Entrevista - Steven Spielberg - "El Miedo Es Mi Combustible" - EL PAÍS Semanal

26/3/2018 Entrevista: Steven Spielberg: “El miedo es mi combustible” | EL PAÍS Semanal
ENTREVISTA ›
Steven Spielberg: “El miedo es mi

combustible”
Guillermo Abril
El País Semanal
Steven Spielberg. / Vídeo: Tráiler de la película 'Ready Player One'. / ERIK TANNER
25 MAR 2018 - 19:11 CEST
https://elpais.com/elpais/2018/03/19/eps/1521458978_727072.html 1/18
Ha sembrado el pánico, hecho llorar, emocionado y

sacudido en sus butacas a los espectadores de todo el
mundo. Dice que le gusta combinar mensaje y
entretenimiento, "medicina y azúcar". Tras Los archivos
del Pentágono, alegato en defensa de los códigos éticos
del periodismo, regresa a la ciencia-ficción con Ready
Player One, un cuento futurista sobre la realidad virtual
que plantea un interrogante: "Cuántos preferirían vivir en
un mundo ficticio antes que transformar aquel en el que
nacieron".
A LOS 16 AÑOS, Steven Spielberg (Cincinnati, 1946) compró un

pase de turista para entrar en los estudios Universal durante tres
días. Al cuarto, saludó al vigilante, este le devolvió el saludo y
entró como si nada. Se pasó tres meses mamando el oficio en un
recinto ubicado a los pies de esas colinas con la palabra
"Hollywood". Aprendió a editar, accedió a un rodaje de Hitchcock,
vio desnudo a Marlon Brando. Poco después, ya no hubo forma de
sacarlo del perímetro. Corría el rumor de que el chico había
logrado hacerse con un despacho y un teléfono. Lo contrataron a
los 22 años, cuando le enseñó al jefe su primer corto profesional,
Amblin (1968). En este lugar dirigió su primer episodio de una
serie, su primera película para televisión, su primer largometraje
para cine. Con el segundo, Tiburón, el sobrecoste y los retrasos
auguraban una catástrofe bíblica. La estrenó en 1975. Tenía 28
años. Se convirtió en la pelícu la más taquillera de la historia. En
1981 presentó ante el mundo al arqueólogo Indiana Jones y fundó
su productora, que bautizó como aquel corto: Amblin. Levantó sus
oficinas en el mismo recinto. Y aquí sigue.
Su guarida tiene aspecto de hacienda mexicana, con un sello a la

entrada: una luna en cuyo interior se recorta la silueta de un niño
volando en bicicleta con un extraterrestre. El portón es de madera
y al atravesar el umbral hay una vitrina con tres oscars. Al otro
lado del patio se abre un pasillo donde cuelgan carteles de pelícu -
las que remiten a su infancia, como Flash Gordon's Trip to Mars

(1938) y Forbidden Planet (1956). Junto al de War of the Worlds
(1953) y el de La dolce vita (1960) se accede a una estancia de
aire colonial. Allí transcurre la espera antes de la entrevista. De
pronto se abre la puerta con un chirrido y entra un tipo con un
respaldo ergonómico. "Para el señor Spielberg". Lo acopla a una
de las sillas. Por lo que parece, el señor Spielberg, de 71 años,
debe de estar sufriendo de la espalda. Chirría de nuevo la puerta,
y una mujer se presenta como su asistente: "Está terminando de
almorzar". Son las 13.30: es posible inferir que acostumbra a
comer hacia la una de la tarde. Y coloca una grabadora sobre la
mesa: "Para su archivo personal".
“Las redes sociales han creado una excusa

para perder el contacto físico entre seres
humanos. Me asusta. Creo en el valor de mirar
a los ojos y tener una conversación”
Tres máquinas recreativas de los ochenta rompen con la armonía

de la sala. Quizá figuren para subrayar la promoción de Ready
Player One, su próxima pelícu la, y la que ha propiciado el
encuentro. La superproducción se estrena el 29 de marzo y en sus
vallas publicitarias, que ya pueblan Los Ángeles, se ve a un joven
tras unas gafas de realidad virtual, con el mensaje: "Acepta tu
realidad o lucha por una mejor". El argumento se inspira en un
best seller homónimo de ciencia-ficción: año 2045, el mundo está
en ruinas y la humanidad vive enganchada a OASIS, un espacio de
realidad virtual más hermoso que la vida, donde cada uno puede
decidir su nombre, su género, su aspecto. En definitiva: puede ser
quien desee ser. Ese paraíso ficticio, que actúa como sedante de
una población explotada, es un cóctel de sabiduría pop de los
ochenta, considerada "canónica": en el universo de Ready Player
One se venera el videojuego Pac-Man, la película Juegos de
guerra, y hay infinidad de referencias a muchos iconos que
Spielberg ayudó a cimentar.
Ernest Cline, el autor de la novela, reconoció que nunca la hubiera

escrito sin los "atracones" de Spielberg: "Marcó mi vida". Ha
marcado la de millones. Quizá por eso, una de las máquinas
recreativas de la estancia, la de Indiana Jones y el templo maldito,
ejerce una atracción incontrolable sobre cualquiera que se haya
criado con su cine. El dibujo en la consola muestra el rostro del
malvado Mola Ram y a Harrison Ford descamisado y con
sombrero. El videojuego está desenchufado, pero en la pantalla se
distingue una frase congelada: "Fortune and glory". La cita
despierta como un fogonazo en la mente la escena de Indy con
Tapón, su joven ayudante, cuando le explica qué le empuja a la
aventura: "Fortuna y gloria, muchacho".
Steven Spielberg. / ERIK TANNER
Y entonces se intuyen pasos ahí fuera, y la puerta vuelve a

chirriar, y entra Spielberg en la sala, delgado y algo renqueante,
con un termo de café en la mano. Viste chaqueta negra, pantalón
claro, deportivas. Ronda el metro setenta. Se sienta en la silla con
respaldo ergonómico y dice: "No soy el atleta que solía ser". Su voz
desprende los matices arenosos de la senectud. Sus ojos color

mar chispean tras las gafas.
Qué impresión da ver esa máquina recreativa de El templo

maldito... En esa película conocí a mi esposa [la actriz Kate
Capshaw]. Llevamos casados desde entonces.
Y aterrorizó a los niños, cuando Indiana Jones se volvía malo.

Lo convierten en parte de los adoradores de Kali. Pero no había
que preocuparse. Nunca lo dejaríamos así, aún le quedan muchas
aventuras.
Ahora estrena la película Ready Player One. ¿Qué le gustaría

contar de ella? Hemos tratado de inventar un nuevo género de
aventuras. Uno que sucede en dos lugares de forma simultánea. Es
casi como viajar a la tierra de Oz, pero sin necesidad de golpear
los talones para volver a Kansas. De hecho, es más difícil escapar
de OASIS, el mundo digital, que salir de Oz. Es una parábola
actualizada de muchas historias que han invitado al público a
abandonar el mundo conocido y adentrarse en otro imaginario. Y
quizá sea el universo más emocionante del que he tenido el honor
de formar parte como cineasta.
“Decir que ‘Tiburón’ o ‘Star Wars’ arruinaron el

negocio del cine porque EE UU desarrolló una
mentalidad dirigida al taquillazo es una teoría
totalmente corrupta”
¿Por qué? En OASIS puedes ser lo que quieras. Creas la persona o

la criatura. Diseñas tu avatar y puedes vivir la vida del personaje;
ser el héroe que siempre has deseado, el villano de tu
subconsciente. Me ha permitido rodar una película sobre dos
mundos. Es una aventura, una gran competición entre el mundo
real y el digital.
En la novela se describe el mundo virtual: "Se ha convertido

una prisión autoimpuesta para la humanidad. Un lugar
placentero para que las personas se escondan de sus
problemas mientras la civilización se desmorona". ¿Nos
dirigimos hacia ese colapso? Es solo una película, aunque se
puede leer como un cuento con moraleja: demasiado de algo
bueno resulta perjudicial. Recuerdo cuando tenía tres años y llegó
a casa la primera tele. Mis padres vieron que era peligrosa, te
podías volver un adicto al tubo. Me limitaron las horas, a un par
por semana. Tenían gran capacidad de anticipación. Muchos de
mi generación se perdieron en ella, aunque también aprendimos
mucho. Cualquier nuevo medio puede ser usado o abusado. Y, en
este caso, la moraleja consiste en que el mundo real se cae a
pedazos en 2045, en lo económico y también moral y
espiritualmente. Y mucha gente, por poco dinero, puede escapar a
otra existencia de su creación. Y olvidarse de cómo les afecta el
mundo real.
¿Le preocupa cómo comienzan a mezclarse las redes sociales y

la realidad virtual? Las redes sociales han creado una excusa
para perder el contacto visual entre seres humanos. Los nuevos
medios no requieren del cara a cara para comunicarse, y creo en
el valor de mirar a los ojos de una persona y tener una
conversación. Me asusta eso. Hoy existe menos contacto social.
Nunca he estado en Facebook ni en Twitter.
En esa ficción hay refugiados, cambio climático, crisis

energética, multinacionales fascistas. Parece querer advertir
de algo. Las personas deberíamos centrar la atención en el
mundo que nos rodea. Todo nuevo medio que proporciona una
válvula de escape de nuestras responsabilidades es un peligro.
Esta película trata de ilustrar cuántos preferirían vivir en un
mundo de su creación antes que transformar aquel en el que
nacieron. No digo que esté pasando ahora.
Pero es una advertencia. Hoy hay más noticias que nunca. Pero
son tantas que tenemos que elegir qué creer. Cuando era pequeño
solo había tres canales y unos pocos periódicos, y cuando me
contaban lo que pasaba les creía. En esta época, con ese horrible
hashtag de las fake news y una plétora de canales de distribución
dando todo tipo de ángulos sobre la misma historia, algunos de
ellos con la intención de alejarte de la verdad, se vuelve cada vez
más complicado descubrir qué es cierto y qué no.
Hace poco, un grupo de adolescentes me daba su

interpretación de cuándo algo se convertía en noticia: "Cuando
aparece en Instagram". Me recuerda al juego del teléfono
estropeado. Uno dice la verdad, pero la persona número 500 ya
no ha oído palabra por palabra lo que la segunda persona escuchó
de la primera. Es un juego de niños. No me creo nada de
Instagram.
Abordó este tema en la reciente Los archivos del Pentágono.

¿Por qué casi han coincidido ambos estrenos? Llevaba
trabajando en Ready Player One tres años. Me sobraba tiempo
mientras completaban los efectos digitales. Y entonces leí el guion
de Los archivos... y me di cuenta de que lo ocurrido en 1971 era
escandalosamente similar a lo que está pasando hoy en el
Gobierno de nuestro país. Sentí que todos nosotros — Tom Hanks,
Meryl Streep, yo mismo, y los guionistas y las productoras—
teníamos una responsabilidad social; debíamos hacernos eco de
la historia para que aterrizara en el ciclo de noticias actual. Lo
hicimos un poco como un servicio público. Ninguno cobró.
Parece como si rodara dos tipos de películas: las de aventuras y

aquellas que siente la necesidad de hacer. Necesito hacer cada
una de ellas. Incluso las que solo pueden ser valoradas como puro
entretenimiento escapista. Siento el ansia de entretener, y también
de llamar la atención sobre materias relevantes para que los
jóvenes puedan aprender de ellas.
“R l é if
https://elpais.com/elpais/2018/03/19/eps/1521458978_727072.html ili t j 8/18
“Reemplacé a mi familia rota con personajes

rotos a través de los cuales podía contar mi
vida. Muchas de mis películas cuentan cómo
era ser el hijo de un divorcio”
¿Unas las hace por puro divertimento y otras como servicio

público? A veces hago películas porque sé que el público las va a
disfrutar, porque son una aventura, con muchos efectos especiales
y grandes personajes, y sé que los espectadores van a gritar y a
reír y se van a volver locos. He hecho Ready Player One por ese
motivo. Pero no la hubiera elegido si no tuviera ese mensaje tan
relevante sobre las decisiones que hemos de tomar hoy ante esa
disyuntiva: comprometerse con los asuntos sociales o perderse en
un mundo de realidad virtual.
¿Primero echa la vista atrás, a la historia, para explicar el

presente, y luego va al futuro, con el mismo objetivo? La historia
está por todas partes, nos rodea. Está en nuestro futuro, y también
en nuestro pasado. Me encanta la historia. Me vuelve loco, es mi
tema favorito.
Un crítico asegura que usted se ha convertido en "nuestro

profesor de historia natural". Supongo que ya soy lo
suficientemente viejo. No hubiera reaccionado muy amablemente
hace 20 años, pero ahora mi aspecto es más el de un profesor. Así
que no me ofende la descripción, es acertada. Pero no soy un
cineasta didáctico. No hago películas solo para impartir una
lección. Cada una, incluso aquellas con un mensaje
contemporáneo muy relevante que quiero que todos escuchen,
también tiene que ser entretenida. Los archivos del Pentágono
debía tener suspense, y ser rápida, como una redacción, no me
interesaba hacer una película educativa tipo Discovery Channel
que fuera todo medicina y sin nada de azúcar.
Medicina y azúcar, quizá sea la fórmula de su conexión con el

público. Muy pocos están al alcance de sus cifras astronómicas.
Sus 30 largometrajes, sin actualizar los precios, han facturado

casi 8.000 millones de euros. Durante el último cuarto del siglo
XX dominó, con su amigo George Lucas, la taquilla del globo.
Cambiaron el cine y la forma de consumirlo. El reconocimiento le
llegó en los noventa, cuando ganó los tres oscars de su carrera
(dos a mejor dirección; uno a mejor película) con obras que
contenían, digamos, más medicina que azúcar, como La lista de
Schindler. Sus detractores, en cambio, rechazan su jarabe por el
exceso de dulce; le acusan de haber "infantilizado la cultura". Pero
hay un hecho incontestable: este señor cuya barba hemos visto
envejecer, y que hoy lleva bien recortada en una perilla, ha
ayudado a configurar la forma de ver el mundo de varias
generaciones, capaces de reproducir diálogos enteros de su
filmografía.
Steven Spielberg. / ERIK TANNER
Probablemente ha moldeado la mente de millones de personas.

¿No le hace sentir cierta responsabilidad? No siento esa
responsabilidad porque nunca he tenido la intención de llamar la
atención sobre mí mismo. Siento, modestamente, que he tenido
mucha suerte en mi carrera. Adoro hacer cine. Pero no suelo
mirar atrás. No me obsesiono. Raramente vuelvo a ver una
película que he dirigido. Solo he regresado a ellas a través de mis

hijos, como cuando quisieron ver E.T. Sabía que el principio daba
miedo, así que me senté con ellos, para que no fuera demasiado
angustioso. Suelo estar bastante liado planificando la siguiente
como para volver atrás.
¿Cuántos proyectos suele tener en mente? Normalmente

preparo solo uno cada vez, pero siempre estoy pensando qué voy
a hacer cuando acabe, así que tengo cuatro o cinco guiones en
desarrollo. Probablemente solo acabe dirigiendo uno, pero ese
trabajo ha de suceder antes. De otro modo se volvería un
paréntesis demasiado grande. Y me encanta trabajar. No me gusta
estar en casa mientras sueño con trabajar. Me gusta soñar
mientras trabajo.
En alguna ocasión usted se ha retratado así: "No era divertido

ser yo entre proyectos". ¡No lo era! Y sigue sin serlo. Es verdad...
El miedo, el estrés de la infancia y la adolescencia nunca se
marchan. Incluso cuando superas la adolescencia, se queda
contigo. Siempre me he sentido mejor en acción que en espera.
Cuido de mí haciéndome trabajar.
Hay quien le critica —a usted y a Lucas— por haber empobrecido

la cultura. La crítica más habitual que oigo dirigida hacia George
y hacia mí es que inventamos el taquillazo. Por supuesto, no lo
inventamos. Cecil B. DeMille inventó el taquillazo. Lo que el viento
se llevó y D. W. Griffith inventaron el taquillazo. A lo largo de las
décadas, cientos de películas se han convertido en las más
populares sobre la Tierra. Y cuando la gente dice que Tiburón o
Star Wars arruinaron el negocio porque Estados Unidos desarrolló
una mentalidad únicamente dirigida al taquillazo, es una teoría
absolutamente corrupta nacida de personas sin ningún respeto
por la historia del cine. El taquillazo ha existido desde la primera
película que se proyectó en un nickelodeon [los primeros cines,
que cobraban la entrada a cinco centavos de dólar, un nickel].
¿Puede la cultura de masas ser arte? ¿Quién puede determinar

qué es arte? ¿Quién tiene derecho a decir que hay una única
definición y que estos ejemplos no caen dentro de esa categoría?
Todo el mundo tiene derecho a definirlo del modo en que lo
percibe. Para mí existe arte en todo. Incluso en las malas
películas. Siempre hay una escena interesante, y digo: "Ese
momento fue tocado por la genialidad". Encuentro arte en
cualquier lugar al que miro; en películas como Black Panther: es
tanto un triunfo artístico como comercial y cultural. Cuando
alguien trata de estrechar el foco del arte para satisfacer su propia
definición, yo prefiero no contar con ese individuo.
Sting, en la cima de su carrera, se preguntaba: tengo éxito y

dinero, ¿sobre qué voy a componer ahora? ¿Cree que hay un
precio creativo a pagar cuando uno se vuelve rico y es
aplaudido? El único precio es la pérdida de anonimato. Es un
pequeño precio para mí. Pero ha sido una imposición sobre mi
familia. Cuando mis hijos estaban creciendo y veían cómo a su
padre lo paraban extraños en la calle, se preguntaban por qué
hablaba con esa gente si ni siquiera los conocía, por qué no estaba
con ellos. Era muy duro estar en público. Miraba a mis hijos y no
les gustaba. Esa ha sido la cara amarga.
¿Y desde un punto de vista creativo? Mire, no soy el tipo de

creador que diga: sufro por mi arte. No sufro por mi arte. Me
deleito con él. Me entusiasma. Sencillamente, me da una nueva
vida cuando estoy trabajando. Amo hacer películas. ¿Si me
preocupo? Por supuesto. ¿Si me equivoco? A menudo. ¿Tengo
inseguridades en el trabajo de cada día? Por supuesto. Pero eso
para mí es combustible para encontrar caminos que me saquen
del atolladero en el que me gusta colocarme. Porque cuanto más
nervioso estoy como cineasta, más ideas me vienen para resolver
los problemas que todos los cineastas encuentran para contar
historias.
Y si pierde esa sensación, ¿se acabó? No haría esto nunca más.

El miedo es mi combustible. No me gusta sentirlo. Pero la
inseguridad que provoca el miedo es esa cosa única que
realmente me inspira con mejores ideas para contar historias de
una forma distinta, lo adoro. Bueno, no lo adoro, no lo disfruto,
pero trabajo mejor desde la ansiedad que desde un lugar de
confianza.
El miedo, el terror, se encuentra muy presente en su filmografía. Y

suele aparecer representado en forma de algo que persigue al
protagonista: dinosaurios, una gran bola de piedra, un camión sin
conductor, nazis; elementos que provocan una huida hacia
delante y desencadenan la acción. En Tiburón, esa huida y ese
terror también estuvieron presentes durante la filmación. Al poco
de comenzar el rodaje, el muñeco mecánico del escualo se
estropeó. La reparación llevó semanas, y provocó que el
realizador buscara alternativas para no detener la producción.
Decidió grabar parte de las escenas sin bicho. Y se sacó, del
pánico que probablemente sentía, una solución que cambió el
destino de la película: los protagonistas disparaban al tiburón
unos arpones con un barril atado en el extremo. De modo que
esas boyas surcando el agua eran, a ojos del público, el tiburón.
Más cerca cuanto más se aceleraba la música. La mera sugerencia
de la bestia resultaba incluso más amenazante. Sus películas no
son biográficas, pero es posible intuir en ellas aspectos de su vida.
Hay algo inconcreto que parece perseguirle desde la infancia. En
ocasiones lo ha exteriorizado citando el divorcio de sus padres,
que rompió el equilibrio familiar. Las obsesiones y los traumas a
menudo se esconden en un rincón abandonado de la niñez. Y
suelen configurar el motor de las personas creativas.
¿Tiene usted un primer recuerdo relacionado con lo que es hoy,

con su oficio, una de esas imágenes que se comprenden años
después, como un primer fogonazo que le indicara que se
convertiría en cineasta? Recuerdo lo bien que me sentía cuando
alguien me leía. Un sentimiento cálido y hermoso de crianza. Lo
experimentaba cuando mi abuela me leía un cuento a los dos o

tres años, cuando mi padre me leía ciencia-ficción a los siete u
ocho, cuando mi madre, a una edad temprana, me leía poesía. Me
encantaba que me leyeran. Liberaba mi imaginación. Sus palabras
disparaban imágenes en mi mente, me tocaba a mí rellenar los
huecos, el aspecto de los monstruos y de los ángeles y del héroe y
la heroína. Cuando empecé a ver películas, no quedaba sitio para
la imaginación. En la mayoría de ellas, todos los huecos habían
sido cubiertos por el cineasta. Aunque te atrapaban con una
historia estupenda. Y, si era buena, me gustaba verla una y otra
vez. Diría que el hecho de que me leyeran me ayudó a crear un
lenguaje visual que luego me sirvió bien en mi carrera.
Según ha contado, le marcó Lawrence de Arabia, sobre todo ese

instante cuando Peter O'Toole, ensangrentado, parece
preguntarse: "¿Quién soy?". ¿Por qué hace usted cine? ¿Para
entenderse mejor? No lo observo desde un punto de vista
intelectual. Me entiendo lo suficiente como para darme cuenta de
que no me conozco nada. Y entonces creo que me comprendo y
descubro que en absoluto. Si algún día descubro realmente quién
soy, no me quedarán más historias que contar. Así que necesito
mantener esa opción abierta, siempre.
¿Y no es esa la gran pregunta, quiénes somos? Sí, quiénes

somos, qué hacemos aquí. Pero su respuesta no nos corresponde.
Nunca me ha detenido la búsqueda de esa pregunta sobre quiénes
somos. Y, si fallo al encontrarla, quizá el siguiente proyecto me
revele algo más. Pero tampoco es lo que me empuja a contar
historias. No estoy buscando una guía sobre lo que me hace ser
quien soy. Me aburro solo de pensarlo.
¿Por qué ve películas? Porque me gusta perderme. Y perder el

control. Y, cuanto mejor la película, más pierdo el control. Me
convierto en un jugador en el escenario de otro, y lo amo. Si es lo
suficientemente bueno, olvido quién soy y dónde estoy. Esa es mi
definición de una gran historia.
Su cine suele mostrar una visión positiva de la vida: si algo se

rompe, puedes arreglarlo; si quieres algo, puedes lograrlo.
¿Comparte esa visión de la raza humana? Tengo una visión muy
positiva. Incluso cuando las cosas parecen lo más oscuras, sé que
habrá un amanecer. Siempre he estado convencido de ello. Soy
más pragmático en la vida real, sé que las cosas no cambian de un
día para otro. Lo que sí puedo hacer es que las cosas cambien de
un día para otro en una película, y ese es el motivo por el que
adoro contar historias, porque puedo manipular el hecho de que
algo que lleva 40 años cambie entre el segundo y el tercer acto. Es
una de las grandes ventajas de este oficio, y quizá el motivo por el
que me dedico a ello: porque soy capaz de controlar el cambio, a
mi ritmo.
Y lanzar un mensaje... Trato de demostrar a la gente que hay una

forma mejor de solucionar los problemas. Algunas de mis
películas hacen eso.
Volviendo a su época de E.T., ¿cuánto queda en usted de ese

niño, Elliot, que necesita ser sorprendido por lo
extraordinario? Creé esa película, con [la guionista] Melissa
Mathison, así que estoy vivo dentro de Elliot, y él sigue medrando
dentro de mí. Estará conmigo toda la vida. Me siento muy unido a
él. Y sé lo que es sentirse el hijo de un divorcio. Y sé lo que se
siente cuando uno trata de reemplazar a un padre ausente con
una criatura o un alienígena. Yo reemplacé a mi familia rota con
un montón de personajes rotos a través de los cuales podía contar
mi propia historia. No todas mis películas, pero sí muchas, iban de
cómo era ser el hijo de unos padres divorciados.
Y, a menudo, un niño corriente frente a lo extraordinario. Me

gusta lo extraordinario porque no sucede todos los días. Y me
gusta contar historias que no suceden todos los días. No puedo
hacer ese tipo de películas de Sundance, me encantan, y admiro
el talento de quienes logran hacerlas. Pero yo necesito añadir algo
que sea superior a lo que ocurre en la vida real.
Ahora tiene 71 años... Los 71 son los nuevos 51.
Buena respuesta. ¿Y nietos? Tengo cuatro.
¿Hay algo que considere esencial transmitirles, esa pista clave

para la vida? A mis nietos les digo siempre lo mismo: antes de
hablar, párate y escucha al otro. Es lo que mi padre me decía. Y es
lo que mi abuelo le decía a mi padre. Y eso ha estado en mi linaje
y a lo largo de mi experiencia en este planeta. Es algo que he
aprendido desde niño: has de escuchar, porque, si no, careces de
raíces y de una base para hablar. Se lo digo todo el rato: ¡Eh!
Escucha.
ARCHIVADO EN:
Steven Spielberg - Hollywood - Cine americano - Industria cine - Cine
CONTENIDO PATROCINADO
Y ADEMÁS...
Marcos Llorente desata

el cachondeo del
vestuario del Real
(TIKITAKAS)
El Bienve
© EDICIONES EL PAÍS S.L.
Contacto Venta de contenidos Publicidad Aviso legal Política cookies Mapa EL PAÍS en KIOSKOyMÁS Índice RSS

Entrevista - Steven Spielberg - "El Miedo Es Mi Combustible" - EL PAÍS Semanal

Transféré par

Informations du document

Titre original

Copyright

Formats disponibles

Partager ce document

Partager ou intégrer le document

Options de partage

Avez-vous trouvé ce document utile ?

Ce contenu est-il inapproprié ?

Droits d'auteur :

Formats disponibles

Entrevista - Steven Spielberg - "El Miedo Es Mi Combustible" - EL PAÍS Semanal

Transféré par

Droits d'auteur :

Formats disponibles

26/3/2018 Entrevista: Steven Spielberg: “El miedo es mi combustible” | EL PAÍS Semanal

Steven Spielberg: “El miedo es mi

25 MAR 2018 - 19:11 CEST

Ha sembrado el pánico, hecho llorar, emocionado y

A LOS 16 AÑOS, Steven Spielberg (Cincinnati, 1946) compró un

Su guarida tiene aspecto de hacienda mexicana, con un sello a la

las que remiten a su infancia, como Flash Gordon's Trip to Mars

“Las redes sociales han creado una excusa

Tres máquinas recreativas de los ochenta rompen con la armonía

Ernest Cline, el autor de la novela, reconoció que nunca la hubiera

Steven Spielberg. / ERIK TANNER

Y entonces se intuyen pasos ahí fuera, y la puerta vuelve a

desprende los matices arenosos de la senectud. Sus ojos color

Qué impresión da ver esa máquina recreativa de El templo

Y aterrorizó a los niños, cuando Indiana Jones se volvía malo.

Ahora estrena la película Ready Player One. ¿Qué le gustaría

“Decir que ‘Tiburón’ o ‘Star Wars’ arruinaron el

¿Por qué? En OASIS puedes ser lo que quieras. Creas la persona o

En la novela se describe el mundo virtual: "Se ha convertido

¿Le preocupa cómo comienzan a mezclarse las redes sociales y

En esa ﬁcción hay refugiados, cambio climático, crisis

Hace poco, un grupo de adolescentes me daba su

Abordó este tema en la reciente Los archivos del Pentágono.

Parece como si rodara dos tipos de películas: las de aventuras y

“Reemplacé a mi familia rota con personajes

¿Unas las hace por puro divertimento y otras como servicio

¿Primero echa la vista atrás, a la historia, para explicar el

Un crítico asegura que usted se ha convertido en "nuestro

Medicina y azúcar, quizá sea la fórmula de su conexión con el

Sus 30 largometrajes, sin actualizar los precios, han facturado

Steven Spielberg. / ERIK TANNER

Probablemente ha moldeado la mente de millones de personas.

película que he dirigido. Solo he regresado a ellas a través de mis

¿Cuántos proyectos suele tener en mente? Normalmente

En alguna ocasión usted se ha retratado así: "No era divertido

Hay quien le critica —a usted y a Lucas— por haber empobrecido

¿Puede la cultura de masas ser arte? ¿Quién puede determinar

Sting, en la cima de su carrera, se preguntaba: tengo éxito y

¿Y desde un punto de vista creativo? Mire, no soy el tipo de

Y si pierde esa sensación, ¿se acabó? No haría esto nunca más.

El miedo, el terror, se encuentra muy presente en su ﬁlmografía. Y

¿Tiene usted un primer recuerdo relacionado con lo que es hoy,

experimentaba cuando mi abuela me leía un cuento a los dos o

Según ha contado, le marcó Lawrence de Arabia, sobre todo ese

¿Y no es esa la gran pregunta, quiénes somos? Sí, quiénes

¿Por qué ve películas? Porque me gusta perderme. Y perder el

Su cine suele mostrar una visión positiva de la vida: si algo se

Y lanzar un mensaje... Trato de demostrar a la gente que hay una

Volviendo a su época de E.T., ¿cuánto queda en usted de ese

Y, a menudo, un niño corriente frente a lo extraordinario. Me

Ahora tiene 71 años... Los 71 son los nuevos 51.

Buena respuesta. ¿Y nietos? Tengo cuatro.

¿Hay algo que considere esencial transmitirles, esa pista clave

Steven Spielberg - Hollywood - Cine americano - Industria cine - Cine

Marcos Llorente desata

Vous aimerez peut-être aussi