Historia de las Artes Visuales II

Año 2017
Grupo 2doA Historia
Prof: Marcel Suárez

Segundo Parcial
“América y Europa haciendo arte en espejo”

Alejandra Bernales 5.016.921-6

 FICHAS TÉCNICAS

Nombre de la Obra
Capilla Pazzi
Nombre del Autor
Filippo Brunelleschi (1377-1446)

Estilo o tendencia
Arquitectura Renacentista
Técnica La planta es de cruz griega con una cúpula central, pórtico exterior y
altar. En su interior existe un eje longitudinal que marca el camino
hacia el altar. Brunelleschi al diseñar la planta empleó módulos
matemáticos y fórmulas geométricas consiguiendo así una planta
simétrica, armónica y proporcionada.
Así mismo la cúpula principal se encuentra exactamente en el
centro de la planta. El pórtico y el área en donde se encuentra el
altar tienen las mismas dimensiones, así mismo sus respectivas
cúpulas.
La fachada está compuesta por un pórtico de cinco tramos entre
seis columnas de orden compuesto y fuste liso.
Daros tomados de: http://www.arqhys.com/construccion/capilla-
pazzi.html

Materiales
Dimensiones El tamaño de la capilla está en función del hombre y ya no de Dios.
Brunelleschi tuvo que adaptarse a un espacio muy pequeño.

Año Inicio en 1429

Descripción Se encuentra en Florencia, Italia; dentro del claustro de la basílica

de Santa Croce. Fue encargada por la Familia Pazzi como capilla
funeraria.
Última obra de Filippo Brunelleschi, quien murió antes de que la
capilla fuese terminada
Imagen
Nombre de la Villa Rotonda, o Villa Capra
Obra Cerca de Vicenza
Nombre del Autor Andrea Palladio
Estilo o tendencia Arquitectura Manierista
Tecnica Utilizó elementos del templo romano para diseñar cuatro fachadas
idénticas orientadas a los cuatro puntos cardinales, uno de esos elementos
es el elevado basamento, que posee escalinatas pronunciadas que dan
acceso a las cuatro entradas del edificio. Otro elemento clásico son los
pórticos, en este caso hexástilos y de orden jónico, con sus entablamentos
y frontones. Las estatuas son utilizadas como acabados que dan
sensibilidad contemporánea a los elementos religiosos usados para
ensalzar la vida en el campo.
Tiene planta centralizada, organizada a partir de una gran sala circular
central –de ahí el nombre de rotonda-cubierta por una cúpula, esta
habitación resulta oscura ya que su única luz proviene del pequeño óculo
del centro de la cúpula y de la luz de los cuatro corredores que convergen
en ella, rodeada de habitaciones rectangulares que conforman un
cuadrado. Destaca su concepción simétrica por lo que los cuatro pórticos
salientes le confieren el aspecto de cruz griega.
Materiales Ladrillo estucado y piedra fueron utilizados para la mayor parte de la
construcción.
Las villas de Palladio se construyeron con obra de ladrillo revestida de
estuco, la mayor parte de los elementos, incluidas columnas, eran de ese
material. La piedra se reservaba para los detalles más refinados, como
basas y capiteles de las columnas y marcos o guarniciones de huecos.
Usó suelos de estuco en Villa Rotonda. Las superficies estucadas gustaron
a aquellos venecianos tan amantes del color, que lo cambiaban a voluntad.
En las villas palladianas y casas venecianas se ve gran cantidad de
superposiciones de estucados.
Dimensiones
Año Fue edificada en el año 1566, en un paisaje ideal, construida como
mansión de un funcionario del Vaticano, llamado Paolo Almerico, que
después de ejercer una serie de cargos al servicio de Pío IV y Pío V
Descripción Villa italiana del siglo XVI
Posee cuatro lados idénticos, cada uno de los cuales tiene un pórtico a la
manera de una fachada de un templo, agrupados en torno a un espacio
central que recuerda el panteón romano.
Imagen
Nombre de la Plaza de San Pedro
Obra
Nombre del Autor Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)

Estilo o tendencia Arquitectura Barroca

Tecnica En la primera mitad del siglo XVII Bernini intenta delimitar la cúpula
con dos campanarios, para dar una presentación mejor al edificio
con un acceso de poca longitud y fuerte profundidad. Pero esto se
vio interrumpido por problemas estructurales, que le impide proceder
con la construcción. De ahí que empiece a buscar una solución para
la basílica que implique toda la plaza.
Materiales
Dimensiones 320 metros de longitud y 240 metros de anchura
Año La construcción de la plaza se llevó a cabo entre 1656 y 1667

Descripción La plaza de San Pedro (Piazza San Pietro, en italiano) es un espacio

urbano abierto que se encuentra situado en la Ciudad del Vaticano,
dentro de la ciudad de Roma
Lo más impresionante de la plaza, además de su tamaño, son las
284 columnas y 88 pilastras que bordean la plaza en un pórtico de
cuatro filas. En lo alto de las columnas hay 140 estatuas de santos
realizadas en 1670 por los discípulos de Bernini.
En el centro de la plaza destaca el obelisco y las dos fuentes, una de
Bernini (1675) y otra de Maderno (1614). El obelisco de 25 metros de
alto
En el extremo oeste de la plaza se encuentra la Basílica de San
Pedro. En el extremo oeste se encuentra la salida hacia la Via della
Conciliazione que lleva al Castillo Sant’Angelo y al Río Tiber.

Imagen
Nombre de la Basílica Nuestra Señora del Carmen
Obra
Nombre del Autor La fachada original fue en parte demolida a causa del ensanche de
Avda. Agraciada (hoy Avda. Libertador) en 1935 y remplazada por la
actual, de formas clásicas y armónicas, proyectadas por los
Arquitectos Elzeario Boix y Horacio Terra Arocena. Desaparecido el
porche, las puertas quedaron en el plano frontal.
Estilo o tendencia Arquitectura América colonial

Tecnica Presenta una planta de tipo basilical, con tres naves de igual altura,
alterando así el estilo jesuítico, estando las laterales divididas en dos
pisos, característico de las basílicas paleocristianas. El crucero es
coronado por una cúpula de acentuado peralte sobre tambor
cilíndrico. El majestuoso altar mayor procede de los Talleres de
Lavagna (Génova - Italia) dedicado a Nuestra Señora del Carmen.
Materiales Mármol verde polcevedra de Italia, rosso vivo de los Pirineos,
diaspro de Sicilia, mármol de Carrara, lapislázuli y ónix y bronce.
Dimensiones
Año Sus orígenes se remontan a los tiempos de la dominación española
donde se erigió por suscripción pública un pequeño oratorio.
La primera Capilla, ubicada en lo que hoy es la intersección de las
Avenidas Libertador y Rondeau, fue mandada demoler en 1750,
junto con las casas circundantes, por hallarse en extramuros dentro
del tiro de cañón.
La segunda Capilla fue inaugurada en 1821, bajo la dominación
portuguesa.
Descripción La Basílica Nuestra Señora del Carmen es un santuario de la iglesia
católica, dedicado a la virgen María en su advocación de Santa
María del Monte Carmelo. Está ubicada en el barrio La Aguada de
Montevideo, Uruguay.
Imagen
Nombre de la Obra Sagrada Trinidad, con la Virgen, San Juan y donantes

Nombre del Autor Masaccio (1401-1428)

Estilo o tendencia Pintura Primer Renacimiento
Tecnica Fresco

Materiales

Dimensiones Unas fuentes dan como altura 667 centímetros y otros 680,
siendo la anchura de 317 cm.

Año Las opiniones sobre la datación del fresco varían entre

1425 y 1428.

Descripción
Ubicada Santa Maria Novella, Florencia
La pintura representa el dogma de la Trinidad, en en el
marco de una capilla inspirada en los arcos de triunfo
romanos, con una bóveda de medio cañón dividida en
casetones y sostenida por columnas jónicas, flanqueadas a
su vez por pilastras que sostienen un entablamento.

Imagen
Nombre de la El descendimiento de la cruz
Obra
Nombre del Autor Pontormo (1494-1557)

Estilo o tendencia Pintura Manierismo

Tecnica Óleo sobre madera

Materiales
Dimensiones Tiene unas dimensiones de 3,13 metros de alto por 1,92 m de ancho

Año 1525-29

Descripción Se encuentra en la capilla Capponi de la Iglesia de Santa Felicita de

Florencia, Italia.
La pintura plasma un momento que, tradicionalmente, se ha
considerado que es el de la deposición de la cruz, aunque no hay
ningún signo externo que lo evidencia: no hay referencias al
Gólgota, ni aparece la cruz. No puede ser un entierro de Cristo,
pues faltaría el sepulcro. Ni una Piedad, ya que no se observa una
relación inmediata entre la Virgen y Cristo.
Las figuras tienen formas duramente modeladas y están unidas por
una línea serpentinata. Destaca en Pontormo el colorido. Es el
manierista de colores más suaves, como el azul claro o el rosa
pálido, pero los utiliza brillantes, en contraste unos con otros: el rosa
y el amarillo o amarillo anaranjado, el naranja y el verde, los violetas
muy claros sobre un fondo añil

Imagen
Nombre de la Obra Piedad

Nombre del Autor Annibale Carracci (1560-1609)

Estilo o tendencia Pintura Barroca

Tecnica Oleo sobre lienzo

Materiales

Dimensiones 156 cm por un 149 cm.

Año 1599-1600

Descripción Se la puede encontrar en el Museo de Capodimonte, Nápoles. La

Piedad de Caracci. Fue pintado en 1599-1600, en pleno barroco
italiano italiano. Cristo parece estar dormido, al contrario de los
manieristas, buscó la sencillez y la belleza. Este cuadro armónico
y con una composición tan sencilla como cualquier pintura
renacentista
Era un cuadro pensado para estar en un altar por loque su
objetivo era despertar la piedad y la devoción, de ahí esa
utilización de la luz.

Imagen
Nombre de la Obra VIRGEN CON JESÚS EN SUS BRAZOS

Nombre del Autor Pintura cuzqueña

Estilo o tendencia Pintura-América Colonial

Tecnica Oleo sobre lienzo

Materiales

Dimensiones
Año 1659 aproximadamente

Descripción La pintura de la escuela Cuzqueña muestra su visión del mundo y

el individuo como una unidad, en donde lo mas importante era
"alma grupal". El indígena no tenia sentimiento individual, como
se había desarrollado en Europa desde el Renacimiento, sino
que pertenecía a una sociedad gregaria.

Para ello en las representaciones pictóricas no predomina la

figura, sobre lo que le rodea, y se muestra generalmente plana,
hierática y en un entorno sin perspectiva, como las pintura
bizantinas o románicas
La figura de la Virgen fue muy importante en toda la pintura
Virreynal.
A partir del siglo XVII, aparecen de forma masiva en casas,
templos y conventos.
Son característicos los mantos en forma triangular, los adornos
de oro, joyas y ricas telas.
Sus poses son hieráticas y sus volúmenes planos lo que
recuerda la grandeza casi sobrenatural, de la pintura bizantina.

Tomado
de:http://josejuancalo.blogspot.com.uy/2011/03/exposicion-
pintura-colonial.html
Imagen
Nombre de la Obra La Piedad del Vaticano o Pietà

Nombre del Autor Miguel Ángel (1475-1564)

Estilo o tendencia Escultura Renacentista

Tecnica
Materiales Mármol

Dimensiones 1.74 m x 1.95 m

Año 1498 y 1499

Descripción Esta obra es de bulto redondo, lo que significa que se puede ver
desde todos los ángulos, pero el punto de vista preferente es el
frontal.

La Virgen María, joven, bella y piadosa, cuyas vestiduras se

expanden con numerosos pliegues, sostiene a Cristo muerto y
que, intencionadamente, aparenta mayor edad que la madre, en
una composición triangular sosegada y llena de ternura.
La juventud de la Virgen María es muestra del idealismo
renacentista: se trata de representar el ideal de belleza y
juventud, una madre eternamente joven y bella.
La obra fue encargada por el cardenal de san Dionisio Jean
Bilhères de Lagraulas o de Villiers, benedictino, embajador del
monarca francés ante la Santa Sede, al que el autor conoció en
Roma.

Imagen
Nombre de la Obra Tumba de Miguel Ángel Buonarroti

Nombre del Autor Proyecto y Piedad (pintada al fresco): Giorgio Vasari

Ejecución de la obra, Escultura izq. (Pintura) y
busto de Miguel Ángel: Giovanni Battista Lorenzi
Estatua del centro (Escultura): Valerio Cioli
Escultura dcha. (Arquitectura): Giovanni dell'Opera

Estilo o tendencia Escultura Manierismo

Tecnica
Materiales Mármol y Pinturas al Fresco

Dimensiones
Año 1564-70

Descripción Se encuentra en la 1ª Capilla de la nave lateral derecha

de la Iglesia de Santa Croce (Florencia, ITA)
La Tumba de Miguel Ángel Buonarroti es obra de Vasari (1570)
Se encuentra al principio de la nave derecha de la iglesia de
Santa Cruz, cerca de la puerta principal de la Basílica.
Sobre el sepulcro hay tres esculturas que representan la
personificación de Pintura, Escultura y Arquitectura, entristecidos
por la muerte del gran maestro, pero el conjunto de la tumba es
una mezcla de pintura, escultura y arquitectura.
El 14 de julio de 1564, después de varios aplazamientos, se
celebró en la iglesia de San Lorenzo el funeral de Miguel Ángel,
después de la ceremonia, el cuerpo del gran artista fue
finalmente colocado en su tumba en Santa Croce, donde aún
descansa.
Imagen
Nombre de la Obra El éxtasis de santa Teresa

Nombre del Autor Gian Lorenzo Bernini (1598- 1680)

Estilo o tendencia Escultura Barroca

Tecnica
Materiales Mármol
Dimensiones 350 cm de altura

Año 1645-1652

Descripción Puede ser ubicada en la capilla Cornar, Iglesia de Santa Maria

della Vittoria, Roma.
Santa Teresa aparece acostada, flotando suspendida en una nube
que se funde con su ropaje de extraordinarios pliegues.
Dichos pliegues transmiten el desmayo y el cuerpo sensual que se
oculta debajo, a pesar que solo podemos ver la cara, las manos y
los pies descalzos de Teresa. Con la boca entreabierta y los ojos
entrecerrados dan una expresión de sumisión y entrega total.
El ángel, que esta flotando sobre el cuerpo de la santa, esta a
punto de clavar el dardo amoroso en su corazón y la contempla
con la cabeza ladeada con una expresión de dicha y ternura.
Detras de la figura se encuentra como un telón de fondo, los rayos
de luz divina hechos en bronce dorado sobre los cuales hay una
ventana que filtra la luz exterior y los ilumina en un efecto de
difuminado que realza la divinidad del acto amoroso.
Tanto las proporciones anatómicas y las posturas, como los
pliegues de los ropajes son de una gran realismo y naturalidad y
están tratados con un admirable perfección técnica.
Imagen
Nombre de la Obra La Sábana Santa – Caspicara

Nombre del Autor Escultor ecuatoriano del siglo XVlI. Manuel Chilli, más
conocido por Caspicara, trabajó en Quito, en cuya ciudad y
durante los Siglos XVII y XVIII los talleres de artistas fueron el
filón que nutrió de escultura a América del Sur. Allí se formó
Caspicara, indio de origen. Caspicara transmitió a su
escultura, de una manera directa y cabal, toda la devoción y el
sentimiento religioso de los hombres de su tiempo.

Estilo o tendencia Escultura América colonial

Tecnica Ésta escultura es un claro ejemplo de cómo se manejaba la

técnica de encarnado, ya que claramente podemos observar
simulación del color de la carne del cuerpo humano, así
también la sangre, los moretones y golpes que tiene Jesús
por su cuerpo.
Tomado de: http://nellypescultura.blogspot.com.uy/2011/04/el-
barroco-en-el-continente-americano.html
Materiales Madera policromada
Dimensiones
Año s. XVII
Descripción La primera idea que obtengo al observar esta obra, es el
sufrimiento de Jesús el cual cae rendido en las piernas de
María, la cual tiene un rostro de dolor, angustia y
desconsuelo, al ver a su hijo morir. Es una obra que muestra
en la cual podemos observar los elementos representativos
de las esculturas de la Escuela quiteña.
Los temas de la escultura de Caspicara, eran siempre
religiosos y su técnica, la talla en madera, policromada, le
convierten en un seguidor notable de la más castiza tradición
imaginaria hispánica trasplantada a América.
En la obra la Sábana Santa, se puede observar claramente lo
que el artista quería expresar, que es el sufrimiento y el dolor
que se puede observar que tiene por las varias heridas que
tiene en su cuerpo.
Imagen
Para comenzar con el siguiente trabajo, se debe aclarar que consistirá en una selección y
análisis comparado de obras de distintos momentos y lugares con respecto a arquitectura,
pintura y escultura de tres estilos bien diferenciados: el Renacimiento, el Manierismo, el
Barroco y el arte colonial en este caso hispanoaméricano.
El lapso temporal que determina el estudio, abarca los siglos XV, XVI, XVII y XVIII
apróximadamente.

Estas obras fueron brevemente presentadas en las páginas anteriores. La selección de

pinturas y esculturas tienen que ver con la representación del cuerpo humano, algunas de
ellas -he tratado de encontrar una temática semejante- tiene que ver con el cuerpo de
jesucristo. Como por ejemplo a través de la represetnación de éste crucificado, en el
descendimiento de la cruz, o representado a través de la piedad.
En el caso de la escultura en el manierismo elegí la obra de Vasari, a través de la tumba de
Miguel Ángel para hacer el foco en el tratamiento del cuerpo humano, visualizando la
expresión de tristeza en la representación de las Artes: escultura; arquitectura y pintura. Así
como también la expresión del rostro en la obra El Éxtasis de Santa Teresa.
Esta temática relacionándola con la América Colonial, he seleccionado una escultura
realizada en Quito por Manuel Chilli, más conocido por Caspicara, donde se lo ve a
Jesucristo ensangrentado, y con heridas, luego de ser descendido de la cruz.

En relación a la arquitectura he seleccionado obras relacionadolas al aspecto religioso, asi

como son la capilla, la basílica, como representación del gigantismo en el barroco la plaza de
San Pedro, y la villa Capra o Rotonda italiana que fue construida con elementos
característicos del templo romano.
En la Villa Capra, en la plaza de San Pedro y en la Basílica de Nuestra señora del Carmen
he notado que poseen figuras santas en su techo o punto mas alto.

Ahora bien, pasaré a la explicación de algunos conceptos e ideas, así como también a la
contextualización de cada obra seleccionada.

Peter Burke, en su libro ‘’El Renacimiento’’ determina que el Renacimiento como tal
no fue un período, si no más bien un movimiento, respecto a ello, el autor dice: ‘’En este
ensayo hemos definido el renacimiento de una manera más restringida que la de Burckhardt
(...) lo hemos considerado un <<movimiento>> y no un período’’(p.97) 1

Para este historiador, los renacimientos no representan una ruptura total respecto a la Edad
Media, pues si bien es verdad que se integran elementos de la antigüedad, algunos
elementos de la tradición del medioevo siguen presentes, es aquí cuando se ve cierta
presencia de las llamadas rupturas y continuidades, donde se rompe con algunos elementos
propios de los siglo recientes y se retoman aspecto de culturas más antiguas, pero a su vez
se continúan algunas tradiciones culturales de esos siglos precedentes.
A pesar de todo, el autor plantea que si bien es necesario concebir al Renacimiento de forma
plural, es prácticamente imposible estudiar tales movimientos si no partimos de la región de
la actual Italia, ello se ve reflejado cuando dice: ‘’Pese a la necesidad de revisar la versión
comúnmente aceptada del Renacimiento, que presenta a Italia como activa y creativa y al
resto de Europa como pasiva e imitativa, resulta ineludible empezar por Italia.’’ (p.15) 2

1 BURKE,P. ‘’El Renacimiento’’

2 Idem
El término Renacimiento significa volver a nacer o instaurar de nuevo, y la idea de semejante
renacimiento comenzó a ganar terreno -asegura Gombrich- en Italia desde la época de
Giotto. Este último fue exaltado, como un maestro que condujo al arte a su verdadero
renacer, lo que se quiso decir es que su arte fue tan bueno como el de los antiguos griegos y
Romanos.
Este renacer también tenía que ver con la búsqueda de la recuperación de la grandeza de
Roma, ya que ésta había sido capital del imperio romano de occidente.

Aquí cabe hacer referencia a la siguiente cita:

“Los italianos del siglo XIV creían que el arte, la ciencia y la cultura habían florecido en la
época clásica, que todas esas cosas habían sido destruidas por los bárbaros del norte y que
a ellos les correspondía reavivar el glorioso pasado trayéndolo a una nueva época” (p. 224) 3
Este Renacimiento artístico podríamos situarlo entre los años 1400 al 1530.
Pero hay que tener en cuenta que este período estuvo impregnado de diversos cambios, no
solo en el ámbito de las artes sino en pleno desarrollo del mercantilismo, ascenso de la
burguesía, el nacimiento de los primeros estados nacionales, reformas religiosas, revolucion
científica y el antropocentrismo, estas multicausales hacen que se genere lo que se conoce
como europeización del mundo.

El Renacimiento se distinguía por presentar las siguientes manifestaciones: por el nacimiento

del Estado como una obra de arte, como una creación calculada y consciente que busca su
propio interés; por el descubrimiento del arte, de la literatura, de la filosofía de la Antigüedad;
por el descubrimiento del mundo y del hombre, por el hallazgo del individualismo, por la
estética de la naturaleza; por el pleno desarrollo de la personalidad, de la libertad individual y
de la autonomía moral basada en un alto concepto de la dignidad humana. 4

En Florencia fue donde en las primeras décadas del siglo XV, se formó un grupo de artistas
que empezaron a diseñar un nuevo concepto de arte, rompiendo con algunas ideas del
medioevo. Es aquí donde se destaca el autor de la primera obra seleccionada Filippo
Brunelleschi (1377-1446) quien además estuvo a cargo de finalizar la catedral de Florencia.
Lo que se propuso fue lograr un nuevo modo de construcción, en el cual las formas se
empleasen libremente con la finalidad de crear nuevas modalidades que representen la
belleza y la armonía. Lo que sigue siendo mas sorprendente -afirma Gombrich- en lo
conseguido por Brunelleschi es que realmente logró imponer su programa durante casi cinco
siglos en los arquitectos de Europa y de América. Es aquí donde podemos hacer la
comparación con la baspilica de Nuestra señora del Carmen en
Montevideo, Uruguay donde se visualizan formas clásicas como
columnas y fachadas.
La obra que seleccioné de Brunelleschi fue la Capilla de Pazzi,
lleva el nombre de la familia que la encargó, está ubicada en
Florencia. El autor de la obra combinó columnas, pilastras y arcos
para conseguir un aspecto de levedad. Cuando se ingresa a la
Iglesia, se diferencia bien con el estilo gótico ya que no tiene ni
pilares, ni grandes ventanales.
Brunelleschi no sólo fue el iniciador de la arquitectura del
Renacimiento. Se cree que a él se le debe el descubrimiento de
la perspectiva.
3 Gombrich. E. La hisitoria del Arte. Phaidon, 2012.
4 http://www.artehistoria.com/v2/contextos/1847.htm
La pintura renacentista que seleccioné tiene que ver con la
representación de la perspectiva de acuerdo con reglas matemáticas.
Se trata de una pintura mural de una iglesia florentina la cual representa
a la Santísima Trinidad con la Virgen, y san Juan bajo la cruz, y los
donantes un anciano mercader y su esposa arrodillados. El autor de
esta obra fue Masaccio (1401-1428).
Afirma Gombrich: “Podemos imaginarnos la sorpresa de los florentinos
al descubrirse esta pintura mural, como si fuera un agujero en el muro a
través del cual pudieran ver una nueva capilla en el moderno estilo de
Brunelleschi. Pero quizá quedaron más asombrados todavía ante la
simplicidad y la magnitud de las figuras encuadradas por esta nueva
arquitectura”. (p. 229)5
En escultura renacentista podemos ver a la
Piedad de Miguel Ángel donde vemos que
se caracteriza por la exaltación de la figura
humana, y el cuerpo desnudo es concebido
como la suma belleza. Cuando se le
preguntó al maestro porqué había representado a la Virgen tan
joven, éste contestó« Las personas enamoradas de Dios no
envejecen nunca. La Madre tenía que ser joven, más joven que
el Hijo, para demostrarse eternamente Virgen; mientras que el
Hijo, incorporado a nuestra naturaleza humana, debía aparecer
como otro hombre cualquiera en sus despojos mortales. », Miguel Ángel Buonarroti 6

Una Piedad es una « representación en pintura o escultura del dolor

de la Virgen María al sostener el cadáver de Jesucristo descendido de
la cruz ». Sin embargo, Miguel Ángel nos muestra en esta obra una
belleza completamente neoplatónica; no existe en ambas figuras
ningún tipo de dolor o sufrimiento.

Por lo tanto se puede decir que existen tres aportaciones mas

importantes de los italianos renacentistas: el descubrimiento de la
perspectiva matemática, el conocimiento de la anatomía científica es
decir la representación perfecta del cuerpo humano y, la vuelta a la
utilización de las formas clásicas en arquitectura.

En cuanto al segundo estilo conocido como Manierismo hace referencia al periodo de tiempo
que se sitúa en las décadas centrales y finales del siglo XVI, también conocido como
Cinquecento en italiano. Abarcando la última parte del período renacentista.
El concepto de maniera se tomó de la literatura de costumbres y había sido originariamente
una cualidad del comportamiento humano. Aquella maniera significaba poseer un saber
hacer, es decir, una habilidad natural que no implicase ningún esfuerzo, pero que se
desarrollara con refinamiento.
El Manierismo fue un estilo esencialmente italiano, y siempre que lo encontramos fuera de
Italia representa la adopción de modelos italianos. El estilo nació en Roma hacia 1520, se
5 Gombrich. E. La hisitoria del Arte. Phaidon, 2012.
6 http://www.jmhdezhdez.com/2015/03/la-piedad-miguel-angel-escultura.html
propagó por el centro de la península.
La obra arquitectónica que seleccione fue la Villa Rotonda, obra de Andrea Palladio alrededor
del 1550.
El mayor y más culto de esos arquitectos fue -dice Gombrich- Andrea Palladio (1508-1580) la
creación trata de un “capricho” ya que posee cuatro lados idénticos, cada uno de los cuales
tiene un pórtico a la manera de la fachada de un templo, agrupados en torno a un espacio
central que recuerda el Panteón romano.
Su nombre, Rotonda (redonda), deriva de su planta, un círculo perfecto dentro de un
cuadrado, formando una composición totalmente simétrica, con un pórtico tradicional de
templo delante de cada fachada.
La obra se sitúa en la época del cinquecento italiano, cuando el poder eclesiástico decide
tomar el control de las artes, con el cambio de capitalidad de esta disciplina de Florencia a
Roma, lugar de concentración de la máxima autoridad religiosa terrenal, como hecho más
significativo.
Esta Villa en comparación con las demás obras arquitectónicas seleccionadas, conserva el
aspecto antiguo desde la implmentación del uso de columnas jónicas, además de la
escalinata.
También otro punto de similitud son las esculturas en su techo haciendo referencia a
santidades, así como también lo tiene la plaza de San Pedro como arquitectura barroca y
simbólo de gigantismo, como también la facha y cima de la basilica de Nuestra Señora del
Carmen. Este es el punto de similut que encuentro entre las diversas obras arquitectónicas
seleccionadas.

Pasando a la pintura manierista seleccionada el Descendimiento de la cruz de Pontormo

El Descendimiento de Cristo es una de las obras más innovadoras del
Cinquecento, introduciendo Pontormo diferentes elementos
típicamente manieristas. La simetría de las obras quattrocentistas se
rompe para dejar paso a una composición ambigua, en la que
desaparecen las referencias arquitectónicas y la perspectiva
tradicional para ubicar a los personajes en un impactante primer
plano, invitando al espectador a participar en la escena. La figura de
Cristo preside el conjunto, en una postura tremendamente escorzada
que tiene su continuidad en los jóvenes que portan el pesado cuerpo.
En un segundo plano se sitúan las sagradas mujeres, disponiéndose
en un esquema piramidal que se cierra con la mujer de la línea
central. Sus rostros llaman nuestra atención, desarrollando al máximo
la expresividad de los gestos, creando una escena cargada de
teatralidad. El empleo de una luz fría transforma los colores que se
convierten en irreales.7

La escultura manierista que seleccioné fue la Tumba de Miguel Ángel Buonarroti, hecha por
varios artistas, aunque el proyecto estuvo en manos de Vasari. Las tres estatuas alegóricas
que se sitúan bajo el busto de Miguel Ángel representan por tanto a las tres Bellas Artespor
excelencia, como son la Pintura, la Escultura y la Arquitectura. El propio sepulcro en sí
mismo ya representa a las tres bellas artes: los frescos a la pintura, las estatuas a la
escultura, y la fachada que sirve de fondo a la arquitectura. Estas tres bellas artes hacen
clara alusión al carácter multidisciplinar del gran maestro del Renacimiento Italiano(escultor,

7 http://www.artehistoria.com/v2/obras/13040.htm
pintor, arquitecto, etc.), autor de La Piedad o El David (escultura), los Frescos de la Capilla
Sixtina(pintura) o la Cúpula de San Pedro del Vaticano (arquitectura). Es también muy
importante señalar que las cuatro estatuas, —el busto de Miguel Ángel y las tres alegorías—,
fueron esculpidas a tamaño natural.
Como lo dije antes, en esta obra escultótica me centre en lo
importante en la expresividad de las tres bellas artes, en sejanza a
como se pintaban y representaban las expresiones exaltadas, en
este caso de tristeza por la muerte de Miguel Angel.
Lo que nos hace más cercanos a estas obras, ya que vemos
reflejadas las expresiones que cada uno de nosotros puede sentir.
Así como vemos contnuar esta representación en la obra que
seleccioné para la escultura barroca, El extasis de santa Teresa de
Bernini, donde expresa la felicidad o plenitud.

Pasando a la época del Barroco, como dice Wolfflin en su obra

Renacimiento y Barroco, se ha tomado la costumbre de entender
bajo el nombre de Barroco al estilo al que desemboca la
disolución del Renacimiento o en el que degenera. Esta
transformación estilística reviste en el arte italiano una
significación escencialmente diferente de la que existe en el
norte. Lo interesente del proceso, que se puede observar en
Italia, reside en el paso de un arte riguroso a un arte libre y
pintoresco, de una forma estricta a una ausencia de forma.
Este estilo puede decirse que se dió en Europa y también en
América aunque con variaciones durante los siglos XVI y XVII.
Este período de tiempo coincide con la contrarreforma católica, consolidacion de la
monarquía absoluta, triunfo del método experimental y del racionalismo, así como también
los avances revolucionarios de la ciencia.
Precisamente en el arte, el Barroco reaccionó frente a las normas clásicas seguidas por el
Renacimiento, y exaltó el realismo, así como también el poder de la Iglesia al adoptar como
caracteristicas principales el dinamismo y la complejidad en las formas, la exageración
epresiva, la gradiosidad y la acumulación de elementos.
Como ejemplo de grandiosidad seleccioné la plaza de San Pedro. Esta es una de las plazas
más grandes del mundo. Se encuentra situada en El Vaticano, a los pies de la Basílica de
San Pedro.
Las dimensiones de la plaza son espectaculares: 320 metros de longitud y 240 metros de
anchura. En las liturgias y acontecimientos más destacados la Plaza de San Pedro ha
llegado a albergar más de 300.000 personas.
La construcción de la plaza se llevó a cabo entre 1656 y 1667 de la mano de Bernini, con el
apoyo del papa Alejando VII. 8
8 https://www.disfrutaroma.com/plaza-san-pedro
Lo más impresionante de la plaza, además de su tamaño,
son las 284 columnas y 88 pilastras que bordean la plaza
en un pórtico de cuatro filas. En lo alto de las columnas
hay 140 estatuas de santosrealizadas en 1670 por los
discípulos de Bernini.
En el centro de la plaza destaca el obelisco y las dos
fuentes, una de Bernini (1675) y otra de Maderno (1614).
El obelisco, de 25 metros de alto, fue llevado a Roma
desde Egipto en 1586. Este es un ejemplo de gigantismo y majestuosidad del poder de la
Iglesia.
Y para concluir con el Barroco seleccione la pintura de Annibale Carracci (1560- 1609), la
Piedad, realizada en torno al 1599 y 1600. Al parecer dice Gombrich
tanto este artista como Caravaggio (1573-1610), parecían cansados
del manierismo, pero el modo en que cada uno lo superó fue de
manera distinta. Carracci pertenecía a una familia de pintores que
habían estudiado el arte de Venecia y de Correggio. Este autor tuvo
demasiado cuidado en no hacernos pensar en los horrores de la
muerte y en las agonías del dolor. El cuadro es sencillo, y armónico
en su composición como el de cualquier pintor renacentista, afirma
Gombrich.
La forma en hacer caer la luz sobre el cuerpo del Cristo, es su manera de provocar nuestras
emociones, es distinta por completo, es Barroca.

El propósito de este trabajo como lo dice el título es hacer un trabajo espejo incluyendo tanto
a Europa como a la América Colonial. Para la representación de esta he seleccionado tres
obras que siguen la linea de mis temáticas: la arquitectura representada en la Basilica de
Nuestra Señora del Carmen obra realizada durante el período colonial del que sería
posteriormente Uruguay. Como simbolo de Barroco en la implementación de representación
de columnas, la ruptura del equilibrio clasicista.
La pintura seleccionada corresponde a la escuela cuzqueña,
aunque no se sabe su creador, llamada la Virgen con Jesus
en sus Brazos, hecha en la época colonial más precisamente
en el siglo XVII. Una forma de representación américana de la
Piedad.
Se sabe que en 1659 aproximadamente es cuando realmente
se constituye una verdadera escuela cuzqueña. Dos hechos
favorecieron este impulso, por un lado el terremoto de 1650,
que obligó a la reconstrucción de toda la ciudad, y por otra la
presencia del Obispo don Manuel de Mollinedo y Angulo, que
gobernó la diócesis de 1637 hasta finales del siglo, y que
sustentó el crecimiento de las artes. Entre los temas más
destacados figuran las Virgenes y los Arcángeles. Una figura
importante fue la Trinidad, que pervivió en la pintura colonial, aún después de ser
considerada como herética por el concilio de Trento, ya que las autoridades eclesiásticas
locales consideraban que la imagen expresaba mejor el sentido. 9
Y por último como representativo de la escultura colonial américana seleccioné la obra del
autor conocido como Caspicara, La Sábana Santa. Catedral de Quito (Ecuador) Notable
escultor quiteño nacido entre 1720 y 1725. Fue uno de los artistas más famosos de la época
colonial.
La Escuela Quiteña, es como se ha llamado al conjunto de manifestaciones artísticas y de
artistas que se desarrolló en el territorio de la Real Audiencia de Quito, desde Pasto y
Popayán por el norte hasta Piura y Cajamarca por el sur, durante el período colonial
(segunda mitad del S. XVI, XVII, XVIII y primer cuarto del S. XIX); es decir durante la
dominación española (1542-1824).
También se la considera como una forma de producción artística y fue una de las actividades
más importantes desde el punto de vista económico en la Real Audiencia de Quito.
Se considera que su origen es la escuela de Artes y Oficios, fundada en 1552 por el
sacerdote franciscano Jodoco Ricke, quien junto a Fray Pedro Gosseal transforma el colegio
San Andrés, en el lugar donde se forman los primeros artistas indígenas.
Como expresión cultural es el resultado de un dilatado proceso de transculturación entre lo
aborigen y lo europeo y es una de las manifestaciones más ricas del mestizaje y del
sincretismo, en el cual aparentemente la participación del indígena vencido es de menor
importancia frente al aporte europeo dominante.
Al observar esta obra, se ve el sufrimiento de Jesús el
cual cae rendido en las piernas de María, la cual tiene un
rostro de dolor, angustia y desconsuelo, al ver a su hijo
morir. Es una obra que muestra los elementos
representativos de las esculturas de la Escuela quiteña.
Ésta escultura es un claro ejemplo de cómo se manejaba
la técnica de encarnado, ya que claramente podemos
observar simulación del color de la carne del cuerpo
humano, así también la sangre, los moretones y golpes
que tiene Jesús por su cuerpo. Por medio de ésta obra se puede ver la trascendencia del
arte espiritual que tenía Caspicara durante la Escuela quiteña. A escultores y pintores
quiteños, como ha Caspicara, no les interesaba que su nombre perdure. Le interesaba que
su obra sea fiel transmisora de la Idea esencial que deseaba mostrar. Así, la obra se
presenta en soporte o base para la meditación espiritual. 10

9 http://josejuancalo.blogspot.com.uy/2011/03/exposicion-pintura-colonial.html
10 http://nellypescultura.blogspot.com.uy/2011/04/el-barroco-en-el-continente-americano.html
Para finalizar y como método de análisis para su mejor visualización pondré una imagen al
lado de la otra para que se note las semejanzas y diferencias, para un ejercicio a la vista,
siempre poniendo en foco el tratamiento del cuerpo humano.

Pinturas de Izquierda a Derecha: Rencentista; Manierista; Barrocon y América Colonial

Esculturas de Izquierda a Derecha: Rencentista; Manierista; Barrocon y América Colonial

Arquitectura de Izquierda a Derecha: Rencentista; Manierista; Barrocon y América Colonial