazar pertinentes, meandros sugeridos por el discurrir a travs de tan vasto
sea una experiencia tan similar a la de una prospeccin arqueolgica. territorio) ha jugado, sin embargo, en contra de la suma de trabajos y
Hay algo definitivamente perturbador aqu. Pero dira que no es nombres menos conocidos que habran encontrado aqu un contexto
tanto la infamia que denunci con eficacia Toy Story 2 (un museo idneo para presentar algunas de sus creaciones. Hablo desde
de juguetes) como, quiz, la punzante evidencia de la que habl Granada, de modo que echo de menos a un Hermenegildo Lanz. Pero
Pasolini a Gennariello de la desaparicin no ya de la niez y de las hay otros artistas que dedicaron, como l, mucho tiempo a imaginar
vidas todas a las que estaban destinadas los objetos expuestos que y fabricar juguetes en convivencia (iba a escribir connivencia) con
nunca habrn sido, como estos, tan relacionales, ni, por tanto, menos la niez, en palabras de Jos Antonio Lago... desde las vanguardias
autnomos sino la desaparicin completa de un mundo: lo que ha para los hombres de un futuro que ha pasado ya.
cambiado no es el lenguaje de las cosas, lo que ha
cambiado son las cosas mismas.
La exposicin, comisariada por Carlos Prez y
Jos Lebrero, est compuesta por algo ms de 500
piezas entre publicaciones, juegos variados, tteres,
muebles y otros documentos de ms de 150 autores
(artistas plsticos, pero tambin diseadores, arqui-
tectos o fotgrafos), y comprende dos secciones
claramente diferenciadas, y relativamente indepen-
dientes, adems de un cuerpo central ms hetero-
gneo.
La primera seccin se presenta como una
introduccin y consiste en la seleccin que Juan
Bordes ha hecho de algunos juguetes educativos
y comerciales del siglo XIX de su propia coleccin,
formada durante aos de investigacin para recoger
pruebas documentales convincentes que autorizan
los argumentos publicados en su persuasivo estudio
La infancia de las vanguardias (Ctedra, 2007).
La segunda seccin, que viajar posteriormente
al MUVIM de Valencia y es objeto de un catlogo
monogrfico propio, reconstruye la exposicin El libro
de nios en la URSS, que se mostr en la librera de
Jacques Povolozky de Pars en 1929. Blaise Cendrars
firm el prefacio de la plaquette editada entonces,
un texto que podra calificarse de manifiesto a
favor del libro para nios, como apunta Franoise
Lvque, al cuidado de aquella muestra junto a
Batrice Michielsen y Michle Noret.
El resto rene elementos muy diversos en BRUNO MUNARI Sombrerera; Pastelera; Farmacia antigua; Relojera; Quesera; Msica, dcada de 1940.
intencin (desde prototipos o productos industriales Collezione Bruno Munari. Cortesa de Corraini Edizioni y Museo Picasso Mlaga

CRTICAS ARTECONTEXTO 109

 this sense, the interpretation of the curators, Tanya Barson and Peter
Afro Modern: Gorsclter, and the pedagogical discourse, accompany the visitor
without pedantry. The exhibition seems just to suggest a possible
Journeys Through the Black Atlantic reading in negative of the space of this shared culture: the ocean that
connects the continents. So, a territory or an afro identity does not
SANTIAGO DE COMPOSTELA exist, but rather a great variety of readings of the world which have
CENTRO GALEGO DE ARTE CONTEMPORNEA (CGAC) been generated despite the hegemony of white culture. Representing
the cruelty of slavery is an effective way of reminding
us that the black race was regarded as non-human
until quite recently. Also, the discovery of African
art by the 20th century avant garde was a form of
colonisation.
Finally, when we admire the disturbing beauty of
the photographs by Carrie Mae Weems You Became a
Scientific Profile, A Negroid Type, An Anthropological
Debate & A Photographic Subject, from 1995-96,
we cant forget that scientific discourse supported
slavery. However, the emotion generated by the
contemplation of these works is not limited to a sterile
sense of guilt. The artistic creation of this continent
in negative that Paul Gilroy imagined in his book The
Black Atlantic: Modernity and Double Consciousness
is not only reactive, but also profoundly original. It is
not just about claiming a cultural identity but about
achieving an aesthetic and discursive autonomy. From
Aspects of Negro Life: The Negro in an African Setting,
a work by Aaron Douglas from 1934, to the video by
Kara Walker 8 Possible Beginnings or The Creation of
African-America from 2005, we observe the carrying
out of a series of formal investigations which try to
achieve expressive autonomy in relation to white art.
Probably the most moving showroom is that containing
La reconstruccin de la travesa transatlntica.
Here we see a wall covered with small pieces
of paper held in place by pegs, by Christopher
Cozier, Tropical Night, from 2006 to The Present; the
photographs from the series Go West Young Man,
by Keith Piper, from 1987; and the model of a slave-
carrying ship, black as night and covered with metallic
ISAAC JULIEN Western Union Series no. 1 (Cast No Shadow), 2007. Jochen Zeitz Collection. Courtesy: CGAC paint, by Radcliffe Bailey, Garveys Ghost, 2008. The
preciosity of the images by Ellen Gallagher, Mara
Magdalena Campos-Pons and Isaac Julien are etched
EMANUELA SALADINI on the retina like anothers disturbing dream.
Often the strength of the image transcends any discourse. When we The declaration of intent of the director of the CGAC emphasizes
find ourselves facing a work which needs no explanations it is because the aim of creating a bridge between the Atlantic cultures. This is not
the relation between the artistic media and narration is really strong. about an extemporaneous objective because Galicia is, culturally, as
This exhibition succeeds in reversing the proportion of discourse to remote from Oporto as from New York. However, it is not necessary to
art work to fascinate us with the gaze of the artists brought together claim a hypothetical Atlantic community but to present lesser known
under the definition of Afro Modern. This does not mean that the interpretations of its existence. We hope that the aesthetic discourse
theoretical basis and its development is poor, quite the reverse, for will always come first, before political or identifying discourse, because
the discourse is at the service of the image and is never dictatorial. In images define our culture better than any intention.

110 ARTECONTEXTO REVIEWS

 discursiva. Desde Aspects of Negro Life: The Negro in An African
Afro Modern: Setting, una obra de Aaron Douglas de 1934, hasta el vdeo de Kara
Walker 8 Possible Beginnings or The Creation of African-America
Viajes a travs del Atlntico Negro de 2005, observamos el desarrollo de una serie de investigaciones
formales que intentan conseguir la autonoma expresiva respecto al
SANTIAGO DE COMPOSTELA arte blanco. La sala probablemente ms emotiva es La reconstruccin
CENTRO GALEGO DE ARTE CONTEMPORNEA (CGAC) de la travesa transatlntica.
Aqu encontramos el muro cubierto de pequeos papeles

EMANUELA SALADINI
La fuerza de la imagen trasciende a me-
nudo cualquier discurso. Cuando nos
encontramos frente a una obra que no
necesita explicaciones es por que la re-
lacin entre medio artstico y narracin es
realmente potente. Esta exposicin con-
sigue invertir la proporcin entre discurso
y obra de arte para fascinarnos con la mi-
rada de los artistas reunidos bajo la defi-
nicin de Afro Modern. Esto no significa
que la base terica y su desarrollo sean
pobres, todo lo contrario, ya que el discur-
so se encuentra al servicio de la imagen
y nunca es dictatorial. En este sentido, la
interpretacin de los comisarios, Tanya
Barson y Peter Gorsclter, y el discurso
pedaggico acompaan al visitante sin
pedantera. La exposicin parece slo su-
gerir una posible lectura en negativo del
espacio de esta cultura compartida: el
ocano que conecta los continentes. No
existe, entonces, un territorio o una iden-
tidad afro sino que existe una multipli- KARA WALKER 8 Possible Beginnings or: The Creation of African-American, 2005. Prestado por American Fund para Tate Gallery.
cidad de lecturas del mundo que se han Cortesa: American Acquisitions Committee 2007, la artista, Sikkema Jenkins & Co. (New York) y CGAC

generado a pesar de la hegemona de la

cultura blanca. Representar la barbarie que supuso la esclavitud es un retenidos por unas pinzas, de Christopher Cozier, Tropical night,
modo eficaz de recordarnos que la raza negra ha sido considerada no from 2006 to present; las fotografas de la serie Go West Young Man,
humana hasta hace relativamente poco tiempo. Tambin el descubri- de Keith Piper, de 1987; o la maqueta de un barco que transportaba
miento del arte africano por parte de las vanguardias del siglo pasado esclavos, negra como la noche y cubierta de purpurina, de Radcliffe
ha sido una forma de colonizacin. Bailey, Garveys Ghost, 2008. El preciosismo de las imgenes de
Finalmente, cuando admiramos la inquietante belleza de las Ellen Gallagher, Mara Magdalena Campos-Pons o Isaac Julien
fotografas de Carrie Mae Weems You Became a Scientific profile, queda grabado en la retina como un inquietante sueo ajeno.
A Negroid Type, An Anthropological Debate & A Photographic La declaracin de intenciones del director del CGAC subraya el
Subject, de 1995-96, no podemos olvidar que el discurso cientfico objetivo de crear un puente entre las culturas atlnticas. No se trata
ha apoyado la esclavitud. Sin embargo, la emocin que nace de de un objetivo extemporneo porque Galicia est, culturalmente, tan
la contemplacin de estas obras no se circunscribe a un estril alejada de Oporto como de Nueva York. Sin embargo, no es necesario
sentimiento de culpabilidad. La creacin artstica de este continente reivindicar una hipottica comunidad atlntica sino presentar
en negativo que imagina Paul Gilroy en su libro The Black Atlantic: interpretaciones de la existencia menos reconocidas. Esperamos que
Modernity and Double Consciousness no es slo reactiva sino, resulte siempre primario, frente al discurso identitario o poltico, el
adems, profundamente original. No se trata slo de reivindicar discurso esttico, porque las imgenes definen nuestra cultura mejor
una identidad cultural sino de conseguir una autonoma esttica y que cualquier intencin.

CRTICAS ARTECONTEXTO 111

 influences, they endorse the suppression of the differences between
American Colors by PSJM art and design on the one hand, and between art, craftsmanship and
industrial production on the other.
MADRID PSJM has inserted itself thus into that modern tradition, from
BLANCA SOTO GALLERY John Ruskin and William Morris (Arts & Crafts), Art Nouveau and
of the Bauhaus, which believed
it was possible to put an end to
the fetishisation of art. Its work
always confronts the mystic
experience of the aura, dignifying
the democratic and popular
role of the commercial brand.
They allude, in the same way,
to the concept of a social and
democratic art which took place
throughout the 20th century,
starting, above all, from the gaze
of the Russian constructivists.
Art was involved then with
the mass communication
media and with industrial
production, abandoning the
middle-class myth of individual
creation in favour of productive
experiences.
American Colors is a project
which reviews these theoretical
foundations and which formally
revolves around minimalist
Population by race; Poverty population by race; Prision population by race, 2009-2010. Courtesy: Blanca Soto Gallery geometric abstraction, although
we could well refer to this work
as critical abstraction. The
MIREIA A. PUIGVENTS exhibition is formed by a group of paintings made up of the five
PSJM is an artistic team made up of Pablo San Jos (Mieres, 1969) colours conventionally linked to the races (white, black, yellow)
and Cynthia Viera (Las` Palmas, 1973) which acts as an art brand and and connected with the percentage of the census-taking of the North
pose questions relating to the artistic aura binomial and commercial American population; prison population and poverty index by ethnic
product. Our Project is based on the idea that all artists are group in each country. Read the titles of the pieces, USA population
commercial brands who offer cultural products on the market. Starting by race or USA prison population by race. Colour therefore has a
from this idea PSJM carries out a discourse which is critical and, at the meaning which carries a sociological and anthropological reading of a
same time, uncomfortable for the world of art for it alters the concept critical nature. The minimalist object becomes a statistical catalyst in
that this world has of itself. For that purpose it adopts the aesthetic contrast to its decorative function in interiors and its relation with the
and operative mechanisms of the business sphere and generates a consumer society and welfare.
language laden with irony which develops under the precepts of art as In American Colors Style Site the art work, or rather, the cultural
propaganda (of the system and against the system), of mass culture, product, should be read with new lenses which question the usual
new production technologies, the democratization of art, the cultural way of interpreting them. The perception of the world which surrounds
star system, the institutional theory of art and excessive consumption. us and our aestheticised and comfortable lifestyle, is supported by
The artistic and political ideology of PSJM defends a good part of the problems of inequality and poverty which we are only able to recognize
commitments acquired by the Modern Movement. Through industrial as image not as art. As in a marketing company, in every PSJM creation
design and mass production of pieces, they are committed to a process a strategy to be followed, a study of the field and a clear
democratic art remote from the select commercial circuits reserved for positioning is involved. From there, perhaps it is more appropriate to
affected minorities. Following the trail of their most immediate artistic speak of cultural products for such an insatiable society as ours.

112 ARTECONTEXTO REVIEWS

American Colors by PSJM
MADRID
GALERA BLANCA SOTO

MIREIA A. PUIGVENTS
PSJM es un equipo artstico formado por
Pablo San Jos (Mieres, 1969) y Cynthia Viera
(Las Palmas, 1973) que se comporta como
una marca de arte y plantea cuestiones rela-
tivas al binomio aura artstica y producto
comercial. Nuestro proyecto se fundamen-
ta en la idea de que todos los artistas son
marcas comerciales que ofrecen al mercado
productos culturales. Partiendo de este pen-
samiento PSJM desarrolla un discurso crtico
y a la par incmodo para el mundo del arte
pues altera la concepcin que ste tiene de s
mismo. Para ello adopta los mecanismos es-
tticos y operativos del mbito empresarial y
genera un lenguaje cargado de irona que se
desenvuelve bajo los preceptos del arte como
propaganda (del sistema y contra el sistema),
de la cultura de masas, las nuevas tecnologas
de produccin, la demo-cratizacin del arte,
el star system cultural, la teora institucional Poverty population by race, 2010. Alfombra de lana hand tuff calidad cretdec. Cortesa: galera Blanca Soto
del arte y el consumo desmedido. El ideario
artstico y poltico de PSJM defiende buena
parte de los compromisos adquiridos por el Movimiento Moderno. A abstraccin crtica. La exposicin est formada por un conjunto de
travs del diseo industrial y de la produccin masiva de las piezas, cuadros compuestos por los cinco colores convencionalmente vin-
apuestan por un arte democrtico alejado de los selectos circuitos culados a las razas (blanco, negro, amarillo) y relacionados con el
comerciales reservados a minoras exquisitas. Siguiendo la estela de porcentaje censado de la poblacin norteamericana; poblacin car-
sus referentes artsticos ms inmediatos, avalan la supresin de las celaria o ndice de pobreza por etnias en cada pas. Lase los ttulos
diferencias entre arte y diseo por un lado, y entre arte, artesana y de las piezas, USA population by race o USA prisin population by
produccin industrial, por otro. race. El color tiene por tanto un significado que conlleva una lectura
PSJM se inserta as en esa tradicin moderna, procedente de sociolgica y antropolgica de carcter crtico. El objeto minimalista
John Ruskin y de William Morris (Arts & Crafts), del Art Nouveau y de se convierte en un catalizador estadstico en contraste con su funcin
la Bauhaus, que crea que era posible acabar con la fetichizacin del decorativa de interiores y su relacin con la sociedad consumista y
arte. Su trabajo no deja de enfrentarse a la experiencia mstica del del bienestar.
aura dignificando el papel democrtico y popular de la marca co- En American Colors Style Site la obra de arte, mejor dicho el
mercial. Del mismo modo, aluden a la concepcin de un arte social y producto cultural, debe leerse con unas nuevas lentes que pon-
democrtico que se desarroll a lo largo del s. XX a partir, sobre todo, gan en duda el modo habitual de ser interpretado. La percepcin del
de la mirada de los constructivistas rusos. El arte se involucr enton- mundo que nos rodea y nuestro estilo de vida, estetizado y conforta-
ces con los medios de comunicacin de masas y con la produccin ble, descansa sobre problemas de desigualdad y pobreza que slo
industrial abandonado el mito burgus de la creacin individual en alcanzamos a reconocer como imagen, no como arte. Como en una
favor de experiencias productivas. empresa de marketing, PSJM involucra en todo proceso de creacin,
American Colors es un proyecto que revisa dichos fundamentos una estrategia a seguir, un estudio de campo y un posicionamiento
tericos y que gira formalmente en torno a la abstraccin geomtri- claro. Desde ah quizs sea ms apropiado hablar de productos
ca minimalista, aunque bien podramos referirnos a esta obra como culturales para una sociedad tan insaciable como la nuestra.

CRTICAS ARTECONTEXTO 113


KRISTOFFER ARDEA. Homage: Murcia
MURCIA
LA CONSERVERA
Homemade (or Dismantling the National Anthem)
SEMA DACOSTA
The Canadian thinker Marshall McLuhan was the first to suggest, in
the late 1960s, the concept of a global village. By coining this term,
he aimed to highlight the ease with which, in the near future, electronic
media would allow for the exchange of information on a global scale, a
homogenising fact made possible by technological advancements. In
this way, distant and different societies would enjoy increasingly similar
lifestyles. The Internet, the quintessential example of this 50-year-old
prediction, has now become the paradigm of a diminished world,
where indigenous elements are being replaced by general behaviour
standards, reductionist models that favour the simplification of ideas
and do away with any vernacular traces.
The project which the artist from the Philippines Kristoffer
Ardea (Dumaguete, 1976) has been carrying out in Murcia for several
months is centred on fighting against this cultural decline, by offering
a collective exercise in reciprocity, where the familiar and foreign come
together, in an encounter between different ways of interpreting reality,
One voice, 2010. Courtesy: La Conservera.
114 ARTECONTEXTO REVIEWS
whose confluence encourages a constructive dialogue between
the local and the alien. In Homage: Murcia the artist has selected a
diverse group of musicians from the region to offer their own, entirely
free, interpretation of their national anthem, a military march, which
although it originally included lyrics in Spanish, must now be sung in
Tagalog, the mother tongue of most Philippines natives. This crass
way of dealing with post-colonialist complexes (without a doubt, the
flip side of this particular 1898 change possesses deeply significant
historical and political undertones) functions as a way of expressing
a relational experience where the process is more important than the
result, a life event which decontextualises a national symbol in order to
turn it into a tool for discovery. The way events unfolded and their final
result have been recorded in different sessions which show the various
versions of the project, a series of video pieces which are shown, one
after the other, on a large screen.
Additionally, the space has been completely taken up by chairs,
sofas and all sorts of seats donated by the people of Ceut, so that
viewers can sit comfortably, in what is an installation which also
involves the people from the village, and which, compared to the
ethnographic immersion offered by field work, seems to me to be a
final, unnecessary, arrangement, which, although it does not remove
any substantial element, can distract from the exhibition by focusing
on accessory features. Visitors might mistake secondary elements for
the principal issues on show, paying attention only to the presentation,
a staging which perhaps should have been more succinct and less
emphatic.
In this (more or less structured)
analysis of an imposed cultural identity,
Ardea has played the role of catalyst
of an intelligent organic process which
is committed to craftsmanship and
homemade aesthetics as differentiating
elements. The aim was not to produce
high-quality industrial products which
would ultimately repeat serial, inter-
continental patterns, but the exact
opposite: to resort to the authentic and
genuine as a procedure which makes
it possible to convey the personality
of a community. It is surprising to
observe the distance adopted by these
interpretations with regard to the original
motif, which is annulled and rendered a
mere excuse so that Murcian singers
may unleash their musical personality.
In this way, the value of the anthem
which, like any emblem of power, is
nothing more than pure allegory is
ultimately dismantled and transformed
into an artificial simulacrum which may
be aimed in any direction.
 Adems de estas proyecciones, el espacio ha sido ocupado al
KRISTOFFER ARDEA. Homenaje: Murcia completo por sillas, sofs y todo tipo de asientos que han cedido los
vecinos de Ceut para que puedan acomodarse los espectadores, una
MURCIA especie de instalacin que implica tambin a los habitantes del pueblo
LA CONSERVERA y que, en comparacin con la inmersin etnogrfica que supone el tra-
bajo de campo, me resulta una disposicin final accesoria que sin restar
nada sustancial, puede desviar el protagonismo de la exposicin hacia
Hecho en casa (o desmontando el himno nacional) elementos vicarios. El visitante puede confundir lo secundario con lo
principal, obviando el meollo del proyecto y centrarse slo en el modo
SEMA DACOSTA de presentacin, una puesta en escena que quizs debera haber sido
El pensador canadiense Marshall McLuhan fue el primero que utiliz ms sucinta y menos revestida.
a finales de los aos sesenta del siglo XX el concepto de aldea glo- En esta revisin (ms o menos estructurada) de una identidad
bal. Con este trmino quera subrayar la facilidad con la que en un cultural impuesta, Ardea ha ejercido como catalizador de un inteli-
futuro cercano los medios electrnicos de comunicacin permitiran gente proceso orgnico que ha apostado por los modelos artesana-
el intercambio de informacin a escala planetaria, un hecho homoge- les y la esttica casera como vas de diferenciacin. No se pretenda
neizador propiciado por los avances tecnolgicos donde sociedades conseguir productos industriales de alta calidad que acabasen repi-
dispares y alejadas tendran cada vez ms un estilo de vida similar. tiendo patrones seriados a nivel intercontinental, sino ms bien todo
Internet, quintaesencia de esta premonicin de hace casi medio siglo, lo contrario: acudir a lo autntico y genuino como procedimiento
se ha convertido hoy en el paradigma de un mundo empequeecido capaz de transmitir la personalidad de una comunidad. Sorprende
donde lo autctono est siendo sustituido por estndares generales la lejana con la que estas interpretaciones se sitan con respec-
de comportamiento, esquemas reduccionistas que favorecen la sim- to al motivo original, que queda anulado y convertido en un simple
plificacin de ideas y rasuran los remanentes vernculos. pretexto para que los cantantes murcianos desaten su personalidad
El proyecto que ha desarrollado durante varias semanas en Mur- musical. As, el valor connotado del himno que como cualquier em-
cia el filipino Kristoffer Ardea (Dumaguete, 1976) se esfuerza por lu- blema de poder no es ms que pura alegora termina desmontado
char contra esa mengua cultural planteando un ejercicio colectivo de y convertido en un simulacro artificial que puede ser derivado hacia
reciprocidad donde se cruzan lo propio y lo extrao, un encuentro entre cualquier parte.
modos distintos de entender la realidad cuya
confluencia alienta el dilogo constructivo en-
tre lo local y lo extranjero. En Homage: Mur-
cia el artista ha seleccionado un heterogneo
grupo de msicos de la regin para que rein-
terpretaran con plena libertad el himno de su
pas de origen, una marcha militar que, aunque
originariamente tuvo letra en castellano, ahora
obligatoriamente debe cantarse en tagalo, la
lengua materna de Filipinas. Esta manera bur-
da de enfrentarse a los complejos post-colo-
nialistas (indefectiblemente, el envs de esta
particular traslacin noventayochista posee
significaciones histricas y polticas de mucho
calado) sirve de punto de engarce de una ex-
periencia relacional donde el proceso adquiere
ms importancia que el resultado, una prctica
vivencial que descontextualiza un smbolo na-
cional para convertirlo en una herramienta de
acercamiento y descubrimiento. El curso de los
hechos y su resultado final, han sido grabados
en distintas sesiones que muestran la variedad
de versiones realizadas, piezas de video que se
exhiben una a continuacin de otra sobre una
gran pantalla. Vista de la exposicin. Cortesa: La Conservera

CRTICAS ARTECONTEXTO 115


JAIME DAVIDOVICH:
Biting the Hand that Feeds You
VITORIA GASTEIZ
ARTIUM. CENTRO-MUSEO VASCO DE ARTE CONTEMPORNEO
Consultorio televisivo del Dr. Videovich, 1982 Courtesy: ARTIUM
When Art Thought it Could Change the World
(and Even Television)
ALICIA MURRA
One welcomes the chance to revisit the work of an artist like the
Argentine Jaime Davidovich, which remains so deeply stimulating,
though so far it has failed to gain a privileged place in the official
history of the art of the past four decades. The title of the show alludes
by no means to ingratitude, but to a stance from which the cracks in the
established system can be located, accepted values subverted, and
socially-imposed and ground rules that are accepted (from agreement,
apathy, or submission) broken. Applied to Davidovich (Buenos Aires,
1936) it also alludes to his skill in using television to torpedo itself in
its age-old role as a brain-deadener.
116 ARTECONTEXTO REVIEWS
In addition to exemplifying a generation of artists who believed
that another kind of television was possible, Davidovich explored the
limits of painting and the artistic potential of the newly-born video
camera, while experimenting with performance art, and assuming the
role of agitator and activist in the bubbly New York art scene of the
1970s.
Bite the Hand starts with a very thorough contextualisation of New
York at the close of the 1960s, where the
derelict industrial district of SoHo was
being colonised by an extraordinary
assortment of artists and personalities
who found spacious rooms and low-
priced buildings where they could live,
work, create communal experiences, and
carry out artistic projects and intervention
that would have been impossible in other
neighbourhoods. And we must pause a
good while in these precincts because
the video records are genuine gems and
contain a huge amount of information
about the period, the place, and the
people. Next we come to Davidovichs
central works: the diverse combinations
of painting and video produced in the
period straddling the 1960s and 1970s,
which he called Tape Projects. Here
we see his conceptual experiments
addressing the limits and possibilities
of the pictorial, a kind of non-paint in
which colour (and non-colour) takes
the form of adhesive tape that is stuck
onto the canvas or the wall to redefine
or transform space. It is also the period
in which he explored performative
resources we see a projection of images
of different actions and performances,
interventions in public spaces, the use of video both as an object upon
which to intervene (as in Red, Blue, Yellow, where he covered three
monitors with coloured tape), or more conventionally, as in the quasi-
documentary Patria vaca [Empty Fatherland], made in 1975, in which
he excoriates the Argentine dictatorship
The third chapter initially surprises with its odd set-up, which
turns out to be an attempt to recreate a television studio revealing its
structure. Here we find a great archive of The Live! Show, the weekly
program prepared by and starring Davidovich between 1979 and
1984 on the public channel SoHo TV, which was much more than an
arts programme, although it was that too. It was a hugely interesting
experiment that constituted the first major infiltration of art into this
most massive of the mass media.
The curator of this timely exhibition, Fito Rodriguez, deserves
high praise.
 de los aos sesenta y comienzos de los setenta, y que denomin
JAIME DAVIDOVICH: Tape-projects. Se muestran ah sus experimentos conceptuales en
torno a los lmites y posibilidades de lo pictrico, una especie de no
Morder la mano que te da de comer pintura donde el color (incluso el no color) toma la forma de cinta
adhesiva que se pega a la tela y la pared o es usada para redefinir
VITORIA GASTEIZ o transformar el espacio. Es tambin el perodo de exploracin de
ARTIUM. CENTRO-MUSEO VASCO DE ARTE CONTEMPORNEO los recursos preformativos a las que nos acerca una proyeccin de
imgenes captadas en diferentes acciones y performances, de las
Cuando el arte crey que poda cambiar el mundo intervenciones en el espacio pblico, de la utilizacin del vdeo, sea
como objeto intervenible caso de Red, Blue, Yelow donde cubre
(e incluso la tv) tres monitores con cintas de color sea desde un lado ms cannico,
y casi documental, ejemplificado en Patria vaca, obra realizada en
ALICIA MURRA 1975 y radicalmente crtica con la dictadura argentina.
Resulta de lo ms oportuna la recuperacin de autores como el La tercera zona o captulo del recorrido sorprende, de entrada,
argentino Jaime Davidovich cuya obra, sin ocupar hasta la fecha un por su extraa disposicin que, en realidad, trata de remitirnos a un
lugar de privilegio en la historia del arte oficial de las ltimas cuatro plat televisivo mostrando su armazn; es all donde se accede a un
dcadas, es radicalmente estimulante. La frase que da ttulo a la gran archivo de los programas que, entre los aos 1979 y 1984, realiz
exposicin retrata un tipo de actitud que, lejos del desagradecimiento, y protagoniz Davidovich para un canal pblico. The Live! Show,
es capaz de localizar las fisuras del sistema establecido, de subvertir emitido en directo semanalmente por cable en canal Soho TV, fue
los valores aceptados, de romper las normas de juego socialmente mucho ms que un programa sobre arte, aunque tambin lo fuera,
impuestas y mayoritariamente aceptadas (sea desde el acuerdo, la constituye un experimento de enorme inters pues logr por vez
apata o la sumisin). Y aplicada a Davidovich (Buenos Aires, 1936) primera la infiltracin del arte en el medio de comunicacin masivo
sintetiza adems cmo ste artista tuvo la habilidad de utilizar el por excelencia.
medio televisivo para torpedear el papel que, de siempre, ha jugado A la ya sealada pertinencia de esta exposicin hay que sumar el
como relajante cerebral. solvente trabajo de su comisario, Fito Rodrguez.
Adems de encarnar al perfecto exponente
de una generacin de creadores y de artistas
convencidos de que otra tv era posible, Davidovich
explor los lmites de la pintura y las potencialidades
que para el arte ofreca la recin nacida cmara de
vdeo, experiment en el campo de la performance y
jug un papel agitador y activista en el efervescente
Nueva York de los aos 70.
Morder la mano arranca con una amplsima
contextualizacin de aquel NY de fines de los 60,
donde un abandonado barrio industrial llamado
Soho se estaba convirtiendo en polo de atraccin
para una extraordinaria fauna de artistas y
personajes de lo ms variado que encontraban
all amplios locales y edificios a muy bajo precio
donde vivir, trabajar, crear experiencia comunales,
y llevar a cabo proyectos e intervenciones artsticas
imposibles de realizar en otras zonas de la ciudad.
Y resulta imprescindible detenerse un buen tiempo
en esta primera zona porque ofrece testimonios
videogrficos que son verdaderas joyas y suponen
un ingente caudal de informacin sobre la poca,
el lugar y sus protagonistas. A continuacin
se despliegan las producciones centrales de
Davidovich: las derivas y trasvases experimentales
entre pintura y vdeo que llev a cabo a finales Consultorio televisivo del Dr. Videovich, 1982. Cortesa: ARTIUM

CRTICAS ARTECONTEXTO 117


Christian Stein Collection
A History of Italian Art
VALENCIA
INSTITUTO VALENCIANO DE ARTE MODERNO (IVAM)
JANNIS KOUNELLIS Untitled, 1969. Margherita Stein Collection. Courtesy: IVAM
The Art of Collecting
PEDRO MEDINA
Behind a collection there exist personal points of view, attractions
and phobias, temporary events and explanations which have to do
with the circumstances of the art market. But beyond these aspects,
the avidity that every collector feels hides a way of reconstructing the
world, a selection where curiositas is the beginning of the obsession
or the pleasure in the discovered object.
In this tracking down it might be remembered how, in the 19th
century, history was assisted by philology, and archaeology, because
the spaces of a period had to be named. This is what happened with
Margherita Steins collection (which had the name and surname of her
118 ARTECONTEXTO REVIEWS
husband), which as Jean Louis Maubant1 said created a centripetal
gallery, which assembled around exhibitions, performances and the
evening debates of many intellectuals and artists, especially those we
identify with Arte Povera.
So appears the exhibition record of a heterogeneous group,
begun by a meaningful dialogue between Fontana and Melotti, and
going on to great central characters like Fabro and Merz, experiencing
happy surprises, like the reconstruction of the Boetti exhibition in Turin
in 1967. This leads the spectator to be submerged in different states of
a common concern, where less well-known artists like Uncini, Lo Savio
or Colla mix without complexes with Pistoletto, Kounellis, Manzoni...
even giving cause for eloquent conversations, like those which have
taken place over the years between Mario and Marisa Merz.
In this way, a historic reconstruction is formed which achieves a
harmonious succession of works which, however, loudly shouted out
in their time. So, one detects as Francisco Jarauta points out a first
reading which allows us to enter the extensive debate of ideas which,
in a plural way, went through the different artistic disciplines from the
end of the 1950s and which addresses the concepts and strategies
that began to be delineated for the construction of a post-industrial
civilization, the basis of that of today.
Art systems, social analysis and critical policy must be
understood then as being indissolubly united to well-known formal
developments of different spatialism arguments, the simplification of
processes within the relation between the object and its configuration
and that impoverishment of signs, reducing them to archetypes,
that Germano Celant was to popularize about Arte Povera, to end by
talking about the symbolization of the merchandise; an explosion that,
however, had already been assumed and institutionalized within the
art market.
However, in these other sons of 1968 that conceptual radicalism is
still detected within the European version of the end of the avant-garde
groups, as was posed by Celant. This is a journey which, although it is
centred in the 1960s and 1970s, also takes in the constant evolution
of the language of its protagonists, coming closer to our time. They
are the principal drifts of one of the great movements of the end of the
20th century in Italy, a difficult period to review, as was demonstrated
in Italics, the controversial exhibition curated by Bonami, where some
self-exclusions occurred, such as that of Kounellis, or the Celant
exhibition in the Guggenheim of New York.
But this exhibition is the product of the tastes of Margherita
Stein, and for that reason there are absences like that of Burri,
regarded in Italy as an artist who is closer to informalism and lyrical
abstraction, but with whom an interesting dialogue could undoubtedly
be established. In short, this is a personal and privileged gaze at one
of the most extreme movements, outside the conventionalisms of
recent decades, that is now being shown as a posthumous tribute to
Jean Louis Maubant.
1.- Jean Louis Maubant, curator of this exhibition along with Francisco Jarauta, died
on the 5th of September, 2010, just a month before the inauguration.
Coleccin Christian Stein
Una historia del arte italiano
VALENCIA
INSTITUTO VALENCIANO DE ARTE MODERNO (IVAM)

El arte de coleccionar
PEDRO MEDINA
Detrs de una coleccin existen puntos de vista personales, filias y
fobias, acontecimientos temporales y explicaciones que tienen que
ver con las circunstancias del mercado del arte. Pero ms all de
estos aspectos, la avidez que todo coleccionista alberga esconde
una forma de reconstruir el mundo, una seleccin donde la curiositas
es el primer paso a la obsesin o al placer del objeto hallado.
En este rastreo cabra recordar cmo la historia era auxiliada
en el siglo XIX por la filologa y la arqueologa, porque haba que
nombrar los espacios de una epocalidad. Es lo que ocurre con la
coleccin de Margherita Stein (que emple el nombre y apellido
de su marido), que como afirmaba Jean Louis Maubant1 cre
una galera centrpeta, que reuna en torno a exposiciones,
performances y veladas de debate a numerosos intelectuales y
artistas, especialmente a los que identificamos con el Arte Povera.
Aparece as el relato expositivo de un grupo heterogneo, ALIGHIERO BOETTI Sedia y Scala, 1966. Coleccin Margherita Stein. Cortesa: IVAM
iniciado por un dilogo idneo entre Fontana y Melotti, para dar paso
a grandes ejes como Fabro y Merz, pasando por felices sorpresas, embargo, ya queda asumido e institucionalizado dentro del mercado
como la reconstruccin de la exposicin de Boetti en el Turn de 1967. del arte.
Esto hace que el espectador se sumerja en distintos estadios de una No obstante, an es apreciable en estos otros hijos del 68 ese
inquietud comn, donde artistas menos conocidos como Uncini, Lo radicalismo conceptual dentro de la versin europea del final de las
Savio o Colla se relacionan sin complejos con los Pistoletto, Kounellis, vanguardias, tal y como plante Celant. Es ste un periplo que, si
Manzoni... dando pie incluso a elocuentes conversaciones, como las bien se centra en los sesenta y setenta, tambin abarca la evolucin
mantenidas a lo largo de los aos entre Mario y Marisa Merz. constante del lenguaje de sus protagonistas, acercndose a nuestros
De esta forma, se configura una reconstruccin histrica que das. Son las principales derivas de uno de los grandes movimientos
consigue la armoniosa sucesin de obras que, sin embargo, gritaron del final de siglo XX italiano, un perodo difcil de revisar, como se
con fuerza en su poca. As, se detecta como seala Francisco puso de manifiesto en Italics, la polmica exposicin comisariada
Jarauta una primera lectura que nos permite entrar en el amplio por Bonami, donde hubo autoexclusiones como la de Kounellis, o la
debate de ideas que recorri de una forma plural las diferentes exposicin de Celant en el Guggenheim de Nueva York.
disciplinas artsticas a partir de los ltimos aos cincuenta y que Pero esta exposicin es el producto de los gustos de Margherita
interpelaron los conceptos y estrategias que comenzaban a delinearse Stein, de ah ausencias como la de Burri, considerado en Italia como
para la construccin de una civilizacin postindustrial, base de la un artista ms cercano al informalismo y la abstraccin lrica, pero
actual. con el que, sin duda, tambin se podra establecer un interesante
Sistema del arte, anlisis social y crtica poltica deben enten- dilogo. En definitiva, es una mirada personal y privilegiada a uno de
derse, pues, indisolublemente unidos a los conocidos desarrollos for- los movimientos ms extremos y ajeno a los convencionalismos de
males de distintos argumentos del espacialismo, la simplificacin de las ltimas dcadas, que ahora se muestra como homenaje pstumo
los procesos dentro de la relacin entre el objeto y su configuracin a Jean Louis Maubant.
y ese empobrecimiento de los signos, reducindolos a arquetipos,
que popularizara Germano Celant acerca del Povera, para acabar 1.- Jean Louis Maubant, comisario de esta exposicin junto a Francisco Jarauta, fa-
hablando de la simbolizacin de la mercanca; un estallido que, sin lleci el da 5 de septiembre de 2010, apenas un mes antes de la inauguracin

CRTICAS ARTECONTEXTO 119


Larger than Life
VIGO
MUSEO DE ARTE CONTEMPORNEa DE VIGO (MARCO)
EMANUELA SALADINI
Very rarely does an exhibition succeed in bringing together the projects of
two artists, reinforcing, as in a competition, the narrative, without anything or
anyone being harmed. The reason can probably be found in the essence of
the investigation by Vasco Arajo (Lisbon, 1975) and Javier Tllez (Valencia,
Venezuela, 1969). Both use metaphor to talk about death, madness, love
and violence. The characters portrayed are exceptional human beings in
their isolation and in their lucidity: they seem to have been punished for
having discovered the absurdity of our human condition.
The work by the two artists is carried out with the simplicity and
power of a Greek tragedy and with the emotive nature and complexity
of the opera. Thus, only he who can succeed in abandoning the control
of reason and probability can listen to the protagonists of these stories
as if they were contemporary Oedipuses. They all suspect that reality
is alien, larger than life, and that their perceptions are only illusions,
as if they were chained in Platos cave.
The MARCO exhibition opens with a work of outstanding
elegance by Vasco Arajo, Nature vivante (2005): framed by the arches
of the entrance, we observe some showcases containing preserved
insects and butterflies. The text, reproduced by hand on the glass,
relates in French some stories of violence and abuse. Beside them, a
video by the same artist tells about a captivating dream in which a little
JAVIER TLLEZ O Rinoceronte de Drer, 2010. Courtesy: the artist, Peter Kilchmann Gallery (Zurich) and MARCO.
120 ARTECONTEXTO REVIEWS
girl dressed in white walks through an enchanted wood (Hereditas,
2006). After collecting bones of skeletons in the wood, the child will
play at putting together a backbone in an abandoned sanatorium.
The macabre irony of the story is here magnified by the beauty and
preciosity of the images. A project by Javier Tllez, from 2004, shows
some impressive images: the confessions of some patients at the
Rozelle Hospital in Sydney and fragments of the film The Passion of
Joan of Arc, which Dreyer filmed in 1928. Society defines the limit
between what is real and what is not: mental health depends then on
the acceptance of this limit. Indeed, the curtains at the entrance to the
showroom are made in part of red velvet and in part of sheets from the
hospital. Also, the monologues of the characters shut up in the cells of
the panopticon of a hospital demonstrate that we are all condemned to
a particular form of blindness. Javier Tllez uses here (The Rhinoceros
of Durer, 2010) a marvellous metaphor to represent our error. In the
year 1513 the King of Portugal gave the Pope a rhinoceros. Nobody
in Europe had seen anything like it and Durer created a marvellous
engraving which represented the animal as it had been described. The
characters in the video by Tllez, all shut up and isolated, maintain an
hypothesis on the essence of the rhinoceros that strolls in front of their
cells, but nobody can leave his prison in order to confirm it. Finally,
Vasco Arajo in Mulheres dpolo (2010) describes the elegance and
decadence of a ballroom: youth and old age, beauty and vulgarity,
love and violence. The monologue of the artist who plays one of the
women seems to remind us that, probably, our happiness is found in
the ability to live, at times, in a fictitious world, in dancing alone. Art,
then, must be like this ballroom, something more with regard to the
mediocrity of our life, using poetry to say something more about our
existence.

Ms que la vida
VIGO
MUSEO DE ARTE CONTEMPORNEa DE VIGO (MARCO)
EMANUELA SALADINI
Pocas veces una exposicin consigue reunir los proyectos de dos
artistas reforzando, como en un contrapunto, la narracin sin que
nada o nadie resulte perjudicado. La razn reside probablemente en
la esencia de la investigacin de Vasco Arajo (Lisboa, 1975) y Javier
Tllez (Valencia, Venezuela, 1969). Ambos utilizan la metfora para
hablar de la muerte, la locura, el amor y la violencia. Los personajes
retratados son seres excepcionales en su aislamiento y en su lucidez:
parecen haber sido castigados por haber descubierto lo absurdo de
nuestra condicin humana.
Las obras de los dos artistas se desarrollan con la sencillez y
potencia de una tragedia griega y con la emotividad y complejidad
de la pera. As que slo quien consigue abandonar el dominio de
la razn y de la verosimilitud puede escuchar a los protagonistas de
estos cuentos como si fueran unos Edipos contemporneos. Todos
sospechan que la realidad es otra, ms que la vida, y que sus
percepciones son, slo, ilusiones, como si estuvieran encadenados
en la caverna de Platn.
La exposicin del MARCO se abre con una obra de Vasco Arajo,
Nature vivante (2005), de una elegancia notable: enmarcados por los
arcos de la entrada, percibimos unas vitrinas que contienen insectos
y mariposas disecados. El texto, reproducido a mano sobre el cristal,
relata en francs unas historias de violencia y abuso. Al lado, un video
del mismo artista relata un sueo cautivador donde una nia vestida de
VASCO ARAJO Mulheres dApolo, 2010. Cortesa: galeria Filomena Soares (Lisboa) y MARCO.
blanco camina por un bosque encantado (Hereditas, 2006). Despus
de haber recogido huesos de esqueletos en el bosque, la nia jugar
a recomponer una columna vertebral en un sanatorio abandonado. La
irona macabra del relato se encuentra aqu magnificada por la belleza
y el preciosismo de las imgenes. Un proyecto de Javier Tllez, de
2004, ensea unas imgenes sobrecogedoras: las confesiones de
unas enfermas del Hospital Rozelle de Sidney y fragmentos de la
pelcula La Pasin de Juana de Arco, que Dreyer film en 1928. La
sociedad define el lmite entre lo que es verdadero y lo que no lo es:
la salud mental depende entonces de la aceptacin de este lmite. En
efecto, las cortinas de entrada a la sala son de una parte de terciopelo
rojo y de la otra estn hechas con las sabanas del hospital. Tambin los
monlogos de los personajes encerrados en las celdas del panptico
de un hospital demuestran que estamos todos condenados a una
particular forma de ceguera. Javier Tllez utiliza aqu (O rinoceronte
de Durero, 2010) una maravillosa metfora para representar nuestra
equivocacin. En el ao 1513 el rey de Portugal regal al Papa un
rinoceronte. Nadie en Europa haba visto nada parecido y Durero
cre un maravilloso grabado que representaba el animal segn las
descripciones que haba odo. Los personajes del video de Tllez,
encerrados e incomunicados todos ellos, mantienen una hiptesis
sobre la esencia del rinoceronte que pasea delante de sus celdas,
pero nadie puede salir de su prisin para confirmarla. Finalmente,
Vasco Arajo en Mulheres dpolo (2010) describe la elegancia y
decadencia de un saln de baile: la juventud y la vejez, la belleza y la
vulgaridad, el amor y la violencia. El monlogo del artista que interpre-
ta a una de las mujeres parece recordarnos que, probablemente,
nuestra felicidad reside en la capacidad de vivir, a veces, en un mundo
ficticio, en bailar solos. El arte, entonces, tiene que ser como este
saln de baile, ser algo ms respecto a la mediocridad de nuestra
vida, utilizar la poesa para decir algo ms sobre nuestra existencia.
CRTICAS ARTECONTEXTO 121

THOMAS JOSHUA COOPER: True
HUESCA
CENTRO DE ARTE Y NATURALEZA (CDAN)
Furthest North. The Barents Sea. Norway, 2003-2008. Courtesy: CDAN
The Anonymity of Limits
ALEJANDRO J. RATIA
Black and White is not just a visual arts tradition in North America,
it is also a literary one. The novel by Poe Arthur Gordon Pym takes
us through stormy seas to a battle for supremacy between the two
colours. And the skin of that figure had the perfect whiteness of
snow, we read in the books last sentence. It was the whiteness approaches that of Candida Hfer. The camera is left in a place that
of the whale which horrified me above all else, can be read in Moby
Dick. And it is this specific quote which is used by Ben Tufnell to talk
about Thomas Joshua Cooper, in one of the articles published on the
occasion of this show, in which he also alludes to the admiration that
this photographer felt for Robert Ryman, the paradigmatic painter in
white. The tradition which includes Poe, Melville, or the frozen leopard
found by Hemingway on Kilimanjaro, seems to pose absolute white
as a symbol of the fanciful, and its pursuers, like Captain Ahab, are
122 ARTECONTEXTO REVIEWS
depicted as complex beings. However, in spite of the fact that he also
visits impossible places and takes unusual trouble, Cooper does not
look tormented. On the contrary, in some images where we see him
working, although he is near the North Pole, his face is serene, even
happy, and we see him working calmly with his camera.
Born in California in 1946, Thomas
Joshua Cooper belongs to the group
of restrictive artists. Since 1968 he has
limited himself to using the same camera,
an old Agfa from 1898, and limits his
interests to open spaces. These are not
the only self-imposed restrictions. After
his complicated journeys, seeking a
specific location, he only allows himself
to take one shot in each place. Point of
No Return is the title of one of his photos
and it provides good definition of his
work. The extremely thought-provoking
titles of his works allude to the places
that he photographs, lovely names
which should be understood as warnings
of danger. That point of no return is in
the far south of Greenland, Kap Farvel
[Cape Farewell]. The artist feels a special
predilection for these geographical limits:
the far south of Greenland, the most
northern part of Europe, Cape Horn
In Spain he has photographed Finisterre
and the Tower of Hercules. Chance plays
no part in the choice of locations, and
the philosophy of the happy moment
is radically overridden. However, that
chance reappears in the photographed
object itself, for those so-specific places
afford an unspecific appearance.
My pictures are of common recognizable sea spaces, always
different, like fingerprints, but not immediately identifiable or
recognizable, Cooper has said. There is something elegiac in his
work. And not only in the Arctic and Antarctic images of pure white
on white. What can be found in these far points is a spectacular
anonymity, but unique, like the last image that we will see before
dying. Strangely, the reflective stance of Thomas Joshua Cooper
has something to say, although it is not clear what. The importance
of Time, as protagonist, is given by the use of long exposures. In
images like the extraordinary Ice Nest, taken in Greenland (far west
of the Svalbard archipelago, 70 north), one can observe how this old
technique produces a double effect. On the one hand, it reveals, with
delectation, the most minimal detail of the motionless; on the other, it
dissolves in a ghostly way the floating elements. A perfect technique
for a reflection on the limit.
 artista siente predileccin por estos lmites geogrficos. El extremo
THOMAS JOSHUA COOPER: Cierto sur de Groelandia, el punto ms septentrional de Europa, el Cabo de
Hornos En Espaa ha fotografiado Finisterre y las Columnas de
HUESCA Hrcules. No existe el azar en la eleccin de los emplazamientos, y
CENTRO DE ARTE Y NATURALEZA (CDAN) la filosofa del momento feliz queda anulada de un modo radical. Sin
embargo, ese azar reaparece en el objeto mismo fotografiado, pues
esos lugares tan especficos deparan una fisonoma inespecfica.
El anonimato de los lmites En mis imgenes se reconocen, normalmente, zonas costeras,
siempre diferentes, como huellas dactilares, pero nunca identificables
ALEJANDRO J. RATIA o reconocibles de inmediato, ha declarado Cooper. Hay algo
El blanco y el negro no son slo una tradicin plstica en elegaco en su obra. Y no slo en las imgenes rticas y antrticas
Norteamrica, sino tambin literaria. El relato de Poe Arthur de puro blanco sobre blanco. Lo que halla en estos puntos extremos
Gordon Pym nos conduce por mares procelosos hasta un combate es un espectculo annimo, pero nico, parecido a la imagen ltima
suprematista entre los dos colores. Y la piel de aquella figura tena que veremos antes de morir. Extraamente, la postura reflexiva de
la perfecta blancura de la nieve, leemos en la ltima frase del libro. Thomas Joshua Cooper lo aproxima a Candida Hfer. La cmara se
Era la blancura de la ballena lo que me horrorizaba por encima deja en un lugar que tiene algo que decir, aunque no est claro el
de todas las cosas, se lee en Moby Dick. Y esta cita concreta la qu. La importancia del Tiempo, como protagonista, viene dado por
utiliza Ben Tufnell para hablar de Thomas Joshua Cooper, en unos el uso de largas exposiciones. En imgenes como la extraordinaria
de los textos publicados con motivo de esta muestra, donde alude Ice Nest [Nido de hielo], tomada en Groelandia (extremo oeste del
tambin a la admiracin de este fotgrafo hacia Robert Ryman, el archipilago Svalbard, 70 norte), se observa que esta vieja tcnica
pintor paradigmtico del blanco. La tradicin que incluye a Poe, a produce un doble efecto. Por un lado, revela, con delectacin, hasta
Melville, o al leopardo congelado que encuentra Hemingway en el el mnimo detalle de lo inmvil; por otro, disuelve de manera fantasmal
Kilimanjaro, parece plantear el blanco absoluto como smbolo de lo los elementos flotantes. Tcnica perfecta para una reflexin sobre el
quimrico, y a sus perseguidores, como el capitn Ahab, los dibuja lmite.
como seres complejos. Sin embargo, y pese
a que tambin visite parajes imposibles
y se tome molestias inslitas, Cooper no
tiene un aspecto atormentado. Todo lo
contrario, en algunas imgenes donde le
vemos trabajar, aunque se le ubique cerca
del Polo Norte, donde acaba la tierra firme,
nos ofrece un rostro sereno, incluso feliz,
y le vemos ocuparse de su cmara con
tranquilidad.
Californiano, nacido en 1946, Thomas
Joshua Cooper pertenece al grupo de los
artistas restrictivos. Desde 1968 se limita
a utilizar la misma cmara, una vieja Agfa
de 1898, y limita su inters a espacios
abiertos. No son las nicas restricciones
autoimpuestas. Tras sus complicados via-
jes, buscando una localizacin concreta,
slo se permite una toma en cada lugar.
Point of no return, es el ttulo de una de
sus fotos y resulta una buena definicin
de su trabajo. Estos ttulos tan sugerentes
de sus obras aluden a los lugares que
fotografa, hermosos nombres que deben
entenderse como advertencias de peligro.
Ese punto sin retorno es el extremo sur de
Groelandia, Kap Farvel [Cabo del Adis]. El Nido de hielo. Mar de Groenlandia. Mar de Barents. Noruega, 2004-2008. Cortesa: CDAN

CRTICAS ARTECONTEXTO 123

 Using the terms the Beaubourg effect, the French theoretician protested
Huis clos against the spectacularisation of the exhibition event. Exhibitions
continue to open the way to trends which focus on our taste for media
MADRID noise, mass production and spectacularisation, which now represents
ELBA BENTEZ GALLERY an approach that has been legitimised by the art system as a way of
attracting audiences to art and cultural production.
The project by Magali Arriola, Huis Clos, on show at the Elba
Benitez gallery in Madrid, emphasises an antithetical interpretation of
the strategies which lead to the Beaubourg, which is appreciated by
many. The pieces by Mario Garca Torres, Peter Nadin, Roman Ondk
and Mungo Thomson reflect on the expansion of the limits of the
standardised order of the exhibition model, and the accommodating
behaviour of viewers when faced with this model. Huis Clos also
delves into the questioning of the roles of the artwork, the loss of
credibility of the artistic discourse and its production of meaning. All of
this revolves around the play by Jean-Paul Sartre, Huis Clos [No Exit]
(1944), where four characters are locked in a room, and unwittingly
begin to torment themselves as a result of their interdependence. The
meaning of this tale is used by Arriola to establish parallels between
the pieces on show and the conventional statutes under which an
artwork presents its functions and establishes a relationship with
exhibition models.
Upon entering the gallery we find the installation by Ondk,
Untitled (Post-it) (2005), where the absence of an alleged work is
indicated by a post-it note which reads delivery date postponed until
tomorrow. The viewer is struck by surprise and the expectation of a
work, and fails to realise, at first, that the note is the work. For his part,
Nadin returns to an old work and proposes, with In The Name Of The
Father, The Son and The Holy Ghost (2010), an ephemeral action which
is translated into a highly important reflective gesture. The artist sands
down and paints the walls of the gallery, causing the product of his
action to coexist with the other pieces on show. His proposal is based
on the dematerialisation of the object in order to lend a new viewpoint
to the exhibition model; this notion is directly related to the work of
Garca Torres. Untitled (Missing Piece) (2005), which is included in the
list of works that make up the exhibition, is not physically displayed
in the gallery. The existence of this lost piece confronts us with the
deeply rooted status of what an artwork has been and can be.
A different facet of the possibilities of exhibition strategies can
be found in Thomsons work Pushpin (2004). A porcelain thumbtack
on the wall, holding nothing, yet still being presented as an artwork.
Arriola appeals with this piece to the play of absence from presence,
in the same way as with Ondks installation. The works by Garca
MUNGO THOMSON Pushpin, 2004. Courtesy: Elba Bentez Gallery Torres and Nadin, on the other hand, are used to present the opposite
discursive strategy. Both proposals constitute a turning point for a new
exhibition model, an issue which the curator Ivo Mesquita succeeded
Toward New Exhibition Models in bringing to the fore during the 28th So Paulo Biennial (2008). It
is clear that new exhibition models have been in demand for quite
MNICA NEZ LUIS some time, to move away from the Beaubourg effect. Because of
In the late 1970s, the sharp gaze of Jean Baudrillard focused on the this, the new path taken by the Elba Bentez gallery constitutes a very
implications of the opening of the Paris Centre Georges Pompidou. worthwhile proposal.

124 ARTECONTEXTO REVIEWS

 el producto de su accin con el resto de piezas. Su propuesta se funda
Huis clos en la desmaterializacin del objeto para dar otra mirada al modelo
expositivo; idea relacionada directamente con el trabajo de Garca
MADRID Torres. Untitled (Missing Piece) (2005), que aparece en la lista de obras
GALERA ELBA BENTEZ de la exposicin, no se encuentra fsicamente en los espacios de la
galera. La existencia de la pieza, perdida, nos enfrenta con el estatuto
arraigado de lo que ha sido y puede ser una obra de arte.
Hacia nuevos modelos expositivos Hacia otro sentido de las posibilidades de las estrategias

MNICA NEZ LUIS

A finales de los aos setenta la incisiva mirada de
Jean Baudrillard no dej escapar a su anlisis las
implicaciones de la apertura del Centre Georges
Pompidou de Pars. Bajo la denominacin del
efecto Beaubourg el terico francs denunci la
espectacularizacin del hecho expositivo. ste,
no ha dejado de abrir vertientes que insisten en el
gusto por el ruido meditico, la masificacin y esa
espectacularizacin, que representa hoy una va
legitimada en el sistema del arte para ofrecer y atraer
al pblico la produccin artstica y cultural.
El proyecto de Magali Arriola, Huis Clos, que ofre-
ce la galera Elba Benitez de Madrid, llama la atencin
sobre una lectura antittica de las estrategias que lle-
van al, apreciado por muchos, efecto Beaubourg. Las
piezas de Mario Garca Torres, Peter Nadin, Roman
Ondk y Mungo Thomson reflexionan en torno a la
ampliacin de los lmites del orden estandarizado del
modelo expositivo y el comportamiento acomodaticio
del espectador ante este modelo. Huis Clos tambin
se adentra en el cuestionamiento de las funciones de
la obra de arte, la prdida de credibilidad del discurso
artstico y su produccin de sentido. Todo esto con
el referente de la obra de teatro de Jean-Paul Sartre,
Huis Clos [A puerta cerrada] (1944), en la que se ofre-
ce a cuatro personajes encerrados en un espacio que,
sin darse cuenta, se auto-torturan a partir de la de- ROMAN ONDK Untitled (Post-It), 2005. Cortesa: galera Elba Bentez
pendencia entre ellos. El sentido de este relato sirve
a Arriola para establecer paralelismos entre las piezas
exhibidas y los estatutos convencionales bajo los que una obra de expositivas se dirige Thomson con Pushpin (2004). Una chincheta de
arte plantea sus funciones y establece relacin con los modelos de porcelana en la pared que no sujeta nada pero que se instituye como
exposicin. obra. Arriola apela con esta pieza al juego de la ausencia desde la
Al entrar a la galera surge al encuentro la instalacin de Ondk, presencia, tal como en el caso de Ondk. Mientras que con Garca
Untitled (Post-it) (2005), en la que la ausencia de una supuesta obra se Torres y Nadin se plantea la estrategia discursiva contraria. Ambas
indica a partir de un post-it con el texto: fecha de entrega aplazada propuestas son el punto de inflexin para un nuevo modelo expositivo
para maana. El espectador queda asaltado por la sorpresa y la sobre el cual tambin ha reflexionado el comisario Ivo Mesquita, quien
expectativa de entrega de la pieza sin pensar, en primer trmino, que logr llamar la atencin sobre esto en la 28 Bienal De So Paulo
esa nota es la obra. Por su parte, Nadin retoma un antiguo trabajo y (2008). Es evidente que hace tiempo se demandan nuevos modelos
propone con In The Name Of The Father, The Son and The Holy Ghost expositivos alejados del sentido del efecto Beaubourg, por ello, el
(2010) una accin efmera que se traduce en un gesto reflexivo de gran cambio de rumbo que inicia la galera Elba Bentez constituye una
importancia. El artista, lija y pinta las paredes de la galera conviviendo muy valorable propuesta.

CRTICAS ARTECONTEXTO 125


PIPILOTTI RIST:
Friendly Game Electronic Feelings
BARCELONA
FUNDACI JOAN MIR
GIRONA
FONTANA DOR. CENTRE CULTURAL CAIXA DE GIRONA
Sip My Ocean, 1996. Courtesy: the artist, Hauser & Wirth and Fundacin Joan Mir. Photo: Pere Pratdesaba
ALICIA MURRA
The visitor is not often seen leaving an art exhibition with such a look
of satisfaction. Pipilotti Rist achieves it. Barcelona and Girona have
collected an extensive group of works by the Swiss artist (Grasz, 1962),
who, last year, was awarded the Joan Mir Prize. The case of this
creator is, up to a point, paradoxical; while she captivates audiences
her work is regarded by some circles of experts as being superficial
and sensationalist. Unquestionably, in her work Rist uses a series of
mechanisms that look for impact, surprise or the out-and-out seduction
of the spectator. These resources are, for example, the enormous size
of the projections, multiple screens that surround the spectator, the
rustling sound of the soundtracks, with sometimes very well-known
or catchy songs, the closeness of the camera which distorts even the
close-up it films, the colours saturated to the maximum, luminous
and, one could almost say, euphoric, the beauty of the compositions,
126 ARTECONTEXTO REVIEWS
etc; not to mention that she invites us to lie on soft cushions and
stay there as long as we like, feeling as if we are protected inside a
big bubble. Of course, all this constitutes a repertoire of skilfully and,
we must say, intelligently managed effects. The artist knows very
well what she is seeking. Rist conceives of art as a tool which works
on two planes: the conceptual and the purely physical; the second
is of enormous importance; it seeks to give moments of satisfaction,
of dreaminess, relaxation, to provoke a parenthesis of happiness for
whoever approaches her work. And we should remember that those
aims are not especially valued by artistic discipline, much more
given to analyse the rougher sides of life, whether
individually or collectively. Drama has always been
more deserving of respect than comedy. Also,
Pipilotti Rist who took her artistic name, as we all
know, from the childrens series which inundated
the television screens of half the world in the
1970s, and whose child star was emancipated,
strong and quite anarchistic as well as claiming
that radically free character seems not to have
personally suffered the rigours of a repressive
education neither catholic nor protestant, so she
has interiorized to the core the maxim that we have
come to this world to enjoy it, and as much as we
can. But dont think that this position avoids other
densities.
Rist has always constructed a language which
functions like mined terrain; and those mines blow
up or not depending on how the spectator treads. If
he treads in a superficial way nothing happens, but if
he treads with more energy (or attention, paradoxical
as it may be) he will encounter many winks and
incisive, libertarian and ironic loaded comments.
The fact that her first incursion into creativity was
with a punk music group, which enjoyed a certain
success, makes clear, for example, her uninhibited
use of sound in her videos or the provocative
way she questions the limits of the accepted and laughs at taboos.
Remembering her comment regarding the fact that menstrual blood
was considered to be dirty, while anyone would lick the blood from a
wound on a finger without any embarrassment, one can understand
works like Ginas Mobile (2007), where vulvas and clitorises are shown
in close-up, which at first were difficult to identify, as if they were small
gems, or the meaning of that corridor of red curtains whose colour
envelops us as if we were crossing a bloody human canal. Along with
the decided positioning in the matter of gender, teasing humour also
appears in pieces like the very well-known Ever is Over All, from 1997,
which is showing in Fontana dOr. Meanwhile, in the Mir, impeccably
mounted, are ten installations which include Gravestone for EW (2004)
and the work, Double Light, created specifically for this space and
which establishes a dialogue with the Majorcan master, with whom she
shares that kind of celebratory idea of existence.
PIPILOTTI RIST:
Partido amistoso Sentimientos electrnicos
BARCELONA
FUNDACI JOAN MIR

GIRONA
FONTANA DOR. CENTRE CULTURAL CAIXA DE GIRONA

ALICIA MURRA
No es frecuente ver al visitante salir de una muestra de arte actual con
semejante cara de satisfaccin. Pipilotti Rist lo consigue. Barcelona
y Girona han reunido un amplio conjunto de obras de la artista suiza
(Grasz, 1962), a quien el pasado ao se le concedi el premio Joan
Mir. El caso de esta creadora resulta hasta cierto punto paradjico;
mientras seduce al pblico su obra es considerada desde algunos
sectores de expertos como superficial y efectista. Indiscutiblemente
Rist utiliza en su trabajo una serie de mecanismos que buscan el im-
pacto, la sorpresa o la seduccin pura y dura del espectador. Estos
recursos son, por ejemplo, el enorme tamao de las proyecciones, las
pantallas mltiples que envuelven al espectador, el sonido susurrante
de las bandas sonoras, con canciones a veces muy conocidas o pega- Ginas Mobile, 2007. Cortesa de la artista, de Hauser & Wirth y de la Fundacin Joan Mir.
dizas, la aproximacin de la cmara que deforma hasta el primersimo Foto: Pere Pratdesaba

plano lo que capta, los colores saturados al mximo, luminosos y casi

se podra decir euforizantes, la belleza de las composiciones, etc; por terreno minado; y esas minas estallan o no dependiendo de cmo
no hablar de que invita a que nos tumbemos sobre mullidos cojines pisa el espectador, si lo hace de manera superficial no pasa nada pero
donde pasar todo el tiempo que se quiera, sintindonos como prote- si lo hace con algo ms de energa (o atencin, valga la paradoja) en-
gidos en el interior de una gran burbuja. Desde luego todo ello consti- contrar mltiples guios, comentarios cargados de irona, mordaces,
tuye un repertorio de efectos manejados con habilidad y, aadamos, libertarios. Que su primera incursin creadora fuera con un grupo de
con inteligencia. La artista sabe muy bien lo que busca. Rist concibe msica punk, que alcanz cierto xito, aclara por ejemplo la desinhi-
el arte como herramienta que funciona en dos planos: el conceptual y bida utilizacin del sonido en sus vdeos o la manera provocadora de
el puramente fsico; al segundo le da una enorme importancia, busca interrogar sobre los lmites de lo admitido y de rerse de los tabes.
proporcionar momentos de satisfaccin, de ensoamiento, de relax, Recordando un comentario suyo respecto a por qu la sangre mens-
provocar un parntesis de felicidad a quien se acerca a su trabajo. trual era algo considerado sucio, mientras cualquiera lama sin asomo
Y convengamos en que semejantes objetivos no son especialmente de vergenza la sangre de una herida que se hiciese en un dedo, se
valorados por la disciplina artstica, mucho ms entregada a analizar entienden obras como El mvil de Gina (2007), donde se muestran
las asperezas de la existencia, sean estas individuales o colectivas. El vulvas y cltoris en primersimo plano, que al principio cuesta iden-
drama siempre ha merecido mayor respeto que la comedia. Adems, tificar, como si fueran pequeas joyas, o el sentido de ese corredor
Pipilotti Rist que tom su nombre artstico, como todo el mundo de rojas cortinas cuyo color nos envuelve como si atravessemos un
sabe, de la serie infantil que inund las pantallas televisivas de medio conducto humano ensangrentado. Junto a los posicionamientos de-
mundo en los aos setenta, y cuya protagonista era una nia eman- cididos en materia de gnero aparece tambin el humor gamberro
cipada, fuerte y ms bien crata adems de reivindicar aquel talante en piezas como la muy conocida Ever is Over All [Siempre est en
radicalmente libre parece no haber sufrido en sus carnes los rigores todas partes], de 1997, que se muestra en Fontana dOr. Mientras, en
de una educacin represiva ni catlica ni protestante, de modo que la Mir se han reunido, en un impecable montaje, diez instalaciones
ha interiorizado hasta la mdula la mxima de que a este mundo he- que abarcan desde Lpida para EW (2004) hasta una obra, Doble luz,
mos venido a disfrutar, y todo lo que podamos. Pero no se piense que creada especficamente para este espacio y que establece un dilogo
esta postura elude otras densidades. con el maestro mallorqun, con quien comparte esa especie de idea
De siempre Rist ha construido un lenguaje que funciona como celebratoria de la existencia.

CRTICAS ARTECONTEXTO 127


DEXTER DALWOOD
MALAGA
CENTRO DE ARTE CONTEMPORNEO (CAC)
Truman Capote, 2004. Courtesy: CAC Mlaga
Whats-Going-to-Happen-at-the-End
CARLOS G. DE CASTRO
In a comfortable interior, flanked by cacti and plants, an empty
hammock looks out through a window at the magnificent outline of
the city of Seattle. 5th of April, 1994? This small piece is a collage by
Dexter Dalwood (Bristol, United Kingdom, 1960) dating from the year
2000, and presented with the title Kurt Cobains Greenhouse.
In his first novel, Los premios, Julio Cortzar joked about the
passive reader, presenting him as a lazy and unimaginative reader,
interested only in the whats-going-to happen-at the-end, compared
to what he regards as an active reader, someone who, in some way,
participates in the work. In the magnificent prologue that Andrs
Amors, the literary critic would write for Rayuela, he categorically
declared, with reference to the innovation that was represented by
Cortzars classic: All the renovation of the contemporary novel has
been united to the search for that active reader. The writer passes back
128 ARTECONTEXTO REVIEWS
the baton when, at the end of chapter 97 of Rayuela, through Morelli
he says: For my part, I ask myself if I will ever succeed in making it felt
that the real and only character that interests me is the reader. I believe
that this sentence can be unabashedly applied to the visual arts, and
in particular to Dexter Dalwood, a candidate for the Turner Prize, 2010,
whose retrospective, born from the
collaboration between the Tate St.
Ives, the FRAC ChampagneArdenne
and the CAC of Malaga, will be on
display in the Andalusian city until the
28th of November.
In this way, it could be thought
that the fictitious places offered by
the British painter are an invitation
to turn us into active readers
through the use of our imagination,
the same force that the artist uses
to create scenes about 20th century
icons. In Kurt Cobains Greenhouse
by the British painter the mythical
singer, composer and guitarist of
Nirvana did not die; neither did the
room that, with a Matisse-like air,
he entitled Diana Vreeland, ever
receive the priestess of fashion;
nor did that revolutionary ever plan
the escape of the leader of the Red
Brigade splinter group, Andreas
Baader, in Dexters Ulrike Meinhofs
Bedsit. What we see simply does
not exist, it never existed, but it
works as a representation which
is able to activate our collective
memory, producing a false illusion of
closeness, of knowing the whats-going-to happen-at the-end.
For Debord, the performance is presented like society itself
and, at the same time, like a part of society and like an instrument
of unification. And it is precisely this unification which permits the
passive reader to sense intuitively the end of the story. All the pieces by
Dalwood play with this collective memory. At first sight his canvases are
real places that re-affirm the real-story-of the-myth, but on a deeper
level, by always painting empty places the character is not there,
just his supposed aura and by stressing clichs, Dexters painting
makes a deconstruction of the myth, producing in the active reader
the opposite effect to that produced in the passive one: revealing all
the artificial and constructed that there is in contemporary icons and,
by extension, in all collective narration.
Without doubt, the exhibition by Dexter Dalwood, a painter who,
from a non-reactionary point of view, appropriates elements from
western pictorial tradition to construct, from these, a new painting of
history based on subjectivity, will be a must this autumn.
DEXTER DALWOOD
MLAGA
CENTRO DE ARTE CONTEMPORNEO (CAC)

qu-va-a-pasar-al-final
CARLOS G. DE CASTRO
En un cmodo interior, flanqueada por cactus y
plantas, una hamaca vaca observa tras una cris-
talera el soberbio perfil de la ciudad de Seattle. 5
de abril de 1994? La pequea pieza es un collage de
Dexter Dalwood (Bristol, Reino Unido, 1960) fechado
en 2000 y presentado bajo el ttulo Kurt Cobains
Greenhouse.
Julio Cortzar en su primera novela, Los pre-
mios, se burla del lector pasivo al presentarlo como
un lector vago y rutinario, interesado slo por qu-
va-a-pasar-al-final, contrapuesto al que considera
lector activo, aquel que de alguna manera participa
de la obra. En el magnfico prlogo que para Rayuela
escribiera Andrs Amors, el crtico literario afirmaba
de forma categrica, sobre la innovacin que repre-
sentaba el clsico de Cortzar: Toda la renovacin
de la novela contempornea ha ido unida a la bs-
queda de ese lector activo. El escritor le devuelve
el guante cuando en boca de Morelli al final del ca-
ptulo 97 de Rayuela dice: Por lo que me toca, me
pregunto si alguna vez conseguir hacer sentir que
el verdadero y nico personaje que me interesa es el
lector. Creo que esta sentencia puede ser aplicada The Queens Bedroom, 1998. Cortesa: CAC Mlaga
sin complejos a las artes plsticas y en particular a
Dexter Dalwood, candidato al Premio Turner 2010,
cuya retrospectiva, nacida de la colaboracin entre la Tate St. Ives, el Para Debord El espectculo se presenta como la sociedad mis-
FRAC ChampagneArdenne y el CAC de Mlaga, se podr contem- ma y, a la vez, como una parte de la sociedad y como un instrumento
plar en la ciudad andaluza hasta el prximo 28 de noviembre. de unificacin. Y es precisamente esa unificacin la que permite al
De este modo, cabra pensar que los lugares ficticios ofrecidos lector pasivo intuir el final de la historia. Todas las piezas de Dalwood
por el pintor britnico son una invitacin a convertirnos en lectores juegan con esta memoria colectiva. A primera vista sus lienzos son
activos a travs del uso de nuestra imaginacin, la misma fuerza que lugares reales que reafirman la verdadera-historia-del-mito, pero a
ejerciera el artista para crear estas escenas sobre iconos del siglo XX. un nivel ms profundo, al pintar siempre los lugares vacos el perso-
En la Kurt Cobains Greenhouse del pintor britnico no muri el mtico naje no est, slo su supuesta aura y hacer hincapi en los tpicos,
cantante, compositor y guitarrista de Nirvana; como tampoco la es- la pintura de Dexter realiza una deconstruccin del mito, produciendo
tancia que con aires de Matisse titula Diana Vreeland, jams acogi a en el lector activo el efecto contrario que en el pasivo: desvelar todo
la sacerdotisa de la moda; ni en la Ulrike Meinhofs Bedsit de Dexter lo que hay de artificial y construido en los iconos contemporneos y
plane nunca aquella revolucionaria la evasin del lder de la Frac- por extensin, en toda narracin colectiva.
cin del Ejrcito Rojo, Andreas Baader. Sencillamente lo que vemos Sin duda, la exposicin de Dexter Dalwood, un pintor que des-
no existe, nunca existi, pero funciona como representacin capaz de de un punto de vista no reaccionario se apropia de la tradicin pict-
activar nuestra memoria colectiva, produciendo una falsa ilusin de rica occidental para construir, desde ah, una nueva pintura de historia
cercana, de conocer el qu-va-a-pasar-al-final. basada en la subjetividad, ser una cita obligada este otoo.

CRTICAS ARTECONTEXTO 129


Gran Via Laboratory
MADRID
FUNDACIN TELEFNICA
ABALOS+SENTKIEWICZ ARQUITECTOS Observatorio Gran Va, 2010. Courtesy: Fundacin Telefnica
The Possibility which the Experiment Discovers
PEDRO MEDINA
In a world where a good deal of culture is produced to celebrate
anniversaries, we find that, at least, this has given rise to a happy
collective experiment. Under the ingenious guidance of Iaki balos,
several architects, connected to the Madrid city centre and with the
teaching of architecture, have conducted an interesting exercise on the
latent possibilities of the Gran Via street in Madrid, which is currently
celebrating its first 100 years.
Among the historical references in the chronological beginning
to this story, balos recreates the idea of a laboratory, to present
a clear and radical piece of research. In fact, their radical nature is
130 ARTECONTEXTO REVIEWS
the shared element of these bold and unlimited exercises, each of
which revolves around a set parameter. balos wants to carry out an
audacious action, which is on show in nine very diverse proposals
and two analytical studies.
In this journey we find projects that delve into the debate regarding
the premises of the intervention in the public sphere today. This
is the case of Media, by Manuel Ocaa, a good opportunity to
examine the perplexities which emerge when we speak about
the public space, as a result of the dichotomy between the
real and the virtual, which is resolved by building a system
based on communication as an architectural axis.
This approach situates us in a wider field of action, which
defines the increasing complexity of the moment in which we
are living. We could, therefore, speak about public sphere,
a category that takes on other realities, such as the media,
the virtual realm, etc, in parallel to the urban space where the
politically day-to-day can be clearly felt, unlike more global
dynamics, which must also be faced.
This is the field of action of Procomn, by Ecosistema
Urbano, a group of proposals where a contemporary
grammar of democracy is deployed, based on users (which
entails a non-passive reception, assuming that each of them
are able to effectively transform the world) and collective
and participative creation processes, aimed at offering an
effective praxis and at highlighting the need for a community
space which is connected to the world.
In this way, these works show different ways of
understanding the legibility of the urban form, a necessary
exercise to create a new way of understanding todays
changes and our relationship with our surroundings, now
that we are immersed in dynamics that often cause great
perplexity. Therefore, by seeing life as a project, the idea
of a single organising principle is rejected, at which point
it is possible to see, with a great sense of perspective, the
defence of the process and the set-up of the realities which
surround us, and which we can make our own.
Laboratorio Gran Va is presented, therefore, as an
admirable attempt to imagine future developments, beyond the
restrictions of the usual projects, in order to develop new itineraries,
which contribute to our desires. It exists, therefore, in the realm
of Utopia, which as Robert Musil rightly pointed out means
approximately the same as possibility, given that it is the experiment
in which we can observe the probable transformation of an element
and the effects produced through that complex phenomenon we call
life.
Perhaps Utopia is no more than the word describing that which
we can only dream about with experiments such as the ones that make
up this show, where carrying out the experience of the public brings
us closer to the dilemmas of our time, without having to face them in
their full radical nature. It is worth rememberingalong with Alexandre
Koyr that the real is only the residue of the possible.
 Estos trabajos muestran as diferentes maneras de entender la le-
Laboratorio Gran Va gibilidad de la forma urbana, un ejercicio necesario para crear un nuevo
modo de comprender los cambios y las relaciones actuales con nuestro
MADRID entorno, ahora que estamos inmersos en dinmicas que con frecuencia
FUNDACIN TELEFNICA ocasionan hondas perplejidades. Asumiendo entonces la vida como
proyecto, se rechaza un nico principio ordenador, momento en el que
surge con gran perspectiva la reivindicacin del mismo proceso y del
La posibilidad que descubre el experimento montaje de realidades que nos rodean y que podemos hacer nuestras.

PEDRO MEDINA
En un mundo donde buena parte de la cultura se hace
a golpe de aniversario, al menos esta circunstancia
ha dado pie a un feliz experimento colectivo. Bajo la
batuta ingeniosa de Iaki balos, varios arquitectos,
relacionados con el centro de Madrid y con la ense-
anza de la arquitectura, han realizado un interesante
ejercicio sobre las posibilidades latentes en la Gran Va
madrilea, ahora que se celebra su primer centenario.
Entre las referencias histricas presentes en el
inicio cronolgico de este relato, balos recrea la idea
de laboratorio para plantear un trabajo de investiga-
cin claro y radical. En efecto, la radicalidad es la nota
comn en estas apuestas arriesgadas y sin lmites que
giran en cada caso en torno a un parmetro determina-
do. balos quiere realizar una accin audaz, que se
presenta a lo largo de nueve propuestas y dos estudios
analticos de lo ms variado.
En este recorrido hallamos proyectos que ahon-
dan en la discusin sobre las premisas de la interven-
cin en el mbito pblico en estos momentos. Es el
caso de Media, de Manuel Ocaa, una buena opor-
tunidad para plantear las perplejidades que surgen al
hablar hoy de espacio pblico, debido a la dicotoma
entre real y virtual, que aqu se resuelve construyendo
un sistema basado en la comunicacin como eje ar- ANDRS JAQUE ARQUITECTOS Sweet home Gran Va, 2010. Cortesa: Fundacin Telefnica
quitectnico.
Este planteamiento nos sita en un campo de ac-
cin ms amplio y que define la creciente complejidad del momento Laboratorio Gran Va se lanza, por tanto, al elogiable intento de
en el que vivimos. Podramos hablar entonces de esfera pblica, imaginar el devenir, ms all de las restricciones de los proyectos ha-
una categora que asume otras realidades, como las mediticas, vir- bituales, para desarrollar otros itinerarios que ensalcen nuestros de-
tuales paralelas a ese espacio urbano donde lo polticamente coti- seos. Es, pues, el territorio de la utopa, que como bien afirmaba
diano se siente con ms proximidad, a diferencia de lo que ocurre a Robert Musil significa aproximadamente tanto como posibilidad,
veces con dinmicas ms globales que, necesariamente, tambin hay puesto que es el experimento en que se observa la probable trans-
que afrontar. formacin de un elemento y los efectos producidos en ese complicado
Es ste el mbito que desarrolla Procomn, de Ecosistema Ur- fenmeno que nosotros llamamos vida.
bano, un conjunto de propuestas donde se despliega una gramtica Quizs utopa no sea ms que la palabra para aquello que sola-
contempornea de la democracia, basada en usuarios (lo que implica mente se atreven a soar experimentos como los presentes en esta
una recepcin no pasiva, suponiendo en cada uno de ellos una efectiva muestra, donde hacer la experiencia de lo pblico nos acerca a los di-
capacidad de transformacin sobre el mundo) y en procesos de crea- lemas de nuestro tiempo sin temer afrontarlos en toda su radicalidad. Y
cin colectiva y participativa, orientados a una praxis efectiva y a enfa- es que conviene recordar con Alexandre Koyr que lo real no es sino
tizar la necesidad de un espacio comunitario conectado con el mundo. el residuo de lo posible.

CRTICAS ARTECONTEXTO 131


A Kit Model
LEN
MUSEO DE ARTE CONTEMPORNEO DE CASTILLA Y LEN (MUSAC)
General view of the exhibition. Courtesy: MUSAC
SANTIAGO B. OLMO
Since its opening the MUSAC has built up a very varied collection, from
several lines of work, and taking into account fundamental aspects of
the most recent creative work as well as new trends. Between 2007
and 2010, the Latin American collection was consolidated along these
lines, and to celebrate the fifth anniversary of the Museum, a selection
of works by 46 artists has been used to round out the exhibition
Modelos para armar. Pensar Latinoamrica desde la Coleccin
MUSAC, curated by the museum team, its director Agustn Prez
Rubio, Mara Ins Rodriguez, head curator and Octavio Zaya, external
curator of the exhibition department.
It could have been one more of the collections exhibitions,
thematic this time as it deals with Latin America, just as is done by
many museums in times of crisis and budget reductions (the MUSAC,
like many others in Spain, has had a drastic budget reduction which
has practically paralysed its purchase policy in 2010). But what turns
this project into something very unusual is not only the construction
of a thesis exhibition with part of the Latin American collection, but
also the fact that during this year and part of 2011 activities such as
132 ARTECONTEXTO REVIEWS
seminars, courses and debates, as well as subjects explored at the
other spaces, Laboratorio and Vitrina, are going to be devoted to
artists and questions related to Latin America.
Coinciding with the publication by the museum of a monograph
on the work of Alexander Apostol, who in recent years, through
several series of photographs and
videos, has analysed the representation
of modernity in Venezuela, from
architecture, the museum, heraldry
and the symbols, the artist has carried
out a project for the Vitrina space,
compiling the facsimiles of documents
(letters, contracts, bill, etc.) pertaining
to that development from the 1940s
on, establishing a record that brings
to mind the documentary-epistolary
style of Vargas-Llosa in Pantalen y las
visitadoras. In the Laboratorio space
the exhibition Para ser construidos,
analyzes the idea of construction from
works by artists like Marcius Galn,
Nicols Robbio, Marcelo Cidade and
Carla Zaccagnini, whose work Reaccin
en cadena con efecto variable, which
consists of a childrens playground
with swings, has been donated to the
museum by the artist and set up in the
adjacent gardens.
The title of the collections central
exhibition was taken not only from the
title of Julio Cortzars novel, 62 Modelo
para armar, one of the most decisive
novels in the consolidation of Latin American literature, but also from
its narrative structure, formed from fragments which can be read by
following different orders. Well, this is how the exhibition works, like
autonomous sections that should be interconnected with each other by
the spectator himself. The architect Andreas Angelidakis, in dialogue
with the curatorial team, was responsible for carrying out the itinerary
and the staging of an especially creative route, which tends towards
association and dialogue between the various works and which, at the
same time, takes care to solve the problem of the countless barriers
posed by the not very functional and extremely rigid architecture of
the museum.
The walk around the show underlines the importance of this
collection, and the diversity of the Latin American panorama. It is very
difficult to highlight specific works, but even so, in an international
panorama, these works by Carlos Garaicoa, Oscar Muoz, Meyer
Vaisman, Miguel ngel Rojas, Valeska Soares, Fernando Bryce,
Jorge Macchi, Mara Teresa Hincapi, Rosngela Renno and Teresa
Margolles, as well as the mural, in one of the interior patios of the
museum, by Federico Herrero, end by becoming indispensable.
 Reaccin en cadena con efecto variable, que consiste en un parque
Modelos para armar infantil de columpios, ha sido donada por la artista al museo e insta-
lada en los jardines adyacentes.
LEN El ttulo de la exposicin central de la coleccin se apropia no
MUSEO DE ARTE CONTEMPORNEO DE CASTILLA Y LEN (MUSAC) slo del ttulo de la novela de Julio Cortzar, 62 Modelo para armar,
una de las novelas ms decisivas en la consolidacin de la literatura

SANTIAGO B. OLMO
Desde su apertura el MUSAC ha ido cons-
truyendo una coleccin muy variada, desde
diversas lneas de trabajo, teniendo en cuenta
fundamentalmente aspectos de la creacin
ms joven as como nuevas tendencias. Entre
estas lneas tambin se ha ido consolidando
desde 2007 a 2010 la coleccin latinoameri-
cana, y para celebrar el 5 aniversario del Mu-
seo, una seleccin de obras de 46 artistas ha
sido utilizada para dar cuerpo a la exposicin
Modelos para armar. Pensar Latinoamrica
desde la Coleccin MUSAC, comisariada por
el equipo del museo, su director Agustn Prez
Rubio, Mara Ins Rodriguez, conservadore
jefe y Octavio Zaya, comisario externo del de-
partamento de exposiciones.
Podra ser una exposicin ms de la
coleccin, esta vez temtica, al abordar Amri-
ca Latina, tal y como hacen muchos museos
en tiempos de crisis y reducciones presupues-
tarias (el MUSAC ha tenido como muchos
otros en Espaa una drstica reduccin de
presupuesto que prcticamente ha paralizado Vista de la exposicin. Courtesy: MUSAC
la poltica de compras en 2010). Pero lo que
convierte a este proyecto en algo muy singu-
lar es no slo la construccin de una exposicin de tesis con una latinoamericana, tambin de su estructura narrativa, hecha a base de
parte de la coleccin latinoamericana, tambin el hecho de que du- fragmentos que pueden leerse siguiendo distintos ordenes. Pues es
rante este ao y parte de 2011 las actividades de seminarios, cursos as como funciona la exposicin, como secciones autnomas que de-
y debates, as como los temas de los otros espacios, Laboratorio y ben ser interconectadas unas con otras por el propio espectador. El
Vitrina, van a estar dedicados a artistas y cuestiones relacionadas con arquitecto Andreas Angelidakis ha sido el responsable, en dilogo con
Amrica Latina. el equipo curatorial, de realizar el recorrido y la puesta en escena de
Coincidiendo con la publicacin por parte del museo de una un recorrido eminentemente creativo, que tiende a la asociacin y al
monografa sobre la obra de Alexander Apostol, que en los ltimos dilogo entre las diversas obras y que, a la vez, se encarga de solu-
aos ha analizado, a travs de diversas series fotogrficas y videogr- cionar las innumerables barreras que impone la muy poco funcional y
ficas, la representacin de la modernidad en Venezuela desde la ar- terriblemente rgida arquitectura del museo.
quitectura, el museo, la herldica y los smbolos, el artista ha rea- Recorrer la muestra pone de relieve la importancia de esta colec-
lizado un proyecto para el espacio Vitrina, recopilando los facsmiles cin, y la diversidad del panorama latinoamericano. Resulta muy difcil
de documentos (cartas, contratos, facturas, etc.) de ese desarrollo destacar obras concretas, pero an as acaban siendo imprescindi-
desde los aos 40, estableciendo un relato que recuerda al estilo do- bles, ya en un panorama internacional, los trabajos presentes de
cumental-epistolar de Vargas-Llosa en Pantalen y las visitadoras. En Carlos Garaicoa, Oscar Muoz, Meyer Vaisman, Miguel ngel Rojas,
el espacio Laboratorio la exposicin Para ser construidos, analiza la Valeska Soares, Fernando Bryce, Jorge Macchi, Mara Teresa Hin-
idea de construccin a partir de obras de artistas como Marcius Ga- capi, Rosngela Renno o Teresa Margolles, as como el mural, en
ln, Nicols Robbio, Marcelo Cidade o Carla Zaccagnini, cuya obra uno de los patios interiores del museo, de Federico Herrero.

CRTICAS ARTECONTEXTO 133

 ITXASO MENDILUZE
SUSAN HILLER: What I See In the first individual exhibition to be held in Spain of the London-based
artist, Susan Hiller (Tallahassee, Florida, 1940), we encounter an extensive
VITORIA-GASTEIZ selection of works which amply define the interests and concerns that
CENTRO CULTURAL MONTEHERMOSO mark out the work of this artist. We will commence the tour starting from
the piece which gives its name to the exhibition, What I See (The aura
series) Studies in the visible World. Part 1, dating from 1975. This is a
series of drawings of silhouettes of hands surrounded by the aura that
they emit. The main idea of the piece is the questioning of the artwork,
in such a way that the hand (the object) produces a void which, at the
same time, is framed by the auratic charge that surrounds it. The object
is converted into a represented absence and, consequently, that void will
become converted into an art object in itself.
In order to approach the pieces by Hiller, we have to position
ourselves within the framework of conceptual art, although their
discourse goes beyond this. Let us take as an example of their
conceptual register the piece Homage to Marcel Duchamp (2008). The
artist takes images from the Internet, specifically portraits that she
works on, blurring them; the result is a large surface of colour, and as
we get closer we effectively detect the traces of each of the anonymous
subjects who seem to be crowned by their own auras, like a wink to
the considerations on the aura by the artist being honoured, Marcel
Duchamp, and, precisely, with photographic images.
Another of the trends that characterise Hillers work is the
documentary register which she explores profusely in several pieces
shown in the exhibition and which coexist with that other conceptual
aspect which we have pointed out. Hiller works with different
documentation and archive systems transferred to the art work. I am
referring, for example, to the project Addenda in which she compiles
postcards from many sources and destinations, which show images
of cliffs on the English coasts in order to trace, through them, a series
of figures and formulate a series of premises that relate the images,
not just visually but also physically. Proposing a series of figures, for
example, on the intensity of the swell, the clouds, the rocks she
manages to establish a repetitive and relational link between them.
Another example might be the video The Last Silent Movie, which
allows us to listen to a series of voices in different unrecognisable
languages, only decipherable by the subtitles translating them, that
are apparently jubilant as if, at last, they are free. In this way Hiller
establishes a flow chart of languages which are extinct or in the
process of extinction, which is why we observe the screen without a
speaker.
Perhaps the work which most concentrates the different registers
of Hillers work is The J.Street Project, a work that brings together 303
photographs of apparently no great interest but which are testimony
to the presence of Jews during the Second World War. Each place,
meticulously recorded, is marked on a map which shows their position
in the Germany of today; map of spaces excluded by history which
What I See (The Aura Series) Studies in the Visible World. Part 1, 1975. is accompanied by a video of this register and a publication. As a
Courtesy: the artist, Timothy Taylor Gallery (London) and Centro Cultural Montehermoso. whole, this exhibition presents a complex and disparate work in its
Photo: Sinestesia Studios formalization, and demands the attentive implication of the spectator.

134 ARTECONTEXTO REVIEWS

 Otro ejemplo podra ser el del vdeo The last silent movie que nos
SUSAN HILLER: Lo que veo permite escuchar una serie de voces en diferentes idiomas no recono-
cibles, nicamente descifrables por los subttulos que los traducen,
VITORIA-GASTEIZ que se manifiestan jubilosas como si, por fin, fueran libres. Hiller esta-
CENTRO CULTURAL MONTEHERMOSO blece de esta manera un organigrama de idiomas extintos o en proceso
de extincin, motivo por el cual observamos la pantalla sin hablante.
Quiz, la pieza que mejor concentra los diferentes registros de la obra
ITXASO MENDILUZE
En la primera exposicin individual que se presenta en
Espaa de la artista afincada en Londres, Susan Hiller
(Tallahassee, Florida, 1940), encontramos una extensa
seleccin de obra que define ampliamente los intereses
y preocupaciones que acotan la obra de esta artista.
Comenzaremos el recorrido a partir de la pieza que
da ttulo a la exposicin, What I See (The aura series)
Studies in the visible World. Part 1 fechada en 1975.
Se trata de una serie de de dibujos de siluetas de las
manos rodeadas del aura que stas emiten. La idea
principal de la pieza no es otra que el cuestionamiento
del objeto de arte. De tal manera que la mano (el objeto)
produce un vaco que, a la vez, queda enmarcado por
esa carga aurtica que la rodea. El objeto se convierte
as en una ausencia representada y, en consecuencia,
ese vaco vendra a convertirse en objeto de arte en s
mismo.
Para aproximarnos a las piezas de Hiller, habremos
de situarnos en el marco del arte conceptual, aunque su
discurso se mueva ms all de ste. Pongamos como
ejemplo de su registro conceptual la pieza Homage to
Marcel Duchamp (2008). La artista rescata imgenes
de Internet, en concreto retratos que interviene desdi-
bujndolos; el resultado es una gran superficie de color,
al aproximarnos detectamos efectivamente los rasgos de
cada uno de los annimos sujetos que parecen coronados
por sus propias auras, como guio a las consideraciones
sobre el aura del artista homenajeado, Marcel Duchamp,
y, precisamente, con imgenes fotogrficas.
Otra de las pautas que caracterizan la obra de Hiller,
es el registro documental que explora con profusin en
diversas piezas presentadas en la muestra y que con- Homage to Marcel Duchamp, 2008. Cortesa de la artista, de Timothy Taylor Gallery (Londres)
viven con esa otra vertiente conceptual que hemos se- y Centro Cultural Montehermoso. Foto: Sinestesia Studios

alado. Hiller trabaja con los diferentes sistemas de

documenta-cin y archivo trasladados a la obra de arte. Me refiero, de Hiller, sea The J.Street Project, obra que recoge 303 fotografas de
por ejemplo, al proyecto Addenda en el cual recopila postales de muy lugares aparentemente sin mayor inters pero que son testimonio de
diversa procedencia y destinatario, que muestran imgenes de acanti- la presencia de judos durante la segunda guerra mundial, cada lugar,
lados de las costas inglesas para, a travs de ellas, trazar una serie de minuciosamente registrado, queda marcado en un mapa que refleja
cotas y formular una serie de premisas que relacionen las imgenes, su posicin en la Alemania actual; mapa de espacios excluidos por la
no slo visualmente sino tambin fsicamente. Proponiendo una serie historia que se acompaa de un vdeo de este registro y de una pu-
de cotas como pueden ser, por ejemplo, la intensidad del oleaje, las blicacin. En conjunto, esta exposicin presenta un trabajo complejo
nubes, las rocas consigue establecer un vnculo relacional y repeti- y dispar en su formalizacin, y que exige la atenta implicacin del
tivo entre ellas. espectador.

CRTICAS ARTECONTEXTO 135

 Every kind of mythology fits in the jaws of this cannibal
HANS-PETER FELDMANN: who devours typical objects from the history of western art, from
popular culture and mass culture, interpreted by kitsch imagery of
An Art Exhibition polychrome plaster garden statues, postcards, tourist photographs
of the Eiffel Tower and sunsets; photocopies of posters with images
MADRID of swans, cats, lovers; coloured photos of children with pets;
MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFA (MNCARS) artificial flowers, desirable objects in the religion of consumerism,
shoes and miscellaneous things
which accumulate and recur in a
mass-produced and fetishist orgy.
Feldmanns course of action before
what he seems to experience as
art, which irremissibly coincides
with daily life and does not stray from
his everyday behaviour, which is to
collect something which attracts
him or to take snapshots for the
pleasure of seeing the world through
a lens, redounds to a debate on the
position of the amateur in relation
to the regime of art and touches
on a raw nerve with respect to the
hegemony of the market.
This stroll through Feldmanns
production includes some recurring
obsessions and impulses revolving
around the representation of time,
playing with the limits of photography,
as in the 36 shots (a whole reel)
taken from the same frame of a
scene at different times of day in
General view of the exhibition. Courtesy: MNCARS. Photo: Joaqun Corts/Romn Lores his Time Series. Feldmann tackles
the knowledge of reality through his
images, the canonic value of the copy
SUSET SNCHEZ as opposed to the original or the expanded simulacrum, accentuated
What I want is to be normal, completely normal. What I do is the art by the massive and delocalized circulation of images in the present
that people do in their home points out Hans-Peter Feldmann. His art global situation. Sarcastic shared reflections when the artist portrays
is the exhibition of an eternal demystifier, and being his accomplices the weight of a pound of strawberries and improves the composition
requires disrespect. Instead of following a pre-established order we of the original landscape by introducing a vase of flowers on the
could begin the itinerary from the end, in front of a poster which scene; or lyrically constructs a sort of allegory of the cave, where he
says THANK YOU as a way of saying goodbye, and go to look at the submerges us in the interpretation of the world through its appearance
installation which from behind a screen lets us see an unmade bed. by means of projected shadows in his installation Shadow Play.
The showroom attendant will tell you that you cant enter the enclosed Experience and perception become keys to the existential poetics
space behind the screen; you have to look from a corner. It could be of Feldmann, whether in the archive of representations of an historic
no other way; in Una exposicin de arte inside the museum temple, event or in making an individual-collective portrait of vital time in the
rules and ritual are to be obeyed. From this gesture, that demands installations 9/12 and 100 Years, respectively.
the aura, we sense the ironic journey that awaits us: every one of the The hilarious Feldmann returns to the museum like someone who
axioms upon which has been constructed the system of functions and returns to the cave, and at the same time he tries to get us out of there
values consolidated by the Art Institution, is put in a difficult situation to expose him to ridicule, to the symbolic death of the man-artist. In
by the journey, curated by Helena Tatay, to the libertine imagery of the the sacred place the battle has begun.
apocryphal Feldmann.

136 ARTECONTEXTO REVIEWS

HANS-PETER FELDMANN:
Una exposicin de arte
MADRID
MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFA (MNCARS)

SUSET SNCHEZ
Yo lo que quiero es ser normal, completamente normal.
Lo que yo hago es el arte que hace la gente en su casa
seala Hans-Peter Feldmann. La suya es la exposicin
de un eterno desacralizador, y ser sus cmplices obliga
al desacato. En vez de seguir un orden preestablecido
podramos comenzar el itinerario por el final, frente al
cartel que dice THANK YOU en seal de despedida, y
asomarnos a la instalacin que tras una mampara deja ver
una cama deshecha. La vigilante de sala le advertir que
no puede entrar en el espacio acotado trs del biombo, se
tiene que observar desde una esquina. No poda ser de
otra forma; en Una exposicin de arte dentro del templo
museal, la norma y el ritual estn para ser cumplidos.
Desde ese gesto, que reivindica el aura, intuimos el irnico
trayecto que nos espera: cada uno de los axiomas sobre
los que se ha construido el sistema de funciones y valores
consolidado por la Institucin Arte, es puesto en precario
por el viaje, comisariado por Helena Tatay, al imaginario
libertino del apcrifo Feldmann.
Toda clase de mitologa cabe en las fauces de este
canbal que devora referentes que provienen de la historia Sin ttulo (Hat with photo). Cortesa: MNCARS
del arte occidental, de la cultura popular y de la cultura de
masas, interpretados por la imaginera kitsch de estatuas
de jardn de escayola policromada, postales, fotografas tursticas de Felmann aborda el conocimiento de la realidad a travs de sus
la Torre Eiffel y puestas de sol; fotocopias de carteles con imgenes imgenes, el valor cannico de la copia frente al original o el simulacro
de cisnes, gatos, parejas de enamorados; fotos coloreadas de nios expandido, acentuado por la circulacin deslocalizada y masiva de
con mascotas; flores artificiales, objetos del deseo en la religin del las imgenes en la presente situacin global. Sarcsticas reflexiones
consumo, zapatos y cosas de la ms variopinta procedencia que compartidas cuando el artista retrata el peso de una libra de fresas
se acumulan y repiten en una orga seriada y fetichista. El proceder y mejora la composicin del paisaje original introduciendo en la
de Feldmann ante lo que parece experimentar como arte, que escena un jarrn con flores; o construye lricamente una suerte de
irremisiblemente coincide con la vida cotidiana y no se aparta del alegora de la caverna, donde nos sumerge en la interpretacin del
ademn comn del que colecciona algo que le atrae o del que toma mundo a travs de la apariencia mediante sombras proyectadas
instantneas por el placer de mirar el mundo a travs de la lente, en su instalacin Shadow Play. Experiencia y percepcin devienen
redunda en un debate sobre la posicin de lo amateur en relacin con claves en la potica existencial de Feldmann, ya sea en el archivo
el rgimen del arte y pone el dedo en la llaga respecto a la hegemona de representaciones de un acontecimiento histrico o haciendo un
del mercado. retrato individual-colectivo del tiempo vital en las instalaciones 9/12 y
Este paseo por la produccin de Feldmann incluye algunas 100 Years, respectivamente.
obsesiones y pulsiones recurrentes en torno a la representacin del El hilarante Feldmann regresa al museo, como aquel que retorna
tiempo, jugando con los lmites del medio fotogrfico, como en las a la caverna, y a la vez trata de sacarnos de all para exponerse al
36 tomas (un carrete completo) hechas desde el mismo encuadre escarnio, a la muerte simblica del hombre-artista. Dentro del recinto
a un escenario en diferentes momentos del da en sus Time Series. sagrado la batalla ha comenzado.

CRTICAS ARTECONTEXTO 137

 a process of emotional rejection, for behind the disturbing beauty of
MONA HATOUM: Le Grand Monde many of her works is hidden the real meaning of the material used.
As occurred in previous works which include performance
SANTANDER and video, the artist once again emphasizes the associative level
FUNDACIN MARCELINO BOTN between what we perceive and what we feel. But there are two
pieces fundamental pieces in this
exhibition which could well contain
the meaning of that grand monde
to which the title itself refers: on
the one hand, the piece Hot Spot
II (2006), which had already been
shown in the last Venice Biennale, a
large globe on which the meridians
and parallels are metal bars on which
the geography of each continent is
outlined in neon. These neon lights
outline the incandescence of the
world itself and the global conflicts
of this contemporariness
The work, explains Chus
Martnez allows an understanding
of the difference between knowing
that a conflict exists, that we
have access to many forms of its
representation, and the dimension of
it that one has experienced, of what
we know, of our perception, even
with the chaos, that an order exists.
At the same time the work in no way
illustrates this second stage. On the
contrary, the work is the result of
premeditated decision making, that
Interior/Exterior Landscape, 2010. Courtesy: the artist, Beirut Art Center and Fundacin Botn. Photo: Agop Kanledjian of making us think about an image
which cannot be represented and is
against common sense: that is all in
TANIA PARDO red. It would be a mistake to submit this or any other of the works that
The Fundacin Marcelino Botn is presenting the exhibition Le Grand make up the exhibition to the need for an ethical judgement by the
Monde, by the Lebanese artist, exiled in London, Mona Hatoum spectator. This operation has to do with an intense interest in the relation
(Beirut, 1952). The show, curated by Chus Martnez, far from being a between representation and abstraction. The image is clear, the globe
retrospective, brings together thirty pieces produced in the last four appears, the world is represented. And, however, everything remains
years, and was carried out as the culmination of the workshop she in the sphere of mental construction, even, total incandescence. On
directed last July in Villa Iris. the other hand, the magnificent installation Undercurrent (red) (2008),
Once again, Hatoum offers, through her installations and an allusion, once again, to the colour of conflict and a circular image
sculptures, the recurrent themes of her work, such as exile, uprooting which, as if it were a woven carpet, has, this time, substituted the
or the impossibility of stopping contemporary events. In other words, fibre for cloth-covered electric cable, from which protrude extensions
she speaks to us of fate as metaphor and, in her case, an essential connected to light bulbs at their ends, and offers another metaphor of
element of a life in exile because the Lebanese artist narrates, through that incandescent tangle which connects us to that conflict and that
her pieces, her own biography. These are works which are always imprecise confusion to which allude many of this artists works.
ambiguous metaphors enclosed in the everyday objects used as the Mona Hatoum, through this show, offers us the possibility of
material of her pieces. And it is precisely in that ambiguity where the reflecting on the metaphoric reinterpretation of her own world (Le
relation between her works and the spectator resides, even unleashing Grand Monde), which, this time, is ours.

138 ARTECONTEXTO REVIEWS

 y la dimensin de lo que uno ha vivido, de lo que sabemos, de
MONA HATOUM: Le Grand Monde nuestra percepcin, incluso dentro del caos, de que hay un orden.
Al mismo tiempo la obra no ilustra este segundo estadio de ninguna
SANTANDER manera. Al contrario, el trabajo es el fruto de una toma de decisin
FUNDACIN MARCELINO BOTN premeditada, la de hacernos pensar en una imagen irrepresentable y
contra el sentido comn: que todo est en rojo. Sera errneo referir
ste o cualquier otro de los trabajos que integran la exposicin a
TANIA PARDO la necesidad de que el espectador formule un juicio tico. Esta
La Fundacin Marcelino Botn presenta la exposicin Le Grand Monde operacin tiene que ver con un inters profundo por la relacin entre
de la artista libanesa exiliada en Londres Mona Hatoum (Beirut, representacin y abstraccin. La imagen es clara, el globo aparece,
1952). La muestra, comisariada por Chus Martnez, lejos de ser una el mundo est representado. Y, sin embargo, todo permanece en el
retrospectiva, recoge treinta piezas producidas en los ltimos cuatro mbito de la construccin mental, ms an, la total incandescencia.
aos, y se realiza como colofn al taller que la propia artista dirigi el De otro lado, la magnfica instalacin Undercurrent (red) (2008), de
pasado mes de julio en Villa Iris. nuevo alusin al color del conflicto y a una imagen circular que,
De nuevo, Hatoum ofrece, a travs de sus instalaciones y como si de una alfombra tejida se tratara, esta vez ha sustituido
esculturas, los temas recurrentes en su obra como son el exilio, el la fibra por cable elctrico recubierto de tela, del que se prolongan
desarraigo o la imposibilidad de detener sucesos contemporneos o, extensiones conectadas a bombillas en sus extremos, ofrece otra
dicho de otro modo, nos habla del destino como metfora y, en su metfora de esa maraa incandescente que nos pone en conexin
caso, elemento esencial de una vida de expatriada porque la artista con ese conflicto y esa confusin imprecisa a la que aluden muchas
libanesa narra, a travs de sus piezas, su propia biografa. Se trata de las obras de esta artista.
de obras que no dejan de ser metforas ambiguas encerradas en los Mona Hatoum, mediante esta muestra, nos ofrece la posibilidad
propios objetos cotidianos utilizados como material de sus piezas. Y es, de reflexionar sobre la reinterpretacin metafrica de su propio mundo
precisamente, en esa ambigedad donde reside la relacin entre sus (Le Grand Monde), esta vez, el nuestro.
obras y el espectador, desencadenando
incluso un proceso de rechazo emocional
pues tras la inquietante belleza de muchas
de sus piezas se esconde el verdadero
significado del material utilizado.
Como ya ocurriera en otros traba-
jos anteriores que comprenden la per-
formance y el vdeo, la artista vuelve a
hacer hincapi en el nivel asociativo entre
lo que percibimos y lo que sentimos. Pero
dos son las piezas fundamentales en
esta muestra que bien podran encerrar
el significado de ese grand monde al que
se refiere el propio ttulo, por un lado, la
pieza Hot Spot II (2006), que ya mostrara
en la ltima Bienal de Venecia, un gran
globo terrqueo en el que meridianos
y paralelos son barras metlicas sobre
las que la geografa de cada continente
se dibuja en nen. Estas luces de nen
perfilan la incandescencia del propio
mundo y los conflictos globales de esta
contemporaneidad.
La obra explica Chus Martnez
permite una comprensin de la diferencia
que hay entre saber que el conflicto
existe, que tenemos acceso a mltiples
formas de representacin del mismo Undercurrent (red), 2008. Cortesa de la artista, de la Galerie Max Hetzler (Berln) y de la Fundacin Botn. Foto: Jrg von Bruchhausen

CRTICAS ARTECONTEXTO 139


Midnight in the City
LLEIDA
CENTRE DART LA PANERA
ALICIA FRAMIS Anti_dog Reclaim the Light!, 2003. Courtesy: the artist and Centre dArt La Panera
PABLO G. POLITE
The most dizzying thing about the urban night is that nothing is
repeated and everything is like a journey towards unknown lights
and unknown darkness. Medianoche en la ciudad, one of the three
exhibitions that open the new season of the Centre dArt La Panera,
deals with that journey and that frenzy. Curated by Jos Miguel G.
Cortes, the show traces an interesting route map through the different
regions of the night in the city, a stage, that of the night hours, that
generates a new urban imagery with its codes, its experiences and
its more or less specific borders. Delicious and only apparently light,
the proposed route is conceived as if it were a diary which we can
open at any page: all the works complement each other, they give
their outstanding vision of the phenomenon in question and, as a
whole, throw wide open the liturgy of personal memory, enveloping
the spectator in an introspective atmosphere with an unexpected and
very curious synaesthesia effect.
There is something that hovers over the whole journey and that
140 ARTECONTEXTO REVIEWS
this exhibition seems to be set on wanting to emphasize right from the
beginning: the more one believes one knows the city night, the more
fresh, unexpected and new it is to experience and enjoy it. One the
exhibitions greatest merits is that is that it does not fall into repetition,
as often happens, but instead unfolds arguments which are as diverse
as they are attractive and convincing. The night in a
city is, at the same time, heaven and hell. And that
fascinating bipolarity, that vast game of extremes,
lets us face the videos by Ergin avusoglu in
which we catch sight of violent street arguments
with Music, martinis and memories, an installation
by Carlos Pazos in which passion for music or
drink are mixed; the precise stage designs of the
series Dream House by Gregory Crewdson with
the diaporama The ballad of sexual dependency
where Nan Goldin portrays, in ordered rotation,
anonymous characters who live on the margins
of the world, simple people in the course of their
everyday life.
The exhibition, presided over by the
dreamy, melancholy piece by Carlos Garaicoa,
Nuevas arquitecturas o una rara insistencia para
entender la noche, shows how the aesthetic and
the sentimental experience go hand in hand. In
that precise and here very successful sense, the
selection of fragments of films, literary quotes,
photographic series, installations and video works
progressively draw a new habitat for the poetic
landscape of the city night in which hedonism and
loneliness, insomnia and lack of communication,
alienation, isolation, evasion and death are
intertwined. But also, of course, there is a place
for humour and the most gruesome suggestions,
as in the video by Carles Congost, Tonights the
Night, where the artist converts a couples relationship into a vampire
story, in which fear appears as a recurring theme.
Because of the emotional connection that it establishes with the
spectator, Medianoche en la ciudad is not a simple topic for urban
modernity. It extends its gaze over something very close to us all,
and it does so by trying to tackle many of its possible angles but
without falling into stereotypes. It includes stories, passages and
landscapes. It minutely examines universes, close in some cases and
strange and very far away in others. It seems to invite the spectator
to simply look but, in reality, it goes much farther: it contains a strong
charge of profundity without transcendentalism and a deep meditative
importance, a very special freshness and an emotional strength which
ends by leaving its mark. Probably some would disagree and consider
it to be an incomplete exhibition. For others, it is a very solid exhibition
without the slightest crack in its discourse. The spectator is free to
choose. However, its aesthetic authority and power of suggestion are
unquestionable.
 entender la noche, va mostrando as como la experiencia esttica y
Medianoche en la ciudad la sentimental van de la mano. En ese preciso y aqu muy atinado
sentido, la seleccin de fragmentos de pelculas, citas literarias, series
LLEIDA fotogrficas, instalaciones y trabajos videogrficos va dibujando
CENTRE DART LA PANERA progresivamente un nuevo hbitat para el paisaje potico de la noche
urbana donde se entrecruzan el hedonismo y la soledad, el insomnio y

PABLO G. POLITE
Lo ms vertiginoso de la noche urbana
es que nada se repite y todo es como un
viaje hacia no se sabe qu luces y hacia
no se sabe qu tinieblas. De ese viaje y
de ese vrtigo trata Medianoche en la
ciudad, una de las tres exposiciones que
abren la nueva temporada del Centre
dArt La Panera. Comisariada por Jos
Miguel G. Cortes, la muestra traza un
interesantsimo mapa de ruta por las
distintas regiones de la noche en la
ciudad, un escenario, el de la nocturnidad,
que genera un nuevo imaginario urbano
con sus cdigos, sus experiencias y
sus fronteras ms o menos especficas.
Delicioso y slo aparentemente ligero,
el itinerario propuesto est concebido
como si fuera un diario que podemos
abrir por cualquier pgina: todas las
obras se complementan entre s, dan su
particular visin del fenmeno en
cuestin y, en su conjunto, abren de par GREGORY CREWDSON serie Dream House, 2002. Cortesa: Centre dArt La Panera
en par la liturgia del recuerdo personal,
envolviendo al espectador en un clima
introspectivo con un inesperado y muy curioso efecto sinestsico. la incomunicacin, la alienacin, el aislamiento, la evasin y la muerte.
Hay algo que planea en todo su recorrido y que esta exposicin Pero tambin, claro, hay lugar para el humor y las sugerencias ms
parece estar empeada en querer subrayar desde el principio: cuanto truculentas. Como en el vdeo de Carles Congost Tonights the Night,
ms cree uno conocer la noche urbana, tanto ms nuevo, inesperado donde el artista convierte la relacin de una pareja en una historia
e indito resulta vivirla y disfrutarla. Uno de los mayores mritos de vamprica, en la que el miedo aparece como tema recurrente.
la exposicin es que no cae, como ocurre a menudo, en la repeticin Por la cercana emocional que establece con el espectador,
y, en cambio, despliega argumentos tan diversos, como atractivos y Medianoche en la ciudad no es un simple plat para la modernidad
convincentes. La noche en la ciudad es, al mismo tiempo, el infierno urbana. Extiende su mirada sobre algo muy cercano para todos, y lo
y el paraso. Y esa fascinante bipolaridad, ese inabarcable juego de hace intentando abordar muchos de sus ngulos posibles sin caer
extremos, permite enfrentar los vdeos de Ergin avusoglu en los en el estereotipo. Intercala historias, pasajes y paisajes. Desmenuza
que avistamos violentas discusiones callejeras con Music, martinis universos, en unos casos prximos y en otros, extraos y muy lejanos.
and memories, una instalacin de Carlos Pazos en la que se mezclan Parece invitar al espectador simplemente a que mire pero, en realidad,
la pasin por la msica o la bebida; las escenografas milimtricas de va mucho ms all: contiene una fuerte carga de profundidad sin
la serie Dream House de Gregory Crewdson con el diaporama The trascendentalismo y un hondo calado meditativo, una frescura muy
ballad of sexual dependency donde Nan Goldin retrata, en ordenada particular y una fuerza emotiva que acaba dejando huella. Es probable
rotacin, personajes annimos que viven en los mrgenes del mundo, que haya quien la discuta y considere una exposicin imperfecta.
gentes sencillas en el transcurso de su vida cotidiana. Y otros, como una muestra que no ofrece la ms mnima fisura. El
La exposicin, presidida por la ensoadora, melanclica pieza espectador es libre de elegir. Pero su autoridad esttica y su capacidad
de Carlos Garaicoa Nuevas arquitecturas o una rara insistencia para de sugestin son incuestionables.

CRTICAS ARTECONTEXTO 141

 Argentinean theorist Anbal Ponce, just in case. But on this occasion
CARLOS GARAICOA: Garaicoas gaze has focused on something more recent: the logos of
commercial companies which were embedded in the floors and walls
End of Silence of Havana architecture of the 1930s and 1940s and which the same as
neoclassical architectureincorporated their own allegorical calling: La
MADRID lucha, Pensamiento, Reina, Volcn Garaicoa has respected the original
ABIERTO X OBRAS. MATADERO spelling of those logos which in many cases imitated calligraphyand
he has used them to write,
on mats on the floor, phrases
which in their turn can be read
as real allegories referring
to the current situation in
Cuba. This is the case of: El
Volcn Estallar, iluminados
Esperamos, or the device
which permits the following
words to be combined as
desired: Sin miedo/ Vivir/ Sin
rival/ Morir. And of course
from this alliteration: La lucha
es de todos. De todos es la
lucha.
The journey which
Garaicoa has made from
neoclassical architecture
to commercial logos is,
simultaneously, the transfer
from baroque alegoresis to
modern alegoresis. The first
was not definitely abolished
by the formal severity
championed by Ledoux and
the other theorists of modern
Detail of the exhibition. Courtesy: Matadero Madrid architecture, who limited
themselves to impoverishing
the spatial structure while, at
CARLOS JIMNEZ the same time, curbing the ornamental excesses of the baroque, but
This intervention by Carlos Garaicoa in the space Abierto X Obras of the without questioning, however, the angular stone of baroque allegorical
Matadero Madrid has reminded me that, according to Susan Sontag the architecture; which is no more than the attempt to express and
allegory is the typical way of looking at the world by the melancholy. communicate ideas and concepts by means of a limited repertoire of
And not because Garaicoa is, from the psychological point of view, archetypical images. In still lifes, for example, those images were skulls,
especially melancholy but because his new spatial intervention is the skeletons and clocks, while in another type of still life, featuring objects
result of a journey through Havana, during which he was deliberately to be found in bodegas and pantries, the fruits of the land and sea
looking for traces of the past susceptible to being transformed into functioned as allegories of material wealth. In sculpture, the key was the
allegories. He had done this before at important stages of his artistic transmutation of the weight of the stone into the lightness of the spirit,
career, when he changed images of examples, often ruinous, of the and in architecture the expression of the Empire using classical orders.
neoclassical architecture of his birthplace into powerful allegories of the In modern alegoresis, on the other hand, the limited formal
present state of the ideals of progress which, coined by the eighteenth- repertoire was literally blown up, making it possible for any image to
century Enlightenment, were however adopted in the 20th century by serve to give shape to the most varied ideas. In fact, in this exhibition
communism, both worldwide and in the specific case of Cuba. Marxism, Garaicoa shows how logos and commercial slogans can be used to
that tender shoot on the aged trunk of the Enlightenment wrote the compose phrases and slogans which are critical of the revolution.

142 ARTECONTEXTO REVIEWS

 El desplazamiento desde la arquitectura neoclsica a los logos
CARLOS GARAICOA: Fin de Silencio comerciales que ahora ha realizado Garaicoa es, simultneamente, el
trnsito de la alegoresis barroca a la alegoresis moderna. La primera
MADRID no fue abolida definitivamente por la severidad formal que defendan
ABIERTO X OBRAS. MATADERO Ledoux y el resto de los tericos de la arquitectura moderna, quienes
se limitaron a empobrecer la estructura espacial al mismo tiempo

CARLOS JIMNEZ
Esta intervencin de Carlos Garaicoa
en el espacio Abierto X Obras de
Matadero Madrid me ha hecho re-
cordar que, segn Susan Sontag
la alegora es la manera de mirar el
mundo tpica de los melanclicos.
Y no porque Garaicoa sea, desde el
punto de vista psicolgico, alguien
especialmente melanclico sino por-
que esta nueva intervencin espacial
suya es resultado de un recorrido
por La Habana, durante el cual
estuvo buscado deliberadamente
vestigios del pasado susceptibles
de transformarse en alegoras. l
ya lo haba hecho antes en tramos
importantes de su carrera artstica,
cuando converta las imgenes de
ejemplos, con frecuencia ruinosos,
de la arquitectura neoclsica de su
ciudad natal en potentes alegoras
del estado actual de unos ideales
de progreso que, acuados por la
ilustracin dieciochesca, fueron sin
embargo adoptados en el siglo XX
por el comunismo, tanto a escala Detalle de la exposicin. Cortesa: Matadero Madrid
planetaria como especficamente
cubana. El marxismo, ese brote
tierno en el tronco aoso de la Ilustracin escribi en su da el que contenan los excesos ornamentales del barroco pero sin
terico argentino Anbal Ponce, por si haca falta. Pero la mirada de cuestionar, sin embargo, la piedra angular de la arquitectura barroca
Garaicoa se ha fijado en esta ocasin en algo mas reciente: los logos de la alegora; que no es otra que el intento de expresar y comunicar
de firmas comerciales que se empotraron en los suelos y muros de ideas y conceptos por medio de un repertorio limitado de imgenes
la arquitectura habanera de los aos 30 y 40 del siglo pasado y que arquetpicas. En las naturalezas muertas, por ejemplo, esas imgenes
al igual que la arquitectura neoclsica tenan incorporada su propia eran las calaveras, esqueletos y relojes, y en los bodegones los
vocacin alegrica: La lucha, Pensamiento, Reina, Volcn Garaicoa frutos del mar y de la tierra funcionando como alegoras de la riqueza
ha respetado la grafa original de dichos logos que en muchos casos material. En escultura, la clave era la transmutacin de la pesantez de
imitaba la caligrafa y los ha utilizado para escribir, sobre tapetes la piedra en la liviandad del espritu, y en arquitectura la expresin del
dispuestos en el suelo, frases que pueden leerse a su vez como Imperio por medio de los rdenes clsicos.
verdaderas alegoras referidas a la situacin actual de Cuba. Es el caso En la alegoresis moderna, en cambio, el repertorio formal limitado
de: El Volcn Estallar, iluminados Esperamos. O del dispositivo que salta literalmente por los aires, posibilitando que cualquier imagen
permite las combinaciones que se deseen entre las siguientes palabras: sirva para dar forma a las ms diversas ideas. De hecho Garaicoa
Sin miedo/ Vivir/ Sin rival/ Morir. Y desde luego de esta aliteracin: La muestra en esta exposicin cmo pueden utilizarse logos y lemas
lucha es de todos. De todos es la lucha. comerciales para componer frases y lemas crticos de la revolucin.

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