Universidad de los Andes

Facultad de Humanidades y Educación

Escuela de Educación

Educación Básica Integral

Asignatura: Educación Estética

Formación Estética Visual

(Trabajo Individual)

Thania Nazareth Toro Paredes

CI: 23.583.354

Profesora: Betty Osorio

Marzo 2018
 Índice

Introducción

1.- Formación Estética

1.1 ¿Qué es el Arte?

1.2 Arte visual

1.3Tipos de arte visual

1.3.1 El Dibujo

1.3.1.1Técnicas de dibujo

Lápices de grafito

Carbón

Sanguina

Lápices de colores

Tinta

1.3.1.2 Tipos de Dibujo

Dibujo Artístico

Dibujo Técnico

Dibujo Geométrico

Dibujo Mecánico

Dibujo Arquitectónico

Dibujo humorístico “La caricatura”:

Dibujo analítico

Dibujo descriptivo

Dibujo naturalista:

Dibujo realista

Dibujo abstracto

Dibujo lineal
1.3.1.4 Artistas destacados del Dibujo

Pablo Picasso

Maurits Cornelis Escher:

Alberto Durero

Keith Allen Haring

1.3.2 La Escultura

1.3.2.1 Clases de Esculturas:

Madera

Bronce:

Hierro

Piedra

1.3.2.2Tipos de Escultura

Escultura Estatuaria

De Bulto Redondo

De Relieve

1.3.2.3 Estilos de Esculturas:

Abstracto

Expresionismo Figurativo

Figurativo

1.3.2.4 Escultores Destacados

Miguel Ángel:

Gian Lorenzo Bernini:

Antonio Canova

1.3.3 La Pintura

Pintura histórica

Retrato

Pintura de género
Paisaje

Naturaleza muerta

Desnudo

1.3.3.2 Técnicas de Pintura

Óleo

Cera

Acuarela

Témpera Acrílico

Pastel

Temple

Fresco

Puntillismo

Dripping

Grafi

Collage

1.3.4 Diseño Gráfico

1.3.4.1 Historia del Diseño Gráfico

1.3.4.2 Percepción

1.3.4.2 Elementos básicos y sus características:

El punto

La línea

El contorno

Plano y textura

1.3.4.3 Herramientas digitales para el diseño gráfico

Adobe Photoshop

Adobe Illustrator

URL2PNG Pixie
1.3.5 Arquitectura

1.3.5.1 Inicios de la Arquitectura

1.3.5.2 Principales Tipos de Arquitectura

Arquitectura Histórica o estilística

Arquitectura Popular o tradicional:

Común o vulgar

Arquitectura contemporánea:

1.4 Formación Estética Visual:

2.- Arte en el Tiempo

2.1 Arte Antiguo

2.1.1 El Arte Grieg

2.1.1.2 Se divide estilísticamente en cuatro períodos: Geométrico, Arcaico, Clásico

Helenístico.

2.1.2 Arte romano

2.1.2.1 Arquitectura romana

2.1.2.2 Escultura en el arte romano

2.1.2.3 Pintura romana

2.1.3 Arte egipcio

2.1.3.1 Pintura egipcia

2.1.3.2 Arquitectura egipcia

2.1.3.3 Escultura egipcia

2.1.4 Arte de Mesopotamia

2.1.4.1 La escultura

2.1.4.2 La pintura

2.1.4.3 La arquitectura en Mesopotamia

2.1.5 Arte de la India

2.1.5.1 La arquitectura

2.1.5.2 La pintura india

2.1.6 Arte en China

2.1.6.1 La porcelana

2.1.6.2 La seda

2.1.6.3 Caligrafía

2.1.6.4 La Pintura

2.1.6.5 La arquitectura china

2.1.6.6 Escultura

2.1.7 El arte africano

2.1.7.1 Primeras manifestaciones artísticas

2.1.7.2 Esculturas del arte Africano

2.1.7.3 Los fetiches

2.1.7.3 Las máscaras

2.1.7.4 Los bronces de Benín

3. - Pensadores Filosóficos

3.1 Sócrates

3.1.1 La filosofía de Sócrates

3.2 Platón

3.2.1 La estética de Platón

3.3 Aristóteles

3.3.1 La estética de Aristóteles

4.- Desarrollo Integral

4.1 Desarrollo Integral (Tratamiento Pedagógico)

4.2 El desarrollo cognitivo en el niño

4.3 El desarrollo emocional

4.4 El Desarrollo Motor

5. Tratamiento Curricular

5.1 ¿Qué es el aprendizaje?

5.2 Aprendizaje Integral

6.- Estética, Arte Interdisciplinario y Transdisciplinario

6.1 Estética y Arte en la Psicología

6.2Inteligencia Arte

6.3 Arte Terapia

6.4 Arte, Test- Clínica

6.5 Multiinteligencia

6.6 Arte y Sociocultural

Conclusión

Referencias Bibliográficas
 Introducción

La formación estética busca que el estudiante pueda desarrollar diferentes tipos de

habilidades a su vez que interactúa con sus compañeros, socializa, aprende valores y
nuevos conocimientos, que serán de gran importancia para toda su vida ya que le
permitirá formarse como un ser integral.

Dentro de la formación estética visual entendemos que la visión es uno de los sentidos
más importante que acompañan al ser humano, porque el 80% de la información que
recibimos entra a través de los ojos; no sólo las imágenes sino también todas las
sensaciones que les acompañan. Para el niño una buena formación estética visual le va a
permitir ampliar su horizonte, provocando que use el sentido de la vista más allá de sólo
simplemente la observación de una imagen, sino que le va permitir conocer y conocerse
así mismo a través de la expresión artística.

El arte dentro de la formación estética visual es fundamental, es por ello que en el

presente trabajo abordaremos el tema acerca del Arte Antiguo, que engloba distintas
culturas por medio de las cuales podemos conocer sus características, diferencias, así
como su importancia e influencia en el mundo. De esta manera podemos decir que para
el niño en edad escolar este tema no sólo lo ayudará a su desarrollo cognitivo, sino que
también a desarrollar su percepción acerca de las distintas culturas y como son sus
manifestaciones artísticas.

También es importante conocer acerca de los filósofos que aunque hace muchos años
existieron sus palabras, sus trabajos, siguen siendo de gran influencia para la vida
actual, porque es en la filosofía que podemos hallar el sentido de la vida. Se indagará
sobre las vidas de Heráclito, Sócrates, Platón, Ion, Aristóteles acerca de sus
pensamientos y su relación con la estética.

Asimismo se abordaran los temas desarrollo integral y aprendizaje integral, que son
vitales conocerlos puesto que servirán de base y apoyo para el trabajo que se realizara
más adelante relacionado con las situaciones vivenciales de formación y otros aspectos
básicos de la materia, además como futuras docentes es primordial que estos temas se
manejen con antelación.

Por último se estudiará acerca de la estética y el arte en la pedagogía, que son

importantes, puesto que sirven para desarrollar el trabajo artístico liberador en los niños,
asimismo permite que se posean y construyan las herramientas necesarias para
aplicarlas dentro de las aulas de clase en cuanto al aprendizaje integral y el desarrollo
artístico de los niños, para ello también es de vital importancia conocer temas como la
Inteligencia Arte, Arte Terapia, Arte, Test- Clínica, Multiinteligencia, Arte y
Sociocultural y de esta manera tener un mayor conocimiento a la hora de trabajar dentro
del aula.
De tal manera este trabajo se realiza con la finalidad de no solo de adquirir y afianzar
mayores conocimientos o de tener un punto de partida, sino que también sirve para
implantar unas buenas bases de apoyo para las actividades y trabajos que se realizaran a
lo largo de este periodo como lo son el proyecto lúdico, el cuento ilustrado, el guión
teatral, el problemario para la infancia, el libro para maestros, entre otros, que en su
conjunto nos permitirán adquirir, desarrollar y aplicar habilidades dentro de las
diferentes manifestaciones artísticas.
 1. Formación Estética

Proceso educativo orientado a la formación y/o desarrollo de una actitud estética en las
personas, hacia todo lo que posee valor estético en el mundo, lo cual contribuye al
desarrollo integral de la personalidad en correspondencia con su contexto sociocultural.
El ser humano en cada época, teniendo en cuenta el ideal estético de su sociedad va a
darle a los objetos cualidades que lo van a distinguir entre lo bello y lo feo, lo trágico y
lo cómico, lo sublime y lo ridículo.

Busca desarrollar la sensibilidad en las personas, fomentando la importancia del arte y

la necesidad de entrar en contacto con todas sus manifestaciones. Además de educar a
los niños para que comprendan, sientan, aprecien y hagan arte, es decir, formar hombres
y mujeres sensibles ante el hecho artístico y creadores de sus propias obras artísticas.

1.1 ¿Qué es el Arte?

El arte (del latín ars) es el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el
ser humano para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o
imaginario. Mediante recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar
ideas, emociones, percepciones y sensaciones. El arte es el conjunto de disciplinas que
se orientan a una finalidad expresiva y estética. Si bien es cierto que un gran número de
actividades humanas guardan relación con la capacidad de expresión y la estética, solo
en el arte estas características se presentan como sentido y razón de ser.

1.2 Arte visual:

El concepto de arte visual se encuentra formado por dos términos bien diferenciados,
que explicaremos a continuación: arte y visual. Arte es una palabra que sirve para
referirse a aquellas creaciones hechas por el hombre, a través de las cuales manifiesta su
visión sensible del mundo, ya sea real o imaginario. Y el término visual que proviene de
un vocablo latino que se encuentra vinculado con lo perteneciente o relativo a la visión
(sentido que permite detectar e interpretar la luz y la capacidad propia de ver que tienen
los seres vivos del reino animal gracias a sus sistemas naturales).

Las artes visuales son una manifestación artística, expresiva, de percepción visual en la
cual el individuo crea y recrea mundos naturales o fantásticos mediante elementos
materiales utilizando diversas técnicas que le permiten expresar sus sentimientos,
emociones y percepciones del mundo que lo rodea.

1.3Tipos de arte visual:

1.3.1 El Dibujo: es una forma de expresión gráfica que estampa imágenes sobre un
soporte real o virtual; por ejemplo: papel, madera, cartón, vidrio o a través del
computador. Considerado uno de los elementos que integran la pintura y uno de los
tipos de artes visuales. El dibujo representa el lenguaje gráfico universal y ha sido
utilizado por la humanidad desde la prehistoria.
1.3.1.1Técnicas de dibujo:

La técnica es el procedimiento por medio del cual se busca obtener un determinado

resultado. Es entonces una serie de protocolos, normas y reglas que se usan para
alcanzar un determinado fin. Dentro del dibujo, se puede hablar de las siguientes
técnicas:

Lápices de grafito:

El grafito es un carbón natural creado a partir de la presión que la tierra ejerce sobre la
madera. El soporte que se utiliza para realizar dibujos con grafito es el papel,
generalmente blanco o de colores no muy oscuros. Los dibujos realizados con grafito
pueden borrarse con goma muy fácilmente, ya sea de pan o goma de borrar estándar.
Esta técnica recurre a las manchas y tramas para lograr distintas escalas tonales, las
cuales dependerán del tipo de papel y lápiz que se utilicen. La podemos abarcar en dos
grandes etapas: la primer se basa en dibujar las líneas que van a configurar el esqueleto
del dibujo; la segunda, abordará el sombreado. Existen diferentes graduaciones de
lápices –como ya he dicho previamente- que van a hacer que el trazo sea más o menos
duro y van a influir directamente sobre la técnica del sombreado.

https://www.superprof.es/blog/file/2017/04/dibujo
-a-lapiz-688x500.jpg

Carbón:

Este material es de los más antiguos, ya se lo utilizaba para realizar los dibujos en las
cavernas. Esta técnica se caracteriza por permitir realizar dibujos muy elaborados. Si
bien el carbón es madera quemada, actualmente este material es sometido a diversos
procedimientos químicos. Generalmente al carbón utilizado para dibujar se lo denomina
carboncillo y el soporte ideal para utilizarlo son los papeles granulosos y suaves, que
facilitan los frotados y borrados y además retienen mejor al carbón. El carboncillo
permite confeccionar bocetos previos, ya que es muy sencillo de borrar, también se lo
usa para manchas y líneas de distintos grosor. Otra ventaja que presenta esta técnica es
la creación de distintos tonos a partir del difumino.

http://www.tiposde.org/img/tecnica2.jpg
Sanguina:

La sanguina, compuesta por una barra de pigmentos en polvo, es una técnica muy
utilizada para la realización de retratos, paisajes, esbozos desnudos y vestimenta ya que
permite resaltar con facilidad las expresiones y formas. Por medio de esta técnica se
logra crear el efecto de imágenes a todo color utilizando sólo tres: negro, blanco y
sanguina. Los dibujos realizados se destacan por su suavidad, calidez y luminosidad.

http://www.tiposde.org/img/tecnica3.jpg

Lápices de colores:

Los lápices se caracterizan por su sensibilidad a la superficie del soporte, por lo que los
resultados variarán según el tipo de papel que se utilice. La ventaja de esta técnica que
la diversidad de efectos que permiten crear, desde dibujos sumamente detallados con
una vasta gradación tonal hasta bocetos de suaves tonalidades.

http://www.tiposde.org/img/tecnica4.jpg

Tinta:

La tinta utilizada en esta técnica se seca sobre películas duras y brillantes, lo que da la
posibilidad de colocar nuevas capas encima. El soporte que se utiliza en esta técnica
debe ser grueso, duro y sin superficies porosas ni absorbentes. La pluma en la que se
introduce la tinta crea marcas inequívocas y directas, caracterizadas por ser permanentes
y fijas.
https://www.superprof.es/blog/file/2017/04/tecnica-pluma-y-tinta-695x500.jpg

1.3.1.2 Tipos de Dibujo:

Dibujo Artístico: El "Dibujo Artístico" se define como el tipo de dibujo que sirve para
expresar ideas filosóficas o estéticas así como sentimientos y emociones. El artista
cuando dibuja cosas, las dibuja tal como las ve emocionalmente de acuerdo con su
propia y peculiar manera de percibir la realidad de su entorno. Este tipo de dibujo
requiere aptitudes especiales como las personales y naturales.

Dibujo Técnico: Se dice que el "Dibujo Técnico" es el lenguaje gráfico universal

técnico normalizado por medio del cual se manifiesta una expresión precisa y exacta y,
su objetivo principal es la exactitud precisamente. Las aptitudes para esta clase de
dibujo por lo general son adquiridas, es decir, que se llega a él a través de un proceso de
conocimiento y aprendizaje. Que se subdivide en "Dibujo Técnico Especializado",
según la necesidad o aplicación los más utilizadas o difundidos en el entorno técnico y
profesional. Cada uno se caracteriza porque utiliza una simbología propia y específica
generalmente normalizada legalmente.
Dibujo Geométrico: Es aquel que se representa por medio de gráficas planas. Dibujo
geométrico constituye un verdadero y novedoso sistema de enseñanza estructurado para
garantizar, tanto al alumno de los primeros años de las Escuelas Técnicas como a los de
las Facultades de Arquitectura e Ingeniería -bachilleres o peritos mercantiles- un rápido
manejo y posterior dominio de la mano sobre el plano.

Dibujo Mecánico: El dibujo mecánico se emplea en la representación de piezas o

partes de máquinas, maquinarias, vehículos como grúas y motos, aviones, helicópteros y
máquinas industriales. Los planos que representan un mecanismo simple o una máquina
formada por un conjunto de piezas, son llamados planos de conjunto; y los que
representa un sólo elemento, plano de pieza. Los que representan un conjunto de piezas
con las indicaciones gráficas para su colocación, y armar un todo, son llamados planos
de montaje.

Dibujo Arquitectónico: Al introducirnos en el dibujo arquitectónico nos ubicamos en

la concepción visual que altera el paisaje urbano, los espacios físicos de una obra o
infraestructura civil y que es elaborada a escala de reducción para luego ser
representada a una escala real o natural, tiene como finalidad ayudar al hombre en su
contexto social, cultural e interdisciplinario con su ambiente, forma parte de lo que en
fenomenología explica el porqué, según las experiencias humanas, se logra una mejora
en la calidad de vida. La arquitectura ayuda a moldear la forma de vida de una sociedad
y del individuo colectivamente.

El dibujo arquitectónico, abarca una gama de representaciones gráficas con las cuales
realizamos los planos para la elaboración de edificios, casas, quintas, autopistas etc...
Se dibuja el proyecto con instrumentos precisos, con sus respectivos detalles, ajuste y
correcciones.
1.3.1.3 Estilos de Dibujo:

Dibujo humorístico “La caricatura”: consiste en un retrato o representación de

carácter humorístico en la que se exageran los rasgos físicos o faciales, la vestimenta o
el comportamiento o los modales de alguien con el objetivo de provocar la risa o
ridiculizar a una institución o a un personaje destacado de carácter político, social o
religioso.

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gneros-y-estilos-23-638.jpg?cb=1500495921

Dibujo analítico: Se trata de una representación gráfica en la que se analiza y se

descomponen las partes de un conjunto. Dibujo en el que las líneas representan la
estructura tridimensional y la geometría de una forma.

https://i.pinimg.com/736x/12/d8/80/12d880fa833e7017aca61cc7ef140edd.jpg
Dibujo descriptivo: Aquel relacionado con el concepto de descripción, acción y efecto
de describir, dibujar o representar una cosa dando idea exacta de ella.

https://el-dibujo.webnode.com.ve/_files/200000032-a485da5803/santillana.jpg

Dibujo naturalista: Se basa en un estilo en el que se imita la naturaleza y el realismo

de una situación, sin tapujos.

http://www.pinturayartistas.com/wordpress/wp-content/uploads/2008/07/naturalistas/dibujo-bartram.jpg

Dibujo realista: referente o relativo al realismo. Se utiliza como sinónimo de

naturalismo aunque suele centrar su interés en cuestiones sociales y lo esencial de las
cosas, recurriendo en ocasiones a recursos expresionistas.

https://1.bp.blogspot.com/_CtaB6unx8GY/S2_YPNMvX0I/AAAAAAAABB0/PMMGKux9fRk/s320/debutart_cath-
riley_3503.jpg

Dibujo abstracto: derivado de abstraer, aislar mentalmente, cualidad de algo separado

de los objetos sensibles. Se llama así al arte no figurativo en donde las líneas, colores,
etc... No tienen relación con las formas y objetos reconocibles.
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gneros-y-estilos-32-638.jpg?cb=1500495921

Dibujo lineal: Se trata de un tipo de dibujo geométrico, en el que representamos algo

según distintas formas geométricas.

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1.3.1.4 Artistas destacados del Dibujo:

Pablo Picasso: Pablo Ruiz Picasso1 (Málaga, 25 de octubre de 1881-Mougins, 8 de
abril de 1973) fue un pintor, dibujante y escultor español, además, abordó otros
géneros como, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño
de escenografía y vestuario para montajes teatrales.

Paloma de la paz. Picasso.

Dibujada con trazo seguro.

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Paloma-Paz-56a036fd5f9b58eba4af5d9d.jpg

Maurits Cornelis Escher: fue un artista neerlandés conocido por sus grabados
xilográficos, sus grabados al mezzotinto y sus dibujos, que consisten en figuras
imposibles, teselados y mundos imaginarios. Fecha de nacimiento: 17 de junio de 1898,
Leeuwarden, Países Bajos. Fallecimiento: 27 de marzo de 1972, Laren, Países Bajos.
 Manos dibujando quizás sea la más conocida por las múltiples
versiones y parodias que existen. En el original se representan dos
muñecas bidimensionales, con un dibujo del contorno, que parecen
salirse del papel gracias al efecto tridimensional del sombreado
realista para completar respectivamente las mangas de la camisa del
otro brazo.

https://fthmb.tqn.com/ff-1p0td1zp77S23-HGsgi6l0lk=/768x0/filters:no_upscale()/escher-manos-que-
dibujan-56a036fd5f9b58eba4af5da0.jpg

Alberto Durero: es el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo
el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte. Nació 21 de
mayo de 1471 y murió 6 de abril de 1528 en Alemania.

'Manos que oran' (1508), Alberto Durero.

https://fthmb.tqn.com/RKGYBAJNHKxQpfJa_9C8esNsigY=/768x0/filters:no_upscale()/Durero-Manos-
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Keith Allen Haring: fue un artista y activista social cuyo trabajo refleja el espíritu de la
generación pop y la cultura callejera de la Nueva York de los años 1980. Lo más
conocido son el estilo característico de sus dibujos con rotulador, entre el cómic y el
graffiti, en distintos medios y superficies (desde camisetas, lienzos, papel…)

Poster de Keith Haring (Publicidad)

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1.3.2 La Escultura: (del latín sculpere, esculpir) es una forma de expresión artística
consistente en tallar, moldear, esculpir o cincelar un material para crear una forma con
volumen. Esto quiere decir que, a diferencia de la pintura, que es bidimensional y plana,
las esculturas tienen volumen y pueden ser apreciadas no sólo de frente sino desde
distintos puntos. La escultura prehistórica es realizada principalmente en piedra y hueso.
Como primeras manifestaciones de escultura prehistórica encontramos utensilios y
plaquetas de marfil, y hueso grabados, además de ser un arte mobiliar, realizado
principalmente con piedra y hueso, materiales empleados por el hombre primitivo.

1.3.2.1 Clases de Esculturas:

Madera: si bien este tipo de esculturas suelen ser relacionados con la religión, estas
tienen un alcance mucho más amplio ya que pueden hallarse estas piezas en diversas
culturas y en diversos momentos de la historia. De hecho es uno de los materiales que
los escultores más estiman por los excelentes resultados que permiten obtener y por la
facilidad con la que se puede manejar. Se presentan en formas muy variadas, sean estás
representaciones realistas o abstractas. Muchas veces estas obras no son pintadas, para
poder apreciar sus colores naturales y en caso de decidir colorearlas es preciso elegir la
pintura adecuada para cada tipo de madera.

http://www.dogguie.net/wp-content/uploads/2009/07/esculturas-curiosas-madera-09.jpg

Bronce: estas esculturas son muy apreciadas por durabilidad de su materia prima. Sin
embargo resulta muy difícil de manipular. Para ello son utilizadas diversas técnicas, la
más importante es a basa de cera. Con este material se realiza un molde, cubierto con
barro. El bronce es derramado sobre el mismo y la cera se derretirá, pero el metal
adquirirá su forma.
Su uso más común se relaciona con fuentes, grandes monumentos, entre otros.

Atleta victorioso o atleta de Fano (ca. 310 a. C.), uno de los escasos
bronces griegos antiguos preservados en el fondo del mar.

https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_en_bronce

Hierro: este material comenzó a ser forjado hace más de tres mil años. Estas técnicas se
difundieron por toda Europa varios siglos después por medio de los fenicios y griegos.
Durante mucho tiempo fue utilizada con diversos fines sean decorativos o para la
fabricación de herramientas o armas. Sin embargo fue a partir del Renacimiento cuando
adquirió un carácter artístico y durante la modernidad comenzó a ser muy importante.
Una de las técnicas más importantes es el repujado, básicamente a través del impacto de
varas o chapas de hierro, se encuentre este caliente o frío, se modela el material.
Además son muy utilizadas las técnicas de soldadura.

https://i.pinimg.com/originals/41/94/02/41940252f637dd1f7322b31490cd0aff.jpg

Piedra: en este caso son utilizados distintos minerales, el más usado es el mármol. Se
considera que las mejores obras realizadas a partir de la piedra fueron creadas durante el
renacimiento. Algunos de los artistas más reconocidos hoy en día son Miguel Ángel y
Leonardo Da Vinci.

Las herramientas que se usan deben ser cortantes. Los golpes pueden ser ejercidos
directamente sobre el material o con la ayuda de algún mazo o martillo. La herramienta
más utilizada es el puntero, su extremo es en punta y es usado para realizar agujeros.
También son muy utilizadas las gubias, taladros y cinceles.
Los temas que se abordan desde la escultura de piedra en el continente europeo durante
la antigüedad suelen ser limitados a la vida religiosa y civil, sobre todo en cuanto a la
política. En otras culturas, como la egipcia o mexicana hay mucha presencia de
animales, sobre todo de gatos en el primer caso y monos en el segundo. Hoy en día el
arte de las esculturas de mármol se encuentra mucho más diversificado, incluyendo
formas abstractas.

Es el Monte Rushmore, y se encuentra en

Keystone, Dakota del Sur. Representa los
primeros años de historia de los Estados Unidos,
con la imagen de sus cuatro presidentes: George
Washington, Thomas Jefferson, Theodore
Roosvelt y Abraham Lincoln. Fue obra de Gutzon
Borglum ayudado por 400 trabajadores. La obra
duro 14 años, y el murió pocos meses antes de su
conclusión, que fue el 31 de octubre de 1941. Su
propio hijo la acabo.

https://ugc.kn3.net/i/origin/http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/10/Mount_Rushmor
e_National_Memorial.jpg/800px-Mount_Rushmore_National_Memorial.jpg

1.3.2.2Tipos de Escultura
La escultura se divide en dos grandes ramas, la estatuaria y escultura ornamental.
Escultura Estatuaria: lleva con propiedad el nombre de escultura y tiene un ideal
propio, desempeñando la segunda un papel secundario al servir de auxiliar a la
primera y a la Arquitectura. A su vez comprende varios tipos: De bulto redondo y
Relieve.

De Bulto Redondo: Es aquella que se puede contemplar desde cualquier punto de vista
a su alrededor. Si se representa la figura humana se denomina estatua y si representa
imágenes divina recibe el nombre de imagen.

Dios Mitra

http://www.celtiberia.net/imagftp/im874499933-Mitra.jpg

Las esculturas de Bulto redondo se dividen en:

BUSTO: Solo la cabeza.

Faraona Egipcia Nefertiti

https://encrypted-tbn1.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcSFXP3qGV-
yb7rRU1rauOH5aTbVXuVyxAmnOwMI_y7EVDzIkvRQ

TORSO: sin cabeza, piernas, brazos.

https://encrypted-
tbn3.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcRMumHW8oeaCO21Ssrp6x77_o9dEiujJbgvYaYg
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SEDENTE: Sentada.

Monumento a Abraham Lincoln

https://encrypted-
tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcR0K32prX1
WCJEEA8MZZ_rTzIMzWfQjMpjihw8LOol1co4aBA
IODg
YACENTE: Tumbada.

Canova. Paulina Bonaparte

http://www.ildefonsosuarez.es/Arte2bat/Tema_Neoclasico_al_Re
alismo.Goya/Imagenes_Neoclasico_al_Realismo-
Goya/Neoclasico/Extranjero/Importante/arles_gallery/images/Can
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ORANTE: De rodillas.

Escultura orante del Duque de Lerma

http://t2.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcQlT7HzdtrIDfi-
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ECUESTRE: A caballo.
Escultura de Felipe IV

http://4.bp.blogspot.com/-qp4x-
BP0uxo/UcIc6Kd86yI/AAAAAAAAA_M/hdHFHkxtznA/s1600/Feli
pe+IV.JPG

GRUPO: Lo que su nombre indica.

Esculturas meditantes en Dazú. India.

http://t0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcQympOdbeh
cFuUJgvXHzwrMNzjKpvktUF05CMxSNULbkNdWOza
3
DE RELIEVE: Es aquella que está realizada o adherida sobre un muro o cualquier otra
superficie, se divide en:

Alto relieve: la figura sobresale más que la mitad de su grueso.

Françios Rude

http://www.xtec.cat/~jarrimad/contemp/rude.jpg

Medio relieve: sobresale la mitad.

Catai tours, Camboya.

http://estaticos2.catai.es/content/media/fotos/samples/large/reli
eve-apsaras-en-angkor.jpg

Bajo relieve: sobresale menos de la mitad.

Dante Darío, Barcelona 2010.

http://t1.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcTJi8TUs5id-
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1.3.2.3 Estilos de Esculturas:

ABSTRACTO: Forma de arte que no intenta representar el mundo que nos rodea.
Aplicable a cualquier arte que no represente objetos reconocibles. No imitación de la
naturaleza.

http://www.xtec.es/~jarrimad/contemp/mutacion.jpg
http://1.bp.blogspot.com/_oLLJ4sC9YUY/Sfw6vGlCebI/AAAAAAAAAJg/aBCAylfpGEU/s1600/escultura+abstracta+2.jpg
EXPRESIONISMO FIGURATIVO: Esculturas elaboradas con material pesado
donde la figura humana sirve de pretexto para la expresión artística.

http://www.patrimonioartistico.us.es/imagen_e
nvia.jsp?id=668&tipo_imagen=ficha

http://3.bp.blogspot.com/_YZbzpeFxrEk/Rz9hmvb7pjI/AAAAAAAAABI/egNxnutBMKY/s400/una_mano_en_el_desierto_1.jpg

FIGURATIVO: "Representación de figuras de realidades concretas, en oposición al

arte abstracto."

http://www.vigoenfotos.com/imagenes/monumentos/esculturas_publicas_modernas/g_vigoenfotos_6030d
.jpg

1.3.2.4 Escultores Destacados:

Miguel Ángel: fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado

uno de los más grandes artistas de la historia, icono de conocimiento y belleza. Trabajó
en numerosos campos, despuntando en todos ellos, siendo su preferida y predilecta la
escultura. Muchos son los ejemplos de su talento, desde la bóveda de la Capilla Sixtina
hasta el 'David'.
(Galería de la Academia, Florencia)

https://i.pinimg.com/originals/6f/a9/f1/6fa9f174f3790521a55c40a6cdfed
ad0.jpg
Gian Lorenzo Bernini: fue un escultor, arquitecto y pintor italiano, nació el 28 de
noviembre de 1680. Trabajó principalmente en Roma y es considerado el más destacado
escultor de su generación. Muchas son las obras reconocidas mundialmente de este
autor, como por ejemplo 'David' o 'El rapto de Proserpina', sin embargo, la más popular
probablemente sea 'Apolo y Dafne', hecha a tamaño real.

https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcTvY-
2U0IsXsClVOjM1IBsMssEJ92NYOCR0B3ZL5eOpzqryGIEpQg

Antonio Canova: fue un escultor y pintor italiano, nació el 1 de noviembre de 1757, y

falleció el 13 de octubre de 1822 en Italia. Talentoso artista, considerado el mejor
escultor europeo desde Bernini. Su estilo pertenece a la corriente neoclasicista italiana
con una fuerte influencia procedente de la Grecia clásica. Entre sus trabajos más
sobresalientes se encuentra 'Psique reanimada por un beso del amor', de 1787.

http://estag.fimagenes.com/img/3/Q/P/V/QPV_900.jpg

1.3.3 La Pintura

Es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras

sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de
pintura, conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo. La
práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una superficie determinada —una hoja
de papel, un lienzo, un muro, una madera, un fragmento de tejido, etc.— una técnica
determinada, para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujos, etc.
dando lugar a una obra de arte según algunos principios estéticos. La pintura es una de
las expresiones artísticas más antiguas y una de las siete Bellas Artes. En estética o
teoría del arte, la pintura está considerada como una categoría universal que comprende
todas las creaciones artísticas hechas sobre superficies. Una categoría aplicable a
cualquier técnica o tipo de soporte físico o material, incluyendo los soportes o las
técnicas efímeras así como los soportes o las técnicas digitales.
Géneros pictóricos
1.3.3.1 Géneros Artísticos:

Los géneros artísticos, además de clasificar las obras por temas, han sido la presentación
artística a través de la historia de la pintura, que ha afectado también la técnica, las
dimensiones, al estilo y a la expresión de las obras de arte. Los autores como Platón
(427-347 a. C.), Aristóteles (384-322 aC) y Horacio (65-8 aC) afirmaron que el arte es
siempre una mímesis y que su mérito está en el valor didáctico de lo que representa y su
buena representación, sin establecer diferencias entre el retrato imaginado o real.
Vitruvio en la segunda parte del siglo I, describió la decoración de comedores donde se
veían imágenes con comida y de otras salas con paisajes o escenas mitológicas.

Pintura histórica: La pintura histórica era considerada grande genre e incluía las
pinturas con temas religiosos, mitológicos, históricos, literarios o alegóricos, era
prácticamente una interpretación de la vida y mostraba un mensaje intelectual o moral.

Entierro del Conde de Orgaz (1586-

1588), de “El Greco” Doménikos
Theotokópoulo. Se puede considerar
dentro del género de pintura histórica:
describe una leyenda local según la
cual elconde fue enterrado por sant
Esteban y san Agustín. En la parte
inferior, se describe un enterramiento
con la pompa del siglo XVI; en la parte
superior, está representada la Gloria y
la llegada del alma del conde.

https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcR3iFm5utqm36AtT1SgP-eLHmdIFATiYwuYoKxbyyCv-gBJjRkT

Retrato: Dentro de la jerarquía de géneros, el retrato tiene una ubicación ambigua e

intermedia, por un lado, representa a una persona hecha a semejanza de Dios, pero por
otro lado, al fin y al cabo, se trata de glorificar la vanidad de una persona.
Históricamente, se ha representado los ricos y poderosos. Pero con el tiempo, se
difundió, entre la clase media, el encargo de retratos de sus familias. Aún hoy, persiste
la pintura de retrato como encargo de gobiernos, corporaciones, asociaciones o
particulares. Cuando el artista se retrata a sí mismo se trata de un autorretrato. Rembrant
exploró en este sentido con sus más de sesenta autorretratos.

Retrato de El doctor Paul Gachet (1890) por Van Gogh.

Vincent Willem van Gogh fue un pintor neerlandés, uno de los principales
exponentes del postimpresionismo. Pintó unos 900 cuadros y realizó más
de 1600 dibujos. Nació el 30 de marzo de 1853 Países Bajos y murió el 29
de julio de 1890, Francia.

https://imgc.allpostersimages.com/img/print/posters/vincent-van-gogh-dr-
paul-gachet_a-G-7863830-4988858.jpg
Pintura de género: La pintura de género o «escena de género» es el retrato de los
hábitos de las personas privadas en escenas cotidianas y contemporáneas del pintor,
también se suele llamar «pintura costumbrista».

Pintura de género: Boda campesina (1568) por Pieter Brueghel

el Viejo.

https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcQCmkiqoeJ79_-
_4TvyzXxpf1r3KxkPXsTGiiHGoqCFBz32FXyn

Paisaje: En China y Japón son los países donde, desde el siglo V, se encuentran
pinturas con el tema del paisaje. En Europa, aunque aparecen elementos de paisaje
como fondo de escenas narrativas, o tratados de botánica y farmacia, se inicia
verdaderamente en el siglo XVI, cuando con la aparición del coleccionismo se empezó a
pedir temas de cuadros campestres y a designar como especialistas a los pintores del
norte de Europa. Así de una manera específica se impuso el tema del «paisaje
holandés», que se caracteriza por su horizonte bajo y los cielos cargados de nubes y con
motivos típicos holandeses como los molinos de viento, ganados y barcas de pesca.

Paisaje tipo vedutismo de la Iglesia de Santa Lucía del Gran

Canal (siglo XVIII) por Francesco Guardi.

Naturaleza muerta: Es el género más representativo de la imitación de la naturaleza de

objetos inanimados, en general de la vida cotidiana, como frutas, flores, comida,
utensilios de cocina, de mesa, libros, joyas etc. y se puede decir, que es el menos
literario de todos los temas. Su origen está en la antigüedad donde se utilizaba para la
decoración de grandes salones, como los frescos romanos en Pompeya. Plinio el Viejo
relata que los artistas griegos de siglos antes, eran muy diestros en el retrato y la
naturaleza muerta.

Canasta de fruta (c. 1599) naturaleza muerta por Caravaggio.

Michelangelo Merisi da Caravaggio fue un pintor italiano activo en

Roma, Nápoles, Malta y Sicilia entre los años de 1593 y 1610.

https://i.pinimg.com/originals/1b/ca/5a/1bca5ac149971c2108ab5e5d
c2095588.jpg
Desnudo: El desnudo es un género artístico que consiste en la representación del cuerpo
humano desnudo. Es considerado una de las clasificaciones académicas de las obras de
arte. Aunque se suele asociar al erotismo, el desnudo puede tener diversas
interpretaciones y significados, desde la mitología hasta la religión, pasando por el
estudio anatómico, o bien como representación de la belleza e ideal estético de
perfección, como en la Antigua Grecia.

El Juicio de Paris (1904) de Enrique Simonet.

1.3.3.2 Técnicas de Pintura:

Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan
los pigmentos en el soporte a pintar.
Óleo: La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco, mezclado
en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. Estos aceites se secan más
lentamente que otros, no por evaporación sino por oxidación. Se forman capas de
pigmento que se incrustan en la base y que, si se controla cuidadosamente los tiempos
de secado, se fijarán correctamente en las siguientes capas de pigmento. Este proceso de
oxidación confiere riqueza y profundidad a los colores del pigmento seco, y el artista
puede variar las proporciones de aceite y disolventes, como la trementina, para que la
superficie pintada muestre toda una gama de calidades, opaca o transparente, mate o
brillante.

El dos de mayo de Francisco de Goya.

https://encrypted-
tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcTZcMpS7HNuTi9qHwvNUs5sl
Wr-imMYHydCCg235qXs8Wc_saoP

Cera: El vehículo son ceras que normalmente se usan calientes. La encáustica, que
deriva del griego enkaustikos ('grabar a fuego'), es una técnica de pintura que se
caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos. La mezcla tiene
efectos muy cubrientes y es densa y cremosa. La pintura se aplica con un pincel o con
una espátula caliente. La terminación es un pulido que se hace con trapos de lino sobre
una capa de cera caliente previamente extendida (que en este caso ya no actúa como
aglutinante sino como protección). Esta operación se llama «encaustización» y está
perfectamente descrita por Vitruvio (c. 70-25 aC), que dice así: «Hay que extender una
capa de cera caliente sobre la pintura y a continuación hay que pulir con unos trapos de
lino bien secos.»
https://i1.wp.com/totenart.com/tutoriales/wp-content/uploads/2016/05/tutorial-ceras-y-acuarelas-tecnica-
mixta-totenart.jpg?resize=1000%2C725&ssl=1

Acuarela: La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en
agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla)
y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se
compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se
emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la
composición que se está realizando. Requiere del artista la seguridad en los trazos y
espontaneidad en la ejecución, ya que su mayor mérito consiste en el frescor y la
transparencia de los colores.
Thomas Girtin, Abadía Jedburgh desde el río, acuarela sobre
papel, 1798-99

https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcTS0WQhZEFmfwMAcfE2UCE4ncWEd2iv22alOQmvyCVaExG-jiYA

Témpera: La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela, pero tiene una

«carga» de talco industrial o blanco de zinc. Este añadido adicional al pigmento le
aporta a la témpera el carácter opaco y no translúcido que lo diferencia de la acuarela.
La Animita del camino. Pintura de Javier Arturo Molina
Henriquez

https://artelista.s3.amazonaws.com/obras/big/7/6/9/9992701264284612.jpg
Acrílico: La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los
pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica,
generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma.
Se destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica
ligeramente el tono, más que en el óleo.
León. (Impresionismo).

https://i.ebayimg.com/images/g/OAcAAOSwXY5ZUcEd/s-
l300.jpg

Pastel: La técnica de la pintura al pastel consiste en la utilización de unas barras de

colores cuyos pigmentos en polvo están mezclados con la suficiente goma o resina para
que queden aglutinados y formen una pasta seca y compacta. Son colores fuertes y
opacos, la mayor dificultad es la adhesión del pigmento a la superficie a pintar, por lo
que se suele usar alfinalizar el dibujo fijadores atomizados (spray) especiales. El pastel
generalmente se usa como el «crayón» o el lápiz, su recurso expresivo más afín es la
línea con la cual se puede formar tramas, también suele usarse el polvo, que tiende a
soltar la barra del pastel, para aplicar el color. Muchos artistas han empleado esta
técnica desde el siglo XVI, Leonardo da Vinci, fue uno de los primeros en utilizarlo en
Italia en el dibujo de Isabel de Este. Otros artistas son Hans Holbein el Joven,
Correggio, Fragonard o Degas.
El barreño, Degas, pintura al pastel.

Caja de barritas de Pastel

https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcRkl3moVwAs0m3PT79jItu_ShMjt-Skf_Yn61xocGeACtJO0cZr

Temple: La pintura al temple tiene como aglutinante una emulsión de agua, clara y
yema de huevo y aceite. Conviene primero hacer la mezcla del huevo con el aceite hasta
lograr una mezcla homogénea, después gradualmente agregar el agua hasta crear la
emulsión o médium de la técnica al temple.
El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli fue pintado con la
técnica del Temple. Botticelli fue un pintor renacentista, nació
y murió en Florencia, Italia (1 de marzo de 1445/ 17 de mayo
de 1510). http://www.pinturayartistas.com/wordpress/wp-
content/uploads/2008/06/nacimientodevenus_temple.jpg
Fresco: Técnica o arte de pintar con pigmentos de origen mineral resistentes a la cal y
empapados de agua sobre un muro con revoque de yeso todavía mojado. Esta técnica de
pintura suele ser estable y de larga duración, aunque se puede dañar por causas físicas,
químicas o bacteriológicas, la más frecuente es la humedad que consigue la alteración
de los colores ante la disolución del carbonato de calcio y el desarrollo del moho.
Giotto di Bondone - Beso de Judas

http://www.theartwolf.com/imagenestAW/Giotto_Kiss_of_Judas_scrove
gni.jpg

Puntillismo: El puntillismo es la técnica que surgió en el neoimpresionismo por el

estudio practicado principalmente por el pintor Georges Seurat, que consiste en colocar
puntos pequeños esféricos de colores puros, en lugar de la técnica de pinceladas sobre el
soporte para pintar. Al haber relaciones físicas entre los colores, la interacción entre los
primarios y complementarios, consiguen con la posición de unos junto a otros la mezcla
óptica, a partir de una cierta distancia del cuadro, que es capaz de producir el efecto de
la unión entre ellos.
Georges Seurat: La Torre Eiffel

https://i.pinimg.com/originals/86/f2/9e/86f29eabdace49d029291ee3bf9fd7eb.jpg
Dripping: El dripping es una pintura automática, que según los surrealistas se consigue
con ella una pintura casual, hecha con gotas y salpicaduras de pintura, es la técnica
pictórica característica de la «action painting» estadounidense (pintura de acción). La
pintura se realiza por el artista caminando sobre la superficie a pintar con grandes
brochas o con el mismo bote de pintura, dejando caer el goteo del color, normalmente
esmalte, que es el que forma las manchas sobre el soporte.
Esta obra de Jackson Pollock fue compuesta
entre los años 1943-1947, etapa caracterizada
por el action-painting

https://xgfk13ist.files.wordpress.com/2014/01/
mffin.jpg
Grafiti: Se realiza con una pintura envasada en aerosoles que se utiliza pulsando el
botón superior por lo que sale en una aspersión muy fina y permite pintar grandes
superficies, normalmente los muros de las calles, a la pintura conseguida de esta manera
se le denomina grafiti. A finales del año 1970 se empezaron a ver muchas de estas obras
urbanas firmadas y cada vez más elaboradas, incluso se fabrican pintura en aerosol
exclusivamente para estos artistas, a veces se utilizan plantillas para recortar la
superficie que se quiere pintar, así como también hay otras plantillas para letras en el
mercado, aunque lo más corriente es que los propios artistas se hagan las suyas.
Graffiti-Mural por Puçol(Valencia)

https://3.bp.blogspot.com/-hlKaIFY6hzE/VdeFQU_rAII/AAAAAAAAS0s/hA-z7YElNfc/s1600/2.JPG

Collage: Generalmente es una técnica mixta, en donde se utilizan técnicas clásicas

como el óleo, conjuntamente con el encolado de objetos diversos.

Pablo Picasso. Naturaleza muerta con silla de rejilla(1912).

Decide pegar directamente sobre el lienzo la rejilla de la silla
en vez de pintarla.

https://i.pinimg.com/originals/e5/8e/10/e58e1030578ef3a622
24fdd70d31d73f.jpg

1.3.4 Diseño Gráfico:

Se denomina diseño gráfico a la actividad dedicada al desarrollo de contenidos que

permiten entablar una comunicación visual. El diseñador elabora un mensaje con un
objetivo específico, orientado a un público determinado. Los diseñadores gráficos son
los responsables de que la información llegue, a través de un soporte visual, de manera
clara y atractiva al receptor. El diseño gráfico aparece en múltiples ámbitos: desde el
sector de la publicidad hasta Internet, pasando por la industria editorial, los envases y la
señalética.
Hoy el diseño gráfico suele desarrollarse con instrumentos digitales, haciendo uso de
computadoras (ordenadores) y programas informáticos (software). El diseñador, de esta
forma, puede generar y modificar ilustraciones, composiciones de páginas, carteles, etc.

1.3.4.1 Historia del Diseño Gráfico:

El ser humano se ha comunicado a través de señales gráficas desde la Prehistoria. Por

eso, en cierta manera, el hombre siempre se dedicó a este tipo de diseño, aunque
actualmente cuenta con más herramientas y conocimientos técnicos que décadas atrás.

Aunque no existe consenso acerca de la fecha exacta en la que nació el diseño gráfico,
algunos lo datan durante el período de entre guerras. Otros entienden que comienza a
identificarse como tal para finales del siglo XIX. Entre 1891 y 1896, la imprenta
Kelmscott de William Morris publicó algunos de los productos gráficos más
significativos del Movimiento de Artes y Oficios (Arts and Crafts), y fundó un lucrativo
negocio basado en el diseño de libros de gran refinamiento estilístico, vendiéndolos a
las clases pudientes como objetos de lujo. Morris demostró que existía un mercado para
los trabajos de diseño gráfico.

Durante la década de 1930 se desarrollaron aspectos interesantes para la composición

del diseño gráfico, un elemento importante en relación a la práctica profesional, fue el
creciente uso de la forma visual como elemento comunicacional. Este elemento apareció
sobre todo en los diseños producidos por el Dada y el De Stijl.

1.3.4.2 Percepción:

Para estudiar los elementos básicos del diseño gráfico primero hay que tener
conocimiento de las leyes que rigen la percepción para poder elaborar un diseño con
calidad. Este conocimiento es esencial pues ayuda al diseñador ver e identificamos la
línea, el color, el contorno, la textura y el entorno que tienen las cosas. Si sabemos
cómo es el proceso de percepción física y psicológica de los objetos, podremos tener
más elementos para poder influir en el receptor de nuestro trabajo de diseño.

Todas las percepciones comienzan por los ojos, permitiéndonos tener una mayor
capacidad de recuerdo de las imágenes que de las palabras, ya que las primeras son más
características y, por lo tanto más fáciles de recordar. La percepción está condicionada
por el aprendizaje o conocimiento previo que tengamos de los objetos. Nuestro cerebro
tiene tendencia a ubicar los elementos dentro de los parámetros referenciales que nos
hemos construidos a través de la experiencia previa o conocimiento.

https://encrypted-
tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcTtJWis_8LeZG3ZDoOaJPLTro1KWsXiF6Jwl93hrr2Gj-
Y9o7BKug
1.3.4.2 Elementos básicos y sus características:

El punto: Se le denomina punto a la señal de dimensiones pequeñas, ordinariamente

circular, que, por contraste de color o de relieve, es perceptible en una superficie. En
sentido gráfico, el punto es una superficie materializada, es decir reconocible por el ojo
humano; es la unidad gráfica más pequeña.

https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcQ-
Sqt4exqjrY3Pvf_Odu8cYWgpaos0g9_tske5w_yH5XjSu-rc

La línea: puede ser considerada como la traza que deja el punto al moverse, o como la
unión de dos o más puntos. A su vez es una suma de puntos que son conectados en el
espacio.

http://s3.amazonaws.com/bundlr-app-production/content_images/images/large/51d4a435cd18dd0002000005/02-
linea.jpg?1372890165

El contorno: Hablamos de contorno cuando el trazo de línea se une en un mismo punto.

La característica principal del contorno es que son estáticos o dinámicos dependiendo
del uso que se les dé o de las diferentes direcciones que éste adopte. Cada uno de ellos
tiene su carácter específico y se les atribuyen diferentes significados. Los contornos
básicos, por tanto, son estos tres: El círculo, el cuadrado, el triángulo.

https://image.slidesharecdn.com/ud5color-140210151341-phpapp02/95/fundamentos-creativos-y-tcnicos-del-diseo-
grfico-el-color-y-la-imagen-28-638.jpg?cb=1392045302

Plano y textura

El plano: permite fragmentar y dividir el espacio, de esta forma podemos delimitar y

clasificar las diferentes zonas de nuestra composición.
https://eduartist.files.wordpress.com/2009/02/plano.jpg

La textura: Consiste en la modificación o variación de la superficie de los materiales

utilizados, ya sea de una forma visual o táctil. La reunión de puntos sobre una superficie
es considerada como trama o textura, pues se produce un efecto colectivo tonal segun la
densidad y/o tamaño de los puntos.

Color: El ojo humano puede distinguir entre 10.000 colores. Se pueden además emplear
tres dimensiones físicas del color para relacionar experiencias de percepción con
propiedades materiales: saturación, brillantez y tono.

http://www.geeknsn.info/wp-content/uploads/2015/11/lapiz-de-color-1080x1080.jpg

1.3.4.3 Herramientas digitales para el diseño gráfico

Durante la última década ha cambiado por completo el proceso de producción editorial,

y como se preparan los textos y gráficos que constituyen las publicaciones impresas o
digitales. Los sistemas digitales se han impuesto por completo.

Adobe Photoshop

Adobe Photoshop es el programa de manipulación de imágenes más vendido de todo el

mundo, en más de 100 idiomas. En su plataforma ofrece diversas herramientas muy
específicas para poder editar cada elemento de una imagen digital. Este programa forma
parte del paquete de Adobe denominado Adobe Creative Suite, que a su vez contiene
también Illustrator, InDesign, Flash, Acrobat Pro, Dreamweaver, entre otras
herramientas útiles. Este software se utiliza principalmente para realizar retoques
fotográficos, pero también es muy usado para la realización de diseños web, y para la
creación de cualquier tipo de diseño gráfico que puede incluir una tarjeta de
presentación o un panfleto.
http://www.utdallas.edu/oit/newsletter/archives/2017/01/images/Photoshop-600x325.png

Adobe Illustrator
Adobe Illustrator es un programa que crea imágenes digitales usando parámetros
matemáticos. No es recomendable para dibujo técnico, aunque podría realizar trabajos
relacionados con sus herramientas. De hecho, está diseñado para la elaboración de
logotipos, ilustraciones, tipografías, documentos sencillos como tarjetas de
presentación.

Crea dibujos trazando líneas rectas y curvas, cerrando contornos y llenándolos de color.
Permite agregar fotos y textos aunque esta función no es su fuerte. Se complementa con
Photoshop, que es un programa para editar fotos, ajustarlas y generar efectos especiales.
El programa también te permite crear un diseño a partir de plantillas que abarcan desde
boletines, membretes y sitios Web hasta menús de DVD y también botones de vídeo.

https://wwwimages2.adobe.com/content/dam/acom/en/products/ill
ustrator/max2017/images/ai-feature-thumb-1_416x207.jpg

URL2PNG
Esta herramienta es útil para ordenadores con pantallas muy pequeñas, y esto permite
apreciar como se ve un sitio web al completo. Gracias a esta herramienta únicamente
tendremos que brindar la dirección del sitio web que necesitemos hacer una captura de
pantalla, y obtendremos una imagen total del sitio en formato PNG. Es una aplicación
web muy útil para los diseñadores gráficos que se dediquen a elaborar diseños de
páginas web, ya que obtendrán una imagen preliminar sin importar el sistema operativo
o el navegador que estén utilizando.

https://host.easylife.tw/pics/201411/url2png.jpg
Pixie
Este es un programa que sirve como selector de color para todos los ordenadores que
tengan instalado alguna versión del sistema operativo de Microsoft Windows, entre
otros. De hecho, estos últimos años se ha dado una tendencia a engordar estos
programas, añadiendo prestaciones, de modo que pueden llevar a cabo tareas de casi las
tres bases de la auto edición comentadas. La consecuencia principal ha sido la aparición
de programas, innecesariamente complicados, devoradores de recursos y lentos, que a
veces hacen añorar las primeras versiones, más rápidas simples y fiables, y con un
mejor enfoque en trabajos específicos.

Las reglas básicas del diseño son aplicables también al diseño digital. La simplicidad,
consistencia, una buena composición, son una garantía de buenos resultados, como lo
eran antes de la invención de los ordenadores. Dentro de la nueva era digital, tanto en el
campo de la fotografía cómo en el diseño gráfico, cada vez se utilizan más las nuevas
tecnologías, la informática, los ordenadores y los equipos digitales en general.

https://screenshots.en.sftcdn.net/en/scrn/29000/29006/color-scheme-designer-4.jpg

1.3.5 Arquitectura:

Es la disciplina o arte encargado de planificar, diseñar y levantar edificios. Desde esta

perspectiva, es correcto decir que la arquitectura influye considerablemente en la
existencia humana, al dedicarse a la construcción de las viviendas y espacios donde esta
se desarrolla cotidianamente. No obstante, al catalogarla como arte, es menester señalar
que además debe considerarse que la arquitectura tiene una finalidad estética y
expresiva.

1.3.5.1 Inicios de la Arquitectura

Según el tópico popular, en el tratado más antiguo que se conserva sobre la materia, De
Architectura, de Vitruvio, en el siglo I a. C., se dice que la arquitectura descansa en tres
principios: la Belleza (Venustas), la Firmeza (Firmitas) y la Utilidad (Utilitas). La
arquitectura se puede definir, entonces, como un equilibrio entre estos tres elementos,
sin sobrepasar ninguno a los otros. No tendría sentido tratar de entender un trabajo de la
arquitectura sin aceptar estos tres aspectos.
1.3.5.2 Principales Tipos de Arquitectura

Arquitectura Histórica o estilística: Se denomina así a aquella arquitectura que ha

surgido a través del tiempo en diversos lugares y tiene sus propias características y sus
propios estilos arquitectónicos Suelen clasificarse dependiendo del periodo dominante
en cuanto al estilo, en donde ejerció influencia dicho tipo o estilo arquitectónico.
Dentro de este tipo está los monumentos y edificaciones del tipo público, como
religiosos o militares, y los de tipo particular, como las casas particulares. Los
historiadores del arte son los que se dedican a estudiar esta arquitectura y los que
clasifican los estilos artísticos que se relacionan con tal o cual estilo arquitectónico,
durante un determinado periodo histórico, teniendo en cuenta el estilo artístico
predominante en la época.

http://4.bp.blogspot.com/-IKP-
IACcos4/T6RDULt9J6I/AAAAAAAAADE/A5yCJoA_olw/s1600/arqhistoricaoclasica.jpg

Arquitectura Popular o tradicional: Se denomina así a aquellas edificaciones que

son realizadas por la propia gente o por artesanos que poseen poca instrucción, como
albañiles, aprendices y peones, quienes realizan construcción de casas, para vivir o para
el ganado, de tipo rural, sin grandezas, para un uso cotidiano y sencillo, construidas
materiales como madera, piedra etc, variando según los países, el clima de la región o el
estilo local.

https://i.pinimg.com/originals/88/06/ed/8806ed96c1bace06a49f5e6c0d876cbe.jpg

Común o vulgar: Se denomina así a aquellas construcciones cuyo único objetivo es

tener una utilidad, satisfacer de una forma útil para la cual está diseñada, de una manera
práctica, sin contar con la historia o que sea artística, ni pensando en la tradición de la
región, solo pensando ser práctica y en muchas ocasiones suelen ser construcciones de
un carácter sobrio e incluso monótono, ajeno a la arquitectura artística propiamente.
https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcSEVj8RoMO6H4mlyrlc7dTgO1yl5h81KD3VYcE-
aIAupeHFaEZb

Arquitectura contemporánea: cuyas primeras manifestaciones aparecieron en varios

centros durante la segunda mitad del siglo XIX. La arquitectura contemporánea se
refiere a las tendencias de diseño actual por lo que su principal característica siempre es
la innovación, basándose en los principios de lo moderno sin la necesidad de que se
parezcan estéticamente.

En definitiva la arquitectura contemporánea estudia las construcciones modernas e

intenta reaccionar a ellas proponiendo nuevas soluciones arquitectónicas. Así, los
arquitectos actuales se debaten entre rescatar valores modernos y renovarlos o romper
completamente con los paradigmas modernos y proponer proyectos totalmente nuevos.

El Burj Khalifa (Torre Dubái), es la parte central de un desarrollo más

complejo conocido. El arquitecto redactor principal del proyecto es Adrian
Smith, que trabajó junto a la firma Skidmore, Owings and Merrill (SOM)
hasta 2006. La construcción comenzó el 21 de septiembre de 2004, siendo
su inauguración oficial el 4 de enero de 2010. Tiene una alura 828m2 y es el
rascacielos más alto del mundo.

1.4 Formación Estética Visual:

Desde la enseñanza del arte se puede preparar a la sociedad para la lectura y el uso del
lenguaje visual. Y es que el arte nos puede enseñar a conocer mejor el mundo en el que
vivimos" (Megías, 2007: 84). En efecto, si en el arte ya no existen restricciones en
cuanto a su medios de producción e interpretación, abarcando un sin fin de
posibilidades a través de la cultura visual, la tecnología y los nuevos medios, no debería
tampoco existir restricciones a la hora de hablar de Arte en las escuelas; Arte puede ser
sinónimo de hacer y estar en el mundo.

En este sentido, cabe destacar la importancia que adjudican los jóvenes al mundo de las
imágenes y a la estética en general, en la vida cotidiana y en la incorporación y
modelación de sus identidades, muchas veces de forma inconsciente y sin orientación.
Por ello en la formación estética visual se debe dar las orientaciones fundamentales del
arte y el arte visual, para que los estudiantes puedan comprender y valorar el mundo de
la estética desde una perspectiva propia pero con bases sustentables.

De aquí la importancia de la cultura visual como una de las preocupaciones principales

de la educación artística, ya que aborda un conocimiento comprensivo del mundo, tanto
personal y colectivo impregnado de imágenes y sobreestetizado al punto de perder los
límites de la realidad y la ficción. Así se debe ofrecer a los estudiantes una cultura
visual que les permita expresarse libremente pero que también tengan conocimientos
acerca del arte y toda su historia, de los elementos que durante toda la vida se han ido
integrando a este mundo y que permiten que hoy en día sea lo que es, desarrollar un
percepción propia pero que no se pierda entre la falta de capacidad reflexiva que en la
actualidad enfrenta el mundo

2.- Arte en el Tiempo

2.1 Arte Antiguo

También llamado como arte de la antigüedad, es un arte que se originó en la Edad

Antigua, se ubica cronológicamente desde el comienzo de la historia del arte (por el
milenio IV a. C) hasta la derrota del Imperio romano en el Occidente (en el siglo V).

2.1.1 El Arte Griego en la antigüedad tiene como característica fundamental tener un

alto idealismo estético, lo cual implica que el arte representa no la realidad cruda y
directa sino una visión idílica y perfecta que se percibe por el uso de la proporcionalidad
y equilibrio de los elementos así como por su interés en reflejar en las obras artísticas
las líneas de la figura humana a la perfección; tanto en el dibujo como en la escultura. El
cuerpo humano para ellos es el fundamento esencial de toda belleza y toda proporción,
A esta tendencia se le denomina Antropocentrismo.

El Discóbolo de Mirón
https://listas.20minutos.es/lista/arte-griego-360067/

Estilo elaborado por los antiguos artistas griegos, caracterizado por la búsqueda de la
«belleza ideal», recreando el «mundo ideal» del modelo platónico, o mediante la
«imitación de la naturaleza» en el sentido de la mímesisaristotélica. La cultura
desarrollada por los antiguos griegos establece los fundamentos de la cultura occidental.
De ella surgieron los conceptos y principios del arte, la filosofía y el saber posterior.

2.1.1.2 Se divide estilísticamente en cuatro períodos: Geométrico, Arcaico, Clásico

Helenístico.

 El periodo geométrico

Se data en torno al año 1000 a. C., aunque se conoce poco sobre el arte griego durante
los 200 años precedentes (tradicionalmente conocido como edad oscura griega); el
período del siglo VII a. C. atestiguó el lento desarrollo del estilo arcaico según lo
observado por el estilo de pintura de 'figura-negra'. El inicio de las Guerras Médicas
marcará el final del período arcaico y el comienzo del clásico; el reinado de Alejandro
Magno (336 a. C. a 323 a. C.) es tomado como la separación entre el arte clásico y el
helenístico.

http://slideplayer.es/3469736/12/images/51/%C3%81nfora+del+Dip
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 El periodo arcaico

Se inicia a finales del siglo VIII a.C. y abarca hasta comienzos del siglo V a.C. el arte
desempeña en esta etapa un nuevo papel propagandístico de la tiranía, cuyos
gobernantes lo utilizan para justificar su poder escasamente legitimado. A partir del
siglo VI a.C. el centro político de la polis se convierte en un lugar de gran relevancia
artística, convirtiéndose la plaza pública o ágora en el corazón de las actividades cívicas
de la sociedad. Se crean ahora santuarios panhelénicos, como Delfos y Olimpia, donde
los distintos tiranos realizan grandes ofrendas votivas para exhibir su poder, y se
fomentan nuevos cultos populares, al tiempo que surgen mitos relacionados con dioses
y héroes locales, lo que incrementa las identidades políticas de las distintas polis que
necesitan sentirse independientes y destacar sobre el resto.

Kuros

http://2.bp.blogspot.com/_GMMF0Fofnxg/TMbclcCwA_I/AAAAAAAAAno/9jtEQj_
CnDg/s1600/kouros_kroisos.jp

Vestigios: Dentro de las más importantes Ruinas del Templo de Artemisa en Éfeso.
Grabado de la estatua de Zeus en Olimpia. El arte antiguo griego ha perdurado en la
forma de esculturas y arquitectura; también en artes menores como el diseño de
monedas, el grabado de alfarería y gemas.
Ruinas del Templo de Artemisa en Éfeso

https://image.slidesharecdn.com/s7gdqibvsy63pe603ojr-
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Pintura: Los griegos, como la mayoría de las culturas europeas, consideraban la pintura
como una de las formas más altas de arte. Las obras de Polignoto de Tasos, que trabajó
en el siglo V a. C., seguían siendo admiradas incluso 600 años después de su muerte,
como después ocurrió con las de Leonardo da Vinci o Miguel Ángel, sin embargo en
este caso no solo no se han conservado ninguna de sus obras sino tampoco ninguna
reproducción.

Afrodita Anadiomene (saliendo del mar) en Pompeya.

Polignoto de Tasos.

https://image.slidesharecdn.com/apreciaciondelaartegrigo-
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728.jpg?cb=1348686480

Arquitectura: La gran mayoría de edificios griegos no han perdurado, debido a varias

razones: fueron destruidos en guerras, saqueados para obtener materiales de
construcción o abatidos por terremotos. Solamente un puñado de templos, tales como el
Partenón y el templo de Hefesto en Atenas. De las cuatro maravillas del mundo creadas
por los griegos ninguna ha perdurado:

La estatua de Zeus en Olimpia.

El templo de Artemisa en Éfeso.
El Coloso de Rodas.
Faro de Alejandría.

Faro de Alejandría (Ruinas)

http://lasdoscastillas.net/wp-content/uploads/2015/08/faro-de-
akko1.jpg

El templo: Al principio los templos son muy pequeños y apenas se diferencian de una
casa, pero con el tiempo, además de la sustitución de elementos blandos por rocas o
sillares, se establecen los órdenes, El dórico, el jónico y el corintio son los tres órdenes,
los dos primeros surgen al principio de la época mientras que el corintio se origina
después derivando del jónico. Además la arquitectura griega es adintelada por la viga
que se pone en el pórtico llamada dintel. Ignora los arcos y otros tipos de arquitectura.

Templo de Aphaia, isla de Egina, 500 a.C

https://mariafernandahappy.webnode.es/_files/2000002
02-
804e88148a/Templo%20de%20Aphaia,%20isla%20de
%20Egina,%20500%20a.C.dd.png
La planta: Al templo se accede por el pórtico, que está entre dos columnas, que lleva a
la sala que cobija al dios (cella), que lleva al opistodomos, lugar sellado donde se
encuentra el tesoro del templo, aunque a veces se puede acceder desde el exterior. Si el
templo está rodeado de columnas, se le llama períptero y si las columnas se limitan al
pórtico, se llama próstilo, según las columnas que tenga el pórtico, será dístilo (dos
columnas), tetrástilo (cuatro), y así sucesivamente siempre siendo pares.

Orden dórico: Tiene como base tres escalones los dos primeros por abajo llamados
estereobatos y el primero por arriba llamado estilobato. No tiene basa y el diámetro del
fuste es más pequeño desde el estilobato hasta el capitel, pero no es regular ya que se
abomba en el centro (éntasis).

La separación entre el fuste y el capitel es el collarino, que da al equino, que es el

núcleo principal y tiene forma de plato, y después da al ábaco, que es un prisma
rectangular. Encima del ábaco se coloca el arquitrabe, que es una viga que une las dos
columnas, que después sujeta la tenia, que es una cinta fina, y las régulas, que son
triglifos cortados. El friso se compone de triglifo y metopa, los mútulos son los ya
mencionados antes triglifos cortados, y el geíson es un alero que marca profundidad en
el fronrón la delimitación triangular del tejado en el templo y que hace posible el
frontón es la sima.

Fachada este del Partenón

http://images.nationalgeographic.com.es/medio/2014/04
/22/161821621_2000x1333.jpg

Orden jónico: Tiene la misma base, y se le añade un elemento que permite decorar el
fuste, la basa. El fuste recibe el mismo trato que en el jónico excepto en el éntasis, ya
que no tiene. El capitel, aunque puede ser más compuesto, está decorado con volutas, y
el collarino pasa a formar parte del capitel y no se le da tanta importancia como antes.
El arquitrabe pasa a tener tres bandas horizontales que se llaman fasciae y que rebasan
cada una a su inmediata inferior. El friso es un espacio liso dedicado a realizar
esculturas en él. Los demás aspectos son iguales que el dórico.

El Erecteion, Acrópolis de Atenas.

http://thales.cica.es/rd/Recursos/rd98/HisArtLit/01/erectei
on.jpg
Escultura: Todas las esculturas y obras de arquitectura que han perdurado, sólo son una
pequeña muestra de la inmensa colección de obras griegas. Muchas esculturas de dioses
paganos fueron destruidas durante la era cristiana. Desgraciadamente, cuando se calcina
el mármol se produce la cal, y ése era el destino de muchas obras de mármol griegas
durante la Edad Media. Durante ese mismo período, debido a la escasez de metales, la
mayoría de las estatuas de bronce eran fundidas. Actualmente muchas de las obras que
hoy tenemos son copias romanas.

 Periodo Helenista:
Esta época corresponde al fin del arte griego, las obras de esta época toma modelos de
las anteriores, perfeccionándolos, demostrando una gran capacidad de realización, entra
la figura del niño como tema. La escultura adquiere caracteres de monumentalidad,
dominando lo pintoresco, lo grotesco, lo episódico, etc. El retrato pasa a un primer
plano. En este período surgen diferentes escuelas, entre las más importantes: las Escuela
de Pérgamo, la de Rodas y la de Alejandría.
El Toro Farnesio

https://i.pinimg.com/originals/ac/79/65/ac7965290823a4ddd67813b02eb5
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2.1.2 Arte romano son todas aquellas manifestaciones de las artes visuales
desarrolladas en la ciudad de Roma que fueron exportadas a todos los territorios del
Imperio romano. Las primeras manifestaciones del arte romano surgieron bajo el influjo
del arte etrusco y fueron contagiadas por el arte griego, que los romanos conocieron en
las colonias de la Magna Grecia, ubicadas en el sur de Italia y que conquistaron en el
proceso de unificación territorial de la península durante los siglos IV y III a. C. La
influencia griega se acrecienta cuando, en el siglo II a. C., Roma ocupa Macedonia y
Grecia.

El arte romano proviene del arte griego, cuando la República conquistó Grecia. Los
romanos se desmarcaron de esta temática y exaltaron a los propios hombres. Bustos,
esculturas de gobernadores y políticos, retratos de emperadores, batallas y arcos
triunfales conmemorativos con relieves que narran las batallas. Este fue el hecho
distintivo del arte romano y lo que lo hace más original, su temática. El arte romano
alcanzó su periodo de mayor esplendor durante el siglo de oro del Imperio Romano. Fue
más variado e incluso moderno que el arte griego y es por ello que tuvo mayor
influencia en el arte del Renacimiento y la Edad Media. El arte de Roma se caracteriza
por su practicidad, no tanto por su fin estético.

2.1.2.1 Arquitectura romana:

Se caracterizó por un carácter civil basado en la línea curva, en el cual se introducen
novedades técnicas como el arco, la bóveda y el uso de cúpulas. Tiene una fuerte
influencia de origen griego, en los cuales introducen novedades como: la columna
Toscana, capitel semejante al dórico, fuste liso y apoyado sobre una base; el empleo del
orden compuesto, capitel corintio con las volutas del jónico; y el uso de una especie de
hormigón o mortero a base de arena y cantos rodados.

El Anfiteatro Flavio, más conocido como Coliseo

(Colosseum) de Roma.

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La arquitectura adquiere un predominio de obras públicas a la orden de la sociedad y el

urbanismo, en los cuales destacan:

• Templos: Se caracterizaban por tener una similitud a un edificio-fachada y tener una

base elevada por la cual se llegaba mediante una escalinata. Al contrario de los templos
griegos se emplea el orden toscano en los primeros tiempos y posteriormente el corintio.
Ejemplo: El Templo de Nîmes (Francia)

• El foro: Adquiere un carácter monumental después del siglo I a. C. debido a que la

vida cotidiana se vuelve más compleja y por aspectos sociales, se requirió de un lugar
para reuniones. Cada una de las ciudades contaba con un foro y una plaza central, en
donde se exhibían estatuas de famosos políticos y emperadores. Ejemplo: El Foro de
Pompeya.
• La basílica: Su utilidad estaba destinada a funciones de administración o reuniones de
comerciantes. Se caracterizaba por tener una forma rectangular. Su importancia se ve a
futuro con el arte cristiano. Ejemplo: Basílica de Majencio.

• Las termas: Eran los centros sociales, los cuales se dividían en tres grandes salas de
baño, salas de masajes, vestuarios y jardines. Ejemplo: Las termas de Trajano, Caracalla
y Dioclesiano.

• El teatro: Edificación con similitud griega la cual es adaptada a sus necesidades. Los
romanos varían su construcción abovedando las galerías. Ejemplo: Teatro de Liptis
Magna (Libia).

• Los anfiteatros: Otra construcción de carácter monumental la cual se conforma por una
planta elíptica, se divide en: el graderío para el público, la arena para el espectáculo y un
conjunto de galerías subterráneas bajo la arena y el graderío, para las fieras, luchadores,
etc.

• Los arcos del triunfo: Inicialmente tienen como utilidad conmemorar victorias y
posteriormente se empiezan a ver en todas las entradas de las ciudades.
2.1.2.2 Escultura en el arte romano:
Como en la pintura la escultura presento influencia de la cultura griega, en donde los
materiales eran el mármol y el bronce. Predomina la presencia del retrato o busto con
bastante expresividad, casi siempre serena o triste. En segundo plano la presencia de
relieves de carácter narrativo en los cuales se exaltaban los valores guerreros y triunfos
sobre los enemigos y la figura humana sobre cualquier otro elemento decorativo.

https://rs.n1info.com/Picture/119268/jpeg/shutterstock_
77796742.jpg
Fontana Di Trevi/Roma

2.1.2.3 Pintura romana:

Se distinguen dos corrientes pictóricas o estilos bien diferenciados:

•Estilo Neoático: Preocupado por la forma humana, resalta temáticas mitológicas y

epopeyas.
•Estilo helenístico-Alejandrino: Preocupación por la pintura rural, paisajes y marinas.

En ciertos periodos de la historia de Roma se hizo una pintura arquitectónica que

retrataba los elementos constructivos. Lo que se conoce de la pintura romana en
nuestros días es gracias a los frescos hallados en Pompeya.
Por lo general, las obras pictóricas romanas son imitaciones o variaciones de las griegas.
Un elemento distintivo de la pintura romana es la técnica de manchas de color al temple.
Con un estilo casi impresionista ya en esa época. La temática predominante es siempre
realista, paisajes, personas o escenas bélicas.

Marte, Venus, Eros y Fobos.

Pintura al fresco procedente de Pompeya

https://i.pinimg.com/originals/be/b6/fd/beb6fd585223500f1bd9ca6951f6d
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2.1.3 Arte egipcio

Es una de las manifestaciones artísticas que más ha dominado al hombre moderno y de

la cual se tiene registro desde tiempos inmemorables. El arte egipcio es una de las
manifestaciones artísticas más importantes a nivel mundial. Con una estrecha relación
entre lo mágico y misterioso que rodeaba al antiguo Egipto, este tipo de arte logra
cautivar la atención del público uniendo lo histórico, el misterio, la parte religiosa y
mítica de la época.

2.1.3.1 Pintura egipcia

La pintura egipcia se caracterizaba por representar objetos yuxtapuestos (normalmente

figuras) y que tenían un plano superpuesto. En las imágenes se podían observar el
criterio jerárquico que tenían los artistas egipcios, un ejemplo de esto es que el faraón
solían representarse de un tamaño mayor a los demás. La técnica más usaba era el canon
de perfil que se trataba de representar las extremidades y la cabeza de perfil mientras
tanto el rostro y los hombros miraban al frente. Los temas más destacados de la pintura
solían ser las escenas del “Más allá” y las escenas de vida rutinaria.

Pinturas al fresco. Tumba de Sethi

http://lh3.ggpht.com/-
MKtwaFDFSKg/SFJbisMSmII/AAAAAAAAAwA/xjeJ6AkCDxQ/09.Pintura%2
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640

2.1.3.2 Arquitectura egipcia

La arquitectura egipcia solía ser religiosa y se caracterizaba por la monumentalidad que

representaban. Se utilizaban materiales como la piedra en enormes bloques y tenían un
sistema de construcción adintelado y con robustas columnas. Sin embargo, en la
arquitectura egipcia también se realizaban edificios civiles en los cuales se utilizó el
adobe como material tanto para las viviendas, como fortalezas, palacios y murallas.

Los grandes monumentos que se realizaron en el arte egipcio fueron gracias a los
conocimientos técnicos y matemáticos que se emplearon para la construcción. Por esta
razón, los artesanos y los artistas solían ser personas muy bien organizadas y además
experimentados, podríamos decir que los artistas de esta época eran unos expertos en
realizar obras de arte. Actualmente, las obras de arte más destacadas de la arquitectura
de arte egipcio eran las pirámides, las tumbas y los templos.
La Esfinge. Al fondo Gran Pirámide de Guiza

http://2.bp.blogspot.com/-
A45dezleXLI/VPsy4hNOBNI/AAAAAAABVvY/
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ergida.jpg

2.1.3.3 Escultura egipcia

Durante los primeros reinados en la escultura egipcia solían representar a los dioses y
los faraones. Sin embargo, cuando surgió la “cuarta dinastía” la escultura del arte
egipcio consiguió un gran dominio sobre las técnicas que utilizaban y por ello el artista
realizo otras obras de artes con un aire más elegante y donde se representaban a los
soberanos con cierto carácter majestuoso. La gran mayoría de las obras tenían acabados
muy pulidos y los materiales que utilizaban solían ser muy duros como por ejemplo la
diorita y el granito. Las estatuas más representadas solían ser las figuras de los dioses y
los reyes, estas estatuas se caracterizaban por tener una gran simetría y estaban
idealizadas. Sin embargo, las figuras que se realizaban sobre los cortesanos tenían un
gran realismo.

Busto de Nefertiti. Museo de Berlín

http://www.wikillerato.org/images/thumb/0/0a/Nefertiti_berlin.jpg/300px-
Nefertiti_berlin.jpg

2.1.4 Arte de Mesopotamia

Hace referencia a las expresiones artísticas de las culturas que florecieron en las riberas
de los ríos Tigris y Éufrates desde el Neolítico (hacia el VI milenio a. C.) hasta la caída
de Babilonia ante los persas en el año 539 a. C. La incorporación por difusión cultural o
el desarrollo endógeno de múltiples materiales y técnicas artísticas y artesanales fue
parejo tanto a los avances tecnológicos (desarrollo de hornos cada vez más eficaces,
deltorno de alfarero, de la cerámica vidriada o de la metalurgia) como sociales y
culturales (nacimiento de la ciudad, de la escritura, de las religiones institucionalizadas
y del Estado -lo que se denomina sociedad compleja o civilización-).

2.1.4.1 La escultura

Es la faceta del arte que en Mesopotamia se hace reconocer más fácilmente, tanto en su
concepto como en su técnica. Unas veces representaba soberanos, otros dioses, otros
funcionarios, etc, pero siempre personas individualizadas (a veces con su nombre
grabado), busca substituir a la persona más que representarla. Por este motivo, la cabeza
y el rostro aparecen desproporcionados en relación al resto de la figura. Era
característico lo que se denomina “realismo conceptual”, y es que simplifica y regula las
formas naturales provocando que tanto la parte izquierda como la derecha sean
totalmente simétricas. También se observan dentro de este realismo el crear la figura
dentro de un esquema geométrico que solía ser el cilindro o el cono. Las
representaciones humanas presentan una total indiferencia con la realidad, sin ningún
parecido, mientras que las representaciones animales tienen un mayor realismo y
fidelidad con la imagen real.

También creaban relieves monumentales, de ladrillos esmaltados, o bien estelas que se

convertían en otras formas de esculpir y desarrollar narraciones de ellos mismos y su
historia.
 Escultura Antigua Del Babylonia Y Del Assyria De Mesopotamia

https://st3.depositphotos.com/1902695/15621/i/450/depositphotos_1
56214886-stock-photo-ancient-babylonia-and-assyria-sculpture.jpg

2.1.4.2 La pintura

Debido a las características del país, existen muy pocas muestras de ello. No obstante,
se puede apreciar que tienen la misma temática y técnica que utilizan en los relieves, sin
perspectiva. Al igual que los mosaicos (más perdurables) tienen un fin decorativo. En la
pintura y los grabados, la jerarquía se mostraba de acuerdo al tamaño de las personas
representadas en la obra: los de más alto rango se mostraban más grandes a
comparación con el resto.

Tumba de los Leones de Tarquinia. Pintura Mural

https://i.pinimg.com/736x/0a/9e/b7/0a9eb7aef329e5e0b7087121ec18f2fd--
civilization-fresco.jpg

2.1.4.3 La arquitectura en Mesopotamia

Se componía de mosaicos pintados en colores vivos, a manera de murales. No había

ventanas ni columnas y la luz de obtenía del techo. Se preocupaban de la vida terrenal y
no de la de los muertos, por tanto las edificaciones más representativas eran el templo y
el palacio.

El templo era un lugar religioso, económico y político. Tenía tierras de cultivo y

rebaños, almacenes (donde se guardaban las cosechas) y talleres (donde se hacían
utensilios, estatuas de cobre y de cerámica). Los sacerdotes organizaban el comercio y
empleaban a campesinos, pastores y artesanos, quienes recibían como pago parcelas de
tierra para el cultivo de cereales, dátiles o lana. Además, los zigurats* tenían un amplio
patio con habitaciones para alojar a los peregrinos.

El esquema de palacio mesopotámico no difiere (salvo en la falta de espacio sagrado del

templo): un patio alrededor del cual se disponen las habitaciones, abiertas todas a dicho
patio. La comunicación con el exterior se asegura con una puerta que se abre a la calle.
Tal esquema puede multiplicarse con la combinación de otros conjuntos con un patio en
el centro: ya a principios del II milenio a. C. el palacio de Mari se extiende sobre en área
de más de dos hectáreas y media; presentando un conjunto de casi trescientas
habitaciones. Particular interés adquiere la presencia de grandes palacios de uno o más
santuarios (nosotros lo llamaremos capillas): evidentemente, la integración entre
edificio civil y edifico sagrado continúa y se desarrolla desde épocas antiguas, con un
cambio de importancia que enfatiza el
carácter civil.
Ruinas de un templo de Mesopotamia en
Naffur (antigua Nippur). Irak

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/comm
ons/thumb/8/8a/Ruins_from_a_temple_in_Naf
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Ruins_from_a_temple_in_Naffur.jpg

2.1.5 Arte de la India

Se define el arte de la India como un arte sacro o sagrado, no es solo la apreciación de la

belleza de las obras artísticas la que se persigue, sino también la emoción de la
contemplación de las mismas. Por medio de símbolos y representaciones artísticas
altamente sensibles se brinda la posibilidad a los fieles de identificarse plenamente
con las mismas si este ha crecido y vivido en esta cultura, para los que no; resulta
difícil en ocasiones entender a plenitud el mensaje muchas veces velado. No por ello sin
embargo se deja de apreciar por el observador en general la belleza y perfección de
estas obras ya que utilizan uno de los mejores vehículos para ello; la sensualidad que es
un elemento universalmente vivido y percibido por todas las personas.

Composiciones de un animado estilo narrativo que no parecen a simple vista tener

mensajes o contenido religioso son portadoras no obstante de esta intención devota bajo
la apariencia de dinamismo, frivolidad o aun de erotismo en ocasiones. Atreves del
interés y la devoción que estas obras despiertan en el espectador, se propicia una base
mediante la que se propaga con mayor efectividad el mensaje y la propaganda religiosa
al apelar a elementos primordiales para los seres humanos, como es el caso de los
sentimientos, el erotismo, la esperanza y el amor.

Las primeras manifestaciones artísticas indias son las plasmadas por la Cultura Harappa
en cerámicas y sellos grabados. Durante el Período Védico se escribieron libros
sagrados que actualmente tienen una gran importancia dentro de la cultura india, como
el Mahabharata y el Ramayana. Mientras que en el Imperio Maurya se produce el
desarrollo de las artes.

Escultura. Ubicada en Chennai, la antigua ciudad de Madrás

https://sobreindia.com/wp-content/uploads/2009/01/chennai.jpg
2.1.5.1 La arquitectura

En cuanto a la arquitectura, se utiliza fundamentalmente la piedra y temas decorativos

como la palmeta, capiteles zoomorfos, principios de la doctrina budista y leones que
simbolizan a Buda.

Ruinas de Mohejo Daro

https://i2.wp.com/www.arkiplus.com/wp-
content/uploads/2014/06/Mohenjodaro-india.jpg

2.1.5.2 La pintura india se desarrolla principalmente sobre frescos, tejidos y

manuscritos. Los temas representados suelen ser motivos religiosos, grandes hazañas o
elementos de la naturaleza.
“Visiones de la India”. Pinturas del sur de Asia del San Diego

https://www.elimparcial.es/galerias-
noticias/galerias/100580/medium/india_ppppp.jpg

2.1.6 Arte en China

En el campo de las artes, el territorio chino destaco, no sólo en la arquitectura y

escultura, sino que la porcelana y la seda, ambas utilizadas para fabricar artículos
suntuarios, tienen su origen también durante aquellos decenios.

2.1.6.1 La porcelana

Se creó durante la dinastía Chang en el segundo milenio a. de C. Mientras que los

antiguos métodos eran primitivos, la fabricación de porcelana avanzada fue posible
gracias al desarrollo de hornos especializados que podían cocer caolín, un tipo de arcilla
blanca, a temperaturas de alrededor de 1.200 grados, para obtener un material duro y sin
poros. La primera verdadera porcelana fue producida durante la Dinastía Tang, cuando
los alfareros chinos aprendieron a controlar el contenido de hierro que reduce la
interferencia del color, dando por resultado la blancura. La fabricación de la porcelana
fue finalmente dominada durante la Dinastía Ming y, la de alta calidad, se exportó a
Japón y a Europa.

Antiguo Jarrón Porcelana China

https://cloud10.todocoleccion.online/arte-
escultura/tc/2017/03/03/17/72460423_50732066.jpg
2.1.6.2 La seda

Se obtenía a partir de cultivos de gusanos, o sericicultura siendo fechada hacia el año

2.700 a. de C. La leyenda cuenta que la Emperatriz Si Ling Chi descubrió la seda,
cuando un capullo de la polilla del gusano de seda cayó desde un árbol de moras dentro
de su té.
Artesanía, Dinastía Qing, Raso de seda

http://www.adevaherranz.es/ARTE/UNIVERSAL/EDAD%20
ANTIGUA/CHINA/ARTES%20MENORES/Art%20Artesani
a%20XIX%20DIN%20Qing%20raso%20de%20seda%20M%
20fur%20Ostasiatische%20Kunst%20Colonia_small.gif

2.1.6.3 Caligrafía

La cultura China fue la primera en utilizar tinta para escribir y se estima que habría sido
inventada hace 4.500 años atrás, siendo las primeras realizadas de pigmentos negros que
obtenían del humo; el papel también es de origen chino y fue inventado en la dinastía
Han realizándose con una mezcla de fibras de bambú, cortezas de árbol y agua. Las
primeras manifestaciones de caligrafía china se encuentran sobre huesos pertenecientes
a la Edad de Bronce, durante la dinastía Shang, del siglo XVII al XI a.C. Mientras que
los primeros pictogramas que se descubren son imágenes simples que permiten apreciar
un vocabulario extenso al conceptualizarse objetos concretos y abstractos mediante la
combinación de unos pictogramas con otros. Por otro lado las ideas complejas se
obtienen mediante la unión de dos o más símbolos. Se descubre así que el concepto de
"Hombre" (Ren) en combinación con el concepto de "Árbol" (Wu) significa
"Descansar" - Xiuxi. La escritura china, los ideogramas, no son signos que representan
fonemas: Los signos del sistema de escritura chino no representan sonidos sino
conceptos. Es decir, el signo tiene naturaleza conceptual, de significado y no guarda
relación directa con el sonido.

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2.1.6.4 La Pintura:

Los orígenes de la pintura tradicional se remontan a las más tempranas épocas de la

antigüedad. Podemos decir que las obras anteriores a la dinastía T'ang, en el periodo
618-907, son dibujos de líneas producidos por personas que se dedican a otras
actividades. Durante la primera mitad de la dinastía T'ang, el paisaje y las pinturas que
representaban flores y pájaros comenzaron a ganar importancia. Los cuadros con
montañas, bosques, campos y jardines nos permiten evadirnos de este mundo y penetrar
en el reino de la paz y la tranquilidad. También son muy admirados los árboles, piedras,
praderas, flores pájaros y otros animales que aparecen en las pinturas, dotadas de gran
viveza y energía. Así pues, las tres categorías principales de la pintura tradicional china
serían el paisaje, flores y pájaros junto a las representaciones de figuras humanas
durante la primera época.
Antigua Pintura China sobre Seda

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2.1.6.5 La arquitectura china:

Se entiende como un estilo de arquitectura que ha tomado forma en el este de Asia

durante muchos siglos, la cual es compartida con países vecinos. Los principios
estructurales de la arquitectura china se han mantenido prácticamente sin cambios,
siendo los cambios principales los acaecidos en las artes decorativas. A partir de la
dinastía Tang, la arquitectura china ha tenido una gran influencia en los estilos
arquitectónicos de Corea, Vietnam y Japón. Más de la vasta zona de Turkestán a Japón,
desde Manchuria hasta la mitad norte de la Indochina francesa, el mismo sistema de
construcción es frecuente. De todas las fuentes de información, literarias o gráficas,
existe una fuerte evidencia que acredita el hecho de que los chinos siempre han
empleado un sistema autóctono de la construcción que ha mantenido sus principales
características, desde la prehistoria hasta la actualidad.

El chino es el único sistema arquitectónico cuyas estructuras son principalmente de

madera, lo que es un reflejo de la ética del país, su criterio estético y el valor que da a la
naturaleza. Son construcciones que se basan en profundas tradiciones culturales y así, en
ella destaca la ideología de la superioridad del poder imperial y su compacto sistema de
clases. El desarrollo de las arquitecturas antiguas de China experimentó tres momentos
de apogeo durante las dinastías Qin y Han, Sui y Tang, y Ming y Qing. En estos tres
períodos surgieron numerosas construcciones representativas, como palacios, mausoleos
y tumbas, obras de defensa e hidráulicas. El paso del tiempo y las guerras se cobraron
muchas construcciones antiguas, siendo la mayoría de las que se conservan posteriores a
la dinastía Tang del siglo VII.
Templo Pingyao, en Ming/Qing, China .

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2.1.6.6 Escultura:

La escultura en piedra se inició como majestuosa y representativa

decoración de los caminos funerarios de las tumbas imperiales en la dinastía Han.
Grandes animales reales y mitológicos, representación de los estamentos sociales -
letrados, militares, extranjeros, etc.- fueron los temas elegidos para dignificar el poder.
De todo ello son muestra las esculturas que flanquean el camino de los espíritus de las
dinastías Han, Tang y especialmente las tumbas Ming, así como la escultura
representativa de los palacios imperiales.

Antigua Escultura-Figura en Bronce.

Elefante Asiático. Dinastía Ming

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2.1.7 El arte africano

Es una agrupación de diferentes manifestaciones o movimientos artísticos que se fueron

originando en los pueblos de “África negra” durante toda la historia del arte. Se podría
decir, que el arte africano se desarrolló por las diferentes culturas que existían, y todavía
hoy existen, en el continente africano. Dichas culturas se caracterizaban por tener
diferentes idiomas, distintas tradiciones y diversas maneras artísticas que caracterizaban
a cada una de las culturas.

Los materiales más usados de este estilo de arte eran sobre todo la madera aunque hubo
tribus más evolucionadas que en muchas ocasiones utilizaron otros materiales como el
hierro o el bronce. Por otra parte, el oro fue utilizado por las poblaciones más
desarrolladas para crear joyas o máscaras. Es profundamente vital y social. Es un arte
con intención mágica y destino misterioso que habla a todas las facultades inmateriales,
sensibles y sensoriales. El estilo y simbolismo de las pinturas, figuras y máscaras
dependen del contexto social, cultural y religioso de la región. Los mitos, los rituales y
las ceremonias se reflejan en las diferentes manifestaciones artísticas. Refleja las
dificultades de sus formas de vida, las distintas actividades que desarrollan para su
subsistencia. Utilizan temas como los espíritus del agua, el viento, de la lluvia. La
esencia de los espíritus está inmersa en las máscaras, bastones, tocados y esculturas.

2.1.7.1 Primeras manifestaciones artística

Fueron los grabados y las pinturas rupestres en el periodo Neolítico. Tiempo después,
apareció la arquitectura de forma tradicional y doméstica, es decir, la arquitectura
africana se pudo ver sobre todo en cabañas y chozas sencillas, cuando una familia
necesitaba más habitaciones se iban incorporando más chozas o cabañas al lado. En
algunas zonas donde la cultura pastoril destacaba apareció la escultura y con ella la
utilización del arte en modo decorativo, normalmente estas esculturas tenían temas de
animales.

Batik Africano de Mozambique

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2.1.7.2 Esculturas del arte Africano

Como ejemplo tenemos las piezas como el Altar de la Mano, que ejemplifican la
maestría con la que los artistas manipulaban el bronce, así como la importancia de los
elementos simbólicos en el arte. En la parte central de esta obra aparecen una serie de
figurillas en relieve que veneran al rey y glorifican su poder divino. El monarca es la
figura central del conjunto; lleva en las manos los símbolos de su poder, y su cabeza es
mayor que las de sus cortesanos.

Otros ejemplos de cerámica son las cabezas de Lyndenburg, en Sudáfrica (500).

Conocemos también esculturas en piedra de la zona de la desembocadura del Congo, y
de Sierra Leona (siglo XVI), estas últimas probablemente obra de los artesanos Sherbro,
los mismos que realizaron excelentes tallas de marfil.

Las más antiguas esculturas de madera conocidas son los retratos de los reyes de Kuba,
de la zona central de la actual República Democrática del Congo, que datan del siglo
XVII. Sin embargo, muchas de las mejores esculturas en madera corresponde a la
segunda década del siglo XX: por ejemplo, los trabajos de los maestros yorubas Olowe
de Ise (después de 1939) y Areogun de Osi-llorin (hacia 1880-1954).

El escultor africano cuando crea, parte siempre de la naturaleza, de quien toma las
formas más elementales. En ellas el artista va a plasmar el sentimiento que tiene de una
dimensión más profunda de las cosas. Estas formas elementales son casi siempre el
hombre y el animal.
Antiguo Elefante Tallado En Madera Africano

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2.1.7.3 Los fetiches

Son objetos a los que se atribuye un poder sobrenatural

para ejercer influencias maléficas o beneficiosas. Cabe distinguir entre figuras-relicario,
con cavidades para guardar objetos, fetiches de clavos, que ejercen influencias
malignas, fetiches que transmiten los mensajes de los espíritus y tallas conmemorativas
de personajes relevantes.

Fetiche de Nkisi de la tribu de Bakongo del Congo

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2.1.7.3 Las máscaras

Se emplean para captar la energía sobrenatural de los espíritus, en ritos funerarios y

mágicos o en ceremonias destinadas a propiciar la fecundidad de la tierra.

Máscara Africana Madera Tallada

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2.1.7.4 Los bronces de Benín

En África tropical, en el centro del continente, se desarrolló tempranamente la técnica

de la cera perdida para las pequeñas esculturas de bronce, como atestiguan los hallazgos
de Benín. El reino de Benín, que entre los siglos XIV Y XIX ocupó el territorio de la
actual Nigeria, fue muy rico en esculturas realizadas con materiales diversos, como
hierro, bronce, madera, marfil o terracota. Piezas como el Altar de la Mano ejemplifican
la maestría con la que los artistas manipulaban el bronce, así como la importancia de los
elementos simbólicos en el arte. En la parte central de esta obra aparecen una serie de
figurillas en relieve que veneran al rey y glorifican su poder divino. El monarca es la
figura central del conjunto; lleva en las manos los símbolos de su poder, y su cabeza es
mayor que las de sus cortesanos.

Estas destacadas piezas del arte africano llegaron a Inglaterra en 1897, cuando la capital
del reino fue destruida. Se trataba de un tesoro formado por esculturas de bronce y
marfil, entre las que sobresalían cabezas-retrato de reyes, figuras de leopardo, campanas
y placas con altorrelieve, todas ellas realizadas con sorprendente maestría, con la técnica
de la cera perdida. El mismo método se empleó en la realización de otras dos cabezas,
muy similares, que se encontraron en Ifé en 1938. La sorpresa surgió cuando éstas se
fecharon de forma inequívoca en los siglos XIV-XV, es decir, eran anteriores a la
primera escultura europea hecha a la cera perdida, datada a mediados del XVI.

3.- Pensadores Filosóficos

3.1 Sócrates:

Nació en Atenas (470 a.C) y Falleció en su ciudad natal en

el año (399 a.C). Sócrates nació en la Antigua Atenas,
donde vivió durante los dos últimos tercios del siglo V a.
C. Fue hijo de Sofronisco, motivo por el que en su
juventud lo llamaban Sōkrátēs iōs Sōfronískos (‘Sócrates
hijo de Sofronisco’) de profesión cantero, y de Fainarate,
comadrona, emparentados con Arístides el Justo. Según
Plutarco, cuando Sócrates nació su padre recibió del
oráculo el consejo de dejar crecer a su hijo a su aire, sin
oponerse a su voluntad ni reprimirle sus impulsos. Desde
muy joven, llamó la atención de los que lo rodeaban por la
agudeza de sus razonamientos y su facilidad de palabra. Se casó con Xantipa (o
Jantipa), que era de familia noble.

Según una tradición antigua, trataba muy mal al filósofo, aunque en realidad Platón
muestra, al narrar la muerte de Sócrates en el Fedón, una relación normal e incluso
buena entre los dos. Su inconformismo lo impulsó a oponerse a la ignorancia popular y
al conocimiento de los que se decían sabios. Filósofos, poetas y artistas, todos creían
tener una gran sabiduría, en cambio, Sócrates era consciente tanto de la ignorancia que
le rodeaba como de la suya propia. Esto lo llevó a tratar de hacer pensar a la gente y
hacerles ver el conocimiento real que tenían sobre las cosas. Asumiendo una postura de
ignorancia, interrogaba a la gente para luego poner en evidencia la incongruencia de sus
afirmaciones ; a esto se le denominó «ironía socrática», la cual queda expresada con su
célebre frase «Yo sólo sé que no sé nada» (Εν οιδα οτι ουδεν οιδα [en oida oti ouden
oida]).

Su más grande mérito fue crear la mayéutica, método inductivo que le permitía llevar a
sus alumnos a la resolución de los problemas que se planteaban por medio de hábiles
preguntas cuya lógica iluminaba el entendimiento. Según pensaba, el conocimiento y el
autodominio habrían de permitir restaurar la relación entre el ser humano y la
naturaleza.

La sabiduría de Sócrates no consiste en la simple acumulación de conocimientos, sino

en revisar los conocimientos que se tienen y a partir de ahí construir conocimientos más
sólidos. Esto le convierte en una de las figuras más extraordinarias y decisivas de toda
la historia; representa la reacción contra el relativismo y subjetivismo sofista, y es un
singular ejemplo de unidad entre teoría y conducta, entre pensamiento y acción. A la
vez, fue capaz de llevar tal unidad al plano del conocimiento, al sostener que la virtud es
conocimiento y el vicio ignorancia. El poder de su oratoria y su facultad de expresión
pública eran su fuerte para conseguir la atención de las personas.

Sócrates no escribió ninguna obra porque creía que cada uno debía desarrollar sus
propias ideas. Conocemos en parte sus ideas desde los testimonios de sus discípulos:
Platón, Jenofonte, Aristipo y Antístenes, sobre todo. Tales testimonios no son
convergentes, por lo que no resulta fácil conocer cuál fue el verdadero pensamiento de
Sócrates.

3.1.1 La filosofía de Sócrates:

La cuestión moral del conocimiento del bien estuvo en el centro de las enseñanzas de
Sócrates, con lo que imprimió un giro fundamental en la historia de la filosofía griega,
al prescindir de las preocupaciones cosmológicas de sus predecesores. Como se ha
visto, el primer paso para alcanzar el conocimiento consistía en la aceptación de la
propia ignorancia, y en el terreno de sus reflexiones éticas, el conocimiento juega un
papel fundamental. Sócrates piensa que el hombre no puede hacer el bien si no lo
conoce, es decir, si no posee el concepto del mismo y los criterios que permiten
discernirlo.

El ser humano aspira a la felicidad, y hacia ello encamina sus acciones. Sólo una
conducta virtuosa, por otra parte, proporciona la felicidad. Y de entre todas las virtudes,
la más importante es la sabiduría, que incluye a las restantes. El que posee la sabiduría
posee todas las virtudes porque, según Sócrates, nadie obra mal a sabiendas: si, por
ejemplo, alguien engaña al prójimo es porque, en su ignorancia, no se da cuenta de que
el engaño es un mal. El sabio conoce que la honestidad es un bien, porque los beneficios
que le reporta (confianza, reputación, estima, honorabilidad) son muy superiores a los
que puede reportarle el engaño (riquezas, poder, un matrimonio conveniente). El
ignorante no se da cuenta de ello: si lo supiese, cultivaría la honestidad y no el engaño.
En consecuencia, el hombre sabio es necesariamente virtuoso (pues conocer el bien y
practicarlo es, para Sócrates, una misma cosa), y el hombre ignorante es necesariamente
vicioso. De esta concepción es preciso destacar que la virtud no es algo innato que surge
espontáneamente en ciertos hombres, mientras que otros carecen de ella. Todo lo
contrario: puesto que la sabiduría contiene las demás virtudes, la virtud puede
aprenderse; mediante el entendimiento podemos alcanzar la sabiduría, y con ella la
virtud.

3.2 Platón:

Nacido el 427 a. C. en Atenas o Egina. Platón se

llamaba en realidad Aristocles. Recibió el apelativo
con el que le conocemos y que significa "espalda
ancha" por su corpulencia. Durante su juventud
llegó a ser bicampeón olímpico de lucha. Pertenecía
a una familia noble. Su padre, Aristón, se decía
descendiente del rey Codro, el último rey de
Atenas. Su madre Períctiona, descendía de la
familia de Solón, el antiguo legislador griego. Era
además hermana de Cármides y prima de Critias.
Platón tuvo dos hermanos, Glaucón y Adimanto, y
una hermana, Potone. Tuvo una educación
esmerada en todos los ámbitos del conocimiento.
De joven, Platón tuvo ambiciones políticas pero se desilusionó con los gobernantes de
Atenas. Es posible que se iniciara en la filosofía con las enseñanzas del heracliteano
Cratilo. Cuando cuenta veinte años tiene lugar el encuentro con Sócrates que contaba
entonces 63 años y se convertirá en su único maestro hasta su muerte. Proclamado
discípulo de Sócrates, aceptó su filosofía y su forma dialéctica de debate: la obtención
de la verdad mediante preguntas. Parece ser que fue testigo de la muerte de su maestro.
Temiendo por su vida, abandonó Atenas algún tiempo y viajó a Italia, Sicilia y Egipto.

En el año 387 Platón fundó en Atenas la Academia, institución a menudo considerada

como la primera universidad europea. Se daban materias como astronomía, biología,
matemáticas, teoría política y filosofía. Aristóteles fue su alumno más destacado. Ante
la posibilidad de conjugar la filosofía y la práctica política, viajó a Sicilia en el año 367
a.C. para ser tutor del nuevo gobernante de Siracusa Dionisio el Joven. El experimento
fracasó. Platón regresó a Siracusa en el año 361 a.C., pero una vez más su participación
en los acontecimientos sicilianos tuvo poco éxito. Es el primer pensador griego cuya
obra se ha conservado íntegramente, y Aristóteles transmitió incluso fragmentos de su
enseñanza oral en la Academia, al parecer discordante con sus escritos. Sus escritos
adoptaban la forma de diálogos, exponiendo ideas filosóficas, se discutían y se
criticaban en el contexto de una conversación o un debate en el que participaban dos o
más personas. El primer grupo de escritos de Platón incluye 35 diálogos y 13 cartas.
Pasó los últimos años de su vida dando conferencias en la Academia y escribiendo.
Murió próximo a los 80 años en Atenas en el año 348 o 347 a.C.

3.2.1 La estética de Platón:

Platón hace referencia, en varias ocasiones, a los problemas del arte y la belleza, en
varios de sus libros, a destacar por ser sus obras magnas, La República y las Leyes.
Pero, además, en el Banquete nos mostró su teoría idealizada de la belleza; en el Ion, su
teoría espiritualista de la poesía; en el Filebo desarrolló un análisis pormenorizado de la
experiencia estética; y en el Hipias Mayor precisó lo difícil que realmente era encontrar
una definición de lo que es bello. Platón fue un escritor sumamente prolífico y un
pensador sumamente polifacético, ya que trató sobre metafísica, ética, lógica, política y,
también, estética. Pero esta profusión le lleva a entremezclar las cuestiones
entrelazándose entre sí. Es por eso que las estéticas se entremezclan, sobre todo, con las
éticas y metafísicas.

Así, encontramos que su “teoría idealista de la existencia”, que todos hemos estudiado
en el instituto, y su “teoría apriorística del conocimiento”, por la que al aprender lo que
hacemos es recordar lo que ya sabíamos antes de nacer en este mundo, influyeron
decisivamente en su idea de la belleza. También, su “teoría espiritualista del hombre” y
la “moralista de la vida” son la base de su teoría del arte. Al final, cada punto, cada
concepto, forma parte de un gran sistema filosófico, donde todos elementos de las
diferentes disciplinas están interconectados entre sí. Es todo no se entendería sin sus
partes, y viceversa. Por otra parte, una de las características de Platón es su evolución o
cambio a lo largo de los más de 50 años en el que escribió sus textos. Por eso podemos
encontrar cambios de opinión respecto a algunos temas, pero, también, ciertos rasgos
definitorios y fijos a lo largo del tiempo.

Para Platón, la belleza existía realmente, y la presente en el mundo de los sentidos

participaba o derivaba de una Belleza universal, de la cual las cosas sensibles eran
aproximaciones más o menos logradas. Hay grados diversos de belleza: un objeto bello
es feo al compararlo con una mujer bonita; un chimpancé gracioso no es nunca más
bello que un hombre bien parecido, y éste siempre será feo frente a un dios. La Belleza
universal, por su parte, no está compuesta por una parte de belleza y la otra de fealdad,
ni es bella en relación con ciertas cosas y fea en relación con otras, sino que, como todas
las Ideas, es “eternamente autosubsistente y en unicidad consigo misma”. De esto se
deduce que la Belleza universal no es algo material, no puede plasmarse en una cosa
bella; la Belleza universal es, como toda Forma, suprasensible, de modo que las obras
de arte (pintura, escultura, arquitectura, poesía, danza, canto, música, etc.) se sitúan
inevitablemente en una dimensión inferior dentro de la escala de Belleza. Las cosas
bellas lo son en virtud de nuestros sentidos que la perciben, mientras que la Belleza
arquetípica, universal, atañe sólo a la Inteligencia.

3.3 Aristóteles:

(En griego antiguo Ἀριστοτέλης, Aristotélēs) (384 a. C. –

322 a. C.) Fue un filósofo, lógico y científico de la
Antigua Grecia cuyas ideas han ejercido una enorme
influencia sobre la historia intelectual de Occidente por
más de dos milenios.

Cuando era aún niño su padre falleció. A la edad de 17

fue enviado por su tutor Proxenus hacia Atenas, centro
intelectual del mundo, para completar su educación. Una
vez allí se unió a 'la Academia', lugar donde siguió las
lecciones de Platón por el transcurso de veinte años.
Durante los últimos años de su relación con Platón y la Academia comenzó a dar clases
por su propia cuenta, especialmente sobre retórica. Al morir Platón, en el año 347 a.C,
la destacable habilidad de Aristóteles parecía designarlo para liderar la Academia, pero
su divergencia con respecto a las enseñanzas de su maestro eran demasiado grandes
como para que esto fuera posible. Por esta razón el elegido fue el sobrino de Platón:
Espeusipo.

Aristóteles se trasladó a Pella, capital de Macedonia, donde fue tutor del hijo menor del
rey Filipo II, que sería conocido como Alejandro III el Magno. Filipo mandó a llamarle
por ser el filósofo de más fama y más extensos conocimientos. Fueron premiadas sus
enseñanzas reedificándose de nuevo la ciudad de Estagira, su ciudad natal, que el
mismo Filipo había asolado. Durante 8 años el alumno recibió una enseñanza integral
en el paraje de Miéza, cerca de Pella. Parece que Alejandro no sólo aprendió la ética y
la política, sino que tomó también conocimiento de otras enseñanzas reservadas a las
que los filósofos llamaban, "acromáticas" y "epópticas", y que no comunicaban a la
"muchedumbre". En el año 335 a.C., al acceder Alejandro al trono, volvió a Atenas y
fundó su propia escuela: el Liceo. Aristóteles abrió el Liceo hacia 334 a.C. en un
espacio cercano a la puerta de Diócares.

El nombre le viene de Apolo Licio, dios al cual Aristóteles consagra su institución. En

el Liceo, como antes en la Academia, había dos grupos de discípulos: los que
participaban de las enseñanzas más profundas y los que recibían enseñanzas más
sencillas y prácticas. Como gran parte de los debates se desarrollaban mientras paseaban
por el Liceo, el centro fue conocido como escuela peripatética. Resumió todo el saber de
su época, pero brilló especialmente en las ciencias naturales descriptivas. Fue autor de
la primera clasificación de los animales, padre de la anatomía comparada y maestro de
otros científicos, como el botánico Teofrasto, su sucesor en el Liceo.

Rechazó la teoría atómica de Demócrito y sostuvo que la materia se origina en la

mezcla de cuatro propiedades fundamentales: caliente, frío, húmedo y seco, que se
combinan entre sí para dar lugar a los cuatro elementos o esencias: tierra, agua, aire y
fuego, a los que añadió un quinto (la quinta esencia o éter), que formaría los cuerpos
celestes.

Demostró por varios métodos la esfericidad de la Tierra y sostuvo que ésta está situada
en el centro del universo. Es el primero en clasificar las ciencias, que dividió en teóricas
(matemáticas, física y metafísica), prácticas (ética, política y economía) y poéticas
(poética, retórica, etc.). En esta clasificación no se incluye la lógica, descubierta por él,
pues es el instrumento para el recto discurrir en todas ellas. También inventó el
silogismo, instrumento fundamental del pensamiento occidental.

Aristóteles escribió libros de divulgación, de los que sólo se conservan fragmentos, y

otros de notas, para el círculo de sus iniciados, de los que quedan 47. La edición de
Andrónico de Rodas (h. el 70 a. C.) es la base del Corpus aristotelicum, tal como ha
llegado a nosotros, que se compone de los siguientes títulos o colecciones: "Organon"
(tratados de Lógica), "Física" "Del cielo", "De la generación y la corrupción",
"Meteorología", "Metafísica", "Historia de los animales", "De los movimientos de los
animales", " De la generación de los animales", "Política", "El alma", "Moral a
Nicómaco", "Moral a Eudemo", "Retórica", "Poética" y "Parva Naturalia". Aristóteles
murió en Calcis, Reino de Macedonia, en el 322 a. C. probablemente de una afección
estomacal en torno a los sesenta y tres años de edad. Antes de fallecer escribió un
testamento por el cual deja a su familia (su hija Pitias, su hijo Nicómaco y su segunda
mujer Herpilis) bajo la protección de Antipáter (lugarteniente de Alejandro), y a
Teofrasto la dirección del Liceo. Asimismo a la hija de su primer matrimonio la entrega
en nupcias a su ahijado Nicanor, hijo de su tutor Próxeno y oficial de estado mayor de
Alejandro.

3.3.1 La estética de Aristóteles:

Para Aristóteles la estética o belleza no se relaciona con lo que es agradable a los

sentidos, porque es objeto de contemplación y no de deseo. Lo que es bello agrada
porque es bueno, quiere decir que lo bello es lo bueno, aunque lo bueno también implica
movimiento y no solamente lo estático. Las formas principales de la belleza son la
simetría, el tamaño, el orden y la delimitación.

Lo feo en el arte, por ejemplo en la comedia, es lo ridículo, lo erróneo que no tiene

forma, que es inocente e inofensivo y sólo puede significar arte en su conjunto. El arte
siempre produce algo, imita y completa a la naturaleza. Al igual que Platón, Aristóteles
propone que la esencia de las bellas artes es la imitación imaginaria del mundo real,
pero para Aristóteles éstas no son copia de otra copia, según propone Platón que cree
que la idea de lo real es trascendente y las cosas son ilusorias, sino copia de las cosas
reales. Para Aristóteles, un artista trata de descubrir el elemento universal de las cosas.
En la tragedia los personajes aparecen como mejores que los protagonistas de la vida
real actual; y en la comedia como peores, ridiculizando o exagerando los hechos y sus
caracteres. Para Aristóteles el propósito fundamental de la tragedia es su argumento o
trama, ya que los personajes se ajustan a la acción. La tragedia es una imitación de la
vida, su felicidad y sus miserias. Tiene la capacidad de enunciar a través del discurso de
sus personajes proposiciones universales, siendo la melodía un accesorio importante.

4.- Desarrollo Integral

4.1 Desarrollo Integral (Tratamiento Pedagógico)

El desarrollo integral del niño y la niña se entiende como una serie de procesos que se
inician desde la etapa embrionaria, caracterizados por cambios y transformaciones que
se suceden y continúan hasta la adultez en las áreas física, cognitiva, lenguaje,
psicomotora, moral, sexual, social y afectiva. En el desarrollo psicológico pueden
distinguirse tres ámbitos distintos: el desarrollo cognitivo, emocional y social, los cuales
no pueden plantearse como entes separados, puesto que están fuertemente
interconectados, recibiendo influencias mutuas y retroalimentándose con gran fuerza.

4.2 El desarrollo cognitivo en el niño: Para que se produzca el desarrollo cognitivo y

por lo tanto también la inteligencia del niño pueda madurar con normalidad, tiene que
existir una base biológica sana, así como también una ambiente favorecedor y
estimulante. Una de las principales teorías sobre las etapas del desarrollo de la
inteligencia en el niño es la del psicólogo suizo Jean Piaget. Según esta teoría, el
desarrollo cognitivo es una reorganización progresiva de los procesos mentales como
consecuencia de la maduración biológica y la experiencia ambiental.
En relación a la educación estética, esta permite que los niños desarrollen una toma de
conciencia progresiva de sí mismos y del medio ambiente, les permite comprender las
manifestaciones artísticas existentes, desarrollar las áreas sensoriales (vista, oído, tacto),
percibiendo de una maneras más amplia el mundo que les rodea.

4.3 El desarrollo emocional: Podemos distinguir distintas etapas en el desarrollo

emocional y afectivo del niño. El recién nacido se rige por parámetros emocionales muy
primarios: llora o ríe. Su mundo se basa en necesidades, afectos y acciones muy básicas.
Hacia los 2 años el niño es consciente de la mirada de las otras personas, por lo que
precisa de su aprobación como forma de refuerzo y afianzamiento de su personalidad.
Es a partir de los 4 años, coincidiendo con los inicios de la escolarización, cuando entra
en juego otro aspecto fundamental: el desarrollo de un lenguaje más rico y fluido, con
un léxico emocional mucho más complejo, que le permitirá comprender la realidad,
comunicar experiencias y expresar sentimientos mucho más elaborados.

En la etapa escolar prosigue el proceso de la socialización que se había iniciado a los

tres años. Juegan en grupos y normalmente, suele ser grupos del mismo sexo: niños con
niños y niñas con niñas. Es fundamental que el niño se sienta integrado en el grupo. El
rechazo por parte de los otros niños puede generar problemas de autoestima en el niño.
Es un periodo clave en la formación de la personalidad, en ella influyen la familia y el
resto de las relaciones sociales.

Las distintas actividades de expresión artística, permiten que el niño pueda conocerse
mejor así mismo, incentiva a la interacción del niño con otros, reconoce la importancia
del trabajo en grupo y mejora las relaciones personales. Dentro de las actividades que
dan cabida a ello podemos mencionar: la danza, el teatro, dramatizaciones, entre otros.

4.4 El Desarrollo Motor: El desarrollo físico aumenta rápidamente durante la etapa

infantil. Los sistemas muscular y nervioso y la estructura ósea están en proceso de
maduración, lo que permitirá al niño moverse de manera más coordinada. Los niños
muestran progreso en la coordinación de los músculos grandes y pequeños y en la
coordinación óculo- manual. Este desarrollo hará que el niño sea cada vez más
autónomo, cada vez realizará más cosas sin la ayuda de un adulto, como por ejemplo
vestirse.

El desarrollo de la percepción en los niños, la expresión corporal, la motricidad fina y

gruesa, la coordinación óculo manual, el control de la postura y gestos, la lateralidad
fortalecer los músculos y agudizar el sentido del ritmo así como el equilibrio del sistema
nervioso dentro de muchos aspectos más, se pueden estimular gracias se desarrollan
gracias a las diversas formas de expresión artística.
 Desarrollo integral
Físico motriz Cognitivo Afectivo Social

- Motricidad fina - Sensación - Sensibilidad - Compartir

- Motricidad Gruesa - Percepción - Sentimientos - Convenio
- Motricidad óculo-manual. - Elaboraciones mentales - Intuición - Acuerdo
- Agilidad. -Memoria - Interés - Trabajo cooperativo
- Velocidad - Lenguaje - Armonía
- Resistencia - Creatividad
- Fuerza

5.- Tratamiento Curricular

5.1 ¿Qué es el aprendizaje?

El aprendizaje es fundamental en los seres humanos y se expresa, principalmente, en

conocimientos, valores, habilidades, competencias en relación a múltiples ámbitos de la
vida. A través de él se alcanza el desarrollo personal, se accede a la cultura y se
adquieren las herramientas para participar activamente de la vida social. Su adquisición
se da en forma paulatina y permanente a lo largo del ciclo vital, siendo la infancia el
período en el cual se da de modo más intenso y significativo. En consecuencia, mientras
más oportunidades tengan los niños y niñas de desarrollar sus aprendizajes, más
posibilidades tendrán de lograr su pleno desarrollo como personas y miembros de una
comunidad.

5.2 Aprendizaje Integral:

Es un proceso continuo, permanente y participativo que busca desarrollar armónica y

coherentemente todas y cada una de las dimensiones del ser humano (ética, espiritual,
cognitiva, afectiva, comunicativa, estética, corporal, y socio-política), a fin de lograr su
realización plena en la sociedad. Es decir, vemos el ser humano como uno y a la vez
pluridimensional, bien diverso como el cuerpo humano y a la vez plenamente integrado
y articulado en una unidad. La ‘educación integral’ supone una triple preocupación
docente: sobre los tres campos del conocimiento, de la conducta y de la voluntad.
Cuando pensamos en la ‘educación integral’ queremos significar que aceptamos que el
hombre es un complejo consubstancial de materia y espíritu, una combinación esencial
de cuerpo orgánico y de alma inmaterial e imperecedera y que, por lo tanto, todo
tratamiento educativo debe mirar hacia la integridad de la persona humana y no a uno
de sus componentes”.
 Conclusión

Una buena formación en cuanto arte y estética es muy importante para el niño, para un
buen desarrollo de sus aptitudes y fortalecimiento de sus capacidades, estos (arte y
estética) a su vez pueden ser relacionados con las otras áreas de la educación y así lograr
que el niño pueda crecer en un ambiente lleno de innovación, creatividad y se eduque
bajo un aprendizaje integral el cual le dará las herramientas para que en un futuro pueda
desenvolverse con mayor facilidad ante las distintas situaciones de la vida.

Las artes visuales para los niños debe ser un tema de gran importancia, así como la
lengua o las matemáticas, porque ellas le van aportar al niño primeramente; el desarrollo
de la percepción, una buena percepción en los niños les va a permitir que capten los
temas con mayor rapidez, en segundo; la capacidad de creación – producción, se va a
desarrollar mejor su creatividad y así van a sentir más confianza al realizar alguna
actividad, tercero; la apreciación, los estudiantes aprenden sobre las diversas culturas y
formas de hacer y de ver el mundo, desde las diferentes perspectivas históricas y
evolución de las diferentes civilizaciones. Y por último; que tengan raciocinio, en base
de una buena educación artística y visual, el niño desarrolla la capacidad de observar y
describir los símbolos visuales, de entender su significado, de interpretar, de emitir
juicio, y de explicar el significado de lo que ve y observa en su entorno. Estas y muchas
habilidades más pueden ser desarrolladas y fortalecidas en los niños si se realiza una
buena planificación, organización de la educación y de la formación estética visual y de
otras áreas también.
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