Vous êtes sur la page 1sur 32

Generación del 1927

- A partir de 1927 – progresiva humanización de la poesía.


- En los autores del 27 es muy significativa la tendencia al equilibrio, a la síntesis entre
polos opuestos, incluso dentro de un mismo autor.
- Entre una concepción romántica del arte y una concepción clásica.
- Ente la pureza estética y la autenticidad humana, entre la poesía pura (arte por arte,
deseo de belleza) y la poesía auténtica, humana preocupada por los problemas del
hombre.
- Entre el arte para minorías y mayorías. Alternan el hermetismo y la claridad, lo culto
y lo popular. Se advierte un paso de yo al nosotros. El poeta canta por todos.
- Entre lo universal y lo español, entre los influjos de la poesía europea del momento
(surrealismo) y de la mejor poesía española de siempre. Sienten gran atracción por la
poesía popular española: cancioneros, romanceros…
- Entre tradición y renovación. Se sienten próximos a las Vanguardistas, próximos a la
generación anterior; admiran del siglo XIX a Bécquer o los escritores clásicos españoles:
Jorge Manrique, Garcilaso de la Vega, San Juan de la Cruz, Fray Luis de León, Quevedo,
Lope de Vega, Góngora.

Las principales características de la literatura de Vanguardia son:

Afán de originalidad – El poeta echa por tierra todo precedente histórico, en busca de un
más allá inexplorado (futurismo, ultraísmo) o de un más acá anterior a toda cultura: la
humanidad primitiva, el mundo del niño (dadaísmo). La innovación alcanza a todo:
lenguaje, métrica, temas… Se da entrada a muchas palabras inusitadas en el idioma
poético. La poesía se pone a cantar el mundo de los adelantos mecánicos, del progreso
material y técnico, de las modas contemporáneas: el ascensor , el teléfono, la máquina del
escribir, etc. La deliberada falta de sentido, al menos del sentido lógico, se exterioriza en
la costumbre de abolir signos de puntuación, distinción entre mayúsculas y minúsculas,
dando a los textos una disposición tipográfica cabalística que quiere remedar signos
matemáticos y musicales.
- Hermetismo – Los vanguardistas buscaban a la impopularidad. Para ser gustado de
pocos, el poeta vanguardista se volvía hermético, oscuro, en un gesto de desprecio por la
1
masa de ingenuos lectores, por el buen burgués. La poesía se convertirá en coto cerrado
para el lector entendido y minoritario. El poeta renuncia a su antigua y romántica
condición de vale, de quía espiritual de pueblos, de miembro social investido de atributos
transcendentales y casi sagrados, para convertirse en un profesional, un técnico, un
virtuoso, cuyo oficio es hacer poemas.
- Autosuficiencia del arte – Rotos los vínculos con lo real, el arte aspira a convertirse en
entidad dorada de vida independiente y autónoma. Se vuelve a alimentar la ilusión que
sintió Góngora por forjar un lenguaje poético ajeno a la lengua hablada, la expresión
“poesía pura” se ha interpretado de diversos modos. Se habla mucho de auténtico,
sincero, leal, por reacción contra la falsedad romántica. De ahí el proclamado
menosprecio de “literatura”, que es lo falso o ficticio por definición.
- Antirrealismo y antirromanticismo – Toda poesía, no solo la realista en sentido
estricto, siempre dijo algo, apuntó al mundo de lo real, tuvo un significado. Ahora el
poeta quiere evadirse de esta servidumbre, eliminar toda referencia a lo humano, carecer
de sentido. Se trata de llegar a la significancia absoluta. Para lograrlo, el poeta se afana en
una doble tarea de deformación y abstracción. Se rompen los vínculos lógicos, se va a
una estilización, geométrica de la realidad, hasta convertir el poema en un sistema de
signos expresado en un riguroso formalismo clásico. Al desplazarse el centro de atención
desde el poeta hasta el poema, se dio un primer paso en el camino de la “poesía social”,
por paradójico que resulte que este paso lo dieron precisamente unos poetas
“deshumanizados”.
- Surrealismo – Del naufragio de la historia y la realidad se salvaron el mundo de la
civilización material contemporáneo y el mundo de las ruinas. El reino de lo infantil es el
reino de lo (…) de la falta de lógica. Un movimiento – el dadaísmo. (…..)
- Intrascendencia – Uno de los dogmas del vanguardismo aseguraba que el arte es una
actividad inmanente, que debe crecer de toda finalidad extra-estética, de toda
transcendencia moral, social, filosófica. La poesía es así, pura “insignificancia”, mero
juego, ingenioso deporte con palabras y conceptos, voluntad trivialidad. El poeta no
aspira a reformar el mundo, a enseñarle verdades, sino a vivir despreocupado,
irreflexivamente, sin deberes, en el presente efímero que le ha deparado el azar.

2
- Predominio de la metáfora – Era natural que en una poesía que aspiraba a deformar la
rebeldía, a eludirla, la metáfora dejara de ser un componente, entre otros, del poema, para
convertirse en su espina dorsal, en su misma razón de ser.
- Escritura onírica – Respecto a ese proceso creador, los vanguardistas difieren entre sí.
Unos de acuerdo con su concepción clásica del arte, rechazan de plano la teoría
romántica de la “inspiración” y hacen hincapié en la consciencia del poeta. El surrealismo
propugna la escritura onírica, el automatismo psíquico puro, en función del cual uno se
propone a expresar el funcionamiento real del pensamiento.

Pedro Salinas (1892-1951)

- Nace en Madrid. Fue profesor universitario en Sevilla, Murcia, Cambridge, Boston.


Muere exilado en Boston. Los tres elementos básicos de su creación son: autenticidad,
belleza e ingenio. Es el principal poeta de amor en su generación.
-

Podemos distinguir tres etapas en su producción.

- Hasta 1932 – Poesía pura bajo el influjo de Juan Ramón Jiménez. Presagios (1923),
Seguro azar (1929), Fábula y signo (1931).
- 1935-1939 – Poeta del amor. Amor anti-romántico, no es un amor atormentado ni
sufrido. El amor supone un enriquecimiento de la vida y la persona, confiere sentido al
mundo: La voz a ti debida (1933), Razón de amor (1936), Largo lamento (1939).
- Tras la guerra – libros de poemas en los que se observa una (…) entre su fe en la vida y
los signos angustiosos que ve a su alrededor. El Contemplado (1946), Todo más claro
(1949), Confianza (1955). Es importante su concepción del amor. Se trata del amor
romántico, la amada saca de la duda al amante, le inventa un mundo, lo salva del (…)

Jorge Guillén (1893-1984)

3
- Nació en Valladolid. Fue profesor universitario en Sevilla, Oxford, Murcia. Estuvo en el
exilo en los EE.UU. y en Italia. Regresa a Málaga, donde es muere. Recibió el premio
Cervantes en 1977. Guillén es el máximo representante de la poesía pura dentro de su
Generación. En sus poemas se observa una estilización de la realidad, una depuración
hasta quedarse con lo más esencial de las cosas.
- Las influencias más destacadas son los de Valery, Baudelaire y Whitman. También
influyen los clásicos españoles: Berceo, Gil Vicente, Jiménez, Unamuno. Especial
relevancia adquieren San Juan de la Cruz y Fray Luis de León. No en vano, se ha hablado
del “misticismo” en la poesía de Guillén, de su deseo de descubrir, captar y expresar la
armonía reflejada en el mundo. Concibe su obra como un todo, al que da el nombre de
Arte nuestro. Se incluyen cinco ciclos, entre los que destacan: Cántico (1919-19*),
Clamor (1950-1963) y Homenaje (1967). Clamor se divide en tres partes: Maremagnum
(1957), Que van a dar en la mar (1960), A la altura de las circunstancias (1963).
- La abstracción de lo anecdótico, circunstancial, contingente que notamos en otros
autores, llega en Guillén al límite más apurado. Su poesía es eminentemente objetiva,
pero los objetos, las cosas se nos ofrecen solo en geométrico escorzo en puro perfil. Es
una poesía de desnudez fatal, Guillén cultiva los metros clásicos – la décima, con menos
frecuencia el soneto, pero sobre todo, la estofa de cuatro versos con rima asonante.

Gerardo Diego (1896-1987)

- Afirmaba que:” yo no soy responsable de que me atraigan simultáneamente el campo y la


ciudad, la tradición y el futuro; de que me encante el arte nuevo y me extasíe el antiguo;
de que me vuelva loco la retórica hecha, y me tome más loco el capricho de volver a
hacérmela – nueva- para mi uso particular e intransferible”.
- Cultiva tanto la poesía clásica y tradicional como vanguardista. Entre otros, escribe El
romancero de la novia (1918), Imagen (1918-1925), Manual de espumas, Versos
humanos (1918-1924). Su mejor obra clásica es Alondra de verdad (1941). Tras la
Guerra Civil se volvió más tradicionalista. Trató todo tipo de temas: religioso, amoroso,
taurino, musical, pueblos de España.

4
- Su poesía es la mejor imagen de la síntesis entre tradición y renovación. Es un gran
maestro del arte de versificar, a lo que añade sensibilidad y sabiduría. Junto a Dámaso
Alonso es uno de los promotores y teóricos de la poesía nueva. No tiene rival en el
dominio del soneto, con el que alcanza altitud cimera en sus últimas antologías.

Dámaso Alonso (1898-1990)

- Poeta, critico literario y filólogo nacido en Madrid y perteneció a la generación del 27.
Licenciado en Derecho y en la Filosofía y Letras. Antes de la Guerra Civil española
estudió en el centro de Estudios Históricos de Madrid, y participando a la vez en las
actividades literarias e intelectuales de la Residencia de Estudiantes, coincidió con Lorca,
Buñuel y Dalí.
- En Dámaso Alonso confluyen sus tres vocaciones: profesor, investigador y crítico
literario, y la de poeta. Como poeta, existen dos momentos bien diferenciados, el de la
poesía pura de ecos juanramonianos; a esta época pertenecen Poemas puros, poemillas de
la ciudad.
- A partir de 1939 y conmovido por los acontecimientos que se viven en España, desgarra
el panorama literario con su obra Los hijos de la ira (1944), a la que siguen entre otras
Hombre Dios (1955) y Oscura noticia (1959), dos libros poéticos de ecos existenciales y
donde es visible la influencia de la obra de Joyce. A esta etapa también pertenece la
mayor parte de su labor didáctica e investigadora, de la que son exponentes: La poesía de
San Juan de la Cruz (1942). De su obra crítica destacan: Ensayo de métodos y límites
estilísticos (1950), Estudios y ensayos gongorinos (1955). Fundó la colección Biblioteca
Románica Hispánica y ha sido director de la Revista de Filología Española.
- Su contribución más importante en el momento de la formación del grupo 27 fue la
revaloración de Góngora. Es Dámaso Alonso quien descubre a sus compañeros de
generación el significado artístico del autor de las Soledades.

Vicente Aleixandre (1898-1984)

5
- En 1931 define la poesía como “clarividente fusión del hombre con lo creado”,
“aspiración a la unidad”, “poesía es comunicación” (antes que belleza; las palabras no
son bonitas o feas, simplemente necesarias), “el poeta es una conciencia puesta en pie
hasta el fin”.
- Su obra suele dividirse en tres etapas:
a) Visión pesimista del hombre: imperfección, dolor, angustia, fragilidad. Desea volver a
la tierra, fundirse con la naturaleza y participar de la unidad de esta. Destacan los libros:
Ámbito (1928), Espadas como labios (1930-1931), La destrucción o el amor (1932-33).
La pasión amorosa se confunde con una pasión por la muerte libertadora. Sombra del
paraíso (1939-1943) es su obra cumbre.
b) Abandono del surrealismo: El hombre se ve ahora positivamente. La solidaridad lo
engrandece. El poeta se funde con el pueblo y se convierte en su voz. El hombre no está
solo. Historia del corazón (1945-1953), El poeta canta el vivir de la indefensa criatura
humana. En la misma línea se encuentra En un vasto dominio (1958-62).
Poemas de consumación (1968) supone un nuevo giro en la poesía de Alexandre. Añora
la juventud y canta, entre trágico y sereno, la consumación de la existencia.
Aleixandre es un maestro en verso libre, forma que maneja con pujante originalidad en
sus antologías. Su poesía se nos ofrece como un gran panorama de cerrada perfección.
Centrada primero en el cosmos y más tarde en el hombre, nos proyecta sobre la doble
aventura de existencia: el gran misterio universal y el pequeño gran misterio del corazón
humano; recorre el macrocosmos y el microcosmos, la exterior y lo íntimo; es poesía
metafórico y poesía ética.

Luis Cernuda (1902-1963)

- Soledad, dolor, sensibilidad son notas características de la personalidad de Cernuda. Su


descontento con el mundo y su rebeldía se deben, en gran medida, a su condición de
homosexualidad , a su conciencia de ser un marginado. Admite ser “un inadaptado”. Sus
principales influencias proceden de autores románticos, pero también de los clásicos. Su
obra se busca en el contraste entre su anhelo de realización personal (el deseo) y los

6
límites impuestos por el mundo que le rodea (la realidad). En sus inicios toca la poesía
pura, el clasicismo y el Surrealismo, pero a partir de 1932 inicia un estilo personal, cada
vez más sencillo, basado en un triple rechazo:

a) de las ritmos muy marcados

b) de las rima

c) del lenguaje brillante y lleno de imágenes: desea acercarse al “lenguaje hablado y el


tono coloquial”.

- Desde 1936 Cernuda reúne sus libros bajo un mismo título: La realidad y el deseo, que se
va engrosando hasta su versión definitiva 1964. Esta obra está formada por varios ciclos:
a) Inicios: poesía pura (Perfil del aire, 1924-27, fue muy mal recibida) y clásica
garcilasiana (Égloga, elegía y oda, 1927-28)
b) Surrealismo: Un rio, un amor, 1929; Los placeres prohibidos, 1931;
c) Su obra capital es Donde habite el olvido (1932-33), con un lenguaje ya propio, es un
libro desolado y triste, tremendamente sincero. En esta línea se sitúa Innovaciones a las
gracias del mundo (1934-35). Tres temas fundamentales en esta obra son: la belleza de
los cuerpos masculinos, el destino artista, la filosofía de la soledad.
- Después de la guerra continúa con su línea de depuración estilística y trata temas como el
de la patria perdida, recordada con añoranza o rechazada. Persiste su amargura.
Desolación de la quimera (1956-62) es un balance final, sin retractarse ni disculparse. En
prosa escribe Ocnos (1942), evocación de Andalucía desde la distancia y variaciones
sobre tema mexicano. También fue un crítico literario bastante agudo y traductor de
Holderlin y Shakespeare.
- Rebelde y puro, expresa su desengaño del mundo, su desdén por la vida y la maldad
humana, su desazón ante la eterna oposición entre “la realidad y el deseo”, en un lenguaje
de ajustada belleza, en un verso libre refrenado, abandonado al cansancio en la palabra,
de apariencia descuidada , pero no honda perfección interna en su sencillez. Dos libros,
Un rio, un amor y Los placeres prohibidos, señala su incorporación al surrealismo,
“corriente espiritual en la juventud de una época ante la cual – escribe el autor – yo no
pude, ni quise, permanecer indiferente.”

7
Rafael Alberti (1902-1999)

- En 1925 publicó Marinero en tierra. Se trata de una obra de un refinado popularismo


donde universaliza el mar, que llega a ser un mito. En 1926 apareció La amante, relato
poético de un viaje en automóvil, al que sigue un nuevo libro de poemas, El alba del
alhelí, al año siguiente.
- En 1929 tuvo lugar un cambio importante en su poesía, cuando publicó Cal y canto,
influido por Góngora y el Ultraísmo. También de ese mismo año es Sobre los ángeles.
- Sus tonos apocalípticos se prolongaron en Sermones y morados (1930). La tendencia
surrealista que llevaba a Alberti a introducir asuntos personales en el ámbito de las
cuestiones históricas, supuso en él una inclinación hacia el anarquismo, como demuestra
su elegía Con los zapatos puestos tengo que morir.
- Posteriormente se afilió al Partido Comunista español y publicó hasta 1937 un conjunto
de libros que el autor denominó El poeta en la calle, aparecidos conjuntamente en 1938.
También de la misma época son sus obrad de teatro, entre las que destaca Fermín Galán
(1931). Con su compañera María Teresa León se vio obligado a exiliarse después de la
derrota de la República de la Guerra Civil española. Vivió en Argentina hasta 1962.
Obtuvo el premio Cervantes en 1983. El poeta recoge su vida durante los años de
destierro en La arboleada perdida (1959-87). Entre la poesía no política de Alberti,
posterior a 1939, destacan Entre el clavel y la espada (1941) y A la pintura (1948) un
brillante intento de describir un arte en términos de otro.
- POÉTICA
- La poética de Alberti asombra por la gran variedad de temas, tonos y estilos. “Poeta de
veras y de burlas”, le llamó Gerardo Diego. En efecto, en su producción alternan la
poesía pura, lo tradicional, lo barroco o lo vanguardista; el humor, el juego, la angustia o
la pasión política. Él mismo confesaba en 1931: “He intentado muchos caminos,
aprovechándome a veces de aquellas tendencias estéticas con las que simpatizaba. Los
poetas que me han ayudado, y a las que sigo guardando una profunda admiración, han

8
sido Gil Vicente, los anónimos del Cancionero y Romancero, Garcilaso, Góngora, Lope,
Bécquer, Baudelaire, Juan Ramón Jiménez y Antonio Machado”.
- LÍRICA NEOPOPULAR: Marinero en tierra (1924). Su inspiración básica es la
nostalgia de su tierra gaditana, de su mar; recordados desde Madrid con vehemente deseo
de evasión. Pero esa añoranza, visible en notas de estilizada tristeza, se vierte en una
lirica “ágil, graciosa, parpadeante: andalucísima”. Los versos rezuman luz, blancura, vivo
colorido. En su mayor parte, se inspiran en aquellas formas ligeras de lirica tradicional,
elaboradas con singular finura. Un tono popular aún más acendrado encontramos en La
amante (1926). Es, en cierto sentido, un asombroso caso de poesía pura. Los ritmos
populares y graciosos, pero ya con rasgos estilísticos barrocos continúan en El alba del
alhelí (1927), en el que destacan algunas composiciones de tema taurino.
- BARROQUISMO Y VANGUARDISMO: Cal y canto (1926-27). Este libro supone un
notable giro hacia el barroquismo culto y vanguardia. Por una parte, rinde tributo a la
moda gongorina como las composiciones en tercetos, romances cultas y hasta una
Soledad tercera, en homenaje a Góngora. Hay que citar el libro: “Yo era tonto y lo que
he visto me ha hecho dos tontos” (1929) dedicado a las figuras del cine mudo.
- SURREALISMO: Sobre los ángeles (1929). Responde a una crisis religiosa y vital del
poeta, cuando pierde la fe. Las ideas, las creencias, los sentires del poeta se tambalean.
En esas circunstancias, compone su obra maestra y uno de los libros claves de su
generación. Lo primero que en él se parecía es la singularidad del lenguaje poético, el
vanguardismo y la técnica usada, típicamente surrealista. El poeta, expulsado de su
“paraíso perdido”, va errando por un mundo caótico y sin sentido, con su alma vacía y el
“cuerpo deshabitado”, con la esperanza muerta. En cuanto a la métrica, la primera mitad
del libro está escrita en versos cortos.
- POESIA CÍVICA: En 1931 Alberti inicia una línea de poesía social y política. Uno de
sus nuevos libros lleva el significado titulo de El poeta en la calle (1930-31). Le siguen
13 bandas y 48 estrellas (1930), Poemas del mar Caribe (1936), De un momento a otro
(1938), Entre el clavel y la espada (1939-40). Se trata de una “poesía de urgencia”,
menos atenta a lo estético, a veces panfletario.
- POESIA EN EL EXILIO: La obra compuesta durante su largo su exilio es copiosa.
Vuelve en ella a su variada inspiración. Sigue la “poesía civil”, pero reaparecen las

9
formas tradicionales y clásicas, sin olvidar facetas innovadoras. Sus antiguas aficiones
artísticas explican su libro A la pintura, en donde los metros y el estilo se adoptan
prodigiosamente o la índole de los pintores cantados .Por otra parte, su añoranza de
España le dicta hondos libros de versos, como son Retornos a lo vivo lejano (1948-56) o
Baladas y canciones de Paraná (1953-54), aquél en graves metros de arte mayor, este
nuevamente con ritmos de cantarcillo popular.
- El surrealismo de Alberti es más fruto de una deliberada actitud mimética que de una
honda convicción interior. Los ángeles y demonios de Alberti resultan “literarios”. El
verso libre es indeciso, como producto de una nueva experimentación del poeta, que no
logra en él la maestría formal mostrada en los metros populares o cultos, antes cultivados.

Federico García Lorca

- Poeta y dramaturgo español. Es el escritor de esta nacionalidad más famosa del siglo XX
y uno de sus artistas supremos. Su asesinato durante los primeros días de la Guerra Civil
hizo de él una víctima especialmente notable del franquismo, lo que contribuyó a que se
conociera su obra.
POESÍA
- Aparte de un primer libro en prosa Impresiones y paisajes (1918), sus primeros poemas
quedaron recogidas en Libro de poemas de 1921, una antología que tiene grandes logros.
En este libro hay influjos de Bécquer , del modernismo, de Machado, de Juan Ramón
Jiménez.
- El Romancero gitano (1928) es un ejemplo genial de poesía compuesta a partir de los
materiales populares, y ofrece una Andalucía de carácter mítico por medio de unas
metáforas deslumbrantes y unos símbolos como la luna, los colores, los caballos, el agua
o los peces, destinadas a transmitir sensaciones donde el amor y la muerte destacan con
fuerza. (………….)
- Tras los Poemas en prosa escribió en Nueva York un gran ciclo metafísico en el que el
autor opuesta por los oprimidos, sin dejar de sacar a relucir sus obsesiones íntimas. El
ciclo iba a constar de dos libros: Poeta en Nueva York, escrito entre 1929 y 1930, pero
que no se publicó hasta 1940 y Tierra y Luna, del que algunos poemas fueron incluidos
10
en Diván del Tamarit, concluido en 1934, aunque también se publicó póstumamente. En
Poeta en Nueva York el poeta se ahoga y protesta contra la civilización moderna. El
poder del dinero, la esclavitud del hombre por la máquina, la injusticia social, la
deshumanización, en fin, con los temas del libro. Y una de sus partes está dedicada a los
negros, otra raza marginada, en quienes Lorca ve “lo más espiritual y delicado de aquel
mundo”. Y el poeta siempre se resuelve a favor de las cosas vitales y libres. Con esta
antología el poeta consigue renovar su lenguaje y alcanza una nueva cima. De entre los
35 poemas que integran el libro, hay varios que constituyen como un eje central: Aurora,
Oda al rey de Harlem, Oda a Walt Whitman, Grito hacia Roma.
- Por su parte los Sonetos del amor oscuro, escritos durante una temporada en Nueva
Inglaterra, expresan una desesperación más personal y constituyen unas muestras
admirables de erotismo, que solo recientemente han sido dadas a conocer. Otro
importante poema de Lorca, dentro de la línea de neopopularismo, es el Llanto por
Ignacio Sánchez Mejías, de 1935, una elegía compuesta al morir el forero, amigo de
muchos de los poetas de la Generación.
- Su poesía es tanto más que lírica, dramática, en los dos sentidos de esta palabra: en el de
trágica y en el de encarnada en los personajes que no son mera proyección del “yo” del
autor. El poeta lírico y el dramático colaboran en su teatro en el que se encuentran
algunas de las muestras poemáticas más felices que escribiera. Su instinto de lo popular y
de lo español era comparable al de Lope de Vega . Lo popular y lo culto, lo antiguo y lo
nuevo, lo espontáneo y lo reflexivo, lo español y lo universal se funden en su obra,
especialmente en el Romancero gitano. Este libro ha logrado entusiasmar tanto el gran
público, como el lector entendido.
- Procedimiento clave en la poesía de Lorca es la metáfora. La metáfora lorquiana
comparte con la gongorina la complejidad de elaboración y la frecuente elusión del plano
real (metáfora pura). Esta es la causa del hermetismo lorquiano, muy superior a la
“oscuridad” gongorina: el poeta moderno carece del código mitológico que manejaba el
autor clásico y que era conocido por sus lectores. Pero nunca se trata de un hermetismo
arbitrario, ilógico. La complejidad de elaboración afecta asimismo a la frase. Lorca es un
maestro en el arte de la elipsis, de la condensación expresiva. Junto a la metáfora, el
símbolo. Estos símbolos son polivalentes en función de los contextos: la luna es símbolo

11
de la muerte, pero también de la vida , o ambas cosas a la vez. Los símbolos dominantes
son: la luna, el agua, la sangre, el caballo, las hierbas y los metales.

EL TEATRO HASTA LORCA


- Al hablar del teatro conviene recordar las particulares circunstancias que rodean el género
teatral. Como espectáculo pesan sobre él unos condicionamientos comerciales muy
fuertes: predominio de locales privados, cuyos empresarios hay de tener muy en cuenta
los gustos de público que acude a sus salas. Ello tiene consecuencias en dos terrenos:

a) en lo ideológico, por una parte, son escasa las posibilidades de un teatro que vaya más
allá de donde puede llegar la capacidad de autocrítica del público consabido.
b) el terreno estético, por otra parte, habrá fuertes resistencias ante las experiencias que se
salgan de las formas tradicionales a las nuevas tendencias que triunfan en poesía o en
novela les será mucho más difícil llegar a los escenarios.
- El teatro español del primer tercio del siglo XX se reparta en dos corrientes:
a) El teatro que triunfa – continuador en gran parte del que imperaba a finales del siglo
XIX (drama postromántico de Echegarray “alta comedia”, costmbrismo). En tal línea se
sitúa.
- Una corriente burguesa con Benavente y sus seguidores, en la que hay, a veces,
tolerables artistas de crítica social.
-Un teatro en verso, neoromántico y con aportaciones tomadas del Modernismo, de
orientación tradicionalista.
-Un teatro cómico, con predominio de un costumbrismo igualmente tradicional.
b) El teatro que pretende innovar – aportando nuevas técnicas, aportando nuevos
enfoques ideológicas, o ambas cosas a la vez. En esta dirección se hallan.
-En la primera generación las experiencias teatrales (………..)

TEATRO DE LORCA
- La dramaturgia lorquiana representa la incorporación a la escena contemporánea de un
TEATRO POÉTICO, en el más alto sentido del término, que no ha de identificarse con el

12
teatro simbolista europeo o con el teatro en verso español, de filación modernista, al
margen que reciba ciertos influjos de ambos.
- “El teatro es la poesía que se levanta del libro y se hace humana. Y al hacerse, habla y
grita, llora y se desespera. El teatro necesita que los personajes que aparezcan en la
escena lleven un traje de poesía y al mismo tiempo que se les vean los huesos, la sangre.”
- El teatro es un espectáculo en el que se combinan los gestos, la música, lo plástico y lo
poético. La dedicación a este género es paralela a su labro poética. Aporta al teatro sus
dotes como poeta, el conocimiento del teatro clásico español y de las vanguardias
artísticas.

TEMAS E INFLUJOS DEL TEATRO DE LORCA


- La temática profunda de las obras teatrales de Lorca asombra por su unidad, y no es
distinta de lo que vertebra su poesía. Lorca lleva a la escena destinos trágicos, pasiones
condenadas a la soledad o a la muerte, ambos marcados por la esterilidad. En varias obras
ello aparece encarnado en mujeres.
- Los influjos que recibe el teatro de Lorca son muy variados: la tragedia griega aporta al
poeto moderno no solo un espíritu, sino también elementos estructurales: la renuncia o la
sorpresa del argumento, el número reducido de personajes, la presencia y función de los
coros. De los grandes clásicos europeos, Shakespeare es indudablemente el modelo que
con mayor fuerza gravita sobre Lorca. El sentir con la fuerza de la tragedia: la presencia
de Lope de Vega, Clalderón de la Barca, Cervantes, etc.
- Lorca es muy preciso al clasificar sus obras dramáticas:
Farsas. Dentro de ellas hay que distinguir dos clases que corresponden, en sentido
estricto, a dos géneros distintos:
a) farsas para guiñol (Tragicomedia de don Cristobal y la señá Rosita, La niña que riega
albahaca y el príncipe preguntón, Retablillo de don Cristóbal)
b) farsas (La zapatera prodigiosa, Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín). La
comicidad o la presencia de lo grotesco son rasgos de las obras farsescas y el poeta se
ajusta a ellas. Pero al mismo tiempo la farsa lorquiana rebosa, en la hondura de sus
planteamientos, la levedad tradicionalmente asignada a obras de ese tipo.

13
Comedias “Imposibles”. El público. Así que pasen cinco años. Planteamiento
radicalmente nuevo, donde se anulan las convenciones del teatro realista. Una lógica
dramática enlaza las acciones y vertebra la estructura, deudora, más allá de las
apariencias, de las abstracciones del auto sacramental.
Tragedias. Bodas de sangre. Yerma. Formaban parte de una trilogía que quedó inacabada.
En prosa y verso. Su escenario es Andalucía mítica y contiene un reducido numero de
personajes. Aparecen coros que comentan la acción. El verso entra en los momentos más
solemnes. Son obras geniales, representan la restauración de la tragedia pura en la lengua
española.
Dramas. Tomando el término en su sentido más estricto y no en el amplio de “obra
teatral”, Doña Rosita la soltera, La casa de Bernarda Alba, se acogen al patrón del drama
burgués. Se dramatiza el mundo de la burguesía urbana en un caso y rural en otro.
Ambientes más realistas que el de las tragedias, con función distinta del verso de Doña
Rosita. La preocupación social es muy intensa en ambas obras. Podría también hablarse
del drama urbano de Doña Rosita y rural en La casa de Bernarda Alba.
- El lenguaje representa una convivencia de poesía y realidad, que es ahora de un habla de
claro sabor popular y poderoso aliente poético. Son sus rasgos más patentes la densa
presencia de símbolos, de metáforas, de comparaciones tan originales como, a veces, de
aire coloquial, las fuertes connotaciones emotivas, señoriales, imaginativas.
- Bodas de sangre (1933). Se basa en un hecho real: una novia que escapa con su amante el
mismo día de la boda. Se trata de una pasión desborda barreras sociales y morales, pero
que desembocará en la muerte. En torno, un marco de odios familiares y de venganzas, y
una Andalucía tan quintaesenciada que cobra valores tan universales de la tragedia
antigua. Y en efecto, ciertos elementos y personajes míticos se mezclan con los (…) para
(…) el clima de tragedia. También (…..)
- Yerma (1934). Es el drama de la mujer condenada a la infecundidad , con todo su alcance
simbolico. De un lado el ansia insatisfecha de maternidad; de otro la fidelidad al marido;
es decir, el anhelo de realizarse frente a la sumisión a la moral recibida, con la arraigada
idea de la honra. De este choque surge la tragedia. A la obra debe aplicarse lo dicho sobre
elementos dramáticos y formales a propósito de Bodas de sangre.

14
- La casa de Bernarda Alba (1936). El tema está formado de la realidad y desarrollado en
el medio andaluz; sus protagonistas son mujeres. Los tres actos tienen la intención de
documental cinematográfico.. (…..)

La novela española de postguerra

- La Guerra Civil Española enfrentó en 1936 a dos sectores radicalizados: los defensores
de la República, ligados a la izquierda y al anarquismo, y los grupos de derecha liderados
por el general Fancisco Franco. La victoria militar del general Franco el 1 del abril de
1939 supuso la implantación en todo el país de un régimen “nacionalsindicalista,
totalitario, autoritario, unitario, ético, misional e imperialista” en famosa definición del
momento. Fueron derribadas las instituciones de la República, derogada la constitución,
implantado un régimen dictatorial antiparlamentario y reinstaurado el catolicismo como
la religión del Estado. De ahí los tópicos como la salvación del país, la nueva Cruzada, el
valor moral de la guerra, la creencia de que Dios mismo ayudaba a la España franquista.
Las nuevas leyes no reconocen ningún derecho a las instituciones y a los individuos del
bando perdedor, contra los que se desencadena o prosigue una política de eliminación
física, represión y “depuración”.

La literatura en la posguerra
- La Guerra Civil Española constituyó una catástrofe colectiva inmensa en la vida nacional,
pero paradójicamente tuvo menos consecuencias literarias de las que cabría atribuirle.
- La guerra significó no solo la ruptura en la continualidad de la vida, sino también originó
una nueva etapa en la literatura española. La característica más relevante de la novela en
el período de postguerra en España es el realismo que puede definirse como “nuevo”. El
nuevo realismo supone la inserción del mundo real en la novela, pero no se pretende
meramente captar la superficie externa del hombre y el mundo como en el costumbrismo,
sino penetrar en la relación dinámica de las vidas humanas y el medio en que se
desarrollaron. Es común en estas novelas el desarrollo del protagonista colectivo, donde
los personajes sirven como vehículo para la exploración de la verdad.

La novela posterior a 1939


15
- La Guerra Civil supuso un profundo corte en la evolución literaria española debido
a una serie de razones:
1) la muerte de algunos de los grandes modelos de la novela española del siglo XX
(Unamuno, Valle-Inclán)
2) El exilio obligado de otros autores que habían comenzado a destacar en la década de
los treinta: Max Aub, Francisco Ayala, Ramón J. Sénder, etc.
3) Las nuevas circunstancias políticas y la censura impiden que se siga con una tendencia
de novela de corte social que se venía haciendo desde la década de los treinta.
4) Esas mismas circunstancias históricas (miseria, desigualdades, falta de libertades
, etc…) hacen que pierda sentido otra de las tendencias novelísticas anteriores a la
Guerra, como es el caso de la novela deshumanizada y vanguardista.

- En lo referente a la periodización de la novela que se inicia después del año 1939, la


crítica literaria ha señalado cuatro etapas sucesivas (Posguerra, Realismo Social,
Renovación técnica y la novela escrita desde 1975) y cinco generaciones de novelistas
que se han ido incorporando a lo largo de estos años:
 Generación del 36. Autores que se dan a conocer durante la Guerra Civil o en los
años inmediatamente posteriores.
 Generación del 50. Novelistas que comienzan a publicar en torno al año 1950.
 Generación del 68. Autores que aparecerán en la década de los 60.
 Promoción del 80 y del 90. Últimas incorporaciones a la novela española.

La novela de Posguerra inmediata (1939-1950)

- Novela triunfalista, que defiende las nuevas circunstancias políticas del país. Esta
novela defiende los valores tradicionalistas (Dios, Patria, Familia) y justifica la Guerra
Civil y sus consecuencias, culpando de las mismas al bando perdedor.
- Novela psicológica. Se basa en el análisis del carácter y del comportamiento de los
personajes desde unas técnicas tradicionales, realistas.

16
- Novela poética. Sigue la línea de las novelas líricas de Gabriel Miró, donde lo
fundamental no era la historia narrada, sino el trabajo técnico y formal sobre la palabra.
- Novela simbólica. En esta tendencia nos encontraremos con novelas en las que los
personajes funcionan como símbolos de ideas y conflictos. Sique la línea, por tanto, de
algunas novelas de Unamuno. Un autor significativo es José Antonio.
- Tremendismo. Esta tendencia es iniciada por Camilo José Cela con La familia de
Pascual Duarte en el año 1942. Son novelas que nos retratan un mundo y unos
personajes dominados por la violencia y por la miseria. El tremendismo es una técnica
descriptiva según la cual se pone énfasis en lo grotesco y lo repulsivo con el fin de chocar
violentamente al lector. Se caracteriza por tomar los aspectos más brutales de la realidad
para efectuar una reflexión profunda sobre la condición humana. También se caracteriza
por la presencia de un antihéroe y la insistencia de los aspectos más sórdidos y
desagradables de la vida.
- Novela existencial. Podríamos decir que se inicia con la novela Nada de Carmen Laforet
en 1945, y continuada en 1948 por Miguel Delibes con La sombra del ciprés es alargada
y Gonzalo Torrente Ballester con Javier Mariño. Estas novelas reflejaran el tema de la
angustia existencial, la tristeza y la frustración de las vidas cotidianas.

- Temáticamente, las novelas de este período girarán en torno a la amargura de las vidas
cotidianas, la soledad, la inadaptación, la muerte y la frustración. Los personajes se
adoptarán a estos temas, de forma que los protagonistas serán seres marginados
socialmente, angustiados y desarraigados. Las causas de esta amargura vital se
encuentran en la soledad de la España de los años cuarenta, marcado por la pobreza, la
incultura, la violencia, la persecución política, la falta de libertades… Pero en ninguna de
estas novelas encontraremos una crítica o denuncia directa.

- Técnicamente, estas novelas se caracterizan por su sencillez y tradicionalidad:


 Narración cronológica lineal
 Narrador en tercera persona (mayoritariamente)
 Ausencia de saltos temporales

17
El realismo social (1950-1962)

- En la década de los cincuenta la censura se relaja y ese hecho permitirá la aparición de


novelas en las que la denuncia de la pobreza, la persecución y la injusticia sean los temas
predominantes. En los años cincuenta, el francés Jean Paul Sartre define lo que es esta
“literatura social”:
- “La literatura no debe reflejar solo la realidad, sino explicarla e, incluso, transformarla.”
Sartre, por tanto, se aleja del realismo tradicional del siglo XIX que pretendía
exclusivamente reflejar la sociedad, sin opinar sobre ella. Sartre es un autor muy influido
por el pensamiento marxista y por eso opina que le arte debe aspirar a transformar las
cosas. La literatura es un arma más con lo que combatir la injusticia.
- “El escritor tiene una función social, y será cómplice de la opresión si no se alía con los
oprimidos.”
- “No se es escritor por decir ciertas cosas, sino por decirlas de cierta manera.”

- La literatura social abarca algunas tendencias sociales características para el siglo XX,
como el realismo, que ha sido la formula preferida por los novelistas del siglo XX para
enfrentarse a la problemática social:
 Objetivismo. El novelista se comporta como un observador de la realidad sin
tomar partido ante ella (El Jarama de Rafael Sánchez Ferlosio).
 Realismo crítico. El novelista no acepta la realidad tal como es y pretende
explicarla poniendo de relieve sus mecanismos profundos y denunciándolas. Esta
tendencia es la más usada en la narrativa norteamericana de la Generación perdida
(Faulkner, Fitzgerald, Hemingway) y también en el Realismo social español
(Carmen Martín Gaite, Manuel Caballero Bonald, Ignacio Aldecoa).
 Realismo socialista. Esta tendencia pretende reflejar la realidad en su proceso
revolucionario (la lucha de clases), reduciéndola a un enfrentamiento entre
opresores y oprimidos. Estas novelas pretenden contribuir a la conversión de los
trabajadores al espíritu socialista.
 Realismo mágico. Es una tendencia característica de la literatura latinoamericana
(Rulfo, García Márquez, Carlos Fuentes, etc.) aunque también hay alguna

18
manifestación española (Ana María Matute). Son novelas en las que la realidad y
lo fantástico y maravilloso parecen mezclados.
 Precursores de la novela social: Miguel Delibes, El camino (1950), Luis
Romero, La noria (1950), Camilo José Cela, La colmena (1951);
 Verdadera novela social: se inicia a partir de 1954 con autores como Ignacio
Aldecoa, Carmen Martín Gaite, Rafael Sánchez Ferlosio.
- Los temas principales de la novela española del Realismo social serán:
 La dureza de la vida en el campo
 El mundo del trabajo urbano
 La ciudad
 Las clases trabajadoras
 La burguesía
 La guerra civil y sus consecuencias

- Desde el punto de vista técnico, la mayoría de estas novelas se incluyen dentro de lo que
llamamos realismo crítico, aunque es frecuente que encontremos técnicas objetivistas y,
en algunas novelas planteamientos cercanos al realismo socialista. Algunas de las
características técnicas son:
 Narración lineal
 Aparente sencillez
 Descripciones funcionales
 Concentración espacial y temporal
 Personajes colectivo
 Preeminencia del diálogo
 Concentración espacial y temporal
 Personaje representativo

La renovación de las técnicas narrativas (1962-1975)

19
- A principios de la década de los sesenta se produce un cambio en la novela española. Las
causas de ese cambio pueden deberse a:
 Cansancio del Realismo Social dominante porque
 Simplifica la realidad en “buenos y malos”
 Excesivo peso político
 Pobreza técnica y artística
 La publicación en 1962 de Tiempo de silencio de Luis Martín Santos demostró
que se podía hacer una novela crítica y, a la vez, técnicamente innovadora.
 El conocimiento de la nueva novela hispanoamericana (García Márquez, Vargas
Llosa, Carlos Fuentes, Juan Rulfo, Julio Cortázar, etc.) enseña a los novelistas
jóvenes españoles dos importantes lecciones – puede hacerse una novela critica y
de alta calidad artística, la realidad puede tratarse de la manera exclusivamente
realista.
- Como consecuencia de lo anterior, los novelistas españoles abrirán sus ojos a los autores
y tendencias que desde principios del siglo XX, tanto en España como fuera, habían
intentado hacer una novela que se apartase de la tradición realista que venía del siglo
XIX:
 Franz Kafka, que usó la imaginación y la fantasía para reflejar un mundo
dominado por el malestar existencial.
 Marcel Proust, James Joyce, Thomas Mann, que habían incluido en sus novelas
nuevas formas de narrar mediante saltos temporales, estructuras circulares, etc.
 La novela española de los autores del 98 y del Novecentismo, que ya habían
reaccionado contra el realismo y naturalismo.
 La generación perdida norteamericana, que nos ofrecen en sus novelas una visión
negativa y desengañada de la vida en EE.UU.
 El “Noveau Roman” francés de la década de los cincuenta, que pretende hacer
una novela en la que se rechaza la importancia del argumento, de los personajes o
de la intención social.
- Lo característico, por tanto, de la novela española de este período será la introducción de
múltiples recursos técnicos que buscan apartarse de las formas tradicionales:

20
 Desaparición de la voz del autor: la novela se limita a presentar los hechos sin
comentarlos o explicarlos.
 Perspectivismo. Nos ofrecen distintos puntos de vista sobre una misma realidad.
 El argumento. Pierde importancia la historia narrada, se introducen elementos
antirrealistas: fantasía, irracionalismos, símbolos, magia… se introducen
elementos discursivos no narrativos: comentarios, explicaciones, digresiones…
las descripciones dejan de ser funcionales para adquirir funciones simbólicas o
metafóricas.
 Personajes – los personajes se presentan y definen por sus comportamientos, no
por lo que los narradores nos dicen de ellos; personaje colectivo es un personaje
conflicto con su entorno social, familiar o cultural, y también consigo mismo,
deseoso de encontrar su identidad.
 Estructuración – desaparece el capitulo como unidad de estructuración externa:
ausencia de desenlace, novela abierta; técnica de contrapunto ; varias historias que
se van entrelazando; concentración espacial; tratamiento del tiempo;
concentración temporal, simultaneísmo, saltos temporales, desorden cronológico,
elipsis temporales.
 Narrador – no omnisciente, narración en 1,2 y 3 persona
 Disminuye la importancia y la abundancia de diálogo
 Monólogo interior que reproduce el pensamiento de un personaje en primera
persona de forma desordenada.
 Monólogo en estilo indirecto libre: reproduce el pensamiento de un personaje
mediante la 3 persona.
 Se incorporan a la novela elementos extraños a la narración: informes,
anuncios, textos periodísticos, etc.
 Empleo de artificios tipográficos
 Eliminación o alteración de los signos de puntuación tradicionales

Carmen Laforet (1921-2004)

21
- Escritora española, autora de novelas, cuentos, relatos cortos, libro de viaje. Con su
primera novela Nada publicado en 1945 obtuvo el premio Nadal en el mismo año.
- Nada narra en primera persona las desilusiones de Andrea, una joven que se enfrenta al
desmoronamiento de su sueños por culpa de un ambiente (…), lo que le sirve de excusa
para la crítica. Sin rebozos ni composturas, la protagonista pasea su mirada por la vida de
la pequeña burguesía marginada de los primeros años de posguerra en Barcelona, una
ciudad que representa una de las sociedades más vigiladas por el franquismo, no solo
como antiguo baluarte republicano, sino por su nacionalismo autonomista. El título Nada
expresa, por vía simbólica, la aquedad de mundo y de sus personajes frustrados,
enajenados unos de los otros y, a veces, de sí mismos. De esta manera, Nada cabe dentro
de “tremendismo” o “realismo naturalista”, el término que designa la actitud
aparentemente obsesiva de no ofrecer de la realidad contemporánea sino el lado oscuro y
deprimente, lo que podía ser condicionado por la amarga experiencia vivida por autor
durante la guerra civil.

Camilo José Cela (1916-2002)

- Escritor español, escribió novelas, poesías, cuentos, artículos, obras de teatro. Obtuvo
varios premios: Premio Príncipe de Asturias (1987), Premio Nobel de literatura (1989) y
Premio Cervantes (1995).
- En 1942 publicó su primera novela La familia de Pascual Duarte con la que se inicia
realismo tremendista. En 1948 publicó Viaje a la Alcarria, en 1951 La Colmena.
- La Colmena es la primera novela que en 1951 enfrenta a la realidad de la sociedad
española de la inmediata posguerra. El autor quiere oponer a los escritores que disfrazan
la vida con las máscaras de la literatura y hacer testimonio de la vida de un agente en una
ciudad y un tiempo concretos. La Colmena trata de un grupo de más de 200 personajes de
varias clases sociales, varias actitudes ante la vida de varios modos de enfrentamiento a la
realidad. En Madrid del 1942 las viviendas se convierten en prostíbulos, el ocio en
aburrimiento, la infancia en tristeza.

Rafael Sánchez Ferlosio


22
- Escritor español, novelista, ensayista, gramático, lingüista.
- Pertenece a la generación de los años 50. Obtuvo el Premio Cervantes (2004) y Nacional
de las Letras (2009).
- Ha obtenido la fama mediante sus novelas El Jarama (1955), Industrias y andanzas de
Alfanhuí.
- El Jarama es considerada el punto culminante del objetivismo o, según algunos, del
neorrealismo como tendencia dentro del realismo social. En narrador cuenta en tercera
persona y se limita a dar cuenta de los hechos sin emitir juicios de valor. El autor dice
que su intención era ver lo que sucede allí. Su técnica narrativa es comparada con una
cámara cinematográfica y su dialogo con lo gravado con un magnetófono. La realidad
aparece ante los ojos de los lectores, y lector saca propias conclusiones de los diálogos y
de la conducta de los personajes literarios.
- El Jarama lleva el nombre del río donde ocurrió la batalla en la guerra civil cuando ganó
Franco, lo que llevó a la pérdida de Madrid.

Miguel Delibes (1920-2010)

- Su producción novelista se divide en varias épocas:


1) pertenecen sus tres primeras novelas: La sombra del ciprés es alargada (1948), Aún es
de día (1949), Mi idolatrado hijo Sisi (1953).
2) las restantes novelas El camino (1950), Diario de un cazador (1955), Diario de un
emigrante, La hoja roja (1959), Las ratas (1962), Cinco horas con Mario (1966),
Parábola de un naufrago (1969), etc.
- La primera época es característica por la obediencia a la narración, tradicional, la
tendencia al análisis retrospectivo, un argumento susceptible de ser contado, un
protagonista insolidario que defiende su individualidad.
- La segunda época es marcada por normas: simplicidad narrativa moderna, objetividad,
sentimiento de la solidaridad humana, predominio de los tipos, ambientes y situaciones
sobre la idea o el argumento.

23
- La narrativa de Delibes evolucionan con la seguridad y lentitud hacia un sentimiento
crítico de la injusticia social y en ella aflora la denuncia de determinados
comportamientos humanos.
- Su poética: “yo entiendo que novelar o fabular es narrar una anécdota, contar una
historia, para ello se maneja una serie de elementos, personajes, tiempo, construcción,
enfoque, estilo. A mi ver, todos estos elementos se pueden hacer todas las experiencias
que nos dé la gana, todos menos destruirlos, porque entonces destruiríamos la novela. El
margen de experimentación es inmenso pero tiene un límite – que se cuente algo.”
- Para él, el tema y el argumento deben tener prioridad en la novela. Cuanto menos llame la
atención la forma y más discreta sea su presencia, mejor, aunque sin olvidar que la
verdad se revela mediante la forma.
- Todas sus novelas giran en torno a estas componentes y desarrollan el conflicto de un ser
humano en un marco geográfico preciso. Su paisaje es Castilla, tanto la rural como
urbana.
- Delibes reclama el derecho a la ciudad y la necesidad de recuperar el campo. Habla de
justicia social en el uso de los espacios urbanos y de la necesidad de denunciar la
situación del pueblo castellano que está en un casi completo abandono.
- Novelas más recientes: El príncipe destronado (1973), La guerras de nuestros
antepasados (1975).
- Un amplio bloque de sus libros que recogen vivencias reales está dedicado a su pasión
por la caza y la pesca: El libro de la caza menor, Aventuras, venturas y desventuras de
un cazador a rabo, etc.
- Otro bloque contiene reportajes, crónicas viajeras, ensayos y recuerdos: La primavera en
Praga (1968), Un año de mi vida (1972).
- Naturaleza y Castilla se funden en la única realidad que plantea a lo largo y ancho de toda
su obra.
- Un libro ensayista Castilla, lo castellano y los castellanos compuesto por sus mejores
textos, para él no es un libro de ideas, sino un libro sobre hombres y cosas humildes que
nos habla de Castilla maltratada, pero que no ha enajenada aún su personalidad.

24
- La firmeza del mundo del novelista que quiere recrear determinados problemas e
incertidumbres de la España contemporánea se corrobora en su novela histórica, El hereje
(1998), precisamente por su aparición atípica al tratarse de una trama situada en el siglo
XVI. Dentro de ese mundo novelesco, se aísla un puñado de personas con fuertes
preocupaciones espirituales, atraídas por las doctrinas reformistas, seducidas por el
pensamiento de Erasmo y seguidoras clandestinas del luteranismo. El hereje es una
novela en la que están perfectamente ensamblados los grandes temas – la infancia de un
niño huérfano, la preocupación por los problemas de Castilla, la fidelidad del ser humano
a sus propias ideas, excelentes descripciones de paisajes, magnificas escenas de cazo – su
autor lo ha definido como una defensa de la libertad de conciencias.

- A lo señalado sobre la obra de Delibes debe añadirse otro rasgo común de su obra,
celebrado unánime por toda la critica y tenido por el rasgo capital de su estructura: su
tratamiento del lenguaje. Él recrea un castellano rico, exacto, muy sobrio, coloquial y
jugoso. La palabra en él no tiene un valor ornamental, sino que ella nombra el mundo. Se
trata de una palabra de limpieza y sencillez muy expresivas, contraria a la tendencia
barroquizante, que procede de una lengua enraizada en el depósito común popular.

- Ana María Matute (1925-) es una novelista española, miembro de la Real


Academia Española, donde ocupa el asiento “k” y la tercera mujer que recibe el Premio
Cervantes, obtenida en 2010. Matute es una de las voces más personales de la literatura
española del siglo XX y es considerada por muchos como una de las mejores novelistas
de la posguerra española.

- Ana María Matute trata muchos aspectos políticos, sociales y morales de España durante
el periodo de posguerra. Su prosa es muy frecuentemente lirica y practica. En sus novelas
incorpora técnicas literarias asociadas con la novela modernista o surrealista. Matute es
considerada “una escritora esencialmente realista”.

25
- “La enajenación, la hipocresía, la desmoralización y la malicia”, son características que
comúnmente son fáciles de encontrar en la ficción de sus obras. Una de sus
características más comunes es el uso de la trilogía: una obra literaria que está compuesta
por tres novelas o cuentos que tienen tanto características en común como diferentes.
Muchos críticos consideran que su mejor obra es la trilogía Los Mercaderes, la cual está
conformada por Primera memoria, Los soldados lloran de noche y La trampa. Sobre su
obra se dice “aunque los argumentos de cada una de sus novelas son independientes las
une el tema general de la Guerra Civil y el retrato de una de una sociedad dominada por
el materialismo y el interés propio”.

- Ana María Matute tenía 10 años cuando comenzó la guerra en 1936. La violencia, el
odio, la muerte, la miseria, la angustia y la extrema pobreza que siguieron a la guerra
marcaron hondamente a su persona y a su narrativa. La de Matute es la infancia robada
por el trauma de la guerra y las consecuencias psicológicas del conflicto y las posguerra
en la mentalidad de una niña, y una juventud marcada por la Guerra, se reflejan en sus
primeras obras. Características neorrealistas pueden ser observadas en obras como Los
Abel (1948), Fiesta al noroeste (1953), Pequeño teatro (1954), Los hijos muertos (1958)
o Los soldados lloran de noche (1964).

Savremeni španski roman


(roman perioda tranzicije i demokratije)

- Novembra 1975. Godine završen je jedan važan period španski istorije koji je započeo
1936., ali dugo očekivane promene nisu mogle biti izvršene preko noći: frankizam, koji je
za mnoge tokom čitavih decenija bio najbolji mogući režim, već dugo je pokazivao znake
propadanja. Posle dugotrajnog perioda ugnjetavanja i neslobode, nastupio je period
tranzicije i početka demokratije. Godina 1975. može se smatrati početkom potpuno

26
novog perioda u španskoj prozi. Književnost menja svoj dotadašnji karakter i u najvećoj
meri se prilagođava novonastalim promenama. U postfrankističkom periodu značajna je i
pojava velikog broja žena – pisaca, što je u vremenima koja su prethodila tranziciji bilo
nezamislivo.
- Javlja se detektivski roman kao odraz novog stanja duha ali i tržišta u Španiji. Ovakva
dela možemo podeliti na dve grupe: prvu grupu čine dela koja imaju apsolutni obrazac
detektivskog romana, a drugu – romani koji koriste tajanstvenost i neizvesnost kao
pripovedačko sredstvo, ali i zaplet i istraživački postupak kao osnovu priče. Značajni
predstavnici ove grupe su: Eduardo Mendosa, Manuel Vaskes Montalban, Huan
Madrid, Arturo Peres Reverte i drugi.
- Zanimljiva je i pojava istorijskog romana kao pokušaja da se prošlost shvati na pravi
način, bez ograničenja i cenzure. U okviru istorijkog romana javlja se i nekoliko dela u
kojima se evociraju davna vremena: mavarska Španija, stvaranje nacionalne države,
osvjanje Amerike i Zlatno doba... Pisci koji se ističu: Gonsalo Torente Baljester, Hesus
Fernandes Santos, Huan Eslava Galan, Antonio Munjos Molina, Hulio Ljamasares,
i drugi.
- Javlja se i neka vrsta metaromana. Sličan je istorijskom romanu jer su ambijenti uvek
prošla vremena i po pravilu uvek se u njima razmatra stvarlački proces pisaca. Umesto da
opisuje svet, ovi romani opisuju same sebe. Predstavnici su: Alvaro Pombo, Hesus
Ferero, Havijer Marijas, itd.
- Prisutan je i lirski roman, koji se bavi unutrašnjim manifestacijama i osečanjima,
frustracijama i svetom koji nam nije lako dostupan. Predstavnici su: Huan Hose Miljas,
Hulio Ljamasares...
- Možemo da izdvojimo još jednu vrstu romana, a to je eksperimentalni roman. Ova vrsta
romana je nastavak romana iz perioda Frankove vladavine, jer se način pripovedanja nije
drastično promenio u odnosu na dela iz perioda diktature. Predstavnici: Migel Espinosa,
Huan Benet...
- Opšte karakteristike španskog romana perioda tranzicije i demokratije:
 Savremeni roman teži ka korišćenju tradicionalnih pripovedačkih sredstava
 Osnovni cilj više nije istražvanje i eksperimentisanje već povratak zadovoljstvu
pripovedanja

27
 Političke i društvene intencije, kao i bilo koja vrsta didaktičnosti ili ideologije ne
nalaze mesto u savremenom romanu
 Ne postoji uzor među piscima iako postoje jasno vidljivi uticaji ranijih španskih
pripovedača
 Preovlađuju humoristički i ironični tonovi, kao i nostalgični i lirski elementi,
posebno u romanima u kojima je izražen lični stav
 Nestaju veliki i poznati likovi i na njihovo mesto dolaze likovi koji su marginalni,
opšti i emotivno nezreli.
- Roman tranzicije teži konciznosti i zatvorenoj strukturi. Tačka gledišta je uglavnom samo
jedna (prvo ili treće lice jednine, nekad i smenjivanje oba lica). Dijalog ponovo postaje
bitan i romani su uglavnom podeljeni na poglavlja. Roman je povezan sa televizijom i
drugim medijima. Sve je to uticalo da roman liči na telivizijski scenarijo.
- Afirmaciji romana u postfrankističkom periodu doprineo je i razvoj mnogih izdavačkih
kuća u Španiji, koje su, ili osnovane, ili već postojale, ali sada sa mnogo većim obimom
posla (Planeta, Crítica, Seix Barral, Cátedra...)
- Mnogobrojne književne nagrade doprinele su popularisanju knjiga (Premio Cervantes,
El Premio Nacional de Novela y Narrativa, Premio Nadal, Premio Planeta, Premio
de la Crítica).
- Sredinom osamdesetih godina dolazi do bitnog zaokreta u španskom romanu. Ta
drastična promena naziva se postmodernim realizmom. U njemu se ponovo teži mimezisu
ili podražavanju stvarnosti. Stvarnost koju predstavlja ovakva vrsta romana lako se može
uočiti od strane čitaoca. Pokretač mnogih dela ovog tipa je unutrašnje preispitivanje
nekog lika ili jedne istine koja leži u samom liku. Povratak realizmu je način da se
analizira savemena španska stvarnost iz jedne nove perspektive, prevazilazeći
istovremeno uske okvire estecizma, neprestane zahteve za novim oblicima i razdvojenost
umetnosti i života.
- Španski roman 90-tih godina teži prevazilaženju moralističkog i etičkg relativizma
prisutnog 80-tih godina. Promoviše se potreba da se preuzme odgovornost kako na
individualnom tako i na kolektivnom nivou.

28
- Eduardo Mendosa (1943-) savremeni je španski romanopisac, ali se bavi brojnim
žanrovima ukljućujući pozorište, ejese i kratke priče. Najpoznatiji je po svojim epsko-
istorijskim romanima, stilu koji je popularan od posleratnog perioda.
- Nekoliko meseci pre Frankove smrti 1975. Objavljen je njegov prvi roman Istina o
slučaju Savolta (La verdad sobre el caso Savolta). Roman se u potpunosto razlikovao od
celokupne dotadašnje španske produkcije, a predstavlja povratak klasičnom načinu
pripovedanja i afirmaciju detektivskog žanra. Čitaoci su u Mendosi prepoznali nešto što
ostali autori nisu posedovali: privlačnost i ljupkost ujedinjene u izuzetnom
pripovedačkom umeću.
- Mnogi kritičari ovaj roman smatraju polemičkim, društvenim ili detektivskim. Period koji
Mendosa opisuje u svom romanu je početak XX veka, odnosno godine 1917-1919, koje
su birne burne u Kataloniji. Barselona je česta tema mnogih njegovih romana, a u ovom
romanu grad postaje i glavni junak.
- Mendosa objavljuje 1979.roman El misterio de la cripta embrujada i 1982. El laberinto
de las aceitunas, gde se ističe kao veliki majstor parodiranja i mešanja žanrova i
postupaka (gotska priča, krimi roman, crni humor, pikareska, ironija). El misterio de la
cripta embrujada poredstavlja početak tetralogije u kojoj glavnu ulogu ima jedna
nesvakidašnja osoba, detektiv koga je nepoznati čovek zatvorio u ludnicu. El laberinto de
las aceitunas, drugi roman sa istim bezimenim detektivom zahvaljujući kom je proglašen
autorom najprodavanijeg bestselera.
- Mendosa se 1983. vratio u Barselonu nakon posete Đenovi, Beču i drugim gradovima, ali
i dalje je zarađivao za život baveći se simultanim prevođenjem u međunarodnim
organizacijama. U Barseloni je 1986.objavio roman La cuidad de los prodigios koji
prikazuje društveni i urbani razvoj Berselone između de svetske izložbe 1888.i 1929.
Književni kritičari smaraju da je La ciudad de los prodigios remek-delo, a za istoimeni
roman 1999.snimljen je i film.
- Njegov sledeći roman La isla inaudita je obljavljen 1989.i izlazi iz okvira uobičajne
naracije Mendosinih roman, koristeći grad Veneciju za osnovno mesto zbivanja.
- Ovaj pisac je 1992.obajvio roman El año del diluvio, a 1995.počeo je da predaje na
Univerzitetu Popmpeu Fabra u Barseloni. Kombinujući posao profesora i književni rad,
1996.objavljuje roman Una comedia ligera, čija je radnja smeštena u posleratnoj

29
Barseloni. Roman La aventura del tocador de señoras, objavljen u januaru 2001.,
predstavlja treći tom avantura anonimnog detektiva koji je izbačen iz ludnice u kojoj je
boravio prerušen u frizera.
- U oktobru 2010., krijući se iza pseudonima Rikardo Medina, osvojio je 59.nagradu
Planeta za delo Riña de gatos, Madrid 1936. Osnova pobedniñkog romana je dolazak
mladog Engleza, poznavaoca španskog slikarstva, u Španiju, na proleće 1936., pozvanog
da proceni nepoznatu sliku Velaskesa.
- Romanom El enredo de la bolsa y la vida, 2012., Mendosa je vratiou život anonimnog
detektiva u satiri smeštenoj u sadašnjoj Barseloni.

- Alvaro Pombo Garsija de los Rios (1939-) španski je romanopisac, pesnik i


političar. Ima više od 25 objavljenih dela i smatra se jednim od najzančajnijih savremenih
španskih pisaca. Njegova dela su prevedena na engleski, francuski, grčki, portugalski i
srpski jezik.
- Zbirka poezije: Protocolos (1973), Variaciones (1978), Hacia una constitución poética
del año en curso (1981), Protocolos para la rehabilitación del firmamento (1992);
- Pripovetke: Relatos sobre la falta de sustancia (1977), Cuentos reciclados (1997);
- Romani: El parecido (1979), El héroe de las mansaradas de Mansard (1983), El metro
del platino iridiado (1990), Aparición del eterno femenino contada por S.M.el Rey
(1993), Telepena de Cecilia Villalobo (1995), Donde las mujeres (1996), La cuadratura
del círculo (1999).
- Alvaro Pombo jedan je od retkih savremenih pisaca koji ima osmišljenu poetiku.
Originalni su njegovi stavovi o verodostojnosti, istoriji, fikciji, poeziji... Smatra da ima
nekoliko vrsta istine. Postoji naučna i poetska istina, narativna i filozofska istina. U
narativnim fiktivnim delima postoje posebni kriterijumi istinitosti – neistinitosti kao i
verodostojnosti-neverodostojnosti. Fikcija ima svoju sopstvenu istinu. Razlikuje se i
istina u romanu od istine u poetskoj tvorevini. Termini istinitost i fikcija nisu
suprotstavljeni. Pojam istorijski roman potpuno je neodrživ. Dela mogu biti ili istorije ili
romani. Kada se fikcija pojavi u istorijskim delima, ona postaje fikcija. Pombo u više
navrata ističe da više voli da piše romane jer je roman sveobuhvatni žanr koji u sebi
sadrži i poeziju.

30
- Pombova poetika sadržana je i u jednoj njegovoj izjavi: “Iqual que el verde verdea, la
verdad verdadea.“

- Havijer Marijas (1951-) jedan je od najistaknutijih savremene španske proze. Bavi


se prevođenjem i piše kolumne. Romani: Los dominios del lobo (1971), Travesía del
horizonte (1972), El monarca del tiempo (1979), El siglo (1983), El hombre sentimental
(1986), Todas las almas (1989), Corazón tan blanco (1992), Mañana en la batalla piensa
en mí (1994), Negra espalda del tiempo (1998), Desde que te vi (1999).
- Diplomirao je filozofiju književnosti na Madridskom univerzitetu, a specijalizovao
englesku filologiju. Najviše priznanja dobio je za roman Sutra u boju misli na mene.
Preveo je mnoge engleske klasike za šta je bio i nagrađen. Predavao je u Engleskoj
(Oksford), Španiji (Univerzitet Kompultense, Madrid) i na mnogim univerzitetima u
Americi. Njegova dela prevedena su na 22 jezika. Godine 1994.odbio je mesto člana
Španske kraljevske akademije.
- Marijas pod terminom „roman“ podrazumeva jednu diskurzivnu konstrukciju, koja pored
komunikacijske uloge, ima i zadatak da pronikne u život čitaoca, i to na taj način da
podstakne sećanje, sećanje na nešto što se nije desilo, ili na nešto moguće što zauzima ne-
književne prostore i pretvara ih u tekst. Dakle, teskt zauzima prostor u realnom svetu, a
čitalac je subjekat-lik. Kod Marijasa svet napušta svoju istorijsku, biografsku ili
anegdotsku linearnost i umnožava se u skladu sa onim što je moglo biti. Na taj način, kao
što tekst može da se analizira na mnogo načina, sam tekst objašnjava svet kao
konkretizaciju jedne od njegovih varijanata.
- Marijasov roman Sutra u boju misli na mene (Mañana en la batalla piensa en mí) iz
1994.predstavlja kontinuirano putovanje, ne samo mentalno već i fizičko. Pisac se u
ovom romanu bavi ljudima koji nikada ne preuzimaju odgovornost za svoje postupke,
već nalaze nekog drugog na koga će svaliti krivicu za svoja dela, kao i za sopstvenu
neodlučnost. Ovde je prisutan pripovedač u prvom licu koji govori o događaju koji je
destabilizovao njegov život: za vreme večernjeg izlaska partnerka mu umire na rukama.
Pripovedač-protagonista u vrtlogu nesposobnosti da prihvati ovaj događaj, prati i
udovoljava svojoj neverovatnoj potrebi da se približi porodici preminule Marte Teljes.
Ovaj roman je mnogo više od predstavljanja procesa psihološke transformacije jedne

31
ličnosti. Narativni svet protagoniste-pripovedača Viktora Fransesa odražava savremeno
špansko društvo, u kojem su se ljudski odnosi pretvorili u nešto trivijalno i prepuno
nezrelih osoba koje nisu gotovo nikada svesne svoje nezrelosti.

32

Vous aimerez peut-être aussi