Universidad Simón Bolívar. Maestría en Música. Repertorio Sinfónico II. Prof.

Luis Ernesto Gómez

Steve Reich (n. 1936)

Compositor norteamericano nacido el 3 de Octubre de 1936 en New York.

Biografía

Nacido el 3 de octubre de 1936 en Nueva York, Steve Reich comparte su infancia entre
Nueva York y California. Estudió piano y luego se dedicó a la percusión después de
escuchar al baterista Kenny Clarke acompañar a Miles Davis. Ingresó en la Universidad de
Cornell en 1953 y se graduó en filosofía en 1957. Reich también profundizó su
conocimiento de la historia de la música (de Bach al siglo XX) asistiendo a las clases de
William Austin. Al regresar a Nueva York, estudió composición con el jazzman Hall
Overton, luego con William Bergsma y Vincent Persichetti en la Juilliard School (1958-
1961) donde conoció a Philip Glass. Regresó a California al Mills College, donde estudió
composición con Darius Milhaud y Luciano Berio, rechaza el serialismo pero se sumergió
en el jazz modal de Coltrane, y obtiene, en 1963, su Master of Art. En 1964, participó en el
estreno de la pieza repetitiva In C de Terry Riley, que influyó mucho en su enfoque de la
música repetitiva.

Asistió al San Francisco Tape Music Center y compuso sus primeros trabajos para cintas
magnéticas, incluyendo It's Gonna Rain (1965), basado en el principio del cambio de fase
gradual que luego se adaptará a las piezas instrumentales. De vuelta en Nueva York en
1966, fundó su propio conjunto, Steve Reich and Musicians, que será un éxito mundial.
Descubrió la música de Indonesia a través de la Música en Bali de Colin McPhee. Reich
luego visitó a los artistas visuales de su generación, como Sol LeWitt y Robert Smithson, y
actuó en Park Place Gallery en 1966 y 1967. Luego tocó en la rama musical del arte
minimalista, incluida la icónica pieza Pendulum Music, a medio camino entre la escultura y
el espectáculo sonoro, será creado en 1968 por él y el pintor William Wylie. En 1969,
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Steve Reich y Philip Glass trabajaron durante un tiempo con Moondog1, a quien
proclamaron "fundador del minimalismo". En el verano de 1970, Reich estudió la
percusión africana en el Instituto de Estudios Africanos de la Universidad de Ghana en
Accra. Enriquecido por esta experiencia, compuso Drumming (1971-1972), para varias
percusiones y voces, la última etapa de refinamiento de la técnica de desplazamiento de
fase y la primera aparición de la sustitución de ritmos por silencios.

Entre 1970 y 1973, trabajó estrechamente con la bailarina y coreógrafa Laura Dean. En
1973 y 1974, trabajó con los gamelanes balineses Semar Pegulingan y Gambang en la
Sociedad Americana de Artes del Este en Seattle y Berkeley, California. Six Pianos (1973) y
Music for Eighteen Musicians (1976) datan de este período. En 1974, conoció a su futura
esposa Beryl Korot, gracias a quien redescubrió el judaísmo y aprendió hebreo. De 1976 a
1977, estudió en Nueva York y Jerusalén las formas tradicionales de cantilación de textos
sagrados en los que el hebreo Tehillim (1981) hará eco. El trabajo, compuesto a partir de
salmos bíblicos, al igual que Desert Music (1984) basada en escritos de William Carlos
Williams, testimonia un nuevo deseo de Reich de trabajar en textos. A fines de los años
ochenta, Reich vuelve a utilizar cintas magnéticas, especialmente en Different Trains, para
cuarteto y banda, evocación de viajes en tren entre su infancia entre Nueva York y Los
Ángeles y "otros trenes" rodando en Europa a los campos de la muerte. El nuevo modo de
composición utiliza la letra de los textos grabados para generar el material instrumental.

Su música se ha ido alejando gradualmente del minimalismo. City Life (1995), para
instrumentos y samplers, marca una evolución en el uso tecnológico: dos teclados tocan
fragmentos vivos de palabras y sonidos urbanos muestreados. Su inclinación por la música
antigua (Perotin) le inspira Proverb (1995). Con The Cave (1989-1993), diseñado en torno a
Abraham, padre de las tres religiones monoteístas, y compuesta por un conjunto
instrumental que acompaña a la proyección de un video realizado por Beryl Korot, Reich

1
Louis Thomas Hardin, más conocido como Moondog (1916-1999), fue un músico estadounidense,
compositor, poeta e inventor de varios instrumentos musicales. Estuvo ciego desde los 16 años. Desde
finales de los años 40 hasta 1972, año en el que dejó la ciudad, podía ser encontrado en la Sexta Avenida de
Nueva York vistiendo túnica y yelmo de estilo vikingo, a veces tocando o vendiendo música, pero la mayor
parte del tiempo de pie, en silencio. Era ampliamente conocido como "El Vikingo de la Sexta Avenida" por
miles de viajantes y residentes, que no eran conscientes de su carrera musical. Moondog decidió apartarse
de la sociedad, viviendo voluntariamente en las calles de Nueva York durante veinte de los treinta años que
pasó en la ciudad. Vestía exclusivamente ropa que confeccionaba él mismo basándose en su propia
interpretación del dios nórdico Odín, por lo que fue conocido durante años como «el vikingo de la Sexta
Avenida». Se convirtió en uno de los más célebres músicos callejeros. Sin embargo, su música no fue
apreciada por el público hasta los últimos años de su vida. Falleció en la ciudad de Münster, Alemania, a los
83 años.
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estrena la creación multimedia. En 1994, se convirtió en miembro de la Academia

Estadounidense de las Artes. De 1998 a 2002, compuso Three Tales, ópera de vídeo sobre
el tema de la dominación tecnológica del siglo XX a través de tres episodios: el choque
Zeppelin en 1937 (Hindenburg), las pruebas nucleares de Estados Unidos en el Pacífico
1946-1952 (Bikini) y la oveja clonada concebida en 1997 (Dolly). En 2006, recibió el
Praemium Imperiale (Japón), el Premio de Música Polar 2007 (Suecia), en 2009 el Premio
Pulitzer de Música por Doble sexteto, y en 2012 la medalla de oro en la Música de la
Academia Americana de artes y letras. (© Ircam-Centre Pompidou, 2017)

Fuentes:
• Paul GRIFFITHS, « Steve Reich » (en anglais), dans Grove Music Online, ed. L Macy,
http://www.grovemusic.com (lien vérifié en mars 2010).
• Steve REICH, Écrits et entretiens sur la musique, textes préfacés et traduits par
Bérénice Reynaud [Writings about Music, 1974], Paris, Christian Bourgois, coll.
«Musique/Passé/Présent », 1981.

Palabras sobre la obra de Steve Reich

Los primeros ensayos de composición del estadounidense Steve Reich (nacido en 1936),
de los que apenas hay rastros, datan de finales de los años cincuenta. Acaba de dejar de
estudiar filosofía en Harvard para unirse a la Juilliard School (1958-1961). Su cultura
musical aún está incompleta; sus gustos eclécticos. Pero a principios de los años sesenta,
realizó descubrimientos musicales esenciales. Comenzó a estudiar música africana en
1962 al leer A. M. Jones, Studies In African Music y, un poco más tarde, con música
indonesia de The Music in Bali de Colin McPhee.

El trabajo de Bartók, y especialmente los últimos cuartetos, será una gran experiencia en
el desarrollo de su conocimiento de la música modal y la escritura canónica. La música
antigua, el órganum de Perotin en particular, pero también las obras de Bach, abren
nuevas perspectivas contrapuntísticas. Reich también encontró en la música de Stravinsky,
que había descubierto La Consagración de la Primavera en la adolescencia, el eco de sus
propias preocupaciones: la búsqueda de un material melódico-rítmico que opera por la
repetición en un lenguaje tonal/modal.

El gusto por la música popular y el jazz también surge naturalmente con su interés en la
música "erudita" del siglo XX. Reich toma una mirada crítica a la jerarquía del mundo
musical, considerando que es Schönberg quien es responsable del divorcio entre el
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popular y el académico. Un hecho esencial que siempre seguirá siendo fundamental en su

actividad creativa, su vida musical está enraizada en la práctica. Él toca en los clubes de
jazz del centro de Nueva York y está muy influenciado por Coltrane. La estabilidad del
ritmo será, como en el jazz, la columna vertebral de su música, al igual que su
tono/modalidad será la sustancia. Al igual que el jazz, también será una música cuya
necesidad de ejecución precede a la etapa de la fijación escrita. Reich, sin embargo, se
alejará del jazz en 1965 después de asistir a un concierto de Coltrane en el estilo atonal
que él refuta.

Ya en 1958, Reich tenía poca afinidad con el trabajo de John Cage, dudando tanto del
interés del indeterminismo como de la acción liberadora de los músicos a los que esta
música pretende llegar. La visita a California (1961-63), donde Reich fue a continuar sus
estudios en Mills College, muestra a un compositor todavía en busca de su camino. Con
Luciano Berio, estudia allí no solo la música del maestro sino también la de Webern,
Boulez o Maderna. Reich prestó especial atención al sentido de economía de la escuela
vienesa, su inclinación a la escritura canónica y su tendencia a repetir ciertas alturas, un
aspecto que no se perdió en los demás miembros de la corriente minimalista. Con Berio,
estudió Structures pour deux pianos de Boulez, compositor que, aunque diametralmente
alejado de su estética, siempre interesado, probablemente debido a su rigor compositivo
en el que se reconoce. De hecho, Reich ya había probado la música serial con Music for
String Orchestra (1961), una obra que sometía una serie de intervalos de segundas y
terceras a un proceso constante de repetición de la misma forma.

Un enfoque único que se puede describir como pre-minimalista, Four Pieces - compuesta
en 1963 como parte del examen-, muestra un lenguaje híbrido tratando de conciliar
elementos de jazz con este enfoque repetitivo de la serie; según el autor, algo "entre
Reich, Bill Evans y Schönberg Opus 11". El trabajo se hará una sola vez con el compositor al
piano que, por su participación, manifiesta su aspiración a la fusión del compositor y el
intérprete. Esta actitud atestigua el deseo de Reich de abordar en este momento la
creación a través de la improvisación colectiva dentro del grupo que ha establecido para
este propósito. Sin embargo, los decepcionantes resultados lo llevarán rápidamente a
considerar la posibilidad de componer de antemano un material que pueda desarrollarse
durante la ejecución. Reich luego hizo una reunión crucial: la de Terry Riley con quien
participó en el estreno de In C, en 1964, y por la que abogó además de agregar un latido
del corazón. Esta sala abierta, con 53 figuras que pueden ser tocadas por cualquier
número de músicos, es un enfoque radicalmente nuevo para la composición que resuena
profundamente con Reich hasta el punto que intenta componer en este estilo. El
minimalismo de La Monte Young, Riley y Glass sedujo Reich porque aparece como una
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alternativa tanto a la discontinuidad y la falta de armonía de la música serial de los años

sesenta como al indeterminismo de Cage. También es una respuesta al neoclasicismo y al
neorromanticismo que él desaprueba.

La música de Reich también hizo un gran avance cuando asistió al San Francisco Tape
Music Center y adoptó la cinta. A diferencia de la vanguardia, que usa sonidos
principalmente sintéticos, Reich prefiere los sonidos naturales de la música concreta que
descubrió a través de piezas de Pierre Schaeffer o Pierre Henry. Está especialmente
interesado en el trabajo sobre el material vocal hecho por Berio en Thema: Omaggio a
Joyce (1958), un trabajo que sin duda le ha abierto horizontes para que explore la voz
hablada. Después de hacer ensayos registra a continuación en bucle superponer estos
bucles sí mismos, según el modelo de esas obras para banda de Riley, Reich inaugurado
con It´s Gonna Rain (1965), una nueva técnica sobre la cual puede realizar sus
composiciones hasta 1971, el del cambio de fase progresivo. Esta pieza, que utiliza la
grabación de un sermón sobre el diluvio hecho por un predicador negro joven cuya
declamación musical, a medio camino entre la cantada y hablada, había seducido a Reich,
basado en una idea muy simple. Dos grabadoras perfectamente sincronizadas tocan
continuamente el mismo fragmento de predicación al unísono. Después de un tiempo,
Reich ralentiza muy gradualmente uno de los dos bucles presionando un carrete con su
pulgar, creando una desincronización. El cambio de fase genera nuevos elementos
rítmicos, melódicos y de timbre "resultantes" que enriquecen considerablemente la
audición. La liberación del pulgar puede cancelar gradualmente el efecto canon y volver a
la situación inicial.

De regreso en Nueva York, Reich perfeccionó el proceso al componer otra pieza de voz
grabada, Come out (1966), basada en una sola frase extraída del testimonio de un joven
negro golpeado por la policía durante violentos disturbios en Harlem en 1964. Sin
embargo, Reich sentirá rápidamente la necesidad de abandonar el campo restringido de la
música para la cinta en solitario y se aplicará el principio de la eliminación gradual de
cambio/fase de la música instrumental en la Reed Phase, para saxofón y cinta (1966),
Piano Phase (1967), para dos pianos, Violin Phase, para 4 violines o violín y cinta
magnética (1967). En Piano Phase, la primera pieza instrumental de este período, una
melodía de 12 notas se basa en solo 5 alturas modales que se tocan en corcheas. El
cambio de fase se produce por aceleración muy gradual de uno de los dos pianistas,
mientras que el otro mantiene estrictamente el tempo. Esta evolución hacia el dominio
instrumental corresponde con la fundación en 1966 de su propio conjunto, Reich and
Musicians, con el que Reich interpretará su propia música. Four Organs (1970) atestigua el
deseo de Reich de explorar la técnica de cambio de fase de una manera no unidireccional.
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Un único acorde de undécima dominante es repetido, muy gradualmente, una serie de sus
notas son alargadas de modo que la pieza se está convirtiendo poco a poco en una
melodía que da la impresión de un crecimiento lento a pesar del constante apoyo de una
pulsación mantenida por maracas. Para Reich, que luego se distancia de los dispositivos
electrónicos cuya perfección de interpretación es rígida y no musical, "en el caso de
cualquier música que depende de una pulsación constante (...) estas son en realidad las
pequeñas variaciones infligidas en esta pulsación de seres humanos tocando instrumentos
y cantando, lo que da vida a la música" 2

Reich luego aclara este pensamiento en varios artículos y en particular en "La música
como un proceso gradual" escrito en 1968. Defiende la idea fundamental de un proceso
perfectamente audible que tiene lugar durante un largo período de tiempo y que, una vez
instalado y cargado, funciona por sí mismo en la forma de un reloj de arena que volvemos
y cuya arena observamos. Pendulum Music, a medio camino entre la escultura sonora y la
interpretación, fue creada en 1968 con el pintor William Wylie, se representa durante este
período durante el cual Reich está más interesado en el trabajo de artistas visuales de su
generación, tales como Rauschenberg, Sol LeWitt y Robert Smithson, en vez de por
compositores. Pendulum Music ilustra este pensamiento de una manera bastante singular
y minimalista. Los micrófonos colocados lateralmente o arriba de los altavoces realizan un
movimiento de péndulo y reproducen una serie de retroalimentaciones en forma de
pulsaciones. La pieza finaliza por sí misma cuando se detiene el columpio de todos los
micrófonos 3.

Aunque también se basa en el principio de la repetición, el pensamiento musical de Reich

se alejará del minimalista que no comparte, entre otros, la falta de conceptos sólidos. Los
que gobiernan la música instrumental de Reich se caracterizan así por un material
melódico tonal/modal limitado a unas pocas notas tocadas en un ritmo simple basado en
una pulsación constante, un ciclo de desplazamiento de fase de este material con respecto
a sí mismo, una predilección por los sonidos de percusión y el uso de los mismos timbres.

2
Steve REICH, « Une fin pour l’électronique », II. Four Organs, dans Écrits et entretiens sur la musique,
textes préfacés et traduits par Bérénice Reynaud [Writings about Music, 1974], Paris, Christian Bourgois,
coll. « Musique/Passé/Présent », 1981, p. 69.
3
Recomiendo ver el video: https://www.youtube.com/watch?v=fU6qDeJPT-w Los sonidos son producidos
por el feedback que produce la corneta cuando el micrófono pasa cerca de ella, y varían según la amplitud
de los péndulos de los micrófonos.. Al final queda un sonido continuado, producido cuando los péndulos
quedan estáticos al finalizar la obra.
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Reich alimenta su reflejo en una perspectiva geográficamente amplia. Para él, "es la
música no occidental en general y en particular la música africana, de indonesia y de India
la que proporcionará nuevos modelos estructurales para los músicos occidentales. Pero
no serán nuevos modelos de sonido" 4

Convencido de la necesidad de aprender a tocar esta música, estudió percusión africana

en Ghana durante el verano de 1971. La experiencia africana confirma la intuición de que
los instrumentos acústicos pueden utilizarse para producir sonoridades musicales
genuinamente más ricas que la de los instrumentos electrónicos, al igual que confirma su
inclinación natural para los instrumentos de percusión. Reich compuso Drumming (1971),
para percusión, 2 voces femeninas, silbatos y piccolo. Aunque obras, como Phase Patterns
para 4 órganos eléctricos (1970), son una extensión del principio de composición de Piano
Phase por su riqueza del patrón resultante de los cambios de fase que se añaden por la
técnica de hoquet 5 y sustitución por silencios pulsaciones, el trabajo también innova con
un nuevo enfoque en el timbre. Esto es especialmente evidente en la cuarta y última
parte, donde todos los recursos instrumentales, hasta ahora divididos por la familia, se
unen. La sencillez de los medios de producción de sonido de la música africana, tales
como aplausos, probablemente inspiró la composición de dos partes rítmicas: Clapping
Music (1972), para dos intérpretes, que también recuerda el flamenco y Music for Pieces
of Wood (1973), para 5 pares de claves.

En 1973-74, Reich trabajó en la técnica de los gamelans balineses en la Universidad Estatal

de Washington en Seattle. La influencia balinesa ya se nota en los trémulos sonidos de los
glockenspiels y las marimbas de Music for Mallet Instruments, Voices and Organ (1973). La
Music for 18 musicians (1974-76), construida sobre un ciclo de once acordes, da
testimonio de una evolución del lenguaje hacia una mayor consideración de la armonía. La
música de Reich está ganando complejidad gradualmente. Un creciente interés en grandes
números culmina con Music for a Large Ensemble (1978), mientras que Variations for
Winds, Strings y Keyboards (1979) revela líneas melódicas más largas. El principio de
variación será recurrente en la década de 2000 con You Are (2004) para ensamble
amplificado y voz, Variations for Vibes, piano and strings (2005) y Daniel Variations (2006),

4
Steve Reich : « Quelques prédictions optimistes sur l’avenir de la musique » dans Écrits et entretiens sur la
musique, p. 73.
5
En música, hocket es la técnica lineal rítmica que utiliza la alternancia de notas, tonos o acordes. En la
práctica medieval del hocket, una sola melodía se comparte entre dos (u ocasionalmente más) voces de tal
manera que alternativamente una voz suena mientras la otra descansa. (Wikipedia)
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in memoriam Daniel Pearl, periodista Judío americano secuestrado y asesinado en

Pakistán en enero de 2002.

Después de regresar al judaísmo en 1974, Reich estudió las formas tradicionales de la

entonación de las escrituras hebreas (1976-1977) y compone Tehilim (1981) para voz y
conjunto, basado en salmos bíblicos. El regreso a la música vocal continúa con The Desert
Music (1984), para coro amplificado y orquesta sobre un texto de William Carlos Williams.
En 1988, con Different Trains para cuarteto de cuerda y cinta, hace una evocación de ida y
vuelta en los trenes de su infancia entre Nueva York y Los Angeles y "otros" los trenes que
viajan en Europa a los campos de exterminio. Explora allí un nuevo modo de composición
que usa la letra de los textos grabados para generar el material instrumental. City Life
(1995), para instrumentos y samplers, marca una evolución en el uso tecnológico: dos
teclados tocan fragmentos vivos de palabras y sonidos urbanos muestreados. Su
inclinación por la música Pérotin inspira Proverb en 1995. Con The Cave (1989-1993),
diseñado en torno a Abraham, padre de las tres religiones, y compuesta por un conjunto
instrumental que acompaña a la proyección de un video realizado por su esposa Beryl
Korot, Reich se embarca en la creación multimedia. Se continúa haciéndolo con sus Three
Tales, ópera-audiovisual (2002) que trata de la dominación tecnológica del siglo XX a
través de tres episodios: el choque Zeppelin en 1937 (Hindenburg), las pruebas nucleares
de Estados Unidos en el Pacífico 1946-1952 (Bikini) y la oveja clonada concebida en 1997
(Dolly).

La música de Steve Reich goza de un raro privilegio: la de poder llegar a un gran público
más allá del limitado círculo de amantes de la música contemporánea sin ceder nunca.
Anclado en las preocupaciones sociopolíticas, filosóficas, espirituales y artísticas de su
tiempo, el pensamiento musical reichiano fue elaborado, rigurosamente, por reajustes
sucesivos, cuestionamiento de los modelos, por una nueva interrogación del presente y el
pasado, del aquí y en otros lugares, desde lo popular y lo aprendido, dando toda su
coherencia, su estilo, a un discurso musical regenerado tonal y pulsado.

(Max Noubel, Ircam-Centre Pompidou, 2008).

Fuentes: http://brahms.ircam.fr/steve-reich
http://brahms.ircam.fr/steve-reich#parcours