Danza medieval

Artículo principal: Danza medieval

Se conocen muy pocas danzas. No obstante, se saben los nombres de algunas de las danzas
musicales y la literatura superviviente, como:
 Carol | Ductia | Estampie | Saltarello | Trotto
La farándula también es presentada con frecuencia como una danza medieval, basándose en
la iconografía existente.

Danza renacentista
Artículo principal: Danza renacentista
Los primeros manuales supervivientes de danza provienen del Renacimiento, que incluyen
ejemplos de Guglielmo Ebreo da Pesaro, Fabritio Caroso y Thoinot Arbeau. Estos nos
permiten reconstruir las danzas con un mayor grado de certeza. Hay que tener en cuenta el
gran número de danzas de origen español, lo que refleja la influencia cultural de los que
dominan el poder en esa época. Algunos tipos de danza renacentista son:
 Alemanda | Baja
danza | Branle | Canario | Courante | Dompe | Gallarda | Lavolta (variación de la gallarda)
| Danza Morris | Pavana | Zarabanda | Spagnoletta | Turdión(gallarda rápida).

DANZA DE LA INDIA
denominan danzas clásicas de la India a las incluidas en el "Nâtya-shâstra",1 un tratado
artístico que se atribuye al rishi Bhârata escrito alrededor del año 400 a. C.
Esta obra se divide en treinta y ocho capítulos, que describen las convenciones del teatro,
el drama, la poesía, el canto y la música. Incluye reglas sobre temas tan diversos como los
edificios ideales para interpretar estas artes, las reglas de prosodia y dicción, los tipos de
personaje, la forma de representar los sentimientos, y los movimientos de cada miembro. Se
describen en detalle sesenta y siete mudrâ (posiciones de las manos) y treinta y seis
movimientos de ojos.
Diferencias conceptuales[editar]
Una cuestión importante a tener en cuenta es que la concepción de "danza clásica" es de
cuño netamente occidental, y -por analogía- alude en el caso de India a representaciones
artísticas de tradición milenaria: en realidad el término nâtya,traducido en forma simplificada
como "danza"2 tiene un significado más amplio que el que representa la palabra en occidente,
ya que involucra canto, música, teatro y otras disciplinas.

Los nueve estilos[editar]

Los nueve principales estilos de danza que se describen en el tratado son los siguientes:
Bharatanatyam[editar]
Bailarina de bharatanatyam.
Artículo principal: Bharatanatyam
Es una danza solista originaria del sur de la India, que presenta mucha dificultad técnica y -por
tanto- debe en general ser estudiada desde temprana edad.
Incluye por lo general siete partes típicas:
 Ganapati Vandana, obertura dedicada al dios Ganesha, que elimina los obstáculos.
 Alarippu, representación rítmica ("tala"), con series de sílabas cantadas por el intérprete.
Consiste en la segunda parte de la introducción, donde se pide la bendición del
espectáculo, y los movimientos cada vez más complejos simbolizan el florecimiento del
arte mediante la figura de una flor que se vá abriendo.
 Jatiswaram, danza abstracta de ritmo marcado por el tambor.
 Shabdam, danza acompañada por un poema o una canción sobre un tema devocional
o amoroso. Constituye la primera sección narrativa del espectáculo.
 Varnam, es la pieza central de la obra, y -al mismo tiempo- la más extensa. Muestra
movimientos de pies cada vez más complejos y difíciles. Las figuras que se representan
mediante manos y cuerpo cuentan una historia, a menudo de amor y de deseo.
 Padam, sección lírica donde el intérprete expresa varias formas de adoración: al ser
supremo, el amor maternal, el amor de los amantes separados y luego reunidos.
 Tillana, danza abstracta con importante exhibición de virtuosismo en la técnica de baile.
Luego de esta última sección de danza, el espectáculo termina con el recitado de versos
religiosos a manera de bendición final.
Odissi[editar]
Bailarines de odissi.
Artículo principal: Odissi
Odissi es otra danza clásica descripta en el "Nâtya-shâstra"; con más de 2.000 años de
tradición, que reconoce orígenes en Orissa, dentro del esquema de culto a Jagannātha.
Esta danza es heredera de los bailes de los devadâsî3 del templo de Puri, y al estar prohibida
durante la ocupación inglesa, buena parte de la tradición se perdió, aunque los coreógrafos la
han paulatinamente recuperado gracias a manuscritos históricos e imágenes de los templos.
En la técnica de esta danza el cuerpo del intérprete se subdivide en tres partes: la cabeza, el
busto y las extremidades. Los movimientos y las expresiones están dirigidos a describir y
representar fuertes emociones.
El baile se acompaña de un recital de poesía cuyo tema es el amor entre Krishna y Radha.
Mohiniyattam[editar]
Artículo principal: Mohiniyattam

Bailarina de mohiniyattam.
Mohiniyaattam (sánscrito: मममममम मममम) es la danza tradicional de Kerala. Consiste en
una danza muy graciosa, protagonizada únicamente por mujeres.
El término deriva de "Mohini" que significa "mujer que encanta a quienes la miran", y "aattam";
"movimientos gráciles y sensuales". Así el concepto significa "Danza de la encantadora".
La danza incluye ágiles saltos y movimientos suaves con el torso erecto. Se dice que es una
representación del canto de las palmeras y el fluir de los ríos, ambos abundantes en Kerala.
La coreografía sigue los textos del Hastha Lakshanadeepika, que incluye
elaboradosmudras.4 Existen unos cuarenta movimientos básicos, conocidos como "atavukal".
La vestimenta de la bailarina es un sarí blanco con brillantes brocados dorados. Dado su
carácter, tradicionalmente solo las mujeres bellas podían interpretar esta danza.
La música vocal del mohiniattam incluye variaciones en la estructura rítmica
denominadas chollu. La letra está en Manipravala, una combinación de sánscrito y malayalam.
Kuchipudi[editar]
Bailarina de kuchipudi.
Artículo principal: Kuchipudi
Kuchipudi (मममममममम) es una danza grupal tradicionalmente masculina, reservada a los
miembros de la casta sacerdotal brahman. En ella incluso los papeles femeninos eran
representados por bailarines varones, aunque en épocas modernas también han incursionado
en este género las mujeres. Es originaria de la villa homónima, junto al golfo de Bengala, en el
estado de Andhra Pradesh.
La interpretación comienza usualmente con algunos ritos y ofrendas, en los que cada artista
arriba a escena y se lo presenta mediante un "daru"5 que describe al personaje y su rol en el
drama.
Luego de esta introducción, la danza se acompaña con música carnática. El cantante es
acompañado por mridangam,6 violín, flauta ytambura.7
Los ornamentos que usan los artistas se construyen habitualmente de una madera blanda
llamada boorugu.
Ya iniciado el siglo XX, el estudio y la interpretación del patrimonio folclórico llevó a incorporar
al estudio de estas formas de expresión otras variantes más recientes, en particular originadas
en el norte del país. Por este motivo es frecuente hablar de nueve formas de danza clásica,
sumando a las cuatro ya mencionadas las siguientes:
Kathak[editar]
Bailarina de kathak.
Artículo principal: Kathak
Danza narrativa del norte del Indostán, con influencias del imperio mogol, caracterizada por
giros, rápido trabajo de pies y una fuerte conexión entre danza y música, predominando en su
interpretación la tabla.
Kathakali[editar]
Intérpretes de kathakali.
Artículo principal: Kathakali
Originada en Kerala en el siglo XVII, es una forma de drama danzado que incluye formas
del Bharatanatyam, mudras y música vocal e instrumental.
Manipuri[editar]
Intérprete de manipuri.
Artículo principal: Manipuri
Procedente del estado de Manipur, fronterizo con Birmania, es una representación devocional
dedicada a Krishna y Radha, plena de movimientos gráciles y delicados.
Sattriya[editar]
Es una danza ceremonial orginada en Assam en el siglo XV, con temas por lo
general mitológicos.
Chhau[editar]
Forma tribal de danza marcial de Orissa, surgido originalmente como parte de las festividades
solares correspondientes al mes entre marzo y abril.
DANZA CHINA
Historia[editar]
Una bailarina de ladinastía Tang en un mural descubierto en Xi'an bailando con un chal.
Existe un amplio registro histórico de las diversas formas de la danza en China. El carácter
chino más antiguo de la palabra «baile», , escrito en los huesos oraculares, es en sí mismo
una representación de una bailarina en una celebración sosteniendo rabos de bueyes en cada
mano.1Algunas características de los bailes chinos de la actualidad, como ser bailar con
mangas largas, se han registrado desde los primeros períodos, que se remontan a la dinastía
Zhou. Las danzas más importantes de los primeros tiempos fueron las danzas rituales y
ceremoniales llamadas «yayue», este tipo de danza se bailó hasta la dinastía Qing, pero hoy
solo sobrevive en actuaciones durante ceremonias confucianas.
En la era de las Seis Dinastías (220-589 dC), hubo fuertes influencias de Asia Central en la
música y en la danza. El arte de la danza alcanzó un pico en la dinastía Tang, y los bailes de
la época eran muy diversos y cosmopolitas; los bailes de Asia central fueron muy populares.
Se registró un gran número de danzas en la dinastía Tang; por ejemplo, hay más de 60
composiciones grandes que son actuaciones a gran escala de la corte Tang.2 El arte de la
danza, sin embargo, declinó como una forma de arte independiente en dinastías posteriores, y
los bailes quedaron absorbidos en la ópera china. En tiempos más recientes, el arte de la
danza en China ha disfrutado de un resurgimiento, y los desarrollos modernos de danzas
chinas continúan a buen ritmo.

Danza tradicional[editar]
Muchas de las danzas tradicionales tienen una larga historia. Estos son bailes folclóricos, o
bailes realizados como rituales o como espectáculo de entretenimiento, y algunos pueden
haber sido realizados en la corte imperial. Entre las danzas danzas tradicionales chinas más
conocidas se encuentran la danza del dragón y la danza del león. Una forma de la danza del
león similar a la danza realizada en la actualidad fue descrita ya en la dinastía Tang; sin
embargo la forma moderna de la danza del dragón, puede ser un desarrollo más reciente.

Danza del dragón.

En algunos de los primeros bailes registrados en China, los bailarines pueden haber vestido
como bestias y animales míticos, y durante la dinastía Han, se mencionan algunas formas de
la danza del dragón. La danza del dragón de la dinastía Han, sin embargo, no se parece a la
forma moderna de dicha danza. La danza del dragón mencionada incluye un baile realizado
durante un ritual para atraer la lluvia en tiempos de sequía, ya que al dragón chino se le asoció
con la lluvia,3 4 actúa en la variedad baixi muestra donde los artistas disfrazados de un dragón
verde tocan una flauta, y los actos donde el pescado se convirtió en un dragón.5 6 La danza
del dragón moderna utiliza una estructura ligera manipulada por una docena de hombres que
usan postes a intervalos regulares a lo largo de la longitud del dragón, en algunas versiones el
dragón puede ser muy largo e involucrar a cientos de artistas. Hay más de 700 danzas del
dragón diferentes en China.7

Danza del león.

Con respecto a la danza del león, se ha sugerido que provienen de fuera de China, debido a
que el león no es originario de China, y la palabra china para león, shi (獅), puede haber sido
derivada de la palabra persa «šer».8 La descripción detallada de la danza del león apareció
durante la dinastía Tang y luego se reconoció como un aporte extranjero, aunque es posible
que la citada danza puede haber existido en China ya en el siglo III de nuestra era.9 Se ha
sugerido que los orígenes de la danza se remontan a India y Persia,10 11 y fue introducida
durante las distantías meridionales y septentrionales que tenían asociación con el budismo.
Una versión de la danza del león que se asemeja a la moderna danza del león fue descrita por
el poeta Tang Bai Juyi en su poema "Artes occidentales de Liang" (西凉 伎), donde los
bailarines usan un traje de león hecho de una cabeza de madera, cola de seda y cuerpo
peludo, con los ojos dorados con oro y dientes plateado con plata, y orejas que se
mueven.12 Hay dos formas principales de danza china del león, la del León del Norte y la del
León del Sur. Una forma de la danza del león también se encuentra en el Tíbet, donde se le
llama danza del león de nieve.13
Danzas folclóricas en la etnia Han[editar]
Las danzas folclóricas han sido importantes históricamente en el desarrollo de la danza en
China, algunos de los primeros bailes en rituales y ceremonias de la corte pueden haber
evolucionado a partir de danzas populares. Los gobernantes de diversas dinastías recopilaron
danzas populares, muchas de las cuales eventualmente se convirtieron en bailes de la corte.
Sin embargo, en varias ocasiones hubo expresiones de antipatía hacia algunas danzas
folclóricas y algunos emperadores habrían intentado prohibirlas.
Muchas de las danzas populares están relacionadas con la cosecha y la caza y los antiguos
dioses asociados con estos oficios. Por ejemplo, la danza de la constelación se realizó para
obtener una cosecha de semillas abundante, en una asociación con la gran cantidad de
estrellas que hay en el cielo, mientras que la danza de l'arpón se asoció aFuxi que según la
mitología dio la red de pesca a la etnia Han, y la danza del arado estaba conectada
a Shennong, el dios de la agricultura.7
Algunos ejemplos de danza folclóricas chinas son:
 El Yangge, una danza que es común en el norte de China.
 La danza de la linterna, un baile propio del sur de China.
 Er Ren Zhuan.

Danza folclórica de un grupo minoritario en China.

Danzas folclóricas en etnias minoritarias[editar]
Hay muchos grupos minoritarios de China y cada uno tiene sus propias danzas que reflejan su
cultura y forma de vida.14 Algunos ejemplos de estas danzas son:
 La danza Baishou, una danza de los tujia.
 Danza del Tazón de Mongolia (頂 碗 舞), un baile donde bailarinas equilibran varias copas
en la cabeza mientras bailan.
 Danza del tambor largo (長 鼓舞), un baile de la etnia Yao que inspiró la composición de
danza orquestal de la tribu Yao.
 Sanam, una danza uigur.
 Lhamo, una ópera tibetana con baile y canto.
Danza teatral[editar]
Danza como parte de la Ópera de Pekín en una interpretación de "Tiannvsanhua" (天女散花).
En los centros de entretenimiento llamados «wazi» durante la dinastía Song, florecieron
diversas formas teatrales y la ópera china comenzó a tomar forma, y la danza comenzó a ser
fusionada en la ópera. Bailes como la "Danza del Juicio Final" (舞 判, también llamada la
«Danza de Zhong Kui», 跳 鐘 馗) durante la dinastía Ming, y danzas de la dinastía Song como
«Batiendo la Bandera» (撲 旗子) se convirtieron en piezas de ópera. Otra danza adoptada por
la ópera es la danza de la espada. La ópera china se hizo muy popular durante la dinastía
Yuan y dinastías posteriores, y numerosas danzas fueron absorbidas por la ópera.
Danzas rituales[editar]
La mayoría de los primeros registros de danzas en China corresponden a danzas rituales o
ceremoniales, y estas danzas formaron la «yayue» que se considera de gran importancia en la
corte. Estas danzas han desaparecido en gran parte de la cultura moderna del pueblo han,
aunque las danzas rituales todavía se encuentran en algunas tradiciones populares y en las
culturas de las minorías étnicas chinas.
 La danza Yi (佾舞, literalmente, "la danza fila"), fue originalmente una danza de la corte,
pero fue adoptada y pasó a formar parte de una ceremonia del confucianismo. Esta
antigua danza se puede realizar con filas de bailarines que sostienen plumas de faisán y
flautas de color rojo en una formación cuadrada (danza Civil) o los bailarines pueden
portar un escudo y un hacha de batalla (Danza Militar). La tradición de baile en la cual los
bailarines sostienen elementos como penachos de plumas se remonta a ladinastía
Shang.15 La ceremonia más importante se realiza con 8 filas de 8 bailarines (las ocho
danzas Yi, 64 bailarines en total). Originalmente estos bailes se realizaron con 6 filas de
bailarines (36 bailarines en total) en los templos confucianos ya que el arreglo de 8 filas
estaba restringido a la corte imperial,16 17 pero posteriormente se autorizo a realizar la
danza 8 hileras de bien en la base de que se le dio el título de rey por un
emperador.18 Una versión modernizada de tales actuaciones se presentan para los
turistas en el templo confuciano en Qufu.19 Esta danza confuciano también se realiza
en Taiwán y Corea.
 Las danzas Nuo (儺 舞), son bailes de máscaras que se pueden realizar como parte de la
ópera Nuo o como rituales durante las fiestas para alejar los malos espíritus.20
 La danza Cham, es una danza budista tibetana.

Baile en un parque como forma de ejercicio físico.

Danzas como ejercicio físico[editar]
Según Lushi Chunqiu, durante la época del emperador Yao, se creó una danza como un
ejercicio para las personas a mantener saludable después de un período prolongado de
tiempo húmedo.21 Tradicionalmente algunos bailes chinos también pueden tener relación con
las artes marciales y eran utilizadas para entrenar habilidades y aptitud de combate, y algunos
ejercicios de artes marciales, como el Tai chi, son similares a un baile coreografiado. En la
China moderna, es común encontrar personas que bailan en los parques como una forma de
ejercicio.
Danzas modernas[editar]
Interpretación de la obra «El destacamento rojo de mujeres» de 1972 por el Ballet Nacional de China.
Ballet[editar]
La primera escuela de ballet en China, la Beijing Dance School, fue establecida en 1954 con
Dai Ailian como su director y atendida por algunos maestros rusos, incluido Pyotr Gusev que
instituyó el sistema de formación en Rusia.22 En los años siguientes, ballets como El lago de
los Cisnes o Romeo y Julieta fueron interpretados.23 El Ballet Nacional de China fue fundada
en 1959 con la denominación de Compañía Experimental de Ballet de la Escuela de Danza de
Pekín.22 Durante la Revolución Cultural bajo el control de Madame Mao, los dramas
revolucionarios modelos pasaron a primer plano, y el repertorio fue finalmente reducido a dos
ballets ideológicos - El destacamento rojo de mujeres y El cabello de la chica blanca. Tras la
caída de la Banda de los Cuatro, la compañía de ballet se reformó y cambió de dirección con
los ballets clásicos occidentales resucitados, y también amplió su gama para incluir más
ballets modernos de todo el mundo.22
Otras compañías de ballet en China son:
 Compañía de Ballet de Shanghái
 Guangzhou Ballet
 Hong Kong Ballet
 Liaoning Ballet
 Suzhou Ballet
 Tianjin Ballet
Danza contemporánea[editar]
 BeijingDance / LDTX
 Compañía de Danza Moderna de Pekín
 Compañía de Danza Contemporánea en la ciudad de Hong Kong
 Compañía de Danza Moderna de Guangdong
 Living Dance Studio en Beijing
Danza tradicional moderna[editar]
Muchos bailes presentados como tradicionales en los cines y la televisión son la imaginación
moderna de danzas antiguas utilizando coreografía moderna, por ejemplo la famosa danza de
los vestidos emplumados de arcoíris de la dinastía Tang.
 La danza Dunhuang, una composición moderna inspirada en los frescos de las cuevas de
Mogao.
Danzas sociales[editar]
Los bailes de salón occidentales se hicieron populares en el siglo XX, antes no habría sido
permisible para los hombres y las mujeres de familias respetables el bailar juntos.24 En
la década de los 40 los clubes nocturnos de Shanghái fueron muy populares, y los líderes
comunistas tempranas como Mao Zedong y Zhou Enlai también eran ávidos bailarines de
salón de estilo soviético. El baile de salón, sin embargo más tarde desapareció después de
la Revolución Cultural para ser sustituido por grupo masiva baila como la danza yangge. Los
bailes de salón, sin embargo, reaparecieron después de la liberalización de China a finales de
siglo, y son ahora comúnmente encontrados realizados por muchas personas en los parques
públicos como forma de ejercicio físico.25
DANZA JAPONESA

Qué es la Danza Tradicional Japonesa

El 日本 舞踊 que se pronuncia “Nihon Buyou” se traduce al español como: Danzas
Tradicionales Japonesas.
Este estilo de danza nacido hace más de 300 años en Japón, posee ciertas
características que definen a la cultura nipona. A diferencia del 盆 踊り “Bon Odori”
que se trata de un baile popular festivo, el Nihon Buyou es un espectáculo
concienzudamente planeado para ser presentado sobre un escenario y deleitar a los
espectadores en todos sus sentidos.

La sensualidaddel espíritu japonés se expande cuando mediante la danza, logra

atravesar la discresión que impone el kimono.

Sus orígenes se encuentran en las danzas ceremoniales de la Corte (Bugaku), en las danzas
con sentido ritual (Kagura), en los bailes y festejos populares y en las danzas budistas
llamadas Ennen. Las expresiones artísticas medievales como el Noh y el Kowaka mai,
también imprimieron razgos importantes en sus técnicas y principios estéticos.
Posteriormente el teatro Kabuki terminó por definir el estilo de lo que se califica como
danza japonesa “tradicional”.

Buyou= 舞踊- desmenuzando el signficado

舞 Bu o Mai, se utilizaba para referirse a danzas antiguas, preferentemente de la

zona de Kansai (actuales regiones de Osaka y Kyoto) que eran conocidas como
Kamigata mai. Sus movimientos son suaves y tranquilos y solo se mueve la parte
superior del cuerpo. Las piernas se deslizan sigilosamente al ras del piso y se
caracterizaban por ser danzas destinadas a la Alta Corte y clases altas.

踊 You u Odori, se asociaban a los bailes populares y al kabuki que comenzó a

desarrollarse en el período Edo (1600-1868) principalmente en la zona de la actual
Tokyo y sus alrededores. Aqui la parte baja del cuerpo toma relevancia y se marca
el ritmo con pasos ligeros y pausas llamados “ma”.

Técnica de baile: El Nihon Buyou tiene un elemento fundamental: LA TIERRA.

A diferencia de la estética occidental donde toda la danza aspira a “elevarse” hacia
los cielos. La danza tradicional japonesa se caracteriza por afirmarse bien en la
tierra. Y el cuerpo, como un árbol de raíces firmes, hunde sus pies y se afirma.

Las piernas algo inclinadas y los pasos cortos, presentan a los bailarines como seres
sólidos y compactos. Los hombros siempre permanecen alineados y los delicados y
precisos movimientos de cabeza se encargan de transmitir toda la energía y
expresión del espíritu japonés.

De acuerdo a la calidad del movimiento, se pueden encontrar estos estilos en este

baile oriental:

Mai: movimientos lentos y solemnes

Odori: danza rápida y alegre
Shosa: expresión de emociones y sentimientos

Vestuario y escenografía:
El kimono, con sus telas y diseños apropiados al acontecimiento, época del año y
edad de la persona que lo viste, otorga a los eventos el aire de formalidad que tiñe a
la cultura japonesa. Si bien en la actualidad la ropa occidental es lo corriente, para
eventos especiales los japoneses recurren a su atuendo tradicional pues se lo asocia
aún día, como una prenda de vestir exquisita, de alto contenido sentimental y de
extrema elegancia.

En los bailes, dependiendo de la pieza a interpretar, el vestuario puede variar.

Existen algunos bailes cuyo despliegue no requiere de vestimentas complejas, sinó

que con kimonos sencillos se pueden asociar a estaciones del año de forma
inmediata por asociación implicita. Colores ocre con el otoño, colores rosados para
la primavera y así sucesivamente. Estos bailes se asocian a danzas que se realizaban
en pequeñas habitaciones con piso de tatami (fibra de bambú que recubre los pisos
de las casas japonesas a modo de esteras), medias tabi (de dos dedos) y maquillaje
austero. En general, el escenario para este tipo de danza, solo requiere de un
biombo de papel dorado como fondo o piezas decorativas en bambú.

Por otro lado, las piezas derivadas del kabuki, intentan resaltar la presencia del
bailarín y el atuendo y el entorno se tornan más vistosos. Es usual utilizar pelucas
propias de la época del medioevo japonés llamadas katsura. Si la escena se
representa en el exterior, el personaje calzará gueta o sandalias de madera. Si la
escena por el contrario, es en el interior de algún recinto, el personaje estará en
medias tabi.

La pintura blanca en la cara es un derivado del teatro Kabuki. Se realzan asi los
ojos, las cejas y los labios y da al cuello y las manos, la textura de una muñeca de
porcelana. La escenografía para esta clase de danzas es más compleja y pueden
representarse casas, jardines, puentes, y locaciones exteriores.

El abanico llamado osensu es lo que define a la danza japonesa tradicional.

Básicamente encarna su espíritu. Puede hacer alusión a diversos objetos durante
un baile. Puede ser una pipa, un remo, un barril de sake, un instrumento musical,
un arco, una espada etc). También puede representarse con él las condiciones
climáticas del tiempo como la nieve, el viento, la brisa, etc. Y dependiendo de la
forma de uso, el espectador descubrirá si el personaje es hombre o mujer, adulto,
niño o viejo. De esta forma la austeridad de la danza japonesa suma recursos para
expresar su arte y su esencia.

GRIEGA
Historia del baile griego[editar]
Se cree que nació cuando Teseo, quien se metió en el laberinto Knossos para rescatar a su
amada Ariadna, regresó a su país, se dirigió al dios Delos y como ofrenda bailó como
una serpiente en representación de todo a lo que se había enfrentado en su camino. El
apogeo de la danza se efectuó durante la edad clásica, en que más de 200 danzas religiosas,
atléticas, dramáticas y populares eran ejecutadas en el teatro, en el estadio y en el templo;
siendo cuando Terpsícore, la musa de la danza, era más apreciada y honrada. Cuando
Casiopea, reina de Etiopía, ofendió a la diosa Hera, y tuvo que dar a su hija en sacrificio, los
habitantes ejecutaron las bellas danzas de Andrómeda a la orilla del mar, en donde se
esperaba la llegada del Kráken (titán marino) para devorar a la bella Andrómeda y salvar el
reino. Tras la victoria de Perseo sobre este monstruo marino, y por haber rescatado a su
amada, el pueblo se llenó de júbilo, ejecutando danzas de alegría.
Algunas danzas[editar]
De todas las danzas de la antigua Grecia, alrededor de 30 han llegado a nuestros días. Los
pasos y los movimientos de los bailarines eran muy parecidos a los que caracterizan las
danzas griegas de hoy.
 Rembétika: originada cuando los griegos que emigraron a Turquía regresaron a Grecia
tras ser expulsados después de la guerra. Se afincaron en los arrabales de Atenas y
Salónica e iniciaron el movimiento rembétiko, que hace referencia a manifestar la tristeza.
Los griegos repatriados reciclaron varios ritmos tradicionales para expresar la
problemática del hombre y la mujer de la gran ciudad. A este grupo pertenecen danzas
como el hasápiko, hassaposerviko, tsifteteli o el sirtaki popularizado por la películaZorba el
Griego.
 Hasápiko: Fue la danza de la Asociación de Carniceros de Constantinopla durante el
periodo bizantino, aunque luego se la conoció como Makelarikos (carnicero). La danza se
realiza con las manos en los hombros de los compañeros, los bailarines improvisan el
orden de las variaciones, comunicándose con palmadas en los hombros.
 Tsestos: Danza procedente de la frontera con Bulgaria. Fue adoptada por los griegos
expulsados de Bulgaria tras la primera guerra mundial. La bailan hombres y mujeres.
Comienza con un ritmo moderado, y tiene numerosas figuras que se van encadenando
una tras otra.

Antigua Roma[editar]

Bailarina con patera y rhytos, s. I dC.

Entre los romanos se usaba una especie de danza que mejor debería llamarse pantomima en
los entierros o funerales. Un hombre tomaba el vestido del difunto y, cubierta su cara con
una máscara, iba delante de la pompa lúgubre remedando las costumbres y modales más
conocidos del sujeto que representaba, de modo que venía a ser un orador fúnebre sin hablar
una palabra, de todas las costumbres del muerto.
El baile o danza de los salios fue instituido por Numa Pompilio, segundo rey de Roma, en
honor de Marte, el que ejecutaban doce sacerdotes llamados salios escogidos de las más
ilustres familias de Roma.
El baile del Himeneo o «danza nupcial» estaba en uso entre los romanos. Se ejecutaba en los
matrimonios de los antiguos por jóvenes y doncellas coronados de flores, que con sus figuras
y con sus pasos expresaban la alegría que reina en una feliz unión. Con el tiempo este baile,
tan sencillo en su origen, pasó a ser un vivo ejemplo y una pintura la más obscena de las
funciones más secretas del matrimonio. La licencia y el libertinaje llegaron a tal punto que
el Senado se vio precisado a echar de Roma a todos los danzarines y maestros de semejante
baile.
Todos los pueblos, como hemos dicho, tuvieron sus bailes sagrados, que eran considerados
como una parte del culto que debía tributarse a sus divinidades. Los galos, los españoles, los
alemanes, los ingleses tenían sus danzas sagradas. En todas las religiones antiguas fueron
los sacerdotes danzadores por estado. Si hemos de dar crédito a Scaligero, los obispos fueron
llamados præsules en lalengua latina (a præsiliendo) porque ellas principiaban la danza
sagrada. Así es que en casi todas las iglesias que se construyeron en los primeros tiempos se
dejaba un terreno elevado al que se daba el nombre de coro; este era una especie de teatro
separado del altar, tal como se ve aún en el día de hoy en las iglesias de san Clemente o de
san Pancracio de Roma, en el que se ejecutaban las danzas sagradas con la mayor pompa en
todas las fiestas solemnes. Aunque estos bailes hayan sido sucesivamente desterrados de las
ceremonias de la Iglesia, no obstante se conservan todavía en algunos pueblos católicos en
honor de los misterios más augustos de esta religión.3

COMTEMPORANEA

ibremente con el cuerpo. Es una clase de danza en la que se busca expresar, a través
del bailarín , una idea, un sentimiento, una emoción, al igual que el ballet clásico, pero
mezclando movimientos corporales propios del siglo XX y XXI.
Su origen se remonta hasta finales del siglo XIX. En los inicios se buscaba una alternativa a la
estricta técnica del ballet clásico, empezaron a aparecer bailarines danzando descalzos y
realizando saltos menos rígidos que los tradicionales en el escenario. Con el tiempo, fueron
apareciendo variaciones en las que la técnica clásica brillaba por su ausencia e incluso se
introducían movimientos de otras técnicas corporales, como el flamenco, movimientos de
danzas tribales y hasta del yoga. Hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, este renovado
estilo de danza se llamó danza moderna, pero su evolución desde finales de los años 1940 en
adelante llevó a que se prefiriese a partir de entonces emplear la expresión danza
contemporánea. Hoy en día, las técnicas modernas dejan paso a un torbellino de mezclas de
estilos, llegándose incluso a no dejar claro a qué estilo se asemeja o qué patrones se siguen.
Se dice[¿quién?] que en la danza contemporánea (hoy día) "todo vale".[cita requerida]
Se pueden distinguir en los inicios dos escuelas, la Americana y la Europea.
Una característica distintiva es el uso de multimedia para acompañar las coreografías, como
video e imágenes usados de fondo.
La danza clásica tiene una dramaturgia con principio, clímax y desenlace. La danza
contemporánea puede seguir esta estructura o bien, contar historias de una forma no lineal.
La danza contemporánea puede hablar de un concepto, proponer un ambiente o presentar
movimientos con el propósito de conseguir una estética determinada, no siempre tiene que
contar una historia. Por otro lado, la danza clásica se construye a través de pasos ya
existentes y siempre codificados mientras que la danza contemporánea busca la innovación y
la creación de nuevas formas de movimiento de acuerdo con las necesidades del coreógrafo o
el intérprete. La danza clásica busca el preciosismo, lo estructurado y perfecto, la conexión
con lo etéreo, con lo celestial; más bien está ligada al concepto de lo apolíneo . La danza
contemporánea busca la conexión con lo terrenal, con lo humano y sus pasiones, la no
estructura, la transgresión; está ligada al concepto de lo dionisíaco.
Escuela americana[editar]
Primera generación: los pioneros americanos[editar]
 Isadora Duncan
 Loïe Fuller
 Diana Presuel
Segunda Generación: los fundadores de la "Modern Dance" en
Estados Unidos[editar]
 Ted Shawn
 Ruth Saint Denis
Generación histórica: precedentes de la Denishawn[editar]
 Louis Horst
 Martha Graham
 Doris Humphrey
 Charles Weidman
Los otros creadores de técnicas[editar]
 José Limón
 Lester Horton
 Anna Sokolow
Tercera Generación[editar]
 Merce Cunningham
 Paul Taylor
 Alwin Nikolais
 Alvin Ailey
 Eleo Pomares
 Donald McKaylee
Escuela Europea[editar]
Primera generación: pioneros europeos[editar]
Filósofos y pensadores[editar]
François Delsarte (francés, 1811-1871)[editar]
Fue el inspirador de la danza contemporánea, primeramente con el nombre de «gimnasia
expresiva» (Bode) o, posteriormente, «gimnasia rítmica». Afirma que los estados espirituales
se deben representar a través de actitudes y movimientos del cuerpo como unidad, y no
únicamente del rostro. La preocupación por la técnica es mucho mayor que en el anterior.
Divide el cuerpo en tres zonas variables:
 Los miembros inferiores, expresan fuerza
 El torso y brazos, expresan lo espiritual y emocional
 Y la cabeza–cuello, el gesto, reflejan el estado mental
Sus ideas fueron llevadas a EE.UU. por uno de sus discípulos, Steele Mackaye, que junto con
Genevieve Sebbins difundieron e introdujeron estas ideas por las mejores escuelas de Nueva
York.
En Europa es Hedwig Kallmeyer, alumna de Sebbins, quien difunde sus ideas. En 1930, funda
en Alemania el Instituto de Cultura Expresiva y Corporal, donde enseña como forma de EF
para la mujer, el sistema de Delsarte, y con ello logra su inclusión en la escuela; además
publica Belleza y salud, que supone una reacción contra los movimientos gimnásticos
tradicionales.
Delsarte desarrolla las «leyes del movimiento armonioso», que son:
1. Ley de la postura armónica: posición equilibrada y natural como la posición de reposo
perfecta de las estatuas griegas.
2. Ley del movimiento opuesto: todo movimiento exige por principios de equilibrio un
movimiento opuesto de los otros segmentos.
3. Ley de la función muscular armónica: la fuerza muscular debe estar en relación directa
con el tamaño de los músculos.
Emile Jaques-Dalcroze (suizo, 1865-1950)[editar]
Fue el creador de la gimnasia rítmica, euritmia. Fue un hombre polifacético: músico,
coreógrafo, actor, compositor y pedagogo. Sus conocimientos musicales y corporales le
llevaron a percatarse de la necesidad del aprendizaje de estas dos actividades para el
desarrollo de la persona y a partir de aquí empezó a investigar las leyes del ritmo musical
mediante el movimiento corporal .
Las observaciones que efectuaba en sus alumnos de solfeo del Conservatorio de Ginebra
fueron el origen de su método de gimnasia rítmica:
 Observó que algunos progresaban auditivamente de una manera normal; sin embargo, les
faltaba la capacidad de medir los sonidos, la sensación de duración y el ritmar las
sucesiones.
 Comprobó que frecuentemente reaccionaban con movimientos involuntarios de ciertas
partes del cuerpo a consecuencia de la música (pe: golpeando el suelo con los pies),
deduciendo así que podía existir alguna relación entre la acústica y los centros nerviosos
superiores.
 No todos los niños reaccionaban de la misma manera. Muchos no conseguían coordinar
sus movimientos, al no responder correctamente el cuerpo a las órdenes nerviosas.
Basándose en estas observaciones concluyó que:
 Todo lo que en la música es de naturaleza motriz y dinámica, depende no sólo del oído,
sino también del tacto.
 Consideró que la musicalidad puramente auditiva era incompleta.
 La arritmia musical es fruto de una arritmia de carácter general.
 No es posible crear armonías musicales sin poseer un estado musical armónico interior.
El método de Dalcroze es un método de enseñanza musical a través del ritmo y el
movimiento. Utiliza una gran variedad de movimientos como analogías para hacer referencia a
los conceptos musicales, para desarrollar un sentimiento integrado y natural para la expresión
musical. Para su método, señala tres elementos centrales: ritmo, solfeo e improvisación. Su
finalidad consiste en armonizar las facultades de percepción, conciencia y acción por parte del
alumno. Pretende regularizar las reacciones nerviosas del niño, desarrollar sus reflejos,
proporcionarle automatismos temporales, luchar contra sus inhibiciones, afinar su sensibilidad
y reforzar sus dinamismos.
Para Dalcroze la rítmica no es un arte en sí, sino un medio o instrumento para llegar a las
demás artes. Su aportación fue revolucionaria al ser el primero que señala la importancia de la
música en el desarrollo personal y por marcar los inicios de lo que más adelante sería la
musicoterapia.
Los contenidos de trabajo empleados son:
 ejercicios de reacondicionamiento físico
 ejercicios para la educación de la mente
 estudio activo y creador del ritmo corporal.
 estudio activo y creador del ritmo musical.
Creadores de técnicas[editar]
Rudolf Laban (húngaro, 1879-1958)[editar]
Interesado en las ciencias esenciales para la comprensión del movimiento, estudió
matemáticas, física, química, anatomía y fisiología. Viajó alrededor del mundo en busca de la
actividad natural y cultivada. El ballet reclamó su mayor atención. Fue enemigo declarado de
las “puntas” y creía que el gesto expresivo tenía que dar origen a una liberación total del alma
y del cuerpo, en la misma línea que Isadora Duncan.
Laban elabora e interpreta los conceptos sobre el movimiento y la danza, definiendo tres
sistemas:
 Labanotación: es una forma de recordar los movimientos por medio de símbolos.
Consigue establecer una técnica de lenguaje escrito y fiable de los movimientos, de los
dinamismos, del espacio y de todas las acciones motrices del cuerpo.
 La técnica del icosaedro: permite a los estudiantes de danza ver los puntos hacia y desde
los cuales se mueven, mejorando su precisión en el movimiento.
 La danza expresiva, libre, creativa o danza educativa moderna: establece un conjunto de
principios y conceptos sobre el movimiento con la finalidad de servir como guía de
investigación y de reflexión sobre la manera de efectuar y concebir el movimiento. De esta
forma el individuo, a partir de unos temas específicos, ha de explorar y familiarizarse con
el movimiento, llegando a descubrir su propia técnica y elaborando su propio lenguaje
corporal.
Para Laban la danza es una forma de expresión corporal de un individuo o grupo, y cada uno
tiene su propia danza; por eso la técnica de la misma ha de facilitar diversas posibilidades de
acción que le hagan reforzar su personalidad.
Una sesión de danza contemporánea podría contener los siguientes elementos:
1. Training corporal: acondicionamiento corporal y físico.
2. Estudio del movimiento: es el centro de la sesión; se experimentan y realizan
secuencias de movimientos individuales y grupales.
3. Composición: verifica el dominio del tema trabajado anteriormente.
4. Observación consciente: observación de las composiciones anteriores para favorecer
el espíritu crítico, y relajación activa o pasiva.
Otras aportaciones de Laban son:
 Los coros de movimiento: que se caracterizan por el énfasis que pone en los movimientos
idénticos de varios danzantes para expresar emociones.
 Una técnica de los movimientos considerándolos desde cuatro aspectos:
 Tiempo: le interesa la rapidez y la lentitud y los cambios entre las dos (aceleración y
desaceleración).
 Peso: considera el movimiento fuerte y ligero. Los factores tiempo y peso dan la
cualidad dinámica al movimiento.
 Espacio: lo relaciona tanto con el modo en que nos movemos como con la dirección
en que lo hacemos.
 Flujo: este factor penetra en todo el movimiento y confiere la sensación de ser
detenido o sujetado.
Mary Wigman (alemana, 1886-1973)[editar]
Discípula de R. V. Laban, aporta como elemento la “intuición creadora”. Considera que el
oficio de bailarín es una vocación. Influyó en la formación de bailarines, creando su propia
escuela. Su influencia sobre la evolución de la gimnasia moderna se basa en la expresividad
exagerada de los gestos y en la alternancia entre contracción y relajación, manteniendo
actitudes continuadas tensas y crispadas que varían hacia movimientos dinámicos y alegres
ritmos. Utiliza distintas etapas en su enseñanza y entrenamiento de la danza: parte de la
danza sin ningún acompañamiento musical, luego introduce instrumentos de percusión (en los
que destacan los tambores) y finalmente llega la música.
Kurt Jooss (alemán, 1901-1979)[editar]
Segunda Generación[editar]
 Herald Kreutzberg
 Gret Palucca
 Vera Skonel
 Dore Hoyer
 Los Sajarov: Alexandre Sajarov y Clotilde von Derp
Tercera Generación[editar]
En plena Guerra Fría se desarrolla la danza contemporánea-clásica de muy distinta manera
en los distintos países europeos. La influencia de las escuelas de Laban y Mary Wigman se
ejerce sobre numerosos artistas y aparecen en todas partes unos cuantos intérpretes-
coreógrafos que no llegan a crear escuela. Tampoco la situación económica (Europa se
recupera de dos guerras) como geopolítica (Europa dividida por el "Telón de acero") propician
la creación de escuelas o movimientos estables de Danza.
También es importante el establecimiento de diversos coreógrafos y pedagogos
norteamercicanos, provenientes de la Modern Dance en Francia, España, Suecia, Alemania y
Austria. La difusión de las técnicas Graham, Limón, Horton y Cunningham serán importantes
en el futuro desarrollo de la danza actual europea.
No es hasta la década de 1980 que la danza contemporánea europea, sus intérpretes y
creadores toman consciencia y comienzan a desarrollarse compañías con sus particularidades
en cada uno de los países:
 Danza contemporánea en Alemania
 Danza contemporánea en Austria
 Danza contemporánea en España
 Danza contemporánea en Francia
 Danza contemporánea en Italia
 DANZA MODERNA
El concepto de la danza moderna se define en general sobre el desarrollo
de la danza, desde finales del siglo XIX, dio lugar a una nueva manera de
pensar acerca de la escena dance, en contraste con el ballet clásico-
académico. En algunos casos, la adopción de una terminología propia de la
anglo-mundo sajón, el término también indica algún tipo de baile de salón
que se desarrolló en el siglo XX.
Fundada como una rebelión en contra de la danza académica por ser
demasiado rígida y esquemática, danza moderna, tienen la intención de
encontrar una danza libre, que originalmente fue practicada a menudo por
la forma provocativa de la absoluta (también conocido hoy solamente),
realizada a menudo en zonas no teatrales, en marcado contraste con el
esplendor de los grandes ballets.
No fue inicialmente una rebelión deliberada contra, pero el resultado de
una serie de cambios de pensamiento [1] que encontró una base fértil sobre
todo en las teorías de François Delsarte, transmitido en Estados Unidos
entre 1830 y 1870 por algunos de sus estudiantes y discípulos.
Loie Fuller, Isadora Duncan y Ruth St. Denis, seguido por Martha Graham
y Doris Humphrey, se impusieron en el escenario mundial mediante el
desarrollo de un estilo particular de danza libre, que luego dio origen a la
danza moderna se caracteriza por su propia estética y sus patrones de
expresión y la educación.
En Europa, las tendencias, regresó y revisado por Émile Jaques-Dalcroze y
Rudolf von Laban, marca el camino del cambio, acompañado de los métodos
de enseñanza que poco a poco llevó al desarrollo de la danza moderna y,
especialmente, la danza expresionista (Ausdruckstanz).
Las características distintivas de la danza moderna
La definición de "moderno" en las actuales (también llamado "nueva danza"),
se debe al hecho de que ciertas características en agudo contraste con el
ballet. Danza moderna se niega a usar el cuerpo natural, las seis posiciones
de los pies y brazos. Vamos a usar en lugar del gesto y del movimiento que
expresa la personalidad de la bailarina de la naturalidad.
Desaparece el esplendor de los trajes y los conjuntos se han reducido a un
fondo de color único o de unos pocos elementos simples u objetos. La figura
del bailarín y el coreógrafo a menudo coinciden. En algunas producciones,
el coreógrafo y bailarín también es escenógrafo, diseñador de vestuario y
el director de iluminación. Danza moderna, utilizando un lenguaje codificado,
como en el caso del ballet clásico, y el tanque de la improvisación. Los
movimientos de la danza moderna, sin embargo, también una "gramática",
precisa. La técnica de Graham, por ejemplo, el baile no es "libre" a la
manera de Isadora Duncan o un "lenguaje personal", sino una técnica de la
danza verdadera y rigurosa. Lo mismo va para la técnica de Cunningham,
Horton, Limón y otros muchos países desarrollados más tarde. Confundir la
danza moderna y danza libre es por tanto un error.
Otro elemento que distingue a la danza moderna de la producción académica,
por un gran número de coreógrafos, de los escritos teóricos. Danza
moderna, a veces también se inspira en el estudio histórico y antropológico
de las danzas étnicas de la no-los países occidentales, a través del cual
puede mejorar la danza de los diferentes elementos, la forma renovada y
sustancia de la expresión. Este es el caso de muchos de los pioneros de la
danza estadounidense, como Isadora Duncan, Ruth St. Denis y Ted Shawn.
Uno de los más conocidos ejemplos contemporáneos de estampación Jiri
Kylian's Ground es una coreografía de 1983, inspirada en las danzas de los
aborígenes australianos.
En la danza moderna, el cuerpo se mueve respetando los nuevos cargos
técnicos y expresivos, pero no libremente, impulsados por un deseo de
encontrar una nueva relación con el espacio y el tiempo. De hecho, da gran
importancia al estudio del movimiento como medio de análisis de la dinámica
física que participan en los cuerpos en movimiento en el espacio (por ejemplo,
la fuerza de gravedad). Los bailarines de ballet se muestran de frente al
público y todos sus movimientos crecimiento de este tipo de relaciones
espaciales. La posición del tronco es recta y las piernas giran hacia el
exterior de la cadera artículo. En la danza moderna, sin embargo, la danza
los bailarines que ocupan todo el espacio del teatro, mostrando la cara o
de espaldas a la audiencia. La posición del tronco sobre las piernas puede
variar, los bailarines también se puede bailar acostado en el escenario. De
acuerdo con la técnica del ballet clásico, el bailarín tenía que crear la ilusión
de ser capaces de romper las leyes de la gravedad para crear la sensación
de que flotaban en el aire con facilidad. En contraste, la danza moderna
en el peso del cuerpo reconoce el principio básico del movimiento, y por lo
tanto la relación con la tierra es privilegiada.
La relación con la música
Danza moderna no tiene por qué seguir el ritmo de la música, como en la
danza académica. A veces la música también puede estar completamente
ausente: en este caso la danza bailarina siguientes sólo su propio ritmo
interno. En general, la coreografía es creada con o sin una correlación
directa con la música, que también se puede escribir en un segundo tiempo
a la luz de los movimientos. En estos casos, la danza puede seguir el ritmo
de la música o en oposición a ella, en una especie de diálogo de oposición.
La historia de la danza moderna se puede dividir en tres períodos:
• la ruptura con el ballet clásico y la investigación, que data de finales del
siglo XIX y principios del siglo XX.
• la definición de técnicas, incluyendo los años treinta y cuarenta.
• el período de la innovación, que van desde la Segunda Guerra Mundial
hasta nuestros días.
Debe hacer una distinción entre la danza moderna y danza moderna de
América de Europa central. Gracias a los numerosos intercambios culturales
entre los artistas, la relación entre los dos continentes, siempre han
permanecido constantes.
En el siglo XX, el deseo de cambio llevado al desarrollo de dos tendencias:
la de los Rusos Ballets, que proponía una renovación desde dentro, y los que
apoyaban la creación de una nueva danza. En los primeros treinta años de
1900 fue testigo de la introducción de innovaciones por el compositor suizo
y maestro Jaques-Dalcroze, la bailarina Isadora Duncan y Ruth St. Denis,
Mary Wigman y alemán.
Los bailarines de la Edad Moderna buscó una danza que fue más expresiva
del ballet clásico, así que algunos coreógrafos del ballet como Michel Fokine,
se inspiraron en las danzas de la no tradiciones occidentales. Isadora
Duncan, por ejemplo, se deshizo de los primeros zapatos con los dedos de
los pies y el tutu. Se realizó en París en 1900, descalzo, el pelo suelto y
con un abrigo grande, porque quería encontrar los gestos naturales y
expresar las pasiones de los bailarines imitan los movimientos de la
antigüedad griega. El Duncan argumentó que la fuente de todos los
movimientos del cuerpo yacía en el plexo solar, por lo que propuso un baile
en el que ahora se podría mover en oposición a la gravedad, ahora a favor.
El estilo de Ruth St Denis, muy característico, que se inspira en las danzas
de la India, Egipto y Asia. En 1915 fundó con su marido Ted Shawn escuela
Denishawn, que será el caldo de cultivo de nuevos autores.
Mary Wigman, uno de los máximos representantes de la danza expresionista
alemana, a veces inspiradas en las danzas de África y de Asia oriental y,
con frecuencia hizo uso de máscaras. Al igual que la realización Ruth St.
Denis es el trabajo del grupo, a menudo en los ciclos de la reunión, es
absoluta. El movimiento de la danza moderna alemana fue interrumpido por
el ascenso del nazismo al poder. Se recupera sólo entre los años sesenta y
setenta con el nacimiento del teatro Tanz.

Danza moderna ha trabajado un cambio significativo en los años treinta en

los Estados Unidos. En Nueva York desarrolló la danza moderna, que se
distingue por la creación de técnicas de personal en contraposición a la
tradición del ballet clásico. Martha Graham, Doris Humphrey, Charles
Weidman (todas de la experiencia de Denishawn) y Hanya Holm (que vinieron
de la compañía de Mary Wigman) son recordados por las innovaciones
importantes que condujeron a esta nueva disciplina. Estos artistas
coincidieron en que la danza tenía que estar orientada a la expresión de
emociones, un objetivo que sólo podrá alcanzarse con la búsqueda interna y
una mayor atención a las capacidades del cuerpo. En oposición a la danza
académica, piernas y pies, tomó un papel secundario en el movimiento,
mientras él estaba dentro de la parte superior del cuerpo. Por último, se
re-evaluar las funciones básicas de los seres humanos, tales como caminar
o respirar, que se consideran parte integrante de la danza moderna.
La estadounidense Martha Graham crearon una técnica basada en el
principio de la liberación de la contracción de la oposición que se basó en el
movimiento natural de la inhalación y la exhalación, y su baile está
compuesto de movimientos alternos de operación de concentración (por la
contracción) y la difusión de la energía ( la liberación), un gesto firme y
decidido, firmemente anclada a la tierra en la que el apoyo del pie en su
totalidad, a diferencia de la danza académica. Tras occupatasi las
relaciones entre las artes visuales, la danza y la literatura, producido con
la ayuda del escultor Isamu Noguchi, la coreografía con una estructura
narrativa fuerte.
Martha Graham trató de revivir los grandes mitos en su muestra de la
Biblia, de la mitología griega, o la orientación. Por lo general los personajes
representados en su mayoría mujeres las cifras fueron retratados en
momentos de crisis emocionales y psicológicos. Los temas básicos de sus
creaciones son la ética de género-dramas relacionados con la sociedad
norteamericana. Hanya Holm estilo es variado, como iba a ser creativo con
una fuerte satírica danzas inspiradas en las cuestiones sociales. A partir
de los años cuarenta creó coreografías para Broadway y fue uno de los
primeros coreógrafos de danza moderna para introducir en los musicales.
Doris Humphrey, después de analizar la dinámica natural de caminar, creó
su técnica basada en el principio de la caída y la recuperación (de la caída
y recuperación). Cuando ella dejó de bailar disolución de la empresa que
había creado con Charles Weidman, y se dedicó al desarrollo de la nueva
coreografía de su alumno favorito de José Limón.
En los años cincuenta, los coreógrafos se negaron los componentes
psicológicos y narrativos típicos de la danza moderna. La razón de esta
decisión se debió a la intención de los artistas que no expresan más
emociones, sino para descubrir las muchas capacidades del movimiento y del
cuerpo humano. Para el bailarín, que también podría conducir a la
recuperación del arte de la danza académica. Esta nueva tendencia se
define formalmente o abstracto. Sus miembros principales fueron Merce
Cunningham y Alwin Nikolais.
Abstracción triunfo de George Balanchine en el mismo período, incluso en el
ballet clásico. Otros bailarines altamente innovador, pero difícil de poner
en un movimiento preciso fueron James Waring, Paul Taylor, Alvin Ailey y
Twyla Tharp. En los años sesenta, sobre la base - y más tarde también en
la oposición - dell'astrattismo Cunningham y Nikolais desarrollados después
de la danza moderna. Ella nació en un nuevo movimiento de la innovación
interdisciplinaria, que tuvo como centro de la Iglesia Judson Memorial en
Nueva York. Fueron descartadas en esta etapa todos los técnicos y los
supuestos teóricos, hasta entonces diseñado para centrarse en la
importancia de los movimientos y gestos, con especial atención a los
periódicos. Ahora, los objetos, sonidos, imágenes, diferentes espacios del
escenario para interactuar con los movimientos, la danza ya no es visto sólo
como entretenimiento, sino también como un evento, una actuación que el
público pueda participar. Los mayores representantes de la danza post-
moderna son Yvonne Rainer, Simone Forti, Trisha Brown, Lucinda Childs y
Steve Paxton.
El baile americano de los años ochenta se caracterizó por el uso de medios
como el vídeo, la fotografía y el cine. Sin embargo, no se diferenciará de
la danza post-moderna para la recuperación de la tecnología, incluyendo el
académico, muy importante para alcanzar los requerimientos físicos
necesarios de los bailarines. En los años cincuenta y sesenta, en Europa,
somos testigos del retorno y la renovación del ballet académico, a menudo
mezclados con las nuevas corrientes en Estados Unidos y con la ayuda de
nuevos estilos de baile, la producción de obras originales y tendencias
personales. Grandes coreógrafos, cuya obra, iniciada en este período,
continuó en las décadas posteriores, se Roland Petit, Maurice Béjart, Birgit
Cullberg, John Cranko, John Neumeier.
En los años setenta, en Alemania, surgió el gran talento de Pina Bausch,
una de las principales representantes del teatro Tanz con Johann Kresnik,
Gerard Bohner, Susanne Linke y Reinhild Hoffmann. La danza de Nueva
alemán, siguiendo la tradición del expresionismo del siglo, que quería ser un
teatro, en el que los seres humanos pueden ser expresados en su dimensión
cotidiana, subjetiva y emocional. Esta tendencia muestra la forma de tomar
multimedia y obras que son más largos, a veces durante varias horas. Desde
los años sesenta, en Francia, estamos asistiendo a una proliferación de
nuevos estilos y la experiencia coreográfica. Todo esto fue posible gracias
a Françoise y Dominique Dupuy, quien se inspiró en Merce Cunningham, Alwin
Nikolais, por la filosofía alemana y oriental. , Jean Claude Gallotta, Maguy
Marin, Régine Chopinot, Marie-Christine Gheorghiu, Karine Saporta, Régis
Obadia, Jacques y François Verret Patarozzi son recordados como los más
grandes exponentes de la Nouvelle Danse de Francia. Ellos están unidos por
la atención sobre el componente dinámico de la circulación y la diferente
relación con el espacio.
DANZA MODERNA EN ITALIA
A diferencia de otros países, Italia está abierto a las nuevas tendencias
artísticas y el interés por la danza moderna a la vuelta de los años setenta,
para encontrar una época feliz durante los años ochenta. Casos dudosos,
deben ser considerados por el futuro de la danza, y de esa manera y poco
realista dell'orchestica Ruskaja de Jia, una especie de linaje estético vaga
de duncaniana griego moderno, la supresión gradual tanto de la caída del
régimen fascista. Durante los años cincuenta se observa una renovada
inestabilidad: a hacer nuevos festivales y las nuevas empresas que nacen,
casi todos en privado. Los grupos y los miembros son especialmente
importantes en Turín, y luego se ramifican en Veneto, Toscana, Emilia
Romagna, Abruzzo y Roma.
Entre los primeros ejemplos de ballet moderno italiano, pero que no siempre
equivale a la técnica de danza moderna, sino una mezcla de elementos
académicos y otros de la danza, tanto "libre" a los conflictos étnicos y las
danzas populares, vaya a Turín recordar las cifras de Susana Egri con sus
Ballets de Susanna Egri Acquarone y Sara, que en 1955 fundó el Grupo de
Danza de Turín, una forma de teatro-taller de danza inspirada en la danza
contemporánea - en particular a Alwin Nikolais - que ofrecerá las primeras
obras en 1959. También en Turín, fue fundada en 1970, el Grupo de Danza
Contemporánea Bella Hutter, y fue fundada en Vicenza, en 1968, el Grupo
Experimental de Danza de la Libertad de Franca Della Libera, y Venecia y
Mestre, desde 1970, la Compañía, "Dance Theater" en Luciana De Fanti.
pionero del caso entre los más aislados y también es importante para Liliana
Merlo en Teramo que, aunque la consolidación de una duradera relación de
colaboración con la Accademia Nazionale di Danza en Roma, constitutivo de
la realidad durante mucho tiempo a reconocer un lugar hostil necesidad real
de la apertura a nuevos estilos y nuevas tendencias, talleres de danza
moderna se inicia desde 1969 con Luisa Grinberg (técnica Graham) y Juan
Carlos Bellini (técnica Humphrey-Limón) y, desde 1970, pondrá en marcha
la primera producción danza moderna visto en Abruzzo y gran parte de
Italia central y meridional, se desarrolló más tarde a lo largo de diferentes
direcciones, a partir de 1976 con TBT junior de su compañía (Ballet Theater
Teramo), pero nunca una ruptura definitiva con el técnica académica de los
llamados de ballet clásico.
Mientras tanto, nacido en Roma el Teatrodanza Contemporanea di Roma,
fundado por Elsa Piperno y José Fonte, en 1972, durante mucho tiempo la
escuela profesional sólo en la técnica de Graham existe en Italia, sino
también en relación con la IALS (Instituto de formación del trabajador en
el entretenimiento), el compañía de bailarines descalzos Patrizia Cerroni y
el laboratorio del bailarín y coreógrafo Nicoletta Giavotto, tanto en activo
desde 1973. Paralelamente, el Colectivo nace Cristina Bozzolini Danza
Contemporánea en Florencia en 1975, de la cual surge el famoso Balletto di
Toscana, la compañía fundada en 1976 por Daniela DanzaRicerca Capacci
en Roma, y el Aterballetto, fundada por Vittorio Amedeo Amodio Biagi y
Reggio Emilia , en 1979, hoy en día la mayor empresa italiana de danza
contemporánea. De la colaboración y la asociación de algunos bailarines del
Teatro La Fenice y Danza, dirigida por Carolyn Carlson en Venecia entre
1981 y 1984, también nació en 1985, la empresa deje de Palmizi y, a
continuación Abbondanza la Compañía '/ Bertoni, fundada en 1995 por
Michele Abbondanza (antiguo co-fundador del grupo Stop Palmizi) y
Antonella Bertoni, el grupo contrario, dirigido por Carla Perotti, atado en
el Teatro Nuovo di Torino y, a continuación, desde los años ochenta, el
Ensemble de Micha van Hoecke, grupo de Sieni de Virgilio, el grupo de Enzo
Cosimi etc.