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Fotografía Creativa Sensualidad y Erotismo Femenino
Carlos Candia
Carlos Candia
Una foto no solo debe ser el

recuerdo de una emoción…
…debe provocarla
Carlos Candia
Carlos Candia
CONTENIDO
El Tema o Concepto
El Mensaje
Cazar o Crear Imágenes???
El Impacto Visual
La Visión Fotográfica
El Significado de las Formas
El Lenguaje de las Líneas
Desplazamientos dentro de la Imagen
Composición Visual Básica
El Equilibrio Visual
El Formato y el Horizonte
Los Colores
Los Tonos
El Monocromo
La Modelo
El Lenguaje Corporal
La Locación
La Luz
ADEMAS:
Guía Paso a Paso Para Crear Una Foto
Guía de COMPOSICIÓN VISUAL
Guía de ILUMINACIÓN
Carlos Candia
Lograr una fotografía que despierte la atención del

observador y contenga un mensaje comprensible, es el
objetivo de todo fotógrafo profesional o aficionado
avanzado.
Pero esto no es una tarea fácil, hay que contar con
conocimientos previamente adquiridos, tomarse el tiempo
de planificar cada paso y buscar no solo la modelo indicada,
sino todos los elemento que compondrá la imagen así como
la locación más adecuada para el mensaje planeado.
Una fotografía creativa, jamás se logra por azar, como
veremos a continuación, cada aspecto que la conforma por
más insignificante que nos resulte, juega un papel
fundamental en el resultado final. Descuidarlo o pasarlo por
alto, hará que al ver la foto realizada no sea ni parecida a lo
que originalmente planeamos o imaginamos. A esto
sumemos que cuando las personas la vean no recibirán el
mensaje que intentamos hacerles llegar.
Por ese motivo, cada paso, cada aspecto y cada componente
de la imagen, debemos crearlo como si fuera una
transparencia, que luego iremos superponiendo para llegar
al resultado final,….
…Una excelente fotografía artística.
Carlos Candia
El Concepto o Tema
El concepto,
tema o idea
sobre la que
trabajaremos,
es el primer
paso para
comenzar a
desarrollar
cualquier
proyecto, por
este motivo
antes que nada
debemos
definirlo
claramente, ya
que este será la
estructura
básica de la
imagen y sobre
ella, iremos
armando cada una de las partes que la conformaran , tanto
técnicas como artísticas. “Superponiendo las
transparencias”
Dicho de otra manera, el concepto seria “La descripción
de la foto” como por ejemplo la que se encuentra en esta
página: Mujer detrás de una ventana mojada.
O la de la página siguiente: “Mujer a contra luz con silla”
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Como el tema que nos

ocupa es producir una o
varias imágenes de
contenido sensual o
erótico, ante todo
debemos definirnos y
tener en claro cuál es la
diferencia entre
sensualidad y erotismo,
de esta manera nos
mantenernos bien
enfocados en lo que
vamos a realizar y en
los pasos siguientes al
planificarlos, para
poder hacerlo de
manera que todas las
partes que formaran la
imagen, armonicen y nos ayuden a que nuestra foto sea
correctamente interpretada por “El Observador”, la
persona o personas que verán
nuestra fotografía y por lo tanto, a quienes ira dirigida.
Y esto es algo que debemos tener presente en todo
momento, HACEMOS FOTOGRAFIAS PARA
COMUNICARNOS CON LOS DEMAS.
Recordemos la diferencia entre Sensualidad y
erotismo:
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SENSUALIDAD: Es la manera de atraer
EROTISMO: Es la manera de excitar
A pesar de que la línea divisoria entre estos dos géneros es

poco definida, existe, y por lo tanto es muy fácil nos suceda
que una foto programada como sensual, resulte erótica.
No creamos que la diferencia la hace una mayor o menor
cantidad de ropa, lo que hace la diferencia es la actitud, o
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para denominarlo más correctamente, el mensaje corporal

de la modelo.
También es fácil incorporar en nuestra foto un mensaje no
deseado, esto ocurrirá con solo pequeños cambios que
realicemos en la escenografía, luces, colores, o cualquier
otro componente de la imagen, tanto voluntaria como
involuntariamente. Por ese motivo no descuidemos los
detalles que aparecerán posteriormente en la foto.
Esto nos obliga a que en todo momento estemos muy
concentrados y a no perder de vista nuestro objetivo acerca
de aquello que queremos mostrar, como lo haremos y que
intentamos decir, tampoco hacer cambios de último
momento sin evaluarlos muy detenidamente.
Con respecto a la sensualidad femenina, frecuentemente la
encontramos en gran cantidad de imágenes, especialmente
publicitarias. La sensualidad es una excelente manera de
atraer la atención, algo de gran utilidad a la hora de vender
determinado producto o servicio.
Si nos fijamos bien, está presente aun en la promoción de

productos privativos a mujeres. La sensualidad femenina es
la más utilizada en todos los casos, con esto no quiero decir
que la masculina no se emplee, pero, la femenina es mucho
más utilizada. Pongamos por ejemplo una foto publicitaria
de una mujer con un jean ajustado en una pose sensual, el
mensaje en este caso, ya que se está ofreciendo un pantalón
jean para mujer seria: “Si usas este jean te verás igual de
sensual que la modelo”. Lo mismo ocurre con lencería,
cosméticos y muchos otros productos
Obviamente con relación a los hombres estaría demás

extenderse en explicar los motivos por los que una imagen
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sensual femenina, atrae su atención. Esto lo saben

perfectamente los fotógrafos que a diario trabajan en
fotografía publicitaria, pero para quien se inicia o es un
aficionado con ganas de experimentar y disfrutar realizando
fotografías que representen un reto a su creatividad y a sus
conocimientos técnicos, iré detallando cuidadosamente
cada paso y cada aspecto de esta compleja faceta de la
fotografía.
El tema resulta tan amplio y tantas las variantes que a fin
de no crear confusión lo acotaremos a una línea básica sobre
la cual podrán generar tantas variantes como la imaginación
se los permita. Y para poder abarcar tanto la sensualidad
como el erotismo, transitaremos sobre esa fina línea que los
separa.
Ya aclarado este punto, entremos a la elaboración de
nuestra imagen. Si esta llevara un TITULO, será justamente
este, el que nos está definiendo el TEMA y este será a la
vez el encargado de contener EL MENSAJE.
Esta trilogía forma el núcleo principal de la imagen y será
la encargada de determinar cuáles serán las características
de los componentes restantes que incluiremos en la
fotografía como así también de que manera lo haremos.
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TITULO: Intimidación
TEMA: Mujer dominada por figura intimidante.
MENSAJE: Temor, desprotección, timidez, vergüenza.
Como vemos TITULO es la referencia o etiqueta de la foto.

TEMA lo que verá el observador en la imagen.
MENSAJE lo que tratamos de hacer sentir al observador al
ver la imagen.
Como vemos este es el núcleo central de toda fotografía
artística. Por eso resulta vital que todos los demás aspectos
que la conformaran se encuentren en armonía y en función
de este núcleo, de lo contrario, haremos una foto
intrascendente.
Pero antes de ingresar de lleno al siguiente punto, es

importante resaltar la manera en que ejecutaremos todo el
proceso de tomas ya que en el caso de esta línea de
fotografías que nos ocupa, La Creativa, solo hay una
manera de llevarlas a cabo, … creándolas.
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Cazar o crear imágenes?

Como vemos hay dos maneras de realizar fotografías
“cazándolas o creándolas”.
Cazamos una fotografía cuando salimos con nuestra cámara
a ver si encontramos algo interesante para fotografiar, sin
tener una idea previa y solo nos limitamos a deambular
como un cazador buscando una presa.
También cuando cámara en mano, nos ponemos frente a
una modelo que cambia de posición constantemente y a su
antojo, mientras tratamos de acertar alguna foto que tenga
cierto sentido, dicho de otra manera hacemos fotografías sin
una planificación previa y sin un objetivo concreto, sin
haber elaborado previamente un tema, sino esperando tener
suerte.
Aquí
tenemos un
claro
ejemplo de
una imagen
“Cazada”,
No
transmite
ninguna
emoción ni
mensaje, solo muestra una mujer sonriendo a la cámara.
Es un lindo recuerdo de una linda chica, solo eso.
Carlos Candia
Por el contrario, en este caso, no solo mostramos una linda

mujer, también podemos percibir emociones, sentimientos
y permite que cada observador pueda imaginar una
historia.
Dejo a criterio de cada quien, si esta es una buena o una
mala manera de hacer fotos, a mi entender no es la manera
en que debe o puede producirse una imagen con un objetivo
pre fijado, con un mensaje planificado o con la intención de
generar cierto efecto a quienes la observen, es más, resulta
casi imposible de lograr.
Por supuesto aquí no estamos hablando de reportaje gráfico,
donde si las fotos no se preparan ni estudian previamente,
solo se muestra una realidad en el momento que ocurre un
acontecimiento igual que la fotografía documental.
Por todo esto, y ya dejado en claro que una foto artística
solo puede ser efectiva si es correctamente planificada, aquí
veremos el camino opuesto a “cazar” una imagen. Veremos
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cómo crearla, desde su planificación hasta la manera de

presentarla al observador, recorreremos y analizaremos
todos los factores tanto artísticos como técnicos que
intervienen en una imagen y cómo hacer que estos se
ensamblen y armonicen perfectamente entre sí, para poder
llegar con un mensaje, efecto o sentimiento determinado al
observador.
Todos los factores que iremos viendo tienen la misma
importancia y por eso, no podemos prestar más atención a
unos que a otros, la única manera de llegar a un óptimo
resultado final es estudiar cada uno, ver las variantes que
brindan y analizarlas cuidadosamente para poder elegir la
que mejor se adapte al mensaje que nos disponemos a
transmitir para así utilizarla.
Para darnos cuenta más claramente de esto, solo debemos
recorrer el universo de fotos, catálogos y álbumes online o
distintas revistas impresas, donde se muestran hermosas
mujeres, fácilmente notaremos que casi la totalidad de estas
fotos solo tienen como objetivo exhibir un lindo cuerpo,
muy pocas pueden considerarse artísticas, ya que una foto
artística, también debe transmitir un mensaje, un
sentimiento, una emoción, despertar la imaginación, o
modificarnos el estado de ánimo del observador, en
definitiva, nos llega y nos afecta de una u otra manera. Esto
no significa quitar merito a las fotos de “catalogo”
simplemente quiero marcar la diferencia. Y en el mejor de
los casos donde se trató de transmitir un mensaje, al estar
mal elaborada, ese mensaje o efecto es poco creíble o
confuso ya que se percibe como artificial. Si la foto no llega
a convencer, hacernos creer como observadores, que esa
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foto es un momento real detenido en la vida de esa

persona…NO HABREMOS LOGRADO NUESTRO
OBJETIVO…
Actualmente es muy fácil para cualquier persona tomar una
cámara y realizar una excelente fotografía, especialmente
en el aspecto técnico ya que la tecnología ha simplificado
lo que antes era un complejo oficio, pero lo que aún la
tecnología no ha podido, ni creo podrá resolver al menos a
mediano y corto plazo es generar por si sola fotografías
creativas. A continuación ingresaremos al amplio y
complejo territorio de la Fotografía Creativa, veremos cada
aspecto que debe formar parte de una fotografía para poder
llegar a transmitir un mensaje o una emoción, o como ya
dije, ser capaz de alterar el estado de ánimo de quien la
observe. Veremos las herramientas técnicas y creativas y
como sacar el mejor provecho de ellas. La intención es
mostrar el punto de partida, abrir una puerta con el fin de
que cada fotógrafo acceda a un espacio amplio para poder
crear sus imágenes y a la vez ir haciendo su propia
experiencia, experimentando y haciendo comparaciones en
cada uno de los muchos aspectos que intervienen en una
foto creativa, ya que no es la intención mostrar cómo
hacerlo, sino mostrar el camino por el cual transitar, para
que de esta manera el fotógrafo agregue el componente
personal que incluirá en la creación de sus imágenes
haciendo con esto que sean únicas, SU
TEMPERAMENTO, el principal ingrediente que
inconscientemente incorporará en cada foto que realice, y
será el que describa su personalidad, como el trazo de un
pincel, describe el carácter del pintor.
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Un apunte al paso:
Es claro percibir cuando un fotógrafo no sabe qué hacer

con la modelo que tiene en frente, siempre termina
recurriendo a LA MANO EN LA CINTURA.
Tengamos esto en cuenta...!
El fotógrafo que tiene claro lo que busca, sabe cómo

trabajar y cuenta con muchos recursos, elabora una gran
cantidad de fotos más naturales y agradables visualmente.
Carlos Candia
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El Mensaje
Ya definido claramente EL TEMA, debemos abocarnos a

aquellos que vamos a decir a través de nuestra foto y cómo
lo haremos.
Esta elección, dependerá tanto de nuestra preferencia como
de los elementos con que contemos o tengamos a mano,
locación, la modelo que emplearemos, etc., etc., etc.
Por otra parte y dado EL TEMA será una imagen de
contenido sensual o erótico, indudablemente EL
MENSAJE ira dirigido a un adulto, ahora bien,
indistintamente EL MENSAJE que hayamos elegido
transmitir, calma o ansiedad, alegría, desafío, o cualquier
otro, todos los pasos siguientes irán planificados en función
de reforzar ese mensaje.
También tengamos en cuenta que este tipo de TEMA y
MENSAJE, podemos dirigirlo a todo tipo de personas
adultas, tanto a un grupo o género en particular, como a
diferentes extractos sociales, es conveniente evaluar
también este aspecto, ya que si estará dirigido a cualquier
tipo o género, es importante que los elemento que
empleemos, locación, vestuario, utilería, luces,
características de la modelo, colores, formas, composición
visual, lenguaje corporal, tonalidades, clima visual, formato
(vertical u horizontal), altura del horizonte, expresión física
y facial o si la haremos en colores o monocroma.
Para que de esta forma no se identifique con un grupo social
determinado.
Carlos Candia
O si por el contrario seleccionamos estos elementos para

que sean propios del tipo, nivel social o género de persona
al que queramos dirigir el mensaje.
Para poner dos ejemplos claros: Si dirigimos las fotos a
personas de alto nivel, la producción conviene que sea con
elementos refinados o si por el contrario las fotos irán
dirigidas a niveles más populares, la producción conviene
que sea con elementos y en locaciones más corrientes. Esto
se debe a que si el observador no se siente perteneciente a
ese medio que mostramos, prestara mucha menos atención
a nuestra foto.
Para asegurarnos de crear una imagen bien elaborada y
acorde a EL MENSAJE elegido, debemos ver cada uno de
estos aspectos por separado, evaluar cuidadosamente como
formaran parte de la imagen y como ensamblar y coordinar
unos con otros para que nuestra foto resulte coherente a este
mensaje.
Quien piense que una buena foto se hace en un instante está

equivocado, se puede lograr una instantánea interesante,
pero aun en el mejor de los casos habrá muchos aspectos
que no podrán lograrse y detalles que seguramente
desentonaran en la imagen.
Tampoco debemos suponer que se puede controlar todos

estos los factores a la hora estar frente a la modelo ya que
es un error, además nos llevaría a improvisar y siempre en
estos casos los resultados son desmoralizantes.
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Mensaje Cerrado o Mensaje Abierto

Podemos elaborar El Mensaje de dos maneras, dependiendo
del objetivo de nuestra foto. Estas son: Cerrado o Abierto.
Cerrado es el que no deja nada librado a la imaginación del

observador.
Generalmente es empleado cuando se quiere mostrar un
producto a
describir una
persona tal cual es,
como por ejemplo
en el caso de un
retrato.
Mensaje Cerrado
En este tipo de
mensajes se busca
que el observador
muy rápidamente
comprenda lo que
se le está
transmitiendo, por
este motivo el
observador
permanece muy
poco tiempo frente
a la fotografía.
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Mensaje Abierto
Por el contrario en el Abierto, se trata de dejar la mayor

cantidad de aspectos librados a la imaginación del
observador, comenzamos a contarle una historia, pero
dejamos que el la concluya, o al contrario mostramos un
desenlace y el deberá imaginas como el personaje de la foto
llego a esa situación, o porque.
Esto hace que el observador se involucre y sea uno más de
los componentes que forman la imagen.
Carlos Candia
Impacto visual
“Un afiche debe ser un grito pegado a la pared”

Toulouse Lautrec
Trasladando esta famosa frase a nuestra época podemos
decir “Una foto debe ser un grito en la pantalla”.
Indudablemente, toda expresión artística es un intento de
comunicación, una manera de tratar de decir algo, de hacer
conocer o sentir un determinado mensaje o emoción.
Claramente y sin lugar a dudas, nadie hace una fotografía
para luego borrarla, en todas existe un mensaje o al menos
un intento de decir algo.
En muchas ocasiones esta intensión resulta fallida ya que el
autor desconoce o no domina los aspectos para que esa
comunicación sea exitosa.
Ahora bien, ya tenemos definido y planificado El Tema y
El Mensaje que vamos a transmitir a través de nuestra foto,
pero, si no logramos hacer que este llegue a las personas de
nada servirá haberlos elaborado.
Es hora de pensar y planificar la principal condición que
debe tener una imagen sin importar el tema que estemos
desarrollando… “Atraer la atención del observador” el
grito en la pantalla al que nos referimos al principio, sin
esta condición nadie se detendrá a observarla y de ser así,
jamás podremos transmitir lo deseado, por interesante o
bien elaborado que estén, tanto El Tema y El Mensaje.
Por consiguiente ahí nos encontramos con un problema a
resolver, “El impacto Visual”, un ingrediente
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importantísimo y esencial que será el encargado de captar

la atención del observador, y cuanto más contundente, más
atención atraerá nuestra foto.
En el caso de esta foto, el Impacto Visual es nulo, la foto

no atrae la atención por lo que no despierta nuestro interés.
La causa está dada por el blanco grisáceo en la base de la
foto, la falta de contrastes los tonos son apagados y ningún
elemento es lo suficientemente llamativo.
En este como en todos los ejemplos que estamos viendo, no
significa que sea obligatorio que una foto tenga o carezca
de determinado factor, la intención es mostrar que pasa
cuando esto sucede.
Carlos Candia
Por el contrario, en esta foto, el alto contraste y los brillos,

atraen con mucha más fuerza nuestra atención y hace que
por unos instantes nos demoremos en descifrar las formas.
De esta manera nos aseguramos hacer contacto con el
observador y podremos abocarnos a que el mensaje le
llegue correctamente.
A esta altura debemos definir a quienes ira dirigido el
mensaje y de qué manera lo haremos llegar.
Como en este caso estaremos trabajando sobre sensualidad
y erotismo femenino, asumiremos que ira principalmente
dirigida a hombres y como el personaje de nuestra foto será
una mujer sensual, atraer la atención de los hombres está
resuelto, pero no del todo, de nada serviría si la imagen no
está bien diseñada. Para lograr que nuestra foto tenga un
buen Impacto Visual, con una arquitectura equilibrada,
debemos diagramar la Composición Visual de esta
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imagen, para así poder encontrar las formas y los recursos

para hacer de ella una imagen equilibrada y atractiva
visualmente.
En otras palabras ordenar los elementos que la conforman
ubicando, el más llamativo, o sea, el primero que vera el
observador, de tal modo que este atraiga su mirada y de esta
manera le dé el punto de partida para recorra visualmente.
A partir de darle al observador un punto de partida,
debemos continuar guiando su vista como lo hayamos
planificado para así poder ir transmitiéndole el mensaje.
A esto se le llama “leer una imagen”.
Para guiar este recorrido por la imagen nos valdremos de la
disposición y la dirección de los demás elementos, cuerpo
de la modelo o líneas tanto visibles como imaginarias
(sugeridas) que componen la imagen, por ejemplo hacia
donde mira la modelo, la dirección de sus brazos y piernas,
un elemento que forma parte de la escenografía y que
recorre la imagen en una dirección determinada trasladando
la atención a otro sector de esta. A estos elementos se los
denomina Tensores de Atención, por ser los encargados
de guiar el recorrido de la vista dentro la imagen.
La mejor manera de comprobar y analizar esto es acudiendo
a una exposición de fotografías o pinturas, si prestamos
atención a los visitantes, veremos que muchos pasan de
largo frente a algunas de las obras, se detienen por unos
instantes ante otras y permanecen un largo rato viendo a una
en especial, ahí fácilmente se puede comprobar que
imágenes atraen la atención y transmiten un mensaje que
puede ser interpretados por el observador.
Si analizamos aquellas que no son atractivas notaremos que
por lo general carecen de una buena elaboración de los
factores que hasta ahora hemos visto.
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Visión Fotográfica
La labor de un fotógrafo es capturar o crear una imagen y
transmitirla a otras personas, de las cuales, seguramente,
muy pocas conocen de técnicas fotográficas, comunicación
visual, teoría del color, etc.
Para poder hacerlo correctamente, todos quienes disfrutan
tomando fotos deben tener siempre presente antes de
emplear su cámara, que existe una gran diferencia entre
como vemos nosotros y como captura una imagen la cámara
fotográfica. Esa gran diferencia radica en que nosotros
vemos de manera estereoscópica es decir con dos ojos, esto
nos facilita apreciar la distancia que en profundidad tienen
entre si los objetos (Profundidad de Campo), mientras que
la cámara tiende a aplanar la imagen, haciendo que los
objetos se vean casi pegados unos a otros, ya que la luz
ingresa por un solo objetivo. Por otra parte nuestra visión
es SELECTIVA, a pesar de tener un campo de 160° por 90°
aproximadamente, podemos concentrarnos solamente en
una pequeña fracción de la escena, algo imposible para una
cámara ya que esta al ser “OBJETIVA” registra por igual
todos los elementos que se encuentran en su campo visual.
Pongamos por ejemplo que nos disponemos a fotografiar a
nuestra modelo, antes de verla a través del visor de la
cámara tendemos a fijar nuestra vista en una pequeña
fracción de la modelo o escena lo cual nos sirve para ver
cada detalle, pero es algo que debemos evitar cuando
analicemos la imagen en su totalidad.
Carlos Candia
Carlos Candia
Luego, cuando la miramos a través del visor, seguimos

prestando atención al sector que nos llamó la atención, solo
percibimos esta pequeña fracción de la imagen y sin darnos
cuenta del error que estamos cometiendo.
Entonces, tomamos la fotografía. Lógicamente al después
verla notamos que es completamente diferente a lo visto en
el momento de la toma o lo que creímos estar fotografiando,
ya que en la imagen final no solo apareció el sector que
nuestra vista enfocó sino todo el cuerpo de la modelo más
una gran cantidad de otros elementos y el sector que
creíamos estar fotografiando casi se pierde en el conjunto.
El elemento principal, en este caso la modelo, casi no se

percibe, e innecesariamente se incluye grandes áreas de
paisaje que no aportan a la imagen, ya que mostrando
mucho menos aún estamos describiendo el lugar.
Carlos Candia
Hechas las correcciones de encuadre, la modelo se ve

mucho mejor, seguimos percibiendo donde se encuentra y
el clima de la foto mejora considerablemente.
Sumándole una mejor composición ya que la quitemos del
centro de la imagen
Para evitar esto, en primer lugar debemos observar la
escena cerrando un ojo, así podremos notar como la
distancia entre los objetos se reduce considerablemente y
darnos una clara idea de cómo se verá la foto, ya que este
fenómeno hace que la imagen se vea muy diferente. Por otra
parte debemos “leer” todo el visor de la cámara recorriendo
con nuestra vista cada detalle que compone la imagen y no
solo concentrarnos en el objeto que nos interesa o llama más
nuestra atención. Al hacerlo también podremos descubrir
que elementos molestan, están mal ubicados, alteran o
Carlos Candia
desentonan con el mensaje. Es por eso que al desarrollar

nuestra VISION FOTOGRAFICA, podremos en todo
momento ver la escena a fotografiar en su conjunto y no
parcialmente, casi igual a como se verá la fotografía
concluida.
Otro detalle digno de destacar, que constituye un error de
visualización en la mayoría de los casos, es la ubicación del
elemento principal en el centro de la imagen cuando no se
tiene control sobre la Visión Fotográfica.
Siempre la imagen gana armonía al desplazar el elemento
principal, en este caso la modelo, del centro de la imagen y
equilibrar esta con elementos que describan el lugar y la
situación del personaje.
Carlos Candia
Significado de las Formas
Ahora veamos cómo cada forma y cada línea transmiten

sensaciones por sí mismas. Conociendo el significado
visual de las formas y las líneas que compondrán nuestras
fotos nos resultará más fácil equilibrarlas para que actúen
entre si dándonos el resultado buscado.
Para hacer más simple este ejercicio imaginariamente
transformemos los elementos que componen la imagen en
formas geométricas, sean objetos o posturas corporales de
la modelo, o veamos en que figura geométrica podríamos
insertarla, luego equilibremos estas figuras dentro de la
imagen. Como ya mencione, cada forma geométrica
también tiene en si su propio significado visual que va a
acentuar el carácter de la figura incrustada imaginariamente
en ella.
Carlos Candia
Podemos tomar como ejemplo estas figuras básicas:
Los oscuros de cualquier forma

y tamaño, dan sensación de peso,
desde ya a más espacio ocupen
en la foto mayor será el peso que
tendrán.
Esto se aplica a todas las figuras
que se muestran en este capítulo,
lo que significa.
Que la cualidad de ser más
pesadas se suma a las características propias descrita para
cada una de ellas.
Los elementos grandes y claros de cualquier forma dan

sensación de volumen.
Los expansivos Fuerza, estallido,

energía.
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Las formas circulas las regulares

como círculos y óvalos, encierro,
reducción, concentración.
Las irregulares encierro,
inestabilidad, disolución.
Las triangulares regulares y en

posición vertical:
estabilidad. Solidez, firmas,
elevación.
Los triángulos isósceles o

equiláteros con el vértice hacia
la derecha, transmiten
indicación, desplazamiento
fácil, indicación.
Carlos Candia
Cuando el vértice apunta hacia la

izquierda, transmite las mismas
sensaciones que el ejemplo anterior,
pero con menor intensidad y
esfuerzo.
Los rectángulos verticales,

especialmente si se muestran con
un horizonte bajo, dan aspecto
solemne, rigidez, presencia,
ingreso. A medida que subimos el
horizonte estos efectos se atenúan,
lo que nos permite regular el
efecto buscado.
El rectángulo apaisado,
transmite: tranquilidad,
aburrimiento, espera, quietud.
También ingreso con
dificultad, en este caso como si
nos obligara a inclinarnos.
Carlos Candia
El Lenguaje de las líneas
Líneas rectas horizontales

Quietud, aburrimiento
Ondulantes
Armonía, sensualidad,
tranquilidad.
Recta vertical
Solemnidad, División, firmeza, corte.
Zigzag o quebradas
Dinamismo, energía, rotura, violencia
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Recta Horizontal
Quietud, tranquilidad, paz.
Paralelas verticales
Soporte, obstáculo, quietud.
Líneas cruzadas
Obstáculo, detención,
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Desplazamientos dentro de la imagen
Al decir “desplazamiento dentro de la imagen” me refiero a

la dirección en que mostramos se está desplazando una
persona, vehículo, animal, objeto lanzado, etc. Según en la
dirección que mostremos se está desplazando el efecto que
causara en el observador será diferente.
De izquierda a derecha
Desplazamiento rápido, fácil, veloz
______________________________________________
De derecha a izquierda
Desplazamiento lento, costoso
_______________________________________________
Angulo inferior Izquierdo a superior derecho
Velocidad, ascenso fácil
_______________________________________________
Inferior derecho a superior izquierdo

Lentitud, ascenso costoso
Carlos Candia
Superior izquierdo a inferior derecho

Descenso, caída
_______________________________________________
Superior derecho a inferior izquierdo
Descenso o caída lenta
Cuantas más gruesas o llamativas sean estas formas, más

marcado será el efecto. Por lo general una imagen no solo
está compuesta por una de estas formas estructurales sino
por varias que pueden potenciarse entre sí, neutralizarse o
generar una dinámica que tanto puede dar sensación de
orden como de caos dentro de la imagen, dependiendo del
resultado que busquemos.
Carlos Candia
Esquema Básico de Composición Visual

Existe una distribución básica para los componentes de una
imagen, por supuesto la figura humana es uno más de estos
componentes. Esta distribución obedece al estudio del
impulso natural que nuestra vista efectúa, de no haber
elementos que la obliguen a realizar otro recorrido dentro
de la imagen. Supongamos que estamos ante una hoja o
pantalla en blanco, y por separado la figura y los objetos.
Como primera regla, se establece no colocar en el centro
absoluto del cuadro el centro de interés porque es la zona
del encuadre débil. Tampoco debe colocarse en los bordes
del cuadro porque podría quedar fuera de la composición.
Los puntos fuertes se hayan en el punto áureo y las zonas
divinas de la imagen, como se ve en la figura, el punto
áureo es la zona por donde naturalmente ingresa su
recorrido visual el observador, siempre y cuando este punto
no lo desplacemos a otro sector de la imagen mediante el
recurso de colocar allí un objeto más llamativo que todos
los demás, y las zonas divinas son la intersección de las
líneas imaginarias que dividen el cuadro en nueve sectores.
Zonas Divinas Punto Áureo
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Punto Áureo
Es importante recalcar que este desplazamiento de la vista

en búsqueda de algún elemento se produce solo ante una
hoja en blanco, ya con solo una pequeña mancha en la hoja
el desplazamiento se altera, y de esto se trata la
composición visual, guiar la vista por un recorrido
predeterminado por nosotros, para que el observador
comprenda que le queremos transmitir “lea la imagen “
Leonardo Davinci denominaba al ángulo inferior derecho
de la imagen Punto Áureo y a los cuatro puntos centrales
Zonas Divinas por tratarse de las partes más importantes
de una hoja en blanco, donde ubicar los elementos
principales, los protagonistas de la imagen. Cuando
queramos transmitir mensajes positivos o modificarlos
cuando se trate de mensajes negativos. Esto debido a que si
al observados se le hace fácil leer esta imagen va a sentirse
más cómodo que en el caso contrario, y por lo tanto más
predispuesto a un mensaje agradable y positivo.
Básicamente existen dos tipos de composiciones básicas, la

más simple que no hacen más que mostrar a la modelo,
sobre un fondo liso o infinito, en esta no existe locación,
elementos, clima, ni escenografía, solo muestran un lindo
cuerpo que si puede transmitir un mensaje corporal y toda
la gama de sentimientos, estados anímicos y emociones
posibles. Esta alternativa hace que solo debamos manejar
un número reducido de factores, pero si requiere mayor
control sobre la modelo, ya que la atención del observador
solo se centrara en ella.
Carlos Candia
La otra es con elementos de escenografía o sobre una

locación, la que requiere un buen manejo de la modelo
además de control de todos los elementos intervinientes
dentro de la imagen.
Composiciones Complejas
Composiciones simples
Carlos Candia
Equilibrio Visual
Podemos equilibrar las formas dentro de la imagen de
cuatro maneras.
Carlos Candia
El Equilibrio Visual en la figura Humana
Veamos cómo trabajan estas formas, fuerzas,

desplazamientos y equilibrio dentro de una imagen con
figura humana, según su postura y ubicación.
Simetría en un rectángulo vertical
Transmite: rigidez, dureza, quietud, mayor peso, firmeza,

desafío, equilibrio, solemnidad, presencia.
Usar este tipo de composición para transmitir sensualidad
o erotismo, es poco aconsejable ya que refleja todo lo
contrario.
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Zigzag en un triangulo
La figura se desplaza hacia la izquierda, mientras el triángulo en

el que esta incrustada hacia la derecha, generando tensión en la
imagen por estas dos fuerzas que se oponen. Por otra parte, la
postura corporal de la modelo es inestable, ya que el triángulo
tiene su eje inclinado, dándole un efecto de esfuerzo para poder
mantener la postura.
Transmite: Dinamismo, tensión, amenaza, acecho, energía
contenida, desafío, duda, inestabilidad.
Carlos Candia
Ondulante en rectángulo horizontal
La estar ubicada de izquierda a derecha, como ya vimos este

desplazamiento es fácil, por lo que da la impresión de comodidad
y serenidad, las líneas ondulantes en esta dirección suman
sensualidad, y al estar su rostro semi escondido detrás del hombro
sugiere un cierto temor, reparo o timidez ante quien esta
interactuando visualmente, en este caso, el observador.
Transmite: sensualidad, serenidad, armonía, espera, temor.
Carlos Candia
Sig zag incrustada en ovalo
Al desplazarse de izquierda a derecha da la sensación es de estar

a punto de ponerse en movimiento, la postura tensa incrementa
este efecto y parece estar haciendo un gran esfuerzo por liberarse,
o soportando un gran peso
Transmite: Encierro, defensa, cautiverio, esfuerzo, peso.
Carlos Candia
Simétrica en un triangulo
A la firmeza del triángulo acentúa la postura y tensión corporal

de la modelo, el gran contraste tonal también incrementa la dureza
que se atenúa con la suavidad de las líneas de la modelo.
Transmite: Firmeza, solides, proyección vertical, elevación,

estática, firmeza.
Carlos Candia
Simétrica dentro de rectángulo vertical
El peso de la mitad superior del cuerpo, emerge desde formas

livianas y blandas, partiendo la imagen en dos y dando apariencia
de un frágil equilibrio, dada la ondulación.
Transmite: Solemnidad, seriedad, firmeza, presencia, quietud,
precario equilibrio.
Carlos Candia
Equilibrada por tensores de atención
La totalidad del peso está del lado izquierdo de la imagen, pero

todos los tensores de atención llenan el espacio vacío haciendo
que la imagen se equilibre.
Transmite: Fuerza, expansión
Carlos Candia
Ondulante dentro de rectángulo horizontal
La diagonal de inferior derecho a superior izquierdo con poca

inclinación y líneas ondulantes, producen un efecto de calma
sensualidad. Las arrugas de la sabana guían la visión a la modelo.
Transmite: Quietud, sensualidad, aburrimiento, espera.
Carlos Candia
Expansiva asimétrica
Parece querer expandirse con gran tensión corporal. El fondo

transmite una lucha entre el desorden y aspereza de la base donde
se apoya la modelo y la quietud y suavidad del cielo, lo que
incrementa las tensiones.
Transmite: Dinamismo, tensión, vitalidad, energía, fuerza
Carlos Candia
Diagonal ascendente de izquierda a derecha en triangulo
En este caso la diagonal inferior izquierda a superior derecha, en

una línea ondulante, da la sensación de desplazarse fácilmente.
Transmite: Desplazamiento y poco esfuerzo,
Carlos Candia
Diagonal ascendente de derecha a izquierda en triángulo
Hay esfuerzo, tensión, encierro y lucha por una salida, los tonos
oscuros aumentan este efecto de encierro, dramatismo y
desesperación, el cuerpo esta tenso y cansado, el desequilibrio
sugiere derrumbe, rendición. Hay un simbolismo de escape de lo
oscuro a lo luminoso. El sentido de la diagonal aumenta estos
efectos.
Carlos Candia
Desplazamiento de izquierda a derecha
Con gran esfuerzo se desplaza de derecha a izquierda, pero los

múltiples tensores de atención aumentan la sensación de
esfuerzo.
Carlos Candia
Ahora veamos cómo cambia el efecto invirtiéndola.
Fácilmente vemos como el mensaje cambia totalmente, ya el

desplazamiento es más fácil y los tensores de atención son los
mismos pero se dirigen en dirección opuesta, y esto hace que
tomen mayor fuerza.
Desarrollemos el hábito de hacer esto con todas las fotos y
veamos los cambios que se producen, ya que se trata de un
excelente ejercicio para contar con más herramientas a la hora de
planificar una imagen.
Carlos Candia
Desplazamiento de izquierda a derecha
Avance fácil, sin esfuerzo, pero la mirada al frente

Detiene el desplazamiento y la transforma en una imagen
estática.
Al estar dentro de un triángulo con el vértice apuntando a la
izquierda más un tensor de atención en esa dirección, ayuda a
neutraliza el desplazamiento.
Los tensores dan sensación de peso.
Carlos Candia
Desplazamiento de derecha a izquierda
Una composición similar, pero con un efecto totalmente diferente

al anterior, ya que en este caso no se desplaza, solo se recuesta
sobre un lado del triángulo, la mirada también es hacia el
observador, pero se nota escasa o nula tensión.
Carlos Candia
El Formato y el Horizonte
La forma del encuadre es otro de los factores que juega un papel
importante en la foto, ya que también este influirá directamente
sobre lo que queremos transmitir reforzando o neutralizando el
mensaje ya sea la toma horizontal o vertical.
En estos dos ejemplos vemos claramente como cada imagen

transmite un efecto diferente a pesar de ser la misma toma a la
que se cambio el formato.
Como ya lo vimos anteriormente cada formato refuerza un estado
anímico, clima o sentimiento en la imagen, Pero aún podemos
alterar más estos efectos, con solo modificar la altura del
horizonte, sea este visible o invisible ya que se encuentra presente
siempre en una imagen. Para esto debemos saber que no importa
dónde nos ubiquemos, el horizonte estará a la altura de nuestra
cámara o nuestros ojos según el caso. Para provocar este cambio
en el efecto que dará la imagen veamos un ejemplo. Ya sabemos
que un rectángulo vertical transmita: Solemnidad, Rigor,
Intimidacion, Amenaza. Pero esto se acentúa si el horizonte de
nuestra toma es bajo (vemos desde abajo hacia arriba) y se atenúa
con un horizonte alto (vemos desde arriba hacia abajo) En todos
los casos la altura del horizonte potencia si es bajo, atenúa, resta
importancia, si es alto.
Carlos Candia
Horizonte visible
Composición y encuadre vertical con horizonte bajo
Carlos Candia
Horizonte no visible
Composición y encuadre horizontal con horizonte alto
En estos dos ejemplos podemos notar claramente como en el caso

del horizonte bajo, la figura toma mayor dimensión y se ve más
importante, contrariamente a lo que sucede con el horizonte alto,
donde la figura se ve disminuida.
Empleando este principio tan fácil de manejar, ya que solo
debemos variar la altura de la cámara con relación a los objetos o
modelo, controlamos si queremos mostrarla ante el observador
como más o menos importante que este, ya que cuando vemos a
alguien más abajo que nosotros, nos parece que estamos
dominándolo y lo opuesto cuando alguien se ubica a mayor altura
relativa que la nuestra.
Carlos Candia
Los Colores
Uno de los elementos visuales que más sensaciones transmiten

son los colores, cálidos y fríos, suaves y estridentes, opacos y
brillantes y así una serie de características innumerables. Por eso
a la hora de elegir los colores que darán carácter a nuestras fotos
debemos ser muy cuidadosos, cada tema requiere de una
tonalidad predominante, de un color que provea la intensidad y
acentué el carácter, en una gama que predisponga el estado
anímico del observador.
Debemos tener presente además, que al combinarlos de manera
diferente, diferente resultará el mensaje o emoción que
transmitiremos. Esto nos obliga a ser extremadamente cuidadoso
al momento de elegir que colores y tonos emplearemos.
Carlos Candia
Cálidos sobre negro
No necesariamente todos los colores de nuestra foto deben ser

cálidos o fríos, con poseer una tonalidad promedio en la imagen
de una u otra tendencia, ya podemos decir que estamos ante una
imagen cálida o fría, además con pequeños toque de un color
complementario al dominante de la foto ayudara a controlar el
contraste y dará una referencia clara por comparación.
En las siguientes fotos podemos ver con claridad el efecto
producido al emplear distintas variantes de contrastes y las
dominantes de color en nuestras fotos.
Además como los colores cálidos siempre parecen despegarse y
resaltar más sobre los fríos. En este caso dado que estamos
fotografiando un cuerpo siempre tendremos un tono cálido como
color dominante del elemento principal.
Carlos Candia
Cálidos sobre fríos
Fríos
Carlos Candia
Colores fríos envolviendo a cálidos
Gran contraste de colores
Carlos Candia
Cuanto más a fondo conozcamos la importancia de los colores y

el efecto que causan en el observador mejores resultados
obtendremos. El observador distingue primero los colores y luego
a las formas, especialmente el blanco es el color al que primero
reacciona nuestra vista, por este motivo a traves de los colores
condicionamos al observador, dandole un adelanto de lo que vera.
Este fenómeno, sucede en milésimas de segundo, pero es
suficiente para que sea el anticipo del mensaje que daremos,
alegre con colores calidos y contrastados, violento con colores y
tonos estridentes, calmado con tonos pastel y pocos contrastes,
sombrio con abundantes grises, etc
Por otra parte, es conveniente en algunos casos ver la misma foto
en monocromo.
Los Tonos
(Intensidad de los colores)
Lo siguiente a definir es “como lo diremos”, dicho de otra manera
El Tono que tendrá nuestra foto. Haciendo un paralelismo seria
elegir el tono de voz que usaríamos para relatar o describir una
situación. Con una imagen podemos, gritar, ser suaves,
enérgicos, confusos, misteriosos, etc…etc…etc. Como en
cualquier otra forma de comunicación. Esto lo controlaremos con
la textura, tipo de iluminación, contrastes, colores y tonos que
empleemos, por ejemplo: alto o bajo contraste, colores cálidos o
fríos, tonos pastel o brillantes, si será en color o monocromo, si
las luces serán altas o tenues, si la iluminación será artificial la
ubicaremos cenital o en que ángulo, si es natural, a qué hora del
día nos dará mejores resultados, etc. Hagamos lo posible por no
dejar librado al azahar ninguno de estos factores, ya que con uno
solo que desentone, neutralizara el efecto deseado o nuestra
imagen podría dar un mensaje equivocado, o producir una foto
intrascendente.
Carlos Candia
Tonos bajos
Los Tonos bajos (oscuros) obligan al observador a buscar la
imagen, se emplea para generar un clima de misterio, de algo o
alguien que se esconde. Como vemos en este caso es muy
importante poner un elemento blanco o más iluminado para
facilitar un punto desde donde comenzar a leer la imagen.
Carlos Candia
Alto contraste tonal
Por lo general, al emplear un alto grado de contraste tonal hace

que la imagen gane en dinamismo, violencia, energía y fuerza,
incrementando al mismo tiempo el Impacto Visual.
Carlos Candia
Contraste entre tonos medios y bajos

Al estar sobre fondo oscuro genera una sensación de misterio,
acentuada por actitud observadora semi oculta.
Contraste entre tonos medios y altos de colores cálidos

Provoca sensación de tibieza e intimidad.
Carlos Candia
Tonos medios con bajo contraste de colores fríos
Ayudan a transmitir
soledad, misterio,
desprotección...
Tonos altos y medios,

colores cálidos con alto
contraste por contraluz.
Da sensación de distancia,
de recuerdo y tibieza
Carlos Candia
Tonos medios y altos con

uniformidad de colores
cálidos casi monocroma
Ayuda a resaltar un clima
monótono, sereno y de
quietud.
Monocroma en Tonos Medios, al no haber contrastes resalta el

mensaje de serenidad
Carlos Candia
Efecto Psicológico de los colores
Carlos Candia
Carlos Candia
El Monocromo
En todos los casos resulta interesante modificar las fotos

obtenidas a monocromo, hoy en día con un clic en el Photoshop
pasamos instantáneamente una imagen color a una monocroma.
Al hacerlo descubriremos que ingresamos y descubrimos una
serie de particularidades que no habíamos evaluado o que no se
apreciaban de la misma manera en color.
Veamos algunos ejemplos
Positivo
En este caso el mensaje es neutralizado y pierde fuerza al
pasarlo a monocromo
Carlos Candia
Desde ya siempre serán más indicados para pasar a b&n los temas
como: temor, aburrimiento, melancolía, etc... Para agruparlos de
alguna manera llamémoslos “negativos”, ya que los “positivos”
alegría, fuerza, diversión, etc. se verían neutralizados si los
pasamos a monocromo. De todas maneras es muy útil
comprobarlo haciendo cambios en los dos grupos y así ver los
resultados, en todos los casos hacer comprobaciones es la mejor
manera de avaluar diferencias.
Negativo
Por el contrario en este caso el mensaje calmo es más claro en

monocromo
Carlos Candia
La Modelo
La modelo es la principal protagonista de la foto, mientras que los

demás componentes son los encargados de dar un marco que
complemente la escena.
Al ser el elemento principal de la producción fotográfica que
emprenderemos, es sumamente importante seleccionarla
correctamente.
A la hora de elegirla, debemos tener en cuenta varios aspectos, su
personalidad y características físicas, plasticidad de movimiento
y su capacidad expresiva. Tanto si nos disponemos a realizar fotos
sensuales o eróticas, el tipo de sensualidad o erotismo que
obtendremos dependen directamente del carácter y personalidad
de la modelo, como de la ductilidad y posibilidades de esta para
representar el “personaje” que le indiquemos.
Aquí pueden darse dos situaciones, la primera que ajustemos el
tipo de foto a las características de la modelo que tengamos
disponible, y la segunda, que busquemos una modelo que se
ajuste al tipo de fotos que queremos realizar.
Por ejemplo, resultaría imposible incursionar en fotografías
mostrando una actitud agresiva si nuestra modelo es tímida o
físicamente pequeña.
Carlos Candia
Algunas personalidades, personajes o estados anímicos más

frecuentes.
Desafiante Tímida Provocativa
Sofisticada Divertida Desconfiada
Carlos Candia
Deportista Misteriosa Pícara
Dramática Enojada Aburrida
Deprimida Vanidosa
Carlos Candia
Dominante Adolecente Romántica
Intelectual Ruda Rustica
Seductora Triste Ansiosa
Carlos Candia
Como podemos ver en cada uno de estos ejemplos, las posturas,

la dirección de los tensores de atención, los colores, junto a todos
las características personales que hemos estado analizando,
juegan un papel importantísimo para resaltar el mensaje que se
busca transmitir.
En el caso que la modelo sea una persona conocida por nosotros
nos resultará más fácil saber dentro de que estilo podemos
planificar nuestras fotos ya que conocemos sus características
personales.
Por el contrario si es alguien que recién conocemos necesitaremos
tomarnos todo el tiempo posible para ir descubriendo estas
características, ver si se ajustara a nuestra idea o si será
conveniente hacer cambios a nuestro proyecto a fin de ajustarlo a
su personalidad. Por otra parte es muy importante que le
expliquemos detalladamente cual es el proyecto, que carácter y
estilo tendrán las fotos y en lo posible mostrarle algún boceto o
foto similar, esto preferentemente uno o dos días antes de realizar
las tomas.
Es conveniente también, pedirle que reúna ropa que resulte de
utilidad y que se ajuste las características de las fotos que
realizaremos. El objetivo de esto más que proveernos de
vestuario, (algo que a esta altura ya debemos tener resuelto), es
hacerla participar en la planificación y pre producción, hará que
se involucre más y ponga mayor interés en lograr un mejor
resultado.
Otro punto importante es explicarle que durante el desarrollo de
la sesión fotográfica, formaremos un equipo, por lo tanto, los
buenos resultados serán producto de un trabajo en conjunto donde
cada uno pondrá su parte.
Carlos Candia
Todo esto contribuirá a que se sienta cómoda y confié en nosotros

y en nuestra capacidad para dirigirla.
Debemos explicarle muy claramente que nosotros cuidaremos
todos los detalles para que se vea muy bien, ya que es muy común
especialmente en el caso de modelos no profesionales, estén más
pendientes de como mostrarse para verse bien que en el personaje
indicado. En el caso de ocurrir esto durante las tomas hagamos
una pausa y marquemos el problema haciendo que vea las fotos
recién tomadas.
Al reiniciar la sesión démosle indicaciones claras y precisas
acerca de cómo deberá transmitir tanto con el cuerpo como con
la expresión facial y la mirada. Siempre da muy buenos
resultados ir mostrándole las fotos e indicarle las correcciones que
deberá realizar de ser necesario.
Es aconsejable a fin de lograr mejor nuestro objetivo, trabajar
sobre una pose por sesión fotográfica hasta agotar todas sus
posibilidades, haciendo la mayor cantidad de variantes posibles
no solo de posiciones y expresiones, sino además de luces y
efectos. O al menos hacer un intervalo entra cada cambio de pose.
De esta manera estaremos más concentrados a igual que la
modelo y sin dudad obtendremos mejores fotografías.
Carlos Candia
Lenguaje Corporal y La Expresión Facial
En todo momento, nuestro cuerpo está expresando que siente y

como se siente, al ver a otras personas ya sea directamente o a
través de imágenes, percibimos ese mensaje.
Esto es mucho más fácil de percibir en una foto ya que
disponemos de más tiempo para analizar cada detalle postura o
expresión en la pose de la modelo.
Quien crea que con solo hacer sonreír a la modelo estaremos
transmitiendo alegría o felicidad se equivoca totalmente.
Si su cuerpo está transmitiendo otro estado anímico aún sin
racionalizarlo, el observador percibirá esa contradicción por lo
que resultara una foto poco o nada creíble.
Ahora bien, como hacemos para que una modelo tensa transmita
alegría no solo con su rostro sino con todo su cuerpo…??? Muy
simple…debemos alegrarla, debemos buscar la manera de hacerla
sentir cómoda y fundamentalmente relajada, en definitiva,
modificar su estado de ánimo, porque ese estado anímico
percibirá el observador, no la mueca que le indiquemos o la
postura que adopte sin sentir lo que necesitamos sienta en el
momento de la toma.
Esta es una de las principales causas por las que anteriormente
sugerí no hacer más que un tema por sesión fotográfica ya que
modificar un estado anímico no es tarea fácil, y más complicado
si debemos hacerla pasar de un estado de animo a otro.
Carlos Candia
Por todo esto, recordemos siempre la importancia de la relación

del estado anímico de la modelo con respecto a su lenguaje
corporal y como se verá afectada la imagen si el mensaje no está
en sintonía con este estado.
Pero también debemos preguntarnos qué pasa con nuestro estado
anímico al momento de las tomas. Como afectará nuestro
carácter y estado anímico, al estado anímico de la modelo y por
consecuencia a las tomas que estamos realizando.
Seguramente sin darnos cuenta iremos desviándonos del objetivo
fijado e inclinándonos a realizar fotos más acordes a nuestro
estado anímico, por este motivo debemos estar muy atentos, tanto
para evitar que esto ocurra como para controlar nuestro estado
anímico para que sintonice en un todo con lo que estamos
realizando.
Veamos ahora un ejemplo típico de lo que nos sucedió no una
sino varias veces a todos los que incursionamos profesionalmente
en este tipo de tomas.
Seguimos todos los pasos descriptos hasta este momento,

controlamos todos los aspectos que formaran la imagen y
comenzamos la sesión fotográfica, pero… dándonos o sin darnos
cuenta nos vamos excitando, gradualmente vamos abandonando
la idea original y nuestras fotos van resultando más y más eróticas
hasta transformarse en muchos casos pornográficas, ya que
nuestra excitación nos dominó y perdimos el objetivo que nos
habíamos propuesto.
Para que no suceda esto debemos estar muy enfocados y atentos
a que cuando comenzamos a desviarnos de lo planificado,
inmediatamente hacer un alto, en lo posible conversarlo con la
Carlos Candia
modelo quien seguramente ya se dio cuenta, para luego, con la

mente más fría retomar la sesión fotográfica.
Por otra parte tenemos la expresión facial, la que
indefectiblemente tendrá que estar acorde y en armonía con el
tema.
Carlos Candia
Ya logramos modificar el estado anímico de la modelo y lo

mantenemos con nuestra actitud, la expresión facial deberá estar
acorde con lo buscado y verse autentica y no como una mueca,
para evitar una expresión facial artificial y poco creíble, a veces
debemos recurrir a algunos trucos que guardamos en la manga,
como por ejemplo si la actitud y la expresión corresponden a un
mensaje tenso o duro, suele dar muy buen resultado hacer que la
modelo sostenga algo en su mano y lo apreté con fuerza, sin que
esto se vea en la foto.
Otro recurso, en este
caso para una toma
de enojo, puede ser
útil ponerla en una
postura
desequilibrada o que
pise algo incómodo.
Para cada situación
se deberá idear algo
que sirva para
incrementar o
acentuar lo buscado,
como un ejercicio
sugiero hacer tomas
con y sin estos recursos y al compararlas sin dudas notaremos la
gran diferencia que existe entre unas y otras.
Tengamos pensados algunos recursos antes de la sesión de fotos
para poder echarles mano en caso de ser necesario, ya que no
hay mejor aprendizaje que la experimentación, y el acumular
experiencia práctica.
Carlos Candia
La Locación
La Locación, es una parte muy importante de la foto, ya que está

aportando no solo un fondo decorativo, también estas
describiendo el tipo de ambiente en el que se desarrolla la historia
que contamos o dándole sentido a la actitud de la modelo, por lo
tanto, la modelo debe acoplarse e interrelacionarse en un
ensamble perfecto con este fondo.
Este puede ser armado (escenografía) o real, un paisaje, una
habitación o el sitio que se ajuste mejor a nuestro propósito. Por
este motivo debemos escogerlo cuidadosamente, tomándonos
todo el tiempo necesario tanto para armarlo como para buscarlo,
según sea el caso.
Muchas veces nos sucede que vemos un lugar y se nos ocurre una
foto, esto nos da una idea o la importancia que debemos darle a
la hora de planificar nuestras fotos.
Si vamos a realizar una foto” intimista” o con un mensaje tímido,
temeroso, retraído, etc. Jamás podemos emplear un fondo
colorido, estridente o muy luminoso. Por el contrario si vamos a
realizar tomas de carácter festivo, picaras, dinámicas, etc., un
fondo apagado puede disminuir el efecto deseado. Digo “puede”,
dado que a veces estos efectos se acentúan por contraste, en lugar
de desvirtuarse. Por eso debemos observar y estudiar
cuidadosamente el fondo a utilizar, haciendo tomas previas sin la
modelo, a distintas horas del día en el caso de una locación al aire
libre o con diferentes iluminaciones si es en interior, esto para
poder evaluarlo más detalladamente y así elegir el Angulo,
Carlos Candia
momento del día o tipo de luces más conveniente a nuestro

propósito.
.En ocasiones un fondo liso, solo nos deja la atención sobre la
modelo esto en algunos casos puede dar buen impacto visual
siendo esto conveniente cuando queremos transmitir el mensaje a
través de la expresión corporal de la modelo, pero en muchos
otros casos necesitaremos agregar elementos o ambientes para
dar, como ya dije contextos a ese mensaje corporal.
Carlos Candia
Entre estas fotos hay ejemplos donde el fondo o locación no han

sido correctamente elegidos, analízalos y evalúa cada caso.
Carlos Candia
La Luz
Sin luz no podría
existir la fotografía,
así que mencionar
la importancia que
tiene está de más.
Cuando de
fotografía se trata,
tengamos en cuenta
que no es lo mismo
“Alumbrar que Iluminar”
Con la iluminación, podemos dar volumen, resaltar texturas,
ocultar, generar climas y un sinnúmero de efectos que iremos
descubriendo con solo ir cambiando los focos de posición.
En la mayoría de los casos es conveniente repetir la misma toma

con diferentes formas de iluminación para así poder ir
descubriendo toda la gama de posibilidades de las que
disponemos.
No solo es vital la importancia de la luz y su calidad e intensidad,
también como vamos a manejarla.
Dependiendo de su ubicación, nos resaltará texturas, o nos dará
brillos, medios tonos o sombras que serán los efectos encargados
de acentuar o atenuar cada rincón de la imagen.
Ahora bien, algo para tener muy en cuenta es que por todos los
medios debemos evitar fotografiar con luz cenital o rasante (en su
mismo plano y dirigida hacia ella) esto hará que toda
imperfección en la piel se resalte, y ni hablar de estrías y celulitis
Carlos Candia
así sea muy tenue, por supuesto, puede darse el caso que eso sea
lo que busquemos, entonces si utilizar este tipo de iluminación
nos será de gran utilidad.
Tomemos la configuración de iluminación inicial en, a 45 ° del
eje ella nosotros y 45° con relación a su línea vertical, más un
segundo foco para suavizar, a partir de esta ubicación inicial de
la iluminación, hagamos las variantes que acentúen más el clima
que necesitamos En caso de luz natural al aire libre nunca
debemos hacer fotos al medio día siempre lo ideal es con el sol a
45° del horizonte, por la mañana o la tarde, las mejores fotos con
luz natural se consiguen los días nublados pero luminosos.
No descartemos tampoco al evaluar el tipo de clima que
necesitamos para las fotos que haremos, la posibilidad de colorear
con la luz, un recurso simple y económico es el empleo de papel
celofán.
Cada tipo de iluminación genera un clima diferente, por ejemplo:
Luz blanda: Es un tipo de luz que apenas produce sombras,
consiguiendo tonos suaves y difuminados, por lo general se
asocia con niebla generando cierto grafo de misterio en la imagen.
Luz dura: Se entiende por luz dura aquella luz intensa que arroja
fuertes y profundas sombras sobre los sujetos/objetos. Suele ser
útil para efectos dramáticos o fotografías para resaltar formas.
Luz rasante: la luz rasante muy angulada y lateral, transmite
mucha nitidez y relieve a la imagen, esto transmite energía. El
momento ideal para realizar fotos con luz rasante, son el alba y el
ocaso, cuando los rayos solares están casi horizontales, o
ubicando el foco principal en el mismo plano que la modelo.
Carlos Candia
Contraluz:
La fuente luminosa se encuentra detrás del motivo. Esto dibuja
siluetas y destellos alrededor del objeto que se interpone a la
fuente de luz.
Si bien el contraluz genera un efecto visual muy llamativo,
debemos aplicarlo a fotos especialmente elaboradas para este tipo
de iluminación ya que se pierden gran parte de los detalles de la
imagen.
En el caso de la iluminación
cenital, es excelente para dibujar
contornos y generar climas
misteriosos. Con el tema
sensualidad debemos evitarla
preferentemente ya que
endurece mucho las formas y
además marca muy
detalladamente la textura de la
piel, poniendo de manifiesto
cualquier tipo de imperfección.
La luz suave y difusa es la que más favorece a las fotos donde

queremos transmitir sensualidad, tanto en tonos altos, medios o
bajos. Este tipo de luz genera un clima suave y apacible con
Carlos Candia
bajos contrastes y detalles visibles tanto en luces como en las

sombras ya que estas no son intensas.
Altos Medios Bajos

Estos son solo algunos ejemplos de iluminación difusa, pero
cada fotógrafo tiene una manera particular de iluminar sus fotos,
es casi como su caligrafía.
Un buen recurso para evaluar la iluminación es ver la escena que
vamos a fotografiar entrecerrando los ojos, de esa manera vemos
con mayor contraste y notamos más fácilmente los defectos de
iluminación.
Es frecuente que quienes aún no han adquirido conocimientos
técnicos más amplios al encontrarse en condiciones de luz
escasa aumenten las ISO de la cámara, esto hasta cierto punto
(no más de 400 iso) da resultados aceptables, pero debemos
tener en cuenta que a mayos aumento iso más pérdida de calidad
de la imagen.
Carlos Candia
2° Parte
Es momento de crear nuestra primera foto

A modo de ejemplo, utilizaremos como título o tema e iremos
recordando cada paso:
“LA ESPERA”
Como la línea de nuestra foto será sensual o erótica,
inmediatamente imaginamos a una mujer esperando a su amante,
pero de qué manera? Ansiosa calmada, aburrida.
En este punto definiremos El Tema como “Mujer Esperando”
El personaje de nuestra foto, puede estar esperando de una gran
variedad de maneras En este punto definiremos que vamos a
transmitirle al observador.
Ansiosa Calmada Aburrida
Elegiremos Ansiosa, por lo tanto ya contamos con el El

Mensaje.
Carlos Candia
Mensaje.
Ahora debemos resolver qué

será lo que haga que nuestra
foto atraiga la atención del
observador por lo tanto nos
abocaremos a planificar El
Impacto Visual.
Recordemos la fundamental
importancia del Impacto
Visual en una imagen y que
este es factor por el cual
lograremos que nuestro
mensaje llegue al observador
al ser atraído por la foto.
Por lo tanto hacer un boceto así sea rudimentario nos ayudara a

evaluar y decidir cómo hacer que nuestra foto atraiga la atención,
esto puede ser por un contraste de tono o color, una forma
llamativa o resaltando alguno de los elementos de la imagen por
medio de la iluminación, etc.
El siguiente paso es desidir que formas nos ayudaran a seguir
construyendo nuestra foto, ya que ahora conocemos que cada
forma tiene un significado visual intrínseco dentro de una
imagen.
Carlos Candia
Las Líneas
Dentro de la imagen, Las Líneas son otro de los factores de

fundamental importancia para tener en cuenta, ya que son las
encargadas de guiar el recorrido de la vista del observador de un
modo pre determinado por nosotros, “leer la imagen”.
Ya tenemos el concepto, o tema de la foto, el mensaje a transmitir

a través de ella, como atraeremos la atención del observador,
hemos seleccionado las formas y líneas que compondrán nuestra
foto, pero, necesitamos saber cómo distribuiremos todo estos
componentes dentro del recuadro que los contendrá, o sea,
planificar la Composición Visual de nuestra imagen..
Carlos Candia
Estudiemos como lograr que nuestra foto se vea equilibrada, que

sus componentes ya sean objetos o figuras humanas no den la
sensación de agruparse mayoritariamente hacia uno de los lados
o concentrados en un punto de la imagen.
En esta ocasión hacer los diagramas en una hoja nos será de gran
ayuda, ya que podremos visualizar una gran cantidad de variantes.
Carlos Candia
El paso siguiente es estudiar las posturas corporales de una

persona cuando espera ansiosamente y elegir qué postura y
expresión corporal trataremos de hacer actuar a nuestra modelo.
Este es uno de los puntos más complejos de la planificación de
una imagen, ya que la modelo deberá sentir con claridad ese
estado anímico, dado que el cuerpo se expresa tomando distintas
posturas según el estado en el que se encuentre y es algo muy
difícil de reproducir actuándolo .
Carlos Candia
El paso siguiente es decidir la altura del horizonte
Como ya vimos hay un aspecto que muy pocas veces es tomado

en cuenta por el fotógrafo, se trata de la altura en que ubicara la
cámara con respecto a la modelo, generalmente hacemos
variantes para buscar mejor encuadre, en ese momento, también
recordemos que la altura del horizonte aumenta o resta
importancia a los objetos fotografiados.
No pasemos por alto este factor.
Carlos Candia
Ahora prestemos atención a los colores que emplearemos ya que,

nunca hay que dejar librado al azar, el empleo de tal o cual color,
ya que cada uno transmite por sí mismo muchas sensaciones y
predispone al observador de manera contundente, adelantando el
mensaje o estado anímico que está a punto de descubrir.
Consultemos la tabla en el capítulo Los Colores y empleemos
estos y sus diferentes tonos de manera acorde al mensaje que
estemos tratando de transmitir.
Y tengamos en cuenta que si los colores transmiten por si mismos
un determinado estado o emoción, los tonos le dan la intensidad.
Carlos Candia
En este punto llegamos a lo más

importante, la persona que
interpretara el personaje y actuara el
estado anímico que necesitamos en
nuestra foto.
Recordemos que de contar con la
modelo adecuada, aseguraremos un
buen resultado final.
De lo contrario debemos modificar el
mensaje debiendo ajustarlo a las
características de la modelo con la que
contamos.
Carlos Candia
Esto quiere decir que si en este caso el mensaje es Espera con

Ansiedad y solo disponemos de una modelo que refleja mejor
enojo, debemos modificar El Mensaje a ESPERA CON ENOJO.
Tenemos todo listo para comenzar con las tomas solo resta decidir
si la haremos sobre un fondo liso, en interiores o exteriores. Por
lo tanto es momento de evaluar lo que necesitamos y buscar el
mejor entorno para esta foto además de reunir los elementos que
de esta manera poder experimentar algunos cambios en busca de
conseguir diferentes efectos visuales de ser posible.
Ya con La Locación escogida, recordemos hacer pruebas con

las luces si las tomas serán en interiores.
De ser en exteriores con luz natural, debemos evaluar qué hora
del día es la más adecuada para el clima que queremos tengan
nuestras fotos.
Carlos Candia
COMPOSICIÓN VISUAL
PUNTOS FUERTES EN LA COMPOSICIÓN
La composición es la manera de ubicar los objetos que

intervienen en una imagen.
•de acuerdo a esta ubicación será la sensación de “peso visual”
(interés o atracción visual) variable. Algunos principios sobre
Composición Visual , y llamo “principios” ya que no son leyes
que deban cumplirse a rajatabla, justamente la habilidad del
fotógrafo hará que estos “principios” respetándolos o
transgrediéndolos, jueguen a favor del objetivo propuesto al
planificar la imagen.
•A mayor tamaño y oscuridad del objeto, mayor peso visual (los
objetos pequeños pueden pasar desapercibidos, especialmente en
imágenes en movimiento.
•Cuanto más alejado del centro del encuadre (más arriba y más a
la derecha) se encuentre el objeto y a mayor nitidez (foco) mayor
será su peso visual.
•Los tonos bajos tienen mayor peso visual que los altos.
•Los colores cálidos (rojo, naranja, amarillo) tienen más peso
visual que los colores fríos (verde, azul, violeta).
En la composición se busca el equilibrio de los elementos que
intervienen en la imagen. Esto se logra con imágenes simétricas
(equilibrio estático), pero es mejor un equilibrio dinámico
contrapesándose unas a otras mediante diferencias en la posición,
el tamaño o el tono. Las líneas que convergen en un motivo le
dotan de peso, especialmente si el motivo está situado a la
izquierda del cuadro, ya que la atención se detiene con más
facilidad mientras que si se sitúa a la derecha del cuadro, la
Carlos Candia
tendencia es a continuar la exploración saliendo del cuadro por la

derecha.
Un objeto de gran tamaño centrado puede ser contrapesado por
otros más pequeños descentrados.
Un objeto grande de tono claro es contrapesado por un objeto
pequeño de tono oscuro y más si éste se sitúa en la parte superior
del encuadre, a la derecha y en profundidad.
LOS PUNTOS FUERTES: LA REGLA DE LOS TERCIOS
La regla de los tercios deriva de la PROPORCIÓN ÁUREA: Las

formas que resultan agradables desde un punto de vista estético,
mantienen en sus distintas partes proporciones que están de
acuerdo con la proporción áurea.
Un segmento está dividido en dos por la proporción áurea cuando
se cumple:
Si tomamos como unidad el segmento menor, el segmento mayor
que cumple la proporción áurea se llama número phi,
La proporción áurea se encuentra en arquitectura, pintura,
escultura, en las tarjetas de crédito y en la naturaleza (espirales de
las piñas, de los girasoles, de los caracoles...)
La sucesión de Fibonacci tiene los dos primeros términos iguales
a 1, cada uno de los restantes resulta de la suma de los dos
anteriores de la sucesión:
Sucesión de Fibonacci: 1,1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, 89, 144....
El número phi, es el límite que se obtiene si vamos dividiendo
cada término de la sucesión de Fibonacci por el anterior:
Cada forma o figura representando sobre un papel se comporta
como un peso, un peso visual, porque ejerce una fuerza óptica.
Los elementos de nuestra composición gráfica pueden ser
Carlos Candia
imaginados como los pesos de una balanza. Una composición se

encuentra en equilibrio si los pesos de los distintos elementos
que la forman se compensan entre sí.
Este criterio se aplica principalmente al diseño global, es decir, a

la disposición de los elementos sobre la superficie de trabajo.
Normalmente se busca este equilibrio, aunque en alguna ocasión
se provoca un desequilibrio intencionado para conseguir unos
resultados específicos en un diseño.
Definimos el equilibrio como una apreciación subjetiva, en la

cual, los elementos de una composición no se van a desprender.
La sección áurea
La regla o sección áurea es una proporción entre medidas. Se trata

de la división armónica de una recta en media y extrema razón.
Esto hace referencia a que el segmento menor es al segmento
mayor, como este es a la totalidad de la recta. O cortar una línea
en dos partes desiguales de manera que el segmento mayor sea a
toda la línea, como el menor es al mayor.
De esta forma se establece una relación de tamaños con la misma
proporcionalidad entre el todo dividido en mayor y menor, esto
es un resultado similar a la media y extrema razón. Esta
proporción o forma de seleccionar proporcionalmente una línea
se llama proporción áurea, se adopta como símbolo de la sección
áurea (Æ), y la representación en números de esta relación de
tamaños se llama número de oro = 1,618.
Carlos Candia
A lo largo de la historia de las artes visuales han surgido

diferentes teorías sobre la composición. Platón decía: es
imposible combinar bien dos cosas sin una tercera, hace falta una
relación entre ellas que los ensamble, la mejor ligazón para esta
relación es el todo. La suma de las partes como todo es la más
perfecta relación de proporción.
Carlos Candia
Vitrubio, importante arquitecto romano, acepta el mismo

principio pero dice que la simetría consiste en el acuerdo de
medidas entre los diversos elementos de la obra y estos con el
conjunto. Inventó una fórmula matemática, para la división del
espacio dentro de un dibujo, conocida como la sección áurea, y
se basaba en una proporción dada entre los lados más largos y los
más cortos de un rectángulo. Dicha simetría está regida por un
módulo común, que es el número. Definido de otra forma,
bisecando un cuadro y usando la diagonal de una de sus mitades
como radio para ampliar las dimensiones del cuadrado hasta
convertirlo en "rectángulo áureo". Se llega a la proporción a: b =
c: a.
Dicho esto, y según Vitrubio, se analiza que al crear una

composición, si colocamos los elementos principales del diseño
en una de las líneas que dividen la sección áurea, se consigue el
equilibrio entre estos elementos y el resto del diseño.
Carlos Candia
La escala
Decimos que existe una escala cuando se da una relación
matemática (proporción) entre las dimensiones de distintos
elementos.
Una escala, por tanto, se puede representar fácilmente
mediante con un número o una fórmula.
La escala normalmente se usa en cartografía, planos, mapas...
para poder representar una medida proporcional al tamaño real.
Es cuando citamos, por ejemplo, este plano está en escala 1:10.
Este concepto hace referencia a que, para realizar el plano, se ha
aplicado un factor de reducción determinado (en este caso,
dividir por diez), para poderlo dibujar en un lugar más pequeño,
sin que pierda sus proporciones.
Algo más que medidas

En el diseño gráfico, las propiedades de los elementos visuales
son relativas, dependen del resto de elementos presentes en la
composición. En este caso, la escala hace referencia a la relación
entre los tamaños y otras características de las piezas que
forman el diseño con sus vecinas.
"Otras características" hace referencia al aspecto global de un

elemento: por ejemplo, si se usan colores más vivos, oscuros o
contrastados, la "presencia" o sensación visual de tamaño resulta
mayor que la de otros elementos más pálidos, claros o
difuminados. La proporción relativa entre elementos debe ser
equilibrada, usando una escala correcta. En una composición
gráfica la escala se usa tanto para distribuir el espacio como para
equilibrar las proporciones de los elementos.
Carlos Candia
Carlos Candia
En toda composición, los elementos que se sitúan en la parte

derecha, poseen mayor peso visual, y nos transmiten una
sensación de avance. En cambio los que se encuentran en la parte
izquierda, nos proporcionan una sensación de ligereza.
Carlos Candia
Esto también se observa, si lo aplicamos en la parte superior de

un documento, posee mayor ligereza visual, mientras que los
elementos que coloquemos en la parte inferior, nos transmitirán
mayor peso visual.
Actualmente no existe una composición perfecta. Cada

composición dependerá de su resultado final, para todo ello, es
necesario conocer todos los aspectos y formas para obtener un
resultado con un cierto equilibrio.
Técnicas de composición
La composición es la manera de distribución o disposición de
todos los elementos que incluiremos en una imagen, de una
forma perfecta y equilibrada.
Carlos Candia
Cuando nos disponemos a componer una imagen, debemos contar

con todos los elementos que aparecerán en ella, para así
distribuirlos colocándolos en ese espacio disponible.
Los elementos pueden imágenes, espacios en blanco, líneas,

figuras humanas, etc.
Una buena composición requiere de un equilibrio perfecto ya que
de lo contrario nos dará la sensación de inclinarse hacia uno de
los lados, lo que estropearía el significado del mensaje.
Como ya vimos, el peso de los elementos esta dado no sólo por
su tamaño, también por la posición en que estos ocupen dentro de
la imagen
Carlos Candia
El equilibrio simétrico
Existen dos tipos de equilibrios visuales: simétrico y asimétrico
El equilibro simétrico está dado por la igualdad en cuanto a

tamaño y densidad de uno o varios elementos en ambos lados de
la imagen al dividir imaginariamente a esta en dos mitades iguales
Este tipo de composición visual transmite orden, quietud,

solemnidad, rigidez y estancamiento. Por lo que no es
recomendable su empleo en temas dinámicos, alegres, etc.
Carlos Candia
En una composición podemos obtener un perfecto equilibrio

simétrico colocando formas y líneas en cantidades iguales en
ambos lados de la imagen teniendo como referencia esa división
central.
Un buen ejercicio para incorporar tanto este como cualquier otro
de los ejemplos de composición es tomarnos el trabajo de analizar
fotografías y descifrar su composición, de qué manera esta se
inter relaciona con el mensaje que contiene esa fotografía.
Carlos Candia
El equilibrio asimétrico
Un equilibrio es asimétrico cuando varían los elementos en
cuanto a forma y tamaños a ambos lados de la división de la
imagen.
Esto no significa que pueden estas todos agrupados en uno de

los lados, debemos equilibrar esa imagen compensando los
tamaños con los pesos de los elementos como vemos en la
ilustración.
Como ya vimos cada forma, línea y espacio tienen un peso e

importancia de acuerdo a su tamaño e intensidad visual, siendo
estas propiedades las que debemos distribuir equilibradamente,
compensando unas con otras para obtener una perfecta
composición visual asimétrica.
Carlos Candia
Principales características del color

El contraste de tono
El contraste actúa como un importante factor de atracción para el

observador, través de su intensidad, nivel de intensidad, tamaño
o textura. Resulta muy eficaz al momento de planificar el
impacto visual de nuestra imagen.
El contraste de tono se da como vemos en la ilustración al

combinas un tono alto junto a uno bajo del mismo color. La
manera de regular esta intensidad es variando uno o ambos tonos
a contrastes no tan extremos.
De todas maneras siempre es aconsejable realizar algunas pruebas

ya que pueda haber significativas variantes entre lo que vemos y
lo que luego aparecerá en la foto, especialmente analizando este
contraste en diferentes condiciones de iluminación u ora del día
si empleamos luz natural.
Carlos Candia
El contraste de colores
Vemos un objeto de determinado color dado que este absorbe

todos los colores que componen el espectro de la luz pero rechaza
ese que percibimos. Por lo tanto dependiendo del tipo de luz con
que un objeto es iluminado, dependerá la coloración con que lo
veamos, no quiere decir que un objeto rojo se vea verde al
cambiar el tipo de luz, pero si habrá ligeros cambios en su
tonalidad.
La combinación adecuada de estos colores y contrastes nos
servirá para dar carácter y atractivo a nuestras fotos. Evaluemos
este aspecto al planificar nuestras fotografías.
Carlos Candia
El contraste de escala
El contraste de escala consiste en aparejar colores diferentes pero

en la misma escala, o sea en la misma intensidad.
El empleo del contraste por escala, da como resultado imágenes

mas apasibles y estáticas, dando buenos resultados para transmitir
aburrimiento. Pero puede ser un buen fondo para colocar sobre el
algún elemento de gran intensidad para aumentar su atractivo
visual.
Carlos Candia
El contraste de contornos
Rodear una imagen con un elemento que sea de alto contraste

relativo a la tonalidad de esta suele hacerla muy llamativa pero a
la vez le hara de encierro. Es bueno tenerlo en cuenta para temas
que se relacionen con opresión, cauteverio, etc.
Siempre tengamos en cuenta tanto en este caso como en los demás
que a mayor contraste o tamaó, mas resalta el efecto.
Y que las formas redondeadas parecen cer mas fácilmente

comprimidas por los contornos.
Carlos Candia
Técnicas De Iluminación
Para lograr buenas fotografías es indispensable contar con una

correcta disposición de la iluminación, una de las principales
cualidades de los objetos es reflejar y absorber la luz, esto lo
tendremos en cuenta a la hora de tomar fotografías, pues no todos
los productos o elementos a fotografiar se trataran de la misma
manera, pues esto lo determina la superficie, por su textura, brillo,
formas, capacidad de reflejar o de absorber la luz. Utilizaremos
pantallas reflectoras para suavizar sombras, generar volúmenes, y
generar sensaciones de acuerdo al color de la pantalla.
Estas pantallas también conocidas como flex deben de ser de
colores claros, blanco, gris, plata y oro.
La cualidad principal de una pantalla o flex es que su superficie
genere una luz difusa y suave, por esto los espejos no sirven,
mientras más texturada sea su superficie mejor será el nivel de
dispersión de la luz.
1 incrementar la sensación de volumen.
2 distanciar al sujeto del fondo.
3 suavizar los contrastes.
Carlos Candia
Cualidades de la luz reflejada

Fuentes de luz
La primera será la llamada luz dura o potente e intensa, esta es

una forma de luz directa, generadora de mucho contraste, entre la
luz y la sombra, llamada línea de frontera, la línea es muy pulida
y cortante ocasionando una línea de alto contraste,
Esta luz es la encargada de generar la exposición básica del
sujeto, también se utiliza para la fotografía de luz y sombra, clave
alta y clave baja, por resaltar mucho la textura del sujeto.
La luz ideal para alto contraste es la luz del sol, en un día radiante,
también llamada luz pequeña y dura.
Carlos Candia
Luz de día semi o muy nublado

Es una fuente de luz que por sus características es dispersa y
posibilita mejorar contundentemente las cualidades del modelo o
sujeto, es una luz filtrada por un material traslucido, siendo la
fuente una luz directa, esta luz difusa por un filtro permite que los
rayos de luz se dispersen en múltiples direcciones, permitiendo
que el sujeto gane en volumen y suavidad de contraste, es decir
que las sombras se desvanecen de manera degradada, dejando de
ser una línea marcada.
A esta luz se le conoce como luz grande e intensa, pero no directa.
A esto se le conoce como difracción de luz, sus cualidades son:
Aumentar el volumen, disminuye el contraste, tonaliza los grises,
apastela los colores, independiza al sujeto del fondo, embellece
los colores cromáticos del sujeto.
Carlos Candia
Luz guiada
Es aquella forma de luz direccional que se puede controlar para

enriquecer algunos detalles pero no utilizada como luz general,
también se le conoce como luz linterna, profesionalmente se le
conoce como luces spooth, la otra es la luz spot guiada, pero
potenciada por medio de un lente.
Carlos Candia
Tipos de iluminación
La luz principal: Esta es la encargada de modelar las cualidades

del sujeto, su vez también es la luz que marca exposición correcta
de la cámara, la cámara registra la luz reflejada y su exposímetro
tiene la función de medirla.
La luz que incide a los sujetos se mide por medio de los
fotómetros manuales. La luz principal puede ser una luz directa,
o una luz dispersa o también una luz refleja o rebotada.
Luz de relleno:
Es aquella luz que posibilita el

concepto de volumen, suavizando
las sombras e independizando al
sujeto del fondo, la luz de relleno
debe tener por cualidades la de
generar una sensación de
profundidad, la imagen se pone
más tridimensional y la separa del
fondo, también debe de suavizar
las sombras, en los estudios
profesionales se utiliza una
combinación entre luces
intermitentes o flash dispuestos en trípodes con sombrilla que los
reflejan sobre el sujeto, con luces continuas y lámparas.
Carlos Candia
Luz ventana:
También conocida como luz de
realce, esta trata de imitar la luz
del sol en un alto porcentaje es
alta, pero detrás del sujeto,
también se le conoce como luz
viajera está detrás y encima del
sujeto, moldea y define
contornos además separa del
fondo al sujeto.
Mezcla de fuentes de luz
Se logra un efecto
diferente al mezclar
luces de distintas
temperaturas, cada
una de las cuales
ilumina una zona
diferente de la
modelo.
Carlos Candia
Ángulos de las fuentes de luz
1 Lateral alta cerca al fotógrafo en un ángulo de 45 grados

aproximadamente al sujeto por lo general es la luz principal.
2 Lateral alta al sujeto y al fotógrafo y opuesta a la principal.
3 Luz perpendicular o cenital al sujeto, encima del sujeto.
4 Luz frontal al sujeto, es una luz rasante a nivel del sujeto es
simulando la caída del sol.
5 Luz antinatural, de abajo hacia arriba es una luz muy dramática,
escénica o siniestra
Carlos Candia
Si has elaborado cada paso con el máximo de cuidado y atención,

estás listo para usar tu cámara y concretar lo que en papel o
mentalmente has elaborado, controla la ansiedad y no pierdas de
vista el objetivo, realiza la mayor cantidad de tomas posibles
sobre el mismo tema haciendo solo pequeños cambios.
Carlos Candia
Ningún punto de los que se describen en este libro son

absolutos ni leyes a cumplir de manera obligatoria, son
solo los parámetros a los que se llegó a través del
análisis de las imágenes por muchos estudiosos a
través de los siglos, comenzando por Leonardo
Davinci, y deben ser tomadas como base para
proyectar la propia creatividad.
No te conformes solo con lo que aquí has leído, busca

otras opiniones, amplia tus conocimientos lo máximo
posible.
Eso seguramente te llevara toda la vida.

El fotógrafo creativo, tomara todo lo aquí expresado,
como el punto de partía para desde ahí experimentar y
encontrar nuevas fórmulas para nuevas formas de
expresarse.
Carlos Candia
Carlos Candia
Otros títulos:
www.portstock.com/ebooks.html
Carlos Candia
FOTOGRAFÍA CREATIVA
Sensualidad y Erotismo Femenino
La fotografía es mucho más que un pasatiempo o

una profesión, es un medio para comunicarnos
con los demás.
Para expresar que pensamos..., que sentimos...,
que vimos reflejado en una persona..., que nos
molestó..., que nos alegró...
Pero poder reunir todo esto en una imagen no es
fácil, no se logra comprando una buena cámara ni
un gran teleobjetivo, se logra desarrollando
nuestra sensibilidad y aprendiendo como volcarla
en una imagen, como lo hace todo artista en
cualquier disciplina o área de las artes, ya que
todas las artes tienen un denominador común,
transmitir emociones y sentimientos.
Carlos Candia
Carlos Candia

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Fotografía Creativa Sensualidad y Erotismo Femenino

Una foto no solo debe ser el

Lograr una fotografía que despierte la atención del

Como el tema que nos

SENSUALIDAD: Es la manera de atraer

EROTISMO: Es la manera de excitar

A pesar de que la línea divisoria entre estos dos géneros es

para denominarlo más correctamente, el mensaje corporal

Si nos fijamos bien, está presente aun en la promoción de

Obviamente con relación a los hombres estaría demás

sensual femenina, atrae su atención. Esto lo saben

Como vemos TITULO es la referencia o etiqueta de la foto.

Pero antes de ingresar de lleno al siguiente punto, es

Cazar o crear imágenes?

Por el contrario, en este caso, no solo mostramos una linda

cómo crearla, desde su planificación hasta la manera de

foto es un momento real detenido en la vida de esa

Es claro percibir cuando un fotógrafo no sabe qué hacer

Tengamos esto en cuenta...!

El fotógrafo que tiene claro lo que busca, sabe cómo

Ya definido claramente EL TEMA, debemos abocarnos a

O si por el contrario seleccionamos estos elementos para

Quien piense que una buena foto se hace en un instante está

Tampoco debemos suponer que se puede controlar todos

Mensaje Cerrado o Mensaje Abierto

Cerrado es el que no deja nada librado a la imaginación del

Por el contrario en el Abierto, se trata de dejar la mayor

“Un afiche debe ser un grito pegado a la pared”

importantísimo y esencial que será el encargado de captar

En el caso de esta foto, el Impacto Visual es nulo, la foto

Por el contrario, en esta foto, el alto contraste y los brillos,

imagen, para así poder encontrar las formas y los recursos

Luego, cuando la miramos a través del visor, seguimos

El elemento principal, en este caso la modelo, casi no se

Hechas las correcciones de encuadre, la modelo se ve

desentonan con el mensaje. Es por eso que al desarrollar

Significado de las Formas

Ahora veamos cómo cada forma y cada línea transmiten

Podemos tomar como ejemplo estas figuras básicas:

Los oscuros de cualquier forma

Los elementos grandes y claros de cualquier forma dan

Los expansivos Fuerza, estallido,

Las formas circulas las regulares

Las triangulares regulares y en

Los triángulos isósceles o

Cuando el vértice apunta hacia la

Los rectángulos verticales,

El Lenguaje de las líneas

Líneas rectas horizontales

Desplazamientos dentro de la imagen

Al decir “desplazamiento dentro de la imagen” me refiero a

Inferior derecho a superior izquierdo

Superior izquierdo a inferior derecho

Cuantas más gruesas o llamativas sean estas formas, más

Esquema Básico de Composición Visual

Zonas Divinas Punto Áureo

Es importante recalcar que este desplazamiento de la vista

Básicamente existen dos tipos de composiciones básicas, la

La otra es con elementos de escenografía o sobre una

El Equilibrio Visual en la figura Humana

Veamos cómo trabajan estas formas, fuerzas,

Simetría en un rectángulo vertical

Transmite: rigidez, dureza, quietud, mayor peso, firmeza,