BOLETÍN DE INFORMACIÓN DISCOGRÁFICA

AÑO X - Nº 95 - JULIO-AGOSTO 2001

c/ELOY GONZALO, 27 • 28010 MADRID • TFNO.: 914 47 77 24 • FAX: 914 47 85 79
e-mail: diverdi@diverdi.com

El disco del mes

El disco del mes no es un disco:
el DVD llega a DIVERDI de la mano de PIONEER

Veladas en Covent Garden

Nox-Lux o las seducciones del medievo
por La Reverdie, en ARCANA

DIVERDI entrevista: Hervé Niquet

El Armonico Tributo de Muffat:

nuevo Letzbor en SYMPHONIA

Villancicos en verano, tarjeta de presentación de ARSIS

Varady, Fassbaender, Miricioiu:

grandes voces femeninas en ópera y lied

Una Anna Bolena integral en Bérgamo 2000

Novedades líricas de BONGIOVANNI:

la Elisabetta rossiniana y la Zazà de Leoncavallo

Egk en su centenario: Columbus y Leyenda irlandesa

Desde Madrid, el testamento

mendelssohniano de Peter Maag
 E
l sello andaluz ALMAVIVA nos ofrece cuatro
exquisitas obras camerísticas de quien está con-
siderado como uno de los más delicados orfe-
Sellos en Distribución bres españoles del género, Joaquín Turina. En las
exclusiva competentes manos del Greenwich String Quartet
se nos presentan el Cuarteto de cuerdas, op. 4, De
(Julio-Agosto 2001) la guitarra, el Quinteto en sol menor, op. 1, la
Los sellos indicados con un ✺ Serenata, op. 87, y la celebérrima Oración del
disponen de catálogo gratuito a Torero, op. 34. Complementada por las alecciona-
disposición de nuestros lectores doras notas de Andrés Ruiz Tarazona, esta grabación
de unas obras que, en su andadura hacia la inmor-
talidad, son ya casi centenarias, será reseñada en
ACCENT estas páginas el próximo mes de septiembre por
J. TURINA: Cuarteto de cuerdas, op. 4, De la guitarra;
AGORA✺ Serenata, op. 7; Quinteto en sol menor, op. 1; La ora- nuestro amigo y colaborador Justo Romero. Sin
ción del torero, op. 34 / Brenno Ambrosini (piano) /
ALIA VOX✺ Cuarteto Greenwich / ALMAVIVA / Ref.: DS 0130 (1 embargo, se encuentra ya disponible para quienes
CD) D2 deseen adquirirla.
ALMAVIVA✺
AMBROISIE✺
ARCANA✺ relhkñuwerhjafbdfgneyerrk,gbbasngkjmn
ARKADIA
ARSIS
EL TELETIPO
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ARTS✺
BBC LEGENDS✺ Pasado el verano saldrá al mercado, publicada por GLOSSA, la última obra de Barbara Strozzi
(1619-c.1677), para muchos la mayor compositora desde Hildegard von Bingen. Se trata de su
BIS Opera Ottava (Venecia, 1664), compuesta por una colección de arias y cantatas, aquí interpreta-
BONGIOVANNI das por La Risonanza, con Fabio Bonizzoni al clave y a la dirección. El registro -de cuyas ocho piezas siete son
primeras grabaciones mundiales- fue recogido en Lugano el pasado mes de noviembre.
COL LEGNO
CPO✺ Y la vuelta de vacaciones verá también el lanzamiento por parte de GOLDEN MELODRAM de un
nuevo Anillo wagneriano al completo dirigido por el incomparable Hans Knappertsbusch. Se trata
DURIAN del tercer y último ciclo que dirigió en Bayreuth, en 1958, en el que contó con las habituales voces
DYNAMIC✺ de Varnay, Hotter, Windgassen, Greindl y la novedad de Rysanek y Vickers como pareja de welsungos.
ENCHIRIADIS
En cuanto a MYTO, su tercer lanzamiento del presente año incluye un Réquiem verdiano diri-
ENSAYO✺ gido por Zubin Mehta en Los Ángeles en 1967 en el que Franco Corelli cantó por única vez la
EUFODA parte del tenor, junto a Jones, Bumbry y Flagello. Más cosas: la Lucrezia Borgia de
Bérgamo (1971) con Leyla Gencer, a quien también encontramos en el mítico Trovatore del 57 junto a Del
GLISSANDO✺ Monaco, Barbieri y Bastianini. Y, por último, una Madama Butterfly de San Francisco (1974) en la que un joven-
GLOSSA císimo José Carreras da la réplica a la gloriosa Cio-Cio-San de Renata Scotto.
GOLDEN MELODRAM✺ Cuatro de los más afamados artistas de BBC Legends reaparecen en el decimotercer lanza-
KOCH miento del sello inglés: Barbirolli, con su Orquesta Hallé, en su última aparición londinense
(Mayo, 1970), dirigiendo la Octava de Bruckner; Stokowski, con un popular programa sinfó-
LINDORO nico-coral ruso que va de Glinka a Shostakovich, interpretado con la Royal Philharmonic en junio de 1969;
MUSIC & ARTS Beecham, con la misma orquesta y el Coro Femenino de la BBC, interpretando páginas de Wagner, Delius, Bizet y
MYTO✺ Massenet; y, por último, Janet Baker, de la que se nos ofrece un amplio programa Schubert correspondiente a gra-
baciones en vivo de 1970 a 1980, con pianistas de la categoría de Martin Issepp, Graham Johnson y Geoffrey
NUOVA ERA✺ Parsons.
OLYMPIA
PREISER anuncia un nuevo recital de grabaciones juveniles de Giuseppe Di Stefano -incluido algún
ONDINE✺ inédito- y un doble álbum conmemorativo del bicentenario de Bellini en el que las voces más
ON STAGE importantes de la primera mitad de siglo desgranan preferentemente páginas de sus tres capolavori: Norma,
Sonnambula y Puritani.
OPERA RARA✺
OPERA TRES✺ Junto al precioso disco Turina que figura encima de estas líneas, el sello andaluz
ALMAVIVA inaugura una nueva línea en su catálogo dedicada a grabaciones en vivo
ORFEO✺ del Festival de Granada. Como primeros lanzamientos figuran un programa de música andalusí a cargo del grupo
PANTON✺ argelino Ensemble Awtar-Tilimsen, y un doble CD dedicado a obras de cámara y sinfónicas de compositores anda-
PEARL✺ luces contemporáneos de la categoría de Castillo, Guerrero, Hidalgo, García Román y Juan Alfonso García.

PIONEER DVD Y tras unos meses de «sequía», TESTAMENT anuncia un auténtico diluvio de novedades: tres CDs dedi-
PREISER✺ cados a Gérard Souzay, otros tantos de grabaciones de Debussy por la histórica batuta de Inghelbrecht,
Bruckner por Giulini, inéditos de Heifetz, conciertos mozartianos con Fischer, y dos óperas: Il filosofo di
RICERCAR campagna, de Galuppi, con Moffo y Panerai dirigidos por Fasano, y una Traviata con Stella, Di Stefano y Gobbi
RICORDI en la que Tullio Serafin dirige a los conjuntos estables de La Scala milanesa.
ROMOPHONE✺
STRADIVARIUS
SUPRAPHON✺ HORARIO DE VERANO
SYMPHONIA✺
SYMPOSIUM
DIVERDI comunica a sus clientes que del 1 de julio al 31 de agosto nuestro
TESTAMENT✺ Horario de atención al cliente, tanto por teléfono como en nuestras oficinas,
TIMPANI✺ será desde las 09:00 hasta las 17:00 horas, de lunes a viernes, lo que roga-
WERGO✺ mos tengan en cuenta tanto a efectos de visitas como de consultas y pedidos
WINTER & WINTER✺ telefónicos. A todos, feliz verano.
(2)
PIONEER se incorpora al mercado del DVD clásico con tres llamativos títulos
Veladas en Covent Garden
E l sello PIONEER fue el que con mayor fidelidad se entregó al
soporte laserdisc, manteniendo hasta los últimos coletazos de
este medio audiovisual su catálogo de óperas y ballets, afecto
muy directamente al escenario del Covent Garden, hasta el punto
de convertirse en una especie de testigo privilegiado de la historia
musical más reciente del teatro londinense. Es ahora el momento de
trasladar todo ese interesantísimo repertorio al nuevo y más cómo-
do soporte de moda, el DVD, que se está evidenciando mucho más
efectivo, económico y obsequioso que aquel otro de efímera exis-
tencia. Los tres primeros títulos que abren caminos (precediendo a
otros de próxima publicación, entre los que se encuentra el excep-
cional Roméo et Juliette gounodiano de Roberto Alagna y Leontina
Vaduva y la Lucrezia Borgia de Sutherland y Kraus) son una gala
chaikovsquiana y dos óperas verdianas, no sólo oportunamente
puntuales dadas las celebraciones centenariales, sino porque ya se
han colocado en lugar preferente entre los éxitos más sonados de las
últimas temporadas inglesas.
En enero de 1987, Plácido Domingo ofreció su
concepción de Otello en Covent Garden, al lado de
la Desdemona de Katia Ricciarelli y del sinuoso Yago
de Justino Díaz, es decir, con los mismos colegas con
los que había realizado dos años antes el precioso
filme de Franco Zeffirelli para la productora Golam-
Globus. Con una sobria realización escénica de Elijah
Moshinsky y la analítica y al mismo tiempo emocio-
nante dirección de Carlos Kleiber, resultó uno de los
más apoteósicos triunfos del tenor en uno de los esce-
narios más privilegiados por el cantante. Hasta el
punto de que tres años después, justamente también
en enero, tenor, soprano y barítono repetían la proe-
za , con la misma producción y el mismo y genial
Kleiber en el foso. Fue tal el éxito que se impuso una
tercera reprise, esta vez con el aliciente de perpetuar-
la para siempre en vídeo. Tuvo lugar dos años des-
pués, coincidiendo con el 80º cumpleaños de Sir Georg Solti (que
sustituía en la batuta a Kleiber), a quien se homenajeaba así en un
merecido agradecimiento por el prestigio que el Covent Garden
había conseguido bajo la dirección artística y musical de este gran
director de origen húngaro.
Se considera casi con unanimidad que esta interpretación de
Otello por parte de Domingo es la que más fielmente refleja su con-
cepto lírico, profundo, variado, cálido y expansivo. Al menos sí es
la más completa, porque a la interpretación musical se le puede
añadir la teatral, magníficamente captada por la cámara de Brian
Large. Algún día se escribirá y dogmatizará sobre el arte de captar
televisivamente una ópera y este realizador figurará en un lugar pre-
ferente, una especie de Griffith (por inventor) o de John Ford (por
narrador) de la ópera en formato televisivo. Porque Large es capaz
hasta de ocultar la modestia de la puesta escénica de este Otello,
que fue la que se vio en Madrid en 1999 con José Cura. La cámara
de Large sigue el deterioro psicológico del protagonista, transmitido
por un Domingo con acentos de una rara y certera naturalidad, con
un canto cuidadísimo en lo musical y unos acentos de intensa inci-
sividad. Como para evocar el conocido elogio de Sir Laurence
Olivier, el shakespeariano insigne quien, asistiendo a una represen-
tación de la ópera verdiana protagonizada por el tenor madrileño,
manifestaría entusiasmado: «¡Y además, canta!».
Kiri Te Kanawa, la soprano mimada del Covent Garden, es ahora
protagonista en lugar de Ricciarelli. Esta voz mozartiana y straussia-
na encontró en la Desdemona su mejor cometido «italiano», al lado
de diversos Otellos como Vladimir Atlantov, James MacCracken,
Carlo Cossutta y hasta Luciano Pavarotti en su única oportunidad
concertística con el papel. La neozelandesa ofrece uno de los retra-
tos más emocionantes de la heroína verdiana que escuchar y verse
puedan, haciéndose perdonar la falta de latinidad, que por ejemplo
Tebaldi, Freni, la simpar Scotto, la misma luminosa Ricciarelli, la
delicada Victoria de los Ángeles y otras Desdemonas de manual
ofrecían a raudales. Espléndidamente captada por la cámara de
Large, la «Dame» no pierde una oportunidad de conmovernos con
su frágil, femenina, exquisita y dulce Desdemona, logrando en su
escena del acto IV numerosos instantes de auténtica inspiración
músico-teatral. El Yago de Leiferkus, un barítono ruso que rinde lo
mejor de sí en el repertorio de su país (como lo demuestra en la
Gala Chaikovsky con un fragmento del Aleko de Rachmaninov), es
(3)
EL DISCO
aquí un Yago al que se «devoran» completa-
mente sus dos compañeros de reparto, según
opinión de quien firma. El éxito «in situ» se
sitúa, sin embargo, a la altura del recibido por
DEL MES
tenor y soprano. Un éxito que también alcanza
al resto del reparto, todo muy inglés, lógicamente, tratándose de un
equipo fijo del teatro. Hacen alarde todos de su experiencia y pro-
fesionalidad y, además de esto, en el caso de Claire Powell, una
adecuación perfecta con el papel y una voz de calidad como enér-
gica Emilia.
Al lado de la descarnada, puede que hasta pobretona, escenifi-
cación de este Otello, en enero de 1993, el mismo director de esce-
na, Moshinsky, con decorados de Michael Yeargan (en Otello eran
de Timothy O’Brien) y con el mismo figurinista, el estupendo Peter
J. Hall (nada que ver con el casi homónimo director de escena, ex-
cónyuge de la andrógina soprano Maria Ewing), este australiano de
prestigio universal ofrece ahora, curiosamente, una
detalladísima lectura de la tan olvidada Stiffelio, tam-
bién perteneciente al catálogo del gran Verdi. Por
esos años esta obra, que trata un original adulterio (ya
que el cornudo es un sacerdote, no católico, por
razones obvias, pero sí de una comunidad religiosa
de talante cristiano), comenzaba un momento de glo-
ria, que esperemos no sea efímero, pues una ópera de
Verdi siempre tiene «su qué». Aquí, un acto segundo
magnífico y páginas sueltas aquí y allá, como para
hacer injustificable el reiterado desdén del pasado.
Una desatención que tuvo su origen, sin duda, en el
fracasado estreno triestino. Verdi, que creía en su
música stiffeliana, la volvió a recomponer como
Aroldo, siete años después. Tampoco como tal
remontó el vuelo la obra.
En efecto, el interés reciente por Stiffelio, precedido
por una aislada interpretación en 1985 en La Fenice
veneciana (con Antonio Barasorda y Rosalind Plowright), comienza
en 1992, cuando la obra tuvo un pistoletazo de salida en unas repre-
sentaciones de Amsterdam (responsables, el tenor Antonio Lotti y la
rusa Larissa Chevchenko), seguida de inmediato (concretamente,
tres meses después) por José Carreras en Londres, que cantaba así en
escena un papel previamente registrado en disco para Philips.
Luego, el tenor catalán lo cantaría, por ejemplo, en La Scala -tur-
nándose con Alberto Cupido- y en la misma producción inglesa de
Moshinsky. Domingo, que está a la que salta, se midió con Stiffelio
en el Met de Nueva York al lado de la opulenta (en todos los senti-
dos) Sharon Sweet y en una regia de Giancarlo del Monaco, con el
inevitable James Levine en el foso. Era también el año 1993 y testi-
ficó el hecho, en vídeo de momento, D.G. Luego Domingo vino con
Stiffelio a Madrid, con Pier Luigi Pizzi en escena, siendo sustituido
aquí a causa de un momento de bajón vocal en alguna función por
Giorgio Lamberti. Entre las últimas representaciones de la ópera se
recuerdan la de Piacenza de 2000, con Cupido y Dimitra
Theodossiou, y la de Trieste de 2001, con Maurizio Graziani y
Annalisa Raspagliosi, una soprano que está dando ya mucho de que
hablar. Positivamente, se entiende.
Volvamos a Covent Garden temporada 1992-1993. Donde en
Otello era insinuación, escenas descarnadas, elementos fijos comu-
nes a todos los actos, en fin, una cierta cutrez disfrazada de estili-
zada pretensión, aquí en Stiffelio nos encontramos con una decora-
ción precisa, detalladísima, de corte íntimo y recogido, incluso con
techos, lo que permite a Large (como siempre, de magnífico ojo con
la cámara) planos en escorzo a lo Ciudadano Kane, mostrándonos
todos los objetos, los rincones, los climas (la iluminación tiene una
atmósfera increíble), etc. sin perder de vista, obviamente, la narra-
ción fílmica. La obra está ambientada en una comunidad religiosa
norteamericana hacia la época de composición de la partitura,
situada en el catálogo verdiano entre Luisa Miller y Rigoletto, o sea
en 1850.
Musicalmente, la ejecución mantiene similares premisas de inte-
rés. Dirige una batuta de la casa londinense, Edward Downes, con
la seguridad que le da un talento suficiente y una habilidad conse-
guida a través de años y años de experiencia y rodaje teatral.
Downes es, además, responsable de la edición de la partitura. Con
estas funciones, la obra se representaba oficialmente en Inglaterra,
ciento cuarenta y tres años después de su estreno triestino. Que
nadie se asuste, hay teatros que aún no han querido dar cabida a la
obra.
El papel de Stiffelio, vocalmente muy central, con mucho empu-
je para las partes dramáticas, anuncia de alguna manera el futuro
Otello, aunque por supuesto sin sus exigencias, ni en calidad, can-
tidad o intensidad. En los años setenta (una de sus Linas fue la siem-
pre recordada soprano gallega Ángeles Gulín) Mario del Monaco lo
asumió por vez primera cuando su carrera se acercaba a la despe-
dida, señal de que permite a un tenor en su madurez seguir transi-
tando éxitos y confortables rutas vocales. Carreras,
desde luego, aporta al papel su precioso sonido ater-
ciopelado y su desgranado sentido dramático, que
apoya en el temperamento sincero y espontáneo que
lo caracterizó siempre. Su Stiffelio es sobre todo
atormentado, melancólico, visionario y prudente-
mente generoso.
El clima opresivo que a la escena procura
Moshinsky encuentra en esa cantante-actriz de
excepcional energía que es la Malfitano una traduc-
tora infalible de la culposa Lina, supliendo así las
carencias que como soprano verdiana demuestra la
inteligente cantante norteamericana.
Minuciosamente desnudada por la cámara de Large,
la Malfitano realiza un retrato pormenorizado de la
psicología de Lina difícil de olvidar. Completa el
reparto el Stankar bien en su puesto, vocal y escéni-
camente, del barítono australiano Gregory Yurisich, y
en el resto del cast -formado, como era de suponer, por cantantes
autóctonos- destacan los siempre respetables Gwynne Howell (Jorg)
y Robin Leggate (Raffaele), el rival del protagonista, uno de los esca-
sos ejemplos fuera de la órbita rossiniana en que en un intríngulis
operístico un tenor es rival de otro tenor.
Los anglosajones son muy aficionados a los homenajes y a los
popurrís. Aunque en el tema se llevan la palma los norteamericanos,
los ingleses tampoco se quedan atrás. Un ejemplo es la gala londi-
nense del Covent Garden motivada por los festejos del centenario
de la muerte de Piotr Ilytch Chaikovsky, ocurrida como se sabe en
1893, en extrañas circunstancias que apuntan a un suicidio velado,
harto ya de la intolerancia represiva y de su propia incapacidad de
aceptarse como homosexual.
Como Chaikovsky era un músico muy completo, es decir, autor
de óperas, sinfonías, ballets y canciones, el homenaje recoge con
precisión británica muestras de cada uno de esos variados capítulos
creadores, centrándose sobre todo en el canto y en baile. A algunas
páginas selectísimas del catálogo chaikovsquiano se suman las de
otros compositores contemporáneos como Rachmaninov (nacido
cuando Chaikovsky tenía 33 años), Rimsky-Korsakov (cuatro años
menor que el autor de Cascanueces) y Puccini (18 años menor que
el homenajeado). La inesperada presencia en el acto de este com-
positor italiano se debe, sin duda, para facilitarle a Kiri te Kanawa el
que cante, muy elegante y coquetona, el vals de Musetta, incapaz
supuestamente de interpretar alguna página rusa por desconocer el
idioma. De hecho, un Eugenio Onegin que anda por ahí en disco,
con Thomas Hampson, está interpretado por la bonita soprano en
inglés.
Por el escenario coventgardiano, en una concepción escénica de
John Cox (responsable de memorables puestas en Glyndebourne),
van desfilando a lo largo de más de dos horas de velada una serie
de estrellas, arropadas por una somera ambientación, donde predo-
mina el uso del color y la luz. Cuenta cinematográfica de todo ello
da, por supuesto que con la capacidad de un notario de imágenes,
la cámara de Brian Large.
Domingo canta la bella None but the lonely heart, con el sedoso
sonido del chelo de Christopher Vanderspar, quizás la canción más
universal de Chaikovsky, que tentó a artistas tan dispares como Rosa
Ponselle, Ferruccio Tagliavini, Nina Koshetz, Lawrence Tibbett,
Olga Borodina y Galina Vishnevskaya. Luego, el
tenor hispano ataca el aria de Lensky de Eugenio
Onegin, que resuelve con la espontaneidad que le es
propia, y acaba por lanzarse al foso para dirigir una
trepidante Obertura 1812, donde sonido, color,
danza y luminosidad parecen darse la mano en un
espectáculo de curiosa fusión, sin que falten al final
dos cañones que ponen el oportuno o quizás algo
petulante clima a la página. Tres voces graves eslavas
recuerdan al compositor: un generoso Sergei
Leiferkus, un entusiasmado Dmitri Hvorostovsky y un
cavernoso Paata Burchuladze, mientras que la bella
Kiri, de nuevo, sale adelante sin tener que cantar en
ruso, gracias a que pone en imaginario atril la
Vocalise de Rachmaninov, que brinda con su prover-
bial fineza y encanto. Por el contrario, Anna
Tomowa-Sintow, que tres años atrás en ese escenario
ofrecía una deslumbrante protagonista femenina
(Yaroslavna) de El príncipe Igor de Borodin, eleva la temperatura del
acto con una sensible ejecución del aria de Lisa de La dama de
picas, una de las páginas para soprano más desconsoladas escritas
por Chaikovsky.
Por la parte danzable, el cuerpo de baile del teatro abre la mar-
cha con un momento de La doncella de nieve y luego aparecen
varias estrellas solistas, como la exquisita Lesley Collier, la alada
Darcey Bussell y la ágil y frágil Leanne Benjamin, acompañadas por
bailarines tan disciplinados como Irek Mukhamedov (de sólidos
movimientos), Zoltán Solymosi (estilizado y volátil) y el japonés
Tetsuya Kumawata (de impecables saltos y caídas). Otro momento
de baile a lo grande lo protagonizan también Viviana Durante y
Bruce Sansom con el paso a dos de Anastasia. El final de fiesta lo
monopolizan, precisamente, todos los bailarines con la escena en
casa de Larina del acto II de Eugenio Onegin.
La presentación técnica del catálogo PIONEER, finalmente, ofre-
ce tres formas de sonido distintas y, lo que interesa sobremanera, las
obras llevan subtítulos en cinco idiomas, incluido el español.
Fernando Fraga
G. VERDI: Otello / Domingo, Te Kanawa, Leiferkus, Leggate, Earle, Powell, Lackner,
Beesley / Orquesta de la Royal Opera House. Dir.: Sir Georg Solti / PIONEER / Ref.:
DVD 8920 (1 DVD) P.V.P.: 5.995 ptas.-
G. VERDI: Stiffelio / Carreras, Howell, Yurisich, Paxton, Leggate, Atkinson, Malfitano /
Orquesta de la Royal Opera House. Dir.: Edward Downes / PIONEER / Ref.: DVD 8921
(1 DVD) P.V.P.: 5.495 ptas.-
GALA HOMENAJE A TCHAIKOVSKY - Desde el Covent Garden, con obras de
Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov, Rachmaninov y Puccini / Domingo, Te Kanawa,
Tomowa-Sintow, Burchuladze, Leiferkus, etc. / Dirs.: Downes, Domingo, Barlow y
Wordsworth / PIONEER / Ref.: DVD 8922 (1 DVD) P.V.P.: 5.495 ptas.-

Plácido Domingo y la compañía

del Covent Garden, de plata y oro

E
l próximo mes de septiembre aparecerá comentada en estas páginas la cuarta entrega de PIO-
NEER en formato DVD. Se trata de la Gala que, con el doble motivo del 50º aniversario de la
primera rerpesentación ofrecida por la compañía de ópera Covent Garden y el 25º aniversario
del debut de Plácido Domingo en la Royal Opera House (de ahí su nombre ), se grabó en 1996
bajo la dirección alternativa de Asher Fisch y el propio tenor. El registro se encuentra ya disponible
para quienes deseen adquirirlo.
GOLD AND SILVER GALA CON PLÁCIDO DOMINGO - 50º aniversario de la primera representación ofrecida por la compa-
ñía de ópera Covent Garden y 25º aniversario del debut de Plácido Domingo en la Royal Opera House, con canciones de auto-
res diversos y extractos de Don Giovanni, Elisir d’amore, Don Pasquale, La juive, Fausto, Carmen, El Cid, L’amico Fritz, Der
Rosenkavalier/ Domingo, Alagna, Croft, Gheorghiu, Graham, Lloyd, Vaduva, Villaroel, Watson / Dirs.: Asher Fisch y Plácido
Domingo [1996] / PIONEER / Ref.: DVD 7204 (1 DVD) P.V.P.: 4.995 ptas.-

(4)
 Villancicos para la Capilla Musical de la Catedral de
Valencia durante el siglo XVIII en el sello español ARSIS
A orillas del
Mediterráneo
A
pesar del reciente y productivo interés que ha despertado
entre algunos musicólogos e intérpretes, podemos afirmar
en líneas generales que la música española del siglo XVIII
continúa siendo una de las grandes desconocidas para el aficio-
nado medio. La falta de grabaciones de calidad, derivada en
numerosas ocasiones de la carencia de transcripciones musicales
de las partituras originales, ha contribuido en buena medida a
ensombrecer un panorama que de por sí ya se presentaba bastan-
te oscuro hasta fechas muy cercanas.
Sin embargo, la aparición de com-
pactos como el que ahora presenta-
mos no sólo vienen a intentar rectifi-
car la deuda histórica con nuestro
inmenso patrimonio musical, sino
que también confirma la excelente
calidad de muchas de las partituras
que hasta ahora mismo han perma-
necido en el silencio de los archivos
y bibliotecas. Este podría ser el caso
de la Catedral de Valencia, donde
durante el siglo XVIII trabajaron
algunos de los maestros de capilla
más interesantes y relevantes de aquel siglo, y es, precisamente,
la grabación que presenta el novel sello discográfico ARSIS la que
nos propone un estimulante recorrido por las músicas que inun-
daron de sonidos aquella sede episcopal durante la segunda
mitad del siglo de las luces. Nombres como los de José Pradas
(1689-1757), Pascual Fuentes (1721-1768) o Francisco Morera
(1731-1793), autores de los seis excelentes villancicos dedicados
al Nacimiento incluidos en la presente grabación, representan el
largo camino recorrido entre el estilo tardobarroquizante y festivo
del primero y el sensual y clasicista de los dos últimos, en los que
abundan arias de un hermoso y cercano aire operístico que nos
recuerdan mucho el estilo de los maestros del clasicismo vienés
de las últimas décadas del XVIII («El claro sol brillante» y «Ah,
qué angustia») y los coros deslumbrantes de luz y color («El cielo
se desgaja» y «Este sol brillante»), y cuyas partituras originales,
todas conservadas en el archivo catedralicio de Valencia, han
sido transcritas por la flautista y musicóloga Marisa Esparza en
una fecha tan cercana como la de 1999.
La formación española Stil Concertant dirigida por Juan Luis
Martínez ha sabido plasmar esta música, tanto en concierto
(recordemos su actuación en el Festival de Música Religiosa de
Cuenca de 2000 donde presentaron este mismo programa y una
selección de villancicos para la Capilla Real de Madrid) como en
compacto (también grabaron recientemente una interesante ver-
sión de la música que Nebra escribió para los funerales de
Fernando VI de Borbón), de manera ciertamente brillante. El Stil
Concertant pertenece de hecho y de derecho a la generación de
orquestas barrocas españolas que han alcanzado la madurez pro-
fesional situándose a la misma altura que los conjuntos interna-
cionales más prestigiosos en el campo de la música antigua. Sus
interpretaciones son la consecuencia de un trabajo serio y bien
hecho, y por ello resultan plenas de elocuencia y elegancia musi-
cal; la calidad de sus instrumentos de viento, especialmente los
clarines y las trompas, la perfecta afinación de las cuerdas y la sol-
tura y oficio con el que los cuatro solistas, Estrella Estévez, Josep
Pizarro, Carmen Botella y Minerva Moliner, ejecutan las bellísi-
mas arias de estos villancicos mediterráneos, nos hacen esperar
con auténtica impaciencia futuras incursiones no sólo en el rico
repertorio de la Catedral valenciana, sino también en todo el
vasto y desconocido legado musical español de la segunda mitad
del siglo XVIII.
Francisco de Paula Cañas Gálvez
VILLANCICOS AL NACIMIENTO - Maestros de la Capilla Musical del XVIII en la
Catedral de Valencia / Obras de Pradas, Fuentes y Morera / Estil Concertant / ARSIS
/ Ref.: ARSIS 4180 (1 CD) D2
[Véanse otras referencias ya disponibles de ARSIS detalladas en pág. 13]
(5)
La Francia y la Inglaterra de los siglos XIII y XIV,
en una nueva contribución de La Reverdie
al magnífico sello ARCANA
Look y luz
A
l océano ingente y dispar de las músicas medievales, el
Ensemble La Reverdie va llevando a cabo una forma de
acercamiento temática, por así decirlo. Oblicua, transver-
sal. No es lo mismo
que monográfica,
pues cada tema,
simbólico, contiene
sus propias líneas de
fuga que lo rescatan
de lo documental y
seducen el interés
del oyente, a quien
hacen caer rendido
por la poesía y la
belleza sonora irre-
sistibles que destilan
los resultados. La
fórmula se revela
una magnífica excu-
sa para ir desplegan-
do un fresco musical hoy sin competencia. Los animales y la
Naturaleza (Bestiarium), la mujer (Insula Feminarum), el amor
cortés y divino (Speculum Amoris), el pensamiento (O tu chara
Sciença), etcétera, se han incorporado ya a esta especie de pano-
rámica en marcha, palpitante y tremendamente sugestiva. A la
que se añade ahora un nuevo capítulo, organizado en torno a la
polaridad, tan vívida en el medievo, de Noche y Día, Luz versus
Tinieblas. En su apoyo, y a modo de justificación o entrada en
materia, en la carpetilla, esta vez, en lugar de un ensayo discursi-
vo, un cuajado racimo de citas, tanto de la época (Hildegard von
Bingen, Alanus ab Insulis, Walther von der Vogelweide) como
tomadas de estudiosos contemporáneos (Duby, Le Goff, Eliade).
El look se renueva, la careta del digipack se hace más abstrac-
ta; Ella de’Mirkovich, la teórica o supervisora del grupo italiano,
aparece en la fotografía interior decididamente pasada al heavy.
El componente improvisatorio que nunca falta en las actuaciones
(en disco como en concierto) da un paso adelante y se presenta
como creación escrita. Doron David Sherwin, el percusionista,
corneto y eventual voz masculina del conjunto, firma Nox y Lux,
que abren y cierran, respectivamente, el recorrido; Claudia
Caffagni, Occasum, que ella misma toca en el salterio; Elisabetta
de’Mirkovich, Mors e vita duello, para laúd, flauta, rebec, arpa y
percusión. Las aportaciones, embebidas de espíritu medieval, se
insertan con la mayor naturalidad en el programa, repartido en las
dos vertientes, francesa e inglesa. Junto a Doron Sherwin y las
hermanas De’Mirkovich y Caffagni, una voz invitada: la de Elena
Bertuzzi.
Tañen y cantan con idéntico y raro refinamiento, desde la
secuencia gregoriana Victimœ paschali laudes hasta un hermoso
carol inglés, Anglia tibi turbidas, que se adentra ya en 1400. La
parte francesa del compacto está formada por cinco piezas del
códice de la Facultad de Medicina de Montpellier (siglo XIII), pre-
cedidas de una clausula de Pérotin y un emotivo anónimo, Pange
melos lacrimosum. Y, aún, dos realizaciones diferentes - cantada
y al corneto mudo- del hit de Dufay Resveilles vous et faites chie-
re lye. Antes de las cuales, Elisabetta de’Mirkovich nos ofrece una
versión estremecedora de la canción de Oswald von Wolkenstein
Ich spuer ein tyer: «Barrunto una bestia»; la bestia es, claro está,
la Bestia negra por antonomasia que nos aflige, la mismísima
Muerte.
El reencuentro, como siempre, no puede ser más gozoso. Los
fans del grupo, que no somos pocos, no podemos ya pasar sin esta
nueva joya. Quien desconozca el manjar y se sienta tentado por
él, no tiene disculpa para no engancharse a la cofradía. La
Reverdie: Troppo perd’il tempo chi ben non l’ama, que se decía -
y así lo cantaban- en el Laudario de Cortona.
Jesús S. Villasol
NOX-LUX - Francia & Inglaterra, 1200-1300 / Obras de Guillaume Dufay y de diver-
sos autores anónimos / La Reverdie / ARCANA / Ref.: A 307 (1 CD) D2
 H ervé Niquet, bien conocido de todos los aficionados por sus importantes aportaciones a la discogra-
fía de la música antigua en sus dos facetas de director e intérprete, se ha incorporado recientemen-
te al sello GLOSSA. Tan importante «fichaje» por parte del prestigioso sello español, que ya adelan-
tábamos el mes pasado con la portada de nuestro boletín, dedicada al reciente y sensacional lanzamiento
de su versión de la que se considera como la ópera inglesa por excelencia -el Dido y Eneas de Purcell-,
El último fichaje
de GLOSSA
La noticia, que ya se nos adelantaba la pasada Navidad, se ve ahora final-
mente confirmada: el director y teclista francés Hervé Niquet se pasa con arma
y bagajes y en compañía de su agrupación, Le Concert Spirituel, desde el sello
merced al cual su nombre se hiciera conocido internacionalmente, el siempre
meritorio Naxos, a la firma GLOSSA, sin duda la empresa discográfica espa-
ñola de mayores crédito y prestigio allende nuestras fronteras. Y lo hace ade-
más a lo grande, iniciándose la colaboración entre el músico galo y la firma
ibérica con dos discos de interés indudable que muestran las dos facetas inter-
pretativas de Niquet en cuanto director y en cuanto ejecutante de instrumen-
tos de tecla.
Lanzamiento señero es el acercamiento a la que sin duda es la ópera ingle-
sa por antonomasia, el Dido y Eneas de Henry Purcell, una aproximación que
pretende conciliar la erudición -el registro se apoya en la edición realizada por
el propio director galo para Universal Edition- y un sentido dramático pleno
de vivacidad, fuerza y colorido. Mucho ha llovido desde aquella curiosa,
peregrina y nada idiomática grabación de la página dirigida por Gerairt Evans
y en la que compartieran protagonismo dos monstruos de la talla de Flagstad
y Schwarzkopf, una lectura que, aunque venerada en su momento, hoy sin
embargo resulta un puntillo cargante y cuyo valor parece ya a estas alturas
más histórico que real. Vendrían después multitud de acerca-
mientos, de Lewis a Davis, de Mackerras a Leppard o Bedford,
con cantantes y criterios modernos. En otra esfera, la histórica-
mente informada, cabe hallar aproximaciones diversas a cargo
de gentes como Parrot, Gardiner, Hogwood, Pinnock, christie,
Bolton o McGegan, hasta llegar hasta la reciente y estupenda
de René Jacobs para Harmonia Mundi. Ante tan profuso pano-
rama cabe preguntarse: ¿qué aporta esta nueva propuesta de
Niquet y su agrupación? Pues bien, la verdad sea dicha, la ver-
sión puede ser colocada a la misma considerable altura que
algunas otras habidas en los últimos años. Ahora bien, si por
algo sobresale ésta de Niquet es por su notable tensión y con-
tinuidad dramáticas, por la intensidad, lo vibrante y el nervio
que acierta a imprimirle una batuta siempre atenta a las inci-
dencias del drama -«una historia sensible que invita a la emo-
ción», la define Jean-Yves Patte en sus excelentes notas al programa- y por el
equilibrio de un reparto vocal sin fiasco alguno. Con la sola salvedad de Peter
Harvey, responsable de un Eneas anterior (el dirigido por Ivor Bolton para
Teldec), el elenco restante viene conformado por cantantes jóvenes y aún no
demasiado conocidos, pero que demuestran en todo caso una competencia
canora, un conocimiento estilístico, una sabiduría expresiva y una musicali-
dad verdaderamente loables. Tanto la Dido delineada por Laura Pudwell,
encarnada con veracidad, dramatismo y pulcritud, como la brillante Belinda
de Salomé Haller, como el Eneas viril e inmaculado de Harvey como, en fin,
cada uno de los integrantes del elenco restante muestran un acierto , una
comunión expresiva e intencional con la batuta de Niquet y una capacidad
interpretativa verdaderamente absorbentes. Atención especial merece el artí-
culo firmado por Patte: pocas veces propiedad y erudición casan con la ame-
nidad y facilidad de lectura como aquí. Presentación dentro de la tónica de
coherencia, exquisitez y cuidado habituales en GLOSSA. Una sobresaliente
edición, en resumidas cuentas.
El otro CD que completa este primer lanzamiento de Niquet para GLOSSA
nos lo muestra en su vertiente de intérprete-organista y se dirige a un público
bastante más específico. Las Piezas de órgano de François d’Agincour no son
precisamente plato del día de las discográficas, por lo que cualquier aproxi-
mación mínimamente rigurosa habrá de ser bien recibida. Niquet se sirve para
su versión de un instrumento de auténtico lujo, el órgano de la iglesia de
Seurre (Côte d’Or), de cuya dilatada peripecia desde su construcción por
Tribouet en 1699 hasta la actualidad nos brinda sumaria noticia el que fuera
responsable de su más reciente restauración, el organero Bernard Aubertin.
Estas piezas nunca llegaron a ser dadas a la estampa, habiendo llegado hasta
nosotros en copias manuscritas mutiladas y plagadas de errores, por lo que el
propio Niquet se ha encargado de limpiarlas separando el trigo de la paja,
intercalando entre éstas canto llano de la mano de dos contemporáneos de
d’Agincour, Jean-François Dandrieu y Guillaume-Gabriel Nivers, aquí maravi-
llosamente servidas por las voces diamantinas de Les Dames de St. Jean. Se
compone de este modo lo que podría haber sido un típico oficio de
Pentecostés en el convento de las Visitandines de París.
Ignacio Sánchez Quirós
Diario de Sevilla ~ Suplemento Culturas, 31 de mayo de 2001
(6)
DIVERDI: Su debut disco-
gráfico en GLOSSA es una DIVERDI
nueva versión de Dido y
Eneas. ¿Cuál ha sido su
motivación para grabar una obra de Hervé
la que ya existen tantos registros y
qué considera que distingue espe-
cialmente a su versión?
HERVÉ NIQUET: Hace seis años me invitaron a Canadá
para dirigir Dido y Eneas. Allí conocí a Laura Pudwell,
una artista que me impresionó tanto que decidí grabar
con ella en el papel de Dido, el que más me recordaba a
la voz de Janet Baker. He aprovechado esta grabación
para concentrar mi atención en la orquestación, así como
en la relación de Purcell con la llamada música «lullysta»
y en la fascinación que ésta le producía.
D.: Su trayectoria muestra un agudo interés por el trabajo
en profundidad con los cantantes. Todos los músicos que
han trabajado con usted parecen sumamente satisfechos
de la experiencia, y todos destacan su inmensa erudición
y su capacidad didáctica, algo difícil de oír de labios de
músicos profesionales. ¿Cómo ve su
propio papel en la vida musical
francesa?
H.N.: Hace unos veinte años me
impresionó considerablemente la
pasión con que William Christie
apoyaba y defendía la música
barroca francesa. Realmente, le
considero el salvador de la música
barroca, especialmente por el modo
en que ha introducido su interpreta-
ción del «Nuevo Mundo». Y debo
decir que yo albergo la misma
pasión por nuestro barroco; existe
aún gran cantidad de música por descubrir, así como
muchas características que pertenecen de modo más
específico al terreno del sonido y de la orquesta. Mi papel
consiste en seguir trabajando en todo esto junto con mis
músicos.
D.: Tras muchos años de satisfactoria relación con Naxos,
¿por qué ha decidido iniciar una nueva etapa de colabo-
ración discográfica? ¿Y por qué con GLOSSA?
H.N.: Naxos ha sido muy importante para afianzar Le
Concert Spirituel a nivel mundial, y por ello le estoy muy
agradecido. Por otra parte, no siempre me era posible
grabar para ellos el repertorio exacto en el que me apete-
cía trabajar, probablemente por motivos comerciales.
GLOSSA, por el contrario, nos ha permitido desde el prin-
cipio una absoluta libertad de elección en cuanto al
repertorio; a ello se debe que hayamos proyectado grabar
durante los próximos años desde Charpentier hasta
Haendel y Purcell, pero también Boutellier, D’Agincour,
Boismortier y muchos otros. Otro detalle de importancia
es que los lanzamientos de GLOSSA son de una soberbia
calidad general y poseen un concepto original en cada
caso.
D.: Sus dotes de instrumentista, con ser auténticamente
dignas de admiración, son mucho menos conocidas que
su labor como director. Háblenos un poco de cómo logra
hallar el equilibrio justo entre ambas actividades.
H.N.: El clave, el órgano y el piano constituyen mis jardi-
nes secretos y, al mismo tiempo, el núcleo de mi investi-
gación del «sonido». En todas mis actividades los tecla-
dos desempeñan un papel significativo que resulta tan
posee una trascendencia que desde aquí queremos prestarle con la transcripción del artículo publi-
cado por Ignacio Sánchez Quirós en el suplemento «Culturas» del Diario de Sevilla, así como una
interesante entrevista en exclusiva al que está llamado a ser un nuevo y sólido pilar de la marca y
la reseña que Francisco de Paula Cañas Gálvez nos brinda de su última contribución al catálogo
escurialense.
ENTREVISTA importante como mis
investigaciones en las
bibliotecas musicales
y mi labor en los arre-
Niquet glos musicales. De hecho, la dirección no es
más que «la punta del iceberg», como suele
decirse.
D.: Uno esperaría de un clavecinista francés que se concentrara
en Couperin o Rameau. ¿Por qué D’Agincour?
H.N.: Ningún pianista podría pasarse la vida entera tocando los
Estudios de Chopin o los Conciertos de Beethoven.
Personalmente, siento especial admiración por los llamados
«pequeños maestros», autores que, la mayor parte de las veces, se
encuentran más próximos a nuestros sentimientos y resultan
mucho menos «pedagógicos» que los «Grandes maestros». Las
obras maestras de D’Agincour para el órgano, por ejemplo, son
improvisaciones reales que, sin embargo, han sido plasmadas
sobre el papel y constituyen un perfecto ejemplo de cómo ejecu-
tar un servicio religioso tradicional, algo de hecho más interesan-
te que una composición bien concebida y arreglada. Y, por otra
parte, las piezas para clave de D’Agincour son tan sensuales que
reflejan el auténtico modo de interpretación francés...
D.: GLOSSA está anunciando ya una trilogía dedicada a Marc-
Antoine Charpentier que saldrá al mercado a lo largo de los pró-
ximos meses. Charpentier da la sensación de ser un compositor
muy especial para usted. ¿Qué encuentra en él de especial? ¿Cree
que la industria del CD le ha hecho justicia hasta ahora (ni que
decir tiene que el nombre de William Christie nos viene rápida-
mente a la mente)?
H.N.: ¡Charpentier es un auténtico maestro! Basta escuchar dos
compases de su música para saber que pertenece a él.
Charpentier consiguió crear su propio «sonido» en particular: eso
es lo que me fascina de él. Su trayectoria demuestra que siempre
puso la música por delante de la política, y que su música es un
reflejo diáfano de su carácter y de sus preferencias. Christie, una
vez más, ha realizado un enorme esfuerzo para reforzar el respe-
to general hacia este compositor, y cabría decir que ha salvado las
obras de este gran compositor y de sus editores, en particular del
«Centro de Música Barroca de Versalles», centro que proporciona
un completo acceso a las composiciones de Charpentier. Si con-
sideramos que en el 2004 se celebrará el 300º aniversario de su
muerte, cabe esperar un auténtico resurgimiento de este compo-
sitor y verlo confirmado por la aparición de numerosos CDs de
sus obras.
D.: Y, por último, pero no por ello menos importante: en una
época en la que todo el mundo habla de la existencia de una pro-
funda crisis en la música clásica -sobre todo en lo que respecta al
mercado del CD-, ¿cuál es su impresión sobre el futuro?
H.N.: Ciertamente, cabe mostrar incertidumbre en lo que se refie-
re al futuro del CD de música clásica, y debo decir que yo mismo
tengo a veces un auténtico problema con ellos. Me explico: cuan-
do escucho una grabación de jazz debo decir que rara vez me
siento defraudado, ya que percibo invariablemente la intención
real de los ejecutantes, especialmente en sus momentos mágicos
de improvisación. Da la sensación de que todo les resulta vital.
Más aún, debo confesar que me desprendería de numerosas inte-
grales de Mozart o Beethoven a cambio de una grabación de
Billie Holliday o Count Basie, por nombrar tan sólo unos pocos...
¿Cuántas orquestas no han lanzado grabaciones clásicas despro-
vistas de pasión o dirigidas por batutas que tan sólo se interesan
por sus propias carreras? El día en que las principales compañías
discográficas decidan limitarse a lanzar únicamente los «aconte-
cimientos musicales» más importantes, es probable que el merca-
do del CD experimente su propio resurgimiento. Por eso aprecia-
mos y respetamos la filosofía de los sellos como GLOSSA, que
sólo ponen una condición para grabar: ¡música, por favor!
(7)
Piezas para órgano de D´Agincour (1684-1758) en GLOSSA
Pura observancia
D
e sólida, amplia y erudita formación musical, el destino de
Jacques André François d´Agincour como organista en la
Capilla Real estaba llamado a recibir las más altas glorias.
Sin embargo, la muerte de Luis XIV, acaecida el 1 de septiembre
de 1715, supuso el inicio de un período de importantes cambios
en el seno de la Corte Real. Luis XV, todavía niño de corta edad a
la muerte de su bisabuelo, no volverá a Versalles hasta 1722, y
cuando lo haga no se preo-
cupará en absoluto de
devolver a la Capilla Real el
antiguo esplendor del que
había gozado en tiempos del
Rey Sol. Es en medio de esta
encrucijada de tiempos, de
cambios históricos de gran
calado, a caballo entre dos
generaciones de músicos,
donde D´Agincour desarro-
lla lo más importante de su
producción para tecla. A
pesar de las nuevas modas,
mucho más mundanas y
quizá también mucho más frívolas, y al ambiente de una Corte en
la que los verdaderos protagonistas fueron las fiestas continuas y
la adulación gratuita más que la autoridad y la majestad del Rey
Cristianísimo, el maestro siguió fiel a los principios que como
músico le inculcara el gran François Couperin. Es el rigor de su
música, su hondo significado espiritual, la profundidad material
de su escritura, lo que la convierte en la más adecuada para algu-
nos conventos del París de comienzos del siglo XVIII, donde toda-
vía seguía vivo un profundo sentimiento jansenista de austeridad,
amparado ahora por las nuevas corrientes quietistas que pronto
calarían en la piedad de algunos de los sectores más influyentes
de la sociedad gala de la época.
En esta ocasión se ha reconstruido un oficio religioso de
Pentecostés tal y como se podría haber celebrado en el Convento
parisino de las Visitadoras, marco litúrgico y espiritual en el que
las piezas de Monsierur D´Agincour se alternan en un equilibrio
perfecto con el canto llano compuesto por el organista Guillaume
Gabriel Nivers (1632-1714), auténtico ejemplo de canto sacro en
el que se conjugan de forma muy sutil, la piedad mística, la devo-
ción barroca y la sensibilidad más profunda. El bellísimo ofertorio
se debe a la mano de Jean François Dandrieu, al igual que
D´Angincour, organista de prestigio en la Capilla Real de
Versalles. Para todo ello GLOSSA no ha escatimado ni en medios
técnicos ni en artistas de gran nivel, por lo que el éxito de la gra-
bación tiene todas las garantías para convertirse en una produc-
ción de indudable atractivo y gran calidad, y no sólo porque nos
estemos refiriendo a los resultados de un trabajo de investigación
muy serio, sino también por el gran oficio de un organista, Hervé
Niquet -bien conocido por todos los aficionados a la música
barroca francesa como director de su orquesta Le Concert
Spirituel, y ahora como teclista de referencia tras su brillante
debut en GLOSSA (en breve saldrá al mercado una versión suya
en este mismo sello de las piezas para clave de D´Agincour)-, la
belleza de las voces gregorianas del conjunto femenino, Les
Dames de Saint Jean, y un sonido y una presentación que ya mar-
can pautas en el mundo discográfico del siglo XXI.
F.P.C.G.
MONSIEUR D’AGINCOUR: Feste de Pentecoste au Couvent des Visitandines /
Hervé Niquet (órgano); Les Dames de St. Jean (canto llano) / GLOSSA / Ref.: GCD
921701 (1 CD) D2
También disponible:
H. PURCELL: Dido y Eneas / Pudwell, Harvey, Haller, Duthoit, Maire, White / Le
Concert Spirituel. Dir.. Hervé Niquet / GLOSSA / Ref.: GCD 921601 (1 CD) D2 [-
20% precio especial de lanzamiento]
 Segunda y última entrega de la serie De Vlaamse Polyfonie por la
Capella Sancti Michaelis y el Currende Consort dirigidos por Erik van Nevel

Le herencia borgoñona
E n el boletín del pasado mes de mayo
nuestro compañero Rafael del Fresno y
quien estas líneas ahora escribe presen-
tábamos con verdadero entusiasmo los 6
primeros volúmenes de la interesante serie
De Vlaamse Polyfonie que el sello belga
EUFODA, de reciente incorporación al ya
considerable catálogo diverdiano, acababa
de lanzar al mercado español, corriendo la
labor interpretativa a cargo de las formacio-
nes Capella Sancti Michaelis y Currende
Consort con dirección musical del director
flamenco Erik Van Nevel. Son pues, ahora
los 4 restantes (se anunciaban un total de 10
volúmenes), también de generosa duración
(todos superan los 70 minutos), los que cen-
trarán nuestra atención. Si en aquel momen-
to teníamos la oportunidad de acercarnos a
páginas, desconocidas las más, de la polifo-
nía, tanto sagrada como profana, que se
practicaba en el entorno cultural de los
Países Bajos (fundamentalmente durante la
segunda mitad del siglo XVI) en esta nos
corresponde acercarnos a los maestros fran-
co-flamencos del siglo XV y comienzos del
XVI. Nombres tan sugerentes y atractivos
como los de Guillaume Dufay, a quien se le
dedica casi por completo uno de los com-
pactos titulado Guillaume Dufay en
Bourgondië (Guillaume Dufay y Borgoña),
Antoine Busnois, Heinrich Isaac, Johanes
Prioris, Pierre de la Rue, Jacob Obrecht,
Antonius Divitis, Antoine de Févin, Johannes
Ockeghem, Alexander Agricola, Loyset
Compère o Josquin des Prez, autor al que
por cierto, también se le consagra de mane-
ra monográfica, en merecido homenaje,
otro de los discos, son los protagonistas
indiscutibles en esta ocasión. Sin abandonar
nunca el espectro cultural de la Corte de
Borgoña, verdadero modelo de la sociedad
aristocrática europea del siglo XV, este reco-
rrido musical abarca un periodo amplio de
tiempo que arranca hacia 1430, con espe-
cial atención en este momento a las obras
de Dufay y Binchois, auténticos paradigmas
del repertorio franco-flamenco que florece-
ría decenios después, y finaliza en el año
1521 con la muerte del gran Josquin, cuan-
do el arte de todos estos grandes maestros se
había extendido ya por toda la Europa
Occidental (no debemos olvidar que algu-
nos de ellos, Ockeghem -en 1470-, De la
Rue -en 1506 y 1507- y Agricola -este últi-
mo llegó a Castilla en mayo de 1506 en el
séquito de Felipe I, falleciendo en el verano
de aquel mismo año en Valladolid como
consecuencia de la peste- habían visitado
con anterioridad la Península Ibérica dejan-
do su huella en las músicas que a finales del
siglo XV y principios del XVI se practicaban
en la Corte de los Reyes Católicos). Y, entre
ambas fechas, lo más florido y exquisito de
la producción musical de los Países Bajos,
tanto en su vertiente sacra como profana,
con obras de una singular belleza entre las
que sobresalen las célebres Douleur me bat,
Adieu mes amours (ésta última grabada
tanto en versión puramente instrumental-
para laúd- como vocal) ambas de Josquin;
Ma bouche rit, Petite camusette, de
Ockeghem; dos espectaculares Magnificat,
uno de Loyset Compère y el otro de
Alexander Agricola, de más de 10 minutos
de duración cada uno, o las refinadas y cor-
tesanas chansons, Triste plaisir et douloureu-
se joye de Gilles Binchois y La belle se siet
de Dufay.
A nuestro entender el conjunto de los 10
compactos tiene, entre otras muchas virtu-
des, la de ofrecer al oyente aficionado a la
música antigua una amplia selección de
obras, elegidas con selecto y acertado crite-
rio, pertenecientes a un período musical
caracterizado por una extraordinaria rique-
za expresiva; además la altísima calidad de
los cantores y ministriles, ya elogiada en el
número de mayo, entre los que se encuen-
tran profesionales de la talla de Kateljne van
Laethem, Charles Toet, Wim Becu, en medio
de un elenco de habituales del repertorio, y
un sonido de gran profundidad que ayuda,
sobre todo en las obras sacras, a escuchar en
su verdadera dimensión unas obras de signi-
ficativo e innegable atractivo cultural, hacen
que la aparición de esta colección en el
mercado fonográfico español sea uno de los
grandes acontecimientos discográficos de
los últimos tiempos.
F.P.C.G.
ISAAC, OBRECHT, DE LA RUE - Obras sacras de Jacob
Obrecht, Heinrich Isaac y Pierre de la Rue / Capella
Sancti Michaelis; Currende Consort. Dir.: Erik van Nevel
/ EUFODA / Ref.: EUF 1166 (1 CD) D2
JOSQUIN DES PREZ - Canciones y motetes / Capella
Sancti Michaelis; Currende Consort. Dir.: Erik van Nevel
/ EUFODA / Ref.: EUF 1167 (1 CD) D2
JOHANNES OCKEGHEM EN FRANCIA - Obras de
Loyset Compère, Johannes Ockeghem, Antonius Divitis,
Johannes Prioris y Antoine de Févin / Capella Sancti
Michaelis; Currende Consort. Dir.: Erik van Nevel /
EUFODA / Ref.: EUF 1168 (1 CD) D2
GUILLAUME DUFAY EN BORGOÑA - Obras de
Guillaume Dufay, Antonie Busnois, Gilles Binchois y
Alexander Agricola / Capella Sancti Michaelis; Currende
Consort. Dir.: Erik van Nevel / EUFODA / Ref.: EUF 1169
(1 CD) D2
También disponibles en la misma serie y por los mismos
intérpretes:
ADRIAN WILLAERT EN ITALIA - Obras de De Macque,
Willaert, De Rore y De Wert / Capella Sancti Michaelis;
Currende Consort. Dir.: Erik van Nevel / EUFODA / Ref.:
EUF 1160 (1 CD) D2
PHILIPPE ROGIER EN ESPAÑA - Obras de Rogier, De la
Hèle, Van Turnhout, De Manchicourt y Romero / Capella
Sancti Michaelis; Currende Consort. Dir.: Erik van Nevel
/ EUFODA / Ref.: EUF 1161 (1 CD) D2
ORLANDUS LASSUS - Obras de Orlando de Lasso, De
Vento, De Fossa y Hoyoul / Capella Sancti Michaelis;
Currende Consort. Dir.: Erik van Nevel / EUFODA / Ref.:
EUF 1162 (1 CD) D2
LIEDER Y DANZAS DE FLANDES - Obras de Susato,
Venders, De la Rue, Clemens non Papa, Phalèse,
Liégeois, Boscoop, Episcopius y autores anónimos /
Capella Sancti Michaelis; Currende Consort. Dir.: Erik
van Nevel / EUFODA / Ref.: EUF 1163 (1 CD) D2
PHILIPPUS DE MONTE Y LOS HABSBURGO - Obras de
De Monte, Vaet, Utendal, Regnart, Von Bruck, Luython y
De Savye / Capella Sancti Michaelis; Currende Consort.
Dir.: Erik van Nevel / EUFODA / Ref.: EUF 1164 (1 CD)
D2
NICHOLAS GOMBERT Y LA CORTE DE CARLOS V -
Obras de De Gombert, Clemens non Papa y Crequillon /
Capella Sancti Michaelis; Currende Consort. Dir.: Erik
van Nevel / EUFODA / Ref.: EUF 1165 (1 CD) D2

Primicia mundial de la Missa Apostolorum de Andrea Gabrieli (ca. 1533-1585) en DYNAMIC

Fervor místico
A pesar de haber disfrutado en vida de una alta estima entre
sus contemporáneos como músico de grandes dotes, la figu-
ra, y sobre todo la obra, de Andrea Gabrieli (ca.1533-1585)
no pudo superar el paso de los siglos. No ha sido, pues, hasta
fechas muy recientes cuando la musicología moderna nos ha
devuelto a uno de los nombres más señeros de toda la música
veneciana del siglo XVI. Polifonista de prestigio, organista de talen-
to, Andrea Gabrieli quizá haya sufrido la circunstancia, negativa en
su caso, de haber desarrollado su magisterio en medio de compo-
sitores de la altura de Claudio Merulo, Girolamo Cavazzoni o de
su amigo el gran Roland de Lassus. Su producción para tecla,
publicada de manera póstuma -y con el consentimiento de su
sobrino Giovanni Gabrieli- por el editor Angelo Gardano, consti-
tuye una de las más altas cimas del siglo, sólo comparable en cali-
dad y cantidad a las del británico William Byrd o a la de su com-
pañero Claudio Merulo. Buena prueba de lo dicho es esta Missa
Apostolorum donde las destrezas y cualidades que hicieron de
Gabrieli uno de los grandes organistas de la cosmopolita Venecia
del XVI quedan patentes a lo largo de estos 66 minutos de fervor
místico. Algunos de los versetos para órgano aquí incluidos (tam-
bién se han utilizado otras fuentes impresas de Gabrieli para la pre-
sente grabación), fueron publicados entre los años 1596 y 1605,
aunque en la actualidad no se ha conservado ninguno de aquellos
libros, por lo que ha sido necesario acudir a las obras manuscritas

(8)
 Tras su Florilegium Primum, SYMPHONIA vuelve a
Georg Muffat (1653-1704) con Armonico Tributo
Cuando Muffat
tributaba en Italia
P
rototipo de compositor cosmopolita, Georg Muffat recorrió
media Europa con el propósito de beber la quintaesencia de
los estilos de la época. Entre los 10 y los 16 años estudió con
Lully. Después de varias peregrinaciones por las cortes de Europa
central, llegó a Salzburgo. En 1680 obtuvo la autorización para
completar su formación en Italia. En Roma, estudió con Pasquini
y entró en contacto con
Corelli, con cuyas obras quedó
fascinado. De regreso a
Salzburgo, publicó en 1682 la
colección de sonatas Armo-
nico Tributo. Se trata de un
homenaje declarado a los con-
certi grossi del músico italiano:
«Oí allí con asombro unas
cuantas Sonatas del señor Ar-
cangelo Corelli... Del mismo
modo que hace algún tiempo,
a mi regreso de Francia, fui el
primero que llevó a Alemania
el estilo del Señor Lully para
los ballets, también, al volver de Italia, soy el primero en traer
conmigo ejemplos de esta nueva armonía». Al igual que los
Concerti grossi op.6 de Corelli, las Sonatas del Armonico Tributo
se organizan en un número variable de movimientos, en su mayo-
ría organizados en parejas adagio-allegro. La influencia corellia-
na es más acusada en los movimientos lentos (casi todos llama-
dos grave), mientras que en las danzas es más evidente la ten-
dencia a la fusión entre el gusto italiano y francés. La riqueza poli-
fónica del conjunto, además de reflejarse en los movimientos de
mayor empeño contrapuntístico -segundos movimientos de las
Sonatas I y III-, se percibe también en la distribución instrumen-
tal, que prevé la presencia de dos partes de viola. En ello, Muffat
se adecua a una costumbre arcaica que declinó a comienzos del
siglo XVIII pero que posiblemente siguiera también Corelli en las
primeras versiones de sus concerti grossi (la versión que conoce-
mos de sus conciertos es más tardía y fruto de constantes revisio-
nes). Pese a no resultar obras maestras, las sonatas de Armonico
Tributo revelan una inspiración fresca y un oficio no común que
culmina en la amplia Passacaglia conclusiva de la Sonata V. En
esta segunda incursión en el repertorio de Muffat, Ars Antiqua
Austria, dirigido por el violinista Gunar Letzbor, escoge la opción
de interpretar las piezas con un instrumento para cada parte. La
delgadez de la plantilla es compensada por la transparencia de las
sonoridades y la tensión de los tempi y los fraseos.
Stefano Russomanno
G. MUFFAT: Armonico Tributo, 1682 - 5 Sonatas para violín, viola, archilaúd y con-
tinuo / Ars Antiqua Austria. Dir.: Gunar Letzbor / SYMPHONIA / Ref.: SY 00183 (1
CD) D2 [-20% precio especial de lanzamiento]
custodiadas en la Biblioteca Nacional de
Turín. Sin duda, estas composiciones repre-
sentan una etapa más avanzada, caracteriza-
da por un mayor refinamiento, con respecto a
lo que se había venido haciendo hasta enton-
ces en la República de la Serenísima. Y aun
siendo lo mejorcito del disco -y a ello contri-
buye en no escasa medida el organista italia-
no Francesco Cera, que tañe un instrumento
construido por Graziadio Antegnati en el año
1588, no acaban aquí las excelencias de un
compacto en el que el canto llano, proceden-
te del Graduale Romanum iuxta ritum
Missalis novi (Venecia, 1591), auténtico testi-
monio de la evolución sufrida por el reperto-
rio litúrgico gregoriano desde sus orígenes
hasta los albores del período Barroco, ocupa
(9)
SYMPHONIA y Enrico Baiano presentan un disco
dedicado a la Nápoles del XVII
El clave pictórico
E
l pintor napolitano Luca Giordano (1634-1705) vivió, a lo largo
de sus setenta y un años, los profundos cambios estéticos y polí-
ticos de su época. En paralelo con la vida del pintor, el clave-
cinista Enrico Baiano ofrece una panorámica general, pero exhaus-
tiva, de la música para teclado napolitana a lo largo de casi un siglo.
Al igual que la pintura de
Giordano, las obras contenidas
en el disco SYMPHONIA son el
producto de un oficio prodigioso
y detallista que no escatima en
los efectos tanto grandiosos
como sutiles. En alguno de los
palacios en los que pintaba fres-
cos, el joven Giordano hubiera
podido escuchar posiblemente
las obras de Giovanni Salvatore
(1630-1688). Su libro de Ricer-
cari, Canzoni francesi, Toccate,
publicado en Nápoles en 1641,
atestigua la vivencia de la lec-
ción frescobaldiana, a la que el
músico napolitano aporta una consistente dosis de cromatismo. Las
Durezze e Ligature son un buen ejemplo del estilo torturado y ator-
mentado con el que se expresa la pasión napolitana. Pero el gusto
atormentado de Salvatore, tal como ocurría en su ilustre predecesor
Gesualdo, se canaliza en las calculadas y rigurosas estructuras de la
polifonía: fugas y canciones francesas. Ya no se puede decir que
Salvatore es un desconocido, sobre todo después de los magníficos
discos que le dedicaron en un reciente pasado la Cappella De’
Turchini (Opus 111) y Flavio Bonizzoni (Glossa).
Gregorio Strozzi (1615-1687), aunque ligeramente anterior en la
cronología respecto a Salvatore, demuestra una vena más lúdica y
abierta a la simplificación venidera. El teatrillo napolitano, imagen
emblemática de la cultura partenopea, revive en los bailes de títe-
res de Màscara sonata. La Toccata Seconda y sobre todo la Sonata
II muestran rasgos evidentes de aquel proceso de aligeramiento del
tejido musical.
El aire atmosférico de las últimas obras de Giordano podría
encontrar un eco en las vivaces Partite sopra il ballo di Mantova de
Gaetano Greco (1658-1725) o en los impresionistas arpegios que
abren las dos Toccatas de Alessandro Scarlatti. Como auténtico
napolitano, Enrico Baiano se muestra tan cómodo y con tal con-
fianza hacia este tipo de repertorio que hasta se permite escribir una
variación para concluir las Partite de Greco, así como de su puño
son también las doubles de las Correnti de Salvatore. Muy bello el
sonido del clavecín italiano de autor anónimo, que perteneció al
Cardenal Ottoboni, decorado por una pintura de la Huida a Egipto
para la que no ha de excluirse su atribución a Giordano.
S.R.
MUSICA EN LA ÉPOCA DE LUCA GIORDANO - Nápoles, s. XVII - Obras de Salvatore,
Strozzi, Greco y A. Scarlatti / Enrico Baiano (clave) / SYMPHONIA / Ref.: SY 01184 (1
CD) D2 [-20% precio especial de lanzamiento]
una parte considerable dentro de esta produc-
ción. Es el conjunto More Antiquo, que dirige
con sutil maestría Giovanni Conti, quien nos
ofrece en este campo algunos de los momen-
tos más emotivos del disco, en los que el reco-
gimiento recoleto y la serenidad de esta músi-
ca intemporal nos sumergen en el ambiente de
profundo misticismo y acentuada espirituali-
dad necesarios para comprender en su justa
dimensión no sólo esta Misa de los Apóstoles,
sino el repertorio de toda una época. Un gran
disco.
F.P.C.G.
A. GABRIELI : Missa Apostolorum / Francesco Cera (órga-
no) / More Antiquo. Dir.: Giovanni Conti / DYNAMIC / Ref.:
CDS 361 (1 CD) D2

Il Secondo Libro dei Madrigali a Cinque Voci
con i Pasaggi, de Girolamo dalla Casa, en ARTS
Un genio olvidado
C
ompositor de gran prestigio, virtuoso del corneto,
tratadista de renombre (fue autor del célebre trata-
do Il vero modo di diminuir con tutte le sorti di
stromenti publicado en Venecia en 1584), erudito huma-
nista, Girolamo dalla Casa (ca. 1530-1601) gozó en vida
de una altísima reputa-
ción entre sus contem-
poráneos venecianos.
Nacido en Udine en
torno al año de 1530,
son muy pocos los datos
conocidos sobre sus pri-
meros años de forma-
ción. En 1554, después
de haber permanecido
al menos un par de años
como miembro de una
compañía instrumental
en su ciudad natal, par-
tía hacia Munich, donde
entraría inmediatamente al servicio de Fernando de
Baviera, alargándose su estancia en aquella Corte hasta
1567, momento en el que viajaría de nuevo a Italia
acompañado de sus dos hermanos, Nicolò y Giovanni,
para instalarse definitivamente en Venecia. En la ciudad
de los canales, y debido a su fama como virtuoso corne-
tista, Dalla Casa entró en seguida a formar parte de la
scuola de San Marcos como uno de I pifferi del Doge,
siendo poco después nombrado Capo de concerti delli
stromenti di fiato della Illustrissima Signoria di Venetia.
Allí moriría en 1601, después de haber servido a Su
Serenísima durante más de 34 años.
Il Secondo Libro de Madrigali a Cinque Voci con i
Passaggi de Girolamo dalla Casa fue publicado en
Venecia en 1590 y constituyó desde el mismo momento
de su aparición uno de los ejes sobre los que se articu-
larían la producción madrigalísitca y el arte de la dismi-
nución durante los primeros años del siglo XVII. La gran
destreza y fina sutileza del autor a la hora de convertir
en música los versos de Guarini, Casone o Petrarca nos
revelan la maestría de un genio del género madrigalísti-
co con el que la palabra cantada alcanza las más altas
cimas de expresividad y colorido. Son, sin embargo, los
passaggi y diminuzioni, también llamados por dalla
Casa minute, donde el maestro muestra un extremado
virtuosismo no sólo como instrumentista, sino también
como compositor de gran calidad. De todas estas virtu-
des y cualidades son conscientes los miembros del con-
junto Il Terzu Suono, dirigido por el tenor Gian Paolo
Fagotto, viejo conocido de todos los amantes de la
música antigua. La destacada calidad y frescura de unas
voces altamente expresivas, entre las que figuran nom-
bres de celebrado prestigio como la soprano Laura
Fabris o el bajo Antonio Abete, queda conjugada con
unos instrumentistas de la talla de Jean Tubery en el cor-
neto o Vittorio Ghielmi en la viola bastarda, hermano del
no menos laureado organista Lorenzo Ghielmi, y todo
ello bajo una dirección que conoce perfectamente el
repertorio y del que sabe obtener resultados tan brillan-
tes y sobresalientes como el presente (su anterior graba-
ción para el sello ARTS, un CD dedicado a Alessandro
Orologio alcanzó los máximo elogios).
Sin duda, estamos ante unos intérpretes que todavía
nos tienen que ofrecer muchas páginas olvidadas del
repertorio madrigalísitico.
F.P.C.G.
G. DALLA CASA: Il Secondo Libro de Madrigali a Cinque Voci con i pas-
saggi (1590) / Cecchi Fedi, Fabris, Balconi, Fagotto, Abete / Dir.: Gian
Paolo Fagotto / ARTS AUDIOPHILE / Ref.: 47561-2 (1 CD) D6
KOCH y Parnassi Musici presentan un disco de
Sonatas y Arias de Giovanni Benedetto Platti, en KOCH
Luces del
crepúsculo barroco
G
iovanni Benedetto Platti (c. 1697-1763) es uno de tantos composito-
res barrocos que, reputado en vida, hoy parece perdido en la noche
de los tiempos. Por ello hay que celebrar la progresiva recuperación
del legado de este italiano, probablemen-
te nacido en Padua -y que desde joven
trabajó en Alemania, donde moriría en la
ciudad de Würzburg tras pasar largos
años al servicio de ilustres patronos sajo-
nes- que dejó una obra docta y refinada,
a caballo entre el último Barroco galante
y el protoclasicismo. El conjunto Parnassi
Musici, al que ahora encontramos en el
sello KOCH, nos ofrece un sabroso reci-
tal de su música de cámara, en la que
destacan las sonatas a dos y tres partes,
consumada especialidad de Platti. Obras
en las que no es raro encontrar una parte
obligada de violonchelo -instrumento que tocaba el principal empleador del
compositor, el conde Rudolf Franz Erwein von Schönborn de Wiesentheid,
vivaldiano de pro y gran coleccionista de obras chelísticas- de gran caudal
musical, como ocurre en las tres Triosonatas -para violín, chelo y continuo-
que incluye el CD. A ellas se suman otras tres sonatas para chelo solo y con-
tinuo (1725) que evidencian la inspirada fuerza expresiva, con encendidos
momentos de lirismo, que atesoraba el genio creador plattiano. Música toda
ella de sobria construcción contrapuntística -como bien ilustran los nume-
rosos fugados que contienen las sonatas del presente disco- y notable alien-
to afectivo que refleja certeramente las inflexiones galantes acaecidas hacia
la mitad del siglo XVIII. Como complemento se han incluido dos arias para
soprano, cuerdas y continuo, otra confirmación del talento lírico de Platti,
siempre elegante en sus armonías y agudo en su inventiva melódica.
Parnassi Musici vuelve a dar una lección de estilo, musicalidad y solvencia
técnica restituyendo la música de este maestro del Barroco. Las prestaciones
de las cuerdas son siempre excelentes, con un sonido limpio y cristalino,
expresivo y articulado, sin perder nunca la exacta afinación. Especial men-
ción merece el violonchelo solista, radiante en sus intervenciones, y también
la soprano, que canta las arias con gusto y estilo. Un bello homenaje, en
definitiva, a un autor que demanda mucha más atención discográfica.
Pablo Queipo de Llano
G.B. PLATTI: Sonatas y Tríos para violín, violoncello y bajo continuo / Parnassi Musici / KOCH /
Ref.: 3-6585-2 (1 CD) D2
DYNAMIC presenta un interesante disco de
oberturas y sinfonías de Giovanni Paisiello (1740-1816)
Entre el barroco y Rossini
¡ Qué lejos están los tiempos en que el
público pretendía silenciar El barbero de
Sevilla rossiniano porque sólo aceptaba
el de Giovanni Paisiello! Poco a poco el
pesado manto del olvido cayó sobre el
tarentino, y de su copiosa obra, que tam-
bién tuvo una dimensión teórica (publicó
un tratado sobre el bajo continuo en 1782),
sólo quedaron algunos ecos fragmentados y
mínimos que, no obstante, evitaron la con-
versión de su nombre en mera letra de enci-
clopedia. Afortunadamente, la recupera-
ción ha comenzado en las últimas décadas,
y no solamente en el campo estrictamente musicológico -¿recuerdan que
Stanley Kubrick incluyó en 1975 una versión orquestal de la cavatina de
su Barbero en la banda sonora de Barry Lyndon?(1)- y, aunque lentamen-
te, sus óperas van saliendo a la luz, recobrando su autor el brillo que
nunca debió perder. Incluso han aparecido algunos discos con obras
orquestales (conciertos y sinfonías, básicamente), faceta marginal en el
conjunto de su producción. En ella insiste el registro de DYNAMIC que
( 10 )
 Música sacra y profana de los siglos XVIII y XIX RICERCAR dedica el volumen VIII de su
para trompeta natural y órgano en ARTS serie Música de cámara alemana
a G.P. Telemann (1681-1767)
Solemnidad, Telemann
unción, alborozo y el atleta
S uena tan natural a nuestros oídos
la combinación de trompeta y
órgano interpretando música
barroca que tendemos a olvidar que,
nes de músicos infrecuentes en la dis-
cografía del Setecientos (Feroci, Pera,
Palafutti), a caballo entre el XVIII y el
XIX (Gherardeschi, Zingarelli) o cuya
E
ra consciente de ser un poco raro en su medio,
pero ¿qué culpa tenía aquel atleta de que le
apasionara la música barroca? Telemann, sobre
todo. También los maestros italianos del
en realidad, la literatura original espe- trayectoria vital transcurre casi íntegra- Seiscientos. Y en días de competición -en esto con-
cífica es escasísima, recurriéndose casi mente en el Ochocientos (Padre sistía su «rareza»-, en los momentos previos a la
siempre a transcripciones más o menos Davide da Bergamo). Confeccionan así carrera, cuan-
afortunadas. un largo, variado do compañe-
Pese a todo, es y atractivo progra- ros y adversa-
muy probable ma en el que tie- rios trataban
que en muchas nen cabida lo de concen-
iglesias, dado sagrado y lo pro- trarse y esti-
que contaban fano, sin que los mularse si-
con instrumen- límites entre am- guiendo las
tos de viento, bos campos estén fórmulas
pudiera oírse di- siempre clara- habituales, él,
cha asociación mente perfilados. calándose los
con cierta fre- O tal vez sería auriculares de
cuencia, por lo mejor hablar de un reproduc-
que el número los múltiples y tor portátil, se
de partituras pa- complejos mati- enfrascaba en
ra teclado (órga- ces de las liturgias su XVII: Ci-
no) que pueden y ritos eclesiásti- ma, Fontana, Turini... y su Telemann. Y, dicho sea
admitir transpo- cos y civiles, don- de paso, no le iba mal con sus hábitos. Ha dejado
siciones y adiciones de partes para de los momentos de fervor, recogi- ya de competir, pero no de profundizar en su músi-
trompeta es elevado. Con esta premisa, miento y unción más propiamente reli- ca favorita. Le alegrará, pues, saber que el sello
Igino Conforzi y Claudio Brizi, los giosos alternan con otros de solemni- RICERCAR ha incluido a Telemann en su espléndi-
intérpretes de este registro, han bucea- dad y fasto o de alborozo, regocijo y da serie dedicada a la música de cámara alemana.
do en los archivos del norte de Italia júbilo en que se funden y confunden lo Con un repertorio, según informa Jerôme Lejeune
con resultados positivos. Presentan sacro y lo secular. Todo ello en una bri- en el folleto, seleccionado atendiendo más a la
aquí un manuscrito inédito de proce- llantísima interpretación de Conforzi a belleza de las obras que a su radical novedad dis-
dencia florentina hallado en la la trompeta natural y de Brizi al órga- cográfica. No se ha dudado, por lo tanto, en recu-
Biblioteca Municipal de Montecatini no, realzada por una esplendorosa rrir a publicaciones tan conocidas y transitadas
Terme con un centenar de pequeñas toma de sonido. como Essercizii Musici, Musique de Table y Quadri
piezas anónimas, muchas de ellas sus- a violino... (completando en este último caso, por
ceptibles de dicho tratamiento. Mariano Acero Ruilópez fin, una integral que, no sabemos por qué, quedó
Razones estilísticas llevan a fecharlas a mutilada en un soberbio disco de 1988). Pero sólo
mediados del XVIII, aunque en algún TRA SACRO E PROFANO - Órgano y trompeta en
la Italia del XVIII - Obras de Gherardeschi, para la mitad del programa. Para la otra mitad se
caso pueda llevarse su datación hasta Ugolini, Pera, Palafuti, Panerai, Zingarelli y auto- han elegido obras bastante más inhabituales: uno
finales del siglo anterior. Añaden, ade- res anónimos / Igino Conforzi (trompeta); Claudio de los Six Trios... de 1718, una Sonata en trío y un
Brizi (órgano) / ARTS / Ref.: 47580-2 (1 CD) D6
más, un corto número de composicio- Cuarteto conservados en manuscrito. El programa,
como se pretendía, es bellísimo. Y al estar todo él
en tonalidad menor, aparece teñido de cierta
hoy nos ocupa, aunque lo haga sin alejarse mucho del ámbito al que dedicó sus melancolía, exhalando un aroma nostálgico y un
mayores esfuerzos creativos: de las doce obras programadas, diez son oberturas tanto crepuscular, capaz de sacudir el alma conmo-
de óperas y sólo dos obras independientes (la solemne Sinfonía fúnebre dedica- viéndola como esos deseos entrevistos y nunca del
da a la memoria del papa Pío VI al fallecer en 1799 y otra Sinfonia in tre tempi todo satisfechos... Lo interpreta un Ricercar Consort
de clásico sabor). Pertenecen en su mayoría a los años ochenta, es decir, al perio- integrado en esta ocasión por media docena de
do más fecundo del compositor y componen una muestra muy representativa de músicos cuya sola enumeración dice al buen cono-
su quehacer orquestal, en el que aflora inevitablemente el agudo sentido teatral cedor más que mil palabras acerca de su rigor, pre-
que nunca le abandonó. Su orquestación simple y compacta, su limpia y fresca cisión, elegancia y musicalidad: François
melodía y sus brillantes juegos dinámicos les otorgan un destacado puesto en la Fernandez (violín), Philippe Pierlot y Sophie
línea evolutiva que enlaza la tradición barroca de sinfonie avanti l’opera con las Watillon (violas da gamba), Patrick Beuckels (tra-
oberturas de Rossini. La Orquesta de la Suiza italiana, que dirige Enrique verso), Marcel Ponseele (oboe) y Guy Penson (clave
Mazzola (ya saben, nació en España de padres italianos) se enfrenta a estas obras y órgano). Y, como podía esperarse, el resultado no
con desparpajo y determinación, ofreciendo una interpretación luminosa y, en es un renglón más que añadir a la larga lista de bue-
general, optimista muy ajustada al carácter de la música. Les complacerá. nos discos de música de cámara del compositor,
sino toda una referencia. El atleta, sin duda, estará
M.A.R. feliz. Aunque ya no le empuje en la carrera, lo oirá
una y otra vez evocando recuerdos, quién sabe si
acariciando sentimientos...
(1) He aquí una curiosidad de nuestra historia reciente relacionada con esta bella película.
La censura cinematográfica hizo, en el otoño de 1976, la siguiente observación sobre ella: M.A.R.
«Suprimir de los diálogos el vocablo criminal referido a la obra de los reyes y militares de
la historia» (Circular del Ministerio de Información y Turismo con nº de salida del registro
general 79.993). G.P. TELEMANN: Cuarteto para oboe en sol menor; Triosonata
para flauta en la menor; Triosonata para oboe en mi menor;
G. PAISIELLO: Oberturas y Sinfonie / Il barbiere di Siviglia; Le Due Contesse; Nina, ossia la pazza per Triosonata para violín en sol menor; Triosonata para flauta en re
amore; La Scuffiara; Il Duello Comico, etc. / Orquesta de la Suiza Italiana. Dir.: Enrique Mazzola / menor; Segunda Suite para flauta travesera, violín y b.c. / Ricercar
DYNAMIC / Ref.: CDS 376 (1 CD) D2 Consort / RICERCAR / Ref.: 233452 (1 CD) D2

( 11 )
Los Quintetos para piano y viento de Mozart y Beethoven, en ARTS AUDIOPHILE
Múltiples afinidades
D e enero del pasado año son las grabaciones, en la ciudad de
Padua, de estos dos Quintetos que tienen como instrumentos
protagonistas al piano junto con cuatro instrumentos de viento
de atractiva coloratura: oboe, clarinete, fagot y trompa. El sello ARTS,
debemos aclarar, ha logrado un excelente sonido en el que algo, pen-
samos, habrá tenido que ver Marco Lincetto como ingeniero de la pro-
ducción.
El entusiasmo de Mozart por la música de cámara -unas sesenta
obras concluidas sin contar con las que dejó inacabadas- es revelador,
así como su perfección técnica, su gracia y el fuego de su inventiva.
Ningún compositor como él nos ha sorprendido de un modo más suges-
tivo con el gran misterio de la inspiración. Y aquí, como ejemplo, tene-
mos el Quinteto para piano y viento en mi bemol myaor, KV 452, de
línea melódica expansiva, donde existe una intensa belleza lírica que
crece lentamente, partitura que recuerda algunas atmósferas mágicas de
la Flauta encantada o la fuerte reminiscencia de la segunda sección del
aria del catálogo de Leporello en Don Giovanni: «Nella bionda egli ha
l’usanza».
Frente a esta creación madura del genio de Salzburgo -data de la pri-
mavera de 1784- el registro de referencia reúne también el Quinteto
para piano e instrumentos de viento en mi bemol mayor, op. 16, de
Beethoven, terminado algo más de doce años después. Es obra de un
Beethoven de apenas veintisiete años que tiene su mirada puesta en
Mozart, pero con atisbos de buscar algo diferente. No debemos olvidar
que fue capaz de aprovechar las enseñanzas tanto de Haydn como de
Mozart, que le posibilitarían hacer una música que difiere de la de sus
predecesores, tanto técnica como emocionalmente, aunque esto no
quiere decir que se produzca necesariamente un arte mejor. En este caso
la obra está llena de referencias temáticas al Don Giovanni mozartiano:
hay que destacar el delicado y punzante Andante cantabile, en el
Stern y Spalding, en tándem neoyorkino con el gran Mitropoulos
El aroma de la
música de Dvorák
D
imitri Mitropoulos es huésped asiduo en nuestro Boletín. Myto, Orfeo
y Music&Arts han rescatado su arte como director de Verdi, Mahler,
Puccini y otros autores que las firmas discográficas que tuvieron al
maestro griego «en nómina» (RCA y CBS Sony) no supieron o no quisieron
registrar. Hoy lo escuchamos, gracias a la ini-
ciativa de IDIS, como colaborador en un
Concierto para violín y orquesta, el bellísimo
de Dvorák, que no grabó en estudio. Recor-
demos sus registros de los de Mendelssohn,
Chaikovsky, Bruch nº 1 y Saint-Saëns nº 3 con
Francescatti, más un inolvidable Primero de
Shostakovich con Oistraj y, también, el
Primero de Prokofiev con Isaac Stern, no
menos excelente. Con Mitropoulos colabora
en Dvorák el gran violinista ucraniano de ori-
gen y americano de adopción -aún vivo y pró-
ximo a cumplir 81 gloriosos años-, artista tan
brillante como musical. Si este Concierto fue
especialidad de Stern, Dvorák no fue autor
frecuente en el repertorio de Mitropoulos: no he encontrado referencias a nin-
guna otra grabación suya de obras del músico bohemio. Nadie lo diría: no
sólo el entendimiento entre batuta y solista es perfecto, sino que el maestro
griego entra de lleno en ese mundo personalísimo de Dvorák, logrando de la
orquesta neoyorkina un color idóneo; casi diría que también el aroma de esta
música: escúchense los diálogos de las maderas con el violín en el Adagio,
paladeados por todos los músicos con delectación. Un memorable concierto.
El complemento, muy interesante en principio por la presencia del fino violi-
nista americano Albert Spalding (Chicago, 1888-Nueva York, 1953), sufre de
distorsiones. Pero el Dvorák, excepcional, basta para aplaudir este CD que
nos trae el arte de ese estupendo violinista y músico aún mejor que es Isaac
Stern.
R.A.
MITROPOULOS EN CONCIERTO - A.DVORÁK: Concierto para violín y orquesta en la menor,
op. 53 [Isaac Stern (violín) / Filarmónica de Nueva York (1951)] - E. CHAUSSON: Poème para
violín y orquesta, op. 25 [Albert Spalding (violín) / Filarmónica de Nueva York (1950)] / IDIS /
Ref.: IDIS 6355 (1 CD) D10
( 12 )
Beethoven utiliza un motivo que
recuerda al «Batti, batti, o bel
Masetto».
Hay, curiosamente, una afini-
dad de caracteres en las piezas
aquí propuestas. En primer lugar,
la gran afición del compositor
alemán, en esos años, por escri-
bir en la tonalidad de mi bemol
con una serenidad que también
puede encontrarse en las obras instrumentales de Mozart de la misma
tonalidad. Luego, afinidad en su estructura formal; ambos quintetos
están en tres movimientos: el primero, articulado, es decir, precedido
por una introducción lenta para despertar en el Allegro, y los tiempos
finales en forma de Rondó. Las dos partituras, por último, están escritas
para el mismo conjunto instrumental. No cabe duda de que el Quinteto
mozartiano sirvió como modelo de referencia para el Quinteto, op. 16.
La garantía interpretativa está asegurada por Michel Dalberto, pia-
nista de renombre internacional que comenzó su carrera artística en
1975 y al que le acompañan cuatro miembros del Octeto Italiano, grupo
éste integrado por prestigiosos profesores de diversas formaciones
orquestales italianas como la Orquesta Filarmónica de La Scala, la
Academia de Santa Cecilia, la Orquesta Sinfónica de la RAI, la de
Padua, Venecia y la «Arturo Toscanini» de Parma. ¡Qué más decir!
Manuel García Franco
W.A. MOZART: Quinteto en mi bemol para piano, oboe, clarinete, trompa y fagot, KV
452 - L.V. BEETHOVEN: Quinteto en mi bemol para piano, oboe, clarinete, trompa y
fagot, Op. 16 / Michel Dalberto (piano) / Miembros del Ottetto Italiano / ARTS AUDIOP-
HILE / Ref.: 47606-2 (1 CD) D6
DYNAMIC salta a ultramar con
obras de Villa-Lobos y Krieger
El violín brasileño
L
a ilustre y poderosa sombra de Heitor Villa-Lobos ha deja-
do en la penumbra al resto de los músicos del inmenso
Brasil. Misceláneas como la presente colaboran para que
se haga un poco de luz
sobre tal resto. Desde
luego, el maestro carioca
aparece con dos obras
donde se muestra, una
vez más, la habilidad que
dispensaba a las distintas
escrituras de la música,
en este caso la sonata de
memoria afrancesada y
con sutiles toques de
color local.
Yendo hacia atrás nos
encontramos con
Henrique Oswald, que
vivió largamente en
Europa y llegó a tratarse
con Liszt y Brahms. Representa el cosmopolitismo universalis-
ta de un romanticismo tardío y sazonado. Edino Krieger, por su
parte, paralelo a Villa-Lobos aunque una generación más tarde,
vuelca sus aprendizajes centroeuropeos en un dicurso franca-
mente deudor del Expresionismo.
De la promoción que sigue es Ronaldo Miranda, que equi-
libra la balanza desde el extremo opuesto, es decir, con las
reminiscencias clásicas más fuertes, las variaciones y la fuga.
En el pequeño formato del repertorio camarístico, esta rápi-
da selección permite evocar la historia musical de Brasil, desde
mediados del siglo XIX hasta nuestros días. Sin duda, los dos
grandes espacios del nacionalismo y el universalismo se
advierten pero no en clave de conflicto, sino buscando esa
conciliación que suele ser la tarea tópica del arte armonioso.
Blas Matamoro
MÚSICA BRASILEÑA PARA VIOLÍN - H. VILLA-LOBOS: Sonata-Fantasía nº
1 (Desesperanza); Sonata-Fantasía nº 2 - E. KRIEGER: Sonâncias - R. MIRAN-
DA: Recitativo, variaciones y fuga - H. OSWALD: Sonata / Claudio Cruz (vio-
lín); Nahim Marun (piano) / DYNAMIC / Ref.: CDS 354 (1 CD) D2
 Sendos recitales de Joel Berglund, Torsten Ralf y Paul Schöffler, en PREISER
La voz, el cantante-actor y el tenor
L a voz es Joel Berglund, sobre quien ya
comenté en el nº 50 de este Boletín (pág. 15)
que fue un cantante de extraordinario mate-
rial y línea muy pura. Al pare-
cer era hombre modesto, sin
grandes ambiciones, apegado
al terruño aunque hiciera tam-
bién carrera internacional, pues
con sólo 46 años de edad prefi-
rió dedicarse a la dirección
artística de la Opera de
Estocolmo y aparecer sólo allí
esporádicamente como cantan-
te en lo sucesivo. Grabó poco,
y no es un dislate suponer que
el CD de Lebendige
Vergangenheit, que aquí se
reseña, contiene todo lo que se
conserva de él, pues incluso se
ha acudido a una cinta privada
con un ensayo de La Walkyria
(«Adioses de Wotan») y a dos
muestras de sagas suecas. Oírle
cantar en este idioma Fígaro y
Escamillo puede parecer anec-
dótico. No es así, sin embargo,
cuando nuestro hombre se
convierte en Dapertutto y
Boris, pues la vocalidad es
excelente. De nuevo es en
Wagner donde se muestra con
autoridad y clase plenas. El
monólogo del Holandés suena
un poco neutro por razón del
tempo marcado por el director
(Blech), pero la emisión de
Berglund es nitidísima, sin pre-
pararse las notas agudas
(Schöffler, más dramático,
acude a apoyos). La segunda
sección del «monólogo de la
ilusión» resulta ideal y las dos
intervenciones de Wolfram -
estos tres registros son los mis-
mos editados ya por PREISER
dentro del documento titulado
«Cuatro grandes barítonos
wagnerianos»- están por enci-
ma de todo elogio; sencillamente, son incompara-
bles, inmaculadas, pues en Berglund no hay ese
patetismo de época que sí se halla en el por lo
demás excepcional Janssen.
El CD dedicado a Paul Schöffler en el centena-
rio de su nacimiento descubrirá a algunos el con-
cepto y la realidad del paradigma de cantante-
actor, es decir, del gran profesional sobre el que
reposa el repertorio de este o aquel teatro, porque
la suma de inteligencia, conocimientos y expe-
riencia de tales artistas forma la mejor garantía de
que las cosas funcionan con ellos hasta en las
situaciones más precarias. Recuerdo la única vez
que vi al gran Ludwig Weber, en Barcelona,
haciendo el Osmín del Rapto, ya en sus últimos
tiempos. No puedo juzgar la calidad de su canto,
pero sí dar testimonio de que sus morcillas de
musulmán beodo, en castellano y en catalán, pro-
vocaron la hilaridad del público liceísta.
Asimismo Schöffler apareció en Madrid en 1969 -
¿su única actuación madrileña?- para dirigir la
escena de lo que debió de ser el estreno de
Ariadna en Naxos por estos pagos y hacer de paso
el Profesor de Música: tenía entonces más de 70
años. El CD que le dedica PREISER recoge su
noble voz en la gran época de los cuarenta (el
límite lo señala 1950) y da cumplido testimonio
de su espléndida versatilidad, por supuesto siem-
pre en alemán: soberbio Pizarro, el mejor Sachs
de aquellos años, un Holandés
no tan puro como el de
Berglund pero sí más teatral,
convincente Wolfram y Wotan,
Iago tenebroso... Los acompa-
ñamientos son excelentes -la
arenga de Sachs pertenece al
registro de Bayreuth con
Abendroth (1943)- y tiene inte-
rés comprobar que Karl Rankl,
tan discutido en su etapa londi- CANCIÓN DE ARTE - Canciones de Nin,
nense, era algo más que un Durán, R. y E. Halffter, Bacarisse, Gerhard y
Mompou / Estrella Estévez (soprano);
«enchufado» de los laboristas. Francisco Hervás (piano) / ARSIS / Ref.: ARSIS
Dice un amigo mío que el 4155 (1 CD) D2
mundo se divide en hombres,
mujeres y tenores. Ciertamente,
estos últimos suelen estar
hechos de una pasta especial,
muchas veces frágil y quebradi-
za. Torsten Ralf no debía de ser
la excepción. El CD que aquí
comento, que no repite ningún
fragmento ya incluido en
«Cuatro famosos tenores wag-
nerianos» (ver el ya citado
Boletín nº 50), desconcierta un
tanto. La condición de Ralf no
era la de tenor heroico en sen-
tido exacto (Melchior, Lorenz, MÚSICA DE ESTILO GALANTE - Obras de
Svanholm), su voz corresponde Hammer, Abel y Lidl / Pere Ros (viola da
a un lírico-spinto y, sin embar- gamba); Josep Borrás (fagot) / ARSIS / Ref.:
ARSIS 4176 (1 CD) D2
go, ni como Lohengrin ni
como Walther, papeles en prin-
cipio apropiados para él y que
lo hicieron famoso, convence
aquí en la misma medida que
como Tannhäuser y Tristán: es
especialmente atractivo el
«dúo de amor» neoyorquino
con la majestuosa Traubel y
también sorprende el otro
«dúo de Tristán», el de Otelo,
por supuesto cantado en ale-
mán, con la menos conocida,
pero posiblemente la mejor, de
las hermanas Konetzni, Hilde. Todas las matrices
menos una (Otelo) tienen origen COLUMBIA con
ARTE INGLÉS DE DIFERENCIAS - Obras de
Fritz Busch al frente de la Orquesta del «Met». compositores ingleses de los siglos XVI y XVII
Buen sonido, por tanto, y ejemplos excelentes del / Pere Ros (viola da gamba); Jan Willem
Jansen (clave) / ARSIS / Ref.: ARSIS 140159 (1
Wagner claro y refinado del antiguo director de la CD) D2
Opera de Dresde. Tal unidad estilística y temporal
-casi todo data de 1946- no es frecuente en esta
clase de ediciones: Ralf, el tenor, de trágico final,
tuvo al menos en esto suerte.
Ángel-Fernando Mayo
RECITAL JOEL BERGLUND - Fragmentos de Las bodas de Fígaro,
Don Giovanni, El holandés errante, Tannhäuser, Los maestros
cantores, La Walkyria, Fausto, Los cuentos de Hoffmann,
Carmen y Boris Godunov; Dos Sagas suecas (1937 a 1952) /
Diversas orquestas. Dirs.: Nils Gravillius y Leo Blech / PREISER /
Ref.: 89151 (1 CD) D2
RECITAL PAUL SCHÖFFLER (En el centenario de su nacimiento)
- Fragmentos de Las bodas de Fígaro, Fidelio, El holandés erran-
te, Tannhäuser, Los maestros cantores, La Walkyria y Otelo
(1943-50) / Diversas orquestas. Dirs.: K. Böhm, W. Loibner, K.
Rankl, H. Abendroth / PREISER / Ref.: 90325 (1 CD) D2
ZION SPRICHT - Obras de diversos autores
RECITAL TORSTEN RALF (II) - Fragmentos de Tannhäuser, alemanes del siglo XVII / Quinteto de violas
Lohengrin, Tristán e Isolda [con H. Traubel y H. Glaz], Los maes- Banchetto Musicale / Luis A. González Marín
tros cantores, Parsifal y Otelo [con H. Konetzni] (1944-47) / (clave) / ARSIS / Ref.: ARSIS 140157 (1 CD)
Orquesta de la Metropolitan Opera. Dir.: Fritz Busch - Orquesta D2
de la Opera de Viena. Dir.: Karl Böhm / PREISER / Ref.: 89152 (1
CD) D2
( 13 )
 MYTO reedita tres antiguos éxitos
en su nueva serie MYTO Histórico
Voces míticas
de los 50
M
YTO propone, en útil sistema de presentación -
estuche con dos CDs respectivamente que ocu-
pan el espacio de uno solo- tres grabaciones
históricas, cercanas a 1950, ya comentadas en este
Boletín y que revisamos escuetamente. La más antigua
(1946) es una Gioconda comentada por el abajo firman-
te hace seis años (Boletín 28, junio de 1995). Resumo:
un trío protagonista excelente formado por Milanov,
Tucker y Warren, con la buena colaboración de Rise
Stevens, Margaret Har-
shaw y Giacomo Va-
ghi, bajo la muy profe-
sional batuta de Emil
Cooper. Recomenda-
ble. Cronológicamen-
te le sigue una Manon
Lescaut, también gra-
bada en el Met -y con
sonido excelente-, pri-
mera de las que cono-
cemos con Jussi Björ-
ling como protagonis-
ta. Ahorremos epíte-
tos: este es el mejor
Des Grieux de toda la
discografía. ¡Qué voz soberbia, qué línea de canto y qué
intensidad! La presencia de Björling basta y sobra para
justificar este registro, en el que le acompañan Dorothy
Kirsten y Giuseppe Valdengo, que mantienen adecuada-
mente el alto nivel. Coros, orquesta y dirección, discre-
tos, no impiden la recomendación entusiasta. Como
complemento, una muy amplia selección de Cavalleria
con Simionato y Björling (Met, octubre de 1949) que
desearía escuchar completa, por la soberbia prestación
de esta pareja inhabitual. Y todavía hay lugar para un
breve «flash» del Des Grieux pucciniano en Estocolmo,
en el que a Björling da réplica Hjordis Schymberg.
El tercer volumen, grabado en Nápoles, vale por la
presencia imponente de la joven Callas (enero de 1951:
27 años), desbordante de voz y facultades pero, al tiem-
po, ya catedrática verdiana. Con todo, a quienes bus-
quen a Maria Callas como Leonora del Trovador, reco-
mendaría la versión de La Scala en 1953 con Votto: estu-
penda de voz, Maria está mejor dirigida y acompañada
-Penno, Stignani y Tagliabue, con Antonino Votto- y cap-
tada con mejor sonido; el napolitano deja mucho que
desear. Además, a los ilustrísimos Cloe Elmo y Lauri-
Volpi es mejor recordarlos por otras grabaciones. En
1951 el tenor contaba con 58 años que se hacen notar,
aunque su facilidad en el agudo y el arte del fraseo toda-
vía harán las delicias de sus admiradores. Coros y
orquesta muy poco disciplinados; Serafin hace lo que
puede, es decir, no mucho. Como bonus, una amplia
selección del Acto I del Trovador mexicano de Callas,
con Baum, Warren y Guido Picco a la batuta (1950). En
resumen, mejor acudir a la función escalígera de 1953,
también en MYTO.
Roberto Andrade
G. VERDI: Il trovatore / Callas, Lauri Volpi, Silveri, Elmo, Tajo / Coro y
Orquesta del Teatro San Carlo de Nápoles. Dir.: Tullio Serafin (1951) /
MYTO / Ref.: 2CD011H053 (2 CD) D10 x 2
G. PUCCINI: Manon Lescaut / Björling, Kirsten, Valdengo, Baccaloni /
Coro y Orquesta del Metropolitan Opera. Dir.: Giuseppe Antonicelli
(1949) / MYTO / Ref.: 2CD011H056 (2 CD) D10 x 2
A. PONCHIELLI: La Gioconda / Milanov, Tucker, Stevens, Warren / Coro
y Orquesta del Metropolitan Opera. Dir: Emil Cooper (1946) / MYTO /
Ref.: 2CD012H059 (2 CD) D10 x 2
De Rossini a Leoncavallo,
dos propuestas bien distintas en BONGIOVANNI
Dos heroínas,
dos músicos, dos estéticas
E
l azar discográfico de la grabación o la distribución hace que llegue al
mismo tiempo al mercado y en el mismo sello dos obras de repertorio ita-
liano tan dispares como Elisabetta, regina d’Inghilterra de Rossini, la prime-
ra ópera escrita para Isabel Colbrán en 1815 (y la primera ocasión en que el
músico escribiera todos los embellecimientos vocales sin ad libitum para el
intérprete), y Zaza de Leoncavallo, de 1900 y, por ello, contemporánea de
Tosca, pensada para otra soprano impor-
tante del momento, la veneciana Rosina
Storchio, que tanto asocia la posteridad a la
obra pucciniana por el interés (artístico, se
aclara) que hacia ella mostró el compositor
luquense.
Ochenta y cinco años separan a las dos
mujeres: una, reina y señora, que sacrifica
sus sentimientos personales en favor de la
prosperidad de su reino y la felicidad de sus
súbditos (Matilde y Leicester); la otra, una
cantante de cabaret víctima de su propia
femineidad desbordante, pero capaz de
renunciar también al amor -de Mylio en
este caso- en favor de su esposa legítima.
Muchas cosas han ocurrido, pues, en el
mundo de la ópera entre Elisabetta y Zaza
en ese movido siglo diecinueve italiano:
entre las más importantes, el paso del bel-
cantismo al verismo. Elisabetta necesita
una soprano dramática pero de agilidad,
capaz de solventar los numerosas trampas
vocales que Rossini le coloca aquí y allá.
Zaza está ideado para una soprano de cen-
tro robusto, dicción clara, intenciones
expresivas y talento dramático. Los dos per-
sonajes sufrieron largos períodos de olvido.
Elisabetta comenzó a renacer en los años
setenta del pasado siglo, en escena gracias a Leyla Gencer (que protagonizó
varias memorables sesiones en el teatro napolitano que viera nacer a la heroína
Tudor) y, especialmente para una grabación completa de 1975, a Montserrat
Caballé. Luego Elisabetta encontró apoyos esporádicos en lecturas de la siem-
pre laboriosa Lella Cuberli y de la impredecible Anna Caterina Antonacci. A esta
mínima lista habría que añadir una pionera en los años cincuenta: la extraña e
indescifrable Maria Vitale, que protagonizó una solitaria edición de la RAI de
Milán en 1953.
Y aquí ya nos topamos con la RAI, institución que también tuvo su aquéllo
en la supervivencia de la Zaza leoncavalliana. De hecho las dos grabaciones de
la ópera que posibilitaron la escucha y conocimiento de la partitura fueron dos
de la RAI turinesa, una de 1970 (con la magnífica Clara Petrella), otra de 1977
(con la desigual Lynne Strow-Piccolo). Fragmentariamente, las páginas solistas
de sus tres protagonistas, soprano (Zaza), tenor (Mylio) y barítono (Cascart) se
colocaron en ocasiones discográficas en varios atriles célebres, comenzando por
el de Alessandro Bonci, que grabó su página tenoril en 1907, acompañado al
piano por el mismísimo Leoncavallo.
BONGIOVANNI nos pone de actualidad dos ejecuciones completas de las
dos óperas: una tomada en el festival rossiniano de Wildbad de julio de 1999,
dirigida por el que fuera interesante tenor rossiniano, hoy director y musicólogo
de prestigio: Herbert Hand; la otra, en una toma de estudio, en Roma año 2000,
donde la soberbia dirección de Silvano Frontalini que ofrece la partitura sin cor-
tes, arropa a un terceto muy comprometido con las vicisitudes dramáticas de la
obra: Lisa Houben (a quien ya se conoce por Blanca en Ines de Castro de
Persiani), Sergio Manajia (lo mismo, por la Medea italiana de Pacini) y Barry
Anderson (a quien estos personajes le van como a medida, según se comprue-
ba también con su Gianni de I Rantzau de Mascagni).
En cualquiera de los dos casos, en el de la reina inglesa o en el de la plebe-
ya gala, estas honorables interpretaciones (en las que Zaza tiene todas las de
ganar) nos permiten echar una nuevo, relajado y provechoso vistazo a dos obras
muy representativas del inmenso repertorio italiano, cada una en su género.
F.F.
R. LEONCAVALLO: Zazà / Houben, Mastromarino, Scano, Branchini, Hubbard / Orquesta
Filarmónica de Roma. Dir.: Silvano Frontalini / BONGIOVANNI / Ref.: GB 2289/90-2 (2 CD) D2
x2
G. ROSSINI: Elisabetta, regina d’Inghilterra / Balabanova, Amou, Bienkowska / Orquesta
Filarmónica de Stuttgart. Dir.: Herbert Handt [Festival de Wiesbad] / BONGIOVANNI / Ref.: GB
2291/92-2 (2 CD) D2 x 2
( 14 )
 Nelly Miriciouiu, protagonista del último lanzamiento de OPERA RARA

La rumana belcantista
M ientras otras sopranos pululan intermitentemente pasando
del repertorio convencional a algunas muestras del bel-
canto italiano ya muy cercano a la influencia romántica,
la soprano rumana Nelly Miricioiu parece anclada en estos perso-
najes del primer Ochocientos italiano, los de Rossini, Mercadante,
Pacini y sobre todo Donizetti, sin que deje de lado algunas incur-
siones al realismo canoro. La Miricioiu se dio a conocer discográ-
ficamente hablando con una Tosca para Naxos y luego fue para
Chandos una ardiente Santuzza de Cavalleria rusticana, pese a
estar cantada (casi una aberración) en inglés.
Alimenta la voracidad belcantista de la rumana el sello inglés
OPERA RARA, a quien nunca se acabará de agradecer este interés
por intérprete y por los sectores del público que
demandan este tipo de obras, además de sus
inquietudes editoriales tan anómalas, si se com-
paran con las de la competencia.
El último regalo de OR a soprano y afición es
un magnífico recital belcantista, donde se aline-
an en bien entrelazado ramillete páginas de
Mercadante, Costa y, por supuesto, Donizetti.
Del bergamasco se incluye la espléndida
escena final de Antonina en Belisario, en una
edición nueva de Ottavio Sbragia, obra inme-
diatamente posterior a Lucia di Lammermoor, o
sea de 1836, lo que ya define de un plumazo la
categoría musical de la obra. Pese a ello, tras las
interpretaciones de 1969 y 1970, Venecia y Bérgamo, respectiva-
mente, protagonista ejemplar Leyla Gencer con Giuseppe Taddei y
Renato Bruson (responsable igualmente de una reprise en Buenos
Aires 1981 con una Mara Zampieri luego pocas veces en tan buen
estado de ánimo), la ópera volvió a su inexplicable olvido. Es otra
escena más de locura, pero en este caso comprensible ya que no
le queda otra alternativa, pues injustamente ha destrozado la vida
de su marido Belisario y estuvo a punto de hacer lo mismo con la
del hijo Alamiro. Y todo por ser demasiado impulsiva, fiarse del pri-
mero que viene y no dejar al cónyuge acusado, al menos, la posi-
bilidad de defenderse de las sospechas y denuncias de los que
están a la que salta. Mejor así, porque procura oportunidades a
Donizetti para una gran escena conclusiva, con los principales per-
sonajes de la obra (incluido el emperador Justiniano y la otra hija
de la pareja, la buena de Irene), que aboca finalmente al gran
momento de desesperación de Antonina, Egli è spento e del per-
dono, desesperada porque Belisario ha muerto sin perdonarla, lo
que le abre un futuro de culpas y sufrimientos incalculables.
La primera protagonista de Antonina fue la húngara Carolina
Ungher famosa por el empuje de la voz, la musicalidad, el aliento
dramático y la capacidad virtuosística, cualidades que logra emu-
lar la Miricioiu, quien como Parisina, una ópera anterior de
Donizetti (de 1833), vuelve a demostrar su afinidad con la escritu-
ra vocal de la Ungher, pues para ella la escribió el bergamasco. En
este caso se trata de la escena y el aria de Emma «Sogno talor», con
pertichino de Imelda y acompañamiento final del coro. Es un larg-
hetto en si bemol mayor que a veces se le ha comparado, por su
belleza melancólica, a la canción del sauce de la Desdémona ros-
siniana. La Miricioiu sabe aprovechar muy bien esa inocente situa-
ción que vive la protagonista, utilizando los ornamentos vocales
para reflejar, como quería el compositor, el estado de ánimo de
inquietud íntima de la infeliz Parisina que ama (pero sin caer en
pecado) al hijo producto del primer matrimonio del marido. O sea
como una anti-Fedra.
Cuando El sitio de Corinto del genial Rossini llegó en 1834 al
Teatro de Su Majestad de Londres, dirigida por Michael Costa, este
compositor napolitano de origen español escribió para la Pamira
de Giulia Grisi un aria alternativa que sustituyera a la original ros-
siniana del comienzo del segundo acto. Esta
composición de Costa es la que ha registrado la
Miricioiu y, aunque es preferible la original ros-
siniana, no es para desdeñar la aportación de
Costa, pues tanto la introducción orquestal (con
protagonismo del chelo), como el recitativo,
aria y cabaletta que vienen detrás suministran a
la intérprete a la par que despliegue melódico
oportunidades expresivas en canto spianato y
fiorito.
Pero el número fuerte de este registro es el que
inicia el disco, una dilatada escena final perte-
neciente a Emma D’Antiochia de Saverio
Mercadante, un auténtico tour de force para la
soprano, que tiene de todo, y que pone a este músico a la altura de
sus compañeros de disco, tanto del sucedáneo (Costa por Rossini)
como del auténtico (Donizetti). Y sobre todo saca a la superficie el
novedoso juego que Mercadante en esa época (estamos en 1834)
hacía de las estructuras operísticas: un recitativo expresivísimo
enlaza directamente con un aria que deriva a una cabaletta (ya de
empuje casi verdiano y con un da capo enriquecido) en una suce-
sión que si hasta ahora no es nada nuevo, sí que cobra un signifi-
cado insólito al incorporarse finalmente al cotarro la figura de la
rival de la protagonista, Adelia, concluyéndose la escena con una
especie de dúo que el coro sostiene con especial hincapié.
Tampoco se debe perder de vista la instrumentación, en la que
sobresalen el arpa, la trompa y el chelo, aportando un colorido
muy contrastado y sugerente. Posiblemente es el corte donde la
Miricioiu, muy dada de sí, entrega lo mejor de sí misma, que es,
realmente, mucho. Un disco, finalmente, nada vulgar, interesante y
muy representativo de la ópera italiana de aquella década bien
prodigiosa de 1830, que vio nacer a Anna Bolena, Norma, Amina,
Imogene, Lucrezia Borgia; Maria Stuarda, Elvira, Lucia di
Lammermoor, Selika... ¡Dios mío, qué de maravillas!
F.F.
NELLY MIRICIOIU: Retrato del bel canto - Escenas y arias de Emma d’Antiochia
(Mercadante), L’assedio di Corinto (Rossini-Costa), y Belisario y Parisina (Donizetti) /
Philharmonia Orchestra y Orquesta Filarmónica de Londres. Dir.: David Parry /
OPERA RARA / Ref.: ORR 217 (1 CD) D1

Habrá que esperar a la vuelta de las vacaciones para leer la reseña que Luis Gago publicará en estas mismas páginas sobre uno de los más sen-
sacionales lanzamientos de GLOSSA: las 6 Suites para violoncello de J.S. Bach en transcripción y ejecución a la viola da gamba por Paolo
Pandolfo. Al mismo tiempo, el disco Tres hermanas nos acercará al medievo musical con una selección de canciones de la Francia del siglo XIII.

TRES HERMANAS: [Canciones de la

Francia del siglo XIII] / Wishart, Ellis,
West / ENSEMBLE SINFONYE / GLOSSA /
Ref.: GCD 920704 (1 CD) D2
J.S. BACH: Las 6 Suites para vio-
loncello, BWV 1007-1012 /
Paolo Pandolfo (viola de gamba) /
GLOSSA / Ref.: GCD 920405 (2
CD) D10 x 2 [-15% de descuento
- oferta especial de lanzamiento]

( 15 )
 Espléndido recital brahmsiano
de Brigitte Fassbaender, en ARTS
Entre el arrojo
y la exaltación
S
iempre es un placer reencontrarse con la mezzo-
soprano Brigitte Fassbaender, que fue durante 25
años una de las más señaladas cantantes de
ópera y lied de Alemania. Las enseñanzas de su
padre, el célebre barítono Willi Domgraf-
Fassbaender, la
pusieron desde
muy niña en el
mejor camino.
Claro que sin su
disposición -y so-
bre todo sin un
instrumento de la
solidez, la densi-
dad y la homoge-
neidad del suyo-
su carrera no ha-
bría adquirido la
importancia que
llegó a tener y ella
no habría podido,
por ejemplo, recrear con tan aguda sensibilidad, vera-
cidad y lirismo dramático de buena ley este grupo
bien escogido de lieder de Brahms en los que ese
colorido tan peculiar del timbre se pone en evidencia.
Esos efluvios raros, esas irisaciones de un metal como
de plata vieja, que tanto inciden en el patetismo de
ciertos pasajes, ese singular desgarro interpretativo,
que va directamente muy al fondo de la expresión
están aquí muy presentes y nos envuelven, incluso
cuando podamos pensar que un poco más de delica-
deza o de refinamiento habrían sido más convenien-
tes. Pero Fassbaender era así: decidida y por derecho,
parecía actuar en todo momento como ese Octavian
de El caballero de la rosa que hizo tantas veces suyo:
sin ambages, sin chiquitas, a por todas. Su interpreta-
ción, acompañada del pianista Irwin Gage y del viola
Thomas Riebl, de los dos lieder de la op. 91, dos ver-
daderas obras maestras del género, ha sido justamen-
te considerada, desde su primera publicación en
Acanta en 1982, como una de las más felices junto a
las de Ferrier y Norman. El tinte oscuro del timbre, la
pastosidad de la emisión, el fulgor e intensidad de los
agudos, la cadenciosidad del fraseo, siempre virado
más a lo dramático que a lo lírico puro, al acento
fuerte que al efusivo, son sin duda buenas bases para
la obtención de positivos resultados. Todo el recital
discurre entre el arrojo de la primera canción,
Liebestreu, op. 3 nº 1, con la que Brahms se inició ofi-
cialmente en este mundo, y el entusiasmo de la últi-
ma, Von ewiger Liebe, op. 43 nº 1, una de las mejo-
res del autor, un gran lied sinfónico que encaja per-
fectamente en el estilo a veces algo abrupto e inso-
lente de Fassbaender, que tan bien sabía reflejar esta-
dos de excitación, exaltación o alucinación y que
nunca fallaba a la hora de crear un clima, una atmós-
fera, un ambiente casi teatral. Lástima que la cantan-
te se retirara tan pronto, hace unos cuatro años, con
poco más de medio siglo cumplido. Estupenda idea la
de ARTS la de recuperar para CD este ya añejo reci-
tal, en el que presta una magnífica y temperamental
colaboración el pianista Gage. Buena también la
labor de Riebl con la viola en la op. 91.
Papageno
J. BRAHMS: 18 Lieder / Brigitte Fassbaender (mezzosoprano); Irwin
Gage (piano) / ARTS / Ref.: 47614-2 (1 CD) P.V.P.: 995 ptas.-
Tras el éxito de sus anteriores recitales en ORFEO,
llega el Chaikovski operístico de Julia Varady
Aspectos del alma rusa
J ulia Varady ha dejado ya testimonios discográficos de casi todos
los compositores que la han acompañado a lo largo de su carrera:
Mozart, Strauss, Wagner, Verdi o Puccini. Le faltaba Chaikovski, de
quien la gran artista ha interpretado en escena sus dos heroínas más
conocidas, Tatiana en Eugenio Onieguin y Lisa de La dama de picas,
además de haber grabado un espléndido disco de canciones, también
para ORFEO, con Aribert Reimann al piano. En aquel compacto
demostraba ya una especial afinidad con el mundo atormentado y tur-
bulento del músico ruso, a lo que el origen eslavo de la cantante le
predisponía. Este nuevo regis-
tro, efectuado en el Estudio 1
de la Radio Bávara en Múnich
en el verano del pasado año,
recoge una amplia galería de
personajes femeninos que ofre-
ce un reflejo bastante completo
del catálogo dramático de
Chaikovski, un autor que se
confirma cada día como uno
de los grandes nombres de la
ópera de la segunda mitad del
siglo XIX. La soprano rumana,
como era de esperar, nos brin-
da unos retratos absolutamente
personales de estas mujeres
«fuertes en su debilidad», como indica Kurt Malisch en los comenta-
rios al disco. Tatiana (de la que se nos ofrece la escena de la carta com-
pleta, con una intencionada Daphne Evangelatos en la nodriza
Filipievna) no es aquí la joven soñadora y todavía un tanto incons-
ciente sino una mujer de carne y hueso, que sabe muy bien lo que
quiere y conoce los latidos de su corazón. En Lisa, su voz está poseí-
da de un sentimiento trágico y fatalista ya desde su primera aria, cuan-
do se ve atraída por un hombre que sabe que la llevará a su propia
destrucción. Encontramos también a la Juana de Arco que se despide
llena de melancolía de sus bosques amados en La doncella de
Orleans, y a la joven ciega que a través de su pasión recobrará la luz
de sus ojos en Iolanta , esa maravillosa partitura con la que Chaikovski
se despidió de la escena, y que contiene un auténtico canto a la ple-
nitud de la vida. Pero si tuviéramos que escoger dos momentos, de
esos típicamente varadianos, éstos serían la canción de cuna con la
que Maria, la novia del jefe de los cosacos en Mazeppa, cierra la ópera
tras haber perdido la razón, con un agudo en pianísimo que se va des-
vaneciendo en el espacio, y el aria del primer acto de La Hechicera,
una magnífica exaltación de la naturaleza, en la que la cantante lanza
esos centelleantes agudos que son marca de la casa. En los pasajes
sinfónicos, llenos de vigor, el director ruso Roman Korman demuestra
su conocimiento de esta música.
Rafael Banús Irusta
JULIA VARADY CANTA TCHAIKOVSKY - Arias de Eugen Onegin, La doncella de Orleans,
Mazeppa, Die Zauberin, Dama de picas y Iolanta / Julia Varady (mezzosoprano) / Orquesta
de la Radio de Múnich. Dir.: Roman Kofman / ORFEO / Ref.: C540011A (1 CD) D2
También disponibles:
JULIA VARADY CANTA RICHARD STRAUSS - Arias de Salomé, Ariadna en Naxos, El amor
de Dánae y Capriccio / Julia Varady (soprano) / Orquesta Sinfónica de Bamberg. Dir.:
Dietrich Fischer-Dieskau / ORFEO / Ref.: C511991A (1 CD) D2
JULIA VARADY: Heroínas verdianas (Vol. 1) - Arias y dúos de Nabucco, Il Trovatore, La
Traviata, Un ballo in maschera y La forza del destino / Con Lothar Odinius (tenor) /
Orquesta del Estado de Baviera. Dir.: Dietrich Fischer-Dieskau / ORFEO / Ref.: C186951A
(1 CD) D2
JULIA VARADY: Heroínas verdianas (Vol. 2) - Arias y dúos de Macbeth, Don Carlo, Aida
y Otello / Con Stella Doufexis (mezzo) / Orquesta del Estado de Baviera. Dir.: Dietrich
Fischer-Dieskau / ORFEO / Ref.: C414961A (1 CD) D2
JULIA VARADY: Recital Puccini - Arias de La rondine, La Bohème,Gianni Schicchi, Manon
Lescaut, Suor Angelica, Tosca, Madama Butterfly y Turandot / Orquesta Sinfónica de la
Radio de Berlín. Dir.: Marcello Viotti / ORFEO / Ref.: C323941A (1 CD) D2
JULIA VARADY: Recital Tchaikovsky - 6 Lieder sobre poemas de Daniel Rathaus, op. 73;
6 Lieder franceses, op. 65, etc. / Aribert Reimann (piano) / ORFEO / Ref.: C053851A (1 CD)
D2
JULIA VARADY: Recital Spohr - 6 Lieder con acompañamiento de piano y clarinete, op.
103; 6 Lieder con acompañamiento de piano y violín, op. 154, etc. / Dietrich Fischer-
Dieskau (barítono); Hans Schöneberger (clarinete); Dmitri Sitkovetsky (violín); Hartmut
Höll (piano) / ORFEO / Ref.: C103841A (1 CD) D2
( 16 )
 De la cuna bergamasca de su autor nos llega la última grabación de Anna Bolena
En Bérgamo, un posible
Bayreuth para Donizetti
E
n 1897 se celebró el primer centenario del nacimiento
de Gaetano Donizetti, y su ciudad natal, Bérgamo, dio
el nombre del compositor nativo a su teatro de ópera,
anteriormente denominado Riccardi. Se halla en la parte
baja de la ciudad, al lado de un descuidado parque donde
el compositor tiene también construido un monumento en
su honor, flanqueado por un escuálido estanque donde cha-
potean unos aburridos y ociosos patitos. Este escenario ber-
gamasco acogió en vida casi toda
la producción del maestro local,
muchas de las veces en dos voces
tenoriles también nativas:
Domenico Donzelli, el primer
Pollione belliniano -y, entre otros,
el primer Almuzir donizettiano de
la juvenil Zoraida di Granata-, y
Giovanni Battista Rubini, para
quien Donizetti creara nada menos
que siete héroes, entre los que se
hallan Percy de Anna Bolena y
Fernando de Marino Faliero, en
una colaboración con el músico
que se inicia tempranamente en
1823 y llega hasta 1835. Dando un
enorme salto en el tiempo, más
recientemente, un hijo de la localidad también dedicó sus
afanes, esta vez desde el foso, al ilustre coterráneo decimo-
nónico: el espléndido director de orquesta Gianandrea
Gavazzeni. Este director, fallecido en 1996 a los 87 años, ha
impulsado, con el apoyo de la Sociedad Donizetti, un festi-
val que ha ido tomando cuerpo en Bérgamo paulatina y tra-
bajosamente, con logros tan interesantes como la edición
de La favorita en 1991, en su original francés, o el Poliuto
de 1993 protagonizado por el alicantino José Sempere y la
hoy viuda del director, la soprano Denia Mazzola. En cier-
ta manera este festival ha aglutinado el interés intermitente
que desde siempre tuvo la ciudad hacia la producción,
amplísima, del compositor nativo (Gavazzeni bromeaba
cariñosamente, en este sentido, con el nombre del compo-
sitor llamándole «dozinetti», según relato de Blas Matamoro
que entrevistó al director con ocasión de una Aida en 1971
en Buenos Aires). El disco ha retenido alguna de estas mani-
festaciones de cariño bergamasco: L’ajo nell’imbarazzo
(1959), Maria de Rohan (1959), Pigmalione (en estreno
mundial ¡de 1960!), Marin Faliero (1966), Belisario (1970),
Lucrezia Borgia (1971) o Les Martyrs (1975), siendo prota-
gonista de alguna de estas ejecuciones la ilustre donizettia-
na Leyla Gencer.
Anna Bolena, el primer triunfo incuestionable de
Donizetti, el 28 de diciembre de 1830 en el Teatro Carcano
de Milán, volvió modernamente a los repertorios gracias a
Maria Callas y Gavazzeni, quienes protagonizaron en la ya
mítica producción de Luchino Visconti una reprise sensa-
cional en la Scala de 1957. Gencer se medía a la par con el
papel en RAI de Milán 1958 y un poco más tarde en el
impensable Festival de Glyndebourne (en el foso, siempre
Gavazzeni) y tras las dos excepcionales cantantes una serie
de sopranos se acercaron con mayor o menor fortuna a este
bellísimo papel, en una buena lista de intérpretes que no
resistimos la tentación de catalogar: Beverly Sills, Renata
Scotto, Elena Suliotis, Cecilia Gasdia, Montserrat Caballé,
Joan Sutherland, Adelaida Negri, Maria Dragoni, Christine
Weidinger, Edita Gruberova, Carol Vaness, Katia Ricciarelli,
Lella Cuberli, Daniela Longhi, Denia Mazzola, Nelly
Miricioiu, Giusy Devinu, Luciana Serra, June Anderson... Y
el último descubrimiento de Bérgamo, la soprano griega
Dimitra Theodossiou, que en octubre de 2000 daba vida a
esta heroína en una lectura que se considera como la pri-
mera grabación completa de la obra. Anteriormente, las gra-
baciones de Sills y Sutherland también ofrecían una versión
( 17 )
muy completa de la extensa partitura donizettiana.
La Theodossiou, que en junio de ese mismo año ofrecía
ya una buena aproximación al papel en el San Carlo de
Nápoles, salió a la luz gracias a un Operalia de Plácido
Domingo, el celebrado en Madrid en 1995 (luego cantaría
en una de aquellas inefables Galas de Reyes perpetradas
por Álvarez del Manzano). Tras ese concurso su carrera
avanzó a grandes zancadas en un repertorio poco conven-
cional: al lado de la Maria de
Neouburg de Ruy Blas de Marchetti
(que grabó en disco Bongiovanni),
fue la Donna Anna mozartiana en
Ginebra, en la controvertidísima
producción de Matthias Langhoff,
además de cantar paralelamente
tres roles verdianos a cual más dis-
par: Violetta Valéry, Lina de Stiffelio
y Odabella de Attila. Su voz es her-
mosa y plena, ancha y caudalosa,
de colores mediterráneos. Está
manejada con talento dramático y
con un diseño que permite recono-
cer, en el caso que nos ocupa de la
Bolena, claramente al personaje.
Mejor en los momentos de canto
lírico, no empalidece en los más dramáticos, consiguiendo
quizás sus mejores prestaciones en las partes elegíacas,
como en la escena final en el Al dolce guidami castel natio.
Con un registro generoso y una seguridad encomiable lleva
adelante sin desmayo toda la complicada prestación de esta
singular protagonista, incluyendo en alarde algún que otro
sobreagudo. Notable retrato el pintado por esta interesante
intérprete de quien se espera aún mucho más en los años
venideros. La Theodossiou tiene en el foso un cómplice
extraordinario, el director Tiziano Severini, que hace una
lectura vibrante, con mucho nervio, con mucho contraste
teatral, creando el clima romántico apropiado para esta
maravillosa partitura. La Seymour de la Ganassi no puede
competir, obviamente, con otras predecesoras insignes (en
cabeza Simionato y Verrett) pero la cantante regioemiliana
tiene el tipo de vocalidad adecuado para el papel, registro
más que suficiente y temperamento apropiado, y su gran
escena, la séptima del acto segundo, es premiada justa-
mente por el público con uno de los aplausos más nutridos
de la velada. Andrea Papi es un bajo «cantante» que ha des-
tacado últimamente en el panorama italiano con interpreta-
ciones muy bien recibidas de Colline, Sparafucile, Banquo,
Ramfis, Don Basilio o el catálogo lírico de Nino Rota. Su
voz, noble, cálida, mediterránea, le va a colocar pronto en
la cumbre, sólo tiene que esperar el lógico paso del tiempo
y el rodaje por los escenarios internacionales. Fabio Sartori,
voz italiana de tenor brillante, penetrantemente lírica,
empieza algo apurado de agudos. Deben de ser los nervios,
porque al final saca adelante con mucho desahogo la difi-
cilísima Vivi tu, te ne scongiuro y, además, en todo momen-
to la línea de canto está suficientemente aseada, en especial
en ese andantino sublime, que es de una lujuria canora de
poner los pelos de punta, Fin dell’età più tenera en medio
del magnífico terceto con Anna y Enrico. Un dato más que
enriquece esta grabación: los papeles más secundarios
Smeton (una Sonia Pina con auténtico colorido de contral-
to), Rochefort (Paolo Battaglia) y Sir Hervey (Cristiano
Olivieri) están encomendados a voces nada desdeñables y
a cantantes de sólida preparación.
F.F.
G. DONIZETTI: Anna Bolena [Primera grabación completa] / Theodossiou,
Ganassi, Sartori, Papi, Prina / Orquesta I Pomeriggi Musicali di Milano. Dir.:
Tiziano Severini / DYNAMIC / Ref.: CDS 370/1-3 (3 CD) D2 x 3
De Engelbert Humperdinck publica MYTO El matrimonio sin quererlo
Casarse
H asta no hace mucho tiempo lo nor-
mal o común en el llamado mundo
occidental era que el hombre y la
mujer -tórtolos puros, aguiluchos depreda-
dores, cigüeñas con nido, etcétera- se casa-
ran ante Dios y ante los hombres, rubrican-
do el pertinente contrato y entregándose
después a las delicias del tálamo. Hoy no es
así. En cualquier lugar te presentan a un
señor y a una señora -deliberadamente me
refiero sólo a los dominios de la heterose-
xualidad- y te dicen: «Éste es Fulano de Tal
y ésta su pareja (o compañera)», lo que sig-
nifica que los susodichos comparten el
lecho sin haber pasado por la vicaría y el
juzgado. Hoy mismo he visto en el periódi-
co local de la isla donde escribo estas líne-
as la esquela dedicada a una de las víctimas
masculinas de un desgraciadísimo acciden-
te de tráfico, y la relación de deudos apare-
ce allí encabezada por «su compañera»,
así, sin identificación, mientras que una
hija viene inmediatamente después con su
nombre. Me quedé un poco perplejo, pues
yo, que el mes próximo celebraré los pri-
meros treinta años de mi único y feliz matri-
monio ante Dios y ante los hombres, no
acabo de entender bien eso de «pareja» y
más si se le concede el adjetivo «sentimen-
tal», pues si, por ejemplo, tengo cariño a un
perro que a su vez me es fidelísimo, imagi-
ne el lector el lío que puede llegar a orga-
nizarse si presento así al can: «Este es Froh,
mi compañero sentimental». Pero en segui-
da salí del estado de trance al recordar un
chiste que, mira por dónde, va a quedar
pronto obsoleto: «-Chico, cómo está el
mundo, a la salida del pueblo he visto a
una pareja besándose». -«¿Y qué tiene eso
de extraño?» «Verás, es que la pareja era de
la Guardia Civil».
La obra de Engelbert Humperdinck que
aquí he de comentar -El matrimonio sin
quererlo- me parece un remoto e incons-
ciente precedente del actual estado de
cosas. Inspirado en Les demoiselles de
Saint-Cyr, de Alejandro Dumas padre, el
compositor de Hänsel y Gretel escribió el
libreto, compuso la música y estrenó con
éxito esta ópera cómica nada menos que en
Berlín, dirigida por Richard Strauss y en
presencia de la imponente viuda de
Wagner. Pero la obra no se instaló en el
repertorio, lo que quizá no fue justo, si bien
puede compararse a la luz de los hechos
musicales de aquellos tiempos: la verdad es
que hoy está olvidada. Humperdinck debió
de ser una persona afable; además disfruta-
ba de la fama legítimamente alcanzada con
su prodigioso cuento sobre Juanito,
Margarita y la bruja golosa (1893) y de la
doble aureola de haber sido ayudante de
Wagner durante la pregrabación del estreno
de Parsifal y preceptor musical del hijo del
maestro, Siegfried. Su obra escénica más
ambiciosa, Los hijos del rey, llegaría aún en
1910, reelaborada a partir del melodrama
compuesto en 1897 con el mismo título.
La historia que se cuenta en Die Heirat
Wider Willen suena hoy aparentemente a
cosa rancia. Dos novicias o pupilas de un
reputado convento para señoritas de alcur-
nia -la espiritual Hedwig y la pragmática
Luise- no están por la labor de tomar los
hábitos. El enamorado de aquélla es Robert,
conde de Montfort. Y el de ésta es Emil
Duval, en apariencia plebeyo aunque rico,
mas en realidad titular de una baronía. Lo
de «enamorados» lo digo en términos rela-
tivos, porque lo que les atrae es lo «prohi-
bido», esto es, traspasar los muros del con-
vento y echarles allí los tejos a dos virgina-
les criaturas, destinadas a desposarse con
Cristo. Ambos penetran, pues, en el parque
de Saint-Cyr y requiebran honestamente el
uno a la asustadiza Hedwig y el otro a la
decidida Luise. Pero sin saberse bien cómo
-quizá haya algunas partes habladas omiti-
das- hacen acto de presencia los alguaciles,
apresan a los caballeros y se los llevan a la
Bastilla. Hasta aquí el primer acto, que
carece de obertura.
La introducción orquestal del segundo
pinta el tenebroso -ma non tanto- interior
de la famosa prisión. Allí, Robert y Emil son
sometidos a una suerte de tercer grado ali-
menticio por el gobernador de la institu-
ción, pues el rey en persona ha dispuesto
que los reos se casen inmediatamente, para
salvar así el honor de las novicias y el buen
nombre de Saint-Cyr, y que si se niegan se
les tenga a estricta dieta de pan y agua. Para
estimularles los jugos gástricos les es des-
crito el pantagruélico banquete que podrí-
an encargar y recibir -¡en la cárcel!- tan
pronto como se comprometan al casorio.
Lo curioso es que Duval, más materialista,
no duda en aceptar las condiciones, mien-
tras que Montfort, más sensible, se mantie-
ne en sus trece porque imagina que el apre-
samiento se debió a una denuncia de las
novicias -el conde había enviado antes una
esquela amorosa- con la intención de obli-
garles, como ahora se evidencia, al matri-
monio. Pero la situación se torna insosteni-
ble y Robert cede igualmente. Sin embargo,
nada más cumplidos los esponsales, ambos
dejan plantadas a las jóvenes, que siguen
así puras e intactas, y deciden marcharse a
España con el séquito del duque de Anjou,
que va a ser coronado como Felipe V. La
visión de esta Hispania dice así, entre otras
cosas: «¡Vámonos a los campos floridos de
España, vámonos al país de los mirtos, al
país de los vinos de fuego, vámonos al país
de las mujeres más bellas!» Aún siguen más
tópicos sobre miradas relampagueantes,
rejas, balcones, serenatas y mantillas. Mas
debe tenerse en cuenta que Humperdinck
había visitado España, si bien en compañía
de su santa.
El tercer acto -el mejor- es un poco deli-
rante. Felipe V, quien en la realidad es un
hipocondríaco depresivo, preside en
Madrid un baile de máscaras palaciego y
juega él mismo a las apariencias. Los dos
caballeretes han descubierto que las espa-
ñolas no son más guapas que las francesas
y se sienten atraídos por dos beldades
recién llegadas de París; naturalmente, se
trata de Hedwig y de Luise, enmascaradas
como conviene al caso. Al final todos se
identifican y reconocen, hay explicaciones
para los equívocos y engaños y se llega al
final feliz, pues con el beneplácito del
monarca ambas parejas pueden volver a
París y consagrarse allí a disfrutar de lo
mejor que, a esa edad temprana, ofrece el
matrimonio, aunque ha de suponerse que
el aperitivo lo tomarán aún en Madrid. La
obra acaba con todos -protagonistas, invita-
dos- adelantándose hacia el proscenio para
( 18 )
cantar esta cuarteta:
«Lo que el destino quiere depararos,
vuélvase sólo en vuestro provecho,
que os llene siempre de felicidad
igualmente «El matrimonio sin quererlo».
La música de Humperdinck es sencilla,
agradable, honrada y de aire popular.
Puede llegar a ser más atractiva si la dirige
alguien que cuide más la calidad tímbrica -
Humperdinck orquestaba bien- y dé mayor
aliento a las melodías, pues resulta eviden-
te que Hans Altmann fue uno de aquellos
kapellmeister a los que se refería el mordaz
Sir Thomas Beecham: «No comprendo
cómo vienen a dirigir aquí tantos directores
alemanes de segunda cuando tenemos
muchos ingleses de tercera». Lo sorpren-
dente es la calidad y homogeneidad del
reparto. Las dos novicias -Kathe Nentwig y
Hildegard Limmer, muy señoras mías- can-
tan con frescura y dominio. Schmitt-Walter,
el famoso Beckmesser de Wieland Wagner,
se encarga aquí, siete años antes de su sen-
sacional aparición en Bayreuth, de Felipe V.
Benno Kusche, otro gran Beckmesser con
Rudolf Kempe, nos hace la boca agua con
su gobernador-marmitón. Por último, si Karl
Hoppe caracteriza muy bien a Duval, es un
regalo oírle a Hans Hopf, en plena forma y
con la voz intacta, las apasionadas disquisi-
ciones de Montfort: Hopf -jamás olvidaré a
su mujer y a sus dos hijos, tres manzanas
sanas, mirándole embobados entre bastido-
res mientras él andaba a pescozones con
Mime- fue una voz importante y mucho
mejor cantante que lo que dice de él la
fama: le faltaba el talento para hacer y dife-
renciar bien los complejos personajes wag-
nerianos y no era siempre seguro en la afi-
nación, pero el material heroico y la entre-
ga estaban allí; como Montfort me parece
irreprochable y brillante. La edición de
MYTO aporta, como siempre, el libreto sólo
en alemán, que voy a traducir para los
parroquianos de Diverdi, y un bonito bonus
de Fra Diavolo (1944) en la lengua de los
teutones, de nuevo con Hopf, Lorenz
Fehenberger, Kurt Böhme (este hombre fue
el sucesor de Bohnen) y dos excelentes
Zerline y Pamella, Irma Beilke y Marie
Luise Schilp. Todo, pues, bueno, bonito y
no sé si caro o barato. Esto último habrá de
medirlo el lector que quiera casarse con
esta novicia un tanto candorosilla, un tanto
picaruela, pero en cualquier caso simpáti-
ca.
Á.-F.M.
E. HUMPERDINCK: Die Heirat Wider Willen / Hopf,
Schmitt-Walter, Hoppe, Kusche, Nentwig, Limmer /
Coro y Orquesta de la Radio Bávara. Dir.: Hans Altmann
(1949) / +Bonus: Hans Hopf es Fra Diavolo / MYTO /
Ref.: 2CD012H057 (2 CD) D10 x 2
TAN PRONTO COMO LA TRADUCCIÓN DEL LIBRETO DE
HEIRAT WIDER WILLEN POR ÁNGEL-FERNANDO MAYO
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 Columbus y Leyendas irlandesas: dos obras líricas de Werner Egk (1901-1983) llegan a ORFEO D’OR
Un pedazo de siglo
L a obra operística de Werner Egk ha pasado del éxito inicial de
sus muestras más significativas, como Die Zaubergeige o Peer
Gynt, a una progresiva caída en un semiolvido al que quizá
no sea ajena su figura, como la de Orff, respe-
tada por un nazismo cuya censura -se le repro-
chaba cercanía a Stravinski- fue capaz de eludir.
En el compositor bávaro se observan, en efecto,
rasgos stravinskianos, pero también la influen-
cia de la sólida escuela alemana, de esa conti-
nuidad romántica que tiene en Max Reger su
gozne con el siglo anterior y que, en la presen-
cia de lo formal, alcanzaría una suerte de cul-
minación en el Hindemith curado del acné
juvenil que salpicaba sus partituras más frescas.
El caso es que Egk es ya un poco historia -sobre
todo de la realidad de la creación musical bajo
el Tercer Reich- y que su música ha quedado
relegada casi a la mera atención de los curiosos,
a pesar del interés de la citada Peer Gynt, del
Concierto para violín y orquesta o de la Suite
francesa. La firma ORFEO propone un acerca-
miento a Egk a través de dos óperas de épocas
distintas: Columbus, escrita para la Radio de
Baviera en 1932 y estrenada en versión escéni-
ca diez años más tarde, e Irische Legende, cuya
première tendría lugar en el Festival de
Salzburgo de 1955. En Columbus aparecen con
claridad las virtudes de Egk -autor del libreto-
como organizador de un material en el que
alternan los momentos vocales e instrumentales con la interven-
ción de actores que participan en la narración de los hechos. La
base es el Sprechgesang y el uso muy acertado de subrayados
orquestales a veces de una fuerza evidente, de unos coros de gran
presencia y hasta de curiosos elementos de un folclore español, a
la manera, y salvando las distancias, de Chabrier o Massenet. El
resultado es muy interesante y por momentos alcanza una emoción
de muy buena ley. La versión que nos ofrece ORFEO, grabada con
excelente sonido monoaural en 1963, está dirigida por el propio
compositor a un muy apañado reparto en el que destaca Fritz
EL RICHARD STRAUSS DESCONOCIDO
(Vol. 11) - Conciertos para piano para la mano
izquierda: Parergon a la Sinfonía Doméstica,
op. 74; Procesión de Panatenea (Estudios sin-
fónicos en forma de pasacalle), op. 73 / Anna
Gourari (piano) / Orquesta Sinfónica de
Bamberg. Dir.: Karl Anton Rickenbacher /
KOCH / Ref.: 365712 (1 CD) D2
EL RICHARD STRAUSS DESCONOCIDO
(Vol. 11) - Preludios e Intermedios de
Guntram, Feuersnot, El burgués gentilhombre,
Arabella, La mujer silenciosay Capriccio /
Orquesta de cámara de Múnich. Dir.: Karl
Anton Rickenbacher / KOCH / Ref.: 365202
(1 CD) D2
( 19 )
Wunderlich en el papel del rey Fernando el Católico.
Irische Legende fue un encargo del Festival de Salzburgo que
proseguía así los estrenos anteriores de óperas de Orff, Martin,
Blacher, Von Einem y Liebermann en una suerte
de repesca generacional casi obligada. La obra
no es tan ligera ni tan accesible como Columbus.
Como indica el título, su asunto -en libreto del
propio autor- procede de una leyenda irlandesa
ya literaturizada por Yeats en la que el amor y lo
demoníaco se unen en una reinterpretación del
mito fáustico. La puesta en música juega con una
cierta aproximación al serialismo partiendo de
las bases de una estructura melódica en los per-
sonajes principales y de la preponderancia de lo
rítmico en elementos complementarios (los
demonios, por ejemplo). La obra posee el interés
de su propia complejidad, del modo en que trata
de resolver por la vía musical temas de siempre
como el amor o la lucha por el poder. En la ver-
sión del estreno -muy bien recogida en lo sono-
ro por la Radio Austriaca- destaca el poderío
vocal de Inge Borkh y Kurt Böhme, con presen-
cias tan importantes como las de Walter Berry o
los entonces ya históricos Margarete Klose y
Max Lorenz, acompañados de gentes como
Waldemar Kmentt o Gottlob Frick en papeles de
menor importancia. La dirección de George
Szell lleva todo a término con la lógica y la inte-
ligencia propias de tan gran maestro. No para
todos los gustos seguramente, pero sí para quien quiera profundi-
zar en la ópera de un siglo XX que ha dado de sí tanta y tan buena
música.
Luis Suñén
W. EGK: Columbus - Gutstein, Wunderlich, Montoya, Fiedler, Ferenz / Coro y
Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. Dir.: Werner Egk / ORFEO / Ref.: C549012I
(2 CD) D4 x 2
W. EGK: Leyenda irlandesa [Ópera en cinco cuadros] / Borkh, Böhme, Berry, Szemere,
Owen, Benningsen, Lorenz / Orquesta Filarmónica de Viena. Dir.: George Szell /
ORFEO / Ref.: C564012I (2 CD) D4 x 2
RECITAL HEINRICH SCHLUSNUS:
Veinticinco lieder de Strauss, Wolf,
Schubert, Beethoven y Brahms/
Pianistas: Richard Strauss, Bruno Seidler-
Winkler, Michael Raucheisen y Franz
Rupp/ Registros de 1919 a 1927/ LEBEN-
DIGE VERGANGENHEIT/ Ref.: 89188 (1
CD) D2
LOTTE LEHMANN. Dieciocho fragmen-
tos de óperas de Mozart, Weber,
Beethoven, Wagner, Gounod, Godard ,
Giordano, Puccini, Strauss y Korngold /
Varias Orquestas / Registros de 1927 a
1930 / PREISER / Ref.: 89189 (1CD)
RECITAL MICHAEL BOHNEN: Dos baladas de
Loewe y dieciocho fragmentos de óperas de
Smetana, Bizet, Halévy, Gounod, Wagner,
Mozart, Brüll, Leoncavallo y Weber / Orquestas
de la Ópera del Estado, de la Ópera municipal y
Filarmónica de Berlín / Dres.: Georg Szell (tam-
bién piano), Frieder Weissmann y Selmar
Meyrovitz / Registros de 1926 y 1930) / PREISER
/ Ref.: 89190 (1 CD) D2
 ARTS completa su serie sinfónica de Felix Mendelssohn por Peter Maag
con la grabación póstuma del director suizo, realizada en Madrid con la Arbós
Despedida
N os llega ahora el disco final del ciclo Mendelssohn grabado
por Peter Maag y la Sinfónica de Madrid para el sello ARTS.
Como los dos anteriores, posee una indudable calidad inter-
pretativa, una impronta muy propia del maestro suizo que, aunque
tarde, se prodigó bastante por España en los
años finales de una vida que se apagó hace muy
pocos meses. Bien merece este músico, no siem-
pre justamente tratado ni del todo comprendido,
que le dediquemos en estas páginas un efusivo y
cariñoso recuerdo. Maag estaba próximo a
cumplir los 82 años. Había nacido en Saint-Gall,
en el seno de una familia aristocrática y muy
conectada con el mundo de la música, el 10 de
mayo de 1919. Su formación era muy sólida:
entre sus maestros estaban nada menos que
Cortot, Ansermet, Von Hösslin y Furtwängler, al
que admiraba especialmente. Estuvo en el Teatro
de Biel y más tarde en la Ópera de Düsseldorf
antes de pasar a Bonn, en 1954, como director
general de música. En los sesenta se radicó en la
Ópera Popular de Viena -con la orquesta de este
teatro grabó una estupenda versión de la música masónica de
Mozart- y se trasladó, sin abandonar una carrera fundamentada
particularmente en las invitaciones, a Parma y al Regio de Turín. En
1984 le encontramos en la Orquesta Sinfónica y Ópera de Berna -
con la que hizo muchos discos-. En los últimos años dirigía a la
Orquesta de Padova y Véneto, con la que registró una interesante
versión de las Sinfonías de Beethoven. La calidad musical y los
conocimientos de Maag no se pueden discutir. Era un director fino,
elegante, sensible, de técnica gestual es cierto que poco clara para
el instrumentista, con unos curiosos movimientos de batuta, situa-
da siempre en un plano inferior. Pero cuando conseguía conectar
con los conjuntos a sus órdenes, bien porque entre él y ellos se
estableciera una mutua comprensión, bien a través del trato perso-
nal -era un hombre exquisito y de gran educación-, los resultados
artísticos podían ser sorprendentes. Su abundoso pelo blanco y sus
movimientos giratorios de brazos eran otras de sus señas de identi-
dad. Como el especial calor que sabía conceder a sus interpreta-
ciones, siempre frescas, directas, de alto valor descriptivo, de evi-
dencia casi física en ocasiones, ejemplificado en los marcados per-
files que solía prestar a los pentagramas. Recordemos, entre sus
numerosas y entonadas actuaciones al frente de la Orquesta de la
Radiotelevisión española, aquella reconfortante versión de El
sueño de una noche de verano de Mendelssohn. Había que verlo
acentuar exagerada pero expresivamente el sonido del rebuzno del
asno en la obertura. Y exagerar también, dirigiendo la Sinfonía nº
39 de Mozart, ese puntillo que otorga un dibujo especial a la
segunda parte del tema principal del último movimiento. Es curio-
so que todo lo bien que se entendió con este conjunto madrileño
y con otras orquestas españolas, como la Sinfónica de Madrid -pre-
sente en estos registros mendelssohnianos- o la Sinfónica de
ARTS presenta un monográfico Tchaikovsky con una insólita primicia concertística para flauta y orquesta
Pyotr recibe visita los lunes y jueves,
de 3 a 5 de la tarde
A l poco tiempo de su retorno a Rusia, reclamado por la gra-
vosa afección que padecía su hermana, Tchaikovsky (1840-
1893) adquirió una finquita en las cercanías de Klin para
ensimismarse en el aislamiento, concibiéndolo como escape a la
agonía que se cernía sobre él. Vivir allí iba a resultar un ejercicio
de alejamiento casi monjil, hasta el punto de haber situado en la
puerta de acceso a su residencia un aviso que comunicaba: «Pyotr
Ilyich Tchaikovsky recibe los lunes y los jueves, de 3 a 5 de la
tarde. Está ausente. Se ruega no llamar».
El encargo de escribir una nueva composición para la apertura de
la Exposición de las Artes y la Industria le llegó por voz del tam-
bién músico y amigo Nikolay Grigorievich Rubinstein (1835-
1881). Inspirándose en la invasión napoleónica de 1812 escribióse
la obertura que llevaría este mismo título, a la vez que continuaba
la elucubración de una serenata para orquesta de cuerdas.
( 20 )
Galicia, se tradujera en faltas de comprensión y en encontronazos
con la Nacional; claro que esta agrupación suele ser siempre algo
más conflictiva. Pero aun con esto, queda para los anales un mag-
nífico Idomeneo en versión de concierto en el Teatro Real, con Fay
Robinson y Thomas Moser como principales
protagonistas. Porque su ágil concepción del
ritmo, lo transparente de sus texturas sinfónicas,
la animación que sabía conceder a su discurso
le facultaban para obtener de los compositores
clásicos o románticos un aliento singular y de
contagiosa vitalidad. Que lo hicieron célebre y
que lo pusieron en los años cincuenta y sesen-
ta, cuando hizo algunas grabaciones memora-
bles con la Sinfónica de Londres, en la senda de
los grandes; un grupo en el que, al menos desde
un punto de vista comercial, no llegó a figurar.
Quizá por no prestarse a determinados mane-
jos, quizá por no ser demasiado amigo de los
oropeles. Era hombre reservado, con un loable
amor por el sexo opuesto, que desaparecía
periódicamente para refugiarse en un monaste-
rio budista y que, eso sí, era un impenitente consumidor de rapé.
Este disco, uno de los últimos que grabó -en el Auditorio Nacional
de Madrid, en junio de 2000-, nos lo muestra, en un momento en
el que ya su pulso era menos firme, en excelente forma a juzgar por
el resultado sonoro. La severa fuga del último movimiento de la
Sinfonía de la Reforma, por ejemplo, está trazado con seguridad,
con transparencia, con rigor y con ese impulso tan suyo, que evi-
taba complacientes pompierismos y nos daba lo más auténtico del
transparente romanticismo de Mendelssohn. Esta partitura nunca
ha gozado, probablemente con justicia, de la fama de las sinfonías
nº 3, Escocesa, y nº 4, Italiana, pero en modo alguno, sobre todo
cuando se interpreta con este equilibrio y espíritu, es desdeñable.
Como tampoco lo es la Sinfonía nº 1, una obra un poco de tanteo,
pero con muchas cosas de interés en su interior, admirablemente
resaltadas en este caso por la batuta, que contagia su llama a la
orquesta madrileña, que da lo mejor de sí misma. Pequeños roces,
cierta falta de unidad en algunos ataques no empañan en modo
alguno la labor general.
Papageno
F. MENDELSSOHN: Sinfonía nº 5 en re mayor, op. 107, De la reforma; Sinfonía nº 1
en do menor, op. 11 / Orquesta Sinfónica de Madrid. Dir.: Peter Maag / ARTS
AUDIOPHILE / Ref.: 47508-2 (1 CD) D6
También disponibles:
F. MENDELSSOHN: Sinfonías núms. 3 en la menor, op. 56, Escocesa, y 4 en la mayor,
op. 90, Italiana / Orquesta Sinfónica de Madrid. Dir.: Peter Maag / ARTS / Ref.: 47506-
2 (1 CD) P.V.P.: 995 ptas.-
F. MENDELSSOHN: Sinfonía nº 2 en si bemol mayor, op. 52, Canto de alabanza /
Valente, Suárez, Calderón / Orfeón Donostiarra / Orquesta Sinfónica de Madrid. Dir.:
Peter Maag / ARTS / Ref.: 47507-2 (1 CD) P.V.P.: 995 ptas.-
La Serenata para cuerdas en do mayor, op. 48, es la primera de las
piezas insertadas en el presente compacto discográfico. Estrenada
en una audición privada en el conservatorio moscovita el 21 de
noviembre de 1880, el autor había dudado entre un quinteto de
cuerda o una sinfonía, pero renunció a ellos, optando finalmente
por los «efectivos orquestales» que, como reconocía y apuntó en la
partitura: «cuanto más numerosos sean, mejor se corresponderán
con mis deseos».
Pezzo in forma di sonatina se divide en un Andante ma non trop-
po de tipo afrancesado y un Allegro moderato que, a su vez, se
fragmenta en tono menor, plasmando un clima de nerviosismo
extremo y desembocando en una mozartiana melodía. El Vals, de
modulados arpegios y aligerados tiempos, dará pie a la Elegía, que
linda con lo religioso. El Finale es una metamorfosis del Andante y
Allegro con spirito tomados de la colección balakireviana y sinco-
 Diversas novedades pianísticas entre las propuestas del sello BIS

Cuando las apariencias engañan

U na beldad japonesa, una simpática
islandesa y una altiva rusa son las
pianistas que protagonizan cada uno
de los tres nuevos compactos que el sello
BIS ha dedicado, respectivamente, a
Debussy, Ísólfsson y Scriabin. Al menos esta
es la imagen que las pianísticas féminas
ofrecen en la portada de cada de uno de sus
correspondien-
tes compactos.
Tan frívolo ini-
cio, probable-
mente merece-
dor de algún
rapapolvo femi-
nista, nada se
corresponde
con la estupen-
da realidad so-
nora de estos
bien grabados
compactos,
cuya calidad requiere un tratamiento
menos frívolo y, desde luego, más enjun-
dioso.
Una joven beldad japonesa tocando un
monográfico Debussy suena como a chino
en un mundo que, además de machista,
está plagado de clichés y lugares comunes.
Desde el inicio del compacto, Noriko
Ogawa atrapa la atención del oyente con
los transparentes y cristalinos compases del
primer número de Images -Reflets dans
l’eau-. El calibrado y cuidadísimo sonido, la
etérea y rabiosamente debussyana atmósfe-
ra que genera, así como la tímbrica elastici-
dad plástica de armonías y melodías, remi-
ten a un rico e inteligente mundo sonoro. El
sortilegio se mantiene a lo largo de los 73
largos minutos de grabación, que incluyen
la serie completa de Images, los tres núme-
ros de Estampes (Ogawa sugiere de modo
fascinante el enigma de La soireé dans
Grenade), Masques y una deslumbrante
lectura de La isla alegre a la que, sin embar-
go, le falta una pizca de serenidad y flexibi-
lidad vital para acabar de alcanzar la alta
calidad que transpira el resto del disco.
Sophia Lisovskaia nació en Moscú en
1976. La distante altivez que revela la por-
tada del disco se transforma en impenetra-
ble y misteriosa mirada al abrir el estuche y
toparte dentro con una nueva fotografía en
la que la pianista te penetra ahora con unos
ojos cargados de expresividad e incognitez.
Pero la mayor sorpresa llega al colocar el
disco en el aparato de música, donde
empieza a surgir el mundo filigranesco de
Scriabin en unas versiones suaves y poco
contundentes que parecen querer eludir la
tradición hipervirtuosa del gran pianismo
ruso para establecerse en unas formas inter-
pretativas más comedidas. Su expresivo y
no muy coloreado Scriabin es más tenue
que rotundo, y le falta esa genial y absoluta
rotundidad de intérpretes que han hecho
historia, desde Sofronitski a Sokolov o
Kissin, pasando por Richter, Ashkenazy,
Zukov o el mismo Volodos. Lo mejor de las
27 miniaturescas versiones de la Lisovskaia
es el rigor con el que la joven moscovita
afronta cada una de las páginas de su com-
patriota.
Si Debussy y Scriabin no necesitan carta
de presentación, la figura del islandés Páll
Ísólfsson requiere algunas líneas. Nacido en
1893 en una pequeña localidad -
Stokkseyri- ubicada al sur de su país y falle-
cido en 1974, Ísólfsson está considerado
como uno de los más ilustres representantes
de la creación islandesa del siglo pasado.
Formado en Reykiavik y Leipzig, reconoci-
do organista, prolífico autor de canciones,
dinamizador de la vida musical islandesa y
fundador en 1930
del primer conser-
vatorio de la isla,
su música se mue-
ve dentro de una
grata estética ro-
mántica y naciona-
lista que se mantie-
ne al margen de
cualquier vanguar-
dia. Su no muy
numerosa obra pa-
ra piano, íntegra-
mente comprendi-
da en el compacto que ahora publica BIS,
es fiel reflejo de esa personal y arraigada
manera creativa, en la que la influencia
popular tiene un particularísimo relieve. Su
paisana Nína-Margrét Grímsdóttir se aden-
tra en estos compases con medios pianísti-
cos, saber estético y vecindad anímica para
brindar una aproximación cargada de
encanto y sabor nórdicos.
Justo Romero
(justito@arrakis.es)
C. DEBUSSY: La obra para piano (Vol. 1) - Images (I y II);
Images (oubliées); Estampes; Masques pour piano; L’isle
joyeuse / Noriko Ogawa (piano) / BIS / Ref.: BIS 1105 (1
CD) D2
A. SCRIABIN: Preludios opp. 11, 16, 27 y 67; Estudios
opp. 8 y 65; Sonata nº 4; Piezas opp. 2, 45 y 59;
Poemas, op. 32; Vers la flamme, op. 72 / Noriko Ogawa
(piano) / BIS / Ref.: BIS 1142 (1 CD) D2
P. ISÓLFSSON: Hojas de álbum; Variaciones sobre una
canción de Isólfur Pálsson; 3 Piezas para piano, op. 5;
Humoresques / Nína-Margrét Grímsdóttir (piano) / BIS /
Ref.: BIS 1139 (1 CD) D2

padamente tratados, con homogeneidad y maestría.
La escapada florentina que realizó el maestro a principios de 1890
le sirvió para idear en seis semanas su sombría ópera La dama de
picas, ya que tras regresar a Klin, efectuaría una
obra «de descanso», como él mismo la tildara.
Ésta era una pieza para sexteto de cuerdas (dos
violines, dos violas y dos violonchelos) de inde-
finible transparencia y jovialidad, bautizada
con el nombre de Souvenir de Florence op. 70
en re menor.
El autor de la Sinfonía Patética se la dedicaba a
Nadejda von Meck con estas palabras: «Sois el
único ser en el mundo que puede hacerme
completa y profundamente feliz»; y la comple-
jidad formal le obligó a confesar a su hermano
Modesto estar «estancado, no por falta de
ideas, sino por la novedad de la forma. Seis
voces independientes, pero semejantes, que no
pueden ser interpretadas más que por un sexte-
to. Es increíblemente difícil».
Ya en el mes de agosto exclamaría con gran satisfacción: «Qué
Sexteto! Y qué fuga final! Es un placer. (Es fabuloso hasta qué punto
estoy contento de mí mismo!)».
Frenetismo armónico en el Allegro con spirito, un Adagio cantabi-
le e con moto al modo de aria para tenor, de deleitoso trazo, y un
Allegro moderato tendente a un posible fragmento de Cascanueces
con sus coléricos acordes, que desembocan en la pentatonalidad
del movimiento concluyente -Allegro vivace-, con una coda.
Es una lástima que se haya grabado exclusiva-
mente el Andante cantabile en si bemol mayor
del Cuarteto nº11 op, 1, pero es tal su poder
emocional que el mismísimo Tolstoi lloró al
escucharlo, y no es para menos.
Con el sorprendente colofón del Largo y
Allegro del Concierto para flauta y cuerdas
(1863-64) -que ARTS anuncia como primera
grabación mundial de una flamante página
hasta ahora no descubierta de la obra del
autor- cierra un disco de amplio minutaje la
Orquesta de Cámara de la Radio de Baviera
(con sede en Múnich).
Versiones más que aceptables de obras indis-
cutiblemente atractivas.
Jaime Arroyo Moya
jimmysalieri@terra.es
P.I. TCHAIKOVSKY: Serenata, op. 48; Sexteto, op. 70, Souvenir de Florence; Andante
cantabile para violoncello y cuerda; Largo y Allegro para flauta y cuerda [1ª grabación
mundial] / Roberto Fabbriciani (flauta); Wen-Sinn Yang (cello) / ARTS AUDIOPHILE /
Ref.: 47633-2 (1 CD) D6

( 21 )
 Nuevo disco de LINDORO, dedicado en este caso
a obras románticas españolas para la guitarra
Románticos liberales
y turistas
H
ace mucho tiempo que urge una buena monografía que trasla-
de a la música española las teorías de Lloréns acerca del libera-
lismo y los románticos españoles. Pero la tarea no es fácil. Esa
visión poética de la historia que relaciona una militancia política con
una estética artística, dando así lugar a una expresión ideológica glo-
bal, muy pocas veces se nos revela
en los individuos históricos con la
claridad que desearía el historiador
y, menos aún si cabe, en el yermo de
la historiografía musical española.
Para simplificar la empresa, siempre
ha resultado socorrido recurrir a los
músicos que abandonaron España
cuando la Restauración de Fernando
VII desmanteló el liberalismo espa-
ñol y convertirlos de alguna manera
en mártires, más que de su opción
política, de presuntos ideales estéti-
cos románticos. Hoy, por una parte,
habría que indagar con más ahínco
en la corriente romántica que no pudo o no tuvo que exiliarse y, por
otra, desbrozar un poco el bardal del exilio español decimonónico.
Porque en el París del tiempo de nuestros absolutismos, había toda una
fauna hispana en la que coexistían verdaderos exiliados, como
Fernando Sor, con transeúntes como Trinidad Huerta, residentes como
Salvador Castro y turistas culturales como Aguado, formando una pasta
un tanto descafeinada en lo ideológico. Sor, Huerta, Castro y Aguado:
cuatro guitarristas que coincidieron en el tiempo y en el espacio pari-
sino de aquellos años revueltos del primer tercio del s. XIX por razones
bastante dispares. Dicho muy rápida y muy sencillamente, Sor estaba
allí porque era donde tenía que estar como parte de la mejor música
europea de salón; Aguado fue a empaparse de esa música; Castro vivía
de ella, y Huerta deambulaba por el mundo españoleando sin enterar-
se demasiado de lo que estaba pasando.
Estos son los cuatro guitarristas que integran el programa presenta-
do por Antonio Duro en el CD del joven sello LINDORO, de cuya
incursión en el mundo de la guitarra nos congratulamos, y que reco-
mendamos a ustedes vivamente por contener interpretaciones sensi-
bles de obras muy destacadas de Sor -Fantasía elegíaca, op. 59- y
Aguado -el primero de sus Tres rondós brillantes, op. 2- y, sobre todo,
Cuatro divertimentos de Trinidad Huerta y un Air variée de Salvador
Castro -a nuestro entender, primeras grabaciones- que introducen feliz-
mente en el mundo del disco a dos personalidades de la guitarra espa-
ñola del siglo XIX. Las variaciones de Castro -que no llegan a la per-
fección de las obras de madurez de Sor o Aguado- muestran, sin
embargo, un tratamiento muy interesante y eficaz de la guitarra, más
afín con el de Federico Moretti y los guitarristas españoles de la gene-
ración anterior a Sor. Destacamos en especial la última variación, un
arpegio que se utilizó bastante en torno a 1800 y que luego apenas se
volvió a usar, y que Duro interpreta con una brillantez especial y una
articulación sobresaliente. Por lo que respecta a los divertimentos de
Huerta, son pinceladas breves que dicen mejor de Huerta como intér-
prete que como compositor: piezas de una ingenuidad descarnada
cuyo fin primordial era servir de soporte para el lucimiento del intér-
prete y de las lindezas de que es capaz, sin gran esfuerzo, el instru-
mento.
Para terminar es preciso señalar la sensibilidad de Duro en la pro-
gramación e interpretación de varios minuetos de Sor y de Aguado.
Como es sabido, el minueto es el estudio de composición del autor clá-
sico-romántico, y el preciosismo y distintivo carácter con que Sor y
Aguado muestran su magisterio compositivo hace que siempre sea una
grata experiencia escuchar buenas interpretaciones de los mismos.
Javier Suárez-Pajares
NO ME OLVIDES - Música romántica española / F. SOR: Fantasìa Elegíaca, op. 59; 4
Minuetos, op. 11; Movimiento religioso de oración, op. 33 - S. CASTRO: Air variée, nº 9 -
D. AGUADO: 3 Minuetos; Rondó brillante, op. 2/4 - T. HUERTA: 4 Divertimentos - El
Himno de Riego / Antonio Duro (guitarra) / LINDORO / Ref.: MPC 0708 (1 CD) D2
( 22 )
Los señores de DYNAMIC rinden tributo a la
controvertida figura de Lou Harrison con
añadidos de primicia mundial a su colección
Cuando oriente
y occidente
se dan la mano
L
ou Silver Harrison nació en Portland (Oregón) el 14 de
mayo de 1914 y ha sido reconocido primordial y -casi-
únicamente por sus aportaciones a la música para percu-
sión, experimentando con una medida óptima de entonación
y síntesis.
De su incansable bús-
queda y estudio, instrumen-
tos chinos, coreanos o indo-
nesios se insertan en una
cordial convivencia con los
elementos rudimentarios de
cualquier orquesta o agru-
pación orquestal occiden-
tal. Todo ello sin marginar
la melodía.
Tras realizar algunos
estudios musicales con H.
Cowell, en un curso de
verano en 1935 denomina-
do Música de las Personas
del Mundo, en la sede en San Francisco de la Universidad de
California, las estrechas relaciones surgidas entre ellos fomen-
tarían una sólida amistad. En los diez años posteriores,
Harrison estudió y analizó las canciones y mucha de la músi-
ca camerística y orquestal de Charles Ives.
El segundo volumen que hoy nos llega -el primero ya lo
comentó en su día Miguel Ángel Coll en estas mismas pági-
nas- presenta cinco composiciones, entre las que destaca el
primer Concierto para flauta y percusión (1939), dedicado a
Henry Cowell. Consta de tres partes de escasa duración -poco
más de dos minutos- con instrumentos como el «tambor gra-
duado» y el güiro. El Quinteto de Clay lleva el nombre de su
destinatario -Carlton Clay- y se escribió para trompeta, trom-
pa, mandolina, arpa y percusión (de connotación africanista).
Dedicado a la Biblioteca Pública del Departamento de Bellas
Artes de San Francisco es Majestic Fanfare (1963).
De mezclas americanizantes y asiáticas es Rhymes with
Silver compuesta para violín, viola, violonchelo, piano y per-
cusión con momentos como temáticamente contrapuestos
como Fox trot y In honor of prince Kantemir.
Perlious Chapel (1948-49) y Bomba (1939) se construyen
sobre rudimentarios quintetos que nos remontan a las aldeas
de tribus indígenas que no han sucumbido al poder del capi-
talismo norteamericano, ¿por una decisión propia o por los
intereses de la todopoderosa nación?
Por lo que respecta al tercer disco compacto, cabe hacer
hincapié en primicias de la importancia, creatividad e inno-
vación de: Música para varios instrumentos europeos, asiáti-
cos y africanos; Labyrinth, para once percusionistas; Praises
for the Beauty of Hummingbirds, para orquesta de cámara, e
In Praise of Johnny Appleseed, para tres flautas de bambú y
siete percusionistas.
El Támmittam Percussion Ensemble, con Guido Facchin
como director, es una joven agrupación italiana que fue cre-
ada con la idea de promover y grabar obras para esta sección
tan variopinta y compleja de la orquesta. Buen trabajo de
desescombrado.
La música culta del siglo XX no ha de verse con pavor ni
rechazo, puede resultar una ardua tarea de asimilación y ree-
ducación auditiva, pero merece la pena.
J.A.M.
jimmysalieri@terra.es
HOMENAJE A LOU HARRISON (Vol. 2) First Concerto; The Clays’ Quintet; A
Majestic Fanfare; Rhymes with Silver; The Perilous Chapel; Bomba; Ariadne /
Tammittam Percussion Ensemble. Dir.: Guido Facchin / DYNAMIC / Ref.: CDS
263 (1 CD) D2
HOMENAJE A LOU HARRISON (Vol. 3) Music for Violin with Various
Instruments; Jahla; Avalokiteshvara; Labyrinth nº 3; Serenade; In Praise of
Johnny Appleseed / Tammittam Percussion Ensemble. Dir.: Guido Facchin /
DYNAMIC / Ref.: CDS 359 (1 CD) D2
 Ustvolskaya, Rihm y Zimmermann comparten la última novedad de COL LEGNO

E l sello COL LEGNO edita un compacto
con obras orquestales contemporáneas
lleno de alicientes para el aficionado.
Tenemos, en primer lugar, la Sinfonía nº 3 de
la rusa Galina Ustwolskaja (1919-), cuya
música se está difundiendo en los últimos
años siguiendo un proceso paralelo al que
tuvo en los años ochenta la de su compa-
triota Sofia Gubaidulina. Alumna de
Shostakovich en la Rusia soviética,
Ustwolskaja sobrevivió artísticamente al
régimen gracias al aislamiento al que se
autorredujo, diríamos que a la fuerza. La sal-
vación personal la encontró, por tanto, en la
realización solitaria de su obra, y... en la
religión, que ejerció para ella, como para
tantos otros, de gran consoladora. La
Sinfonía nº 3 (1983) lleva el título de Jesús,
Mesías, sálvanos. Se trata de una oración
intensa, concentrada e insistente de cerca de
20 minutos de duración en donde late en su
desnudez la esencia religiosa del alma rusa.
Los seguidores de Wolfgang Rihm tienen
oportunidad de constatar una vez más que
el autor germano sigue dando giros estilísti-
cos acusados, (y van...). En su Música para
clarinete y orquesta (Sobre la Línea II) (1999)
el maestro alemán se interna sin complejos
en el terreno, para algunos todavía prohibi-
do, de la Línea melódica, rindiendo tributo
Tresoros
a las exigencias del momento. Quedan atrás
los látigos, puñales y martillos de obras
anteriores; han desaparecido los ímpetus
persistentes, las sombras amenazadoras, las
brusquedades súbitas, el golpe que se adivi-
na inminente... la Línea melódica impone,
por el contrario, su ley, suavizando contor-
nos, ondulando la forma, llegando a conta-
giar la armonía, que coquetea con lo tonal.
En suma, un Rihm dulcificado que sorpren-
derá a muchos.
Por último, el disco se completa con
Photoptosis (1968) de Berndt Alois
Zimmermann, obra que se encuentra entre
lo más destacado de la producción orques-
tal de este autor de reconocimiento póstu-
mo, extraña mezcla de personaje dionisíaco
y de monje renano. Photoptosis significa
«irrupción de luz» y, de hecho, la obra
semeja un prolongado estallido a cámara
lenta que en su tramo final llega a alcanzar
una intensidad sin límite. Se está convirtien-
do en un clásico de las orquestas alemanas,
de hecho ésta es ya la tercera grabación que
conocemos en pocos años. En este caso, la
versión de Markus Stenz acentúa la grandio-
sidad de la composición dilatando un poco
el tempo marcado por el autor; los resulta-
dos son más que satisfactorios.
Los quilates del compacto se comple-
mentan en el capítulo interpretativo: la
Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera
en grabaciones en directo dirigidas por el
citado Markus Stenz y por el ya consagrado
Sylvain Cambreling.
Santiago Lanchares
G. USTVOLSKAYA: Sinfonía nº 3, Jesus Messias,Errette
uns! - W. RIHM: Música para clarinete y orquesta [1ª gra-
bación mundial] - B.A. ZIMMERMANN: Photoptosis -
Preludio para gran orquesta / Diversos solistas / Orquesta
Sinfónica de la Radio de Baviera. Dirs.: Sylvain
Cambreling y Markus Stenz / COL LEGNO / Ref.: WWE
20083 (1 CD) D1

ARTS publica una colección de célebres marchas

para banda militar de John Philip Sousa (1854-1932)

Carrusel deportivo
S
eguro que muchos de nuestros lectores recordarán inmediatamente la primera de las marchas
que abre este desfilante compacto, ya que era sintonía de un programa televisivo sobre fútbol
que se emitía los domingos en la televisión franquista. Pero extrayendo esta rancia denotación,
The Washington Post es la representación de la marcha por excelencia, y Sousa es el Rey de la
Marcha. La presencia de alguna de sus melodías es indispensable
en cualquier partido de rugby o fútbol americano. Por estos lares
las hemos escuchado hasta la saciedad como eso, sintonías de
programas deportivos, o incluso para ilustras las actuaciones de
circos. Pero Sousa también compuso obras algo más serias, por
ejemplo ese himno estadounidense «extraoficial» que es Stars
and Stripes Forever, incluido en este compacto, o incluso óperas.
Hijo de un inmigrante portugués y de madre alemana (los comen- LA TRADICIÓN Y LA VANGUARDIA EN
tarios del CD no la definen a ella como inmigrante), Sousa entró JAPÓN - Música japonesa para voz, koto
a los trece añitos en la banda de la Marina de los EE.UU., y llegó y shamisen / Obras de Yoshizawa Kengyô
II, Yatsuhashi Kengyô, Yamada Kengyô y
a ser director titular de ella algunos años después, tarea que no le Toshio Hosokawa / Diversos solistas /
impidió componer centenares de marchas, sin cesar. Las más COL LEGNO / Ref.: WWE 20057 (1 CD)
D1
famosas son las que recoge este compacto, de brillantísimo soni-
do e insuperable interpretación (lógicamente) a cargo de la pro-
pia Banda de la Marina de los Estados Unidos. La principal
misión que consta en el reglamento de esta agrupación es la de
«proveer de música al Presidente de los Estados Unidos y al
Comandante de los Cuerpos de la Marina».
Acompañan a este radiante compacto, ideal para despertarnos por la mañana, algunas danzas per-
tenecientes a algunas de sus creaciones para la escena, como los energéticos valses de La reina del
Mar y, como bonus, unas grabaciones de la década de 1890 con el propio Sousa dirigiendo tres de
sus marchas, así que los oyentes deberán disculpar que no estén efectuadas en DDD y fulgurantes 24
bits, como el resto del compacto.
Sólo hay un problema, una duda que nos asalta: ¿Quién dirige a esta banda? ¿Toca sin director?
Parece ser que sí, ya que por ninguna parte en el libreto o cubierta del compacto encontramos el
nombre de ningún señor director. La única indicación dice así: «The President’s Own United States
Marine Band», pero como suena muy bien, suponemos que no se trata del tal señor Bush.
M. SCHERBER (1907-1974): Sinfonía nº 3
en si menor [1ª grabación mundial]
Mel Smith Window Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz. Dir.:
Elmar Lampson / COL LEGNO / Ref.:
WWE 20078 (1 CD) D1
J.P. SOUSA: Danzas y marchas [Incluidas 3 grabaciones históricas] / Banda de la Marina de los Estados Unidos / ARTS / Ref.:
49009-2 (1 CD) D5

( 23 )
 El percusionista Pedro Estevan graba en GLOSSA un disco libre y plural

Música a secas y con mayúsculas

por Federico González

No es casual que los percusionistas sean

especialmente proclives a hermanar estéticas
remotas y futuras: el tambor está en el origen de
la música y la familia de idiófonos y membranó-
fonos crece día a día con nuevos miembros de
procedencias diversas que incorporan posibilida-
des insospechadas al lenguaje de los sonidos.
Pedro Estevan, concienzudo estudioso de las per-
cusiones cultas y populares, es bien conocido por
su trabajo en las formaciones de Jordi Savall, Le
Concert des Nations y Hespèrion XX y XXI, así
como por sus colaboraciones con otros grupos
especializados en música antigua como el
Ensemble La Romanesca o Sinfonye, pero su inte-
rés por formas actuales de expresión data de
mucho tiempo atrás. Basta recordar su labor con
La Orquesta de las Nubes y el Paul Winter Consort
para confirmar sus múltiples inquietudes musica-
les.
Este disco le ha brindado la ocasión de crear un
todo homogéneo a partir de enseñanzas del pasa-
do y de intuiciones valientes que se complacen en
el hallazgo. Su definición de música contemporá-
nea se escribe en distintos idiomas y acoge, bajo
un mismo techo conceptual, usos hasta hace poco
relegados a compartimentos estancos incomuni-
cados entre sí. Al amparo de esa filosofía concilia-
dora, un fondo de ascetismo propio del medievo
tiene todo el derecho a avanzar sobre diferentes
ritmos exóticos y a crecer de acuerdo con variados
códigos de improvisación.

Edita y realiza: DIVERDI, S.L. - Imprime: ESTUDIO - Dep. legal: M-10066-94

La faceta de compositor de Estevan manifiesta
su pluralidad en piezas que van de la introspec-
ción de Nocturno 2, espléndidamente expuesta a
dúo con el clarinetista Salvador Vidal, al refinado
ambiente festivo de Esa otra cosa. La percusión P. ESTEVAN: EL AROMA DEL TIEMPO
Con la colaboración de Marco
muestra sus poderes pero jamás avasalla; discreta Ambrosini, Julio Andrade, Dimitris
y cooperativa, prefiere sentirse un camarada más Psonis, Arianna Savall y Salvador Vidal /
GLOSSA / Ref.: GCD 921002 (1 CD) D2
en un viaje estimulante que recorre continentes [-10% precio especial de lanzamiento]
lejanos acogiendo cuanto de valioso encuentra en
el tránsito. Los compañeros de Estevan se ciñen
con admirable lealtad a la idea y suman sus ins-
trumentos (tan familiares como el violín o el con-
trabajo y tan inusuales como el arpa doppia o la
tarota) a la elegante y educada kermesse. Estevan
ha aprovechado su oportunidad: después de El
aroma del tiempo, la música a secas y con mayús-
cula tiene un nuevo argumento para ganarse un
futuro sin restricciones estilísticas.