ARTE Y CULTURA

ARTE Y CULTURA

Arte y cultura son conceptos muy habitualmente emparejados para referirse a

los productos artísticos y culturales que definen los rasgos más importantes de
una civilización, especialmente en sus componentes más elitistas y subliminales
de osoes (la alta cultura), pero también en lo que define su forma de vida y su
manera de entender a sí misma y al mundo (cosmovisión, ideología).
Mientras que el uso más habitual del término "arte" es mayoritariamente
restringido en su uso bibliográfico a las denominadas tradicionalmente artes
mayores (pintura, escultura y arquitectura), las bellas artes clásicas incluyen
también la danza, la música y la literatura; y se han añadido "nuevas artes"
(séptimo arte -cine-, octavo arte o noveno arte -
fotografía, cómic, televisión, publicidad-).
El concepto de cultura es aún más genérico, e incluye todas las actividades
humanas (desde la gastronomía hasta todas las manifestaciones del folclore,
las tradiciones populares, las tendencias de la moda y las propuestas de todo
tipo de subculturas -formas de ocio, tribus urbanas-).
Los aspectos ideológicos inseparables en el tratamiento del arte y la cultura
hacen que en los estudios sobre ellas se refieran sistemáticamente a la religión,
las doctrinas políticas y económicas, la ciencia y tecnología y todo tipo
de relaciones sociales.
Relación entre arte y cultura

Actualmente, las llamadas artes o Bellas artes producen obras u objetos que
son valorados socialmente por las siguientes razones:

1. Al ser manifestaciones estéticas de una cultura (esto quiere decir, que se

dirigen a nuestra sensibilidad produciendo efectos en ella), expresan los valores
y elementos que estructuran a una sociedad.

"...es interesante analizar una obra en el contexto en que surgió, y no sólo como
la mera expresión de un iluminado".

"Una obra ve la luz no sólo por la voluntad de un artista individual, sino también
porque hay un marco social que le permite hacerlo. De este modo, se
constituye como un modo de expresión."

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2. Las artes, son fenómenos socio-culturales, que pueden explicarse a través de

contextos históricos, sociales, económicos y políticos. Como procesos, se
constituyen en contextos determinados, y como obras singulares y creativas,
también nos hablan de dichos contextos.

3. Por otra parte, las artes proponen una serie de prácticas y valores que inciden
significativamente en la sensibilidad de los individuos: "En síntesis, en la creación
de necesidades estéticas, -o lo que es lo mismo, la formación de la sensibilidad-
, intervienen sociedad, el individuo y la cultura; esta última a través del sistema
estético en el que crece y nace la persona"

4. Entendiendo que la cultura es una construcción en constante transformación,

la renovación de los valores artísticos y hábitos estéticos dependen de las artes,
que cuestionan e innovan la manera de percibir lo establecido como valores,
modelos o prácticas que se constituyen como norma.

Las artes, no responden muchas veces a las necesidades de uso que tienen los
diseños o productos industriales, sin embargo, representan otro tipo de
utilidades para el hombre: El desarrollo de la sensibilidad, la creatividad y la
imaginación, también la renovación de valores y hábitos estéticos de
apreciación. Las artes nos proponen la búsqueda incesante de un
conocimiento especial sobre el hombre y sus sociedades que no se equipara al
que proporcionan la ciencia y la filosofía. No obstante, se han dado diálogos
muy fecundos e influencias recíprocas entre las artes y otras disciplinas
científicas y humanísticas. Las manifestaciones artísticas también son productos
de inspiración al tiempo que se nutren de otros productos y manifestaciones de
la cultura estética, como las artesanías y los comics, por citar algunos ejemplos.

COMPONENTES DEL ARTE

1. MÚSICA:
La música (del griego: μουσική [τέχνη]
- mousikē [téchnē], «el arte de las musas») es, según la
definición tradicional del término, el arte de organizar
sensible y lógicamente una combinación coherente
de sonidos y silencios utilizando los principios
fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo,
mediante la intervención de complejos procesos psico-
anímicos. El concepto de música ha ido

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evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia, en que se reunía

sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde
hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es
y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de
diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien
podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de
este arte.
La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El
fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y
expresar sentimientos, emociones, circunstancias, pensamientos o ideas.
La música es un estímuloque afecta el campo perceptivo del individuo;
así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones
(entretenimiento, comunicación, ambientación, diversión, etc.).
La música académica occidental ha
desarrollado un método de escritura
basado en dos ejes: el horizontal
representa el transcurso del tiempo, y
el vertical la altura del sonido; la
duración de cada sonido está dada
por la forma de las figuras musicales.

Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de

las expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas,
sociales, culturales e históricas. De esta forma, surgen múltiples y diversas
definiciones que pueden ser válidas en el momento de expresar qué se
entiende por música. Ninguna, sin embargo, puede ser considerada
como perfecta o absoluta.
Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad
organizada (según una formulación perceptible, coherente y
significativa). Esta definición parte de que —en aquello a lo que
consensualmente se puede denominar "música"— se pueden percibir
ciertos patrones del "flujo sonoro" en función de cómo las propiedades
del sonido son aprendidas y procesadas por los humanos (hay incluso
quienes consideran que también por los animales).
Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en
tres atributos esenciales: que utiliza sonidos, que es un
producto humano (y en este sentido, artificial) y que predomina la
función estética. Si tomáramos en cuenta solo los dos primeros elementos
de la definición, nada diferenciaría a la música del lenguaje. En cuanto

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a la función "estética", se trata de un punto bastante discutible; así, por

ejemplo, un "jingle" publicitario no deja de ser música por cumplir una
función no estética (tratar de vender una mercancía). Por otra parte,
hablar de una función "estética" presupone una idea de la música (y del
arte en general) que funciona en forma autónoma, ajena al
funcionamiento de la sociedad, tal como la vemos en la teoría del arte
del filósofo Immanuel Kant.
Jean-Jacques Rousseau, autor de las voces musicales
en L'Encyclopédie de Diderot, después recogidas en su Dictionnaire de
la Musique,1 la definió como el «arte de combinar los sonidos de una
manera agradable al oído».2
Según el compositor Claude Debussy, la música es «un total de fuerzas
dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el
instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un sistema
receptor».
La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante
a esta: «la música es el arte del bien combinar los sonidos en el tiempo».
Esta definición no se detiene a explicar lo que es el arte, y presupone que
hay combinaciones "bien hechas" y otras que no lo son, lo que es por lo
menos discutible.
Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como un conjunto
de tonos ordenados de manera horizontal (melodía) y vertical (armonía).
Este orden o estructura que debe tener un grupo de sonidos para ser
llamados música está, por ejemplo, presente en las aseveraciones del
filósofo Alemán Goethe cuando la comparaba con la arquitectura,
definiendo metafóricamente a la arquitectura como "música
congelada". La mayoría de los estudiosos coincide en el aspecto de la
estructura, es decir, en el hecho de que la música implica una
organización; pero algunos teóricos modernos difieren en que el
resultado deba ser placentero o agradable.

2. DANZA:
La danza o el baile es un arte donde se utiliza el movimiento del cuerpo
usualmente con música, como una forma de expresión y de interacción
social, con fines de entretenimiento, artísticos o religiosos. Es el
movimiento en el espacio que se realiza con una parte o todo el cuerpo
del ejecutante, con cierto compás o ritmo como expresión de

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sentimientos individuales, o de símbolos de la cultura y la sociedad. En

este sentido, la danza también es una forma de comunicación, ya que
se usa el lenguaje no verbal entre los seres humanos, donde
el bailarín o bailarina expresa sentimientos y emociones a través de sus
movimientos y gestos. Se realiza mayormente con música, ya sea
una canción, pieza musical o sonidos.
Dentro de la danza existe la coreografía,
que es el arte de crear danzas. La persona
que crea coreografía, se le conoce
como coreógrafo. La danza se puede bailar
con un número variado de bailarines, que
va desde solitario, en pareja o grupos, pero
el número por lo general dependerá de la
danza que se va a ejecutar y también de su
objetivo, y en algunos casos más
estructurados, de la idea del coreógrafo.
Danza es la acción o manera de bailar. Se trata de la ejecución de
movimientos al ritmo de la música que permite expresar sentimientos y
emociones. Se estima que la danza fue una de las primeras
manifestaciones artísticas de la historia de la humanidad
Es importante resaltar el hecho de que la danza tiene su origen ya en la
Prehistoria pues desde siempre el hombre ha tenido la necesidad de
expresar sus sentimientos y no sólo a través de la comunicación verbal
sino también mediante lo que sería la comunicación corporal. No
obstante, en esos orígenes el ser humano recurría a la danza como parte
fundamental de rituales relacionados con la fecundidad o la guerra.
La danza implica la interacción de diversos elementos. El movimiento
del cuerpo requiere de un adecuado manejo del espacio y de nociones
rítmicas. La intención del bailarín es que sus movimientos acompañen a
la música. Por ejemplo: un música de ritmo lento y tranquilo requiere de
pasos de danza pausados y poco estridentes. La expresión corporal
también se apoya en la vestimenta utilizada durante la danza.
Es importante tener en cuenta que el predominio del ritmo o del uso del
espacio puede variar de acuerdo a la danza en cuestión. Otros factores
que exceden a la danza en sí, como la mímica y el canto, también
forman parte del baile.

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Muchos son los tipos y géneros de danza que existen. No obstante,

fundamentalmente podemos dividirlos en tres grandes grupos

Danzas tradicionales y folklóricas. En este caso, bajo dicha

denominación se encuentran aquellas que son fruto de la cultura popular
de una población y que se entienden como parte fundamental de su
riqueza etnográfica. Entre los mismos se hallan el flamenco, el tango, la
danza árabe o los llamados bailes de salón.
Danzas clásicas. Desde tiempos inmemoriales hasta nuestros días se
practican este tipo de danzas que se identifican por el hecho de que
quienes las llevan a cabo a cabo realizan movimientos ligeros,
armoniosos y perfectamente coordinados. Dentro de esta categoría se
incluyen la danza medieval o el ballet, entre otros.
Danzas modernas. Los jóvenes son los que practican y desarrollan este
tipo de danzas que, en muchos casos, llevan asociadas una manera de
entender la vida e incluso de vestir. Entre las mismas se encuentran el
breakdance, el popping, el funky, el jumpstyle, el moonwalk o incluso el
rock and roll.
Muchos son los profesionales de la danza que a lo largo de la historia han
conseguido convertirse en auténticos mitos. Entre ellos tendríamos que
hablar, por ejemplo, de Mijail Baryshikov, Rudolf Nureyev, Anna Pavlova
o Tamara Rojo.

3. TEATRO
El teatro (del griego: θέατρον, theátron o «lugar para contemplar»
derivado de θεάομαι, theáomai o «mirar»)1 es la rama de las artes
escénicasrelacionada con la actuación, que representa historias
actuadas frente a los espectadores o frente a una cámara usando una
combinación de
discurso, gestos, escenografía, música, sonido o espectáculo.
También se entiende por «teatro» al género literario que comprende
las obras de teatro representadas ante un público o para ser grabadas y
reproducidas en cine ante un público, así como a la edificación donde
se presentan tradicionalmente dichas obras o grabaciones. En adición a
la narrativa común, el estilo de diálogo, el teatro también toma otras
formas como la ópera, el ballet, el cine, la ópera china o la pantomima.
El Día Mundial del Teatro se celebra desde 1961, cada 27 de marzo.

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La Historia del teatro estudia la evolución del arte dramático a través del
tiempo. El concepto del teatro es muy amplio: cualquier grupo de
personas que desarrolla un espectáculo en un tiempo y espacio
determinado forman un espectáculo teatral. El teatro tiene una
base literaria, un guion o argumento escrito por un dramaturgo. Pero ese
texto dramático requiere una puesta en acción, para la cual es
imprescindible la interpretación por medio de actores o personajes que
desarrollen la acción, así como elementos como
la escenografía y decorados, la iluminación, el maquillaje, el vestuario,
etc. Ciertos espectáculos pueden ser igualmente sin texto, como en el
caso de la mímica y la pantomima, donde destaca la expresión gestual.
Por otro lado, un elemento indispensable para la comunicación es la
presencia de un público. El teatro tiene una función de socialización de
las relaciones humanas, ya que presenta cierto grado de ritualización.
Los orígenes del teatro se encuentran en antiguos ritos de
origen prehistórico, donde el ser humano empezó a ser consciente de la
importancia de la comunicación para las relaciones sociales. Ciertas
ceremonias religiosas tenían ya desde su origen cierto componente de
escenificación teatral. En los ritos de caza, el hombre primitivo imitaba
a animales: del rito se pasó al mito, del brujo al actor. En África, los ritos
religiosos mezclaban el movimiento y la comunicación gestual con
la música y la danza, y objetos identitarios como las máscaras, que
servían para expresar roles o estados de ánimo. Estos ritos reforzaban la
identidad y la cohesión social: los gun de Porto Novo (Benín) hacen
el kubitó, ceremonia mortuoria donde los participantes, con técnicas
de prestidigitación, desaparecen del público;
los ibo de Nigeria celebran el odo, sobre los muertos que retornan;
los dogon de Malí practican el sigui cada 60 años, en celebración del
primer hombre que murió; los abidji de Costa de Marfil tienen el dipri,
fiesta agrícola de año nuevo, donde se clavan cuchillos en el vientre,
cicatrizando luego las heridas con una pasta. En la América
precolombina se desarrolló una forma de teatro en las
culturas maya, inca y azteca: el maya estaba relacionado con fiestas
agrícolas, e ilustraba historias del Popol Vuh; el azteca desarrolló
notablemente la mímica, y tenía dos vertientes, una religiosa y otra
burlesca; el inca, escrito en quechua, servía a intereses del estado.

4. ARTE VISUAL
Artes Visuales. Formas, expresiones de arte que se encuentran enfocadas
preeminentemente a la creación de trabajos que son visuales por
naturaleza como pueden ser: la Pintura, la Fotografía, el Grabado,
la Escultura, la Arquitectura, el Cine, la Serigrafía, el Diseño, el Videoarte,
la instalación, etc.

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Las artes visuales son una manifestación artística, expresiva, de

percepción visual en la cual el individuo crea y recrea mundos naturales
o fantásticos mediante elementos materiales utilizando diversas técnicas
que le permiten expresar sus sentimientos, emociones y percepciones del
mundo que lo rodea. Las Artes Visuales son formas de arte cuyas obras
son principalmente visuales en naturaleza. Tradicionalmente se
reconocen en este grupo la Pintura, la Escultura, la Arquitectura y
la Fotografía, así como el video, la instalación y la producción
audiovisual, pero se pueden incluir también las artes plásticas como
la cerámica, el dibujo y el grabado, y también el diseño y la artesanía.
Muchas de estas disciplinas, sin embargo, pueden ser incluidas dentro de
otras artes como por ejemplo el Arte conceptual, además de las artes
visuales.

Surgimiento del concepto

El concepto Artes Visuales se gesta a fines de la Segunda Guerra Mundial,
cuando los artistas europeos que habían emigrado a New York asientan
una producción artística que se relaciona con la libertad expresiva y
formal propiciada por las vanguardias de fines del Siglo XIX, a lo que se
sumó el crucial empuje que significaron las propuestas de Marcel
Duchamp. Pero es alrededor de 1980 cuando el término "Artes Visuales"
empieza a predominar en el vocabulario, pues es más adecuado para
el arte contemporáneo que la denominación Artes Plásticas.

Ideas básicas que definen el Arte Visual

 Apropiación, por parte del artista, de una cantidad ilimitada de

recursos así como de estilos, incluso de siglos pasados
(Renacimiento o Quattrocento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticism
o), los que son incorporados de modo innovador al interior de las
composiciones.
 Circulación y Experimentación, puesto que la gran mayoría de los
artistas cuenta con una disciplina base, por
ejemplo, Pintura o Fotografía, pero investiga otras disciplinas que
puedan potenciar estéticamente su producción; ésta es vista
entonces como una continuidad (basada en conceptos) que se
presenta a través de diferentes soportes y materias.
 Pluralismo y Globalización: tiene que ver con la fluida comunicación
entre artistas de distintos países y continentes, facilitada por medios de
comunicación como Internet, o por las cada vez más óptimas
condiciones de viaje, traspaso de fronteras y emigración. El fenómeno
de la globalización permite un enriquecimiento del lenguaje artístico,
puesto que ingresan a la "escena internacional" artistas
tercermundistas que aportan elementos estéticos de su propias
culturas; así mismo, se produce una suerte de similitud general en el

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estilo: ya no se distingue una obra como característica de un país, y

tampoco es relevante que así sea.

 Estrategias Expositivas: tanto los artistas como los curadores buscan

nuevas estrategias expositivas acordes a la naturaleza de las obras,
creando exposiciones innovadoras en ideas, montaje y formatos.
Experimentan con la ocupación de espacios públicos o sitios
abandonados, la instalación de la muestra exclusivamente en Internet o
en periódicos, y también con variaciones en la duración de la misma:
desde pocas horas, hasta el clásico período de varias semanas o meses
de exhibición.

Composición
En el dibujo, la escultura, la pintura, el arte figurativo, el clásico, el
moderno, el abstracto, en el arte comercial y en el publicitario, la
composición es un factor que proporciona coherencia formal a la obra
de arte.
Definición: Componer es ordenar, seleccionar, disponer, distribuir y
estructurar elementos plásticos visuales que configuran la obra, teniendo
en cuenta conceptos como equilibrio, distribución de masas, simetría, luz,
color, entre otros.
Finalidad: La composición depende de la intención del artista,debe tener
un significado y transmitir un mensaje claro para el observador.
Factores: Existen algunos factores que influye en la percepción de la
obra.
1. Por Agrupación.- Existen varias formas de agrupación:
a) Por Proximidad.- Tendemos a agrupar los elementos cuando estos
tienen cercanía entre sí.
b) Por semejanza.- Se agrupa cuando los elementos son figuras
conocidas, parecidas o iguales entre sí.Lestrove, Callobre,
Pontecaldelas...
c) Por continuidades.- Se tiende a agrupar los elementos a través de una
continuidad significativa, es decir observamos primero los elementos
principales seguido de los menos importantes
2.- Por Figura Fondo.- Se tiende a separar los elementos del fondo o
viceversa; ya que a veces percibimos el fondo como figura.
3.- Por Contorno.- El contorno separa y distingue la figura del fondo y está
representado por una línea continua o discontinua o en el límite de dos
colores diferentes, llamado línea de recorte.

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4.- Por Pregnancia.- Se tiende a rellenar visualmente aquellos espacios

huecos para completar un objeto.

HISTORIA DEL ARTE

Entendido como cualquier actividad o producto
realizado por el ser humano con
finalidad estética o comunicativa, a través del
que expresa ideas, emociones o, en general,
una visión del mundo, el arte emplea diversos
recursos, como
los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos.
La historiografía del arte, como disciplina
académica y entorno institucional
(museos, mercado del arte, departamentos
universitarios, producciones editoriales) se suele
restringir a las denominadas artes visuales o
plásticas (esencialmente
a pintura, escultura y arquitectura), mientras que
otras artes son más específicamente objeto de estudio de otras disciplinas
claramente delimitadas, como la historia de la literatura o la historia de la
música, siendo todas ellas objeto de atención por la denominada historia de la
cultura o historia cultural, junto con las historias sectoriales enfocadas a otras
manifestaciones del pensamiento, como la historia de la ciencia, la historia de
la filosofía o la historia de las religiones. Algunos campos de conocimiento
estrechamente relacionados con la historia del arte son la estética y la teoría
del arte.
A lo largo del tiempo el arte se ha clasificado de muy diversa manera, desde la
distinción medieval entre artes liberales y artes vulgares (o «mecánicas»),
pasando por la moderna distinción entre bellas artes y artes menores o
aplicadas, hasta la multiplicidad contemporánea, que entiende como arte casi
cualquier manifestación de la creatividad del ser humano.
La sucesiva ampliación del listado de las «artes principales» llegó en el siglo XX
hasta el número de nueve: la arquitectura, la danza, la escultura, la música,
la pintura, la poesía —entendida de forma amplia como literatura con
intención estética, que incluye los distintos géneros del teatro y la narrativa—,
la cinematografía, la fotografía y la historieta (o cómic).
Al solapamiento conceptual de términos entre artes plásticas y artes visuales se
añadieron los de diseño y artes gráficas. Además de antiquísimas formas de
expresión artística como la moda y la gastronomía, actualmente se suelen
considerar artes nuevos vehículos expresivos como la publicidad, la animación,
la televisión y los videojuegos.

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La historiografía del arte es una ciencia multidisciplinar, procurando un examen

objetivo del arte a través de la historia, clasificando culturas,
estableciendo periodizaciones y observando sus características distintivas e
influencias. El estudio de la historia del Arte se desarrolló inicialmente en
el Renacimiento, con su objeto limitado a la producción artística de
la civilización occidental. No obstante, con el tiempo se ha impuesto una visión
más amplia de la historia artística, intentando una descripción global del arte
de todas las civilizaciones y el análisis de sus producciones artísticas en términos
de sus propios valores culturales (relativismo cultural), y no sólo de los de
la historia del arte occidental.
El arte goza hoy día de una amplia red de estudio, difusión y conservación de
todo el legado artístico producido por la humanidad a lo largo de su historia.
Durante el siglo XX han proliferado las instituciones, fundaciones, museos
y galerías, de ámbito público y privado, dedicados al análisis y catalogación
de las obras de arte, así como su exposición a un público mayoritario. El auge
de los medios de comunicación ha sido fundamental para el mejor estudio y
divulgación del arte.
Eventos y exposiciones internacionales, como las bienales de Venecia y São
Paulo o la Documenta de Kassel han ayudado al fomento de nuevos estilos y
tendencias. Premios como el Turner de la Tate Gallery, el Premio de la
Fundación Wolf de las Artes, la Medalla Picasso de la UNESCO, el Premio
Velázquez de Artes Plásticas, el Premio Pritzker de arquitectura, el Premio Nobel
de literatura, la Medalla Mozart de la Unesco de música clásica, el Pulitzer de
fotografía y los Óscar de cine también fomentan la obra de los mejores
creadores a nivel internacional. Instituciones como la UNESCO con el
establecimiento de un Patrimonio de la Humanidad ayudan igualmente a la
conservación de los principales monumentos del planeta.

IDENTIDAD CULTURAL
Es un conjunto de valores, tradiciones, símbolos, creencias y modos de
comportamiento que funcionan como elementos dentro de un grupo social y
que actúan para que los individuos que lo forman puedan fundamentar su
sentimiento de pertenencia que hacen parte a la diversidad al interior de las
mismas en respuesta a los intereses, códigos, normas y rituales que comparten
dichos grupos dentro de la cultura dominante.[cita requerida]. A decir de Jaime
Fisher,1 la identidad cultural es el sentido de pertenencia a un determinado
grupo social y es un criterio para diferenciarse de la otredad colectiva. Así, un
individuo puede identificarse con alguno o algunos de los contenidos culturales

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 ARTE Y CULTURA

de un grupo social (tradiciones,

costumbres, valores) pero -y esto es
significativo para comprender el
concepto de identidad cultural desde
Fisher- dentro de un mismo grupo
aparentemente homogéneo existen
varias identidades, puesto que cada
uno de sus integrantes se identifica con
varios -no todos, ni de la misma
manera- con los componentes
señalados. La multidiversidad, entonces, es ese conjunto de identidades
posibles dentro de un mismo grupo. El autor propone tres tipos básicos de
identidad cultural y tres tipos distintos de multiculturalismo. A saber, endógeno,
exógeno e intercultural. En el primero, un grupo autóctono minoritario se halla
políticamente sujeto a un Estado nación con valores occidentales. El segundo
se presenta en países medianamente homogéneos que han aceptado
inmigrantes de razas y culturas varias. Y el último lo encontramos cuando
culturas minoritarias conviven con un creciente flujo de inmigrantes.

Construcción de identidad
La construcción de identidades es “un fenómeno que surge de la dialéctica
entre el individuo y la sociedad”.2 Las identidades se construyen a través de un
proceso de individualización por los propios actores para los que son fuentes de
sentido3 y aunque se puedan originar en las instituciones dominantes, sólo lo son
si los actores sociales las interiorizan y sobre esto último construyen su sentido. En
esta línea, Castells4 diferencia los roles definidos por normas estructuradas por
las instituciones y organizaciones de la sociedad (e influyen en la conducta
según las negociaciones entre individuos y dichas instituciones, entre
organizando así las funciones) y las identidades definidas como proceso de
construcción del sentido atendiendo a un atributo o conjunto de atributos
culturales (organizando dicho sentido, entendido como la identificación
simbólica que realiza un actor social del objetivo de su acción). De alguna
manera, se puede interpretar que se están reforzando las propuestas tendentes
a reconocer los procesos de identificación en situaciones de policulturalismo5 o
momentos de identificación6 que se dan en la sociedad-red, emergiendo
pequeños grupos y redes (en plural).

ARTE Y CULTURA DENTRO DE LA ESCUELA DE LA POLICÍA NACIONAL DEL PERÚ

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Dentro de la Escuela de la Policía Nacional del Perú se enseña el respeto a las

normas y costumbres por ser un país multicultural, trabajando con la comunidad
de su jurisdicción, donde los alumnos PNP
participan de los proyectos de trabajos
con las familias, los colegios, se hace
presente a través de participación activa
en los eventos de su jurisdicción.
Asimismo a través de su historia tiene
símbolos que se siguen trasmitiendo como
parte de la mística policial, el respeto al
Himno Institucional, su estandarte,
emblema así como a sus distintivos de
autoridad.

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