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CÍRCULO CROMÁTICO

TEMA: LAS EXPRESIONES DE L COLOR


LOGRO: Reconocer el circulo cromático como herramienta principal para obtener
las diferentes tonalidades posibilitar una mayor aplicación de colores en una obra
plástica.
INDICADORES DE LOGRO
Identificar de los colores básicos y sus características
Experimentar el efecto del color y la mezcla de colores

CÍRCULO CROMÁTICO

A lo largo de la historia, diversos investigadores han intentado ordenar el color de


varias maneras, ya sea en forma bidimensional o tridimensional, tomando en
cuenta las distintas variables. La forma en que los teóricos y artistas plantearon el
estudio racional de las armonías de color son los llamados círculos cromáticos,
que tienen por objeto interrelacionar los colores del espectro y sus derivaciones,
definiendo así sus múltiples transiciones. El círculo cromático – también llamado
círculo de matices, rueda cromática o rueda de color – es el resultante de
distribuir alrededor de un círculo, los diferentes colores que conforman el
segmento de la luz visible del espectro solar, descubierto por Newton, y
manteniendo el orden correlativo: rojo, naranja, amarillo, verde, azul ultramar y
violeta.

Orígenes del Círculo Cromático

Pero esta división del espectro en siete colores ideada por Newton fue
mayoritariamente arbitraria, pues en el arcoiris no existen tales separaciones y
parece dictada por su obsesión con la numerología. La rueda cromática resultante
es algo caótica: los segmentos son de distintos tamaño, y rojo, amarillo y azul, los
colores primarios tradicionales, no se distribuyen uniformemente alrededor del
círculo.

Las ruedas cromáticas que idearon teóricos posteriores casi siempre se basaron
en una distribución equidistante de los colores primarios, sean cuales sean. El
primer círculo cromático de colores equidistantes lo realizó en 1776 el grabador
Moses Harris, con el nombre Sistema Natural de los Colores, y contenía 18
tonalidades fundamentales.

Más adelante, Goethe creó el suyo, en acuarela, con


los tres colores primarios – amarillo puro, azul ultramar
y un aclarado tono púrpura –, junto con sus
complementarios. Luego, una docena de artistas
continuaría la tarea de jugar con las más diversas
figuras geométricas. Runge se basó en un triángulo.
Clerk Maxwell lo logró de manera elemental por la
rápida rotación de unos círculos cromáticos llamados
también discos Maxwell, en tanto que el químico
Wilhelm Ostwald siguió un esquema de color
romboide1. Una vez que estas formas de distribuir y
ordenar los colores se fueron complejizando,
comenzaron a llamarse sistemas o modelos de color.

Sin embargo, fue en la escuela alemana de artes y


oficios, la Bauhaus, donde dos de sus maestros
afinaron modernas teorías del color, creando cada uno su propia geometría:
Johannes Itten y Paul Klee. El primero publicó El Arte del Color, donde surge la
primera estrella basada en la polaridad de colores planteada por Goethe. El
segundo, inspirado a su vez en el triángulo de Runge, logra que el color deje de
ser estático y adquiera movimiento; ese cambio implica a todo pigmento que,
finalmente será mezclado en la paleta

ESPECIFICACIÓN DEL CÍRCULO CROMÁTICO

El círculo cromático más común – el usado por los artistas pictóricos – se basa en
el rojo, amarillo y azul, el sistema sustractivo imperfecto que suelen adoptar los
profesionales que trabajan con pintura, tejidos u otros materiales reflectores. Los
colores primarios de la rueda se combinan también con los secundarios, cada uno
de los cuales representa una combinación de primarios adyacentes. También se
incluyen seis terciarios, con los que se obtiene un total de 12 colores.
Aunque las ruedas cromáticas indican los colores
que hay que mezclar para obtener secundarios y
terciarios, no determinan las proporciones
necesarias. Como la luminosidad y la saturación
de los primarios varía, se deberían precisar
proporciones desiguales para obtener un color
visualmente equidistante entre sus dos
componentes.

La rueda de procesos – basada en el modelo


CMYK, de la impresión gráfica – muestra las mezclas de tinta cian, magenta y
amarilla. Al contrario que otras ruedas sustractivas, esta muestra un espectro
completo de colores, incluidos el rojo, el verde, y el azul (RGB) como secundarios
relativamente puros.

De forma similar a esta última, pero a la inversa,


la rueda de luz – basada en el modelo RGB –
muestra como primarios el rojo, el verde, y el
azul, y como resultado de mezclar la luz, el cian,
el magenta y el amarillo como secundarios. Este
modelo es el que suelen utilizar los profesionales
del diseño de iluminación, el diseño para pantalla,
y las personas que trabajan con medios
translúcidos.

CLASIFICACIÓN DE LOS COLORES

Colores fundamentales o primarios: El espectro solar tiene tres colores que se


consideran primarios o fundamentales: amarillo, rojo y azul. Se llaman colores
primarios, porque constituyen la base primaria para toda otra mezcla. No pueden
obtenerse por la mezcla de otros colores. También se les denomina puros.

Los colores primarios se pueden mezclar entre sí, con el blanco y/o el negro,
dando origen a nuevos colores. Basándose en este sistema de mezclas se
obtiene toda la variadísima cantidad de colores y matices distintos.

Los colores secundarios: De la unión de dos colores primarios entre sí, se obtiene
un color secundario o binario.

Los colores intermedios o terciarios: Si se mezcla un color secundario con uno


primario, resultan los colores intermedios o terciarios. Por ejemplo la combinación
de amarillo con naranja, azul con verde, amarillo con verde, violeta con rojo, entre
otros.

¿QUÉ ES LA LUZ?

La luz (como la luz solar), al igual que el sonido, es una combinación de "tonos"
de diferente frecuencia.

Longitud de onda, velocidad, colores


Se puede decir que los tonos es al sonido lo que los colores es la luz. La luz es
entonces una combinación de colores (cada color de diferente frecuencia y
longitud de onda). La luz blanca es una mezcla de rayos de luz combinados
(rayos infrarrojos, rayos ultravioleta, etc.).

Cada uno de estos rayos tiene su propia longitud de onda, y es la variación de


esta longitud de onda la que permite obtener todos los colores posibles. Se
pueden ver los colores del arco iris, que es la luz blanca que viene del sol y es
separada por las gotas de lluvia a modo de prisma.

A veces cuando se comparan dos fuentes de luz blanca, se nota que no son
exactamente iguales. Esta diferencia se explica en que cada fuente de luz tiene
una combinación diferente de tonos de color. Algunas luces blancas son más
amarillentas o azuladas que otras y esto se debe a que en la combinación de
colores predomina más uno de ellos.
La luz se puede dividir en tres categorías: Luz ultraviotela (UV), luz visible, luz
infrarroja. Ver la siguiente tabla.
El ojo humano tiene una capacidad limitada y no es capaz de ver luz de
longitudes de onda mayores a la de la luz ultravioleta (UV), ni menores a la de la
luz infrarroja.
La Luz que todos vemos, se descompone en los colores que se muestran en la
tabla anterior. La luz blanca es la combinación de todos los colores y la negra es
ausencia de ellos.

TALLER
Que es el circulo cromático?
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Para que sirve el circulo cromático?


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Que se tuvo en cuenta para crear las ruedas cromáticas?


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Que diferencias existen y porque entre las especificaciones del circulo cromático?
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De donde se obtiene:
Los colores primarios
__________________________________________________
Los colores secundarios
_________________________________________________
Los colores terciarios
___________________________________________________

domingo, 16 de marzo de 2014

Publicado por SANDRA MILENA FLORES GONZALEZ en 15:17 No hay comentarios:

IMPRESIONISMO
TEMA: EL IMPRESIONISMO
LOGRO: Conocer la historia del impresionismo y dadaísmo como movimientos
pictóricos contemporáneos
INDICADORES :
· Identifica las características del dadaísmo y el impresionismo
· Realizar obras basadas en técnicas contemporáneas

EL IMPRESIONISMO

Movimiento pictórico francés, que surge a finales del


siglo XIX. Apareció como reacción contra el arte
académico y es considerado el punto de partida del
arte contemporáneo.
El impresionismo en la pintura partió del desacuerdo
de algunos artistas con los temas clásicos y con las
fórmulas artísticas impuestas por la Academia
Francesa de Bellas Artes. Esta fijaba los modelos a
seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales del
Salón parisino.

Los impresionistas, en cambio, eligieron la pintura al aire libre y los temas de la


vida cotidiana. Uno de sus primeros objetivos fue captar una representación del
mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce
la luz natural sobre los objetos. La luz tiende a difuminar los contornos y refleja los
colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra.

Eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, utilizando para
ello los colores primarios como el cyan, el magenta y amarillo. Además aplicaron
los colores complementarios como el naranja, el verde y el violeta. Con esa
técnica lograron dar una ilusión de realidad, aplicando directamente sobre el
lienzo pinceladas de color cortas y logrando gran brillo en sus pinturas.

Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y


directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los
objetos.
PRECURSORES
Édouard Manet, considerado el primer Impresionista, aseguraba que utilizando
colores fuertes y contrastados, se podían obtener sutiles representaciones de luz
por la yuxtaposición de colores. Los representantes principales del movimiento
fueron: Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pisarro, Auguste
Renoir y Alfred Sisley.
Las figuras principales del movimiento fueron: Edgar Degas, Claude Monet,
Berthe Morisot, Camille Pisarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley.
Los impresionistas se preocuparon más por captar la incidencia de la luz sobre el
objeto que por la exacta representación de sus formas, debido a que la luz tiende
a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las
zonas de penumbra.
Los pintores académicos definían las formas mediante una gradación tonal,
utilizando el negro y el marrón para las sombras. Los impresionistas eliminaron
los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los
colores primarios —ciano, magenta y amarillo— y los complementarios —naranja,
verde y violeta—.
Consiguieron ofrecer una ilusión de realidad aplicando directamente sobre el
lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas, que mezcladas por la retina del
observador desde una distancia óptima aumentaban la luminosidad mediante el
contraste de un color primario (como el magenta) con su complementario (verde).
De este modo, los impresionistas lograron una mayor brillantez en sus pinturas
que la que se produce normalmente al mezclar los pigmentos antes de aplicarlos.
Cambios y características:
El objetivo principal es sustituir el ideal dominante de "Belleza" por el nuevo de
"Libertad". Para entender este paso hay que indagar en el contexto historico-
social:
Impacto del ferrocarril: Por vez primera se experimentó el concepto de
"velocidad". La retina captaba así una "realidad distorsionada".
Impacto de la fotografía: La fotografía demostró que lo que determina la visión
es el color y no el dibujo, con ello se rompen planteamientos clasicistas
anteriores. La fotografía trajo consigo el concepto de la instantánea, que será tan
utilizado por Degas para sus composiciones de bailarinas.
Impacto del óleo en tubo: se generaliza a mitad del XIX. Trae consigo una
consecuencia muy revolucionaria, ya que el artista no tiene porque elaborar
cuidadosamente los pigmentos, de ahí que el pintor salga del taller para pintar al
aire libre.
Impacto de la Naturaleza y de la Luz: el estar al aire libre revela una nueva
realidad, una realidad llena de luz, gracias a cuya proyección es posible el color.
Impacto del Tiempo: es la era de los relojes, el tiempo es un tema que obsesiona
al hombre y en particular al pintor. La técnica de los nuevos pintores necesita de
una pincelada rápida y hábil.

Estos cambios hacen que el Impresionismo tenga unas características concretas:


El paisaje como tema principal:
Es uno de los géneros más fructíferos. El paisaje ofrece un campo donde todos
los interes de los impresionistas se ven concentrados: el aire libre, el contacto con
la Naturaleza, el encuentro con la Luz. Ésta se verá modificada con el paso del
tiempo y los matices colorísticos irán cambiando a medida que avanza el día.
Dentro del paisaje, también es frecuente el tema de la representación del agua de
la nieve y el hielo. Se aman las superficies en que los reflejos y los matices
cromático-lumínicos se hacen infinitos. La aparición de la figura es menos
frecuente, y si lo hace es rodeada de paisaje.(Ahora la figura es pretexto para
representar el paisaje, mientras que en el Clasicismo había sido a la inversa). Ello
no quiere decir que no haya escenas de interior cuyo máximo exponente es
Degas, al que le preocupan temas como la danza o los caballos, ambos
relacionados con la velocidad y la instantánea.

Técnica:
Los impresionistas se caracterizan por su técnica rápida, de largas pinceladas
cargadas de materia pictórica. Esto fue duramente criticado por los más anclados
a la tradición, llegando a decir que "los nuevos" estrujaban directamente sus tubos
sobre los lienzos. De la última etapa de Monet se dice que sus obras no son
pinturas, sino más bien escultura sobre el lienzo. Muchas veces se apunta a Goya
como un precedente para este tipo de pincelada.

Color:
Es significativo el que los impresionistas eliminen de su paleta el color negro, lo
hacen porque observan que las sombras nunca son negras, sino coloreadas. Al
igual, el blanco puro no existe, sino que la luz lo carga de matices innumerables.
Apuestan por el color puro, aunque pueden permitirse el mezclarlos directamente
sobre la superficie del lienzo.

Ausencia de perspectiva:
Los impresionistas abolen el concepto de la perspectiva euclidiana que había
regido el concepto de la pintura hasta entonces, es por ello que desaparece el
"primitivo" punto de fuga. Apuestan por una pintura plana y bidimensional porque
en realidad es como percibe nuestra retina. Esto ya lo anticipó Manet con su
Pífano.

Las características más importantes del Impresionismo como estilo pictórico son:
1. Pintura al óleo sobre lienzo.
2. Pincelada: El impresionismo, por el hecho de realizar sus obras al aire libre y
por la necesidad de captar la inmediatez de los efectos luminosos y atmosféricos,
utiliza una técnica de ejecución rápida y en muchas ocasiones sumaria. Las
pinceladas suelen ser vigorosas y cargadas de pasta, por lo que la superficie del
cuadro resulta rugosa y gruesa. En unas ocasiones la pincelada es corta y en
otras larga y sinuosa.
Otra técnica muy utilizada es diluir el óleo hasta alcanzar una fluidez semejante a
la acuarela. Todos coinciden en una técnica de toques yuxtapuestos de colores
claros, aunque cada uno se singularice por su peculiar manera de aplicar el pincel
3. La línea es un valor en claro retroceso ya que son la pincelada y el color los
protagonistas. Ni la composición ni las figuras deben nada al dibujo.
4. El modelado no existe, no se estudian las gradaciones de color o de luz en
función de modelar o dar volumen a las figuras. Es más, el Impresionismo
acabará por disolver las formas y volúmenes en impactos lumínicos y cromáticos.
5. Gustaban de los colores claros, luminosos y brillantes. En vez de fundir los
colores en la paleta, los impresionistas yuxtaponían pinceladas de colores puros,
sin mezcla, siguiendo las leyes ópticas de «contrastes simultáneos» de Chevreul;
aplicaban colores primarios o secundarios directamente sobre el lienzo y era el
ojo del espectador el que recomponía los colores. Coloración de las sombras:
Evitaban las sombras negras y se reducían a espacios coloreados con
tonalidades complementarias —luces amarillas, sombras violetas—. El claroscuro
quedó eliminado.
6. No hay interés por representar el espacio con profundidad ya que valoran más
el plano y el impacto lumínico
.7. Apariencias sucesivas. Estudiaban los distintos matices de la atmósfera
mediante versiones de un mismo motivo en distintos momentos del día, variando
la luz y la atmósfera.
8. Desprecio por el taller y preferencia por la pintura al aire libre tanto por la
temática como especialmente por ver limpios los colores y reproducirlos puros.
Llenando sus obras de aire libre, de naturaleza, espontaneidad y frescura.
9. El encuadre toma protagonismo, por lo que juegan con él llegando incluso a
cortar figuras y objetos fraccionado el campo visual.
10. Es una pintura figurativa y realista aunque va perdiendo la Mimesis
(figuración)
11. Interés por el paisaje y por la pintura intrascendente: Los temas preferidos
eran banales, secundarios, sin importancia: escenas urbanas, de interior de cafés,
bulevares de Paris, regatas, carreras de caballos y bailarinas, que muestran su
gusto por el movimiento. Y preferentemente paisajes pintados al aire libre en los
que plasmaron las variaciones de la atmósfera en condiciones variables con sol,
lluvia, niebla etc y el reflejo de la luz sobre el agua en sus cuadros de marinas,
ríos, estanques
12. Esta preferencia por los temas intrascendentes hace que se renuncie a los
temas “importantes”, es decir con mensaje, ya sea religioso, político o social, es
decir, sin que exista una crítica social.
TALLER EN CLASE
1. Que es impresionismo?
2. Que diferencia hay entre el impresionismo y el arte clásico?
3. Que características tiene el arte impresionista para el artista?
4. Que cambios causaron la aparición de esta técnica?

TALLER EXTRA CLASE

1. Consultar la biografía de los principales artistas del impresionismo


2. Siguiendo las características más importantes del Impresionismo como estilo
pictórico imprimir una imagen representativa para trabajarla en clase
RECURSOS
· Lámina o fotocopia en color de una obra de pintura impresionista o post-
impresionista,
· Plastilinas surtidas.
· Tablero de madera de contrachapado, tamaño similar a DIN-A4
· Esmalte transparente de base alcohólica.
· Información visual suficiente para que los estudiantes conozcan obras
impresionistas y post impresionistas y se familiaricen con sus autores.

BIBLIOGRAFÍA
www.alu.ua.es/m/mjbc4/impresionismo.html
http://www.arteespana.com/impresionismo.htm
www.profesorenlinea.cl/artes/impresionismo.htm

Publicado por SANDRA MILENA FLORES GONZALEZ en 17:51 No hay comentarios:

FAUVISMO
TEMA: FAUVISMO
LOGRO: Conocer la historia del fauvismo como movimiento pictórico
Contemporáneo
INDICADORES
Identificar las características del fauvismo
Conocer los principales exponentes y las técnicas empleadas

EL SIGLO XX
El arte del siglo XX se caracteriza por que está
configurada de múltiples corrientes llamadas ismos.
No todas las tendencias van en forma lineal una
después de otra, sino que se relacionan para dar
paso hacia otra nueva. Las vanguardias no se
pueden ordenar en una linea de tiempo.

Es común el considerar el arte del siglo XX como


ruptura con respecto a lo anterior, pero esta ruptura
no comienza a principios del siglo XX, sino a fines
del XIX.

La Revolución Industrial y los grandes adelantos de la técnica ayudaron a moldear


la mentalidad del hombre a principios del siglo XX. La primera y segunda guerra
mundial, fue donde ocurrio el cambio. Cada cual trajo sus tendencias. Los
filósofos aportan con sus teorias reveladoras. Hay vanguardias que no se pueden
explicar ni entender si no se integran con estas teorias.

Hay una gran necesidad de cambio que ha dado como resultado corrientes
diversas e incluso contradictorias; como la tendencia conceptual y la realista.

EL FAUVISMO
El Fauvismo es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser
estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del
momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que
realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una
comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando
cualquier tipo de convencionalismos. El artista es un Demiurgo, moldea, crea su
obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no
debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de
disciplinas o como ignorante.

Los fauvistas eran un pequeño grupo de pintores que trabajaba en París a


comienzos de siglo. Se les dio este nombre, que significa "animales salvajes",
cuando expusieron en el Salón de 1905. El líder del grupo era Henri Matisse, y los
demás miembros, entre ellos Derain, Vlaminck, Dufy y Braque, procedían de
varios grupos distintos.

Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la


influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al
fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista.

Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink,
Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien le dio el nombre de
fauvismo a este movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón
de Otoño de 1905, por causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas
anteriormente nombrados.

El arte fauvista no busca la perfección de formas, paisajes, retratos, etc, sino que
expresa sentimientos representados por formas mediante un juego cromático,
donde plasma colores saturados, fuertes, alegres, que logran llamar la atención.
Al no buscar la perfección, este movimiento artístico se destaca por su sencillez.
Utiliza la imaginación, mezclando el mundo real con el mudo interior. El Fauve
(artista fauvista), deja fluir su intuición al momento de crear una obra, que es de
interpretación libre, lo que la hace subjetiva. Destaca las formas y paisajes a
través de un contraste de colores, saturándolos o marcando los contornos con
líneas oscuras bien definidas. Entre los temas principales de fauvismo se pueden
encontrar: paisajes, retratos, cuadros africanos o árabes, espacios como paredes
o piezas, etc.

El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un


manifiesto. Fue un mosaico de aportes en el que cada pintor embestía sus obras
como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió
la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época
rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra
el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa
de la pérdida del color.

Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y
este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación
naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la
paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los
colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.

Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con


toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los
colores. Las figuras resultan planas, lineales,
encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus
creaciones respondían a un ejercicio de
sintetización, buscan la máxima intensidad
emocional combinada con la máxima simplificación
de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva
clásica, al claroscuro y al modelado de los
volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella
la profundidad. Sus temas son retratos,
naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.

Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras


africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un
evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización.

La aparición del Fauvismo en Francia en 1905 fue paralela al expresionismo


alemán,

TALLER EN CLASE
1. Que es fauvismo y a que se debe su nombre?
2. Que condiciones propiciaron la parición de este estilo artistico?
3. Que características tiene el arte fauvista para el artista?
4. Que busca el artista con este estilo?

TALLER EXTRA CLASE

1. Consultar la biografía de los principales artistas del fauvismo


2. Siguiendo las características más importantes del Impresionismo como
estilo pictórico imprimir una imagen representativa para trabajarla en
clase
RECURSOS
· Lámina o fotocopia en color de una obra de pintura impresionista o post-
impresionista,
· Acrílicos o lipeses de colores surtidos.
· Tablero de madera, tamaño similar a DIN-A4
· Esmalte transparente de base alcohólica.
· Información visual suficiente para que los estudiantes conozcan obras fauvista y
se familiaricen con sus autores.

BIBLIOGRAFIA

http://www.arteespana.com/fauvismo.htm
http://www.profesorenlinea.cl/artes/fauvismoMatisse.htm
Fauvismo | Movimiento artístico del siglo XX

Publicado por SANDRA MILENA FLORES GONZALEZ en 17:48 1 comentario:

CUBISMO
TEMA: EL CUBISMO
LOGRO: CONOCER LA HISTORIA DEL CUBISMO COMO MOVIMIENTOS
PICTÓRICOS CONTEMPORÁNEO

INDICADORES DE LOGRO
- Identificar el cubismo y sus características
- Conocer los principales exponentes del cubismo y las técnicas empleadas

HISTORIA DEL CUBISMO


A principios del siglo XX surgen en forma
simultánea y en constante interrelación las
llamadas vanguardias o “ismos” artísticos, que
rompen con los lenguajes tradicionales
paralelamente a la ruptura con las antiguas
formas de vida.

El cubismo fue uno de los primeros


movimientos artísticos que surgió en el siglo XX,
transformándose en una verdadera revolución
dentro de la pintura. El descubrimiento del arte
negro, la exposición de Cézanne en 1907 y la
poesía de Apollinaire y Max Jacob se
convirtieron en las principales influencias del nuevo estilo.

"Las señoritas de Aviñón", Picasso

Las formas que construyen los pintores del cubismo siguen unos esquemas
rígidamente geométricos, muy propios de la pintura intelectualista; en este
sentido, son muy significativas dos frases representantes de este estilo, Picasso,
“Yo pinto los objetos como los pienso, no como los veo”, y Braque, “Los sentidos
deforman, el espíritu forma”.
El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la
naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. La
desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus
partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen.
Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva
convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se
utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las
formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se
traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de
lo abstracto, la forma siempre fue respetada. Los principales temas serán los retratos y las
naturalezas muertas urbanas. Podemos decir entonces que el cubismo es
una escuela y teoría estética de las artes plásticas y el diseño. Se caracteriza por la utilización de
las formas geométricas, como los cubos, los triángulos y los rectángulos.
El artista de este momento escoge un tema pictórico con un objetivo determinado,
buscando los cubistas fragmentar un tema y ordenarlo en una composición.

Pablo Picasso (1881-1973), tras atravesar su “período azul” y su “período rosa”,


pinta “Las señoritas de Aviñón” (1906), obra que marca el inicio de su etapa
cubista.
No obstante, el cubismo no será más que una etapa en la extensa producción de
Picasso, que sin cesar investigará, abriendo nuevos caminos estéticos, y
atravesará diversos períodos.

Junto a Picasso, la otra gran figura del cubismo es Georges Braque (1882-1963),
con una producción marcada por la predilección por las naturalezas muertas.

A partir de 1912 introduce el procedimiento de incrustar en el lienzo trozos de


papel: es el collage o papiers collés, recurso muy utilizado posteriormente por
los dadaístas y surrealistas. Otros destacados cubistas son Juan Gris (1887-
1927); Fernand Léger, que buscó cierta simplificación de las formas en su obra
por medio de estructuras tubulares y figuras de autómatas; Albert Gleizes, Jean
Metzinger, los hermanos Duchamp y el futuro dadaísta Francis Picabia.
FASES DEL CUBISMO
El nacimiento del cubismo constituye uno de los hitos del arte contemporáneo, ya
que representa la ruptura definitiva con la pintura tradicional, distinguiéndose dos
fases en este ismo:

a) Cubismo analítico: Analiza y descompone la realidad para plasmarla con


elementos geométricos superpuestos y con una gama cromática restringida. No
es una realidad visual sino una realidad del conocimiento, que reconstruye los
objetos como se sabe que son, no como se ven.
b) Cubismo sintético: La segunda etapa del
cubismo ya no se caracteriza por el análisis de la
realidad sino por concebir el cuadro como una
construcción de elementos plásticos, con inclusión
de elementos reales. Otorga mayor importancia al
objeto y a plasmarlo con cierta fidelidad, con un
cromatismo más rico.
Al Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la
libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto. El objeto
ya no es analizado y desmembrado en todas sus partes, sino
que se resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza
resaltando en el lienzo las partes más significativas de la figura
que serán vistas por todos sus lados.

Algo fundamental en esta etapa es la técnica del collage, la


inserción en el cuadro de elementos de la vida cotidiana como
papeles, telas y objetos diversos. El primero en practicarlo fue
Braque. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto,
a partir de aquí ya no interesa el análisis minucioso, sino la
imagen global.

TALLER EN CLASE
1. Cómo se definiría cubismo y cual es su principal característica?
2. Por que el cubismo fue uno de los principales movimientos artísticos a inicios del siglo XX?
3. Que condiciones propiciaron la parición de este estilo artistico?
4. Que características tiene el arte cubista para el artista?
5. Que busca el artista con este estilo?

TALLER EXTRA CLASE

1. Consultar la biografía de los principales artistas del cubismo


2. Siguiendo las características más importantes del cubismo como estilo
pictórico imprimir una imagen representativa para trabajarla en clase
RECURSOS
· Lámina o fotocopia en color de una obra de pintura impresionista o post-
impresionista,
· Acrílicos o lipeses de colores surtidos.
· Tablero de madera, tamaño similar a DIN-A4
· Esmalte transparente de base alcohólica.
· Información visual suficiente para que los estudiantes conozcan obras
impresionistas y post impresionistas y se familiaricen con sus autores.

BIBLIOGRAFIA

Fauvismo | Movimiento artístico del siglo XX


www.profesorenlinea.cl/artes/cubismo.htm
www.arteespana.com/cubismo.htm