Música clásica del siglo XX

La música clásica del siglo XX (también llamada música culta, académica, erudita,
contemporánea, docta o seria) fue extremadamente diversa. Comenzó con la Historia de la música
continuación de los movimientos vigentes a finales del siglo XIX tales como el estilo
romántico tardío y posromántico de Serguéi Rajmáninov, Gustav Mahler y Richard Música en la Historia antigua
(hace 50 000 años-500 d. C.)
Strauss, el impresionismo de Claude Debussy y Maurice Ravel, y los fervores del
nacionalismo en Latinoamérica, Norteamérica, y Europa fuera de Alemania, Francia, e Música en la Prehistoria
Italia que dominaron por siglos la cultura musical del continente. Música en la Antigüedad

A partir de la segunda década del siglo, la forma y lugar que había ocupado la música Música antigua
(500-1600)
durante los pasados tres siglos en la sociedad, cambiaron para siempre con la irrupción
del modernismo musical, dando fin al período conocido como práctica común, y Música de la Edad Media
entrando en una nueva era musical de constante búsqueda de lo original, rompiendo Música del Renacimiento
permanentemente con la tradición. Esto generó una enorme diversidad de géneros y Período de la práctica común
movimientos de difícil categorización y definición, lo que hacia el último cuarto del (1600-1910)
siglo, luego de la decadencia de los ideales de la modernidad, dio paso a la música Música del Barroco
contemporánea, siendo cada vez más compleja su diferenciación de otras músicas Música del Clasicismo
como el jazz o el art rock, debido a la creciente globalización y masificación de los Música del Romanticismo
medios de comunicacióny de la cultura popular. Música del impresionismo

Período moderno y contemporáneo

Vivimos en un tiempo en el que creo que no hay una corriente principal, (1910-presente)
sino muchas corrientes, o incluso, si se quiere pensar en un río de tiempo,
Música modernista
que hemos llegado a un delta, puede que incluso más allá de un delta, a
Jazz
un océano que se extiende hasta el cielo.
Música popular
John Cage, 1992.1 Música académica contemporánea

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Historia de la música

Índice Véase también: Portal:Música

Reseña
Antecedentes y transición al siglo XX (1880 - 1910)
Nacionalismo
Post-Romanticismo
Impresionismo
Modernismo (1910 - 1975)
Futurismo
Crisis de la tonalidad y atonalismo
Primitivismo
Microtonalismo
Segunda Escuela Vienesa, dodecafonismo yserialismo
Neoclasicismo
Música electrónica y concreta
Música aleatoria y vanguardismo radical
Micropolifonía y masas sonoras
Minimalismo
Influencias del jazz
 Música cinematográfica
Música contemporánea (1975 - actualidad)
Nacimiento del posmodernismo
Poliestilismo
Nueva simplicidad
Espectralismo
Libre improvisación
Nueva complejidad
Arte sonoro
Música contemporánea latinoamericana
Otros estilos y conceptos musicales
Véase también
Enlaces externos
Editoriales
Referencias

Reseña
En un principio la música siguió su práctica común, a partir de 1910 tomó diversos caminos de alejamiento del sistema tonal que ya
venían observándose desde finales del siglo pasado con un uso cada vez más extendido del cromatismo. A partir del inicio del
modernismo se dio paso al atonalismo y la experimentación, llegando a mundos sonoros tan distantes y diversos como el
primitivismo de Igor Stravinsky y Bela Bartok, el dodecafonismo de Arnold Schoenberg noriega y sus pupilos, la música microtonal
adoptada por Charles Ives, Julian Carrillo y otros, el neoclasicismo de Dimitri Shostakovich y Sergéi Prokófiev durante el realismo
socialista en la Unión Soviética, la música concreta de Pierre Schaeffer y Edgar Varèse, el serialismo integral de Olivier Messiaen,
Pierre Boulez, y Luciano Berio entre otros, la música aleatoria de John Cage, el experimentalismo de Karlheinz Stockhausen, la
micropolifonía de György Ligeti y Krzysztof Penderecki, o la repetición de notas de los compositoresminimalistas como Steve Reich
y Philip Glass, y un sin número de movimientos y compositores que se movían en nuevos estilos de forma simultanea.

El siglo XX fue también una época en la que los avances tecnológicos como la grabación y la radiodifusión cambiaron las relaciones
sociales y económicas inherentes a la música. Una persona del siglo XX en el mundo industrializado tuvo acceso al gramófono para
la reproducción de música grabadaen discos, la radio, la televisión y, más tarde, a la música digital con los discos compactos. El cine
también tuvo un impacto importante en la música y la cultura a partir de los años 30', con compositores tales como Max Steiner,
Erich Wolfgang Korngold, Alfred Newman, Bernard Herrmann, Ennio Morricone, Jerry Goldsmith, y John Williams quienes
trabajaron en diversos estilo, gruesamente catalogados dentro delneorromanticismo.

A mediados del los años setenta se considera el fin del modernismo musical, gracias a la decadencia de sus valores y los cambios
socioculturales de la globalización y los medios de comunicación de masas, dando pie a lo que se conoce generalmente como música
contemporánea o postmoderna, que contiene otra serie de movimientos musicales tales como la nueva simplicidad, el espectralismo,
el poliestilismo, el arte sonoro, la nueva complejidad, el art rock, o la música contemporánea latinoamericana de Egberto Gismonti y
Astor Piazzolla.

La música docta tuvo también una intensa fertilización cruzada con eljazz, muchos de sus compositores fueron capaces de trabajar en
ambos géneros, como George Gershwin, o de incluir sonoridades del jazz en música de concierto. A partir de los años 70's ocurrió
algo similar con el rock y la música popular en general.

Debe tenerse en cuenta que este artículo presenta un vistazo sobre la música clásica del siglo XX, y muchos compositores
mencionados dentro de diferentes tendencias o movimientos pueden no identificarse en forma exclusiva con éstos y pueden ser
considerados como participantes de diferentes movimientos. Por ejemplo, en distintos momentos de su carrera, Ígor Stravinski puede
ser considerado romántico, primitivista, neoclásico y serialista.
Antecedentes y transición al siglo XX (1880 - 1910)

Nacionalismo
El Nacionalismo en música se refiere al uso de materiales que son reconocibles como
nacionales o regionales. Por ejemplo, el uso directo de la música folclórica, y el uso de
melodías, ritmos y armonías inspirados por la misma. El nacionalismo también incluye el
uso del folclore como base conceptual, estética e ideológica de obras programáticas u
óperas.

El nacionalismo es comúnmente relacionado al estilo del romanticismo y Postromanticismo

de mediados del siglo XIX hasta mediados del siglo XX, al cual se le incorporan elementos
locales o folclóricos, aunque existen evidencias del nacionalismo desde inicios del siglo
XVIII. El término también es usado frecuentemente para describir la música delsiglo XX de
regiones no dominantes en la música, sobre todo de Latinoamérica, Norteamérica y Europa
Oriental. Históricamente el nacionalismo musical del siglo XIX ha sido considerado como
una reacción contra el dominio de la músicaromántica alemana.

Los países relacionados con mucha frecuencia al nacionalismo son: Rusia, Checoslovaquia,
Polonia, Hungría, Noruega, Finlandia, Suecia, Grecia, Ucrania, España y Gran Bretaña en
Europa, y Estados Unidos, México, Brasil, Argentina, Chile y Cuba en América. Algunos de
los compositores más importantes comúnmente asociados al nacionalismo en el siglo XX
El compositor brasileñoHeitor
fueron: el brasileño Heitor Villa-Lobos (el primer y más importante compositor
Villa-Lobos (1887-1959) fue el
latinoamericano en destacar en los círculos musicales de Europa), el checo Leos Janacek, el principal exponente del
finés Jean Sibelius, el húngaro Bela Bartok, el español Manuel de Falla, el mexicano nacionalismo en
Silvestre Revueltas, o el estadounidense Aaron Copland, entre muchos otros. Latinoamérica y uno de los
compositores no europeos
más importantes.
Post-Romanticismo
Particularmente en la primera parte del siglo,
muchos compositores escribieron música que fue una extensión de la música romántica del
siglo XIX. La armonía —salvo mayor complejidad— fue tonal, y los agrupamientos
instrumentales tradicionales, como la orquesta o el cuarteto de cuerdas, se mantuvieron
como los más usuales. Los músicos más representativos de este movimiento fueron Gustav
Mahler, Richard Strauss y Sergey Rachmaninov sin embargo muchos de los grandes
compositores modernistas comenzaron sus carreras en este estilo tales como Bela Bartok,
Igor Stravinsky y Arnold Schoenberg.

Muchos compositores prominentes —entre ellos Dmitri Kabalevski, Dmitri Shostakóvich y

Benjamin Britten— hicieron significativos avances en el estilo y la técnica romántica
mientras continuaban empleando un lenguaje melódico, armónico, estructural y textural
relacionado con el del siglo XIX, accesible al auditorio promedio.
El compositor austriaco
Gustav Mahler (1860-1911)
fue el principal exponente del Impresionismo
postromanticismo junto con
El Impresionismo musical es un movimiento musical surgido a finales del siglo XIX y
Richard Strauss.
principios del XX sobre todo en la música francesa. En el Impresionismo musical se da
mucha importancia a los timbres, con los que se consiguen diferentes efectos y también se
caracteriza porque los tiempos no son lineales sino que se ejecutan en sucesión de impresiones. Se relaciona de esta manera con el
Impresionismo pictórico, que conseguía las imágenes mediante pequeñas pinceladas de color. Fue encabezado por los compositores

2
franceses Claude Debussy y Maurice Ravel, aunque su precursor fue Erik Satie.2 El
movimiento, influido por los pintores foco impresionistas franceses y por la poesía de Paul
Verlaine, Charles Baudelaire y Stéphane Mallarmé, acentúa el color tímbrico y el humor en
vez de estructuras formales tales como la sonata y la sinfonía. Debussy, que también era
crítico musical, enfocó el impresionismo como reacción tanto al interés formal del
clasicismo de compositores como Wolfgang Amadeus Mozart y la vehemencia emocional
del romanticismo en compositores como Robert Schumann y Franz Schubert. Para la
consecución de este fin Debussy combinó elementos innovadores y tradicionales. Por una
parte, utilizó la escala de tonos enteros e intervalos complejos que hasta ese momento no se
habían utilizado, desde la novena en adelante. También recurrió a los intervalos de cuartas y
quinta paralelas propios de la música medieval. Estos recursos técnicos aparecen en el
temprano poema sinfónico Preludio a la siesta de un fauno de 1894, basado en un poema de
Mallarmé. La extensa obra pianística de Debussy requirió nuevas técnicas interpretativas, El compositor francés Claude
que incluían un generoso pero sensible uso de los pedales para crear un torrente Debussy (1862-1918) fue el
indiferenciado de sonido. creador del impresionismo

La música impresionista francesa continuó su evolución en la obra de Maurice Ravel. Otros

compositores de esta escuela en Francia fueron Paul Dukas, Gabriel Fauré, Albert Roussel, Alexis Roland-Manuel, André Caplet y
Florent Schmitt. También influyó fuertemente en los compositores de la vecina España tales como Isaac Albeniz, Manuel de Falla,
Joaquín Rodrigo y Enrique Granados quienes le dieron un toque nacional al estilo. El impresionismo, concebido por Debussy como
tendencia contraria al romanticismo, fue visto como la fase final de la música romántica.

Modernismo (1910 - 1975)

Se da el nombre de modernismo a una serie de movimientos basados en el concepto de que, siendo el siglo XX una época de
fundamentales cambios sociales y tecnológicos, el arte debe adoptar y desarrollar estos principios como fundamento estético. El
modernismo toma el espíritu progresista de fines del siglo XIX y su apego por el rigor del avance tecnológico, por lo que lo despega
de las normas y formalismos del arte de la época y la tradición. De esta manera la característica principal del modernismo es la
pluralidad del lenguaje, entendiendo que ningún lenguaje musical en particular asumió una posición dominante.

Técnicamente hablando el modernismo musical tiene tres características principales que lo distinguen de los períodos anteriores:

La expansión o abandono de latonalidad.

El uso de las técnicas extendidas.
La incorporación de sonidos y ruidos novedosos en la composición.

Futurismo
El futurismo fue uno de los movimientos iniciales de vanguardia en la Europa del Siglo XX. Esta corriente artística fue fundada en
Italia por el poeta italianoFilippo Tommaso Marinetti, quien redacta el Manifiesto Futurista, y lo publica el 20 de febrero de 1909 en
el diario Le Figaro de París.

Este movimiento buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del pasado y los signos convencionales de la historia del arte.
Intentó enaltecer la vida contemporánea, esto por medio de dos temas principales: la máquina y el movimiento. El futurismo recurría
a cualquier medio de expresión; artes plásticas, arquitectura, poesía, publicidad, moda, cine y música; con el fin de construir de nuevo
el perfil del mundo.

Los primeros trabajos futuristas en el campo de la música empezaron en 1910, mismo año en que se firma el Manifiesto de los
músicos futuristas. Los principales compositores futuristas fueron los italianos Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo. Russolo
concibe en este manifiesto El arte de los ruidos de 1913, como una consecuencia a los estudios previamente realizados por Pratella.
La «música de ruidos» fue posteriormente incorporada a las performances, como música de fondo o como una especie de partitura o
 guía para los movimientos de los intérpretes, además inventó una máquina de ruido llamada
Intonarumori o "entonador de ruidos", que fue duramente criticada en su época. Entre sus
obras más significativas destacaLos Relámpagos de 1910.

Russolo fue el antecedente de la música concreta, un lenguaje sonoro en el cual se utilizaba

cualquier sonido, fuese este uno producido por la naturaleza o por la técnica (técnica
gutural, fuesen palabras o un lenguaje inarticulado).

Crisis de la tonalidad y atonalismo

Los primeros antecedentes de la música europea
sin un centro tonal se encuentran en Franz Liszt
con su Bagatella sin tonalidad de 1885, período
que ya se hablaba de una "crisis de la tonalidad".
Luigi Russolo (1885-1947)
Esta crisis se generó a partir del uso cada vez más
compositor italiano que
adhirió al manifiesto futurista y frecuente de acordes ambiguos, inflexiones
creó El arte de los ruidos armónicas menos probables, y las inflexiones
como manifestación musical melódicas y rítmicas más inusuales posibles dentro
de este movimiento. de la música tonal. La distinción entre lo
excepcional y lo normal se hizo más y más
borrosa, y como resultado, se produjo un Aleksandr Skriabin (1872-
aflojamiento concomitante de los enlaces sintácticos a través de los cuales los tonos y 1915) fue uno de los
armonías habían sido relacionados entre sí. Lasconexiones entre las armoníaseran inciertas, iniciadores del atonalismo,
las relaciones y sus consecuencias se volvieron tan tenues que apenas funcionaban en famoso por la utilización de su
absoluto. A lo sumo, las probabilidades del sistema tonal se habían vuelto demasiado acorde místico.

oscuras; en el peor de los casos, se estaban acercando a una uniformidad que proporcionan
pocas guías para la composición o la escucha. A principios del siglo XX compositores como
Claude Debussy, Aleksandr Skriabin, Béla Bartók, Paul Hindemith, Serguéi Prokófiev, Carl Ruggles, Ígor Stravinski y Edgar Varèse,
escribieron música que se ha descrito, total o parcialmente, como atonal. Aleksandr Skriabin realizó un particular estilo de
impresionismo y atonalidad, basando obras como Mysterium, Poema del éxtasis o Prometeo: el poema de fuego en un acorde por
cuartas y tritonos llamado "acorde místico", muy alejado de los habituales acordes de tríada formados por intervalos de tercera.

La primera fase del atonalismo (antecesora del dodecafonismo), conocida como "atonalidad libre" o "cromatismo libre", implicó un
intento consciente de evitar la armonía diatónica tradicional. Las obras más importantes de este periodo son la ópera Wozzeck (1917-
1922) de Alban Berg y Pierrot Lunaire (1912) de Arnold Schönberg. El primer período de piezas libremente atonales de Schoenberg
(de 1908 a 1923), tienen a menudo como un elemento integrador a una célula interválica que, además de la expansión se puede
transformar en una fila de tonos, y en el que las notas individuales pueden "funcionar como elementos fundamentales, para permitir la
superposición de estados de una célula básica o la interconexión de dos o más células básicas". Otros compositores en Estados
Unidos como Charles Ives, Henry Cowell y más adelante George Antheil, produjeron música impactante para la audiencia de la
época por su desprecio de las convenciones musicales. Combinaron frecuentemente música popular con aglutinación o politonalidad,
extremas disonancias, y una complejidad rítmica en apariencia inejecutable. Charles Seeger enunció el concepto de contrapunto
disonante, una técnica usada por Carl Ruggles, Ruth Crawford-Seeger
, y otros.

Primitivismo
El primitivismo fue un movimiento de las artes que pretendía rescatar el folclore más arcaico de ciertas regiones con un lenguaje
moderno. Similar al nacionalismo en su afán por rescatar lo local, el primitivismo incorporó además métricas y acentuaciones
irregulares, un mayor uso de la percusión y otros timbres, escalas modales, y armonía politonal y atonal. Dentro de la música los dos
gigantes de este movimiento fueron el ruso Igor Stravinsky y el húngaro Bela Bartok, aunque la obra de ambos sobrepasa con creces
la denominación "primitivista".
El primero de los períodos estilísticos mayores de Stravinski (excluyendo algunos
trabajos menores tempranos) fue inaugurado por los tres ballets que compuso para
Diáguilev. Estos ballets tienen varias características compartidas: están hechos para ser
interpretados por orquestas sumamente grandes; los temas y motivos argumentales se
basan en el folclore ruso; y llevan la marca de Rimski-Kórsakov tanto en su desarrollo
como en su instrumentación. El primero de los ballets, El pájaro de fuego (1910), es
notable por su inusual introducción (tríos de cuerdas bajas) y barrido de la orquestación.
Petrushka (1911), también se anota distintamente y es el primero de los ballets de
Stravinski que utiliza la mitología folclórica Rusa. Pero es en el tercer ballet, La
consagración de la primavera (1913), el que generalmente es considerado la apoteosis
del "Período Primitivista Ruso" de Stravinski. Aquí, el compositor utiliza la brutalidad
de la Rusia pagana, reflejando estos sentimientos en la agresiva interpretación, armonía
politonal y ritmos abruptos que aparecen a lo largo del trabajo. Hay varios pasajes
famosos en esta obra, pero dos son de nota particular: el primer tema basado en los
sonidos del fagot con las notas en el límite de su registro, casi fuera de rango; y el ataque Igor Stravinsky (1882-1971), su
obra La consagración de la
rítmicamente irregular (utilizando el recurso típico del período ruso stravinskiano de
primavera es considerada la obra
tomar una célula rítmica breve e ir desplazando su acentuación) de dos acordes
más importante del siglo XX.
superpuestos utilizando solo el talón del arco por las cuerdas y haciendo más evidente la
reorganización permanentemente cambiante del motivo inicial, duplicando con los
bronces los acordes que resultan acentuados cada vez. La consagración es generalmente considerada no sólo la obra más importante
del primitivismo o de Stravinsky, sino que de todo el siglo XX, tanto por su ruptura con la tradición, como por la influencia en todo el
mundo.

Otras piezas destacadas de este estilo incluyen: El Ruiseñor (1914), Renard (1916), Historia de un soldado (1918), y Las bodas
(1923), instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y percusión, con participación vocal. En estas obras el músico
llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla.

Bartók fue un músico húngaro que destacó como compositor, pianista e investigador
de música folclórica de la Europa oriental (especialmente de los Balcanes). Bartók
fue uno de los fundadores de la etnomusicología, basada en las relaciones que unen
la etnología y la musicología. A partir de sus investigaciones desarrolló un estilo
muy personal e innovador.

A partir de 1905, profundiza sus conocimientos en la música tradicional y las

Bela Bartok (1881-1945) fue el
creador de la etnomusicología, y
gracias a sus investigaciones creó
numerosas obras basadas en el
folclor europeo.
acompañamientos para canciones populares.
canciones folclóricas magiares, en sintonía con el auge de los movimientos
nacionalistas. Toma entonces conciencia de la necesidad de preservar la memoria
musical tradicional de su país. Junto con Zoltán Kodály, comenzó a recorrer los
pueblos de Hungría y Rumanía para recoger miles de melodías y canciones que
transcribieron y grabaron con un gramófono. Extendieron luego esa labor a buena
parte de los pueblos de la Europa central y hasta Turquía. Anteriormente, se pensaba
que la música folclórica húngara se basaba en melodías zíngaras. Pero Bartók
descubrió que las antiguas melodías húngaras se basaban en escalas pentatónicas, al
igual que la música asiática o la de Siberia. Bartók escribió una buena cantidad de
pequeñas piezas para piano derivadas de la música folclórica, y creó

Nunca habló de su técnica compositiva, sino que ha sido el musicólogo húngaro Ernö Lendvai quien dedicó gran parte de su vida a
descubrir las bases de este sistema. Según Lendvai, la música de Bartók está basada en gran parte en sus investigaciones con el
folklore, en especial del húngaro, y podría dividirse en dos grandes bloques, distintos en cuanto a concepción pero complementarios
entre sí, llegando a alternarse incluso en una misma obra en distintas secciones; son el sistema diatónico, basado en la música
folklórica, sus modos y ritmos, en la escala acústica, y en otros procedimientos que no entraremos a valorar, y el Sistema cromático,
influenciado también por el folklore, y que se basa por un lado en el Sistema axial, y por otro en la Proporción áurea. Su obra más
puramente "primitivista" sea probablemente Allegro Barbaro (1911), junto con una gran cantidad de canciones y danzas folclóricas
que Bartok recopiló y musicalizó provenientes del oriente Europeo. Ese mismo año escribió la que fue su única ópera, El castillo de
Barba Azul. Durante la Primera Guerra Mundial, escribió los ballets El príncipe de madera y El mandarín maravilloso, seguidos por
dos sonatas para violín y piano, que son armónica y estructuralmente unas de sus más complejas piezas. Su afán de experimentación
lo llevó a un estilo cada vez más único y genial, con obras como la Música para cuerda, percusión y celesta, la Sonata para dos
pianos y percusión, además de 6 cuartetos de cuerda, la obra para pianoMikrokosmos, y los tres conciertos para piano y orquesta.

Microtonalismo
Charles Ives (1874-
1954) fue uno de los
más prominentes
compositores de música
microtonal, y el pionero
en Estados Unidos.
El microtonalismo es la música que utiliza microtonos (los intervalos musicales menores que un
semitono). El músico estadounidenseCharles Ives definía a los microtonos de manera humorística
como “las notas entre las teclas del piano”. Experimentando con el violín en 1895, el mexicano
Julián Carrillo (1875-1965) distingue dieciséis sonidos claramente diferentes entre los
lanzamientos de G y A emitida por la cuarta cuerda de violín. Llamó a estas distinciones
microtonales Sonido 13 y escribió sobre la teoría de la música y la física de la música. Inventó un
simple notación numérica para representar las escalas musicales sobre la base de cualquier
división de la octava, como tercios, cuartos, quintos, sextos, séptimos, y así sucesivamente
(incluso escribió, la mayoría de las veces, para cuartos, octavos y dieciseisavos combinados, la
notación es la intención de representar cualquier subdivisión imaginable). Inventó nuevos
instrumentos musicales, y otros los adaptó para producir microintervalos. Compuso una gran
cantidad de música microtonal y grabó 30 de sus composiciones. En los años 1910 y 1920, los
cuartos de tono y otras subdivisiones de la octava recibieron la atención de otros compositores
como Charles Ives, Alois Haba (1/4 y 1/6 de tono), Ivan Wyschnegradsky (1/4, 1/6, 1/12 y escalas
no octabables), Ferruccio Busoni (quien hizo algunos experimentos infructuosos en la adaptación
de un piano de tercios de tono), Mildred Couper y Harry Partch. Erwin Schulhoff dio clases de
composición con cuartos de tono en el Conservatorio de Praga. Destacados compositores
microtonales o investigadores de los años 1940 y 1950 incluyeron a Adriaan Fokker (31 tonos
iguales por octava), y a Groven Eivind. La música microtonal nunca tuvo demasiada aceptación y
fue considerada en adelante casi exclusivamente por los músicos deVanguardia.

Segunda Escuela Vienesa, dodecafonismo y serialismo

Una de las más significativas figuras en la música del siglo XX es Arnold Schoenberg. Sus primeros trabajos pertenecen al estilo
romántico tardío, influenciado por Richard Wagner y Gustav Mahler, pero al final abandonó el sistema de composición tonal para
escribir música atonal. Con el tiempo, desarrolló la técnica del dodecafonismo, proponiéndola en 1923 en reemplazo de la
organización tonal tradicional.

Sus alumnos Anton Webern y Alban Berg también desarrollaron y profundizaron el uso del sistema dodecafónico, y destacaron por el
uso de tal técnica bajo reglas propias. Los tres son conocidos, familiarmente, como La Trinidad Schoenberg, o la Segunda Escuela
Vienesa. Este nombre se creó para resaltar que esta Nueva Música tuvo el mismo efecto innovador que la Primera Escuela de Viena
de Haydn, Mozart y Beethoven.

El dodecafonismo fue una forma de música atonal, con una técnica de composición en la cual las 12 notas de la escala cromática son
tratadas como equivalentes, es decir, sujetas a una relación ordenada que (a diferencia del sistema mayor-menor de la tonalidad) no
establece jerarquía entre las notas. Lo que hizo el fundador de la música dodecafónica, Schönberg, fue prohibir por estatuto usar una
nota más que otra: la melodía dodecafónica debe llevar las 12 notas que hay en la escala cromática. Se escribe siguiendo el principio
de que todos los doce semitonos o notas son de igual importancia. La relación interna se establece a partir del uso de una serie
compuesta por las doce notas. El compositor decide el orden en que aparecen con la condición de que no se repita ninguna hasta el
final.

Anton Webern (1883-1945)
discípulo de Schoenberg,
desarrolló las ideas
dodecafónicas y creo el
serialismo integral.
música no basada en la tonalidad tradicional.
La música de Schoenberg y la de sus
seguidores fue muy controvertida en sus
días, y así permanece todavía en alguna
medida. Como carece de un sentido de
melodía definida, algunos oyentes la
encontraban —y todavía la encuentran—
difícil de seguir. A pesar de ello,
actualmente se siguen interpretando,
estudiando y escuchando obras como
Pierrot Lunaire, mientras que se han
olvidado otras composiciones
contemporáneas que en su momento se
consideraban más aceptables. En gran
Arnold Schoenberg (1874-1951),
medida, la causa de esto es que su estilo
músico austriaco fundador de la
pionero resultó muy influyente, incluso
segunda escuela de Viena y
entre compositores que continuaron creador del dodecafonismo.
componiendo música tonal. A partir de
ellas, muchos compositores han escrito

El serialismo integral representa un paso más adelante del dodecafonismo, y fue creada por el que fue discípulo de Schönberg, Anton
Webern: se establece un orden no sólo para la sucesión de las diferentes alturas, sino para la sucesión de las diferentes duraciones (las
"figuras", como la negra, corchea, etc.) y la sucesión de las dinámicas (los niveles de intensidad sonora), como también para la
articulación. Todas estas series se repiten durante el transcurso de una obra. La técnica se ha llamado serialismo integral para
distinguirla del serialismo limitado del dodecafonismo. Irónicamente, después de años de impopularidad, el estilo puntillista de
Webern —en el que los sonidos individuales son cuidadosasmente ubicados en la obra de manera que cada uno tiene importancia—
se convirtió en norma en Europa durante los años cincuenta y sesenta, y fue muy influyente entre compositores de la postguerra como
Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Luciano Berio, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausene Igor Stravinsky.

Neoclasicismo
El neoclasicismo en música refiere al movimiento del siglo XX que retomó una práctica común de tradición en cuanto a la armonía,
al melodía, la forma, los timbres y los ritmos, pero mezclada con grandes disonancias atonales y ritmos sincopados, como punto de
partida para componer música. Ígor Stravinski, Paul Hindemith, Sergéi Prokófiev, Dmitri Shostakóvich y Béla Bartók son los
compositores más importantes usualmente mencionados en este estilo, pero también el prolífico Darius Milhaud y sus
contemporáneos Francis Poulenc y Arthur Honegger.

El neoclasicismo nació al mismo tiempo que el retorno general a modelos racionales en las artes, en respuesta a la primera guerra
mundial. Más pequeño, más escaso, más ordenado fueron las tendencias concebidas como respuesta a la saturación emocional que
muchos sintieron había empujado a la gente a las trincheras. Teniendo en cuenta que los problemas económicos favorecían grupos
más pequeños, la búsqueda por hacer “más con menos” se tornó en consecuencia una práctica obligada. Historia del soldado de
Stravinski es por esta razón una semilla de pieza neoclásica, como sucede también en el concierto Los robles de Dumbarton, en su
Sinfonía para instrumentos de viento o en la Sinfonía en do. La culminación neoclásica de Stravinski es su ópera El progreso del
libertino («Rake's Progress»), con libreto del bien conocido poeta modernistaW. H. Auden.

Durante un tiempo, el alemán Paul Hindemith fue rival de Stravinski en el neoclasicismo, mezclando punzantes disonancias,
polifonía y cromatismo libre dentro de un estilo utilitario. Hindemith produjo trabajos de cámara y orquestales en este estilo, quizá el
más famoso de ellos sea Mathis der Maler. Su producción de cámara incluye su Sonata para corno inglés y piano, un trabajo
expresionista lleno de detalles oscuros y conexiones internas.
 El neoclasicismo encontró una audiencia interesada en EE.UU.; la escuela de Nadia
Boulanger promulgó ideas musicales basadas en la comprensión de la música de
Stravinski. Entre sus estudiantes se encuentran músicos neoclásicos como Elliott Carter
(en su primer época), Aaron Copland, Roy Harris, Darius Milhaud, Astor Piazzolla y
Virgil Thomson.

El rasgo más audible del neoclasicismo son melodías que usan la tercera como intervalo
fijo, y agregan cromáticamente notas disonantes alostinato, bloques armónicos y mezcla
libre de polirritmos. El neoclasicismo ganó gran aceptación de la audiencia con rapidez,
y fue internalizado por aquellos opositores al atonalismo como la verdadera música
moderna.

En el contexto de la Unión Soviética, particularmente durante el gobierno deIósif Stalin,

Serguéi Prokófiev (1881-1953) el neoclasicismo se ubicó dentro del realismo socialista. Esta fue una corriente estética
fue un destacado compositor cuyo propósito fue expandir el conocimiento de los problemas sociales y las vivencias
ruso. de los hombres por medio del arte. De esta manera los prominentes compositores
Serguéi Prokófiev y Dmitri Shostakóvich tuvieron que componer forzadamente en este
estilo, incorporando elementos nacionalistas y valores comunistas, pues cualquier tipo
de vanguardia se consideraba como parte de la decadencia de laburguesía de occidente.

Música electrónica y concreta

Los avances tecnológicos en el siglo XX permitieron a los compositores utilizar medios
electrónicos para producir sonidos. En Francia se desarrolló la música concreta escuela que
producía sonidos existentes en el mundo. Se llama concreta porque según Pierre Schaeffer,
su inventor, planteaba que está producida por objetos concretos y no por los abstractos que
serían los instrumentos musicales tradicionales. El primero que dispuso de esos medios fue
Edgar Varese, quien presentó Poème électronique en el pabellón Philips de la Exposición de
Bruselas en 1958. En 1951, Schaeffer, junto a Pierre Henry, crearon el Grupo de
Investigación de Música Concreta en París. Pronto atrajo un gran interés, y entre los que se
acercaron se encontraban diferentes compositores significativos como Olivier Messiaen,
Pierre Boulez, Jean Barraqué, Karlheinz Stockhausen, Edgard Varese, Iannis Xenakis,
Michel Philippot y Arthur Honegger. La producción compositiva entre 1951 y 1953
comprendió Étude I (1951) y Étude II (1951) por Boulez, Timbres-durées (1952) por
Messiaen, Étude (1952) por Stockhausen, Le microphone bien tempéré (1952) y La voile
d’Orphée (1953) por Henry, Étude I (1953) por Philippot, Étude (1953) por Barraqué, las Olivier Messiaen (1908-1992)
participó del movimiento de la
piezas mezcladas Toute la lyre (1951) y Orphée 53 (1953) por Schaeffer/Henry, y la música
música concreta, entre
para película Masquerage (1952) por Schaeffer y Astrologie (1953) por Henry. En 1954 muchas otras innovaciones de
Varèse y Honegger visitaron el estudio para trabajar en las partes en cinta de Déserts y La su época.
rivière endormie. En Alemania en cambio la forma de usar la tecnología se llamó música
electrónica, que es aquella que utiliza solamente sonidos producidos electrónicamente. El
primer concierto tendría lugar en Darmstadt en 1951, sin embargo la primera obra de importancia sería El canto de los adolescentes
de Karlheinz Stockhausen de 1956. En EE. UU., Milton Babbitt usó el sintetizador RCA Mark II para crear música. Otros
compositores abandonaron los instrumentos convencionales, y usaron cintas magnéticas para crear música, grabar sonidos, y
manipularlos de alguna manera. Hymnen (de Stockhausen), Déserts (de Edgard Varése) y Sincronismos (de Mario Davidovsky)
ofrecen unos pocos ejemplos. Esta posibilidad tomó muchas formas: algunos compositores simplemente incorporaron instrumentos
electrónicos dentro de piezas relativamente convencionales. Olivier Messiaen, por ejemplo, usó las Ondas Martenot en cierto número
de trabajos. Oskar Sala creó la pista no musical para la película Los pájaros (de Alfred Hitchcock) usando el trautonium, un
instrumento electrónico que él mismo ayudó a desarrollar
. Morton Subotnick proveyó la música electrónica para2001, una odisea del
espacio. Otros compositores como Luigi Russolo, Mauricio Kagel y Joe Meek también aportaron a la investigación y exploración de
la música electrónica.

Iannis Xenakis es otro compositor moderno que ha usado computadoras e instrumentos electrónicos (incluido uno inventado por él)
en muchas composiciones. Algunos de estos trabajos electrónicos son piezas suavemente ambientadas, y otras muestran una violenta
y salvaje sonoridad. Compositores como Alvin Lucier, Gordon Mumma y David Tudor crearon e interpretaron música electrónica en
vivo, a menudo diseñando sus propios instrumentos o usando cintas. En el siglo XX florecieron una cantidad de instituciones
especializas en música electrónica, siendo quizá elIRCAM de París la más conocida.

Música aleatoria y vanguardismo radical

Si bien el modernismo en sí es música de vanguardia, el vanguardismo dentro de ella se
refiere a los movimientos más radicales y controversiales, donde el concepto de música
llega hasta sus límites -si no ya los sobrepasa- utilizando elementos como ruidos,
grabaciónes, el sentido del humor, el azar, la improvisación, el teatro, el absurdo, el
ridículo, o la sorpresa. Dentro de los géneros generalmente ubicados dentro de esta
corriente radical se encuentra la música aleatoria, la música electrónica en vivo, el teatro
musical, la música ritual, la composición de procesos, el happening musical, o la música
intuitiva, entre muchas otras. Entre los compositores más trascendentales que
incursionaron en estas aventuras se encuentra John Cage en América y Karlheinz
Stockhausen en Europa.

La música aleatoria o de azar es una técnica compositiva musical basada en el recurso a

elementos no regulados por pautas establecidas y en la que adquiere un papel El compositor alemán Karlheinz
preponderante, es la improvisación a partir de las secuencias no estructuradas. Tales Stockhausen (1928-2007) fue
rasgos improvisadores pueden fijarse en la creación del autor o en el desarrollo de la pionero en muchas de las formas
propia interpretación. Es frecuente, en consecuencia, la composición de piezas aleatorias musicales vanguardistas del siglo
XX, especialmente en las más
en las que el ejecutante determina la estructura final de la obra, mediante la reordenación
radicales.
de cada una de las secciones de la misma, o incluso mediante la interpretación
simultánea de varias de ellas.

El azar es un rasgo definitorio de esta técnica compositiva que alcanzaría una notable difusión a partir de la década de 1950. Las
corrientes aleatorias tuvieron algunas de sus más significativas representaciones en las creaciones del estadounidense John Cage con
Music of Changes (1951) o 4′33″ (probablemente la obra más radical del siglo XX, famosa por consistir en la indicación de no tocar
por 4 minutos y 33 segundos). También fue notable el uso del I Ching, un antiguo texto chino clásico sobre eventos cambiantes, el
cual se convirtió en la herramienta compositiva habitual de Cage. Conocido también por la invención del piano preparado, compuso
varias obras entre las que destaca Sonatas e interludios. El alemán Karlheinz Stockhausen con Hymnen (1967), y la electrónica
Gesang der Jünglinge, fueron hitos importantes. Otros compositores como los italianos Bruno Maderna y Franco Donatoni, el polaco
Witold Lutosławski, el griego Iannis Xenakis, el húngaro Gyorgy Ligeti, el español Luis de Pablo, los argentinos Alberto Ginastera, y
Mauricio Kagel y los franceses Edgar Varese y Pierre Boulez también fueron significativos.

Las más destacadas modalidades en las que se plantea la creación aleatoria en la música contemporánea son la forma móvil, que
impone diversas soluciones interpretativas de rango equiparable; la forma variable, en la que predomina la improvisación; y el
llamado work in progress, que constituye el máximo grado de azar en la ejecución de la pieza. En todas ellas suelen incorporarse
instrumentos clásicos, con especial atención al piano, y medios de ejecución electrónicos tales como sintetizadores, distorsionadores
y cintas grabadas.

Micropolifonía y masas sonoras

En palabras de David Cope la micropolifonía se trata de «una simultaneidad de
diferentes líneas, ritmos y timbres».3 La técnica fue desarrollada por György Ligeti,
quien la explicó así: «La compleja polifonía de las voces individuales está enmarcada en
un flujo armónico-musical, en el que las armonías no cambian súbitamente, sino que se
van convirtiendo en otras; una combinación interválica discernible es gradualmente
haciéndose borrosa, y de esta nubosidad es posible sentir que una nueva combinación
interválica está tomando forma». «La micropolifonía se asemeja a los clústers, pero
difiere de ellos en el uso que hace de líneas más dinámicas que estáticas».3 El primer
ejemplo de micropolifonía en la obra de Ligeti se produce en el segundo movimiento de
su composición orquestal Apparitions.4 También son pioneras en la aplicación de esta
técnica su siguiente trabajo para orquesta Atmosphères y el primer movimiento de su
Requiem, para soprano, mezzosoprano, coro mixto y orquesta sinfónica. Esta última
obra alcanzó gran popularidad debido a que formó parte de la banda sonora de la
película de Stanley Kubrick 2001: Una odisea del espacio

La técnica de la micropolifonía es más fácil de aplicar con agrupaciones más grandes o

Gyorgy Ligeti (1923 - 2006) fue el
con instrumentos musicales polifónicos como el piano.3 Aunque el Poème principal exponente de la técnica
Symphonique para 100 metrónomos crea «micropolifonía de una complejidad sin micropolifónica, así como
parangón».5 Muchas de las piezas para piano de Ligeti son ejemplos de micropolifonía también de las masas sonoras.
aplicados a esquemas rítmicos derivados del complejo "minimalismo" de Steve Reich y Su música y estilo trascendió
además al ser utilizada por
de la música de los pigmeos.
Stanley Kubrick en varias de sus
películas
Intrínsecamente relacionada con la
micropolifonía esta la masa de sonido o
masa sonora que es una textura musical
cuya composición, en contraste con otras texturas más tradicionales, «minimiza la
importancia de las alturas musicales individuales para preferir la textura, el timbre y la
6
dinámica como principales formadores del gesto y el impacto».

El griego Iannis Xenakis (1922-
2001) trabajó bajo técnicas que
utilizaban modelos matemáticos,
masas sonoras y micropolifonía.
Esta técnica fue desarrollada partiendo de los clústers utilizados por el modernismo
musical y después se extendió a la escritura orquestal hacia finales de los años 1950 y
60. La masa sonora «difumina la frontera entre el sonido y el ruido».6 Una textura
puede disponerse de tal manera que «esté muy próxima al status de conjunto fusionado
de timbres de un único objeto, por ejemplo el hermoso acorde Northern lights, en una
distribución muy interesante de alturas, produce un sonido fusionado que se apoya en un
redoble de platillo suspendido.»7

Otros de los compositores más importantes de esta técnica fueron el polaco Krzysztof
Penderecki con su obra Treno a las víctimas de Hiroshima y el griego Iannis Xenakis con su obra Metástasis.

Minimalismo
Varios compositores de la década de los sesenta comenzaron a explorar lo que ahora llamamos minimalismo. La más específica
definición de minimalismo refiere al dominio de los procesos en música donde los fragmentos se superponen en capas unos a otros, a
menudo se repiten, para producir la totalidad de la trama sonora. Ejemplos tempranos incluyen In C (de Terry Riley) y Drumming (de
Steve Reich). La primera de estas obras hizo que Riley fuera considerado por muchos el padre del minimalismo; es una pieza
formada por celdas melódicas comprimidas, que cada intérprete en un conjunto toca a su propio tempo. La onda minimalista de
compositores —Terry Riley, Philip Glass, Steve Reich, La Monte Young, John Adams y Michael Nyman, para nombrar los más
importantes— deseaban hacer la música accesible para los oyentes comunes, expresando cuestiones específicas y concretas de la
forma dramática y musical, sin ocultarlas bajo la técnica, sino más bien haciéndolas explícitas, volviendo a las triadas mayores y
menores de la música tonal, pero sin utilizar la funcionalidad armónica tradicional.
 Una diferencia clave entre el minimalismo
y la música previa es el uso de diferentes
celdas "fuera de fase", a gusto de los
intérpretes; compare esto con la obertura de
El oro del Rin de Richard Wagner, donde a
pesar del uso de triadas de celdas, cada
parte está controlada por un mismo impulso
y se mueve a la misma velocidad.

La música minimalista resulta

controvertida para oyentes tradicionales.
Steve Reich (1936), creador de
los efectos de fase repetidos y Sus críticos la encuentran demasiado
otras de las técnicas más repetitiva y vacía, mientras que sus
utilizadas en el minimalismo. defensores argumentan que los elementos Philip Glass (1937) fue uno de los
fijos que a menudo son permanentes iniciadores del movimiento
producen mayor interés en los pequeños minimalista en Estados Unidos, y
es actualmente uno de los
cambios. De todas formas, el minimalismo han inspirado e influenciado a muchos
compositores doctos más
compositores habitualmente no etiquetados como minimalistas (como Karlheinz
famosos del mundo.
Stockhausen y György Ligeti). Compositores como Arvo Pärt, John Tavener y Henryk
Górecki, cuya Sinfonía N.º 3 fue el álbum clásico más vendido en los años noventa,
encontraron gran éxito en lo que se ha dado en llamar “minimalismo feliz” en obras de profundo sentido religioso.

La siguiente ola de compositores que incursionaron en este estilo no son llamados minimalistas por algunos, pero sí por otros. Por
ejemplo, el compositor de óperaJohn Adams, y su alumno Aaron Jay Kernis. La expansión del miminalismo de un sistema musical a
música dependiente de la textura para acompañar el movimiento ha generado una diversidad de composiciones y compositores.

Influencias del jazz

Desde principios del siglo la música afroamericana y el jazz influyó notablemente a
compositores dentro y fuera de Estados Unidos. Dentro del país americano destacó
Charles Ives y por sobre todos George Gershwin. Sin embargo compositores
afroamericanos más vinculados al jazz también incursionaron en obras que estaban en
un límite poco claro entre ambas músicas. Compositores tales como Will Marion Cook,
Scott Joplin y Duke Ellington tuvieron una influencia indiscutida en la música docta de
Estados Unidos. Algunas de las obras más importantes de principios de siglo que
combinaron elementos del lenguaje del jazz con estilos clásicos fueron Rhapsody in
Blue de George Gershwin, Children's Corner de Claude Debussy, los conciertos para
piano en Re y en Sol de Maurice Ravel, el Ragtime para 11 instrumentos de Ígor
Stravinski, o la Suite para piano1922 de Paul Hindemith, entre muchas otras.

En la segunda mitad del siglo XX surgió el movimiento llamado Third Stream,

literalmente Tercera corriente, aplicado a un estilo de hacer música que en los años 50 y George Gershwin (1898-1937)
60 pretendió ofertar una vía de desarrollo que integraba las técnicas tanto del jazz como compuso tanto en el jazz como
en la música clásica y fue el
de la música clásica. El término Third Stream fue acuñado por el compositor y solista de
pionero en crear la fusión de
trompa, Gunther Schuller, a finales de los años 50, para describir la música que estaban
ambos de manera exitosa
desarrollando algunos artistas intentando establecer un puente entre las disciplinas y
formas musicales europeas y el espíritu y la técnica del jazz. A tal fin, Schuller fundó un
"Third Stream Department", en el Conservatorio de Nueva Inglaterra. En sentido amplio, la tercera corriente es parte de un proceso
general de abolición de barreras musicales entre las diferentes clases de música.8 El origen del estilo suele fijarse en la evolución
generada a partir de los postulados del Cool y el West Coast jazz, lo que sitúa a muchos otros músicos en la frontera entre ambos. El
trombonista y violonchelista David Baker, el pianista Ran Blake, o el saxofonista y arreglista Bob Graettinger, fueron algunos de los
músicos más implicados en la búsqueda de una verdadera third stream, aunque en el entorno de este estilo se han movido un
importante número de músicos de peso en la historia del jazz: Modern Jazz Quartet, Gil Evans, Don Ellis, Bill Russo, George
Russell, sin necesidad de irse afusiones mucho más evidentes, como los arreglos deJacques Loussier sobre la música de Bach.

Las opciones menos pretenciosas de esta corriente, acaban generando la aparición de un género típicamente europeo, asentado en
sellos como ECM, que se conforman en grupos inusuales, dúos o solistas, que prescinden de un gran número de los elementos que
habían caracterizado el jazz de los años 40 y 50: Explosiva energía, dureza, expresividad, intensidad, éxtasis y aceptación de la
fealdad, para impulsar una estetización del jazz.9 Hacia finales del siglo XX el jazz europeo contemporáneo y la música clásica
contemporánea se encuentran un estado de indiferenciación casi absoluta.

Música cinematográfica
Desde la llegada del cine sonoro a principios de la década de los 30', la música cumplió un
rol crucial en la industria y el arte del cine. Muchos de los grandes compositores de la
década tales como los rusos Prokófiev y Shostakovich, incursionaron también en esta área.
Sin embargo llaman la atención ciertos compositores que se dedicaron casi exclusivamente a
trabajar a través del cine. Aunque las musicalización de largometrajes durante los años 1940
estaban rezagadas décadas detrás de las innovaciones técnicas en el campo de la música de
concierto, la década de 1950 vio el auge de la música para el cine modernista. El director
Elia Kazan fue abierto a la idea de las influencias del jazz y las obras disonantes y trabajó
con Alex North, cuya partitura de A Streetcar Named Desire (1951) combina la disonancia
con elementos de blues y jazz. Kazan también se acercó a Leonard Bernstein para
musicalizar On the Waterfront (1954) y el resultado fue una reminiscencia de las primeras
obras de Aaron Copland e Igor Stravinsky, con sus "jazz basados en armonías y
emocionantes ritmos aditivos". Un año después, Leonard Rosenman, inspirado por Arnold John Williams (1932) creador
Schoenberg, experimentó con la atonalidad en sus calificaciones de al Este del Edén (1955) de la música de Star Wars y
y Rebelde sin causa (1955). En sus diez años de colaboración con Alfred Hitchcock, otras de las más taquilleras
películas de Hollywood.
Bernard Herrmann experimentó con ideas en Vertigo (1958), Psycho (1960) y Los pájaros
(1963). El uso de la música no-diegética de jazz fue otra innovación modernista, como la
musicalización de la estrella del jazzDuke Ellington a la obra de Otto Preminger Anatomía de un asesinato(1959).

Dentro de las grandes obras musicales del cine se encuentran Max Steiner con; The Informer (1935), Now, Voyager (1942), y Since
You Went Away (1944), King Kong (1933), Little Women (1933), Jezebel (1938), Casablanca (1942), y Gone with the Wind (1939).
Erich Wolfgang Korngold con; The Adventures of Robin Hood. Alfred Newman con; How the West Was Won,The Greatest Story Ever
Told. Bernard Herrmann con; North by Northwest, The Man Who Knew Too Much, Citizen Kane, The Ghost and Mrs. Muir, y Taxi
Driver. Ennio Morricone; The Good, The Bad And The Ugly (1966), Once Upon a Time in the West, The Mission (1986), The
Untouchables (1987), y Cinema Paradiso. Jerry Goldsmith; Planet of the Apes, Chinatown, The Wind and the Lion, The Omen, Alien,
Poltergeist. John Williams con; las dos trilogías de Star Wars, Jaws, Superman, Indiana Jones, E.T., el extraterrestre, Hook, Jurassic
Park, Schindler's List, y Harry Potter entre muchísimas otras. Otros de los grandes compositores, especialmente del último cuarto de
siglo en adelante han sidoDanny Elfman, Nino Rota, Vangelis, Howard Shore, James Horner, Alan Silvestri, , Hans Zimmer y Henry
Mancini.

Música contemporánea (1975 - actualidad)

Nacimiento del posmodernismo

El posmodernismo puede ser considerado una respuesta al modernismo que defiende los productos de la actividad humana —
particularmente los manufacturados o artificiales— como el sujeto central del arte misma, y la idea de que el propósito del arte es
focalizar la atención del público sobre objetos para su contemplación, tal como el crítico Steve Hicken lo explica.
Esta teoría del modernismo vuelve a la Escuela dadaísta ejemplificada por Duchamp, y al collage de música concreta, así como los
experimentos con música electrónica de Edgard Varèse y otros. No obstante, el posmodernismo defiende que éste fue el modo
primigenio de existencia humana, un buceo individual en el mar de producción del hombre.

John Cage es una figura prominente en la música del siglo XX; su influencia fue creciendo durante su vida, y hoy es recordado por
muchos como el fundador de la música postmoderna. Cage cuestionó la misma definición de música en sus piezas, e insistió en la
filosofía de que todos los sonidos son esencialmente música. En su 4’33” confronta al oyente con su idea de que los sonidos no
intencionales son tan músicalmente válidos como los originados por un instrumento. Cage también usó notablemente música
aleatoria, y sonidos hallados con el objetivo de crear un estilo de música interesante y diferente. Su música no solamente se basa en
el argumento de que no hay “música” o “ruido” sino sólo “sonido”, y que las combinaciones de sonidos hallados constituyen eventos
musicales, sino también en la importancia de focalizar la atención y en la “invención” como esenciales al arte.

Cage, sin embargo, ha sido catalogado por algunos como demasiado vanguardista en su enfoque; por esta razón, muchos encuentran
su música antipática. Resulta interesante analizar que la aparente oposición al indeterminismo de Cage, la música sobrestructurada de
los serialistas, ha producido piezas de sonoridad similar, incluso muchos serialistas como por ejemplo Pierre Boulez o Karlheinz
Stockhausen han utilizado procedimientos aleatorios. Michael Nyman dice en música experimental que el minimalismo fue una
reacción generada por y contra el serialismo y el indeterminismo.

El posmodernismo encontró a la música y la pintura en momentos muy similares; por un lado la sobriedad, pureza, amor por la
mecánica, abstracción y la trama en la que muchos rasgos modernistas fueron preservados, como el énfasis sobre el estilo
personalizado y la experimentación. Sin embargo, los posmodernistas rechazaron la instancia hermenéutica del modernismo (la
necesidad de estar en el ambiente del modernismo). En lugar de ello, el posmodernismo toma lo popular y lo reduce a su guía
estética. Uno de los primeros movimientos que rompió con el modernismo se inspiró en el trabajo de Cage, y su énfasis en los
sonidos por capas: el minimalismo.

Poliestilismo
Poliestilismo es el uso de múltiples estilos o técnicas musicales, y es considerado una
característica posmoderna que comienza a finales del siglo XX y se acentúa en el siglo XXI.
Es importante distinguir entre la actitud ecléctica, que es la de quien recolecta material de
diferentes fuentes de modo pasivo y la actitud poliestilista, que es la de quien fusiona las
fuentes de modo coherente, deliberado y propio. El compositor poliestilista no emplea
necesariamente su canon de estilo y técnica en un solo trabajo sino que en el conjunto su
obra se advierte diferentes "estilos". Esta corriente, pese a haber sido anticipada en una
temprana tendencia que unificaba elementos de folk o de jazz en trabajos clásicos, se
desarrolla realmente desde finales del siglo XX, y mientras más y más estilos entran en
juego en el nuevo siglo, el movimiento se hace cada vez más importante y diverso. Los
compositores poliestilistas han usualmente comenzado su carrera en una corriente para
moverse a otra a la vez que guardando elementos importantes de la anterior
.

Compositores poliestilísticos son, por ejemplo, Lera Auerbach, Luciano Berio, William
John Zorn (1953), músico Bolcom, Sofia Gubaidulina, Hans Werner Henze, George Rochberg, Arturo Rodas, Magaly
estadounidense de origen Ruiz, Frederic Rzewski, Alfred Schnittke, Dmitri Silnitsky, Valentín Silvestrov, Santiago
judío, poliestilista y ecléctico
Sosa Rolón, Ezequiel Viñao, Frank Zappa o John Zorn.
que ha trabajado en diversos
estilos dentro y fuera de la
música académica.
Nueva simplicidad
La Nueva Simplicidad fue una tendencia estilística surgida entre algunos de los
componentes de la generación más joven de compositores alemanes de comienzos de los ochenta del siglo XX, y que supuso una
reacción no solamente contra la vanguardia musical europea de las décadas de los cincuenta y sesenta, sino también contra la más
amplia tendencia hacia la objetividad de comienzos de siglo.
En general, estos compositores propugnaron una inmediatez entre el impulso creativo y
su resultado musical (en contraste con la elaborada planificación precompositiva
característica del vanguardismo), con la intención de crear una comunicación más fácil
con las audiencias. En algunos casos, ello significó una vuelta al lenguaje tonal del siglo
XIX así como a las formas musicales (sinfonía, sonata) y a las combinaciones
instrumentales (cuarteto de cuerda, trío con piano) tradicionales, que habían sido
evitadas en su mayor parte por la vanguardia. Para otros compositores, significó trabajar
con texturas más simples o el empleo de armonías triádicas en contextos no tonales. De
entre los compositores identificados de una forma más cercana con este movimiento,
solamente Wolfgang Rihm ha conseguido una reputación significativa fuera de
Alemania.

Otros autores, de mayor edad y/o de otras nacionalidades, como Hans Abrahamsen,
Alfred Janson, Aaron Kernis, Wilhelm Killmayer, Ladislav Kupkovic, György Kurtág, Arvo Pärt (1935) compositor
Roland Moser, Arvo Pärt, Alfred Schnittke, Kurt Schwertsik y Howard Skempton han estonio, una de las principales
figuras de la nueva simplicidad,
sido relacionados ocasionalmente con los “nuevos simplicistas”. Al menos dos autores
como también del post-
han ido aún más lejos al asegurar que uno de los compositores vanguardistas contra el
minimalismo
que se había rebelado más ostensiblemente la Nueva Simplicidad, Karlheinz
Stockhausen, se habría anticipado a sus posiciones con la simplificación radical de su
estilo que se produjo entre 1966 y 1974.

Espectralismo
La música espectral, en un sentido restrictivo, se basa principalmente en el descubrimiento de la naturaleza del timbre musical y en la
descomposición espectral del sonido musical, en el origen de la percepción del timbre. El espectralismo se originó en Francia en la
década de los setenta alrededor de un grupo de compositores agrupados en torno al Ensemble l'Itinéraire (Gérard Grisey, Tristan
Murail, Hughes Dufourt y Michael Levinas). En Alemania tuvo repercusión y se formó un grupo de investigación liderado por los
compositores Johannes Fritsch, Mesias Maiguashca, Peter Eötvös, Claude Vivier, y Clarence Barlow. En Rumania existió un
movimiento importante de esta tendencia liderado porŞtefan Niculescu, Horatiu Radulescu, y Iancu Dumitrescu.

Actualmente compositores como Julian Anderson, Ana-Maria Avram, Joshua Fineberg, Jonathan Harvey, Fabien Lévy, Magnus
Lindberg, y Kaija Saariaho permanecen desarrollando ideas espectrales. El compositor de jazz Steve Lehman ha introducido técnicas
espectrales en el campo de la música improvisada. El movimiento se ha ido ensanchando e influye en las más importantes tendencias
contemporáneas de composición y en muchos de los compositores más jóvenes: Philippe Hurel, Philippe Leroux, Marc-André
Dalbavie, Jean-Luc Hervé, Fabien Lévy o Thierry Blondeau, en Francia; Kaija Saariaho o Magnus Lindberg en Finlandia; George
Benjamin o Julian Anderson en el Reino Unido: Marco Stroppa en Italia; y Joshua Fineberg, en EE.UU., por citaralgunos.

Libre improvisación
La improvisación libre es música improvisada sin reglas previas establecidas, secuencias de acordes o melodías previamente
acordadas. A veces los músicos realizan un esfuerzo activo para evitar referenciar a géneros musicales reconocibles. El término es en
alguna forma paradójico en tanto puede ser considerado como una técnica (empleada por cualquier músico que quiere olvidarse de
géneros rígidos y formas) y como género reconocible en sí mismo. La improvisación libre, como estilo de música, se desarrolló en
Europa y EE. UU. en la mitad y fines de la década de 1960 en respuesta o inspirado por el movimiento del free jazz así como por la
música clásica contemporánea. Entre los artistas más reconocidos dentro de este estilo están los saxofonistas Evan Parker y Peter
Brötzmann, el guitarrista Derek Bailey, y el grupo improvisacional británicoAMM.

Nueva complejidad
La Nueva Complejidad es una corriente dentro del escenario contemporáneo surgida en la década de los 80's en el Reino Unido que
puede definir lo "complejo" como; "de múltiples capas de interacción de los procesos evolutivos que ocurren simultáneamente en
todas las dimensiones del material musical". Es muy abstracta, disonante y atonal, caracterizada por el uso de técnicas que llevan
hasta el límite las posibilidades de la escritura musical. Esto incluye el uso de técnicas extendidas, texturas complejas e inestables,
microtonalidad, contorno melódico altamente discontinuo y complejos ritmos de capas, cambios bruscos en la textura, y así
sucesivamente. También se caracteriza, a diferencia de la música de los serialistas inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra
Mundial, por la dependencia frecuente de sus compositores en concepciones poéticas, muy a menudo implicados en los títulos de las
obras individuales y en los ciclos de trabajo de cada compositor
.

Entre los compositores más importantes se encuentran Brian Ferneyhough, Michael Finnissy, Chris Dench, James Dillon, Roger
Redgate y Richard Barrett.

Arte sonoro
Arte sonoro comprende un diverso grupo de prácticas artísticas que tienen como principal objetivo diferentes nociones del sonido, la
escucha y la audición. Existen normalmente diferentes relaciones entre los ámbitos visual y auditivo del arte así como de la
percepción por los artistas del sonido.

Como muchos géneros del arte contemporáneo, el arte sonor es interdisciplinario por naturaleza, tomado formas híbridas. El arte
sonoro se ocupa frecuentemente de aspectos como la acústica, la psicoacústica, la electrónica, el noise, los medios de audio y la
tecnología (tanto analógica como digital), el sonido encontrado o ambiente, la exploración del cuerpo humano, la escultura, la
película o el vídeo y un abanico de temas creciente

Desde el punto de vista de la tradición occidental, los primeros ejemplos de este arte incluyen a Luigi Russolo y su Intonarumori, y
los experimentos que a continuación realizaron los dadaistas, surrealistas y situacionistas. Dada la diversidad del arte sonoro, existe a
menudo un debate sobre si el arte sonoro cae dentro y/o fuera tanto del arte visual como de la música experimental. El arte sonoro
también está relacionado con elarte conceptual, el minimalismo, el spoken word, la poesía avant garde y el teatro experimental.

Música contemporánea latinoamericana

La música de tradición europea en Latinoamérica ha sido sumamente diversa y
compleja, tanto musicalmente como también en cuanto al lugar que ésta ocupa en la
sociedad. Uno de los principales obstáculos han sido las dificultades económicas de la
región durante casi la totalidad del siglo, por una parte, y la falta de acceso e interés de
la mayoría de la población a la música docta, por la otra. Desde el punto de vista musical
y estilístico siempre se ha generado una pugna entre producir correctamente el legado de
la música docta europea, y desarrollar elementos originalmente latinoamericanos y
nacionales en la misma. Es por esto que muchos de los compositores de esta región han
sido catalogados como pertenecientes al nacionalismo musical, independientemente del
estilo o técnica que el compositor haya utilizado. La música contemporánea
latinoamericana, más que un estilo, comprende una inmensa diversidad de obras,
conceptos, técnicas y estilos que se han elaborado en la región desde que se ha
propuesto la música docta como un desafió creativo, por sobre la noción de música
docta como la mera asimilación cultural repetitiva de la música culta europea. El argentino Astor Piazzolla
(1921-1992) compuso en un
Durante el siglo XX un grupo significativo de compositores de América Latina estilo que fusionaba elementos
alcanzaron el reconocimiento internacional. Alberto Ginastera, Carlos López Buchardo, tradicionales como el Tango, con
la música clásica e incluso el
Carlos Guastavino, Luis Gianneo, y Astor Piazzolla de Argentina; Heitor Villalobos,
jazz.
Camargo Guarnieri, Luciano Gallet y Francisco Mignone, Ricardo Santoro y Osvaldo
Lacerda de Brazil; Luis Humberto Salgado de Ecuador; Antonio Lauro, Juan Bautista
Plaza , Antonio Estévez e Inocente Carreño de Venezuela; Manuel Ponce, Carlos Chávez, y Silvestre Revueltas de México; Domingo

El compositor y multinstrumentista
Egberto Gismonti (1947), ha compuesto
en diversos estilos que incorporan
elementos del jazz, la música popular
brasileña, la música indígena, y el uso de
sintetizadores, junto con lamúsica
modernista neotonal y también la
vanguardia.
neotonalismo, la música experimental, la tonalidad postclasicista, la música electrónica, el art rock, el jazz contemporáneo, la música
del mundo, la música postmodernista, la música computacional, el historicismo musical, etc.
Santa Cruz, Pedro Humberto Allende, Carlos Isamitt y Juan Orrego-Salas de
Chile; Guillermo Uribe-Holguín, Luis Antonio Escobar, Roberto Pineda
Duque, Antonio María Valencia, Francisco Zumaqué, Blás Emilio Atehortúa,
Jesús Pinzón Urrea de Colombia; Teodoro Valcárcel de Perú; Roque Cordero
de Panamá, Eduardo Caba de Bolivia, Ernesto Lecuona de Cuba y Héctor
Tosar y Eduardo Fabini de Uruguay. Mientras que durante el último tercio de
siglo los compositores destacados se acrecentaron destacando además: Mario
Davidosky y Osvaldo Golijov de Argentina; Leo Brouwer, Aurelio de la Vega
y Tania León de Cuba; Gabriela Ortiz y Mario Lavista de México; Héctor
Campos-Parsi y Roberto Sierra de Puerto Rico; Juan Carlos Núñez y Paul
Desene de Venezuela; Gustavo Becerra Schmidt de Chile; José Serebrier y
Miguel del Águila de Uruguay; Edino Krieger, Egberto Gismonti y Marlos
Nobre de Brasil, quienes son reconocidos a nivel mundial por calidad artística.
Otros estilos y conceptos musicales
Otros estilos y conceptos generalmente asociados a la música contemporánea
son el conceptualismo, el post-minimalismo, el neorromanticismo, el

Véase también
Música del siglo XIX
Música modernista
Modernismo y modernidad
Vanguardismo
Música académica contemporánea
Música experimental
Música del siglo XXI
Historia de la notación en la música occidental
música clásica canadiense

Enlaces externos
IRCAM.fr (instituto de investigación parisiense)
UDayton.edu/~Music/Faculty/Magnuson/Microcosms/Index.html(Microcosmos: A Simplified Approach to Musical
Styles of the Twentieth Century, de Phillip Magnuson).
'Disonancia y emancipación: comodidad en/de algunas estéticas musicales del siglo XX', por Miguel Álvarez-
Fernández.
Dolmetsch.com/MusicTheory40.htm(música del siglo XX, en inglés)
WikiLearning.com/Comunidad_Musicologia-xkcom-599.htm(comunidad de musicología enWiki-learning).
ArtOfTheStates.org (la nueva música de los Estados Unidos, en inglés).
Disonancia (lista de correo dedicada a la difusión y crítica de la creación musical contemporánea, con una atención
especial hacia el caso español).
Modisti.com (entorno virtual interactivo en el que circula información acerca de actividades de diferente tipo en el
ámbito de la música experimental).

Editoriales
Boosey.com (editorial de música Boosey & Hawkes).
BabelScores Difusión y Promoción de la Música Contemporánea.
 PERIFERIA Sheet Music(Editorial de música contemporánea).
Schott-music.com (editorial Schott Music International).
(editorial Suvini Zerboni de Milán).
http://www.uemusic.at/ (enlace roto disponible en Internet Archive; véase el historial y la última versión). (editorial Universal
Edition de Viena)
Verlag433.de (4’ 33” München Musikverlag, en alemán).

Referencias
1. El Ruido Eterno, Alex Ross, pag425
2. http://www.findagrave.com/cgi-bin/fg.cgi?page=gr&GRid=4404 (http://www.findagrave.com/cgi-bin/fg.cgi?page=gr&G
Rid=4404). «his ideas anticipated Impressionism, Neoclassicism, Minimalism, and Ambient Music, and influenced
many composers.» Falta el |título= (ayuda)
3. Cope, 1997, p.101.
4. Steinitz, 2003, p. 103.
5. Griffiths, 2001.
6. Edwards 2001, pp. 326-327
7. Erickson, 1975, pp. 166, 168
8. Clayton & Gammond: Op. Ref., pag. 281
9. Berendt, Joachim E.: Op. Ref., pag. 70

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