Aristóteles – Poética.

Las tragedias se desarrollan en 24hs y se basan en la acción. Acciones grandes.

El objeto de imitación es la acción.
Toma como acción el mito (grandes historias)

Partes de la tragedia.
Acción única, completa y entera.

El espectador griego sabe todos los mitos. Sólo atiende como va a ser contado.

De donde aparece la acción es el resultado del carácter y pensamiento – este pensamiento es la

manera de develar las acciones.

Catarsis: Verdad develada al espectador.

Peripecia: giro de acción – paso de la dicha a la desdicha.
Anagnórisis: pasaje de la ignorancia al conocimiento – Para Aristóteles la mejor anagnórisis tiene
peripecia.
Pathos. Momento de padecimiento físico del héroe – cuando es en off se reconoce por los
sonidos. Ocurre en la esquené.
Hibris: El hombre trasciende la esfera de lo mortal a lo divino – por eso debe pagar
Hamartía: Error trágico por parte del héroe que trasforma la acción.
Prólogo: Antecede a la entrada del coro - siempre en voz de uno de los personajes.
Párodos: Entrada del coro
Episodios: Escenas entre personajes – Agones: enfrentamiento dialéctico entre personajes.
Estasismos: Cantos del coro – Estrofas
Antiestrofas_ dividen los episodios siempre pronunciadas por el coro.
Exodo: Parte final de la tragedia – Aparece la enseñanza de la tragedia pronunciada por el coro.

La poética es descriptiva. Se basa en la observación.

SOFOCLES (Ayax): relata los personajes como deben ser.

EURIPIDES (Medea – El cíclope): Relata los personajes tal y como son.

ANALISIS DE LAS COEFORAS – ESQUILO

Pensamiento poético y cosmogonía
Zeus como el ordenador de la vida
Familias que tienen que recomponer su linaje
El sufrimiento trae el conocimiento.

ANALISIS DE AJAX TRES VECES BURLADO – SOFOCLES

Sofocles tiene su mayor producción entre la polis de Atenas y Esparta, época marcada por el
conflicto. Ayax se puede ubicar en la primera etapa de su producción. Aunque por el contexto se
puede decir que es la última por el contexto histórico.

Aristóteles le atribuye la suma un actor más (3) utilización de escenografía y aumento de

integrantes del coro. Esta tragedia tiene un cambio de escenario. Pasa de la tienda a la playa.
Sófocles describe sus personajes (Ajax) como deberían ser.
Tragedia – sacrificio del macho cabrío. Para qué se sacrifica al héroe (organización del caos) se
quebró el mandato y hay que recomponerlo. Se reformula un nuevo orden.

A Sófocles le interesan los dioses. El sufrimiento del héroe tiene que ver con el conocimiento
divino.

La fragilidad del ser humano es la pregunta que se hace Sófocles. (El hombre sabe que va a morir,
eso lo convierte en trágico)

Doxa: opinión

Los héroes en Sófocles están atados a su ética hasta llegar a su destrucción. Se rigen por la ley
divina y la de los hombres.

En Áyax lo importante es su acción no su carácter. Su acción hace que la historia continúe.

Áyax no le dan las armas/ Atenea lo abandona/ Ulises pide que lo entierren.

ERURIPIDES – MEDEA – EL CICLOPE.

La base de la obra de Eurípides es la retórica.
Los personajes son más complejos (duda). Hay preocupación por si psicología.
Eurípides describe los personajes tal y como son.

El coro en Medea dice mucho menos que todos los personajes.

Los personajes son los que actúan y llevan adelante la tragedia. El coro pasa a tener un lugar lírico.
Los personajes con vos colectiva empiezan a perder peso.

Medea constituye la imagen del otro. Una de las cosas importantes es que rescata su femineidad.

El espacio en off tu mayor valor. Va al punto de acción.

Los héroes de Eurípides tienen todo en contra. Son personajes con deseos individuales.
Hay escepticismo de los dioses. No hay ninguno que arregle la situación.
La tragedia no habla tanto del personaje si no de la acción que hace avanzar la historia.
Figura del héroe vs acción.
El coro no tiene acciones sino pedidos. Son los personajes quienes llevan la acción.

DRAMA DE SÁTIROS – EL CICLOPE.

Los textos satíricos tienen la mitad de duración de la tragedia.
El estilo del discurso es cómico trágico.
Se caracterizan por ser amantes de la bebida y la fiesta en exceso.

La Guerra de Troya es minimizada a un lío de faldas.

No es una parodia de la tragedia.
Los procedimientos cómicos se dan por los cruces de juegos físicos y de palabras.

Dos protagonistas (Odiseo = Hércules) mucho músculo y poco cerebro.

Coro de sátiros trata de reencontrase con su amo natural = Odiseo.
Los dramas sátiros tiene un final feliz.
Funcionan con alivio en el desarrollo de los acontecimientos. Para que el público se entretenga.
Los vestuarios son más parecidos a las comedias (animales)
Usan un estilo que lo acerca a la tragedia y a la comedia.

LISISTRATA – ARISTOFANES
Tienen final feliz.
El coro siempre es de sátiros
Siguen la figura de Ulises – Odiseo.
Vestuarios más cercanos a los de las comedias.

EL CÍCLOPE – EURÍPIDES
Dionisio – Dios extranjero.
La entrada del coro es cómica.
La estructura se basa sobre la integración.
Amplificación de las acciones y palabras en busca de la comicidad.
Toman acontecimientos históricos y los bajan de categoría. Los hacen perder importancia.
Tiene yuxtaposición de estilos. Va de lo trágico a lo cómico.
Hay incompatibilidad entre lo que se habla y la acción – Personaje de Sileno.
Aparece el escepticismo hacia los favores de los dioses.
Es más importante la argumentación que la verdad misma (pedido de Odiseo a Zeus)
El héroe se avanza en su acción por astucia y por inteligencia.
Momento patétito –Phatos – momento de sufrimiento del héroe fuera de escena. Espacio en off.
Cierran con una escena de comedia física (el Cíclope choca cuando queda ciego)

ESTRUCTURA ARGUMENTAL ARISTOFANICA

Héroe – Heroína. Padece una situación agobiante.

Héroe: se le ocurre una idea revolucionaria- Esto lo lleva a desarrollar una situación utópica (irreal)
no es pensado naturalmente.
Momento de Agón: El héroe trata de imponer su idea y otra fuerza se opone. Triunfa el héroe.
Escenas - Episodios: Se ven las consecuencias de la utopía.
Siempre termina con una boda o una fiesta.
El matrimonio es un contrato económico.
Se podía hacer comicidad con cualquier cosa menos con los caídos en guerra.
Los referentes de la actualidad son nombrados en la obra.

ESTRUCTURA FORMAL ARISTOFANICA

Se agregan dos momentos más: El Agon y la Parábasis
Parábasis: Los actores dejan la escena y el coro interpela directamente con el público
El juramento, momento sacro, lo hacen cómico
Lisistrata es la directora de escena dentro de la obra.

POETICA DE HORACIO
El escrito son epístolas
Es prescriptiva
Debe componerse un todo único y sencillo
Está escrita a los Pisiones (familia acaudalada)
Aconseja evitar descripciones pomposas y artificiosas
Los romanos toman y reescriben obras griegas
Se pierde el eje de la acción cuando me detengo en la descripción
La epopeya tiene su nacimiento en la oralidad (por pasajes)
La importancia de las partes (unidad de percepción de un todo)
Posibilidad de invención de nuevas palabras (manera de transformación de las palabras) también
recomienda no abusar de este recurso.
Uso debido de los versos si se escriben comedia o tragedia. No le gusta el drama de sátiros donde
hay yuxtaposición de estilos.
Modelo representativo: igual la escritura y la representación. El autor debe observar la vida para
escribir igual y luego representar.
Coherencia interna de los caracteres.
Continuar con la tradición con la cual fueron escritos los personajes.
Ir al punto de la trama. La acción como protagonista.
Es mejor ver las acciones a que sean contadas. Menos en las que el público se puede llegar a
horrorizar ejemplo Medea mata a sus hijos.
La acción es representada en presente continúo.
El exceso de relato conduce a lo cómico
La trama misma debe resolver
No crear, con la palabra, falsas expectativas.
El coro defiende a los buenos. Son la razón y la moral de la obra.

TERENCIO – PLAUTO
Terencio es posterior a Plauto. Es un poeta de las altas esferas de la sociedad.
Comedia nueva griega.
Cuida el argumento, sus personajes tiene profundidad psicológica. Tienen pretensión ética y
moral. (En la edad media son tomados sus textos por la iglesia)
Usa el amor como motor dramático
Presenta duplicidad de tramas (los hermanos)

LOS HERMANOS
Temática: equilibrio entre los caracteres – Educación rigida romana Vs educación blanda griega.
Tematiza la oposición de caracteres
Los esclavos siempre van a ser los más inteligentes y van a estar a favor de los jóvenes.
El amor ayuda a la acción (motor drámático)
Son comedias situacionales: Utiliza la adulación – son irónicos

Críticas a Terencio: Juntaba distintas obras para crear una nueva. Fue acusado de plagio. Otros le
daban las obras y el las firmaba.

Utiliza el prólogo como una defensa frente a las acusaciones

No cuenta nada de lo que va a suceder. Usa la intriga para llamar la atención.
El final termina con una boda.
PLAUTO – EL SOLDADO FANFARRON.

Utiliza complicidad con el público.

El público sabe más que los personajes.
Suele poner nombres cómicos a los personajes
I ACTO: adulación de los personajes. Este acto no afecta a los acontecimientos dela obra / Nos
muestra de manera franca al soldado.
II ACTO: prólogo. Abre con la referencia del público y finaliza la obra del mismo modo.
Necesita de la complicidad del público ya que tiene más información que los personajes.
Con la complicidad del público puedo generar ironía.
Apela al efecto cómico para sostener la obra.
No usa la intriga como la tragedia (Medea) o las comedias de Terencio.
Reitera la información para construir la complicidad del público. También para que quede clara y
se entienda.
Palestrión (personaje) utiliza analogías con el mundo bélico para referirse a sus trampas (cómicas)
contra el Soldado Fanfarrón.
PLAN: el abuelo finge que está casado – Finge tener una hermana – Finge ser la mujer del viejo –

Características de Plauto y Terencio

Terencio aparecen más tipos de personajes – mayor plasticidad – No hablan todos iguales – Busca
la efectividad cómica – ruptura de la ilusión para mantener la intriga.
PLAUTO rompe la ilusión porque el público ya sabe lo que va a pasar.
Toman los modelos de la comedia nueva griega.
PLAUTO no tiene duplicidad de tramas.
En la figura del soldado fanfarrón toma antecedentes de Il Capitano de la comedia del arte.

TEATRO MEDIEVAL
Evoluciona la escenotecnia
No se construyen nuevos edificios teatrales. Se usan los que están.
Usan la calle, plaza pública y el templo para hacer las representaciones.
La iglesia va tomando elementos de la espectacularidad.
Toman los autores del pasado y reescriben las obras (Plauto)
Resignifican elementos para las puestas y representaciones escénicas.
El teatro como edificio pierde su configuración.
Decorado Medieval: Utilizan la síntesis (la parte por el todo) La importancia es el signo no la
ilustración. Establecen sistema de sentidos a través de las imágenes.
La muerte en escena tiene valor. Transmite cierta espectacularidad.
Eran muy claros en el sistema de imágenes (escenografía – vestuario – colores) ya que no se
entendía muy bien el latín.
En lo sonoro: entrada del personaje, cambio de escena, reforzar la acción.

LA MORALIDAD DEL CIEGO Y EL COJO

Información de la corporalidad
Cuerpo imperfecto. No así las ideas.
Hay proyección de convocatoria inmersa en los textos.
Cada desplazamiento va cambiando de lugar – personajes y público. (Estaciones)
Llevan al límite la imagen con elemento de comicidad.
Los espectáculos se cruzan con procesiones que hay en la calle. Al unirse forman parte del relato.
Síntesis y concreción en las secuencias.
Hay juegos de creencias y descreencias por parte del ciego. El cojo lo convence de no curarse y
después todo lo contrario.
El ciego deja al cojo y se une a la procesión que entra a la iglesia.
La divinidad se aparece frente al hombre.
En el campo está el trabajo
En la ciudad el conocimiento
Después del pacto cambia la visión del campesino
Son más representaciones fantásticas. No son profundas en sus tramas comparadas con las obras
griegas.

EDAD MEDIA – RENACIMIENTO

Caracterizada por la expansión fluvial – Expansión demográfica
Las capas sociales son permeables
Empieza la oferta y demanda de los artistas.
La burguesía gana más plata – tiene más ocio y se dedica a la intelectualidad. Aparece la figura del
genio (davinci)
El renacimiento tiene su punto fuerte en Italia. Tarda en llegar a los demás países de Europa.

TEATRO EN LA EDAD MEDIA

Espacios: Iglesia, Plaza, exteriores
Nacimiento del teatro a la italiana
Escenario – platea – separación simbólica del actor con el público
Se empieza a manejar el punto del príncipe: mirada organizada – puntos de fuga. Punto de vista
del teatro a la italiana.

COMEDIA DEL ARTE.

Emerge como producto de tres afluentes.

1. Comedia latina. Repercute en diferentes niveles.

Tipos de personajes: mismas características básicas.
Construcción de una estructura dramática.
Toman los modelos de la comedia de enredos (soldado fanfarrón – Terencio)
Los personajes mayores hacen oposición a los protagonistas
Dificultad de la trama amorosa (ver dibujo)

2. Farsa Atelana (romana)

Compuesta por tipos de personajes que trabajan con máscaras e improvisación.
Modo de producción e interpretativo.

3. Carnaval de la Edad Media

Los personajes usaban máscaras a media cara.

El cómico pasa a ser un actor profesional. Técnica que le permite entregarse a la improvisación.
El intérprete (actor) pasa a ser el centro del quehacer teatral.
Primero se hace la interpretación y luego el director escribe las escenas.
Se trabaja con escalas argumentativas.
Se agrupan compañías que empiezan a viajar. Expandiendo así la comedia.
La mujer vuelve a tener importancia dentro del desarrollo teatral.
Los interpretes (actores) hacen mímica, música, acrobacia… siempre enfocado en la realización de
un rol dentro de la compañía.

TIPOS DE PERSONAJES DE LA COMEDIA DEL ARTE

En el esquema básico que divide los personajes de la comedia del arte en "criados" (zanni), "amos"
("vecchi") y "enamorados",
Los enamorados son los únicos que no usan máscara y los vestuarios son los de la época.

1. Zanni - Zanne: son los criados junto con los amos y los enamorados forman el grupo
esencial de la comedia. Vestían de blanco y luego incorporaron rayas verdes a sus ropas.
Puede ser sínico, altanero con los estratos más bajos.
2. Los Lazzi o Lazzo: son los chistes (pasos de comedia) que podían meterse en cualquier
momento de la obra
3. Arlecchinno – Arlequín: astuto y necio, intrigante e indolente, sensual y grosero, brutal y
cruel, ingenuo y pobre de solemnidad, de amor no correspondido. De actuación no
acrobática.
4. Polichinela: Campesino napolitano. Es torpe rufian, cruel, filósofo, solterón, sus
movimientos son ágiles, es jorobado, enorme nariz, traje blanco.
5. Pantalone: Comerciante veneciano rico y viejo, barba, bigote, nariz grande, celoso,
desconfiado, libidinoso, avaro, su aliado es Il Dotore, siempre cae en la trampa de los
criados
6. Ildotore: Es de origen boloñés, algunas veces médico otras abogado, es gordo, come y
bebe en abundancia, siempre enojado
7. Il Capitano: (soldado fanfarron) Toma características del soldado español, sombrero de
plumas, enorme espada
8. Colombina: Viste con un traje de campesina, es una criada, hábil, astuta e ingeniosa.