Universidad de los Andes

Facultad de Humanidades y Educación

Escuela de Educación

Educación Básica Integral

Asignatura: Educación Estética

Formación Estética Visual

(Trabajo Aportes Colectivos)

Thania Nazareth Toro Paredes

CI: 23.583.354

Profesora: Betty Osorio

Julio 2018
 Índice

Introducción

I. Formación Estética

1.1Formación Estética Visual

1.2Tipos de Artes Visuales:

1.2.1 El Dibujo

1.2.2 La Pintura

1.2.3 La Escultura

1.2.4 Arquitectura

1.2.5 Diseño Gráfico

II. Arte en el tiempo

2.1 Arte Antiguo

2.1.1Arte Antiguo Mesopotamia

2.1.2 Arte Antiguo Egipto

2.1.3 Arte Antigua Grecia

2.1.4 Arte Antiguo Romano

2.1.5 Arte Antiguo India

2.16 Arte Antiguo China

2.1.7 Arte Antiguo África

III. Pensadores Filosóficos

3.1 Heráclito

3.2 Sócrates

3.3 Platón

3.4 Aristóteles

IV. Tratamiento pedagógico

4.1. Desarrollo integral

V. Tratamiento Curricular

5.1 Aprendizaje Integral

VI. Estética y Arte Interdisciplinario y Transdisciplinario

6.1 Estética y Arte en Psicología

Conclusión

Referencias Bibliográficas

Anexos (Talleres)
 Introducción

El arte es el conjunto de disciplinas que se orientan a una finalidad expresiva y estética.

Si bien es cierto que un gran número de actividades humanas guardan relación con la
capacidad de expresión y la estética, solo en el arte estas características se presentan
como sentido y razón de ser.

El arte visual se encuentra formado por dos conceptos bien diferenciados pero que
trabajan en conjunto para lograr un fin, los cuales son: arte y visual. Arte es una palabra
que sirve para referirse a aquellas creaciones hechas por el hombre, a través de las
cuales manifiesta su visión sensible del mundo, ya sea real o imaginario. Y el término
visual que proviene de un vocablo latino que se encuentra vinculado con lo
perteneciente o relativo a la visión (sentido que permite detectar e interpretar la luz y la
capacidad propia de ver que tienen los seres vivos del reino animal gracias a sus
sistemas naturales).

Las artes visuales son una manifestación artística, expresiva, de percepción visual en la
cual el individuo crea y recrea mundos naturales o fantásticos mediante elementos
materiales utilizando diversas técnicas que le permiten expresar sus sentimientos,
emociones y percepciones del mundo que lo rodea.

Dentro de la formación estética visual el arte forma parte fundamental, y en nuestra

continua búsqueda de alcanzar un aprendizaje integral que luego impartiremos a los
niños como docentes haremos una conexión con los temas del Arte Antiguo, que
engloba distintas culturas por medio de las cuales podemos conocer sus características,
diferencias, así como su importancia e influencia en el mundo. También es importante
acercarnos al pensamiento de los filósofos que aunque hace muchos años existieron sus
palabras, sus trabajos, siguen siendo de gran influencia para la vida actual, porque es en
la filosofía que podemos hallar el sentido de la vida. Se indagará sobre las vidas de
Heráclito, Sócrates, Platón y Aristóteles acerca de sus pensamientos y su relación con la
estética.

Asimismo vamos a conectar con los temas desarrollo integral y aprendizaje integral, que
son vitales conocerlos puesto que servirán de base y apoyo para el trabajo que se
realizara más adelante relacionado con las situaciones vivenciales de formación y otros
aspectos básicos de la materia, además como futuras docentes es primordial que estos
temas se manejen con antelación. Por último nos introduciremos en la estética y el arte
en la pedagogía, que son importantes, puesto que sirven para desarrollar el trabajo
artístico liberador en los niños, asimismo permite que se posean y construyan las
herramientas necesarias para aplicarlas dentro de las aulas de clase en cuanto al
aprendizaje integral y el desarrollo artístico de los niños, para ello también es de vital
importancia conocer temas como la Inteligencia Arte.

Con este trabajo se pretende no sólo lograr un mejor aprendizaje sino establecer la
importancia que tienen los temas tratados y entender las distintas dinámicas con que se
pueden trabajar los temas para que así el niño en edad escolar pueda disfrutar una
manera diferente de aprender mejorando su aspecto cognitivo y realizar conexiones
acerca de las distintas culturas y como son sus manifestaciones artísticas.
 I Formación Estética

1.1 Formación Estética Visual

Las Formas y expresiones de arte que se encuentran

enfocadas preeminentemente a la creación de trabajos
que son visuales por naturaleza como lo son: el dibujo, la
pintura, la escultura, el diseño gráfico. (Aporte de Paola
Nieves)

Por su parte Yusmary Maldonado nos agrega: La palabra

estética deriva etimológicamente de la voz griega
“sensación, percepción”. Lo que se podría interpretar
como “percibir por los sentidos”, que en el medioevo se
asoció con la palabra conocimiento para referirse a un tipo de conocimiento sensorial.
El término “estética” se propuso entre los siglos XVII y XVIII para designar a la ciencia
que trata sobre: “El conocimiento sensorial que llega a la aprehensión de lo bello y se
expresa en el arte y que por su naturaleza es algo totalmente distinto a la lógica.”

Siendo así que la composición de estética y arte visual se desarrollan atendiendo

diversas cuestiones, como la relación entre figura y fondo (para incidir en la percepción
de lo visto), el contorno, la agrupación de los elementos (por proximidad, continuidad o
semejanza) y la pregnancia.

La formación estética y las artes visuales son una representación artística y expresiva,
cuya apreciación visual está basada en el artista que crea y rehace mundos fantásticos o
naturales mediante materiales usados con diferentes y variadas técnicas que permite al
artista manifestar todas sus emociones, sentimientos y apreciación del mundo que lo
rodea. Por eso las artes visuales son una especialización de arte que también introduce a
las tradicionales artes plásticas e incluye varias maneras nuevas de expresión artística
que aparecen en el siglo XX, además de eso también se introduce el uso de los
progresos realizados en la tecnología, que se denominan como un nuevo medio. Por
todo esto se da origen a nuevas maneras de entrecruzamiento y expresión de distintas
modalidades artísticas. Todas las artes visuales están enfocadas a la visión de la
naturaleza y se pueden clasificar en los siguientes grupos: Pintura, Arquitectura,
Fotografía, Escultura, también está en este grupo el video, la producción audiovisual y
la instalación. Podemos integrar las artes plásticas como el dibujo, grabado, cerámica,
artesanía y diseño, aunque estas disciplinas pueden ser integradas en otras modalidades
artísticas a parte del arte visual. En sentido general, son aquellas creaciones artísticas
que pueden ser observadas, entre ellas se encuentran: Dibujo, Pintura , Escultura ,
Arquitectura. (Aporte Lubia Márquez)

La formación estética visual busca desarrollar la sensibilidad en las personas,

fomentando la importancia del arte y la necesidad de entrar en contacto con todas sus
manifestaciones. Además de educar a los niños para que comprendan, sientan, aprecien
y hagan arte, es decir, formar hombres y mujeres sensibles ante el hecho artístico y
creadores de sus propias obras artísticas. (Judit Contreras)

1.2Tipos de Artes Visuales:

1.2.1 El Dibujo: El dibujo es un arte visual en el que se utilizan diferentes medios para
representar algo en un medio bidimensional. Para realizar el dibujo, se utilizan diversos
materiales, siendo los más comunes los lápices de grafito, la pluma estilográfica,
creyones, carbón, etc. El dibujo es la expresión de una imagen que se hace en forma
manual, es decir, se usa la mano para realizarlo. Los materiales para dibujar pueden
variar así como las superficies. Los más usados son el papel como soporte y el lápiz
como el instrumento, pero actualmente se usan medios tecnológicos como las
computadoras utilizando un lapicero óptico. (Aporte Lubia Márquez)

Elementos básicos del dibujo (Aporte de Ariana Peña)

El punto: Se le denomina punto a la señal de dimensiones pequeñas, ordinariamente

circular, que, por contraste de color o de relieve, es perceptible en una superficie.

La línea: Puede ser considerada como la traza que deja el punto al moverse, o como la
unión de dos o más puntos. A su vez es una suma de puntos que son conectados en el
espacio.

El contorno: Hablamos de contorno cuando el trazo de línea se une en un mismo punto.

Cada uno de ellos tiene su carácter específico y se les atribuyen diferentes significados.
Los contornos básicos, por tanto, son estos tres: El círculo, el cuadrado, el triángulo.
El Volumen: Con ayuda de la línea, se crean volúmenes y se construyen espacios. El
volumen permite nombrar el espacio que ocupa un objeto en el espacio. Hace alusión a
la magnitud física que expresa la extensión de un cuerpo en tres dimensiones (largo,
ancho y alto).

La sombra: Se refiere a la luz y a sus efectos sobre los objetos, ya que para poder
percibir la estructura de los objetos y la posición que estos ocupan en el espacio, es
necesario que estén iluminados, y por consiguiente que arrojen sombra.

El plano: Permite fragmentar y dividir el espacio, de esta forma podemos delimitar y

clasificar las diferentes zonas de nuestra composición.

La textura: Consiste en la modificación o variación de la superficie de los materiales

utilizados, ya sea de una forma visual o táctil. La reunión de puntos sobre una superficie
es considerada como trama o textura, pues se produce un efecto colectivo tonal según la
densidad y/o tamaño de los puntos

El soporte: Es la superficie donde vamos a realizar el dibujo, el papel es el más

comúnmente utilizado en el dibujo pero también se puede utilizar la cartulina, cartón,
entre otros.

La figura: (o figuras) Es el elemento principal, un objeto, persona o animal

protagonista.

El fondo: Es el contexto, el lugar en el que se encuentra la figura.

Técnicas del dibujo

María Molina añade que: Existes distintas técnicas de dibujo entre las principales
podemos mencionar el lápiz de grafito, carbón o carboncillo, sanguina, y tinta.

Lápices de grafito: el grafito es un carbón natural creado a partir de la presión que la

tierra ejerce sobre la madera. El soporte que se utiliza para realizar dibujos con grafito
es el papel, generalmente blanco o de colores no muy oscuros. Los dibujos realizados
con grafito pueden borrarse con goma muy fácilmente, ya sea de pan o goma de borrar
estándar. Esta técnica recurre a las manchas y tramas para lograr distintas escalas
tonales, las cuales dependerán del tipo de papel y lápiz que se utilicen. La podemos
abarcar en dos grandes etapas: la primer se basa en dibujar las líneas que van a
configurar el esqueleto del dibujo; la segunda, abordará el sombreado. Existen
 diferentes graduaciones de lápiz que van a hacer que el trazo sea más o menos duro y
van a influir directamente sobre la técnica del sombreado.

Dibujo hecho a lápiz por la Artista Michelle

SeoHongmin. (Aporte de Judit Contreras).
https://i.pinimg.com/originals/01/d2/7c/01d27c25c435dfb047d
5cfac0b97051c.jpg

Paloma de la Paz.Picasso.
Dibujada con trazo seguro.
Pablo Ruiz Picasso1 (Málaga, 25 de octubre de 1881-Mougins, 8 de abril
de 1973) fue un pintor, dibujante y escultor español, además, abordó
otros géneros como, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la
cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.

Carboncillo: Este material es de los más antiguos, ya se lo utilizaba para realizar los
dibujos en las cavernas. Esta técnica se caracteriza por permitir realizar dibujos muy
elaborados. Si bien el carbón es madera quemada, actualmente este material es sometido
a diversos procedimientos químicos. Generalmente al carbón utilizado para dibujar se lo
denomina carboncillo y el soporte ideal para utilizarlo son los papeles granulosos y
suaves, que facilitan los frotados y borrados y además retienen mejor al carbón. El
carboncillo permite confeccionar bocetos previos, ya que es muy sencillo de borrar,
también se lo usa para manchas y líneas de distintos grosor. Otra ventaja que presenta
esta técnica es la creación de distintos tonos a partir del difumino.

https://ugc.kn3.net/i/origin/http://1.bp.blogspot.com/_Z9edsJcWvQg/SF
wX_Eo2MMI/AAAAAAAAAc8/BvOSJz3RUow/s400/c.jpg
Sanguina: La sanguina está compuesta por una barra de pigmentos en polvo, es una
técnica muy utilizada para la realización de retratos, paisajes, esbozos desnudos y
vestimenta ya que permite resaltar con facilidad las expresiones y formas. Por medio de
esta técnica se logra crear el efecto de imágenes a todo color utilizando sólo tres: negro,
blanco y sanguina. Los dibujos realizados se destacan por su suavidad, calidez y
luminosidad.

Tinta: La tinta utilizada en esta técnica se seca sobre películas duras y brillantes, lo que
da la posibilidad de colocar nuevas capas encima. El soporte que se utiliza en esta
técnica debe ser grueso, duro y sin superficies porosas ni absorbentes. La pluma en la
que se introduce la tinta crea marcas inequívocas y directas, caracterizadas por ser
permanentes y fijas.

Tipos de dibujo: (Aporte realizado por Marioly Gutiérrez)

Dibujo Artístico: tipo de dibujo que sirve para expresar ideas, sentimientos y
emociones. El artista cuando dibuja cosas, las dibuja tal como las ve emocionalmente de
acuerdo con su propia y peculiar manera de percibir la realidad de su entorno. Este tipo
de dibujo requiere aptitudes especiales como las personales y naturales.

Dibujo Técnico: Se dice que el “Dibujo Técnico” es el lenguaje gráfico universal

técnico normalizado por medio del cual se manifiesta una expresión precisa y exacta y,
su objetivo principal es la exactitud precisamente. Las aptitudes para esta clase de
dibujo por lo general son adquiridas, es decir, que se llega a él a través de un proceso de
conocimiento y aprendizaje.
Dibujo humorístico “La caricatura”: consiste en un retrato o representación de carácter
humorístico en la que se exageran los rasgos físicos o faciales, la vestimenta o el
comportamiento o los modales de alguien con el objetivo de provocar la risa o
ridiculizar a una institución o a un personaje destacado de carácter político, social o
religioso.

Dibujo naturalista: Se basa en un estilo en el que se imita la naturaleza o una situación

de la vida, sin tapujos.

Dibujo realista: referente o relativo al realismo. Se utiliza como sinónimo de

naturalismo aunque suele centrar su interés en cuestiones sociales y lo esencial de las
cosas, recurriendo en ocasiones a recursos expresionistas.

‘Manos que oran’ (1508), Alberto Durero.

Alberto Durero: es el artista más famoso del Renacimiento alemán,
conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos
teóricos sobre arte. Nació 21 de mayo de 1471 y murió 6 de abril de 1528
en Alemania.

Dibujo abstracto: derivado de abstraer, aislar mentalmente, cualidad de algo separado

de los objetos sensibles. Se llama así al arte no figurativo en donde las líneas, colores,
etc... No tienen relación con las formas y objetos reconocibles.

1.2.2 La Pintura:

La pintura tiene tres finalidades principales; expresar, representar y decorar. Para los
niños pintar es cubrir superficies de colores, la pintura contribuye al dominio del gesto
manual y del espacio geográfico. A través de la pintura los niños descubren a un medio
lleno de colores, formas, trazos y un mundo de imaginación, a su vez estimula la
comunicación, la creatividad y la sensibilidad aumentado la capacidad de construcción y
expresión de los niños. (Aporte de María Molina)

Lubia Márquez nos señala: Es el arte que se emplean técnicas de pintura, conocimientos
de teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de pintar,
consiste en aplicar, en una superficie determinada —una hoja de papel, un lienzo, un
muro, una madera, un recorte de tejido, etc.— una técnica determinada, para obtener
una composición de formas, colores, texturas, dibujo, etc. Dando lugar a una arte según
unos principios estéticos.

Siguiendo esta línea de ideas Judit Contreras aporta que:

El color: La luz es el agente físico que accionado sobre la retina del ojo nos hace
experimentar el fenómeno del color. El color es la luz que ven nuestros ojos reflejados
en los objetos. Los colores se clasifican en:

1. Primarios: Son aquellos que constituyen las bases de todas las mezclas, también se
les llaman colores puros.

2. Secundarios: Son los resultantes de las mezclas de dos colores primarios entre sí.

3. Terciarios: Son los efectos de la mezcla de un color secundario con un color

primario.

Monocromía

Es una composición artística producida por un solo color en sus diferentes tonalidades,
sin que intervenga ningún otro color. El blanco y el negro están estrechamente
relacionados con la escala monocromática ya que indican la escala en la que el color
produzca los diferentes tonos de radiación.

Policromía

Es el arte de pintar o decorar con varios colores, se utilizan todas las gamas de colores
contrastando para producir las armonías en los tonos. Cuya característica principal es la
variedad de su colorido.
Técnicas de Pintura: se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos en
el soporte a pintar. (Aporte de Marioly Gutiérrez)

Óleo: La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco, mezclado
en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal.

Acuarela: La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en
agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla)
y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se
compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel.
Thomas Girtin, Abadía Jedburgh desde el río, acuarela sobre
papel, 1798-99

Témpera: La témpera o gouache es un medio

similar a la acuarela, pero tiene una «carga» de talco
industrial o blanco de zinc.
La Animita del camino. Pintura de Javier Arturo Molina
Henriquez

Acrílico: La pintura acrílica es una clase de pintura

de secado rápido, en la que los pigmentos están
contenidos en una emulsión de un polímero acrílico
(cola vinílica, generalmente).

Temple: La pintura al temple tiene como aglutinante una emulsión de agua, clara y
yema de huevo y aceite. Conviene primero hacer la mezcla del huevo con el aceite hasta
lograr una mezcla homogénea, después gradualmente agregar el agua hasta crear la
emulsión o médium de la técnica al temple.
El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli fue pintado con la
técnica del Temple. Botticelli fue un pintor renacentista, nació y
murió en Florencia, Italia (1 de marzo de 1445/ 17 de mayo de
1510). http://www.pinturayartistas.com/wordpress/wp-
content/uploads/2008/06/nacimientodevenus_temple.jpg
Puntillismo: El puntillismo es la técnica que surgió en el neoimpresionismo por el
estudio practicado principalmente por el pintor Georges Seurat, que consiste en colocar
puntos pequeños esféricos de colores puros, en lugar de la técnica de pinceladas sobre el
soporte para pintar. Al haber relaciones físicas entre los colores, la interacción entre los
primarios y complementarios, consiguen con la posición de unos junto a otros la mezcla
óptica, a partir de una cierta distancia del cuadro, que es capaz de producir el efecto de
la unión entre ellos.

Georges Seurat: La Torre

Eiffelhttps://i.pinimg.com/originals/86/f2/9e/86f29eabdace49d029291ee3bf9fd7eb.
jpg

Dripping: El dripping es una pintura automática, que según los surrealistas se consigue
con ella una pintura casual, hecha con gotas y salpicaduras de pintura, es la técnica
pictórica característica de la «action painting» estadounidense (pintura de acción). La
pintura se realiza por el artista caminando sobre la superficie a pintar con grandes
brochas o con el mismo bote de pintura, dejando caer el goteo del color, normalmente
esmalte, que es el que forma las manchas sobre el soporte.
Esta obra de Jackson Pollock fue compuesta
entre los años 1943-1947, etapa caracterizada
por el action-painting

https://xgfk13ist.files.wordpress.com/2014/01/
mffin.jpg

1.2.3 La Escultura: (del latín sculpere, esculpir) es una forma de expresión artística
consistente en tallar, moldear, esculpir o cincelar un material para crear una forma con
volumen. Esto quiere decir que, a diferencia de la pintura, que es bidimensional y plana,
las esculturas tienen volumen y pueden ser apreciadas no sólo de frente sino desde
distintos puntos. La escultura prehistórica es realizada principalmente en piedra y hueso.
Como primeras manifestaciones de escultura prehistórica encontramos utensilios y
plaquetas de marfil, y hueso grabados, además de ser un arte mobiliar, realizado
principalmente con piedra y hueso, materiales empleados por el hombre primitivo.
(Aporte de Yusmary Maldonado)

Por su parte Lubia Marquez agrega: Este arte ha creado en el curso de su historia, dos
clases de belleza: la imitativa y la imaginativa. En esa esfera de la expresión humana
que denominamos creación artística, la actividad específica de la escultura es el proceso
de representación de una figura en tres dimensiones. El objeto escultórico es por tanto
sólido, tridimensional y ocupa un espacio.

María Molina nos menciona acerca de los:

Materiales Utilizados para la elaboración de Esculturas:

Madera: si bien este tipo de esculturas suelen ser relacionados con la religión, estas
tienen un alcance mucho más amplio ya que pueden hallarse estas piezas en diversas
culturas y en diversos momentos de la historia.
Bronce: estas esculturas son muy apreciadas por durabilidad de su materia prima. Sin
embargo resulta muy difícil de manipular.
Hierro: este material comenzó a ser forjado hace más de tres mil años. Durante mucho
tiempo fue utilizada con diversos fines sean decorativos o para la fabricación de
herramientas o armas. Sin embargo fue a partir del Renacimiento cuando adquirió un
carácter artístico y durante la modernidad comenzó a ser muy importante.
Piedra: en este caso son utilizados distintos minerales, el más usado es el mármol. Se
considera que las mejores obras realizadas a partir de la piedra fueron creadas durante el
renacimiento. Algunos de los artistas más reconocidos hoy en día son Miguel Ángel y
Leonardo Da Vinci.

Tipos de Escultura: Bulto Redondo y De Relieve

De Bulto Redondo: Es aquella que se puede contemplar desde cualquier punto de vista
a su alrededor. Si se representa la figura humana se denomina estatua y si representa
imágenes divina recibe el nombre de imagen.

Las esculturas de Bulto redondo se dividen en:

BUSTO: Solo la cabeza.

Faraona Egipcia Nefertit

https://encrypted-
tbn1.gstatic.com/images?q=tbn:And9GcSFXP3qGV-
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TORSO: sin cabeza, piernas, brazos. https://encrypted-

tbn3.gstatic.com/images?q=tbn:And9GcRMumHW8oeaCO21Ssrp6x77_o9dEiujJbgvYaYg
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SEDENTE: Sentada.

Monumento a Abraham Lincoln

https://encryptedtbn0.gstatic.com/images?q=tbn:And9GcR0K32prX1WCJEEA8MZZ_rTzIMzWfQjMpji
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YACENTE: Tumbada.
Canova. Paulina Bonaparte

http://www.ildefonsosuarez.es/Arte2bat/Tema_Neoclasico_al_Re
alismo.Goya/Imágenes_Neoclasico_al_Realismo-
Goya/Neoclasico/Extranjero/Importante/arles_gallery/images/Can
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ORANTE: De rodillas.

Escultura orante del Duque de Lerma

http://t2.gstatic.com/images?q=tbn:And9GcQlT7HzdtrIDfi-
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ECUESTRE: A caballo.
Escultura de Felipe IV

http://4.bp.blogspot.com/-qp4x-
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pe+IV.JPG

GRUPO: Lo que su nombre indica.

Esculturas meditantes en Dazú. India.

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DE RELIEVE: Es aquella que está realizada o adherida sobre un muro o cualquier otra
superficie, se divide en:

Alto relieve: la figura sobresale más que la mitad de su grueso.

Françios Rude

http://www.xtec.cat/~jarrimad/contemp/rude.jpg

Medio relieve: sobresale la mitad.

Catai tours, Camboya.

http://estaticos2.catai.es/content/media/fotos/samples/large/reli
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Bajo relieve: sobresale menos de la mitad.

Dante Darío, Barcelona 2010.

http://t1.gstatic.com/images?q=tbn:And9GcTJi8Tus5id-
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1.2.4 Arquitectura: (Paola Nieves agrega que): Es la disciplina o arte encargado de

planificar, diseñar y levantar edificios. Desde esta perspectiva, es correcto decir que la
arquitectura influye considerablemente en la existencia humana, al dedicarse a la
construcción de las viviendas y espacios donde esta se desarrolla cotidianamente. No
obstante, al catalogarla como arte, es menester señalar que además debe considerarse
que la arquitectura tiene una finalidad estética y expresiva.

Tipos de Arquitectura
Arquitectura Histórica o estilística: Se denomina así a aquella arquitectura que ha
surgido a través del tiempo en diversos lugares y tiene sus propias características y sus
propios estilos arquitectónicos Suelen clasificarse dependiendo del periodo dominante
en cuanto al estilo, en donde ejerció influencia dicho tipo o estilo arquitectónico.
Dentro de este tipo está los monumentos y edificaciones del tipo público, como
religiosos o militares, y los de tipo particular, como las casas particulares.
Arquitectura Popular o tradicional: Se denomina así a aquellas edificaciones que
son realizadas por la propia gente o por artesanos que poseen poca instrucción, como
albañiles, aprendices y peones, quienes realizan construcción de casas, para vivir o para
el ganado, de tipo rural, sin grandezas, para un uso cotidiano y sencillo, construidas
materiales como madera, piedra etc, variando según los países, el clima de la región o el
estilo local.

Arquitectura contemporánea: cuyas primeras manifestaciones aparecieron en varios

centros durante la segunda mitad del siglo XIX. La arquitectura contemporánea se
refiere a las tendencias de diseño actual por lo que su principal característica siempre es
la innovación, basándose en los principios de lo moderno sin la necesidad de que se
parezcan estéticamente.

1.2.5 Diseño gráfico: (Ariana Peña nos señala que): Se entiende por diseño gráfico a la
práctica de desarrollo y ejecución de mensajes visuales que contemplan aspectos
informativos, estilísticos, de identidad, de persuasión, tecnológicos, productivos y de
innovación.
La Impresión en el Diseño Gráfico

Cuando diseñamos, generamos soportes de comunicación. Un diseño que realicemos no

sirve de nada si no se reproduce, llega a los receptores y cumple con su función
primordial que es la de comunicar.

Xilografía: fue la primera forma de impresión en la que ya se utilizó moldes de madera.

Un método completamente artesanal que consistía en preparar una “plancha” de madera
en la que se tallaba manualmente todo el contenido que componía una página.

Tipografía: Los motivos que se van a imprimir (texto, imágenes) están en altorrelieve
en la plancha. En su forma más tradicional, imprimía los textos componiéndolos con los
tipos móviles de metal de los que hablábamos antes y las ilustraciones con grabados.

Serigrafía: Muy utilizado para marcar soportes que sirven de reclamos

publicitarios como camisetas, gorras, llaveros, mecheros, pen-drives… La plancha de
impresión está formada por una malla de hilos, que es por donde pasa la tinta.

Marioly Gutierréz aporta: que durante los últimos años la tecnología ha avanzado
mucho dando cambios enormes en los sistemas relacionados al diseños gráfico
cambiando por completo el proceso de producción editorial, y como se preparan los
textos y gráficos que constituyen las publicaciones impresas o digitales. Los sistemas
digitales se han impuesto por completo.

Algunos programas utilizados en el diseño gráfico son:

Adobe Photoshop: Es el programa de manipulación de imágenes más vendido de todo

el mundo, en más de 100 idiomas. En su plataforma ofrece diversas herramientas muy
específicas para poder editar cada elemento de una imagen digital. Se utiliza
principalmente para realizar retoques fotográficos, pero también es muy usado para la
realización de diseños web, y para la creación de cualquier tipo de diseño gráfico

Adobe Illustrator: Es un programa que crea imágenes digitales usando parámetros

matemáticos. De hecho, está diseñado para la elaboración de logotipos, ilustraciones,
tipografías, documentos sencillos como tarjetas de presentación.

URL2PNG

Es una aplicación web muy útil para los diseñadores gráficos que se dediquen a elaborar
diseños de páginas web, ya que obtendrán una imagen preliminar sin importar el
sistema operativo o el navegador que estén utilizando.
Pixie: Este es un programa que sirve como selector de color para todos los ordenadores
que tengan instalado alguna versión del sistema operativo de Microsoft Windows, entre
otros.

II. Arte en el tiempo

2.1 Arte Antiguo

También llamado como arte de la antigüedad, es un arte que se originó en la Edad

Antigua, se ubica cronológicamente desde el comienzo de la historia del arte (por el
milenio V antes de la edad cero) hasta la derrota del Imperio romano en el Occidente
(en el siglo V). (Aporte de María Molina)

2.1.1Arte Antiguo Mesopotamia:

Según los libros, la civilización mesopotámica es la más antigua, pero ahora, tras un
hallazgo, expertos chinos dicen que el título es de sus antecesores. La teoría más
extendida señala que la civilización china nació hace unos 5.000 años, unos dos
milenios después de la mesopotámica, pero un grupo de expertos ha asegurado, tras el
reciente descubrimiento de unas antiguas ruinas, que la cultura china tiene 10.000 años
y es la más antigua del mundo. (Aporte de Yusmary Maldonado)

Ahora bien el Arte Antiguo de Mesopotamia hace referencia a las expresiones artísticas
de las culturas que florecieron en las riberas de los ríos Tigris y Éufrates desde el
Neolítico (hacia el VII milenio antes de la edad cero) hasta la caída de Babilonia ante
los persas en el año 539 antes de la edad cero.

La arquitectura mesopotámica

No había ventanas ni columnas y la luz de obtenía del techo. Se preocupaban de la vida

terrenal y no de la de los muertos, por tanto las edificaciones más representativas eran el
templo, el zigurat y el palacio.

Ariana Peña nos agrega los Tipos de construcciones existentes en la antigua

Mesopotamia:

El templo: fue la construcción principal de las civilizaciones sumeria, acadia y asiria.

De planta rectangular, evolucionó desde estructuras simples, como las de los templos
sumerios de Eridu,Tepe, Gaura y Uruk, hasta formas de espectacular decoración
externa, como el templo de la diosa Nimah, construido por Nabucodonosor en Babilonia
en el siglo VI a.C., en vísperas del fin de la civilización mesopotámica.

El zigurat: construcción específica de las civilizaciones mesopotámicas. Torre de

ladrillo formada por terrazas escalonadas y paredes ligeramente inclinadas. Su función
era la de ofrecer sacrificios a las divinidades, para propiciar buenas cosechas, la victoria
en una guerra o la longevidad del rey, mensajero de los dioses.

Los palacios: arquitectura civil con notables manifestaciones, en especial en la

civilización asiria. Uno de los mayores, que albergaba tres templos y un zigurat, fue el
palacio de Sargón II (m. en 705 a. C.), en Durr Sharrukin, hoy Khorsabad.

El periodo de mayor auge de Babilonia, antes de la invasión persa, supuso un gran

desarrollo del urbanismo. En el siglo VI a. C. Babilonia contaba con 43 templos, el
zigurat Etemenaki –la bíblica torre de Babel-, una doble muralla con 350 torres, y el
fastuoso palacio de Nabucodonosor II (605-562 a. C.), de fachada enteramente decorada
con ladrillos vidriados.

Ruinas de un templo de Mesopotamia en

Naffur (antigua Nippur). Irak

La escultura

Se acentúa el denominado “realismo conceptual”, y es que simplifica y regula las

formas naturales provocando que tanto la parte izquierda como la derecha sean
totalmente simétricas.
Junto con los sellos cilíndricos en huecorrelieve, destinados a la obtención de pequeñas
bandas de arcilla con relieves que representan animales, escenas religiosas o imágenes
del rey, otra de las formas escultóricas propias de Súmer y Acad fueron las esculturas de
bulto redondo, estatuillas de sacerdotes y reyes en actitud orante,
cuya denominación deriva de la posición recogida de la figura.

En las culturas asiria y babilónica la estatuaria fue relegada a un

segundo plano, en favor de los relieves, que solían representar
escenas de guerra y caza y que decoraban las paredes de palacios y
templos: alcanzaron su cima en los relieves cinegéticos del palacio
de Assurbanipal, en los que el rey aparece cazando leones.

Estatua de Gudea, patesi o gobernador de Lagash, h. 2141-

2122 a. C. (Metropolitan Museum, Nueva York).

La Pintura

En la pintura y los grabados, la jerarquía se mostraba de acuerdo al tamaño de las

personas representadas en la obra: los de más alto rango se mostraban más grandes a
comparación con el resto.

Tumba de los Leones de Tarquinia

Fue estrictamente decorativa. Se utilizó para embellecer la

arquitectura. Carece de perspectiva, y es cromáticamente pobre:
sólo prevalecen el blanco, el azul y el rojo. Uso de la técnica del
temple. Se puede apreciar en mosaicos decorativos o azulejos. Los temas eran escenas de
guerras y de sacrificios rituales con mucho realismo. Se representan figuras geométricas,
personas, animales y monstruos. Se emplea en la decoración doméstica. No se representaban las
sombras.

Pintura de la tumba tebana

de Nebamún
2.1.2Arte Antiguo Egipto:

Los investigadores encuadran las manifestaciones artísticas del antiguo Egipto en el

periodo histórico comprendido entre los años 5000 y 332 antes de la edad cero. Cuando
Alejandro Magno conquistó el país. Se trata, pues, de casi tres milenios de historia que,
en lo artístico, se caracterizaron por la uniformidad, puesto que cada creación
escultórica, pictórica o arquitectónica respondía a motivaciones rituales, que se
mantenían a lo largo de los siglos. (Aporte de Lubia Márquez)

La arquitectura

Los principales rasgos de la arquitectura del antiguo Egipto son las líneas sobrias, la
grandiosidad y la omnipresente religiosidad. Los edificios son adintelados o
alquitranados, sin arcos ni bóvedas. Destaca el uso profuso de columnas, de fuste liso o
fasciculado y con diversos tipos de capiteles. El otro elemento constante es la
penumbra, que otorga a los ambientes mayor sacralidad y misterio. (Aporte de Paola
Nieves)

Se utilizaban materiales como la piedra en enormes bloques, también se realizaban

edificios civiles en los cuales se utilizó el adobe. Tenían grandes conocimientos técnicos
y matemáticos que se emplearon para la construcción.

.
La Esfinge. Al fondo Gran
Pirámide de Guiza

Templo de Hator, en Abu Simbel,

siglo XIII a.de la edad cero

La escultura: (Judit Contreras señala que):

La escultura egipcia se aleja particularmente del realismo. Reproduce un mundo

idealizado y responde siempre a estereotipos, el más evidente de los cuales es la
frontalidad de las figuras. A excepción de las esculturas de los faraones erigidas en los
templos, la estatuaria egipcia se desarrolló fundamentalmente en las tumbas. En efecto,
al sobrevenir la muerte, el ka, es decir, la esencia vital del fallecido, pasaba a la
escultura que lo representaba en su tumba. Estas estatuas se caracterizaban por tener
una gran simetría y estaban idealizadas representaban en ocasiones a sus dioses.
 La Reina Nefertiti, esposa del faraón Amenofis IV
(siglo XIV a. C.) (Museo Egipcio de Charlottenburg,
Berlín).

La Pintura (Aporte realizado por Lubia Márquez)

La principal característica del arte pictórico egipcio es la reducción de todas las formas
a una representación bidimensional. En general, el torso aparece reproducido de frente,
la cabeza de perfil, el ojo de frente y las piernas también de perfil. Las figuras adelantan
la pierna o el brazo más alejado del espectador y muestran casi siempre el lado derecho
de su cuerpo.

En el imperio medio, los relieves son menos abundantes y tienden a ser sustituidos por
pinturas. Éstas se ejecutan con pigmentos naturales aglutinados con cola soluble. El
soporte era el constituido por las superficies verticales, preparadas con estuco, de las
tumbas. No se recurría a matices ni a sombras, sólo los plumajes o los pelajes de los
animales daban pie a cierto efecto de difuminado.

Los motivos iconográficos Fragmento de las pinturas de la tumba de Nebamum,

en Tebas (h. 1400 a. C.) (Museo Británico, Londres).
El tema que aparece primero es el banquete
funerario, en el que el difunto recibe las
debidas ofrendas. Poco a poco la
representación va enriqueciéndose con
nuevos personajes, nuevas viandas y con
escenas ajenas al banquete estrictamente
considerado, como aspectos de la cría de los
animales y del cultivo de los vegetales presentados como ofrendas. Se escenifican
asimismo imágenes de la vida tranquila y próspera del propietario de la tumba. Con
frecuencia, en los relieves de las tumbas, aparecen también representados los artistas
preparando las esculturas, los muebles y las joyas de los que disfrutará el difunto en la
vida sobrenatural.
 El segundo tema más representado es el relacionado con
las prácticas funerarias y los viajes de ultratumba. Se escenifican el
cortejo fúnebre, la introducción de la estatua del ka en la tumba y el
viaje en barca. En el imperio medio, se conservan los mismos
temas, enriquecidos con escenas bélicas y con alusiones a las
nuevas prácticas funerarias.

La diosa Isis, huecorrelieve de los pilonos del templo de File, cuya construcción se
inició en el reinado de Tolomeo II, siglo III a. C.

2.1.3 El Arte Antigua Grecia

En la antigüedad tiene como característica fundamental tener un alto idealismo estético,

lo cual implica que el arte representa no la realidad cruda y directa sino una visión
idílica y perfecta que se percibe por el uso de la proporcionalidad y equilibrio de los
elementos así como por su interés en reflejar en las obras artísticas las líneas de la figura
humana a la perfección; tanto en el dibujo como en la escultura. El cuerpo humano para
ellos es el fundamento esencial de toda belleza y toda proporción, A esta tendencia se le
denomina Antropocentrismo.

El Discóbolo de Mirón
https://listas.20minutos.es/lista/arte-griego-360067/

Estilo elaborado por los antiguos artistas griegos, caracterizado por la búsqueda de la
«belleza ideal», recreando el «mundo ideal» del modelo platónico, o mediante la
«imitación de la naturaleza» en el sentido de la mímesisaristotélica. La cultura
desarrollada por los antiguos griegos establece los fundamentos de la cultura occidental.
De ella surgieron los conceptos y principios del arte, la filosofía y el saber posterior.

Se divide estilísticamente en cuatro períodos: Geométrico, Arcaico, Clásico

Helenístico.

 El periodo geométrico

Se data en torno al año 1000 a. C., aunque se conoce poco sobre el arte griego durante
los 200 años precedentes (tradicionalmente conocido como edad oscura griega); el
período del siglo VII a. C. atestiguó el lento desarrollo del estilo arcaico según lo
observado por el estilo de pintura de ‘figura-negra’. El inicio de las Guerras Médicas
marcará el final del período arcaico y el comienzo del clásico; el reinado de Alejandro
Magno (336 a. C. a 323 a. C.) es tomado como la separación entre el arte clásico y el
helenístico.

http://slideplayer.es/3469736/12/images/51/%C3%81nfora+del+Dip
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 El periodo arcaico

Se inicia a finales del siglo VIII a.C. y abarca hasta comienzos del siglo V a.C. el arte
desempeña en esta etapa un nuevo papel propagandístico de la tiranía, cuyos
gobernantes lo utilizan para justificar su poder escasamente legitimado. A partir del
siglo VI a.C. el centro político de la polis se convierte en un lugar de gran relevancia
artística, convirtiéndose la plaza pública o ágora en el corazón de las actividades cívicas
de la sociedad. Se crean ahora santuarios panhelénicos, como Delfos y Olimpia, donde
los distintos tiranos realizan grandes ofrendas votivas para exhibir su poder, y se
fomentan nuevos cultos populares, al tiempo que surgen mitos relacionados con dioses
y héroes locales, lo que incrementa las identidades políticas de las distintas polis que
necesitan sentirse independientes y destacar sobre el resto.

La Arquitectura

Las obras arquitectónicas griegas están bien proporcionadas y son armónicas, por lo que
destacan el equilibrio y sus proporciones. Se expresa la belleza como resultante de la
proporción y la medida. Casi toda es de sillería uniforme y el material preferido fue el
mármol blanco.

Destacan sobre todo Los órdenes que son las sucesiones de las diversas partes del
soporte, Las columnas y de la cubierta siguiendo tres distintas modalidades:

Orden Dórico: muestra un sentido rígido y sobrio. Destaca por su sencillez tanto en las
proporciones como en la decoración. Emplea elementos constructivos indispensables y
ofrece la imagen de robustez. Descansa sobre unas gradas que lo aíslan del terreno
circundante.

Orden Jónico: se caracteriza por la esbeltez y por la riqueza de su decoración. Una y

otra contrastan con la sobriedad del dórico fue creado por los jonios del Asia menor.

Orden Corintio: se desarrolla en la segunda mitad del siglo V A.C. y viene a ser como
una variante del jónico. Sus formas siguen variando únicamente en el capitel que está
formado por un cesto forrado te hojas adornado con pencas que terminan en voluta.
 El Templo Griego: es de medianas proporciones,
construido para albergar únicamente a la divinidad
o a su imagen. Los fieles no se reunían en él para
las celebraciones.

La Escultura (María Molina menciona que):

El tema más importante de la escultura griega es la representación de la figura humana.

El escultor griego busca la perfección corporal del hombre, en consecuencia la escultura
griega se humaniza.

Al principio tendían a ser rígidas pero con los años adquirieron flexibilidad mediante la
observación de la naturaleza con un sentido idealista.

Se buscó el perfecto equilibrio entre la sugestión de la naturaleza y su esfuerzo personal

por presentar prototipos humanos ideales el material preferido siempre fue el mármol
blanco, el bronce se empleó de manera complementaria.

Venus de Milo
La Pintura Lubia Márquez nos aporta que:

Todas las pinturas griegas han desaparecido. Solamente se han conservado las
decoraciones pictóricas realizadas sobre cerámica y vasos de pequeño tamaño.
Presentan maestría en el dibujo pero poco se puede determinar según esto.

Existen numerosos testimonios escritos que nos permiten entrever que era una pintura
extraordinaria o más que la propia escultura.

Algunos pintores griegos fueron: Polignoto, Zeusis, Parrasío y Apeles. Sus pinturas y
frescos se presume que reflejan sus estilos bastante laboriosos.

Corredores durante los

Juegos Panatenaicos

Edipo interrogado por Ánfora ática, decorada con

la Esfinge Heracles y el toro Minos

 Periodo Helenista:
Esta época corresponde al fin del arte griego, las obras de esta época toma modelos de
las anteriores, perfeccionándolos, demostrando una gran capacidad de realización, entra
la figura del niño como tema. La escultura adquiere caracteres de monumentalidad,
dominando lo pintoresco, lo grotesco, lo episódico, etc. El retrato pasa a un primer
plano. En este período surgen diferentes escuelas, entre las más importantes: las Escuela
de Pérgamo, la de Rodas y la de Alejandría.
El Toro Farnesio

https://i.pinimg.com/originals/ac/79/65/ac7965290823a4ddd67813b02eb5
c2e8.jpg

2.1.4 Arte Antiguo Romano

El arte romano proviene del arte griego, cuando la República conquistó Grecia.

Arquitectura Romana
Se caracterizó por un carácter civil basado en la línea curva, en el cual se introducen
novedades técnicas como el arco, la bóveda y el uso de cúpulas.

La arquitectura adquiere un predominio de obras públicas a la orden de la sociedad y el

urbanismo, en los cuales destacan:

• Templos: Se caracterizaban por tener una similitud a un edificio-fachada y tener una

base elevada por la cual se llegaba mediante una escalinata. Al contrario de los templos
griegos se emplea el orden toscano en los primeros tiempos y posteriormente el corintio.
Ejemplo: El Templo de Nîmes (Francia)

• El foro: Adquiere un carácter monumental después del siglo I a. C. debido a que la

vida cotidiana se vuelve más compleja y por aspectos sociales, se requirió de un lugar
para reuniones. Cada una de las ciudades contaba con un foro y una plaza central, en
donde se exhibían estatuas de famosos políticos y emperadores. Ejemplo: El Foro de
Pompeya.
• La basílica: Su utilidad estaba destinada a funciones de administración o reuniones de
comerciantes. Se caracterizaba por tener una forma rectangular. Su importancia se ve a
futuro con el arte cristiano. Ejemplo: Basílica de Majencio.

• Las termas: Eran los centros sociales, los cuales se dividían en tres grandes salas de
baño, salas de masajes, vestuarios y jardines. Ejemplo: Las termas de Trajano, Caracalla
y Dioclesiano.

• El teatro: Edificación con similitud griega la cual es adaptada a sus necesidades. Los
romanos varían su construcción abovedando las galerías. Ejemplo: Teatro de Liptis
Magna (Libia).

• Los anfiteatros: Otra construcción de carácter monumental la cual se conforma por una
planta elíptica, se divide en: el graderío para el público, la arena para el espectáculo y un
conjunto de galerías subterráneas bajo la arena y el graderío, para las fieras, luchadores,
etc.

• Los arcos del triunfo: Inicialmente tienen como utilidad conmemorar victorias y
posteriormente se empiezan a ver en todas las entradas de las ciudades.

La escultura: La representación escultórica, en escenarios tanto públicos como

privados, era una auténtica pasión para los romanos. La
estatuaria romana, aunque poderosamente influida por la
griega, se centraba en la exaltación de altas personalidades,
más que la temática religiosa y mitológica de la escultura
griega. El retrato fue, pues, el motivo más cultivado en las
estatuas romanas. (Aporte realizado por Ariana Peña)

Retrato de Pompeyo.(S.I a.C.).-Retrato de la Roma

Republicana (509-27 a.C

El retrato esculpido: Las efigies más representadas y veneradas en la estatuaria romana

eran, lógicamente, las de los emperadores, cuyas imágenes llegaban a todos los rincones
del imperio para estimular la fidelidad de los súbditos. Las representaciones imperiales
fueron inicialmente de carácter helenizante.

La inspiración en el clasicismo griego de la época de Julio César (100-44 a.C.)

y Augusto (63 a.C.-14 d.C.) se caracterizó por la idealización y la representación
simbólica de las virtudes del personaje esculpido.

Posteriormente, en la época de Claudio (10 a. C.-54 d. C.) y Nerón (37-68) se

intensificaron los efectos de luz y sombra y se acentuó la preocupación por el realismo,
tendencia que se mantendría durante las dinastías de los Flavios, los Antoninos y
los Severos.

A partir del siglo III el retrato inició una rápida evolución hacia la simplificación
geométrica. El parecido físico dejó de interesar al artista, para optar por una
representación simbólica caracterizada por el hieratismo. Propios de este periodo son los
retratos de Constantino I el Grande (h. 280-337).

Detalle del emperador Estela con la representación del abrazo de los

Augusto. (Museo Augustos, Diocleciano y Maximiliano (siglo III).
Arqueológico Nacional,
Atenas).

La pintura romana: (Aporta Yusmary Maldonado que):

Los romanos utilizaron nuevos colores que obtenían de la combinación de diferentes

sustancias como base material, por lo que la gama se hace más amplia que la utilizada
previamente por los griegos e incluso por los egipcios.
Los romanos utilizaron en su pintura de características figurativas recursos novedosos
en su afán por elaborarla lo más fiel posible a la realidad, utilizando elementos como la
perspectiva, la simetría, el uso de las sombras para destacar las figuras sobre el fondo y
otras con exquisito gusto y maestría.

2.1.5 Arte Antiguo India

Se define el arte de la India como un arte sacro o sagrado. Por medio de símbolos y
representaciones artísticas altamente sensibles se brinda la posibilidad a los fieles de
identificarse plenamente con las mismas si este ha crecido y vivido en esta cultura.

Arquitectura (Judit Contreras nos señala que):

Con la aparición por primera vez de la arquitectura hindú los edificios que se realizaron
fueron a través del ladrillo y se iban levantando sus estructuras con madera. Sin
embargo, estos modelos fueron desapareciendo poco a poco a lo largo de todos los
siglos y se volvieron a construir utilizando piedra. Sin embargo, es así imposible
ordenar de manera cronológica los monumentos y edificios que se crearon mediante la
arquitectura hindú. Lo único que se puede decir a ciencia cierta es que la gran mayoría
de los edificios o monumentos que se crearon tenían como tema principal la religión.
Además de que no se han hallado templos más antiguos del siglo XV ya que fueron
desapareciendo por la mala calidad de los materiales que se utilizaron y los templos que
se hallaron del arte indio (que es diferente al arte musulmán) son bastante pocos. La
tipología más común de la arquitectura hindú fue:

•La gopura

•Templos subterráneos próximos con el monolítico.

•Pagoda al aire libre

•Columnas y puertas conmemorativas

•La stupa.

India. El Taj Mahal es una de las maravillas del

mundo moderno y la principal atracción turística de la
India.
Escultura En la India la escultura propicio el medio idóneo
para representar la imagen de dioses y semidioses al mismo
tiempo que plasmo en forma tangible sus tradiciones,
creencias filosóficas y religiosas con un medio artístico que
por ser tridimensional permite ser apreciado desde distintos
ángulos visuales. Esta característica de volumen y masa que
brinda la tridimensionalidad de la escultura es muy útil; no
solo para decorar templos y lugares de culto sino también ofrecen la ventaja en (aquellas
en que el material lo permite como las de bronce), ser cargada y exhibida en la
procesiones religiosas y ser apreciadas por los creyentes quienes encuentran un medio
tangible en que demostrar sus respetos y adoración a sus deidades.

La pintura de la India: es una forma de arte de la India. Las primeras pinturas de la

India fueron las pinturas sobre roca realizadas en épocas pre-históricas, petroglifostales
como los que se observan en Bhimbetka, algunos de ellos se remontan a antes del 5500
a C. Tales obras continuaron en el tiempo por varios milenios, luego en el siglo VII los
pilares tallados de Ellora, en el estado de Maharashtra es un muy buen ejemplo de
pintura de la India, sus colores, principalmente tonos de rojo y naranja, se consiguieron
a partir de pigmentos minerales. Algo posteriores son los frescos de las cuevas
de Ajanta y Cueva de Ellora. Además, la literatura budista de la India posee una gran
abundancia de textos que describen que los palacios de reyes y de las clases
aristocráticas estaban decorados con pinturas, pero lamentablemente los mismos no han
sobrevivido hasta nuestros días. Pero, basados en esta evidencia se piensa que alguna
forma de arte era practicada por estas épocas.

Las pinturas de la India poseen un continuo estético que se extiende desde las primeras
civilizaciones hasta nuestros días. En sus comienzos su naturaleza era esencialmente
religiosa, pero luego la pintura de la India evolucionó a través de los años para
convertirse en una fusión de varias culturas y tradiciones. La pintura de la India ha
estado expuesta a influencias greco-romanas, iraníes y chinas. Las pinturas en cavernas
que se observan en distintas partes de la India son un testimonio de estas influencias y la
evolución continua de nuevos idiomas pictóricos es evidente. (Aporte realizado por
María Molina)

Radha

Shakuntala de Raja Ravi

Varma.

2.1.6 Arte Antiguo China: (Paola Nieves en su investigación nos indica que):

El Arte en China ha sido objeto de grandes discusiones entre los conocedores de arte en
todo el mundo. China tiene una historia asombrosa en todas las formas de arte, a saber,
bellas artes, artes escénicas y artes populares. Las antiguas formas de arte chino
evolucionaron de acuerdo con las cambiantes dinastías que gobernaron el país durante
los años.

La civilización china se remonta a más de cuatro mil años atrás. A lo largo de los años,
los chinos han logrado desarrollar una colección de obras de arte extremamente
diversas. Los arqueólogos han podido encontrar obras de arte de la región que precede a
la época en que comenzó a escribirse la historia.La obra de arte más temprana de la
región hizo uso de rocas y piedras como medio de expresión. Esto fue cuando los chinos
aún no habían aprendido a trabajar con metal. Sin embargo, después de algún tiempo,
los chinos aprendieron a hacer uso del bronce, y esa época se conoce como la Edad del
Bronce. Este período fue seguido por la Edad de Piedra y luego por la Edad de Piedra
Neolítica.

El país de China ha sido gobernado por muchas dinastías diferentes a lo largo del
tiempo. La dinastía Tang, la dinastía Qin, la dinastía Han y la dinastía Zhou hicieron sus
propias contribuciones al arte chino antiguo. Cada dinastía tenía su propio estilo, el cual
evolucionaba con el paso del tiempo.

Arquitectura

El chino es el único sistema arquitectónico cuyas estructuras son principalmente de

madera, lo que es un reflejo de la ética del país, su criterio estético y el valor que da a la
naturaleza. Son construcciones que se basan en profundas tradiciones culturales y así, en
ella destaca la ideología de la superioridad del poder imperial y su compacto sistema de
clases. En la arquitectura tradicional china, la distribución de las unidades espaciales se
rige por los principios de equilibrio y simetría. El eje constituye la estructura principal.
Las estructuras secundarias se sitúan a ambos lados del eje formando el patio central y
las habitaciones principales. Tanto las viviendas como los edificios oficiales, templos y
palacios se ajustan a este principio fundamental. En la distribución del espacio interior
se reflejan los valores éticos y sociales de los chinos.

Templo Pingyao, en Ming/Qing, China

Escultura China.

Tiene origen milenario, pero a diferencia del resto de las artes (sobre todo en el arte de
la pintura y la literatura) poco se sabe sobre los autores de las grandes esculturas que
hoy en día yacen a lo largo de todo China. Esto se debe a que los escultores eran
considerados de clase muy inferior, y por este motivo no eran mencionados en los libros
y documentos históricos.

Las esculturas chinas por lo general se relacionaban con la religión y los próceres tanto
verdaderos como ficticios, encontrándose en su gran mayoría dentro de templos
budistas y taoístas y como también se manifestaban coronando los mausoleos. Una
característica típica de las esculturas chinas, es la enfatización de las vestiduras de los
personajes, marcando una gran diferencia con respecto a la escultura tradicional
occidental. Los mejores ejemplos se encuentran en las grutas de Longmen, Yungang, y
Dazu. (Aporte de Marioly Gutiérrez)

La escultura en piedra se inició como majestuosa y representativa decoración de los

caminos funerarios de las tumbas imperiales en la dinastía Han. Grandes animales reales
y mitológicos, representación de los estamentos sociales –letrados, militares,
extranjeros, etc.- fueron los temas elegidos para dignificar el poder. De todo ello son
muestra las esculturas que flanquean el camino de los espíritus de las dinastías Han,
Tang y especialmente las tumbas Ming, así como la escultura representativa de los
palacios imperiales.

Antigua Escultura-Figura en Bronce. Elefante Asiático.

Dinastía Ming
La pintura de un estilo distinto también emergió prominentemente durante la China
antigua. Durante la dinastía Song, las pinturas consistían principalmente en pinturas y el
énfasis estaba más en el aspecto espiritual. Durante la dinastía Ming, la pintura recibió
más ímpetu y las pinturas durante este período eran más atrevidas que las de la dinastía
Song. Con frecuencia la pintura se inspiraba en la poesía y se combinaba con la
caligrafía. Muchas pinturas eran paisajes que incluían montañas, casas, pájaros, árboles
y agua. Aller de pintura china Tres Cantos

La porcelana

Se creó durante la dinastía Chang en el segundo milenio a. de C. Mientras que los

antiguos métodos eran primitivos, la fabricación de porcelana avanzada fue posible
gracias al desarrollo de hornos especializados que podían cocer caolín, un tipo de arcilla
blanca, a temperaturas de alrededor de 1.200 grados, para obtener un material duro y sin
poros. La primera verdadera porcelana fue producida durante la Dinastía Tang, cuando
los alfareros chinos aprendieron a controlar el contenido de hierro que reduce la
interferencia del color, dando por resultado la blancura. La fabricación de la porcelana
fue finalmente dominada durante la Dinastía Ming y, la de alta calidad, se exportó a
Japón y a Europa.
Antiguo Jarrón Porcelana China. https://cloud10.todocoleccion.online/arte
escultura/tc/2017/03/03/17/72460423_50732066.jpg

La seda

Se obtenía a partir de cultivos de gusanos, o sericicultura siendo fechada hacia el año

2.700 a. de C. La leyenda cuenta que la Emperatriz Si Ling Chi descubrió la seda,
cuando un capullo de la polilla del gusano de seda cayó desde un
árbol de moras dentro de su té.
Artesanía, Dinastía Qing, Raso de seda
http://www.adevaherranz.es/ARTE/UNIVERSAL/EDAD%20ANTIGUA/CHIN
A/ARTES%20MENORES/Art%20Artesania%20XIX%20DIN%20Qing%20raso
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Caligrafía

La cultura China fue la primera en utilizar tinta para escribir y se estima que habría sido
inventada hace 4.500 años atrás, siendo las primeras realizadas de pigmentos negros que
obtenían del humo; el papel también es de origen chino y fue inventado en la dinastía
Han realizándose con una mezcla de fibras de bambú, cortezas de árbol y agua. Las
primeras manifestaciones de caligrafía china se encuentran sobre huesos pertenecientes
a la Edad de Bronce, durante la dinastía Shang, del siglo XVII al XI a.C. Mientras que
los primeros pictogramas que se descubren son imágenes simples que permiten apreciar
un vocabulario extenso al conceptualizarse objetos concretos y abstractos mediante la
combinación de unos pictogramas con otros. Por otro lado las ideas complejas se
obtienen mediante la unión de dos o más símbolos. Se descubre así que el concepto de
“Hombre” (Ren) en combinación con el concepto de “Árbol” (Wu) significa
“Descansar” – Xiuxi. La escritura china, los ideogramas, no son signos que representan
fonemas: Los signos del sistema de escritura chino no representan sonidos sino
conceptos. Es decir, el signo tiene naturaleza conceptual, de significado y no guarda
relación directa con el sonido.

http://china.globalasia.com/wp-content/uploads/2011/09/idioma-pluma-300x169.jpg

2.1.7 Arte Antiguo África

Es una agrupación de diferentes manifestaciones o movimientos artísticos que se
fueron originando en los pueblos de “África negra” durante toda la historia del arte. Se
podría decir, que el arte africano se desarrolló por las diferentes culturas que existían, y
todavía hoy existen, en el continente africano. Dichas culturas se caracterizaban por
tener diferentes idiomas, distintas tradiciones y diversas maneras artísticas que
caracterizaban a cada una de las culturas.

Arquitectura (Lubia Márquez nos señala que):

Los primeros emplazamientos urbanos que se conocen en África son las ciudades
amuralladas del sur de Mauritania, construidas hace unos 4.000 años. Mucho más
próximo a nosotros, hace unos 2.600 años y a lo largo de los 400 años siguientes se
produce una explosión urbana inmediatamente al sur del Sahara. De este tiempo son los
emplazamientos más antiguos: Jenne, Gao, y Kumbi (Kumbi Saleh más tarde, la capital
del reino de Ghana). Todos estos centros urbanos crecieron en los oasis y riberas de los
ríos que les permitieron desarrollar y mantener grandes poblaciones urbanas.
 La arquitectura africana usa una amplia variedad de
materiales. Un muro en África del Norte podría ser
construido de piedra o de tierra apisonada; en África
occidental, de barro o adobe; en África central, de
madera; en África meridional, de madera o piedra; y
en África oriental, de todos estos materiales.

Escultura

Como ejemplo tenemos las piezas como el Altar de la Mano, que ejemplifican la
maestría con la que los artistas manipulaban el bronce, así como la importancia de los
elementos simbólicos en el arte. En la parte central de esta obra aparecen una serie de
figurillas en relieve que veneran al rey y glorifican su poder divino. El monarca es la
figura central del conjunto; lleva en las manos los símbolos de su poder, y su cabeza es
mayor que las de sus cortesanos.

Otros ejemplos de cerámica son las cabezas de Lyndenburg, en Sudáfrica (500).

Conocemos también esculturas en piedra de la zona de la desembocadura del Congo, y
de Sierra Leona (siglo XVI), estas últimas probablemente obra de los artesanos Sherbro,
los mismos que realizaron excelentes tallas de marfil.

Las más antiguas esculturas de madera conocidas son los retratos de los reyes de Kuba,
de la zona central de la actual República Democrática del Congo, que datan del siglo
XVII. Sin embargo, muchas de las mejores esculturas en madera corresponde a la
segunda década del siglo XX: por ejemplo, los trabajos de los maestros yorubas Olowe
de Ise (después de 1939) y Areogun de Osi-llorin (hacia 1880-1954).

El escultor africano cuando crea, parte siempre de la naturaleza, de quien toma las
formas más elementales. En ellas el artista va a plasmar el sentimiento que tiene de una
dimensión más profunda de las cosas. Estas formas elementales son casi siempre el
hombre y el animal.

Antiguo Elefante Tallado En Madera Africano

https://cloud10.todocoleccion.online/arte-
etnico/tc/2014/10/05/20/45560843.jpg
Los fetiches

Son objetos a los que se atribuye un poder sobrenatural para ejercer influencias
maléficas o beneficiosas. Cabe distinguir entre figuras-relicario, con cavidades para
guardar objetos, fetiches de clavos, que ejercen influencias malignas, fetiches que
transmiten los mensajes de los espíritus y tallas conmemorativas de personajes
relevantes.
Fetiche de Nkisi de la tribu de Bakongo del Congo

https://assets.catawiki.nl/assets/2016/12/11/8/1/0/8101d00e-bfce-11e6-
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Las máscaras

Se emplean para captar la energía sobrenatural de los espíritus, en ritos funerarios y

mágicos o en ceremonias destinadas a propiciar la fecundidad de la tierra.

Máscara Africana Madera Tallada

https://cloud10.todocoleccion.online/arte-
etnico/fot/2007/06/08/5165328.jpg

Pintura

El estilo y simbolismo de las pinturas, figuras y máscaras dependen del contexto social,
cultural y religioso de la región. Los mitos, los rituales y las ceremonias se reflejan en
las diferentes manifestaciones artísticas. Refleja las dificultades de sus formas de vida,
las distintas actividades que desarrollan para su subsistencia. Utilizan temas como los
espíritus del agua, el viento, de la lluvia.
 Al haber recurrido al arte africano como medio de inspiración y experimentación de
diferentes formas de expresión, los movimientos de arte europeos modernos como el
cubismo y el expresionismo, ayudaron, sin pretenderlo, a crear un mayor interés por
esas artes antes desconocidas. El carácter abstracto del arte africano inspiró a pintores
modernos como Pablo Picasso y Henry Moore. Picasso, que negó al principio esta
relación, después admitió la gran influencia que el arte africano tenía en una parte
importante de su obra. Artistas americanos como Meta Warrick Fuller y Martin Puryear
se inspiraron en creaciones del arte tradicional centroafricano, y el americano Renée
Stout, en 1990 presentaba su exposición de esculturas basadas en figuras creadas por el
pueblo Kongo.

Batik Africano de Mozambique

III. Pensadores Filosóficos

3.1 Heráclito:

Heráclito de Éfeso nació en la ciudad de Éfeso Grecia, en torno a 540 antes de la edad
cero. Fuerte personalidad, Heráclito no apreciaba la vida pública y se alejó de temas
como el arte y la religión. El filósofo basa sus ideas sobre la ley fundamental de la
naturaleza, por lo que, dijo, “Todo fluye” y “Nada es permanente excepto el cambio.” A
partir de esto creemos que todo lo que existe está en cambio o transformación constante,
concepto llamado “Devenir” (devenir, la venida-a-ser), sujeto a los “logos” (razón o
derecho). Fue el creador del pensamiento dialéctico, siendo así que la dialéctica se
propone la búsqueda de la verdad a través de la relación entre dos conceptos opuestos
en una relación de interdependencia. (Aporte de Ariana Peña)

En Heráclito insinúa que las cosas se empujan unas a otras

oponiéndose. En toda oposición los términos que se oponen
son, cada uno, la negación del otro.
3.2 Sócrates:

Nació en Atenas (Antigua Grecia) en el 470 antes de la edad cero. Propuso su método
de la mayéutica para ayudar a las personas a encontrar la verdad, que se encuentra en el
interior de cada uno. Siendo la mayéutica un método o una técnica que consiste en
realizar preguntas a una persona hasta que ésta descubra conceptos que estaban latentes
u ocultos en su mente. Es una simple palabra griega (μαιευτικη) dicha "maieutik" y que
se traduce como obstetricia, es decir, la que se ocupa del parto o embarazo, Sócrates
modificó el significado médico que tenía mayéutica y lo reorientó al ámbito filosófico.
Mientras el significado real de mayéutica es «el arte de hacer nacer (bebés)», Sócrates
lo focalizó en «el arte de hacer nacer o arte de dar a luz (al humano pensador)».

Respecto a la belleza afirmo Sócrates que el filósofo no es aquél que contempla las
cosas bellas, sino aquél que contempla la belleza tal como es en sí misma. Por esto, la
belleza puede manifestarse de infinitas maneras: en una rosa, un paisaje, una música,
una buena obra lo cual propone un relativismo. Sócrates decía que la pintura es una
representación de lo que se ve. Sócrates explica que, mientras las otras artes, las del
herrero o del zapatero, por ejemplo, crean objetos que a naturaleza no produce, la
pintura y la escultura repiten e imitan lo que ya existe en la naturaleza. Es decir, que las
segundas tienen un carácter imitativo y representativo que las diferencia de las otras.

También formuló Sócrates la teoría de la idealización de la naturaleza que complementa

y modifica la teoría de la representación de la naturaleza por el arte.

Afirma que el arte no representa sólo el cuerpo, sino también el alma, que “es seductor,
dulce, amable, deseable y encantador”.

3.3 Platón:

Nació en Atenas, (o en Egina, según otros, siguiendo a Favorino), probablemente el

año 428 o el 427 antes de la edad cero. Fue el primero que trató sobre conceptos
estéticos como centro de muchas de sus reflexiones, sobre todo en temas relativos al
arte y la belleza. La concepción metafísica de la belleza platónica establece que en la
medida en que más se acerquen a esta perfección y cumplimiento será más bello, porque
donde se da lo incompleto no hay belleza, y es que la belleza mira siempre a lo esencial
de las cosas, a lo que cumple su finalidad o lo que adquiere forma. Platón, veía la
esencia de la belleza en el orden, en la medida, en la proporción explica que son la
medida y la proporción, quienes deciden sobre la belleza de las cosas y les proporcionan
unidad. El sentido de belleza es una particularidad del hombre, una manifestación de su
divinidad.

Es que el mérito que existe entre todas las artes y las Musas se lo debemos a Platón,
quién estableció este orden divino, atribuyendo a las Musas el poder de dotar a los
artistas de influencias creativas y creadoras: la inspiración. Pues para los griegos, la
inspiración es ese estímulo que consigue de repente que un artista crea una obra, es un
elemento creativo diferenciador. Así, el talento artístico depende de los momentos
inspiradores. Es ese instante en que "las Musas soplan en el oído sintonías de
creatividad". Digamos que hay mezcla en los conceptos y ese soplido que llega del
interior de cada artista, sirve para iluminar el sendero de su trabajo.

Así, oímos siempre que todo ser humano es un artista en potencia y que solo depende de
las circunstancias de la vida para que cada uno aplique su arte a la vida. Siempre oímos
"somos pequeños Dioses en potencia". Pero es que estamos inspirados por esas Musas y
a veces no percibimos "el suave susurro melódico que ellas nos quieren contar" (Aporte
de Judit Contreras)

Las Musas eran divinidades relacionadas con ríos y fuentes, espíritus de las aguas. Se
les atribuían virtudes proféticas, así como la capacidad de inspirar toda clase de poesía.
En un desarrollo ulterior se convirtieron en inspiradoras y protectoras de toda forma de
Arte y pasaron a presidir toda manifestación de inteligencia.

Aristóteles:

Filósofo griego, nació en el 384 antes de la edad cero. Para Aristóteles la estética o
belleza no se relaciona con lo que es agradable a los sentidos, porque es objeto de
contemplación y no de deseo. Lo que es bello agrada porque es bueno, quiere decir que
lo bello es lo bueno, aunque lo bueno también implica movimiento y no solamente lo
estático. (Aporte de Paola Nieves)

Las bases del arte dramático o teatro clásico fueron establecidas por Aristóteles quien
describió y catalogó el teatro de su época a través de su obra LA POETICA (que
proviene del griego que significa crear, artísticamente hablando). Para Aristóteles, las
artes se pueden diferenciar entre sí según la imitación (del gr. mimesis que viene a
sustentar casi todas las teorías teatrales y de actuación). Él las define por sus medios o
por sus modos de imitación. Según los medios de imitación, distingue entre las artes que
son poéticas y las que no lo son; siendo las artes poéticas aquellas que utilizan el
lenguaje y sus recursos como el ritmo, el verso y el canto (tales como el teatro).

Lo feo en el arte, por ejemplo en la comedia, es lo ridículo, lo erróneo que no tiene

forma, que es inocente e inofensivo y sólo puede significar arte en su conjunto. ,
Aristóteles propone que la esencia de las bellas artes es la imitación imaginaria del
mundo real, pero para Aristóteles éstas no son copia de otra copia, según propone
Platón que cree que la idea de lo real es trascendente y las cosas son ilusorias, sino copia
de las cosas reales. Para Aristóteles, un artista trata de descubrir el elemento universal
de las cosas. En la tragedia los personajes aparecen como mejores que los protagonistas
de la vida real actual; y en la comedia como peores, ridiculizando o exagerando los
hechos y sus caracteres. Para Aristóteles el propósito fundamental de la tragedia es su
argumento o trama, ya que los personajes se ajustan a la acción. La tragedia es una
imitación de la vida, su felicidad y sus miserias. Tiene la capacidad de enunciar a través
del discurso de sus personajes proposiciones universales, siendo la melodía un accesorio
importante.

IV. Tratamiento pedagógico

4.1. Desarrollo integral (Aporte Ariana Peña)

El propósito de la educación es brindar las bases para que los niños y niñas evolucionen,
se desarrollen y se perfeccionen en todos los aspectos del ser humano, como son:
cognitivos, sociales, afectivos y físico-motriz, buscando con ello la integralidad de los
mismos. El desarrollo integral se construye a lo largo de la vida del ser humano, por
tanto se necesita de una efectiva actuación por parte del sistema escolar y familiar, para
que se incremente así el bienestar integral individual y colectivo de la persona. Por otra
parte el desarrollo integral busca que los niños y niñas logren comprender críticamente
su mundo y al mismo tiempo actué para transformarlo, preparándolo constantemente
para la vida.

Aspecto cognitivo: Es el producto de los esfuerzos del niño por comprender y actuar en
su mundo. Se inicia con una capacidad innata de adaptación al ambiente. Consta de una
serie de etapas que representan los patrones universales del desarrollo. En cada etapa la
mente del niño desarrolla una nueva forma de operar. Se relaciona con la expansión de
habilidades intelectuales o metales del niño, el conocimiento implica reconocer,
procesar y organizar información y luego utilizarla apropiadamente.

Lenguaje: El lenguaje verbal emplea signos que transmiten significados y que pueden
articularse formando estructuras complejas que adquieren nuevas capacidades de
significación (morfemas, palabras, oraciones, párrafos, textos). Filósofos como Martin
Heidegger consideran que el lenguaje propiamente dicho es sólo privativo del hombre.
Es famosa su tesis según la cual el lenguaje es la casa del ser (Haus des Seins) y la
morada de la esencia del hombre. La importancia del lenguaje radica que en las palabras
y la comunicación entre personas son esenciales para todos los aspectos y todo tipo de
interacciones en la vida cotidiana. Siempre usamos el lenguaje como herramienta de
información y de comunicación entre las personas que nos rodean y mediante el
lenguaje es ómo podemos expresar lo que sentimos, lo que deseamos y comprender, un
poco mejor si cabe, el mundo que nos rodea.

Memoria: Cuando hablamos de la memoria nos referimos a la capacidad de ingresar, de

registrar, de almacenar y de recuperación de información del cerebro, ya sean valores
como también recuerdos visuales o auditivos, básico en el aprendizaje y en el
pensamiento. También es la impresión, retención y reproducción de una experiencia
anterior. Esta involucra muchas fases diferenciadas.

La Atención: Muestra la capacidad del ser humano de fijarse con detenimiento en un

ámbito en concreto de la realidad para retener información de valor en su memoria. La
atención muestra la actitud activa de quien pone interés y se concentra en aquello que
está haciendo. La atención es muy importante en el plano académico o en el ámbito
laboral porque solo cuando la persona está atenta es capaz de llevar a cabo una gestión
con detalle porque ha comprendido exactamente aquello que tiene que hacer. Para estar
atento a una información en concreto es importante tener una actitud receptiva y tener
tiempo para observar. La prisa y poner atención son incompatibles.

La Percepción: Es la función psíquica que permite al organismo, a través de los

sentidos, recibir, elaborar e interpretar la información proveniente de su entorno.

Los principales campos investigados en percepción se asemejan a los sentidos clásicos

(visión, audición, tacto, olfato y gusto), aunque ésta no es una división que se sostenga
hoy en día. La percepción es el proceso cognitivo o la capacidad para alcanzar la
conciencia y comprender el entorno que nos rodea mediante la interpretación, selección
y organización de diferentes tipos de información. Todas las percepciones implican
estímulos en el sistema nervioso central.

La Creatividad: Es una de las capacidades más importantes y útiles del ser humano.
Esto es así porque le permite, justamente, crear e inventar nuevas cosas, objetos,
elementos a partir de lo que ya existe en el mundo. La idea de creatividad proviene
justamente de la idea previa de “crear”, por lo cual el acto de inventar o generar algo
nuevo está vinculado siempre en mayor o menor grado con el uso de la mencionada
habilidad. Si tenemos en cuenta que el ser humano se caracteriza por adaptar la
naturaleza y lo que lo rodea a sus necesidades, comprenderemos por qué entonces en
esto es central la creatividad: la capacidad de pensar en algo nuevo y mejor es lo que
hace que la sociedad y la civilización humana avance en definitiva hacia nuevas y
mejores formas de convivencia.

El Aspecto Afectivo: En este aspecto el niño logra construir su identidad y autoestima,

además de tener la necesidad de establecer relaciones afectivas con personas
significativas de su entorno. Algunos de ellos son:

Armonía: Es la capacidad para integrarse, de unirse para formar un todo y es además la

certeza de que las cosas se están haciendo correctamente. Como personas, debemos
estar en armonía con los demás, con la naturaleza, con el mundo entero y con nosotros
mismos. Estar en armonía con los demás significa anhelar el bien para ellos, actuar de
modo constructivo y ayudarles en su camino a lograr lo que quieren.

La inteligencia intrapersonal: Es uno de los tipos de inteligencia propuestos en la

Teoría de las Inteligencias Múltiples de Howard Gardner, hace referencia al grado en el
que conocemos los aspectos internos de nuestra propia manera de pensar, sentir y
actuar. En otras palabras, representa nuestra habilidad a la hora de conocernos a
nosotros mismos e intervenir sobre nuestra propia psique, en un sentido amplio. El
gusto: Es una cualidad del individuo que le permite percibir la belleza, pero todas las
personas no la desarrollan de la misma manera, una cosa es el gusto, como sentimiento
que nos atrae directamente hacia las cosas, y otra es el gusto que nos hace conocer y
discernir las cualidades de las cosas, mediante la adscripción a determinadas reglas.

Sensibilidad: Es la capacidad que tiene las personas para percibir sensaciones

diferentes a través de los sentidos, como el arte. Para reconocer la estética de cualquier
objeto es decir la belleza, es necesario que nos ilumine un foco interior. Si la obra de
arte no encuentra eco en una personalidad sensible y despierta, afinada en elementos
culturales y estéticos, nada nos dirá ni en nada nos conmoverá. Y ese enriquecimiento y
sensibilidad internos surgen de desarrollar el hábito de interiorizar, de no pasar por alto
todo aquello que nos puede enseñar algo. Este diálogo con nosotros mismos despierta el
ojo del alma que mira, no solo lo superficial, sino todo lo que la vida y la naturaleza nos
pueden desvelar. Las Emociones: Pueden ser consideradas como la reacción inmediata
del ser vivo a una situación que le es favorable o desfavorable; es inmediata en el
sentido de que está condensada y, por así decirlo, resumida en la tonalidad sentimental,
placentera o dolorosa, la cual basta para poner en alarma al ser vivo y disponerlo para
afrontar la situación con los medios a su alcance. Los Sentimientos: Son la expresión
mental de las emociones; es decir, se habla de sentimientos cuando la emoción es
codificada en el cerebro y la persona es capaz de identificar la emoción específica que
experimenta: alegría, pena, rabia, soledad, tristeza, vergüenza, etc. La Intuición: Esta se
comunica contigo de varias formas: una sensación corporal, un pensamiento o una
palabra que no sabes de dónde te ha venido, un sueño…Sin embargo, hemos perdido el
poder de estar en conexión con ella. La intuición es para el creativo y para el artista la
más importante de sus acompañantes. Solo así puede tener éxito. Sólo así puede
entusiasmar y llegar al público. Su funcionamiento es muy difícil de explicar y aún más
de entender, por la razón, pero una vez experimentado, imposible de negar.

Aspecto Social: Son todas aquellas habilidades que permiten al ser humano integrarse y
convivir con un grupo social determinado. Lo social puede otorgar un sentido de
pertenencia ya que implica algo que se comparte a nivel colectivo, para promover el
bienestar social y con ello mejorar la calidad de vida de las personas. Los procesos
sociales básicos permitirán al niño crear lazos de afectividad, independencia y
comunicación con su entorno; por eso es indispensable colaborar con su desarrollo
mediante la estimulación sensorial que pueda recibir. En el aspecto social el niño
muestran orgullo por sus logros, comienzan a ser exigentes y a estar más de acuerdo con
las reglas, entre otros.

Aspecto Físico Motriz: En la etapa educativa los niños hallan en su cuerpo y en el

movimiento las principales vías para entrar en contacto con la realidad que los envuelve
y, de esta manera, adquirir los primeros conocimientos acerca del mundo en el que están
creciendo y desarrollándose. Sin duda, el progresivo descubrimiento del propio cuerpo
como fuente de sensaciones, la exploración de las posibilidades de acción y funciones
corporales, constituirán experiencias necesarias sobre las que se irá construyendo el
pensamiento infantil. Asimismo, las relaciones afectivas establecidas en situaciones de
actividad motriz, y en particular mediante el juego, serán fundamentales para el
crecimiento emocional; como son:

V. Tratamiento Curricular

5.1 Aprendizaje Integral:

Yusmary Maldonado agrega que: Es un proceso continuo, permanente y participativo

que busca desarrollar armónica y coherentemente todas y cada una de las dimensiones
del ser humano (ética, espiritual, cognitiva, afectiva, comunicativa, estética, corporal, y
socio-política), a fin de lograr su realización plena en la sociedad. A través de él se
alcanza el desarrollo personal, se accede a la cultura y se adquieren las herramientas
para participar activamente de la vida social. Su adquisición se da en forma paulatina y
permanente a lo largo del ciclo vital, siendo la infancia el período en el cual se da de
modo más intenso y significativo. En consecuencia, mientras más oportunidades tengan
los niños y niñas de desarrollar sus aprendizajes, más posibilidades tendrán de lograr su
pleno desarrollo como personas y miembros de una comunidad.

Es la combinación de diversos elementos que estimulan los recursos del ser humano
(mente consciente, mente inconsciente, sentidos, emociones y cuerpo) para que aprenda
fácilmente y logre mayor retención a largo plazo, mayor profundidad del conocimiento,
mayor velocidad de asimilación, menor dificultad y mayor interés.

Las personas necesitan aprender de forma permanente y diferente a como se enseñan en

la escuela, ya que sigue siendo un aprendizaje memorístico, repetitivo, mecánico,
desfasado, inservible, descontextualizado, aburrido y sin sentido para el que aprende.

VI. Estética y Arte Interdisciplinario y Transdisciplinario

6.1 Estética y Arte en Psicología:

Marioly Gutiérrez añade que: El arte y la psicología son disciplinas que pueden
encontrar puntos de encuentro. De hecho, algunas corrientes de la psicología han
hallado en el arte un objetivo de investigación de notable interés. En este sentido,
algunos estudios de psicología han investigado el trabajo de los artistas en su dimensión
de creadores con el fin de analizar la mente del artista. El creador de una obra de arte es
alguien especialmente llamativo para la psicología. Así, el actor, el bailarín o el músico
interpretan aquello que otros artistas han creado previamente. Los psicólogos que se
dedican a esta disciplina intentan comprender los mecanismos mentales que ponen en
funcionamiento los intérpretes de una obra de arte para ejecutarla de manera exitosa.

En la psicología del arte se estudian cuáles son los impulsos creadores de los artistas y,
al mismo tiempo, se analiza qué teorías psicológicas se adaptan mejor a dichos
impulsos.

El arte analizado desde el psicoanálisis

En Personajes psicopáticos en el escenario (1905-1906/1996) Freud analiza cómo el

espectador puede percibir una obra de arte, es decir, por medio de qué mecanismo el
mismo puede trascender la resistencia para fantasear -identificándose con el héroe-
sobre deseos inconscientes y “prohibídos”. En este texto, el autor teoriza analizando
obras teatrales. El interés de analizar esta producción es centrarse en la
conceptualización del término de catarsis. (Aporte de Marioly Gutiérrez)

La categoría de catarsis como categoría estética fue planteada inicialmente por

Aristóteles en su Poética (Sánchez Palencia, 1996). Entendiendo por catarsis tanto a la
purgación de los afectos como así también a “la purificación del espectador del espanto
y la compasión, gracias a la representación de acciones que provocan el espanto y la
compasión” (Brecht, 2010: 19). Según Freud -en Personajes psicopáticos en el
escenario- el fin dramático, al igual que para Aristóteles, es la “purificación” de los
afectos. Es decir, que habría una apertura -en la vida afectiva del público- de placer o de
goce (Freud, 1905-1906/1996). Por lo tanto, mediante la identificación (acto psíquico) -
del espectador- con el actor se establece la catarsis del espectador, que lo compromete
con la acción dramática. La misma produce sensación de alivio. Esto se logra establecer
debido a que el espectador no visualiza el penar del héroe, ya que si lo hiciese no se
permitiría la descarga. Se genera una ilusión. Por otra parte, el héroe con el cual el
público se identifica es vivido como un otro que se halla en la escena; por lo que no
hace peligrar su certeza personal (del espectador). Freud caracteriza al vínculo entre
actor y espectador exponiendo que este último:

“Puede gozar como ‘grande’, entregarse sin temor a mociones sofocadas, como lo son
sus ansias de libertad en lo religioso, lo político, lo social y lo sexual, y desahogarse en
todas las direcciones dentro de cada una de las grandiosas escenas de esa vida que ahí se
figura” (Freud, 1905-1906/1996: 278). Con ello, Freud refiere a la posibilidad que
presenta el espectador de extraer placer o goce frente a la actuación dramática; siendo
condición que la obra artística no genere sufrimiento en el mismo. Es decir, que debe
equilibrar “la piedad que excita” (Freud, 1905-1906/1996: 278) con la satisfacción que
posibilita extraer de ella.

Vigotsky, Arte y Psicología (Aporte de Judit Contreras)

Lev Semionovich Vigotsky fue pionero en evidenciar la necesidad de analizar el arte

desde una perspectiva integral, entendiéndolo como herramienta tanto de expresión
emocional, como de socialización. L. S. Vigotsky se interesa objetivamente en la obra
de arte existente, independiente de su creador. Ante todo, busca la posibilidad de la
investigación objetiva de la obra de arte. El propio Vigotsky afirma: "En nuestra
opinión, la idea central de la psicología del arte (más bien del arte y la psicología), es el
reconocimiento de la superación del material a través de la forma artística, o el ver el
arte como una manifestación social del sentimiento.”

La objetividad buscada por Vigotsky en el arte consiste en alejar al arte del análisis
individual. Es en el arte donde cada individuo trasciende su propia persona para fundirse
en los demás. Ya es claro que el ser humano encuentra su sentido en los otros, el sentido
entonces, de la manifestación artística es participar al otro las más profundas emociones
y provocarlas en él.

Inteligencia en Arte:

Es el resultado de las observaciones realizadas que distinguen el instinto, para generar

nuevas ideas, combinando, cambiando, aplicando e incluso reinventando las habilidades
para aprender y desarrollar nuevas formas de responder a las situaciones del ser
humano.

Arte Terapia:

La Terapia del Arte es un tipo de psicoterapia que utiliza medios de arte y artísticos para
ayudar a la gente a explorar sus pensamientos y emociones de una manera única. La
idea detrás de este tipo de terapia es utilizar el arte como medio principal de
comunicación, algo que puede ser útil para aquellos que tienen dificultades para
verbalizar sus sentimientos. Al ser práctica y el uso de objetos físicos, tales como
pinceles y papel, a menudo ayuda a las personas a sentirse más conectadas con el
mundo que les rodea.

Además de ayudar a las personas con problemas de salud mental, la Terapia del Arte
puede ser beneficiosa para una amplia gama de personas, incluyendo niños pequeños,
los ancianos y otros. No se requiere experiencia o habilidad en el arte, ya que no será
criticado su trabajo, se trata más de las emociones expresadas y se sintió en todo el
proceso. (Aporte María Molina)

El psicoanálisis (del griego ψυχή [psykhé], «alma» o «mente», y ἀνάλυσις [47nálisis],

«análisis», en el sentido de examen o estudio) es una práctica terapéutica y técnica de
investigación fundada por el neurólogo austríaco Sigmund Freud alrededor de 1896.

Arte Terapia y Psicoanálisis

En el desarrollo tanto del arte terapia como el psicoanálisis existen variedad de

teorización y modos de entenderlos. El Psicoanálisis se trata de una técnica que consiste
en que el paciente exprese, durante las sesiones de terapia, todas sus ideas, emociones,
pensamientos e imágenes tal y como se le presentan, sin restricciones ni ordenamientos.
Se entiende por arteterapia una forma de psicoterapia en las que momentos distintos del
proceso terapéutico se activaran unos o otros vértices indistintamente, tomado en
cuenta la respuesta estética del terapeuta ante la obra, considerando que en este
dinámica se pone en juego la contratranferencia, utilizándola para comprender el mundo
interno del paciente, se activa y se utiliza la relación entre paciente terapeuta y en
momentos se trabaja con la posibilidad de activar únicamente el vértice paciente obra
artística, dejando trabajar en su obra con poca o ninguna intervención. (aporte realizado
por Lubia Márquez)

Arte, test – clínica:

Son todas aquellas pruebas, métodos o elementos utilizados con el fin de evaluar o
medir una o más de una de las diferentes características que forman parte de la psique
del individuo utilizando como instrumento el arte. Los test se basan en la conducta
observable y en la expresión de la subjetividad del analizado de cara a inferir las
características y estado mental del sujeto, siendo necesario un análisis posterior con el
fin de poder extraer información con significación clínica.

El Test de Rorschach

Se trata de un método de psicoanálisis creado por psiquiatra suizo Hermann Rorschach,

nacido en Zúrich el 8 de noviembre de 1884. Esta famosa prueba, que bautizó con su
nombre, le llevó a la fama, ya que es una de las técnicas de psicología más conocidas en
todo el mundo. Unas simples manchas de tinta fue lo que utilizó Rorschach para
averiguar datos sobre la personalidad de sus pacientes.

El test de Rorschach consta de diez láminas compuestas por manchas de tinta sobre un
fondo blanco. De estas láminas, cinco son acromáticas, es decir, en blanco y negro, y las
otras cinco son en colores, de las cuales dos en rojo y negro y otras tres presentan
múltiples colores en variadas tonalidades (rojos, verdes, azules, etc).

Tipos de Test

Test individuales: Se trata de aquellos tipos de test psicológicos en los que se

evalúan las características o el rendimiento de un único sujeto.

Test colectivos o grupales: son aquellos que se realizan en grupo. Suelen requerir
menor nivel de entrenamiento para su aplicación que los individuales

Test de Inteligencia: La capacidad intelectual es uno de los aspectos que más se han
evaluado a lo largo de la historia. Con su uso se pretende descubrir el potencial y
la capacidad de adaptación y de utilización de diversas estrategias, junto con la
capacidad de almacenar y utilizar los propios recursos mentales es evaluado con dichos
test.
Test de aptitudes: Pero las capacidades mentales no se limitan solo a la inteligencia,
habiendo otras muchas características que permiten que nuestras conductas sean más o
menos efectivas en una o varias áreas.

Test de personalidad: Las personas tendemos a comportarnos y a ver el mundo de una

manera determinada, patrón que adquirimos en parte por herencia y en parte según
nuestras vivencias a lo largo del desarrollo.

Test de psicopatología: La presencia de problemas e incluso trastornos mentales es un

elemento cada vez más frecuente en la sociedad actual. Diagnosticar dichos
problemas nos permite orientar al individuo respecto a diferentes medidas y
tratamientos a aplicar con el fin de solucionar las dificultades que padece.

Test neuropsicológicos: Este tipo de test psicológicos se emplean con el fin de ayudar
a determinar el estado mental y perceptivo de un individuo, aplicándose por lo general
en sujetos que han padecido una lesión de algún tipo. Por consiguiente, el objetivo con
el que son diseñados es el alcance de los posibles daños en diferentes tipos de procesos
mentales.

Multi – inteligencias:

Las inteligencias múltiples es un modelo de concepción de la mente propuesto en 1983

por Howard Gardner, psicólogo y profesor de la Universidad de Harvard. Para él, la
inteligencia no es un conjunto unitario que agrupe diferentes capacidades específicas,
sino una red de conjuntos autónomos, relativamente interrelacionados.
“La inteligencia no sólo se reduce al ámbito académico
sino que es una combinación de todas las inteligencias”.

Howard Gardner.

Gardner menciona que los seres humanos poseemos una gama de capacidades y
potenciales ―inteligencias múltiples― que se pueden emplear de muchas maneras
productivas, tanto juntas como por separado. Y el conocimiento de las múltiples
inteligencias ofrece la posibilidad de poder desplegar con la máxima flexibilidad y
eficacia en el desempeño de las distintas funciones definidas por cada sociedad.

Inteligencia lógico-matemática: Desarrollan analizan con facilidad planteamientos y

problemas.
Inteligencia verbal-lingüística: Les encanta redactar historias, leer, jugar con rimas,
trabalenguas y en los que aprenden con facilidad otros idiomas.

Inteligencia auditiva-musical: Atraídos por los sonidos de la naturaleza y por todo tipo
de melodías.

Inteligencia visual-espacial: Estudian mejor con gráficos, esquemas y cuadros.

Inteligencia corporal-kinestésica: Usan su cuerpo para expresar emociones como

danza y expresión corporal.

Inteligencia interpersonal: Disfrutan trabajando en grupo, entienden al compañero.

Inteligencia intrapersonal: Son reflexivos, de razonamiento acertado y suelen ser

consejeros de sus pares.

Inteligencia naturalista: capacidad de observar los modelos de la naturaleza,

identificar y clasificar objetos, establecer patrones y comprender los sistemas naturales.

Arte y Sociocultura

Paola Nieves menciona que: Estas dos definiciones, arte y cultura, usualmente se
utilizan de manera indistinta, pues están relacionadas con aspectos muy afines. Ambos
términos, abarcan el resultado de todo esfuerzo artístico que identifica a la sociedad, su
estilo de vida y la forma de verse a sí misma. La cultura, se refiere a las convicciones, a
la ideología y al pensamiento, que identifica a un grupo social. Por su parte, el arte
permite generar expresiones artísticas, en base a diversos símbolos, técnicas y
materiales, aplicando la creatividad o inventiva del creador.

Por otro lado, no se debe considerar que la cultura solamente se refiera a las ideas de los
individuos, pues, todo lo que sea creado por la humanidad debe ser observado como un
valor cultural. Incluye, manifestaciones como el folclore, las costumbres, tradiciones
culturales, modas, doctrinas, políticas, economía, ciencia, tecnología y mucho más. Del
mismo modo, permite la metamorfosis y actualización de los aspectos estéticos, que a
través de la innovación, cuestionan lo preestablecido, en cuanto a modelos ya aceptados.

Así, el arte también plasma los diversos rasgos de la cultura, especialmente en este
mundo actual, donde están presentes toda clase de expresiones artísticas, a causa de la
gran mezcla de grupos sociales existentes. De esta manera, más allá de un uso utilitario,
representa el desarrollo de la creatividad, de la sensibilidad, del ingenio, promoviendo la
creación, para cumplir con objetivos estéticos inspirados en muchas manifestaciones,
influyendo en el individuo, en la cultura y en la sociedad.

Del mismo modo, se dice que los individuos con cultura son esas personas que han
desarrollado su nivel de preparación y de instrucción, así como, sus capacidades
intelectuales. Igualmente, se puede afirmar que toda manifestación artística es cultura,
sin embargo, para que la cultura sea arte, ésta, debe lograr que tenga un impacto en el
colectivo, promoviendo su interés en la humanidad.
El arte, no solo está destinado a satisfacer el disfrute y la contemplación del público o
de los consumidores de estas piezas artísticas que producen, sino que además, cumple
con el objetivo de fomentar el equilibrio espiritual, la sensibilidad y la estética. Implica,
abundancia de creatividad y de imaginación al momento de crear.

Es así como, se puede decir que la cultura y el arte son ambas relevantes para lograrla
evolución de la sociedad, en base a las facultades intelectuales del individuo y a través
de, ideas o expresiones que identifican a los diferentes grupos sociales.

La sociología del arte es una disciplina de las ciencias sociales que estudia el arte desde
un planteamiento metodológico basado en la sociología. Su objeto de estudio es el arte
como producto de la sociedad humana, analizando los diversos componentes sociales
que concurren en la génesis y difusión de la obra artística. La sociología del arte es una
ciencia multidisciplinar, recurriendo para sus análisis a diversas disciplinas como la
cultura, la política, la economía, la antropología, la lingüística, la filosofía, y demás
ciencias sociales que influyan en el devenir de la sociedad. Entre los diversos objetos de
estudio de la sociología del arte se encuentran varios factores que intervienen desde un
punto de vista social en la creación artística, desde aspectos más genéricos como la
situación social del artista o la estructura sociocultural del público, hasta más
específicos como el mecenazgo, el mercantilismo y comercialización del arte, las
galerías de arte, la crítica de arte, el coleccionismo, la museografía, las instituciones y
fundaciones artísticas, etc. También cabe remarcar en el siglo XX la aparición de
nuevos factores como el avance en la difusión de los medios de comunicación, la
cultura de masas, la categorización de la moda, la incorporación de nuevas tecnologías o
la apertura de conceptos en la creación material de la obra de arte (arte conceptual, arte
de acción).

La sociología del arte debe sus primeros planteamientos al interés de diversos

historiadores por el análisis del entorno social del arte desde mediados del siglo XIX,
sobre todo tras la irrupción del positivismo como método de análisis científico de la
cultura, y la creación de la sociología como ciencia autónoma por Auguste Comte. Sin
embargo, la sociología del arte se desarrolló como disciplina particular durante el siglo
XX, con su propia metodología y sus objetos de estudio determinados. Principalmente,
el punto de partida de esta disciplina se suele situar inmediatamente después de la
Segunda Guerra Mundial, con la aparición de diversas obras decisivas en el desarrollo
de esta corriente disciplinar: Arte y revolución industrial, de Francis Klingender (1947);
La pintura florentina y su ambiente social, de Friedrich Antal (1948); e Historia social
de la literatura y el arte, de Arnold Hauser (1951). En sus inicios, la sociología del arte
estuvo estrechamente vinculada al marxismo –como los propios Hauser y Antal, o
Nikos Hadjinikolaou, autor de Historia del arte y lucha de clases (1973)–, si bien luego
se desmarcó de esta tendencia para adquirir autonomía propia como ciencia. Otros
autores destacados de esta disciplina son Pierre Francastel, Herbert Read, Francis
Haskell, Michael Baxandall, Peter Burke, Giulio Carlo Argan, etc.

Pierre Bourdieu enfatizó el origen sociocultural del arte vinculándolo al

comportamiento humano, analizando pautas de comportamiento presentes en distintas
sociedades, desde las más primitivas hasta las más avanzadas
 Conclusión

Gracias, al arte podemos vincular diversas áreas del currículo que maneja las escuela,
porque con solo conocer e investigar, libremente podemos realizar una actividades de
campo, para conocer de la historia y poder conocer puntos de vista de los estudiantes. El
arte y la estética ha formado parte dentro de las sociedades desde el principio de los tiempos
como medio de expresión, el cual tiene diferentes dimensiones y transformaciones según el
artista y la época en la que se desarrolla permite mantener una postura importante en la sociedad y
reflejar nuestras actitudes por medios de todas estas expresiones y actividades artísticas que
podemos desarrollar.

Las artes visuales para los niños debe ser un tema de gran importancia, así como la
lengua o las matemáticas, porque ellas le van aportar al niño primeramente; el desarrollo
de la percepción, una buena percepción en los niños les va a permitir que capten los
temas con mayor rapidez, en segundo; la capacidad de creación – producción, se va a
desarrollar mejor su creatividad y así van a sentir más confianza al realizar alguna
actividad, tercero; la apreciación, los estudiantes aprenden sobre las diversas culturas y
formas de hacer y de ver el mundo, desde las diferentes perspectivas históricas y
evolución de las diferentes civilizaciones. Y por último; que tengan raciocinio, en base
de una buena educación artística y visual, el niño desarrolla la capacidad de observar y
describir los símbolos visuales, de entender su significado, de interpretar, de emitir
juicio, y de explicar el significado de lo que ve y observa en su entorno. Estas y muchas
habilidades más pueden ser desarrolladas y fortalecidas en los niños si se realiza una
buena planificación, organización de la educación y de la formación estética visual y de
otras áreas también.

Por último cabe señalar que como docentes debemos conocer, analizar y comprender todos
los aspectos que intervienen en el mundo de la expresión visual (el dibujo, la pintura, el
diseño gráfico, la escultura, la arquitectura) así como todas aquellos aspectos que hemos
conectado durante todo el contenido recorrido en esta investigación para lograr ofrecer a los
niños un aprendizaje amplio, veraz y que sea de utilidad.
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