año 13 número 147 junio 2O12

voluntarios

Dr. Atl
OBRAS MAESTRAS
 CONTENIDO
AÑO 13. NÚMERO 147
JUNIO 2O12
PRESIDENTA DEL CONSEJO DE DIRECTORES
DEL MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO
Nina Zambrano HOY EN MARCO
Richard Meier: Retrospectiva 1
GERENCIA DE EDUCACIÓN
Indira Sánchez Dr. Atl. Obras maestras
COORDINACIÓN DE VOLUNTARIOS
Aleyda Viornery
COORDINACIÓN DE EDICIÓN
HABLAMOS DE Meier: Retrospectiva
Richard 8
Margarita Rodríguez
Edna Catalina Cano
Claudio Bravo. Adiós a un gran artista del Realismo
CORRECCIÓN DE ESTILO
Edna Catalina Cano
DISEÑO COLABORACIÓN 11
Sarahí Lara
Luis Carlos López
Luis Frías Leal Campos de Verdad
Vanessa Cantú
CONSEJO EDITORIAL
Edna Catalina Cano
Margarita Rodríguez
CONOCE 15
Sarahí Lara
Luis Carlos López
Luis Frías Leal CREARTE
Vanessa Cantú
PORTADA
Vista del Popocatépetl, 1934 ESPECIAL 18
Temple y Atl color sobre
masonite. 100 x 125 cm
Colección Andrés Blaisten ¡Me encanta marco!
DISEÑO PORTADA
Luis Carlos López INFORMARCO 23
En marco Voluntarios
Es una publicación mensual del Comité de
Comunicación de Voluntarios del Museo de
Arte Contemporáneo de Monterrey.
Registro de reserva en trámite.
Los artículos son responsabilidad de los autores.

Contacto: educacion@marco.org.mx
ENTRE VOLUNTARIOS 28
HOY EN MARCO

P o r M a r g a r i t a R o d r í g u e z M .

Dr. Atl. Obras maestras

No nací pintor, nací caminante, y el caminar me ha conducido

al amor por la naturaleza y el deseo de representarla.
Dr. Atl
Paricutín, 1946. Detalle. Óleo y Atl color sobre masonite. 122 x 144cm. Colección Museo de Arte Moderno, INBA

Desde su apertura, el 28 de junio de 1991, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey ha llevado a nivel de excelencia su labor de dar a
conocer las tendencias y artistas contemporáneos del orbe, siempre con especial énfasis en el arte latinoamericano, acercando al público
de la región y de todo el País tanto artistas consagrados como emergentes. De igual manera, dentro de sus actividades como centro
educativo, en sus salas se han expuesto muestras colectivas e individuales de movimientos y artistas primordiales en la historia del arte de
América Latina y particularmente de México, algunas de las cuales se han presentado inclusive en diversas sedes del país y del extranjero.
Así podemos mencionar la excelente muestra inaugural Mito y magia en América, los ochenta (1991); México: Esplendores de 30 siglos (1992);
El corazón sangrante (1993); Jalisco: Genio y maestría (1994); Alfredo Ramos Martínez (1996); Manuel Álvarez Bravo (1998); Los ecos de
Mathias Goeritz (1998); Maestros del arte contemporáneo en la colección permanente del Museo Rufino Tamayo (1998); Enrique Guzmán: Su
destino secreto (1999); Siglo XX: Grandes Maestros Mexicanos (2002-2003); Armando Salas Portugal. Memorias de un viajero (2005); Diego
Rivera, Epopeya mural (2008); Arte nuevo. El aporte de María Izquierdo (2008), entre otras.

Ahora, a partir del 24 de mayo los espacios de marco se engalanan con la magnífica muestra Dr. Atl. Obras maestras, organizada por el
Museo Colección Blaisten de la Universidad Nacional Autónoma de México, la cual nos permite recorrer en forma cronológica siete
décadas de la producción de este importante artista jalisciense, iniciador del modernismo en nuestro país, impulsor del Muralismo y
antecedente indiscutible del arte contemporáneo en México.

Integrada por alrededor de 90 pinturas de Dr. Atl, 2 películas, varias fotografías y un cuaderno de esténciles, la muestra ocupa las salas 6 a
la 11 de la Planta Alta, en donde permanecerá hasta agosto del año en curso. La museografía estuvo a cargo del Museo de Arte
Contemporáneo de Monterrey, con curaduría de Andrés Blaisten, quien ofreció una charla en la inauguración exclusiva para miembros el

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día previo a la apertura al público, además
de los recorridos para voluntarios y para
prensa. En la inauguración se contó
asimismo con la presencia del artista
Rodrigo Pimentel.

En torno a la muestra marco tiene

programadas diversas actividades en sus
programas para niños y adultos, tales
como charlas, cursos, diplomados,
Domingos Familiares, Manos al Arte,
etcétera. Se cuenta con un catálogo
elaborado por Editorial Turner (España),
en donde se incluyen textos de Olga Sáenz,
Jorge Alberto Manrique, Luis Rius Caso y
Andrés Blaisten.

Gerardo Murillo, autonombrado con el

vocablo náhuatl Atl (agua) siempre se
consideró a sí mismo un hombre
afortunado al que la vida le sonrió;
realmente su biografía es apasionante,
dando cuenta de un hombre de una
inteligencia, fortaleza, personalidad,
carácter y carisma fuera de serie, inquieto,
generoso e innovador. Poseedor de una
vasta cultura, realizó estudios de filosofía,
derecho penal, geografía, vulcanología,
historia y arte; además de excelente pintor,
incursionó en el periodismo, la poesía, la
política, la enseñanza, la fotografía y la
escritura de ensayos, entre ellos uno Volcán en la noche estrellada, ca. 1950. Óleo y Atl color sobre triplay
particularmente interesante sobre el 75 x 73 cm. Colección Museo Nacional de Arte, INBA
desarrollo del paisaje dentro de la historia
del arte: ahí señala que en tanto que en A lo largo de su trayectoria siempre estuvo buscando y experimentando técnicas,
Occidente el hombre empezó materiales y soportes diversos. Fue un autor muy prolífico, escribió: He pintado y dibujado
representando animales y figuras paisajes por millares. Trabajó sobre telas, yutes, celotex, fibracel y diferentes tipos de
antropomorfas, en Oriente -China madera; con óleos, carbones tintas, pastel, acuarela, al fresco, y los atl colors, barras de
especialmente- empezó pintando la una pasta dura que inventó para lograr trasparencias, luminosidades y texturas usándose
naturaleza. Escribió varios libros, entre como pastel sobre cualquier superficie, inclusive sobre superficies pintadas,
ellos: Las iglesias de México; Cuentos permaneciendo siempre puros ya que no se mezclan. Sus temas recurrentes son paisajes,
bárbaros; Cuentos de todos colores; y Cómo con frecuencia con árboles secos en primer plano y grandes nubes blanquísimas, volcanes,
nace y crece un volcán: el Paricutín. retratos y autorretratos. Son característicos en su obra los colores verdes, rojos, morados y

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blancos intensos. En sus paisajes no aparecen animales ni figuras humanas, para lograr que el espectador sea el personaje dentro del
cuadro. En la exposición se encuentran dos obras que se alejan de su manera usual de pintar: Paisaje boscoso (ca. 1920), detalle de un
paisaje; y El Popocatépetl desde Puebla (ca. 1925) en el que pinta edificios como referencia citadina. Siendo un gran caminante y amante de
la naturaleza, se adentraba en sus paisajes y los retenía en su memoria, haciendo sólo un dibujo rápido, posteriormente pintaba pequeños
cuadros que después desarrollaría en mediano o gran formato. Dentro de la muestra se encuentra una serie de 6 paisajes (1958) que
ejemplifican lo mencionado. En la década de los treinta adopta la perspectiva curvilínea según la teoría de Luis G. Serrano, en la que logra
dos planos curvos inversos entre el cielo y la tierra, separados por el horizonte, con esta técnica crea magníficas obras con sus temas
favoritos: los volcanes y el Valle de México, como vemos en Volcanes y horizontes (1935). Posteriormente se apoya en la fotografía y más
adelante en la fotografía tomada desde el aire, en avionetas, creando los aeropaisajes.

Dr. Atl nació en Guadalajara, Jalisco, en

1875, ahí recibe sus primeras lecciones de
pintura en el taller de Felipe Castro.
Después de una breve estancia en
Aguascalientes, donde cursa la
preparatoria, en 1896 se traslada a la
ciudad de México para estudiar en la
Escuela de Bellas Artes. Un año después el
Gobierno de Jalisco y el Gobierno de
Porfirio Díaz le otorgan una beca para
estudiar en Europa. Paradójicamente
estudia en Roma con el marxista Antonio
Labrioca, y derecho penal con el
anarquista Enrico Ferri, asimilando ideas
que posteriormente aplicará en sus
facetas política y magisterial.
Posteriormente se traslada a París, en
donde estudia historia, filosofía, geografía
y arte, obteniendo Medalla de Plata en el
Salón de París, de 1900 -año de la
Exposición Universal de París- con un
autorretrato en el que, como en casi la
totalidad de sus numerosos autorretratos,
el ar tista en primer plano mira
Autorretrato, 1959. Detalle. Óleo sobre masonite d i r e c t a m e n t e a l e s p e c t a d o r,
70 x 59.5 cm. Colección Andrés Blaisten introduciéndolo en los diferentes planos
de la pintura, en la que al fondo se
encuentra una figura femenina pintada al estilo impresionista y un pintura colgada en un muro. Este autorretrato da la bienvenida a los
visitantes antes de entrar a las salas de marco. Es en París en donde el escritor y poeta argentino Leopoldo Lugones le agrega el título de
doctor a su apodo.

En 1903 regresa a México como maestro en la Academia de San Carlos, donde se opone a los antiguos métodos de enseñanza académica y
preconiza el arte popular. Entre sus alumnos se encuentran José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera. Durante esa

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primera estancia en Europa tuvo la oportunidad de conocer las grandes obras del Renacimiento y el surgimiento de diferentes
movimientos que ejercieron influencia en su producción temprana, tales como el neoimpresionismo, el fauvismo y el futurismo. En Dr. Atl.
Obras maestras tenemos varios ejemplos de lo anterior, como son los óleos sobre cartón Amanecer en la montaña (ca. 1909-1910) y El rayo
sobre la ola (ca.1909). Es evidente que también conoció y fue influenciado por la estampa japonesa, especialmente por el gran pintor y
grabador de la escuela Ukiyo-e del periodo Edo Katsushika Hukosai, tanto en algunas de sus pinturas como en las carpetas de esténciles Les
volcans du Mexique que edita en París en 1912. Se produjeron varias, pero la que tenemos en la exposición es la única que se ha localizado.

En 1910, el Gobierno de Porfirio Díaz

organiza, dentro de los festejos del
Centenario de la Independencia, una
exposición de artistas españoles, a lo cual
reacciona Dr. Atl organizando, con el apoyo
de más de 50 pintores -entre ellos Joaquín
Clausell y José Clemente Orozco- y varios
escritores, una exposición colectiva de
artistas mexicanos en la Academia de San
Carlos. La muestra tuvo gran éxito y quedó
documentada en una fotografía, de autor
desconocido, que podemos conocer al
hacer un recorrido por la exposición. En
ella se encuentran, además de Dr. Atl,
Germán Gedovius, José Clemente Orozco,
Alfonso Best Maugard, Esther Hernández y
Francisco Corbejo, entre otros. En esos
años también organiza el Centro Histórico,
sociedad con la misión de conseguir para
los pintores muros en edificios públicos. Al
estallar la Revolución regresa a París,
realizando exposiciones de paisajes
mexicanos en Francia, Italia y Alemania, y
publica la revista Action d'art, donde
escribe sus ideas pictóricas y sociales. Paricutín violeta al amanecer, 1946. Atl color sobre pizarra
Posteriormente edita el periódico La 162 x 126. Colección Museo de Arte Moderno, INBA
Revolution du Mexique al enterarse del
cuartelazo de Victoriano Huerta y del asesinato de Madero. En 1913 regresa a México para unirse a Venustiano Carranza como jefe de
propaganda, y un año después es nombrado director de la Academia de San Carlos. En esos años reorganiza la Casa del Obrero Mundial, y
en 1917 edita, en Orizaba, Veracruz, el periódico La Vanguardia, en el que colaboran José Clemente Orozco como caricaturista, Miguel
Hernández y Román Guillemín como cartonistas, y David Alfaro Siqueiros como corresponsal en Jalisco. En 1920, se realiza una exposición
de sus paisajes en el patio de La Merced. Ese mismo año, tras el asesinato de Carranza es apresado, logrando huir a Estados Unidos de
donde regresa para asumir la dirección del Departamento de Bellas Artes y se aleja del activismo político. En 1926 realiza estudios de
vulcanología, tema que le interesaba desde hacía varios años, y empieza a pintar sobre todo el Popocatépetl y el Iztaccíhuatl. En la muestra
hay varios cuadros con ese tema, entre ellos: Paisaje con el Iztaccíhuatl (1932); Risco del Popocatépetl (ca. 1933); Vista del Popocatépetl
(1934); y La sombra del Popo (1942).

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 Paisaje con el Iztaccíhuatl, 1932. Óleo y Atl color sobre madera
88 x 154 cm. Colección Andrés Blaisten

En 1943, cerca de Uruapan, Michoacán, inicia su aparición el volcán Paricutín, acontecimiento que Dr. Atl consideró un regalo personal,
dado su interés científico y pictórico en el tema, obsesionándose a tal grado por ese volcán, que pasó alrededor de 6 años siguiendo de
cerca su evolución, y se ha dicho que inclusive le compró la parcela en donde hizo erupción al campesino que lo descubrió, para sentir que
era suyo. Lo pintó durante los nueve años que duró la erupción, y muchos años más. En la exposición tenemos numerosas obras que aluden
a este fenómeno, como son: Erupción del Paricutín (1943), impresionante pintura realizada con atl colors sobre madera, en tonos rojos,
amarillos y cafés; Explosión lateral del volcán (1943); Paricutín (ca.1943); Paricutín, relámpagos verdes (1943); Sin título (Autorretrato con
Paricutín) (ca.1946); El Paricutín. Frente de lava en movimiento (1947); Paisaje paricutíneo (1950); y Paricutín en erupción (ca.1962) entre
otras. Realizó alrededor de 300 dibujos y decenas de pinturas; en 1950 seleccionó 130 dibujos y 11 pinturas, colección que donó al Museo
Nacional de Artes Plásticas y sobre la que editó el libro Cómo nace y crece un volcán: el Paricutín, el cual también está presente en Dr. Atl.
Obras maestras. La aparición de este volcán fue un fenómeno de interés mundial, aparecieron reportajes en varias revistas internacionales
y fueron varios los artistas nacionales que también plasmaron su erupción, si bien ninguno se obsesionó al grado que lo hizo Dr. Atl.

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Una obra interesante de la muestra es Valle de Pihuamo (ca.1952), inspirada en una utopía de Dr. Atl sobre una ciudad en donde convivieran
científicos y artistas, fundada sobre este valle, con su presa, lago, su cascada, un arco, y la ciudad asentada sobre la elevación piramidal
que se aprecia casi al centro del cuadro. Otro cuadro importante es Pedregal de San Ángel (1943), que nos recuerda que Dr. Atl, colaboró con
Luis Barragán en el diseño de la urbanización de esa zona. En referencia a esto se encuentra también en la exposición el retrato de Dr. Atl en
el Pedregal de San Ángel (1944), fotografía del excelente artista mexicano Armando Salas Portugal.

Son numerosas las obras que Dr. Atl realizó con el tema del Valle de México, el cual describe de esta manera al inicio de su cuento El cuadro
mejor vendido:

Paisaje vigoroso y trágico, sumergido en esa extraña luz del Valle de México que todo lo define y todo lo ensombrece -lomas pedregosas
sembradas de pirúes, conos volcánicos erguidos sobre la planicie- ondulaciones de montañas azules como el mar.

Valle de Pihuamo, ca. 1952. Óleo sobre tela

141 x 208 cm. Colección particular

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 Paricutín, 1946. Detalle. Óleo y Atl color sobre masonite
122 x 144cm. Colección Museo de Arte Moderno, INBA

Algunas de esas obras que forman parte de la muestra en las que plasma diferentes aspectos de ese paisaje son: Valle de México desde el sur
(1931); El Valle de México (1940); Valle de México desde el Ajusco (ca.1960); Valle de México desde el Huerto del Ajusco (ca.1960); y Valle de
México desde el Mirador de la carretera a Cuernavaca (ca.1962). Su interés por la naturaleza y sus fenómenos lo inspiraron para plasmar el
sol, las nubes, las montañas, las sierras, como se muestra en las siguientes obras: El sol y las nubes (obra inconclusa) (ca.1926); La nube
(1931); La sierra (1933); Paisaje con lluvia (1936); Lluvia en el valle (1936); La lluvia o Ventisca (ca.1945); y Cola de caballo (1942), obra que
indica que Dr. Atl visitó Nuevo León. Realizó también escenas nocturnas que dan cuenta de su maestría técnica, entre las que podemos
citar: La ciudad de México en la noche (1960); y Volcán en la noche estrellada (sin fecha).

En los cincuenta, sufre la amputación de una pierna, lo cual le limita al uso de muletas y la silla de ruedas, evento que, dada su tenacidad y
energía, no le impide continuar con su trabajo. Es cuando inicia las imágenes aéreas que luego plasma en excelentes pinturas, dando lugar
a una nueva forma de pintar el paisaje, a la cual nombra aeropaisaje. Algunas de estas obras en la exposición son: El Popocatépetl desde un
avión (1958); Vista aérea del Popocatépetl (1961); El Aconcahua desde el avión (1963). En la muestra podemos conocer también el manifiesto
en donde explica el aeropaisaje.

Parte muy importante de su producción son los retratos y autorretratos, entre los primeros tenemos: Retrato de Joaquín Clausell (1908);
Retrato de Justo Sierra (1927): Nahui Ollin, obra muy importante realizada en 1921, la cual marca el surgimiento de Dr. Atl como un gran
artista, aquí logra efectos luminosos espectaculares al aplicar los atl colors sobre fresco, e introduce la innovación de la composición con
nubes en movimiento entre barras de colores. De Nahui Ollin (Carmen Mondragón), pintora y poetisa mexicana con quien vivió un
romance, realizó numerosos retratos, de los que hay varios en la exposición. Numerosos fueron también los autorretratos, de los que
podemos apreciar varios, uno de ellos de 1962, dos años antes de su muerte, ocurrida el 15 de agosto de 1964 en la Ciudad de México.

Dr. Atl. Obras maestras es una muestra única, casi seguramente irrepetible e histórica porque se logró reunir una importante cantidad de
obras maestras que abarcan toda la trayectoria de uno de los artistas más destacados de la historia del arte de nuestro País, nombrado
Monumento Artístico de la Nación y de quien en más de 25 años no se había realizado una muestra tan significativa y trascendente.
Tenemos una oportunidad única de conocer, estudiar y sobre todo, disfrutar de la obra de este personaje, un artista nuestro que, como
mencionó Andrés Blaisten, no copiaba el paisaje: pintaba sensaciones.

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HABLAMOS DE
CLAUDIO BRAVO
ADIOS A UN GRAN ARTISTA DEL REALISMO
Aunque sea una piedra, a esa piedra se le puede dar vida. No hay nada más muerto que una piedra, vienen
de millones de millones de años que han estado en la tierra, pero a eso, se le puede dar una función
si pasa por la mentalidad del artista, porque el artista tiene el deber de comunicar a otros seres humanos.
El día 4 de junio de 2011 falleció, a los 74
años de edad, en Taroudant, Marruecos, el
pintor chileno Claudio Bravo, reconocido
tempranamente como uno de los más
grandes artistas del realismo. A lo largo de
su trayectoria, Claudio Bravo (Valparaíso,
noviembre 8 de 1936) siempre estuvo
dentro de la figuración -aún en los años
sesenta, cuando predominaban las
corrientes abstractas-, creando
extraordinarias obras en las que es
evidente su admiración por pintores
clásicos como Velázquez, Zurbarán y
Caravaggio. Sus primeros estudios, con los
Jesuitas en el Colegio San Ignacio, en
Santiago, marcaron, como él mismo lo
platicaba, su gusto por la pintura religiosa
católica, como se aprecia en Cristo
recostado (1990); La última cena (1994);
Viernes Santo (1998); y La Anunciación
(1998), obras que se encontraban entre las
56 que integraron la exposición Claudio
Bravo, originada en marco con la ayuda
de la Marlborough Gallery de Nueva York,
con curaduría y museografía de Jorge
Contreras. Esta muestra se presentó en la
Planta Baja del Museo de enero a abril de
2007, partiendo posteriormente a Biarritz,
Francia.
P o r M a r g a r i t a
También en Santiago, estudió pintura y
dibujo con Miguel Venegas Cifuentes y en
1954, a los 17 años de edad, presenta su
primera exposición individual en el Salón
Trece de esa misma ciudad. En esos años
también se interesó por el teatro de
ensayo, la poesía y la filosofía, y formó
parte, como bailarín profesional, de la
Compañía de Ballet de Santiago. En 1961,
después de viajar por todo el territorio
chileno, parte a Europa, estableciéndose
en Madrid en donde tiene oportunidad de
conocer y estudiar las obras de los grandes
Claudio Bravo
El artista durante el recorrido de capacitación
R o d r í g u e z M .
Claudio Bravo
artistas españoles que tanto admiraba en
el Museo del Prado, institución a la que
donó, como muestra de agradecimiento,
una serie de esculturas de su propiedad.
En España refrendó su gran
reconocimiento como retratista, sin
embargo, al alcanzar una gran
independencia económica, decide
dedicarse a pintar lo que realmente le
gusta y le permite libertad creativa, para lo
cual se traslada a Marruecos, país en el que
radicó desde 1972 hasta su muerte, con
frecuentes viajes a diversas partes del
mundo, especialmente a Nueva York,
donde expuso por primera vez en 1970.
Son numerosas las exposiciones en las que
ha participado su trabajo, entre las
colectivas podemos mencionar:
Documenta 5, Kassel, Alemania (1972);
Printed Art: A View of Two Decades, Museo
de Arte Moderno, Nueva York (1980); y
Forma y Figuración: Obras maestras de la
colección Blake-Purnell, Museo
Guggenheim, Bilbao, España (1998). De
manera individual se ha presentado su
obra, entre otras sedes, en FIAC, Grand
Palais, París, Francia (1992); Museo
Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile
8
 Exposición de litografías de Claudio Bravo en el Lobby de marco
(1994); y el Museo de Arte de Naples,
Florida (2006). En nuestra ciudad su obra
se dio a conocer en la colectiva Realismo en
Latinoamérica en los 70´s, y en la
exposición individual Claudio Bravo.
Pinturas y Dibujos, que presentó el hoy
desaparecido Museo de Monterrey, en
1980 y 1982 respectivamente. Está
presente en numerosas colecciones
particulares y de instituciones tan
importantes como The Metropolitan
Museum of Art, Nueva York; el Peter
Ludwig Museum, Colonia, Alemania; el
Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago,
Chile; y el Museo de Arte Contemporáneo
Rufino Tamayo, de la Ciudad de México.
Se han ocupado de su obra numerosos
escritores y poetas, y en los catálogos de
sus exposiciones han escrito personas de
la talla de Mario Vargas Llosa, Paul Bowles
y Edward J. Sullivan. En el correspondiente
a la muestra en marco, se incluyeron
escritos de Jorge Contreras y Francisco
Hernández.
Destacan en la obra de Claudio Bravo: la
fidelidad, a lo largo de toda su trayectoria,
a un realismo muy personal sin apegarse a
modas o vanguardias; las cuales, sin
embargo, conoce a la perfección y toma en
varios de sus trabajos imprimiéndoles su
sello particular; son frecuentes temas
como: retrato, naturaleza muerta, telas,
papeles, paquetes, objetos cotidianos y
temas religiosos; hay referencias claras a
la historia del arte, integrando de manera
magistral lo clásico con lo moderno en
diferentes formatos. A diferencia de los
hiperrealistas, nunca se basó en
fotografías para sus composiciones,
siempre modelos y su memoria; incursionó
con maestría en las técnicas de dibujo al
carboncillo, óleo sobre tela, gouache,
pastel, grabado, y escultura; con un
excelente manejo de la luz y de las formas,
sus obras son claras, serenas, amables, y
sin embargo llenas de misterio, de una
simbología personal que invita al
espectador a adentrarse en ellas,
disfrutarlas y descifrarlas.
Claudio Bravo, a quien conocimos durante
su estancia en Monterrey con motivo de la
muestra ya mencionada, que se presentó
e n 2 0 0 7, re f l e j a e n s u o b ra s u
personalidad: entusiasta, optimista,
educado, amable, sencillo, conversador,
sin poses sobre su vida y su trabajo, del
cual hablaba con pasión; de hecho se
confesaba adicto al trabajo (trabajaba
entre 8 y 10 horas diarias frente a su
caballete), amante de la música, la
filosofía, la poesía, de la vida y de los
animales nativos de Marruecos, los cuales
están representados en la serie de
litografías realizadas entre 2007 y 2008
que recientemente se exhibieron en el
Lobby de marco como un homenaje a
este magnífico artista latinoamericano.
9
 Salas de la exposición Claudio Bravo (2007) en marco

Del texto LA TEXTURA DE LA MIRADA, de Jorge Contreras en el Catálogo de la muestra Claudio Bravo –marco, enero-abril 2007-
tomamos estos fragmentos:
…La obra de Claudio Bravo pone en juego una mirada que liga la atención, no a la presencia de las cosas y su referencia posible
sino a su construcción paso a paso, como recorriendo un itinerario del deseo…Las obras de este artista logran, con serenidad,
arrebatarle al tiempo su contundencia para permitir que la belleza descienda sobre la humildad de cada jornada…Las obras de
Claudio Bravo ofrecen una indagación sobre las posibilidades de la memoria para inventar un escenario de presencias, para
sugerir la permanencia que otorga el afecto…En cada obra de este artista aparecen, con delicada fragilidad, las figuras del mundo
que inaugura para explorar el afecto por las cosas y los objetos cotidianos. Sus obras proponen la emergencia de una imagen,
como la aparición de una palabra, de un poema en medio del silencio y el bullicio que pueblan la experiencia.

Fotos: Cortesía MARCO

10
COLABORACIÓN

P o r S a l v a d o r D í a z

CAMPOS DE VERDAD

Fotos: Cortesía MARCO

Recientemente se llevó a cabo en marco Turbinegeneration, un programa educativo realizado en conjunto con la Tate Modern
de Londres que ofrece una plataforma global para crear puentes entre distintas instituciones, maestros, artistas y estudiantes
de arte. Durante el programa, que se desarrolló a lo largo de un mes, se contó en cada una de las sesiones con la participación de
un artista o maestro invitado, comenzando con la visita de la fotógrafa inglesa Marysa Dowling, invitada especial; y de nuestra
ciudad Yasodari Sánchez, Rocío Cárdenas, Samuel Cepeda y Salvador Díaz, quienes en conjunto con destacados universitarios
de la Facultad de Artes Visuales de la UANL, tuvimos la oportunidad de conocer acerca de los diversos procesos creativos que
dan resultado a la obra personal.

11
 “Perspectivas: Lugar y Tiempo” fue la
propuesta elegida para crear contenido
y estimular la creatividad e inteligencia
de cada uno de los asistentes al
programa. Durante mi participación se
abordó esta temática con relación a la
prensa escrita (que actualmente se
concentra en las próximas elecciones,
incluida la presidencial) y en paralelo al
tema de la seguridad que nos ha
interesado tanto en los años recientes,
surgiendo preguntas como: ¿De qué
manera nos afectan los medios de
comunicación, de qué manera
participamos en esa realidad que
presentan? ¿Podemos hacer
propuestas a esos hechos o de qué
manera reflexionamos o hacemos
autocrítica al confrontarnos con lo que
leemos, lo que vemos a nuestro
alrededor y lo que pensamos?

Muy interesantes y variadas resultaron

las intervenciones propuestas por las
creatividades participantes,
tomándose registros fotográficos de los
distintos usos que se hicieron del papel
y su información con respecto a sus
eventos de vida, en relación a lo que
sucedió y fue noticia.

Por mi parte, mi propuesta se enfocó en

la obra realizada en óleo sobre
periódico, la cual no se limita, como
sucede en el caso de la pintura habitual
donde su fondo cierra y cubre el lienzo
Salvador Díaz blanco para que así surja la visión de
El traje nuevo del emperador, 2008
Óleo sobre periódico quien crea esa obra respecto a lo que
289 x 206 cm observa, imagina o reflexiona, teniendo

12

Salvador Díaz
Niño con suéter blanco, 2006
Óleo sobre periódico
Colección particular
c o m o m e d i o d e e x p re s i ó n e l
ordenamiento de los pigmentos.
En los periódicos, al ser intervenidos
usando la pintura a través de un collage
inverso quedan campos abiertos,
campos de verdad, que disparan
fuentes de información y hechos, que a
su vez están fragmentados de una
realidad total, de modo que la verdad
queda dada como una pregunta a
investigar o corroborar.
La misma dinámica se observa en los
periódicos, como objetos de difusión de
información, donde los hechos
“únicos” la mayoría de las veces son
entregas, continuidades y sucesiones
de referencias a eventos más complejos
y prolongados. Así, día a día, como
capítulos de una serie de las vidas del
mundo, de lo particular a lo mundial, se
entretejen historias, como un presente
efímero que se sustenta del pasado o
indagación en la historia creada y que,
diariamente, va asimilando el
desenvolvimiento de esos hechos
segmentados o únicos, o tergiversados
o traducidos, advirtiendo los supuestos
o las reacciones y consecuencias al día
de mañana.
El hacer arte con los periódicos, sobre
éstos y desde éstos como hechos de
información que se abordan de forma
directa brinda otro carácter a la noticia,
al evento, a su contenido. Y le da un
señalamiento de irrepetibilidad y
distinción a algo masivo y efímero pero
asimilado por la memoria colectiva.
El periódico pintado se transforma, se
detiene y se valora hacia lo personal y la
permanencia. Transpirando en él de
una manera entretejida la repetición en
la acumulación de fechas, la reflexión,
la crítica, el absurdo, la ironía, la
perversidad, la belleza, la celebración,
lo ameno o cómico y la resignificación
ante un suceso que de otra manera por
la velocidad y enajenación del mundo
nos pasaría inadvertido, fugaz e
insensiblemente, por la
sobreexplotación.
Esta obra es un diario de vida del autor,
un paseo de él por nuestro mundo,
compartido de la misma forma que lo
hacemos todos, y es precisamente esta
idea de “nuestro mundo” lo que logra
una aprehensión inmediata entre el
artista, la obra y el espectador. Para
tomar conciencia en los abismos y la
desigualdad.
A diferencia de la obra sobre tela,
donde el autor habla de un mundo
íntimo personal que por su
autenticidad vivencial desarrolla un
eco en ocasiones universal cuando se
toca “lo humano,” y donde los otros nos
podemos reconocer o nos permite
conocer una realidad distinta a la
13
nuestra, con la que podamos o no estar
de acuerdo. En el caso de la obra sobre
periódico, no existen “los otros” como
ajenos a un mundo particular que
trasciende y se desborda en nuestras
vidas de forma paralela, sino que nos
muestra un arte del mundo de todos,
del que formamos parte, a veces
activamente, a veces anónimamente,
pero absolutamente relacionados en
este mundo contemporáneo, ante su
globalización y velocidad de
transportar información y consumirla.

Fotos: Cortesía Salvador Díaz

Sin embargo, así como la pintura no
conoce ni se interrumpe por idiomas y
traducciones, esta obra viaja y convive
con prensa de distintos continentes,
países, culturas, regiones e idiomas.
Juliana Garza y Jorge Ferretiz
El futuro de los periódicos para Tubinegeneration. “Perspectivas: Lugar y Tiempo”. Experimentación con periódico, 2012
transmitir noticias y en algunos casos
con el riesgo de manipular realidades
con visiones de intereses particulares,
ha de ir adaptándose y
transformándose de manera SALVADOR DÍAZ, artista invitado al programa Turbinegeneration, es Licenciado en Filosofía y
inagotable, diariamente se reinventa y Humanidades por la UANL. Ha expuesto su obra en Museos y Ferias de Arte Contemporáneo de
día con día se guarda y se mantiene y Norteamérica, Sudamérica y Europa. En 1998 obtuvo la Beca Nacional Jóvenes Creadores
Conaculta-Fonca. Su obra forma parte, entre otras, de la colección del Centro Galego de Arte
contiene a sí mismo con ese rostro Contemporánea (CGAC), en Santiago de Compostela, España; del Museo de Bellas Artes de
reconocible e inconfundible del Santander, España; y de diversas colecciones privadas alrededor del mundo. Destacan sus
periódico que busca un lugar en exposiciones individuales El Traje nuevo del Emperador (2008) en la Galería Fernando Pradilla de
nuestro presente, seduce al futuro y lo Madrid; y El Príncipe (2009) en el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y
Cantabria; así como la exposición colectiva Press Art (2010) exhibida en los museos Kunstmuseum
reconocemos como documento St. Gallen en Suiza y en el Museum der Moderne MdM Rupertinum Salzburg en Austria. Su pintura
histórico y pulso de lo que somos pues se ha desarrollado simultáneamente en dos ejes principales con el tema de la vida, de forma
es un producto de las sociedades y personal a través de sus lienzos al óleo y de forma social con su obra sobre periódico abordando los
culturas a las que pertenece; crear arte múltiples temas de la prensa escrita.
con él es formar una hemeroteca
estética mundial que da testimonio
acerca de “nuestro mundo”.

14
CONOCE
Acercar el arte a todas las personas, ha
sido el objetivo más importante de
CREARTE, primer programa comunitario
dentro del departamento de Educación de
marco, que atiende a públicos con
necesidades especiales por discapacidad,
vulnerabilidad social y adultos mayores.
Desde su creación en el año 2003,
CREARTE forma parte activa en el
diagnóstico de diversas situaciones
problemáticas en la comunidad y diseño de
a p o r t ac i o n e s c re at i va s y n u eva s
estrategias de intervención social y
educativa a través del arte
contemporáneo. Esta continuidad de
propuestas provoca el reconocimiento
positivo de la diversidad, pues pensar lo
P o r
diverso implica tomar como punto de
partida el respeto y la valoración de las
diferencias individuales de las personas.
Dentro de las actividades que realizamos
están las visitas al Museo, que consisten en
invitar a instituciones que tienen recursos
económicos muy limitados o que no estén
sensibilizados en temas de la educación en
el ar te. S e realiza un recorrido
arquitectónico y por las salas de
exposición, que finaliza con un taller de
expresión plástica o actividades lúdicas
p a ra re a f i r m a r l a ex p e r i e n c i a y
aprendizaje obtenido durante la visita.
Nos apoyamos realizando pre-visitas a las
instituciones para hacer una evaluación
B á r b a r a R e y e s
previa y así poder desarrollar estrategias
eficientes y enriquecer la experiencia
dentro del Museo.
En nuestros grupos de visitantes hay
públicos que no tienen la posibilidad física
de venir a visitarnos, tal es el caso de asilos
o casas de reposo para ancianos que se
encuentran en un estado de salud
deteriorado, sin embargo con nuestra
firme creencia de que el arte debe ser
disfrutado por todos, realizamos
actividades extramuros en donde llevamos
dinámicas relacionadas a las exposiciones
actuales del Museo y actividades artísticas
para que los abuelitos vivan una
experiencia significativa en su mismo
contexto. Como experiencia del trabajo
15
con los adultos de la tercera edad podemos
compartirles que nos reciben con mucho
gusto, y siempre están esperando al equipo
de marco para que les platiquemos sobre
arte; ellos a su vez nos cuentan muchas
cosas importantes, nos platican sobre la
vida.
Recientemente hemos podido
implementar técnicas de arteterapia que
permiten a nuestros públicos expresar y
manifestar cualquier dificultad emocional
a través de actividades artísticas
involucrando la plástica, música,
literatura, teatro, entre otras
manifestaciones, haciendo posible que
mejore la autoestima de cada uno de los
participantes que están en alguna
situación vulnerable.
El más reciente taller Arte Terapéutico,
exploró la creatividad y la autonomía de 20
niños y niñas víctimas de desintegración
familiar del Centro Capullos del DIF Nuevo
León, a través de 11 sesiones con
frecuencia semanal donde se fueron
desarrollando procesos creativos de
reflexión. Por medio de actividades
artísticas vinculadas a las exposiciones La
lengua de Ernesto y ¿Neomexicanísmos? se
exploró el arte como una experiencia de
vida, de integración, y de sentido de
pertenencia hacia el Museo y sobre todo de
reconocimiento de sus propias habilidades
y actitudes, las cuales reforzaron la
identidad de cada uno de ellos. El 1º de
Junio culmina dicho Taller con la
exposición final en el Lobby del Museo, en
donde se exhibirán las obras realizadas
como muestra del importante proceso
vivido.
Durante este verano continuaremos
trabajando bajo este esquema, realizando
sesiones de ar teterapia con dos
instituciones de alto impacto en el
programa. Seleccionaremos un grupo
específico de mujeres en tratamiento de
cáncer de mama de la Cruz Rosa, en donde
se trabajará en conjunto con el artista Luis
Roldán de la muestra SEXTANISQUATSI de
la Bienal Monterrey FEMSA.
Posteriormente se trabajará con un grupo
de 10 mujeres de la institución Salud
Mental para Indigentes, en donde, a través
de 5 a 10 sesiones, buscaremos reforzar su
sentido de la vida, aceptación,
reconocimiento y autoestima mediante
técnicas como la fotografía, pintura,
música, entre otras, y así puedan ellas
poco a poco ir recobrando su memoria,
identidad y su entusiasmo para lograr
reinsertarse poco a poco a la sociedad.
Agradecemos el apoyo incondicional de
Delia Salinas, quien en este año cumple 10
años de formar parte del grupo de
voluntarios de marco y desde el
16
nacimiento de CREARTE ha colaborado en
este equipo; sin duda ella se ha ganado la
admiración y respeto de muchos y ha
logrado ser ejemplo a seguir provocando
ser un factor de cambio ante la sociedad
más vulnerable que existe en el estado de
Nuevo León.

De la misma forma, la colaboración de

Ofelia Fernández, quien desde hace 3 años
nos apoya con entusiasmo en la
investigación del material educativo del
Museo, así como por su participación activa
dentro de los programas del departamento
de educación.

Los programas comunitarios del Museo

abren sus puertas al público y también a
quien quiera formar parte activa de nuestro
equipo creando un impacto positivo en la
comunidad ante las situaciones adversas
que actualmente se viven en nuestra
ciudad y tener la maravillosa oportunidad
de acercar el arte y la cultura a personas
que realmente necesitan enriquecer y
posibilitar el desarrollo personal, social y
humano a través de su creatividad.

Para mayores informes sobre la

participación en estos proyectos favor de
escribir a: crearte@marco.org.mx y
marcomovil@marco.org.mx con gusto les
informaremos de nuestras actividades.

¡Que el voluntariado marco siga creciendo

siempre con impulso y mucho ánimo, como
hasta el día de hoy!

Fotos: Cortesía MARCO

BÁRBARA REYES es Licenciada en Artes por la
Universidad de Monterrey y cuenta con un
diplomado en Arte Terapia por Conarte. Desde
noviembre de 2009, coordina en marco el
Programa Comunitario CREARTE.

17
ESPECIAL

P o r L o r e n a R o d r í g u e z

¡Me encanta marco!

Cuando me invitaron a escribir un artículo,
recordé lo que varias veces he escuchado
decir a otros artistas visuales y con lo que
me siento identificada de alguna forma:
“¿Cómo decir con palabras lo que estoy
acostumbrada a expresar con forma y
color?” Soy artista visual de segunda
generación, crecí entre tripiés, cartulinas,
gises, colores, pinceles y lienzos. Además,
mi madre, Elsa Ayala, es maestra de
pintura desde hace 27 años; pero también
es verdad que la hermana de mi madre,
María Ayala, es poeta y ha sido una gran
influencia en mi vida desde pequeña,
especialmente en lo que a la palabra
respecta. Ahora bien, ¿qué decir? Siendo el
artículo para la revista de marco, no dudé
ni un segundo lo que quería expresar: mi
amor por el Museo, pero por tratarse de un
sentimiento, espero que mi uso de la
palabra sea lo suficientemente eficaz.
Recuerdo como si hubiera sido ayer el
inicio del Museo, entonces yo estudiaba
El artista durante el recorrido de capacitación
Mercadotecnia en el ITESM y aunque desde
siempre tuve claro que el arte era lo mío,
apenas estaba preparando mi primera
exposición individual, que consistió en una
serie de dibujos en grafito; el hecho de que
en Monterrey fuera a haber un Museo de
Arte Contemporáneo, me parecía un sueño
hecho realidad (siento una atracción
especial por este tipo de arte), imaginaba
con emoción las exposiciones que serían
traídas, mas nunca anticipé lo que el
Museo significaría para mí.
18
Llegué por primera vez, era una exposición
colectiva, nunca había visto un Museo tan
hermoso, en ese entonces tenia 18 años,
hoy, mas de 20 años después, he conocido
muchos museos alrededor del mundo y
sigo pensando que es el más bello.
Los colores, las líneas, la cuadrícula de las
celosías, la luz sobre el mármol, el morado,
el naranja, el rosa….una vez adentro me
pareció que el espacio se expandía, la
esfera en equilibrio, el espejo de agua, la
acústica, la madera en los pisos de las
salas, y todo ese extenso blanco… que la
luz bañaba con matices amarillos,
naranjas, ocres; las enormes paredes;
aunque parezca mentira, hasta las
partículas de polvo iluminadas y
suspendidas en el aire me parecieron de
otro mundo; mis sentidos se llenaron y no
pude evitarlo: fue amor a primera vista.
Con el paso del tiempo he visitado miles de
veces el Museo y él me ha regalado tantas
exposiciones y piezas maravillosas,
algunas ya vistas o que he vuelto a ver,
otras que haberlas tenido cerca se lo debo
sólo a él; como Cristo destruyendo su cruz
de José Clemente Orozco, uno de mis
cuadros favoritos. Cada vez lo he ido
conociendo más, haciéndolo más “mío”, la
sensación que me produce es
indescriptible, quizá no sea la única que
puede percibir su energía, he escuchado de
varios de los guardias la emoción que les
provoca, incluso uno de ellos, Roberto
Basaldúa, me comentó lo feliz que le hacía
poder admirar las piezas de noche, sin
prisa.

Desde que conocí el Museo a finales de

1991 y yo preparaba mi primera exposición
individual para agosto de 1992, ¡he andado
tanto! He viajado a exponer en otros
países, he tenido oportunidad de ver
tantos museos y exposiciones que no creo
poder enumerarlas, y con el paso de los
años pensé que un día expondría en
marco, lo que nunca sospeché es que ahí
daría clases.

Hace ya más de dos años que Indira me

convenció para que diera un curso, la
primera vez que me lo propuso, estaba
viajando constantemente con
exposiciones y compromisos fuera de
México, además quizá por estar
acostumbrada a que mi proceso creativo y
productivo son actividades muy solitarias,
no estaba segura de tener el carácter
necesario; había visto a mi mamá dar
clases durante años, fui voluntaria con
niños, di un curso en Hong Kong con
jóvenes y adultos, y había suplido a mi
mamá muchas veces, pero sólo por
periodos cortos, principalmente me
preocupaba amarrarme a un horario. En el
2010, estaba muy cansada, quería un poco
de estabilidad y sabía que estaría un
tiempo sin viajar, pero sobre todo, la idea
de estar durante horas en el Museo me
seducía y por fin acepté.

Estos casi dos años y medio han sido

maravillosos, he disfrutado, he
descubierto personas extraordinarias, he
hecho nuevos amigos, pero sobre todo, he
gozado cada minuto que he estado en el
Museo, eventualmente también mi mamá

20
entró a dar clases y hemos podido
compartir esta experiencia juntas. El
primer grupo que tuve era sólo de 7
alumnos y fue creciendo hasta 31, muchas
veces me quedo después de terminada la
clase, no sólo porque en la dimensión que
habito cuando estoy pintando el tiempo
parece inexistente o porque no se vaya
ningún alumno sin el tiempo o la
corrección que le corresponde, sino
porque disfruto estar en el Museo. Ahora,
gracias a que los alumnos han sido fieles y
constantes, el taller ha evolucionado, a
partir de este periodo son dos grupos por
selección y de cupo limitado, además de la
clase ya conocida.

¡Sí, me gusta estar en marco!

Bueno, el colmo llegó hace una semana

cuando fui el sábado a dar clase y de
regreso, ya casi llegando a mi casa me di
cuenta que ¡se me quedó el carro en el
Museo!; últimamente me llevan a la clase
de la mañana o me voy en taxi, para
regresarme con mi mamá por la tarde y no
llevar dos carros. Pero ese día iba cargada
de cosas para la clase y decidí irme en mi
carro, por la tarde cuando salimos, me fui
con mi mamá y olvidé mi coche, quiero
pensar que es mi deseo inconsciente de
quedarme, el llamado de un lugar tan
mágico y maravilloso como lo es marco.

¡Quisiera que pudieran verlo todos a través

de mis ojos! Definitivamente fue amor a
primera vista que ha ido creciendo con el
paso de los años.

¡Sí, me encanta marco!

21
LORENA RODRÍGUEZ, artista visual originaria de Monterrey, ha expuesto su obra en forma individual y
colectiva en diversas ciudades de México y otros países, entre los que se encuentran Estados Unidos,
China, Argentina, Canadá, España, Francia, Inglaterra, Polonia y Singapur; en 2011, recibió el “Estímulo
a la Creación Artística” de Conarte. Desde el 2010, imparte los talleres de Producción Pictórica y de
Experimentación Plástica en marco.
Fotos: Cortesía MARCO

22
INFORMARCO
Abre marco sus puertas
a la Bienal FEMSA
Por fin, el jueves 14 de junio se sabrá
quiénes de los 83 seleccionados serán los
ganadores de la décima edición de la
Bienal FEMSA. El jurado está conformado
por los artistas plásticos Leda Catunda y
Pierre-Olivier Arnaud, así como los críticos
de arte Karen Cordero, Itala Schmelz y
Carlos-Blas Galindo.
En la exposición en marco se presentarán
las obras seleccionadas de la X edición, una
muestra de nueve artistas
latinoamericanos invitados y una
retrospectiva de los trabajos ganadores de
las ediciones anteriores.
La ceremonia de premiación e
inauguración dará inicio a las 7:30 pm y
estará abierta a todo el público.
AVANCES DE
AGOSTO/SEPTIEMBRE
P o r C l a u d i a O r t i z
Campamento de verano
Las vacaciones de los niños están a la
vuelta de la esquina, por lo que ya está listo
el campamento de verano. Este año se
contará con la presencia de los artistas
invitados Reynaldo Días Zesati, Vicente
Tapia, Marifer Barrero, Joel Quiroz, David
Garza y Óscar Lozano. Está dirigido a niños
de 4 a 12 años y durará seis semanas, del 25
de junio al 3 agosto.
Celebra marco el día de los museos
Como cada año, el pasado viernes 18 de mayo se celebró el Día Internacional de los Museos,
y el tema en esta ocasión fue “Museos en un mundo cambiante. Nuevos retos, nuevas
inspiraciones”. Para festejar este día, la entrada a marco fue gratuita y se ofrecieron
visitas guiadas por las exposiciones.
Sala de la exposición
¿Neomexicanismos? en marco
La música estará presente a lo largo del año, luego de finalizar la temporada de conciertos
de verano con el concierto de Astor Piazzolla a finales de agosto, dará inicio a finales de
septiembre la temporada de otoño que promete ser inolvidable.
23
Antony Gormley causa
revuelo en Sao Paulo
El artista británico Antony Gormley, quien
expuso en marco en 2008-09, está
sorprendiendo a los brasileños gracias a
las 31 esculturas de cuerpos humanos a
tamaño real que fueron colocadas en las
azoteas de varios edificios en Sao Paulo
como parte de su primera exposición en
ese país, la cual está organizada por el
Centro Cultural Banco do Brasil. Algunos
habitantes, alarmados por las esculturas,
llamaron a la policía reportando una
“persona” que estaba a punto de brincar
de un edificio.

Sala de la exposición Anthony

Gormley en marco (2008)

Orozco en la Bienal de La Habana Mario García Torres en

dOCUMENTA (13)
Entre los mexicanos que se presentarán
desde el 9 de junio en Kassel está el
coahuilense Mario García Torres quien
expuso en marco dentro de la colectiva
Registro 02. Mirar por segunda vez en 2011.
Como parte de las actividades paralelas de
aquella muestra, García Torres presentó el
proyecto ¿Alguna vez has visto la nieve
caer?, un ensayo sobre la fotografía y la
relación entre fotoperiodismo, el arte y el
arte conceptual que relata los
acontecimientos que rodearon al mítico
One Hotel de Kabul (Afganistán), que fuera
Sala de la exposición Gabriel Orozco en marco (2001)
administrado por el artista italiano
Alighiero Boetti (1940-1994). El artista
En mayo dio inició la XI edición de la Bienal cubana, entre los 180 artistas de 43 países que presentará en Documenta este proyecto
participan se encuentra el mexicano Gabriel Orozco, quien está exponiendo en el espacio junto a la película de ensayo Tea, que versa
conocido como “ruinas de circo” de la Facultad de Danza del Instituto Superior de Arte. sobre el One Hotel, y la pieza Share-e-Naw
Orozco expuso en marco de enero a junio de 2001. Wand.

24
 P o r B e r t h a E l i z o n d o

Alejandro Cartagena en el San Francisco MOMA

Fotos: Cortesía Circuit Gallery Toronto y el Artista

San Francisco MOMA presenta desde el 10 de Marzo hasta el 8 de Julio la exhibición Photography in Mexico, la cual presenta obras de más de
150 fotógrafos, abarcando desde el periodo posterior a la Revolución Mexicana hasta el México contemporáneo. marco ha tenido la
fortuna de albergar algunas de las obras de artistas que participan en esta exhibición, Tina Modotti, Manuel Álvarez Bravo, Graciela
Iturbide, por mencionar algunos. Nos llena de alegría saber que también participa en esta exposición el fotógrafo Alejandro Cartagena,
quien forma parte del equipo de maestros de cursos y talleres de marco.

Fuente: http://www.sfmoma.org/exhib_events/exhibitions/447#ixzz1sWGMA2rPSan Francisco Museum of Modern Art

25

Víctor Legorreta en marco
Con la calidez humana y sencillez que lo
distingue, Víctor Legorreta regresó a este
espacio diseñado por su padre el Arq.
Ricardo Legorreta, el pasado 17 de abril,
para impartir una conferencia a jóvenes
estudiantes de la carrera de arquitectura
del Tecnológico de Monterrey. El
arquitecto habló sobre los retos de la firma
Legorreta + Legorreta en una generación
que se desplaza hacia la segunda década
del siglo XXI, mostrando ejemplos de sus
interesantes proyectos alrededor del
mundo.
Con la presencia de 160 personas, el
Dr. David Garza Salazar, Sra. Nina Zambrano, Arq, Víctor Legorreta
P o r A l e y d a V i o r n e r y
evento enmarcó la firma del convenio de
Fotos: Cortesía MARCO
c o l a b o ra c i ó n e n t re m a r c o y e l
Tecnológico de Monterrey que propone
llevar agendas conjuntas para la
realización de proyectos académicos, de
capacitación y profesionales en las áreas
de arquitectura, arte y diseño industrial. El
convenio contó con la firma de la Sra. Nina
Zambrano, Directora General y Presidenta
del Consejo de Directores del Museo de
Arte Contemporáneo de Monterrey; el Dr.
David Garza Salazar, Rector de la Zona
Metropolitana de Monterrey del Instituto
Tecnológico y de Estudios Superiores de
Monterrey; y el Arq. Víctor Legorreta quien
Arq. Víctor Legorreta
fungió como Testigo honorario. Entre los
presentes estuvieron el Arq. James
Mayeux, Director de la Escuela de
Arquitectura, Arte y Diseño, así como los
directores de departamentos y carreras;
por parte de marco, Indira Sánchez,
Gerente del Departamento de Educación; y
Aleyda Viornery, Coordinadora de los
Programas para Jóvenes y Adultos. Con
esto, ambas instituciones logran estrechar
de nuevo una relación que beneficiará al
desarrollo artístico y académico de los
futuros profesionistas de México.
26
 P o r A l e y d a V i o r n e r y

Seducere
El viernes 20 de abril se inauguró la exposición Seducere del pintor Miguel Ángel Ricárdez en la galería Arte Actual Mexicano. En ésta, la
segunda ocasión que expone en ese espacio, se presentaron 20 obras que abordan el tema de la seducción a partir de pinturas que emulan
la presencia de la piel, por medio de una técnica que data del renacimiento aplicada a un lenguaje contemporáneo. En este proceso
pictórico se construye la superficie del lienzo con una consecución de finas veladuras que crean el color, profundidad y atmósfera de la
obra.

Durante el proceso uno se entrega por completo a la obra,

usando un lenguaje abstracto, en esta entrega llega un
momento en el cual uno no sabe quien seduce a quién, si
tú seduces al lienzo por medio del gesto pictórico, o el
lienzo es el que seduce al pintor, generando una simbiosis
entre la obra y el pintor.
Miguel Ángel Ricárdez

Fotos: Cortesía Miguel Ángel Ricárdez

Seducere, 2012
Óleo sobre lino
110 x 130 cms

En la obra de Ricárdez se siente la epidermis, la piel, y lo

que deja respirar, en términos metafóricos, aparecen
campos de color, gestos, ritmos, con texturas muy
delicadas que dejan respirar cicatrices que pueden ser
como la piel que se hiere, que se sana, o que está en
proceso. Dermis, 2012
Guillermo Sepúlveda Óleo sobre lino
60 x 100 cms

Desde el año 2005, Miguel Angel Ricárdez ha impartido en marco una serie de talleres como: Temple y óleo, La figura humana en la
pintura, Experimentación plástica, entre otros; también ha colaborado con el Programa CREARTE como artista invitado en el taller Arte
Terapéutico para niños y niñas víctimas de desintegración familiar del Centro Capullos del DIF Nuevo León.

27
ENTRE VOLUNTARIOS

P o r E d n a C a t a l i n a C a n o

Dr. Atl. Obras maestras

CAPACITACIÓN

Fotos: Bertha Elizondo

El pasado 22 de mayo, previo a la apertura al público, tuvo lugar el recorrido de capacitación guiado por Andrés Blaisten, curador de la
muestra Dr. Atl. Obras maestras, quien, con gran pasión, destacó la importancia de esta exposición, a 28 años de la última retrospectiva del
artista, las características de la obra de Dr. Atl y algunas anécdotas de su vida que marcaron su obra. La muestra se exhibe desde el 24 de
mayo en las salas de la Planta Alta del Museo.

28
 “Creación de ciudades”
Como parte del programa de capacitación de voluntarios, el sábado
25 de mayo tuvo lugar una muy interesante charla titulada “Creación
de ciudades: De los griegos al siglo XXI” a cargo de la arquitecta Alicia
Guajardo, con estudios de postgrado en planeación y desarrollo
urbano por el Massachusetts Institute of Technology y la Harvard
University Graduate School of Design. El gusto por la historia de la
arquitecta Guajardo quedó manifiesto al guiar a los asistentes en un
viaje conociendo la evolución de las ciudades.

Celebración
El pasado 11 de mayo tuvo lugar un convivio de voluntarias para celebrar el Día de las Madres, la reunión dio comienzo con la presentación
de Gaby Fuentes, artista invitada para compartir sus experiencias en las artes plásticas y quien preparó un obsequio personalizado para
cada una de las asistentes. El café y los pastelitos fueron aderezados con el juego de la lotería Neomexicanista, diseñada para la ocasión, y la
rifa de libros y revistas de arte. ¡Felicidades a las mamás voluntarias!

Fotos: Bertha Elizondo

29