Elementos de Reconocimiento en la muestra de Fernando Sovero, desarrollado en la

Biblioteca Central de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos

Fernando Sovero (Jauja, 193?), fue uno de los grandes artistas contemporáneos de la
escena local, quien retrató imágenes del entorno y de la vida social provinciana. A pesar
de su origen andino, Sovero nos ofreció grandes muestras pictóricas del paisaje y la vida
amazónica, ésto debido a su larga estadía en la selva peruana (1969-1989), de la cual se
enamoró luego de una visita de tres meses en el 1969.

Con técnicas impresionistas, el artista está considerado dentro del movimiento indigenista
peruano, pues a pesar del común de sus obras, tiene bellas elaboraciones con referentes
andinos; así, Innovart -muestras pictóricas que se ofrecieron en todas las instalaciones de
la Universidad Nacional Mayor de San Marcos- organizó una colección de 15 cuadros
pintados al óleo, los cuales analizaremos formalmente.

1. Lavandera:

En este cuadro podemos observar la técnica

impresionista, ya que no existe un trazo firme,
sino que son pinceladas que van formando la
idea de un par de mujeres con sus baldes de
ropa.

Vemos que los trazos son curvos, lo que nos

da la sensación de vigor y grandeza, tal y
como lo sugiere la presencia en primer plano
de la primera lavandera. En un segundo plano,
podemos observar a una segunda mujer que
parece tener consigo un batán. La posición de
este segundo personaje es horizontal, lo que nos da la impresión de tranquilidad. Si
observamos ambos planos, nos percataremos que estos se encuentran signados por un
rectángulo vertical, lo que refuerza la idea del dinamismo, agregándole además distinción
que engrandece aún más al primer personaje.

Respecto a los colores cálidos, podemos decir que tiene una simbología que la liga a la
tierra, a lo propio; como si el hecho de que estas mujeres -representantes del mundo
factico en donde el artista se desenvolvía- lavasen las ropas a mano, de cuclillas, las
acercase a la madre tierra, insertándolas en perfecta armonía con la naturaleza, de allí
que los colores que representan lo natural como el verde (pastos), el marrón, el amarillo, y
los colores claros (debajo del brazo de la primera mujer), parecieran estar mezclados
unos con otros, pertenecientes todos a un solo contexto, el de la naturaleza.

2. Runa Mula:

En este cuadro de técnica impresionista, podemos

percibir la gran movilidad que ofrecen los trazos
curvos de la mujer. Del mismo modo, las piernas y el
cuerpo se encuentran en un estado ondulante, lo
que sugiere la gracia y vivacidad de la mujer, quien
además mira hacia el observador recogiéndose el
largo cabello.

En contraposición a la mujer, podemos observar un mar tranquilo, y un sol al medio de la

imagen, lo que le otorga el equilibrio al cuadro.

En cuanto a los colores, podemos decir que tal y como el cuadro anterior, los colores
cálidos inundan el espacio, ofreciendo una mezcla lúdica entre la naturaleza y la mujer,
dándonos la impresión de una naturaleza que se extiende desde el cuerpo de la mujer.
 3. Pelea de Gallos:

En este cuadro, Sovero presenta una pelea

entre dos gallos. La agresividad de la
imagen se puede observar por la posición
diagonal de los cuerpos, lo que representa
tensión y la violencia en el acto.

Si dividimos la imagen en dos planos,

notaremos que existe un equilibrio entre
ellos; la posición de un cuerpo sobre el otro,
erigen una forma rombóica, que reafirma la idea de tensión e inestabilidad en la imagen.
El piso como un movimiento ondulante-quebrado, expresan la inestabilidad del momento
en que capturó la acción.

4. Niña Meditando:

Este cuadro, lleno de tonalidades frías, la

postura vertical de la niña, demuestra su
equilibrio consigo misma y con el espacio que
la rodea.

Por otro lado, podemos notar un mar

ondulante, lo que sugiere plenitud, inscrito en
una bahía curvilínea, que sugiere la vivacidad
del ambiente ante el que la niña medita.
 5. Ayahuasca:

Ésta quizá sea la imagen más insinuante

dentro de los 15 cuadros a analizar. Aquí los
elementos y el color, encuentran barreras
difusas otorgándole al observador una
sensación de embriagadora.

La constante ondulación de los elementos,

dan la idea de voluptuosidad, la que
acompaña a la línea oblícua generada por el
cuerpo de la mujer, generadora del
desorden que va invadiendo al hombre que aparece en un segundo plano, y que se
encuentra en una forma de triángulo invertido, lo que sugiere la idea de inestabilidad por
algo que está a punto de suceder.

El ayahuasca representado por la mujer, va invadiendo de a pocos, los espacios

gobernados por lo horizontal del mar y su aparente calma; la ola de colores claros
atrapan al segundo personaje como por asalto en notas embriagadoras llenas del verdor
de los pastos en donde se encuentra sentado.

6. Rosa Paz. Rosa Vida:

Uno de los pocos cuadros de temática andina dentro de la exposición, nos muestra a una
mujer en posición vertical; en la mano derecha sostiene
una rosa roja, y en la izquierda, una blanca.

La verticalidad del cuerpo, sugiere orden, aspiración y fe

por aquello que sostiene en sus manos: Está entregándole
a la tierra, rosas que simbolizan, la paz (Rosa blanca) y la
vida (Rosa Roja).

El artista parece sugerirnos la idea de devolución de la

paz a la tierra, paz como base para la vida. La carga
simbólica del cuadro, se centraliza en la presencia de una
mujer andina, mujer que nos recuerda a la Pachamama, aquella dadora de vida, receptora
de paz.

Por otro lado, observamos un terreno estable y tranquilo, alejado de elementos que
generen algún tipo de movimiento. Ésto refuerza la idea de una tranquilidad casi ritual,
ejercida por la mujer que tiene en sus manos la vida y la paz.

7. Iglesia Matriz de Iquitos:

A diferencia de los cuadros anteriores, en éste no se

encuentra la presencia de ningún sujeto. Cuadro
paisajístico, podemos observar como la torre del reloj se
erige imponente sobre la noche, dando la idea de orden,
dador de fe sobre la ciudad nocturna.

8. Horizonte:

Este cuadro paisajístico, nos da la sensación de

movimiento, dinamismo y libertad, por ello sus
trazos pertenecerían al movimiento quebrado
irregular.

El cuadro de técnica impresionista, combina los

colores fríos del cielo, con lo colores cálidos
producidos por los destellos del sol, dándonos un cuadro lleno de ensoñación.
 9. Movimiento Marino:

En este cuadro, podemos observar el

movimiento ondulante que sugiere calma en
medio de la tensión producida por el devenir
de las olas.

No existe una diferenciación clara entre el

mar y el cielo; quizá la línea roja- el único
rasgo definido en el cuadro- marque la
separación entre las proporciones marítimas y las del cielo.

La mezcla de los colores verdes, azules y rojizos, dan la idea de un atardecer que se
refleja en las olas verduzcas del mar.

10. Cocha:

Tal y como el título lo indica, el

cuadro quiere dar la idea de una
cocha. Las líneas que siguen la
formación de los cerros y el mar en
medio, dan la idea de voluptuosidad
de un paisaje provinciano.

Acompañado a la idea de que la

cocha pertenece al mundo de lo
natural, los colores utilizados en el
cuadro remiten a la tierra, reforzando la idea de un cuadro perteneciente a la naturaleza.
 11.Horizonte II:

En este cuadro, el artista imprime la visión de un horizonte

signado por un camino de hojas y ramas entrelazadas a
manera de túnel.

Los colores cálidos ayudan a crear la sensación de un

ambiente cerrado. Por otro lado, las líneas que conforman un
triángulo equilátero, los cuales dan equilibrio al cuadro.

12: Cocha II:

En este cuadro podemos notar una variación

respecto al cuadro anterior referido a la cocha.
Aquí, la perspectiva ha cambiado, ya no existe
una mirada desde lo alto, esta vez la mirada
es las horizontal. Podemos notar la
circularidad del camino inscrito hacia la cocha,
acompañado de colores cálidos en
combinación con los clores fríos referidos a la
vegetación circundante de la cocha,
 13. Hacia la Luz:

En este cuadro podemos observar, que la temática

paisajística encuadra a dos personajes que se encuentran
lejos del observador. Los elementos del cuadro contribuyen al
efecto del alejamiento del observador, así como también le
dan fondo y relieve a la pintura, la cual adquiere la capacidad
de sumergir a quien lo observa.

En cuanto a las líneas del cuadro, podemos observar que los

árboles describen, no de manera precisa, un círculo, el cual nos sugiere la idea de
perfección. Del mismo modo, con la ayuda de los trazos, los árboles generan la atención
respecto al camino que la vista del observador debe seguir para acercarse a la luz al final
del túnel.

Respecto a los colores, se emplean aquellos asociados a la perfección y a la meditación

como el amarillo y el azul. El contraste de colores oscuros y claros -representados al final
del túnel- pueden simbolizar el camino tortuoso de la vida para llegar a la plenitud.

14. Las Gaviotas:

En este cuadro, podemos observar los trazos

sueltos, así como un esfuerzo por el trabajo en
la captación de la luz, más percibible en la
parte superior del cuadro, el elemento que le
da profundidad a este cuadro, es el camino
que representa el río, que recorre el medio del
cuadro. El detalle en este elemento consiste
en que no solo le otorga virtualidad al cuadro
sino que encierra a los personajes principales
del cuadro: las gaviotas. Además posee un
color azul intenso, así como toques violetas y amarillos que parecen fusionarse con las
alas de las gaviotas, por lo que éstas estarían asociadas a las ideas de sabiduría y
racionalidad, contenidas en los matices del río.

Por otra parte, observamos también que el río desciende de la parte superior del cuadro
en el cual priman los tonos amarillos que simbolizan la perfección y las ideas positivas,
pero además atraviesa los campos verdes; es decir, la sabiduría y la perfección están por
encima del mundo de la naturaleza, pero también la penetran. Por tanto, el río se
convertiría en el elemento conector entre la perfección y el nivel mundano, representado
por la naturaleza.

15. Bañistas:

En este cuadro podemos notar que el sujeto inscrito en primer plano se encuentra en
línea vertical, lo que expresa orden e
impulso de acción.

Las líneas curvilíneas del cuerpo, proponen

voluptuosidad y ardor en el cuadro. Los
colores cálidos del cuerpo de la mujer,
contrastan con los colores fríos del
ambiente natural en donde se encuentra
inscrita la mujer, reforzando el ardor en
medio de la calma, expresada por el
personaje.