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IMPRESIONISMO, POSTIMPRESIONISMO Y
VANGUARDIAS
IMPRESIONISMO
POSTIMPRESIONISMO
INFLUENCIAS
- De los impresionistas, el gusto por los contrastes de colores en Cézanne.- De
Rubens, de los neoimpresionistas y de la estampa japonesa, el rico cromatismo, los
colores puros y la cursividad fluyente de las formas en V. Gogh- De las culturas
exóticas de Oceanía, el primitivismo en Gauguin.
Puntillismo
Tomando como punto de partida los trabajos de Eugenio Chevreul, hacia finales del
siglo XIX y comienzos del siglo XX, se desarrolló esta experiencia que pretendía
instaurar un nuevo modo de plantear el tratamiento del color, sustituyendo la
mezcla de los pigmentos en la paleta por el empleo de puntos o toques separados
para que la mezcla se efectuara en la retina.
Según Signac (en su famoso libro De Eugenio Delacroix al Neoimpresionismo,
1899) el proceso conducente al Puntillismo se inició con Delacroix, el cual “al
repudiar toda tinta plana y mediante la degradación, el contraste y la mezcla
óptica, logró, con los elementos en parte rebajados de que dispuso, una intensidad
máxima cuya armonía está garantizada por la aplicación sistemática de las leyes
que rigen el color”. El impresionismo “al poner en su paleta solamente los colores
puros obtiene un resultado mucho más luminoso y colorido que el de Delacroix,
pero disminuye su intensidad por las mezclas pigmentarias ensuciadas y reduce la
armonía al aplicar solamente en forma intermitente e irregular las leyes que rigen
el color”.
VANGUARDIAS
FAUVISMO
EXPRESIONISMO
Expresionismo Alemán
El movimiento expresionista se desarrolló principalmente en Alemania.
El grupo Der Blaue Reiter se formó en Munich en 1911, recibió una importante
aportación internacional sobre todo del cubismo y el futurismo, ya que lo integraron
numerosos artistas extranjeros. Además del alemán Franz Marc, encontramos al
ruso Kandinsky, al suizo Klee, a August Macke y a Gabriel Münter entre otros.
El arte del Jinete azul es más exquisito, subjetivo y espiritual que el de Die Brücke.
Les importa más el cómo de la representación que el qué. Los artistas creían que el
significado y el sentido de cada cuadro están en manos del propio espectador. El
artista da forma a la emotividad en su obra y a su vez el cuadro causa en quien lo
observa determinados sentimientos.
Sus componentes evolucionarán rápidamente a formas abstractas, como es el caso
de Kandinsky. La representación del objeto en sus pinturas es secundaria, ya que la
belleza residía en la riqueza cromática y en la simplificación formal.
Paul Klee perteneció al Jinete Azul, pero seguiría su propio camino alejándose de
dicho movimiento. Quiere despojar las cosas de todo formalismo. Su mundo surge
de su propia realidad interior. Parte de su obra es abstracta, aunque conserva en
general cierta referencia al objeto. Mantiene el vínculo con la realidad acercándose
a ella por vía simbólica. Frutas en fondo azul, en el estilo de Bach son algunas de
sus obras.
La Primera Guerra Mundial destruye el grupo, pero el Expresionismo no se
extingue, al contrario, los desastres y la crueldad de la guerra incita a otros artistas
a traducir el dolor provocado.
El austriaco Oscar Kokoschka (1886-1980) con su personalidad vigorosa, busca la
expresión a través de la pasta y el color. En La noria del viento trasciende lo
puramente figurativo y anecdótico para expresar contenidos interiores a través de
sus composiciones. En La tempestad plasma al artista y a la mujer amada y refleja
la perduración de la pasión amorosa en medio de circunstancias adversas.
En Francia, Roault es un ejemplo de cómo se puede pasar del fauvismo al
Expresionismo sin cambiar los aspectos formales, simplemente con un cambio en la
concepción.
Chagall y Modigliani formaron parte del grupo expresionista de la llamada Escuela
de París. El italiano Modigliani destaca por sus obras humanas alargadas y
nostálgicas que recuerdan al Greco.
Nueva Objetividad
Movimiento pictórico alemán de los primeros años de la década de 1920 que forma
parte del realismo social satírico.
EL CUBISMO
Tras la época clásica del cubismo aparecen tres escuelas: la Sección Áurea (o
Sección de Oro), que pretenderá llevar las matemáticas a la pintura de manera
consciente, tanto en los ritmos como en las proporciones de la descomposición
cubista; el orfismo es el cubismo colorista, un tanto evocador de sueños extraños,
está muy cerca de la abstracción pura; y por último está el purismo de la Bauhaus
que reaccionó contra los excesos del cubismo y vuelven a las formas simples y
analíticas. Del cubismo surge una nueva técnica pictórica: el collage, al pegar en
los cuadro trozos de realidad que facilitan su lectura, también la inventa Picasso.
Con el collage la palabra impresa entra a formar parte de la obra de arte. Pero el
cubismo es, ante todo, la estética que da el paso definitivo hacia la abstracción
pura.
Los cubistas
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) es la gran figura central del cubismo, y uno
de los grandes genios del arte universal. Su obra artística es muy extensa pero su
nombre estará siempre ligado al cubismo como su creador y su máximo
representante. En 1907 pinta Las señoritas de Aviñón, cuadro que marca el
comienzo del cubismo. Otros cuadros cubistas son Mujer sentada en un sillón,
Mujer del abanico, Cabeza de mujer, La muchacha de la mandolina, El aficionado, y
El Guernica.
Georges Braque (1882-1963) es el otro gran creador del cubismo, más
intelectual que Picasso. Se mantiene siempre fiel a la estética cubista. Son
características sus naturalezas muertas: Naturaleza muerta en mesa de árbol,
Casas en el estanque, El hombre del violín, Violín y jarra, La mesa del músico.
Juan Gris (1887-1927) es el tercer gran cubista. Sus composiciones tienen
una firme estructura y un ritmo armonioso. Su cubismo es, fundamentalmente,
sintético y coloreado. Comienza a poner a sus obras títulos intranscendentes.
Composición, El fumador, Las tazas de té, La celosía, Vaso y paquete de tabaco, El
lavabo.
Otros artistas destacados vinculados al cubismo fueron: Marcel Duchamp,
Fernand Leger, que se caracteriza por dar volumen a los planos, Kasimir Malévich y
Piet Mondrian.
Muchos de estos pintores evolucionarían hacia la abstracción pura y
serán más conocidos por esa obra, lo que demuestra la vinculación del
cubismo con la abstracción pura.
FUTURISMO
Características
Movimiento artístico italiano de vanguardia fundado por el poeta Marinetti, quien en
20 de febrero de 1909 publicó en el periódico Le Figaro de París su Manifiesto, que
tuvo su continuidad en otra serie de manifiestos ya de autoría colectiva. El
futurismo es el primer movimiento artístico que se organiza como tal, se reconoce y
se define a través del Manifiesto Futurista.
Se busca el escándalo, se admira la velocidad y la tecnología, las señas de
identidad del mundo moderno y pretende romper con el pasado. Nada del pasado
merece la pena ser conservado. Condenan a los museos, a los que considera como
cementerios. Pretenden, y valoran, la originalidad, por encima de todo.
Fue un movimiento que intentó abarcar todas las artes: la poesía, el teatro, la
prosa, la música, la pintura, la escultura, la arquitectura, la fotografía y el cine (arte
nuevo al que tanto se parecen algunas pinturas futuristas). Y naturalmente la
política. Marinetti se vinculó al fascismo en 1919, representando el lado moderno
del arte del régimen mussolininiano.
Efectivamente, el Futurismo no se desarrolló hasta que un grupo de artistas
firmaron el día 11 de febrero del año siguiente en Milán el Manifiesto de los pintores
futuristas, seguido del Manifiesto técnico y otros. Entre los firmantes estaban los
artistas Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Gino Severini y
Giacomo Balla. En 1914 el arquitecto Antonio Sant'Elia redactó el Manifiesto de
la Arquitectura futurista.
Sus obras se caracterizan por el color y las formas geométricas, y la representación
del movimiento y la velocidad, para ello representan los objetos sucesivamente,
pintándolos en varias posiciones, o emborronándolos, un código que se ha
popularizado en los cómic y los dibujos animados. Tienden a utilizar colores puros.
El futurismo llegará a la abstracción a través del rayonismo.
Tiene aspiraciones de ruptura total con el pasado, con lo burgués y académico, con
la tradición y la belleza clásica y exalta las máquinas, la velocidad y la violencia.
Estas ideas permiten que en su desarrollo encontremos desde posiciones
anarquizantes hasta las claramente fascistas.
El futurismo procede directamente del cubismo, incluso los primeros cuadros, son
de pleno derecho, cubistas, pero evolucionan rápidamente hacia una estética
diferenciada, debido a su obsesión por representar la velocidad. El dinamismo, la
líneas quebradas, las composiciones diagonales y, en pintura, un fuerte colorido,
son sus características principales. En arquitectura Sant'Elia defiende un urbanismo
nuevo, con ciudades parecidas a máquinas, en las que predominen las líneas
oblicuas y elípticas.
Los futuristas
Umberto Boccioni (1882-1916) que es, además, el teórico del movimiento.
Intenta representar los estados anímicos y el movimiento. Dinamismo de un
ciclista, Dinamismo de una cabeza de hombre, Dinamismo de una cabeza de mujer,
La ciudad que crece, Estados del alma: los que se van.
Carlo Carrà (1881-1966) quedará fascinado por la tecnología y los espectáculos
nocturnos. Penélope, Ídolo hermafrodita, Lo que me dijo el tranvía.
Luigi Russolo (1885-1947) fue el que más se acercó a la abstracción. Perfume,
La música, Recuerdos de una noche.
Giacomo Balla (1871-1957) es el más fiel representante del futurismo. Investigó
los problemas de la luz y el color. Los ritmos del arco, Dinamismo de un perro con
correa, Niña corriendo en un balcón, Vuelo de golondrinas, Lámpara eléctrica.
ARTE ABSTRACTO
Pintura
Escultura
A lo largo del siglo XX ha habido muchos artistas plásticos que han pasado por la
abstracción. La escultura abstracta persigue los mismos fines que la pintura
abstracta. Hans (Jean) Arp, pintor y escultor francoalemán es uno de los
máximos exponentes de este tipo de escultura. Arp aplicaba las formas de sus
pinturas en un arte de tres dimensiones, desarrollando una iconografía de formas
orgánicas conocida como escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo
orgánico como principio formativo de la realidad.
Otro de los escultores que se fija en la abstracción es Naum Gabo Pevsner, con
obras como “Columna desarrollada” o “La columna de la paz”, dónde cuatro ángeles
desean materializar el espacio. El artista español Eduardo Chillida fue otro de ellos.
Representante de la abstracción plena, Chillida abandonó sus estudios de
arquitectura para esculpir bloques enormes de hierro en los que parece haber
representado el punto de unión entre la arquitectura y la escultura.
Características
El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación
figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus
propias significaciones.
Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y
expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada
abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da
lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.
La abstracción pura, o no figurativa, es, probablemente, el culmen ideal del arte. En
el fondo, toda representación artística es una abstracción de la realidad, y la
abstracción pura prescinde de todo elemento que vincule la obra de arte con el
mundo natural, para quedarse exclusivamente con la idea: con el concepto y la
belleza.
La abstracción pura se enfrentó, y se enfrenta, a la incomprensión de la sociedad
mucho más que los más radicales provocadores, y es que no tenía referentes
históricos, era algo totalmente nuevo y opuesto al concepto de arte surgido en el
Renacimiento, e incluso en la Antigüedad clásica. Se trata de un movimiento que
simplifica las formas hasta perderlas, y quedarse en el color y las formas más
puras. Incluso se va a prescindir del título, para que no haya referencias con la
realidad. La obra de arte debe ser bella por sí misma, como objeto. El concepto de
belleza y de obra de arte ha cambiado definitivamente.
A pesar de la reticencia inicial, el arte abstracto triunfa definitivamente después de
la segunda guerra mundial y hoy forma parte de la iconografía habitual, aunque de
manera disfrazada.
Abstracción Lírica
Abstracción Geométrica
La abstracción de Piet Mondrian se elaboró a partir de la retícula cubista, a la que
progresivamente redujo a trazos horizontales y verticales que encierran planos de
color puro.
Por su simplificación, el lenguaje del neoplasticismo, nombre que dio a su doctrina
artística, satisfacía las exigencias de universalidad del artista (véase De Stijl).
En Francia, la abstracción de Fernand Léger (Contrastes de forme, 1913–1914) y la
de Picabia (Udnie, 1913) utilizaron formas cubistas sin renunciar a la intensidad
cromática.
En Rusia, tras haber sido el principal representante del cubo-futurismo, Kasimir
Malevich rompió radicalmente con todas las viejas concepciones del arte al pintar
en 1915 Carré noir dando lugar al suprematismo. Paralelamente, Vladimir Tatlin
creó con sus relieves abstractos una de las primeras formulaciones de lo que se
llamaría el constructivismo.
Alexandr Rodchenko, tras haber pintado sus tres monocromos (Amarillo puro, Azul
puro, Rojo puro, 1918), y El Lissitzky, aprovecharon su conocimiento de la forma
para ir avanzando hacia una concepción utilitaria del arte que triunfó también en la
Bauhaus en Alemania bajo el impulso de artistas como László Moholy-Nagy o Josef
Albers.
Neoplasticismo
Piet Mondrian
El Neoplasticismo es una corriente artística
impulsada por Piet Mondrian en 1917 que proponía despojar al arte de todo
elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de un lenguaje
plástico objetivo y, como consecuencia, universal. Junto con Theo van Doesburg
fundó la revista De Stijl, principal órgano de difusión del movimiento, en cuyo
primer número apareció publicado el manifiesto neoplasticista.
Las teorías de Mondrian, que tienen su origen en las obras cubistas de Georges
Braque y Picasso y en la teosofía, reivindican un proceso de abstracción progresiva
en virtud del cual las formas se irían reduciendo a líneas rectas horizontales y
verticales, y los colores al negro, el blanco, el gris y los tres primarios.
Entre sus principales representantes se encontraban, además de Van Doesburg, el
pintor Wilmos Huszár, el escultor Georges Vantongerloo y los arquitectos Jacobus
Johannes Pieter Oud y Gerrit Thomas Rietveld, entre otros.
El excesivo rigor de las propuestas de Mondrian
provocó violentas críticas tanto dentro como
fuera de su círculo de adeptos. No obstante, el
neoplasticismo está considerado, junto con el
suprematismo de Maliévich, el origen de la
abstracción geométrica.
Van Doesburg fue la personalidad más activa del
grupo, pues era a la vez pintor, escultor,
arquitecto, poeta y novelista. El dinamismo
geométrico de las líneas y los planos de las
pinturas de Mondrian alejado de cualquier
intención de simetría, encuentra su correlato en
la descomposición elementarista de los polémicos
"Ritmo de líneas negras", proyectos de Rietveld y van Eesteren, así como
Piet Mondrian en la vibración plástica del café-cabaret Aubette
de van Doesburg.
La influencia del movimiento neoplástico se hizo sentir en la Bauhaus, con la cual
había una fuerte corriente de intercambios. De hecho, la etapa berlinesa de Mies
van der Rohe, antes de su exilio en Estados Unidos, está fuertemente signada por
la experiencia neoplástica.
Tanto su serie de proyectos de casas con patios como el célebre Monumento a
Rosa Luxemburgo registran esa impronta estética. Pero la culminación de la
manera neoplástica de Mies van der Rohe la constituye sin lugar a dudas el
magnífico Pabellón Alemán de la Exposición de Barcelona, en el cual el
elementarismo centrífugo y a la vez sereno de los planos fugando hacia el espacio
y desdibujando las nociones de espacio interior y exterior alcanzan un grado de
síntesis no superado.
CONSTRUCTIVISMO
BAUHAUS (1919-1933)
Escuela superior alemana fundada por Walter Gropius y que constituye uno de los
proyectos pedagógicos más importantes de la historia por su carácter vanguardista,
de avanzada, influyendo hasta hoy en los estilos y la estética mundial.
Esta Escuela tuvo diversos docentes. Todos eran de distintas profesiones: pintores,
escultores, arquitectos, urbanistas, tipógrafos, grabadores, tejedores y artesanos.
Algunos de ellos fueron: Johannes Itten (quien realizó el curso preparatorio y el
centro del proyecto pedagógico), Lyonel Feininger, Georg Muche, Paul Klee, Josef
Albers, Hinnerk Scheper, Lazlo Moholy-Nagy, Herbert Bayer, Gerhard Marcks,
Oskar Schlemmer, Lothar Schreyer, Wassily Kandinsky, Joost Schmidt, Marcel
Breuer, Gunta Stölz-Stadler, Theo Van Doesburg, Gyorgy Kepes, Anni Albers,
Ludwig Hilberseimer, Ludwig Miës van der Rohe y el propio Gropius.
Gracias a la influencia de estas personalidades, los alumnos creaban objetos de la
vida cotidiana como sillas, camas, armarios de cocina, prototipos de kioscos
publicitarios, servicios de té y café en metal, lámparas y tejidos con dibujos
abstractos. Posteriormente, se publicaban catálogos en el que se mostraban dichos
productos y eran vendidos a las industrias.
Características de la Bauhaus
Conclusión
Dadaísmo
El Dadaísmo fue una vanguardia – movimiento artístico y/o político que guiaba la
cultura de sus tiempos – que surgió en el año de 1916 en Zurich con el objetivo de
oponerse a cualquier tipo de equilibrio y racionalidad. Nació casi de forma
anárquica para romper con lo tradicional.
El propósito verdadero del dadaísmo era denunciar, protestar y generar polémica
en torno a la Primera Guerra Mundial y sus seguidores lo hacían resaltando el
ilógico y el absurdo, estimulando lo espontaneo y combinando elementos como el
pesimismo, el nihilismo, la ironía y la falta de creencia absoluta en las cosas para
emitir su mensaje casi desaforado.
A principio el dadaísmo no tenía una característica especifica una vez que era
basada en el acaso, pero quizás el poema aleatorio y el “ready made” –
manifiesto artista de Marcel Duchamp que elevaba a categoría de arte objetos
ya hechos como una rueda de bicicleta, por ejemplo – sean dos formas de arte
que definen bien el movimiento. Montajes, artes plásticas, fotografía, música y
teatro también encuentran su faceta dadaísta.
El dadaísmo sirvió de inspiración para el nacimiento de otros importantes
movimientos do siglo XX, como el Surrealismo, Arte Conceptual, Pop Art y el
Expresionismo Abstracto. Los artistas mas relevantes del dadaísmo son André
Breton, Philippe Soupault, Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Hans Arp, Francis
Picabia, Max Ernst, Man Ray, Kurt Schwitters, Raoul Hausmann, Guillaume
Apollinaire, Hugo Ball, Theo van Doesburg, Johannes Baader, Arthur Cravan, Jean
Crotti, George Grosz, Emmy Hennings, Richard Huelsenbeck,Marcel Janco, Clement
Pansaers, Hannah Hoch, Hans Richter y Sophie Täuber.
SURREALISMO