HISTORIA DEL ROCK AND ROLL

APUNTES DE APOYO ASIGNATURA “ROCK LATINOAMERICANO” -

Profesor: Jaime Atenas S.

ANTECEDES DEL ROCK

WORK SONGS

Los Work Songs (canciones de trabajo) son canciones rítmicas,

generalmente improvisadas, cantadas a capella por los esclavos africanos que
llegaron a Estados Unidos. Éste tipo de canciones fueron uno de los
antecesores del blues; algunas canciones formaban parte de la herencia nativa
de los esclavos y eran cantadas para recordar el hogar de donde provenían,
mientras que otras fueron impuestas por los dueños de los esclavos para
aumentar la moral de los mismos e incluso para hacerles trabajar de una forma
rítmica. Las canciones de los esclavos negros de Estados Unidos pueden
asociarse a las canciones de las Chain ganbnmfryh,kdtg (término asociado al
grupo de convictos encadenados juntos y que realizan una labor física y
repetitiva) o a los espirituales, dependiendo del contexto de la canción.1

En Estados Unidos, las canciones más famosas de esclavos eran

cantadas por los esclavos afro-americanos del sur del país; estas canciones
solían tener un formato de 'llamada y respuesta', en el cual el cantante principal
cantaba un verso, o versos, para que acto seguido el resto de los trabajadores
le respondiera como un coro. Una canción famosa de aquella época
corresponde al espiritual "Swing Low, Sweet Chariot". Frederick Douglass, un
esclavo que logró escapar a New York, comentó en 1845:

A medida que se encaminaban (al trabajo), los esclavos hacían

reverberar los antiguos y densos bosques con sus canciones, en millas a la
redonda, mostrando al unísono la mayor de las alegrías y la más profunda de
las tristezas. Componían y cantaban durante todo el camino, sin tener en
cuenta ni el tiempo ni la entonación. El pensamiento que iba, y venía, si no se
encontraba en la palabra, estaba en el sonido; y, frecuentemente, tanto en uno
como en otro. A veces cantaban el sentimiento más patético con la entonación
más entusiasta y el más entusiasta sentimiento con la entonación más patética.
Cantaban, como un coro, palabras que a muchos les hubieran parecido una
jerga ininteligible, pero que, sin embargo, para ellos estaban cargadas de
significado. He pensado, a veces, que el mero hecho de escuchar esas
canciones impresionaría más a algunas mentes acerca de la horrible condición
de la esclavitud que la lectura de libros enteros de filosofía sobre el tema. 2

La música asociada a la esclavitud en Estados Unidos puede englobarse

en dos categorías principales: espirituales y música secular, consistiendo la
música secular, principalmente, en gritos de campo con el acompañamiento de
instrumentos caseros. A pesar de que los tambores estuvieran prohibidos años
más tarde (por miedo a que los esclavos los utilizaran para comunicarse en
caso de rebelión), los esclavos llegaron a generar percusión, y sonidos de
percusión, utilizando sus propios instrumentos e incluso con sus cuerpos.

EL BLUES

El blues (literalmente en español azules, cuyo significado es tristeza) es

un género musical vocal e instrumental, basado en la utilización de notas de
blues y de un patrón repetitivo, que suele seguir una estructura de doce
compases. Originario de las comunidades afroamericanas de Estados Unidos,
se desarrolló a través de los espirituales, canciones de oración, canciones de
trabajo, rimas inglesas, baladas escocesas e irlandesas narradas y gritos de
campo. La utilización de las notas del blues y la importancia de los patrones de
llamada y respuesta, tanto en la música como en las letras, son indicativos de
la herencia africana-occidental de este género. Un rasgo característico del
blues es el uso extensivo de las técnicas "expresivas" de la guitarra (bend,
vibrato, slide), que posteriormente influirían en solos de estilos como el rock. El
blues influyó en la música popular estadounidense y occidental en general,
llegando a formar parte de géneros musicales como el ragtime, jazz, bluegrass,
rhythm and blues, rock and roll, heavy metal, hip-hop, música country y
canciones pop.

Los instrumentos de cuerda (los preferidos por los esclavos procedentes de las
regiones musulmanas de África), estaban generalmente permitidos ya que los dueños
de los esclavos consideraban que dichos instrumentos se asemejaban a otros
instrumentos europeos, como el violín. Debido a ello, aquellos esclavos que eran
capaces de tocar un banjo, u otro instrumento de cuerda, podían hacerlo con mayor
libertad.

Durante las primeras décadas del siglo XX, la música blues no estaba
claramente definida en términos de progresión de acordes. Había una gran
cantidad de temas blues que utilizaban una estructura de ocho compases,
como How Long Blues, Trouble in Mind, y Key to the Highway del músico Big
Bill Broonzy. También se podían encontrar temas blues con estructura de
dieciséis compases, como en el tema instrumental de Ray Charles Sweet 16
Bars y en el de Herbie Hancock Watermelon Man. También podían encontrarse
estructuras de compases menos frecuentes, como la progresión de nueve
compases del tema de Howlin' Wolf Sitting on Top of the World. El desarrollo
básico de una composición blues de doce compases se refleja en el estándar
de progresión armónica de doce compases, en un compás de 4/4.

Hacia los años treinta, el blues con una estructura de doce compases se
estandarizó. Los acordes blues asociados a una estructura blues de doce
compases suelen estar compuestos normalmente por tres acordes distintos, los
cuales son tocados a través de un esquema de doce compases.

EL GOSPEL

La música góspel, música espiritual o música evangélica, en su

definición más restrictiva, es la música religiosa que surgió de las iglesias
afroamericanas en el siglo XVIII y que se hizo popular durante la década de
1930. Más generalmente, suele incluirse también la música religiosa
compuesta y cantada por cantantes cristianos sureños, independientemente de
su raza.

La música góspel, a diferencia de los himnos cristianos, son de carácter

ligero en cuanto a música. La palabra original es GodSpell, que en castellano
se traduce como «llamada de Dios». A esta forma de cantar se le denominó así
ya que era un canto evangélico, para invitar a las personas hacia Dios. Las
letras suelen reflejar los valores de la vida cristiana.

La fuerte división entre blancos y negros en EE.UU., especialmente

entre iglesias de blancos y las de negros, ha mantenido separadas ambas
ramas del gospel, aunque esta separación nunca fue absoluta (ambas parten
de los himnos metodistas y los artistas de una tradición cantan a veces
canciones de la otra), y dicha separación ha disminuido ligeramente en el
último medio siglo.

Es un género musical caracterizado por el uso dominante de coros con

un uso excelente de la armonía. Entre los subgéneros se incluyen el Góspel
tradicional, Reggae Góspel y Góspel rap, etc. hoy en día hay infinidades de
subgéneros llamados góspel , en realidad a cualquier ritmo se le junta la
palabra góspel para que sea acepto por iglesias evangélicas con un carácter
moderno.

En ambas tradiciones, algunos intérpretes, como Mahalia Jackson, se

han limitado a actuar sólo en contextos religiosos, mientras que otros, como el
Golden Gate Quartet, Reverend Timothy Wright y Clara Ward, lo han hecho en
otros lugares, incluyendo clubes nocturnos. Muchos hacen música tanto
religiosa como secular, como Al Green, Solomon Burke o Aretha Franklin; es
habitual que introduzcan canciones religiosas en actuaciones seculares.

La cantante, guitarrista y compositora Rosetta Tharpe fue la primera

gran estrella de la música góspel , durante la aparición de la música pop en los
años 30 y permaneciendo en la fama durante los años 40 con cientos de
fanáticos, algunos que perdían su animo dado que actuaba en escenarios no
religiosos regresaron con sus nuevos trabajos llenos de espiritualidad.

RHYTHM AND BLUES

El rhythm and blues (o R&B) conocido también como "música negra

norteamericana" es un género musical derivado en su origen del jazz, el góspel
y el blues. El término musical fue introducido en Estados Unidos en 1949 por
Jerry Wexler de la revista Billboard.. Sustituyó al término conocido como "race
records" (grabaciones de raza), considerado ofensivo para la posguerra
mundial así como para la categoría de Billboard "Harlem Hit Parade" en junio
de 1949, y principalmente era usado para identificar el género musical que más
tarde se desarrollaría en forma de rock and roll. El R&B original, conocido hoy
como rhythm and blues clásico.
 En su primera manifestación, el R&B fue el predecesor del rock and roll
(no son pocos que hasta dicen que la diferencia solo era de nombre) y el
sucesor del rockabilly (al mezclarse con corrientes varias del country). Tiene
fuertes influencias del jazz y el jump, además de la música gospel.

A mediados de la década de 1950, el gran éxito que habían alcanzado

una serie de intérpretes negros, entre los que se encontraba Fats Domino,
entre la audiencia blanca propició el nacimiento del rock and roll. Este
fenómeno se vio potenciado por la adopción de algunas características de este
estilo por parte de intérpretes blancos. A principios de la década de 1960, el
pianista Ray Charles ayudó a crear otra variante de este ritmo, conocida como
soul, a partir del blues y del góspel. Hoy se aplica el término rhythm and blues a
las variantes de la música pop más cercanas al jazz y a la música negra en
general.

EL ROCK AND ROLL

En la década de 1950, en Estados Unidos, los adolescentes buscaban

nuevos sonidos, nuevas sensaciones. Por primera vez, una música se dirigía
directamente a ellos: el rock and roll.

Al surgir de un modo espectacular y desarrollarse en principio como un

fenómeno de masas que trastornó la vida y los ideales de América, no puede
considerarse como un movimiento musical en sentido estricto. Sus raíces son
tan plurales que sintetizan las principales ramas de la llamada música popular
estadounidense, sobre todo el blues, el rhythm and blues, el góspel y el country
and western que dieron origen al rock and roll.

El término "rock and roll" era en su origen un término náutico, que ha

sido usado por los marineros durante siglos. Se refiere al "rock" (movimiento
hacia atrás y delante) y "roll" (movimiento hacia los laterales) de un barco.

Para muchos historiadores, el amanecer del género se dio con la

canción “Rock around the clock”, de Bill Haley and his comets, que fue
grabada el 12 de abril de 1954, tres meses antes que el Elvis Presley hiciera
historia con el tema “That’s all right”.

Pero no todo en la década de los 50 giró en torno al guitarrista y

cantante Bill Haley y el hiperquinético Elvis Presley, pues el rock and roll vio
nacer otras figuras importantes y trascendentales a los que les tocaría escribir
capítulos muy importantes en el génesis de su historia.

Dentro de esa lista, que podría ser muy larga, destacan personajes
básicos como los cantantes afroamericanos Chuck Berry, Little Richard, Fats
Domino, y los de raza blanca como Elvis Presley, Bill Halley, Buddy Holly, Jerry
Lee Lewis entre muchos otros.

El rock & roll nació como música claramente generacional, como una
exigencia de ruptura con los géneros musicales anteriores. Fue patrimonio de
una juventud que, por primera vez en la historia, no quería parecerse a sus
mayores, representantes del puritanismo y el conformismo de la sociedad
estadounidense. Su público estaba compuesto mayoritariamente por
adolescentes que reivindicaron sus inquietudes y sus aspiraciones con la
ayuda del nuevo género

Pronto se convirtió en la síntesis de una forma de vida. La juventud

estadounidense encontró un cauce de expresión adecuado a sus necesidades
en un sonido frenético y estridente que, al mismo tiempo, constituía una
evolución de las raíces de la música popular, tanto negra como blanca. Una
percusión obsesiva y secciones de viento de intensidad deslumbrantes
acompañaban a un instrumento relativamente nuevo -había sido utilizado por
vez primera a finales de los años treinta-, que habría de convertirse en
emblema de la joven música, la guitarra eléctrica, cuyo chirriante sonido,
expresamente distorsionado y sobreamplificado, causaría el entusiasmo del
público.

El rock & roll es, en realidad, una forma de blues rítmico; su estructura
básica está constituida por el blues de doce compases, en torno a la cual se
realizan variaciones. Junto a las guitarras eléctricas, destaca una base rítmica
dominante, donde el piano, la batería -que pasó a desempeñar un papel
preponderante- y el bajo marcan con intensidad el comienzo de cada compás
de 4/4. Un tempo enérgico y dinámico, con sonoridades duras e intensas, y un
estilo vocal estridente, de tono áspero, constituyen, asimismo, características
básicas del género. La voz solista suele interpretar los textos, que incorporan
términos del argot juvenil y están frecuentemente relacionados con el tema del
sexo y el mundo de los adolescentes, prácticamente gritando, silabeando como
en el blues.

El auge de esta primera generación del rock and roll se dio hacia 1956-
57, y sería el mismo Elvis el que marcaría su decadencia cuando en 1958 se
enroló en el ejército de los Estados Unidos, donde permanecería hasta 1960. Si
bien a su regreso su popularidad seguía por los cielos, su música dejó de tener
esa carga de rebeldía y frescura con la que se identificaron años antes los
jóvenes. A esto se suma el encarcelamiento de Chuck Berry, acusado de
abuso de menores, el retiro de la música de Litlle Richard y la muerte
prematura de Buddy Holly al caer la avioneta que lo llevaba en una gira
musical en el estado de Iowa. El rock estaba listo para sufrir su primera
metamorfosis, el Beat de los años sesenta con los Beatles como máximos
representantes.

La difusión del rock and roll por todo el mundo, breve pero espectacular,
encontró en los medios de comunicación de masas su principal aliado.

Primero fue el vinilo, luego la radio y la televisión, pero el medio de

comunicación más transversal fue el cine.

En primer lugar dio a conocer el tema Rock around the clock a través de
la película “Semilla de maldad” en 1955, el mismo año Nicolas Ray, influido por
la corriente existencialista, realizó una película que marcó la creación de un
mito y creó el prototipo de héroe popular: el rebelde sin causa. LA película
titulada Rebelde sin causa, fue estelarizada por James Dean, quien de
inmediato se convirtió en ídolo de las multitudes. La cinta narraba el conflicto
familiar de un joven típico norteamericano desdeñado por sus padres y la
sociedad, quien se rebelaba contra la marginación que se le imponía.

La magia de Hollywood se dejó sentir por todo el mundo, y los jóvenes

imitaron su cabello con gomina, su aspecto agresivo (derivado del
resentimiento social), su chaqueta, y en fin, todas sus actitudes.

El contenido de la película rompió con todos los moldes de Hollywood,

pues dejó de presentar sueños y fantasías, o actos de heroísmo country, para
mostrar un testimonio real de los conflictos juveniles. Fue el existencialismo
llevado al cine, para consumo de las masas.

El concepto de rebelde sin causa catalizó todas las inquietudes de

renovación de los jóvenes de mediado de la década de los cincuenta; los que
habían vivido los estragos de la guerra. En los países que estuvieron al margen
del conflicto bélico se idealizó la imagen estereotipada y por imitación se le
asimiló.

Los rebeldes sin causa reivindicaron un lugar preferencial para los

jóvenes, en una sociedad de ideas radicales, dirigida por adultos, para adultos,
pues entonces los jóvenes no eran tomados en serio, considerándoseles un
adulto en gestación.

Los rebeldes sin causa sepultaron los últimos vestigios de los rígidos
preceptos morales de la sociedad y cuestionaron las bases de la estructura
social y de sus células vitales, como son la familia, la escuela, el gobierno y la
religión.

FUENTES:

Homs, Ricardo ( 1996) : “Rock’n Roll, la revolución sociocultural más

importante del siglo XX”

http://es.wikipedia.org

http://html.rincondelvago.com