¿Qué es arte?

El filosofo Władysław Tatarkiewicz nos da algunas pistas para su definición, en su libro

“Historia de seis ideas, arte, belleza, forma, creatividad, mímesis, experiencia estética”

(PUENTE MUSICAL)

El origen del concepto

La expresión “Arte” surge en la antigua Grecia como ars, traducción del griego tecné. Que
se refiere a la destreza que se requiere para construir un objeto basado en el
conocimiento de reglas y preceptos. Esta definición perdura también en la Roma Antigua
hasta la Edad Media.

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La clasificación de las artes según la destreza

• Se dividen en artes liberales y artes vulgares o mecánicas, Las Artes liberales se

determinan según el esfuerzo mental que se implica en ellas, considerándose
ciencias teóricas. Estas son: la Gramática, la retórica, la lógica, la aritmética, la
geometría, la astronomía y música.
• Artes vulgares o mecánicas. Se determinan por el esfuerzo físico y su importancia
radicaban en su utilidad o servicio que proveían a la sociedad, tales como: la
Victuaria, que proveía de alimentación, la Lanificaria, vestido, la Architectura la
vivienda, la Suffragatoria los medios de transporte, la medicinaria para curar
enfermedades, Negotiatoria para el intercambio de mercancías, la Militaria que
era el arte de defenderse del enemigo, la Agricultura y finalmente la Theatricia
que era el arte del espectáculo, incluyendo los juegos y competencias.
La pintura y la escultura eran para ese entonces algo marginal, no valía la pena
incluirlas en las clasificaciones

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El arte en la modernidad
El concepto de arte se transforma hasta el Renacimiento. Se separaran las bellas artes de
los oficios, gracias a la situación social del mercado y el surgimiento del un nuevo orden
económico, que impulsó a los artistas para mejorar su situación, debido a la inversión de
capital en sus producciones. Los pintores, escultores, arquitectos se valoraban más que los
artesanos. El concepto de arte se basó en la concepción tradicional de que se sostenía en
el estudio de leyes y reglas, incluyendo bastos catálogos de cálculos y reglas de la
proporción perfecta como los de Piero de la Francesca y Leonardo da Vinci.

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La clasificación de las artes en el Renacimiento
En el siglo XVI se inicia un proceso de integración conceptual en la enciclopedia de las
artes llamado “Panepistemon” y abarcó cinco categorías:
• Statuaarii- quienes trabajaban con la piedra
• Caelatores- quienes trabajaban el metal
• Fictores- quienes trabajaban la arcilla
• Encausti - quienes trabajaban la cera
• Sculptores - quienes trabajaban la madera
En esta época no se utilizó el término de artes visuales ni el de bellas artes, en su lugar
se hizo referencias a las artes del diseño, “arti del disegno”, este término se refiere al
dibujo como unificador de estas artes, común a todas ellas

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Las bellas artes
A partir del siglo XV, hasta el siglo XVI hubo muchas discusiones teóricas sobre la
definición de arte, retomando algunos conceptos, tales como artes nobles, memoriales o
pictóricas, pero fue hasta la segunda mitad del siglo XVI, que se determina que la belleza
es lo que unifica a las artes, incluyendo a la pintura, escultura, arquitectura, música,
poesía, teatro y danza y excluyendo a las artesanías y las ciencias.
Charles Batteux las denomina Bellas artes, establece este concepto y le da importancia a
la mímesis que se origina en la imitación de la realidad, sin olvidar que el arte genera sus
propias reglas (éste es el vínculo con el concepto antiguo de arte).

Sin embargo ésta definición entra en gran polémica, pues existen otros medios que
también poden ser incluidos en esta definición, por ejemplo la fotografía, la
cinematografía, los medios de comunicación y los objetos que se encuentran en grandes
colecciones de arte y museos, tales como la cerámica, la cristalería, la joyería, las
alfombras y las armas, pues estas producen también belleza, pero no fueron considerados
ya que sus propósitos utilitarios se sobreponen a la producción de belleza, no eran arte
puro.

En contraposición, William Morris y la Hermandad de trabajadores de las Artes en el

movimiento Arts & Crafts, criticaron vigorosamente esta distinción, pues las artesanías
pueden contener una gran capacidad de expresividad. Fue entonces cuando entran en
juego los criterios que complementan a la belleza en el arte: el contenido del
pensamiento, la expresión, el grado de seriedad, la rectitud moral, la individualidad y el
propósito no-comercial.

Por otro lado, el teórico Stanisław Ignacy Witkiewicz, limitará al arte como pura forma,
pero esta definición se vuelve corta cuando la pintura, la música o la literatura trascienden
la pura forma.

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Una definición amplia del concepto de arte
Depende de cómo vamos a emplear la palabra Arte, de lo que consideremos su propósito
o el logro de su productor, según el contexto, como significado general o como significado
particular.

Comencemos por definir que el arte es una actividad humana, pero ¿cuál es su diferencia
específica en relación con otras actividades como la ciencia? Algunas definiciones
determinan los rasgos distintivos en relación con la intención del artista o en la reacción
que se produce en el receptor.
1. La noción de que el arte produce belleza. Una noción ambigua, pues puede
significar cualquier cosa que agrade, o que contenga armonía de formas, cierto
tipo de equilibrio y claridad.
2. La noción de que el arte representa o reproduce la realidad. En ella se dejan afuera
a la imaginación, la retórica, el simbolismo, y la abstracción
3. La noción de que el arte es la creación de formas. Ésta definición es tan amplia que
cabrían otras disciplinas y ciencias que no se corresponden con el arte tales como
las construcciones industriales, y las formas naturales, habría que definir qué tipo
de forma y su objetivo específico.
4. La noción de que el arte es la expresión. Se centra principalmente en la intención
del artista si es una noción que surge a finales del siglo XIX, pero éste puede ser
muy ambiguo pues no garantiza la misma reacción en el espectador.
5. La noción de que el arte produce una experiencia estética. Ésta se centra en el
efecto que la obra de arte produce en el receptor, generalmente vinculado a la
belleza o a la producción de sentimientos, emociones o pensamientos.
6. La noción de que el arte produce un choque. Igual que la anterior se centra en el
efecto que se produce en el receptor pero difiere respecto al carácter de éste
efecto, pues puede ser una reacción abrumadora, desconcertante o
completamente escandalosa.

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Otros términos asociados al arte

No podemos olvidar otros conceptos asociados al quehacer artístico, pero que también las
podemos encontrar en otras actividades humanas como la ciencia y la tecnología y los
medios masivos de comunicación, tales como la creatividad, las estrategias de
construcción de significados y la originalidad y novedad

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Una definición alternativa
No se puede definir un fenómeno que ha venido cambiando a lo largo de la historia. Los
conceptos relacionados con el arte tales como la belleza y la experiencia estética también
han sufrido colapsos conceptuales, Kennick indica que “No existe ningún tipo de
estándares, criterios, cánones o leyes que sean tan amplios para aplicarse a todas las
obras de arte”, el arte ha adoptado formas diferentes según las épocas, países, y culturas.

La definición de esta actividad consiente y humana deberá ser abierta en relación con:
– La intención. La necesidad que se tiene de captar la realidad, de configura
algo o de expresar una experiencia
– El efecto. Principalmente en el receptor, generar experiencias estéticas
desde el gozo hasta el choque.
– Los productos y su relación con el contexto
– Y el valor. Ya sea estético, conceptual o comercial
Finalmente la definición que logra Tatarkiewicz es:
“El arte es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas,
construir formas, o expresar una experiencia, si el producto de esta
reproducción, construcción o expresión puede deleitar, emocionar o producir
un choque”
Si bien, esta definición podría mejorarse porque es un planteamiento general, es un
punto de partida para poder entender este fenómeno cultural que permite también
descubrir, identificar, describir nuestras experiencias y nuestra realidad interior, tanto
como individuos como en sociedad.

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La situación actual

A partir de finales del siglo XIX, surgen artistas rebeldes y vanguardistas que se
replantean el academicismo del arte y las definiciones cerradas de éste. Los artistas
comienzan a transgredir las convenciones, haciéndose muy solicitados y bien pagados en
las altas sociedades.
Ellos incluyen nuevos rasgos para el arte de la rebelión: la novedad y el extremismo,
cuyas víctimas no sólo es la representación de las formas de la realidad, sino también
otros aspectos tales como la autoría, la reproducción, la durabilidad del arte y los valores
comerciales del mismo.

Por ello A. Moles determina “ya no existen obras de arte, existen sólo situaciones
artísticas”, lo que importa ahora es la función creativa del arte, su naturaleza libre que
puede adoptar muchas formas y emplear cualquier medio de producción y establecer en
si mismo sus propias reglas.

Ahora dime ¿para ti qué es arte?