LA HISTORIA DE LA MÚSICA, SU ESTUDIO Y SU IMPORTANCIA.

La historia de la música es tanto el estudio de la evolución que la música ha sufrido a lo largo de los tiempos, como -
también- el conjunto de procesos que esta evolución ha comportado. Por un lado es una disciplina de estudio que se inserta
dentro de la musicología histórica y, por otro, es el resultado de los datos e interpretaciones hechas por los musicólogos y
otros investigadores.
A su vez, el estudio de cómo este estudio de la historia de la música ha ido evolucionando a lo largo del tiempo se conoce
como historiografía de la música.

La historia de la música como disciplina

Como disciplina, teóricamente, la historia de la música hubiera podido ser considerada como una parte de la historia
del arte, pero ésta, en la mayoría de casos, se ha circunscrito a las artes plásticas ; por otra parte, el mismo material a
historizar es suficientemente diverso para que sus caminos sean muy diversos.
En un sentido amplio, la historia de la música se puede referir, y de hecho se refiere, en cualquier aspecto o elemento que
forme parte de los fenómenos musicales en una cultura o sociedad. Para ello estudia la composición de obras, la
interpretación, la recepción, la transmisión, la teorización y la crítica (o en general, la opinión), como elementos destacados.

Como concreciones de algunos de estos aspectos, estudia la evolución de los instrumentos , de las agrupaciones y de las
tradiciones interpretativas, así como las formas de enseñanza y de aprendizaje.
Dado que la historia de la música entiende la música como parte de un sistema cultural, requiere, igualmente, el estudio
de todos aquellos otros elementos -algunos de ellos no específicamente musicales- que permiten insertar cada música en
su contexto geográfico , histórico y cultural .
En este sentido son importantes los estudios biográficos que permiten, a menudo, no sólo contextualizar y dotar de
significado producciones musicales concretas.

Exclusiones
Desde sus inicios -que se sitúa habitualmente en el siglo XVIII -, el estudio de la evolución de la música se ha referido casi
exclusivamente a la música clásica europea. De esta manera, tradicionalmente, la historización de, por ejemplo, la música
hindú ha considerado que correspondía más bien a la etnomusicología, y que la historia del rock formaba parte del campo
de acción de los estudios culturales.
Estas han sido algunas limitaciones importantes de la historia de la música pero no las únicas. Una parte no pequeña de los
historiadores de la música clásica europea, han actuado con unos objetivos, una metodología y unos posicionamientos
apriorísticos limitados.
Lejos de aplicar un concepto de música amplio, que englobara todos los procesos humanos que hacen posible la existencia
de la música, a menudo se han centrado en la evolución de la composición, y han hecho una historia de la composición y de
los compositores líderes.
De resultas de ello, muchas veces la historia de la música ha acabado siendo una historia de los estilos compositivos con
una atención preferente a la evolución de las formas musicales y de las técnicas compositivas, contextualizada socialmente
en los mejores de los casos.
El siglo XIX, y en concreto el Romanticismo , con su mirada hacia el pasado, dio un impulso muy notable en esta historia de
la música nacida el siglo anterior en el contexto de la Ilustración. El Romanticismo (y más tarde el positivismo ) impulsó
estudios históricos musicales mediatizados por el concepto del genio , y en concreto del genio creador, compositor.
El principal centro de interés eran las obras que el análisis musical de la época -aplicando la ideología de la obra de arte
autónoma- consideraba obras maestras ‘del pasado, y, por extensión, las biografías de sus autores.
Por ello, a lo largo de buena parte del siglo XIX y del siglo XX , la historia de la música (clásica europea) ha sido, mucho,
una historia de la composición, con una dedicación menor no sólo a otros fenómenos sino también a las implicaciones
sociales y culturales completas y reales de estos procesos compositivos.
También por eso, a menudo, esta disciplina se ha sentido más atraída por el estudio de fenómenos minoritarios que
implicaban músicas que la teoría musical y el análisis musical consideraban ‘de calidad’, que por el estudio de otros
fenómenos con más relevancia social, pero referidos a unos productos musicales que no disfrutaran de este prestigio.
Esto explica que la historia de la música del siglo XX ‘pase mucho más a menudo por Arnold Schönberg o Ígor
Stravinski, por poner algunos ejemplos, que por el pop y el rock. Si bien a lo largo del siglo XX hay ejemplos de estudios de
historia de la música hechos con una visión amplia, sí es cierto que la simbiosis de disciplinas como la etnomusicología y
los estudios culturales con la musicología histórica ha hecho que una parte significativa de los estudios de historia de la
música de las últimas décadas se llevaran a cabo con un alcance mucho más amplio, y que se plantearan más estudios de
historia de la música popular.
Susan McClary señaló que a menudo ha parecido como si los posicionamientos posmodernos y críticos que han
impregnado otras disciplinas de las ciencias sociales no lograran hacer lo mismo en la historia de la música y que los
avances metodológicos menudo se generalizaban cuando en otras ciencias sociales ya resultaban sobrepasados por otros
posicionamientos aún más actualizados. Y esto es una consecuencia más de la ideología de la obra de arte autónoma.

Métodos
Los métodos y las herramientas de la historia de la música son casi tan diversos como sus temas de estudio. Incluyen el
estudio de fuentes documentales originales, y la aplicación de metodologías diversas para evaluarlas, interpretarlas y
extraer conclusiones.

Las fuentes documentales son de índole muy diversa, tanto a su contenido como a los soportes.
En cuanto al soporte, se trata sobre todo de documentación escrita (sobre papel, pergamino u otros soportes), pero también
retablos u otros lugares donde se puedan encontrar representaciones iconográficas que aporten información sobre
instrumentos (como son, como se tocan, como se combinan .. .), sobre situaciones de interpretación musical, etc. sin olvidar
a los soportes sonoros y videográficos (CD, DVD, …) cuando se trata de la historia de música bien reciente.
Paralelamente, la musicología histórica ha tenido que preocuparse de que los archivos donde se guardan estas fuentes
fueran localizables y consultables.
En cuanto al tipo de información que contienen estas fuentes, es también muy diversa: partituras (sean manuscritas por el
mismo compositor o primeras ediciones, en las que, a menudo, hay que aplicar conocimientos de paleografía musical);
representaciones de instrumentos y / o de interpretaciones; documentación privada (diarios, crónicas, cartas …); normativa;
biografías; documentación económica diversa (contratos, compraventas …); testamentos; prensa (programas, críticas, …);
tratados teóricos o didácticos, etc.

El historiador de la música aplica a estas fuentes metodologías diversas de análisis, algunas más propias de la misma
historia , como por ejemplo cuando trabaja con contratos o testamentos, o más específicas de la música como por ejemplo
las del análisis musical cuando trabaja con una partitura o debe poder descifrar hasta qué punto es verosímil una
representación iconográfica.
De esta manera los especialistas de la historia de la música elaboran monografías que pueden versar sobre aspectos muy
muy diversos.
He aquí algunos ejemplos:
historia de una institución o de un grupo musical; la música en un centro cultural (una corte, un monasterio, una ciudad …)
en un período; evolución de la música para un instrumento, o para un grupo de instrumentos, o para una agrupación (la
orquesta …); la práctica interpretativa en un periodo y lugar concretos:
formas de interpretar (instrumentos, articulación, ornamentación , tempos ), funciones, significados, circunstancias,
repertorios, para quien …); la evolución de un género (la sinfonía, la ópera …) en unas coordenadas geográficas y / o
cronológicas concretas; la historia de un estilo (todo o en una zona concreta); la producción de un compositor (posiblemente
conectada a su biografía); la incidencia de un invento (la radio, …) en la cultura musical de un grupo humano; biografías de
autores y / o intérpretes; la difusión de un estilo , un género o una forma musical más allá del lugar y momento de origen
con las correspondientes transformaciones; la producción de un grupo de músicos con ataduras estilísticas (escuela); la
evolución de una forma de interpretación (los castrados …); la evolución de los aspectos profesionales y contractuales del
músico, etc. Asimismo elaboran ediciones críticas de obras de otros momentos históricos.

Pedagogía
La historia de la música ocupa un lugar importante en la enseñanza y el aprendizaje de la música; en muchos casos es el
único acercamiento a la música desde fuera de la misma disciplina, y con la metodología de otra ciencia (la historia).
Hay elementos de cronología de la música del pasado a los currículos de primaria y de secundaria obligatoria así como el
bachillerato. Igualmente hay en los currículos de los conservatorios de grado profesional; y n ‘hay en los currículos de
muchas escuelas de música que a menudo han adaptado muchos elementos de los currículos oficiales de los
conservatorios.
En la mayoría de casos estas asignaturas sirven más para organizar sobre unos ejes temporales unos repertorios que los
respectivos sistemas consideran que el alumnado debe conocer que para entender realmente el sentido evolutivo que la
disciplina quiere profundizar.
A todos estos tipos de enseñanzas convierte casi la única aproximación externa a la música, desestimándose otros como
podrían ser desde la sociología, la antropología o la geografía.
En la enseñanza superior -concretamente a las enseñanzas universitarias de musicología y al grado superior de música, se
mantiene la presencia de las asignaturas de historia de la música, con dos diferencias con respecto a los estadios
anteriores; por un lado, un mayor grado de profundización hace que las asignaturas se dediquen a tramos concretos de esta
historia (historia de la música medieval, de la música del siglo XVII, …) y a veces -especialmente en los postgrados- se
dediquen a circunstancias concretas; por otro, y especialmente a los estudios superiores de música, la historia de la música
deja de ser la aproximación preferente a la música desde la metodología de otro campo disciplinario y aparecen otras
disciplinas como la sociología, etc.

La historia de la música como evolución de la música

Uno de los resultados importantes del estudio llevado a cabo por la musicología histórica es la periodización de la historia
de la música. Esta, se ha llevado a cabo aplicando los criterios, límites y métodos mencionados antes, con conexiones
desiguales con la historia general y con la historia del arte, y estableciendo unas franjas que. en muchos casos, vienen
dadas principalmente por elementos de estilo .

Música prehistórica
El desarrollo de la música entre los seres humanos aconteció con el telón de fondo de los sonidos naturales del entorno.
Posiblemente estuvo influido por los cantos de los pájaros y los sonidos que otros animales utilizan para comunicarse.

Algunos biólogos han teorizado que la habilidad para reconocer sonidos no creados por humanos que podríamos considerar
“musicales” proporciona una ventaja selectiva. (Véase Música animal).
La música prehistórica, habitualmente llamada música primitiva , es el nombre dado a toda la música producida en culturas
preliteràries, actividad iniciada en algún lugar incierto y en un pasado muy lejano.
La música indígena de América y el aborigen de Australia se podría llamar prehistórica por sus características, pero el
término se utiliza para referirse a la música europea anterior al desarrollo de la escritura.
Es más habitual denominar la música “prehistórica” de los continentes no europeos, especialmente la que todavía existe en
la actualidad, música folclórica, étnica o tradicional.

Música de la antigüedad
Se considera que la prehistoria concluyó con el desarrollo de la escritura , y por tanto, también la música que se producía.
La música de la antigüedad es el nombre con que se denomina la actividad musical realizada durante el Edad antigua .
La canción más antigua que se ha encontrado está escrita en grafía cuneiforme ; se encontró en Ur , y data del año 4000
aC. Ha sido descifrada por la profesora Anne Draffkorn Kilmer de la Universidad de Berkeley ( California ), y ha demostrado
que está compuesta en armonías con intervalos de terceras, como los antiguos gymel ingleses, y utilizaban la afinación
pitagórica del escala diatónica .
Hay dibujos en jarrones y paredes de instrumentos de viento con dos tubos, como los utilizados por los griegos, y gaitas
antiguas. También encontramos escritos, como los de Aristóteles ( Problemas , Libro XIX.12) que describen técnicas
musicales de la época, indicando algún tipo de polifonía.
Instrumentos como la flauta de siete agujeros y varios tipos de instrumentos de cuerda se han recuperado en los
yacimientos arqueológicos de la civilización del Valle del Indo.
La música clásica india ( marga ) se encuentra recogida en las escrituras de la tradición hindú, los Vedas . En el Samaveda,
uno de los cuatro vedas, se describe extensamente la música antigua hindú.

Tradiciones clásicas
La música clásica es un término amplio, un poco impreciso. Una música es clásica si incluye algunos de los rasgos
siguientes: una tradición aprendida, apoyo desde la iglesia o la corte , o de un gran capital cultural. La música clásica
también se describe como compleja, duradera, trascendente y abstracta.
En muchas culturas la tradición clásica coexiste con la música tradicional o popular, ocasionalmente durante miles de años,
y con niveles diferentes de intercambio mutuo con la tradición paralela.

Asia
Por zonas, la música asiática cubre fundamentalmente las culturas musicales de Arabia, Asia Central, Este de Asia Oriental,
Sur de Asia, y Sudeste de Asia.

India
La música india es una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo. La civilización del Valle del Indo tiene
esculturas donde se representan espectáculos de danza y aparecen instrumentos musicales antiguos, como la flauta de
siete agujeros.
Varios tipos de instrumentos de cuerda y tambores se han recuperado en las excavaciones realizadas por Sir Mortimer
Wheeler en Harappa y Mohenjo-Daro.
El Rigveda presenta elementos de música hindú actual, con una notación musical que indica la métrica y la manera de
cantar. La antigua tradición musical hindú también habla de tres acentos y de una música vocal conocida como “Samagan” (
Sama significa melodía y Gan la manera de cantar).
Los orígenes de música clásica hindú se encuentran descritas en uno de los resúmenes literarios más antiguos, las Vedas.
En el Samaveda , uno de los cuatro vedas, se describe la música con bastante detalle.
La música clásica hindú incluye las dos grandes tradiciones de la música carnática del sur y la música clásica Idioma
indostánico del norte. Estas tradiciones son milenarias y se han desarrollado a lo largo de grandes períodos; actualmente
siguen vivas y son fundamentales en la vida de los hindúes como fuente de inspiración religiosa, expresión cultural y
entretenimiento.

La música clásica hindú (marga) es monofónica , y se basa en una línea melódica modal única o rāga , que rítmicamente
se organiza mediante las talas. La música carnática es en gran parte dedicada al culto religioso; la mayoría de las
canciones se dirigen a las divinidades hindúes.
Pero también existen muchas canciones amorosas y que tratan diversos temas sociales.
En contraste con la música carnática, la música hindustaní no solamente está influida por las antiguas tradiciones
musicales, la filosofía védica y los sonidos de los nativos, sino también por las prácticas interpretativas de los persas, los
mongoles y afganos.

China
La música clásica china es el arte tradicional o de la corte de China. Tiene una larga historia que se remonta a más de
3.000 años de existencia. Tiene sus propios sistemas de notación musical , un determinado sistema de afinación , alturas ,
instrumentos musicales y estilos o géneros musicales.
La música china es pentatónica -diatònica, teniendo una escala de doce notas en una octava (5 + 7 = 12), como en la
música europea.
Persia

La música persa es la música de Persia y de los países de lengua persa . Musiq , es la ciencia y el arte de la música, y
Muzik , el sonido y la interpretación de la música. Los iraníes antiguos daban gran importancia a la música ya la poesía,
como todavía hacen en la actualidad.

Europa
La música clásica europea es un término un poco ancho, y hace referencia a la música producida por las tradiciones
artísticas en Europa, especialmente entre el año 1000 y 1900, si bien la denominación de “música clásica” se sigue
 aplicando a las composiciones de los siglos XX y XXI que surgen de esta tradición. La fundamentación teórica de esta
tradición se desarrolló entre 1550 y 1825.

Grecia
Una parte importante de la historia escrita de la Antigua Grecia estaba dedicada al antiguo Teatro griego , en el que los
corazones actuaban en actos de entretenimiento y en celebraciones religiosas.
Entre los instrumentos musicales que los acompañaban estaba el aulos , de caña doble, y un tipo de lira , instrumento de
cuerda pinzado: la cítara.
La música tenía un papel importante dentro de la educación de los individuos, y los chicos se les enseñaba a partir de los
seis años. Esta alfabetización musical general favoreció un desarrollo musical muy sólido con una fuerte fundamentación
teórica.
Los modos musicales griegos se convertirían en la base de música religiosa occidental y, por extensión, de la música
clásica . En cuanto a la música griega posterior, recibió las influencias del Imperio Romano , de las culturas de la Europa del
Este y los siglos de dominio del imperio bizantino .
Al siglo XIX compositores de ópera como Nikolaos Mantzaros (1795-1872), entre otros, revitalizar la música clásica griega.

Música occidental
Los principales centros de producción ( composición y interpretación ) de la música a la que la historia de la música ha
dedicado su atención preferente fueron, durante la Edad Media, los monasterios, a los que se sumaron las grandes
catedrales a partir del siglo XII , las cortes nobiliarias ; más tarde fue a las ciudades donde se concentró el más innovador e
intenso de la vida musical.
Aunque durante la alta edad media hubo bastante actividad musical como se deduce, entre otras cosas, de las
descripciones artísticas de instrumentos musicales y de escritos sobre música, el único repertorio de música que ha
sobrevivido anterior al 800 es la música litúrgica de canto llano de la Iglesia Católica Romana, mayoritariamente el canto
gregoriano y otros cantos de alcance geográfico y temporal menor.
El Papa Gregorio I dio su nombre a este tipo de repertorio musical, y puede haber sido él mismo uno de los compositores.
Generalmente se afirma que él fue el creador de esta parte musical de la liturgia en su forma actual, aunque las fuentes que
dan detalles de su contribución son de más de cien años posteriores a su muerte; muchos eruditos creen que su reputación
ha sido exagerada.
La mayor parte de este repertorio de canto fue compuesto anónimamente durante los siglos que van desde el tiempo de
Gregorio hasta el de Carlomagno .
Durante el siglo IX se produjeron tres hechos especialmente significativos:
 La acción unificadora, por parte de la Iglesia Católica , de las diversas tradiciones litúrgicas y de canto religioso,
suprimiendo muchas de ellas en favor de la liturgia gregoriana y el canto gregoriano.
 La aparición de la polifonía , concretamente del organum, un tipo de polifonía en movimiento paralelo.
 La reinvención de la notación musical. Este hecho es de una especial trascendencia en la historia de la música.
Después de un lapso de unos 500 años se volvían a utilizar grafías musicales, aunque aún sería necesario que pasaran
varios siglos más antes de que el sistema de notación determinara con más precisión la duración ( ritmo ) y la altura ( tono ).
A partir del 1100 aparecieron varias escuelas de polifonía musical:
 La escuela de organum de St. Martial, con una música que a menudo se caracterizaba por el movimiento rápido de una voz
sobre una línea melódica simple y mantenida.
 La escuela de Notre Dame , con los compositores Léonin y Pérotin que, alrededor del 1200, ya producía la primera música
polifónica para más de dos voces.
 La tradición musical de Santiago de Compostela , en Galicia , un gran centro de peregrinaje y un lugar donde convergieron
artistas de muchas culturas diferentes; su música ha sobrevivido en el Codex
 La escuela inglesa, la música de la que ha perdurado en el Worcester fragmentos y en el Old Hall Manuscript.
Junto a estas escuelas de música sacra , también existía y se desarrollaba una viva tradición de canto secular ,
ejemplificada en la música de los trovadores , trouvères y minnesänger , y de música de danza, tanto vocal como
instrumental.
Las principales formas de la música sacra polifónica que se desarrollaron hasta finales del siglo XIII incluían el motete , el
conductus , el Discant , y la cláusula. Un desarrollo inusual fueron el Geisslerlieder , música de grupos de flagelantes que
vagaban por Europa especialmente durante dos períodos:
Durante la gran Peste Negra , alrededor de 1350 , y en los años posteriores. Esta música, que mezclaba el estilo de la
canción popular con textos penitentes o apocalípticos, quedó bien grabada con la correspondiente notación musical.
En el siglo XIV dominó el estilo del ars nova , que por convención se incluye en la era medieval de la música, aunque tenía
mucho en común con los ideales y la estética del primer Renacimiento.
Es una música mucho más vinculada al mundo urbano; mucha de la música que sobrevive de esta época es secular, y
tiende a utilizar formas fijadas: la balada , el virolai , el lai , el rondeau , que corresponden a estructuras formales poéticas
de los mismos nombres.
Muchas de estas piezas están compuestas por una a tres voces, probablemente con el acompañamiento instrumental: los
compositores más famosos fueron Guillaume de Machaut y Francesco Landini .
Paralelamente seguía existiendo una música monódica tanto al canto litúrgico como la música profana de danza.

Música del Renacimiento

El comienzo del Renacimiento en la música, ya diferencia de las artes plásticas ni está tan bien delimitado en el tiempo, ni
tiene lugar en Italia sino que lo hace más hacia el noroeste de Europa, en el área que actualmente comprende el norte y
centro de Francia, los Países Bajos y Bélgica, ni pretende un verdadero re-nacimiento de la antigüedad clásica.
 En este periodo, los principales centros nobiliarios y las grandes catedrales se dotaron de capillas en las que se reunían
compositores, cantores e instrumentistas; cada centro procuraba, en la medida de sus posibilidades, los mejores músicos.
El estilo de los compositores de la Borgoña , la primera generación de la escuela francoflamenca , representó -al principio-
una reacción al ue se consideró una excesiva complejidad y artificiosidad del estilo de finales del siglo XIV , el ars subtilior.
Este estilo se caracterizaba por un tipo de melodía clara y una equilibrada polifonía en todas las voces mediante el uso del
contrapunto imitativo. Los compositores más famosos de la escuela borgoñesa mediados siglo XV fueron Guillaume Dufay ,
Gilles Binchois y Antoine Busnois .
Hacia mediados del siglo XV , compositores y cantantes de los Países Bajos y áreas adyacentes empezaron a ser
reclamados para trabajar en toda Europa, especialmente en Italia, donde eran contratados en la capilla pontificia en Roma,
y por los grandes aristócratas y mecenas de las artes, como los Medici en Florencia , los Este en Ferrara , y los Sforza en
Milán.
Allí donde iban, difundían su estilo de polifonía que se podía usar tanto en la música sacra como en la secular . Los
principales géneros de la música sacra de la época eran la misa y el motete ; las formas seculares incluían la chanson, la
frottola y, más tarde, el madrigal .
La invención de la imprenta tuvo una gran importancia en la diseminación de los estilos musicales, y en la difusión de la
música y el estilo francoflamenca por toda Europa; contribuyó al establecimiento del primer estilo verdaderamente
internacional de la música europea desde la unificación del canto gregoriano en la época de Carlomagno, 700 años antes.
Otros compositores de la escuela francoflamenca fueron:
Johannes Ockeghem, que escribía música en un estilo contrapuntístico bastante complejo, con una textura variada y un uso
elaborado los mecanismos canónicos.
Jacob Obrecht , uno de los compositores de misas más famosos de finales del siglo XV.
Josquin Desprez , probablemente el compositor más famoso en Europa antes de Palestrina ; durante el siglo XVI tenía la
fama de ser uno de los mejores creadores en cualquier forma musical.
La música de la generación posterior a Josquin Desprez desarrolló la complejidad del contrapunto ; posiblemente el ejemplo
más relevante de esta tendencia fue la música de Nicolas Gombert. Su elaborado contrapunto influyó en las composiciones
de lo que sería el inicio de la música instrumental, con formas como la canzona y el ricercare , que desembocarían en la
fuga barroca.
A mediados del siglo XVI , el estilo internacional comenzó a descomponerse, y aparecieron una serie de nuevas tendencias
estilísticas, bastante diversas. Fundamentalmente hay que destacar:
Una tendencia hacia la simplicidad en la música sacra, impulsada por la Contrarreforma del Concilio de Trento, y
ejemplificada en la austera perfección de la música de Giovanni Pierluigi da Palestrina;
Una tendencia hacia la complejidad y el incremento del cromatismo en el madrigal, que culminó en el estilo de vanguardia
de la Escuela de Ferrara de Luzzaschi, y del último gran madrigalista del siglo, Carlo Gesualdo.
Una música grandiosa, de ancha sonoridad, del escuela veneciana , que aprovechaba la arquitectura de la Basílica San
Marcos de Venecia para crear una música de grandes contrastes.
 Claudio Monteverdi (Bernardo Strozzi, 1640)
 Claudio Monteverdi
 (Bernardo Strozzi, 1640)
La música de la escuela veneciana aporta a la música de finales del siglo XVI y primeros años del XVII un marcado sentido
del lujo y de abundancia de recursos, la policoralidad, la especulación tímbrica y la instrumentación , el gusto por la
ornamentación y el uso del bajo continuo . Muchos de estos elementos se traspasaron a la música barroca.
Entre los compositores más famosos de esta escuela hay que citar Andrea y Giovanni Gabrieli , y Claudio Monteverdi , uno
de los innovadores más significativos del final del periodo.

Inglaterra, España, Alemania y Francia

A finales del siglo XVI, existían tradiciones musicales activas y bien diferenciadas en diferentes lugares de Europa:
En Inglaterra destacan compositores como Thomas Tallis y William Byrd , que escribían música sacra con unas técnicas
similares a las del continente pero con un regusto bien inglés, y un grupo activo de madrigalista como Thomas Morley y
Thomas Weelkes , que adaptaron la forma italiana a gustos ingleses.
En España se desarrollaron estilos instrumentales y vocales propios. Tomás Luis de Victoria componía música con un
refinamiento similar al de Palestrina; varios compositores escribieron abundante música para Viola de mano ( vihuela ) sola
o con voz.
En Alemania se cultivaban formas polifónicas construidas a partir de los corales protestantes que fueron reemplazar el
canto gregoriano propio del catolicismo. Por otra parte, importaron el estilo de la escuela veneciana que definiría el
comienzo del Barroco musical.
Además, los compositores alemanes escribieron grandes cantidades de música para órgano , estableciendo las bases para
el gran desarrollo posterior del órgano barroco que culminaría con la obra de JS Bach.
Francia desarrolló un estilo único de dicción musical conocido como la música medida, y que se utilizaba en las canciones
seculares. Uno de los compositores más relevantes fue Claude Le Jeune.

Los inicios de la ópera

Uno de los movimientos más revolucionarios de la época se desarrollaría en Florencia durante los años 1570 y 1580, bajo el
impulso innovador de la Camerata florentina que, irónicamente, tenía una voluntad reaccionaria. Sus miembros,
descontentos con la música del momento, pretendían restaurar la música de la antigua Grecia.
Dos de los compositores más representativos var ser Vincenzo Galilei , el padre de Galileo , y Giulio Caccini. Las
consecuencias de su acción fue la consolidación de un estilo de canto declamado muy melódico, conocido como monodia, y
de la correspondiente forma dramática, que era escenificada, forma que posteriormente se conocería con el nombre de
ópera.
Las primeras óperas, escritas alrededor de 1600, también sirven para delimitar el final del renacimiento y el comienzo del
Barroco musical.

Otros elementos de la música del Renacimiento

La música anterior al 1600 era más modal que tonal. Las aportaciones de teóricos de la música de finales del siglo XVI,
especialmente de Gioseffo Zarlino y Franchinus Gaffurius, abrieron las puertas al desarrollo de la tonalidad en la práctica
musical.
Las escalas mayores y menores empezaban a predominar sobre los antiguos modos eclesiásticos, inicialmente de manera
obvia en las cadencias, y extendiéndose progresivamente a toda la obra.
Uno se refiere a menudo a música posterior al 1600, que es cuando aparece la música tonal y el Barroco musical, con el
nombre de música clásica .
Paralelamente a la música vocal, preponderante en la época, la música instrumental polifónica tuvo un primer periodo de
esplendor, sobre todo gracias a la música de baile (mayoritariamente homofónica , a los tratados didácticos, y los géneros
intrínsecamente instrumentales de alguna modo derivados de los vocales.

Música del Barroco

En el Barroco, los grandes focos de música polifónica y concertando continuaron siendo las cortes reales y las casas
nobiliarias, y los templos principales de las grandes ciudades europeas.
Continuando una tradición ya iniciada en el siglo XVI se esperaba del noble que no sólo apreciara la música que
escuchaba sino que, a la vez supiera tocar algún instrumento y/o cantar ‘, lo que fue determinante para que la música
alcanzara el estatus que tuvo en el Barroco.
El contrapunto y la melodía acompañada fueron dos rasgos característicos (a la vez que, hasta cierto punto, antagónicos)
tanto en la música instrumental como de la vocal. En este último terreno, fue la ópera el género y la forma musical de
más trascendencia, tanto para la producción en sí como por la influencia en otros géneros como el oratorio .
Una vez creados, en el Renacimiento los primeros géneros de la música instrumental , ésta comienza, en el Barroco, un
proceso de aumento gradual de protagonismo que debería continuar aún: los públicos se interesaron más, los compositores
se tuvieron más dedicación, y se definieron algunas de las formas musicales más básicas como los diversos tipos de sonata
y de concierto .
La mayoría de géneros implicaban la presencia del bajo continuo, un bajo creado por el compositor ya partir del cual el
intérprete resolvía – improvisando la armonía que estaba implícita, a menudo con complejos juegos contrapuntísticos.
El teclado, especialmente el clave, era el instrumento dominante, y con la llegada de la afinación temperada abrían
posibilidades para tocar en todas las tonalidades.
El bajo continuo es uno de los rasgos característicos del Barroco y era realizado de forma habitual por un teclado (clavecín
o órgano, o a veces un laúd), y un instrumento grave, como una viola da gamba o un fagot.
Los compositores más relevantes fueron Johann , George Frideric Händel , y Antonio Vivaldi , por encima de muchos otros
autores destacados, algunos con una gran producción, difusión e influencia.

Clasicismo musical
La música del Clasicismo se caracteriza por un estilo mucho más fácil de entender que el del Barroco: una textura
homofónica, el recurso frecuente a la melodía con acompañamiento (aunque se mantuvo el uso del contrapunto como
elemento decorativo, a menudo incorporado al final de una obra, o puntualmente como el mecanismo compositivo de un
movimiento único), melodías que tendían a ser muy cantables, frases muy simétricas, y estructuras formales muy cerradas
y fuerza rígidas.
El notable crecimiento de la música instrumental (sobre todo con inventos de tanta proyección como el piano , la
orquesta , la forma sonata y la sinfonía ) no arrinconó la ópera , que se siguió desarrollando, especialmente en el formato de
ópera bufa y de otros géneros cercanas, algunos en las lenguas nativas de cada territorio.
Hay que recordar que hasta ese momento las óperas se cantaban generalmente en italiano .
Patrones sencillos, como arpegios y, en la música para piano, el bajo de Alberti (un acompañamiento con un típico patrón
repetitivo en la mano izquierda) eran utilizados para animar el movimiento de una obra sin crear voces adicionales que
pudieran generar confusión.
La música instrumental, muy innovadora, estaba dominada por varios géneros bien definidos, especialmente por la sonata y
el cuarteto de cuerda en la música de cámara , y la sinfonía , y el concierto en el orquestal.
Las tres utilizan el que posteriormente (ya en el Romanticismo llamaría forma sonata , que maduró durante el Clasicismo
para convertirse en el principal elemento estructural para componer música instrumental durante el siglo XIX .
Si bien la musicología germana ha puesto el énfasis en el papel que la Escuela de Mannheim (con compositores como
Johann Stamitz y Carl Stamitz ) tuvo en la configuración del estilo clásico, no hay que menospreciar la influencia de los
operista italianos.
El gran configurador del estilo clásico maduro, sin embargo, fue Joseph Haydn . Wolfgang Amadeus Mozart fue la figura
capital de este periodo, y un genio excepcional; su producción, cuantiosa y variada, abarca todos los géneros y, de alguna
manera, define la percepción que tenemos de lo que es el Clasicismo musical.
Ludwig van Beethoven y Franz Schubert serían los compositores que se encargarían de la transición hacia el romanticismo,
estilo que iniciarían expandiendo las posibilidades creativas de los géneros , formas y funciones existentes en la música de
aquella época.

Música del Romanticismo

La música del Romanticismo tiene un vínculo con el resto de facetas del pensamiento y la cultura (especialmente la
literatura y la filosofía ) de la época posiblemente superior a la de otros periodos. La composición emprende una búsqueda
de expresividad y de emoción que lleva a una flexibilización de las formas musicales emanadas del Clasicismo.
Entre los primeros compositores más famosos de la primera época se pueden destacar: Rossini , Schumann , Chopin ,
Mendelssohn , Bellini y Berlioz , además de Schubert y Beethoven.
En la segunda mitad del siglo XIX se produjo una expansión en las dimensiones de la orquesta , y la consolidación del
concierto como una actividad relevante en el ámbito cultural y social. Los grandes focos de producción musical son las
grandes ciudades donde habita un público, mayoritariamente burgués, que ha integrado la asistencia al concierto como un
hábito.
La necesidad de poder meter cada vez más público en un concierto hizo crecer las dimensiones de salas de conciertos, lo
que provocó el aumento del volumen de sonido de la orquesta algo que sólo se podía conseguir con más instrumentos,
especialmente de instrumento de metal, que la revolución industrial había permitido desarrollar.
En esta época destacaron compositores como Johann Strauss, Brahms, Liszt, Bizet, Tchaikovsky, Verdi y Wagner.
Entre 1890 y 1910, se puede considerar la existencia de una tercera generación de compositores con estilos muy
diversificados pero que todavía tienen una cierta relación, más cercana o alejada, con el romanticismo.
Debussy, Mahler , Richard Strauss o Puccini , construyen las sus composiciones a partir de las de sus predecesores y,
algunos de ellos, crean obras más complejas y, a menudo, mucho más largas. Otras figuras destacadas son Ravel ,
Rachmaninov y Elgar. Algunas de ellas se consideran posrománticos
En concordancia con los movimientos sociales existentes, un buen número de compositores se desvincularon de la
corriente general de predominancia germánica y reivindicar elementos propios de sus países.
En el caso de los autores que utilizaron elementos de sus respectivos folclores se les ha conocido como compositores
nacionalistas, movimiento que en Europa lideraron compositores como Smetana , Dvorak , Sibelius y Grieg . En el ámbito
catalán y español cabe destacar la figura de Pedrell, y compositores de la talla de Albéniz , Granados , Tárrega.

Música del siglo XX

En el siglo XX se produjo una revolución en las artes en general, y en la música en concreto. La búsqueda de la
libertad y la experimentación en la creación en el sentido más amplio del término llevó a la aparición de unos estilos
musicales totalmente nuevos que desafiaban y, a menudo rompían las reglas musicales aceptadas en periodos anteriores.
En esta dinámica innovadora destacan, entre otros, compositores como Stravinsky , Schönberg , Berg y Shostakovich .
La invención de instrumentos electrónicos y la posibilidad de grabar el sonido representó una dimensión diferente tanto en
el ámbito de la música llamada clásica, como en la popular. La confluencia de culturas generaron una explosión artística y
comercial de estilos musicales muy influyentes, como fue el jazz , y hacia los años 50, del rock y la música pop .
Este desarrollo tecnológico, cada vez más acelerado, convertido durante el siglo XX dio un impulso enorme al hecho
musical. Primero, el invento de la radio , que llevó la música a todos los rincones de la sociedad.
Los nuevos medios de comunicación, con el apoyo de nuevas tecnologías, iban desarrollando sistemas para registrar,
captar, reproducir y distribuir música.
La comunicación musical ya no se limitaba a la actuación en directo, mediante los conciertos; existían otros mecanismos
para que los artistas se hicieran famosos y esta fama se podía esparcir más rápidamente por todo el mundo.
Por otra parte, las audiencias estaban expuestas, más que nunca, a una oferta más amplia y diversa de música. Las
actuaciones recibían el apoyo de los medios audiovisuales y la emisión y grabación de vídeos de música enriquecía las
posibilidades de los medios exclusivamente sonoros.