UNIVERSIDAD DE LAS FUERZAS ARMADAS - ESPE

EXTENSIÓN LATACUNGA
DEPARTAMENTO DE CIENCIAS ECONÓMICAS,
ADMINISTRATIVAS Y DEL COMERCIO

ADMINISTRACIÓN TURISTICA Y HOTELERA

TEMA: ARTE CONTEMPORÁNEO

ASIGNATURA:

TURISMO CULTURAL

TUTORA:

ING. MARICELA PULLOQUINGA

INTEGRANTES:

 Karen Ganchozo
 Kenia Gutiérrez
 Johanna Medina

PERIODO ABRIL 2018 - AGOSTO 2018

 TEMA: ARTE CONTEMPORÁNEO
OBJETIVOS
OBJETIVO GENERAL
 Investigar sobre el Arte Contemporáneo, la forma en el que ha ido cambiando a
lo largo de los años y cuales han sido sus aportes.
OBJETIVOS ESPECÍFICOS
 Conceptualizar que es arte, contemporáneo y arte contemporáneo según varios
autores.
 Analizar el antes y después del Arte Contemporáneo a lo largo de la historia del
arte.
 Identificar cuáles son las vanguardias históricas desarrolladas en el Arte
Contemporáneo.
 Conocer los centros de Arte Contemporáneo en el mundo y en Ecuador.
INTRODUCCIÓN
DESARROLLO
1. Conceptos
1.1 Arte
1.2 Contemporáneo
Según (Sora, 2012) afirma que: “se denomina como contemporáneo a todo aquello que
sucede en el tiempo presente y pertenece al período histórico de tiempo más cercano a la
actualidad (p.3)
1.3 Arte contemporáneo (según autores)
1.3.1 Características del arte contemporáneo.
(De la Mora , 2014) En el libro “Conceptos de arte contemporáneo” afirma que:
El arte contemporáneo es el arte actual, el que se está realizando ahora; es la producción
artística que se genera en este momento y que va de la mano con la frase: El arte es el espejo
de la sociedad y el reflejo de lo que sucede en un momento determinado. (p. 32).
Otro concepto por parte de (Botero, 2014) en el libro “Conceptos de arte contemporáneo”
considera que:
Arte contemporáneo no es lo que se produce ahora, sino lo que actualmente definimos como
arte. Si discutimos el término contemporáneo, diría que en el presente determinamos unas
cosas como hechos artísticos aunque no han sido realizados en esta época (contemporáneo
no son las obras sino la “mirada”). (p. 32).
2. Nacimiento del arte contemporáneo
3. Criterios para determinar cuándo es arte contemporáneo
3.1 El Arte Contemporáneo: antes y un después (siglo XIX)
3.2 Artes contemporáneo siglo XIX
3.2.1 Romanticismo
3.2.2 Realismo
3.2.3 Impresionismo
3.3 Arte contemporáneo siglo XX
 3.3.1 Modernismo
Según (Farga Mullor , 2013) afirma que
El arte Moderno surge en Europa, a mediados del siglo XIX un movimiento artístico
llamado Art & Crafts, que pretende revalorizar el trabajo creativo y artesanal frente a
la deshumanización y estandarización a que se ha visto sometido el arte como
consecuencia de su vinculación con la producción industrial, haciéndose eco de las
corrientes disidentes en contra de lo que algunos llaman progreso. Este movimiento
contempla el retorno a la artesanía como forma de liberar al hombre de la tiranía de
la máquina. El artista debe esforzarse por adorar de formas bellas y originales la vida
cotidiana del ciudadano y acercar las artes mayores a los menores.
El representante más importante de esta corriente es William Morris, promotor de Art
san Crafts (artes y oficios), quiso hacer una arquitectura digna para el pueblo, pero su
elaboración artesanal y la calidad de los materiales reservo su disfrute a la burguesía,
que la acogió con entusiasmo y facilito su difusión de los nuevo proyectos urbánicos
de ciudad Jardín, que perseguía la creación de núcleos urbanos, agradables y
asociadas con la naturaleza.
Como ejemplo podemos tener:
 Red House De Philip Webb

Al final del siglo XIX se dan las condiciones necesarias para que la arquitectura europea
salga del estancamiento en el que lo había sumido el historicismo. La popularización de
los nuevos materiales y la ruptura con el pasado como muestra la están en la base de la
nueva arquitectura, que recibirá una denominación diferente según los países:
 Belgica: Art Noveau
 Astria: Secesión
 Italia: Liberty
 España: Modernismo (p.305-306)
3.3.2 Racionalismo
Según (Lanchas) (s/f) afirma que:
Será la corriente de mayor transcendencia. Busca un lenguaje no individual, regido
por el principio de que “la función hace la forma” o “la forma sigue a la función” o
lo que sería lo mismo, lo importante es la función que vaya a tener el edificio y
después se le da la forma. (No es lo mismo un bloque de viviendas, que un centro de
salud, que un estadio de futbol, etc.)
 Características:
Uso de materiales altamente industrializados, especialmente hormigón armado
(técnica que consiste en insertar cables de acero a una masa de hormigón para sumar
los esfuerzos de la tensión). Este ya había sido utilizado a finales del S.XIX, pero no
como recurso técnico sino como elemento formal con sentido estético propio.
Es un material barato, adaptable, incombustible y anticorrosivo, que permite nuevas
posibilidades en la contraposición carga/soporte, deja la planta libre y se puede
fabricar en serie, con un abaratamiento importante de los costes, aunque conlleve
peligro de una monotonía formal.
A veces se alterna con otros materiales industriales más nobles –acero, cristal- o con
ladrillo. (p.2)
3.3.3 Organicismo
Según (Farga Mullor , 2013) afirma que
La Arquitectura Orgánica aparece hacia 1923 y supone la unión de las formas
arquitectónicas con la naturaleza. Fue un hombre de formación cosmopolita y tuvo
dos influencias fundamentales: la arquitectura japonesa, y los vestigios del arte maya.
En sus construcciones se percibe una continuidad entre el interior y el exterior del
edificio. Las plantas son libres y con continuidad en los ambientes. Entre sus obras
principales están: (p.346 – 347)

La casa de la cascada, El Museo Guggenheim, Nueva

Pensilvania York

3.4 Evolución de las artes figurativas en la primera mitad del siglo XX

Las vanguardias artísticas históricas o vanguardismo según (Álvarez, 2014) “es el
movimiento cultural que surge entre finales del siglo XIX y a lo largo de los S. XX y XXI,
que reaccionan a un orden previo”.
Por otra parte según (Gobierno de Canarias , 2015)manifiesta que:
Las vanguardias son movimientos artísticos revolucionarios que rompen con la tradición y
convulsionan el mundo del arte causando estupor cuando no rechazo. El autor toma
conciencia de su libertad creativa y expresiva, inventando nuevos lenguajes artísticos. El
artista en definitiva se libera de todas las ataduras y modas artísticas del momento y comienza
a experimentar. Todas las vanguardias tienen unos límites cronológicos precisos. (p. 5).
 3.4.1 Fauvismo
Según (Milicua, 1994) considera que:
El Fauvismo cuestiona el Arte como representación de la realidad, abogando por un arte
subjetivo que expresa sentimientos por medio del color. Término acuñado por el crítico de
arte Louis Vauxcelles tras contemplar una exposición (fauve es el término francés para fiera),
lo denomina así por su violencia cromática, por sus agresivos contrastes, tintas planas,
simplicidad en el dibujo y su ausencia de claroscuro. Los historiadores lo consideran una
reacción al Impresionismo. Si éste trataba de enfrentarse a la realidad por medio de la visión,
el Fauvismo intenta pintar con la mente. Sus autores principales son Matisse, Derain, Dufy y
Braque. Para los fauves la pintura debe ser libre e instintiva, la naturaleza es un medio a
través de la cual el artista revela sus sugestiones mediante el color no es necesario el claro-
oscuro ni el modelado. Su pintura es plana pero con carga expresiva. Destacan pintores como
Matisse, Derain, Vlaminck, Dufy etc. (p. 5).
3.4.2 Expresionismo
Según (Milicua, 1994) afirma que:
Estilo surgido en Alemania que trata de dar al espectador una visión de los sentimientos del
artista. Forma, color y textura están al servicio de esa transmisión de los estados de ánimo
del autor. Los pintores expresionistas prefieren los tonos oscuros, sobre todo el negro para
plasmar mejor las emociones y angustias del ser humano. Los expresionistas tratan de
expresar el dolor y los sentimientos a través del color y la deformación de las figuras. (p.5).
(Gobierno de Canarias , 2015) Manifiesta que los primeros expresionistas o “primera
generación expresionista”:
Edward Much: este pintor noruego cree en la capacidad de transmitir emociones del arte y lo
plasma a través de una línea sinuosa y el ritmo de su pincelada. Sus figuras son etéreas, sus
personajes solitarios, utilizando el color de forma arbitraria. La fuerza del color y su línea
permiten al artista reflejar su angustia. Su arte es fundamental para entender las corrientes
expresionistas del siglo XX. Es el auténtico precursor del expresionismo alemán, de hecho,
su obra “El Grito” realizada en 1893, se convierte en la portada del Manifiesto del grupo “Die
Brucke”, El Puente. (p. 220).
James Ensor: pintor belga de carácter solitario y extravagante. Sus lienzos representan
paisajes imaginarios y falsos, recrea un mundo de máscaras y esqueletos. Posee una
imaginación fantástica que se refleja en sus pinturas de gran fuerza gracias a la utilización
que hace del color. Posee una gran fuerza cromática. Critica la sociedad a través de las
máscaras y el juego del carnaval. Muestra la sociedad como una gran farsa, como un
espectáculo absurdo. Obras: “La entrada de Cristo en Bruselas”, “Máscaras disputándose un
cadáver”. (p.221).
3.4.3 Cubismo
Según (Farga Mullor & Fernandez Barberena , 2008) define al cubismo como:
Cubismo es el nombre que se le dio al movimiento desarrollado principalmente por el español
Pablo Picasso y Braque. Curiosamente fue también L. Vauxcelles el encargado de denominar
al movimiento. Se caracteriza por destruir la óptica renacentista como único punto de vista.
Es capaz de representar varios puntos de vista a la vez en una misma imagen, superando así
a su rival representativo, la fotografía. Afirma la bidimensionalidad aunque sugiere cierta
profundidad con un particular claroscuro. Niega la luz impresionista y los modula en tonos
neutros y pardos, mediante el uso de la faceta (pequeños planos de color superpuestos) y la
introducción en el Arte con mayúsculas de técnicas como el collage. Es un movimiento que
no trata de captar la realidad presente ante el artista, sino que crea, a partir de la realidad, una
imagen propia, nueva. Se basa en la anterior pero que no intenta parecerse a ella, sino aportar
más información, incluso, que la propia realidad. Otros componentes de este movimiento
fueron Juan Gris, Francis Picabia, Franz Leger y Albert Gleizes. (p. 332)
Además el cubismo repercutirá en la arquitectura y en la escultura, aportando su claridad,
línea recta y formalidad. Se conocen tres etapas del Cubismo:
Cubismo analítico: analiza el objeto desde varios puntos de vista y los descompone en figuras
geométricas.
Cubismo sintético: tras el análisis del objeto se eligen los puntos de vista más importantes.
Con el fin de darle más realismo se añaden fragmentos de realidad como periódicos y papel
(collage). Revalorización de los coloridos brillantes.
Cubismo hermético: la descomposición excesiva lleva a una abstracción que hace
irreconocible el objeto analizado. Tendencia de la monocromía. (p. 332).
3.4.4 Dadaísmo
(Farga Mullor & Fernandez Barberena , 2008) Menciona que:
Esta vanguardia pretende destruir el arte pasado y presente. El dadaísmo no se considera a
sí mismo como vanguardia e incluso renuncia a considerar obras de arte a sus creaciones, a
las que denomina simplemente objetos. El estallido de la Primera Guerra Mundial había
demostrado que las sociedades industrializadas eran capaces de provocar una masacre. El
arte forma parte de esa sociedad y por lo tanto debe ser aniquilado. El Dadaísmo denuncia
el mercado del arte que vende en función del nombre del autor y no por el valor de la obra
en sí misma. Hacen cuadros con basuras, orinales etc. Curiosamente sus obras hoy en día se
cotizan en el mercado del arte. Uno de sus autores más destacados fue Duchamp. (p. 22 2 –
223).
3.4.5 Neoplasticismo
(Milicua, 1994) Manifiesta que:
De origen holandés, el grupo que lo desarrolló recibió el nombre de “De Stijl” (el estilo)
debido al nombre de la revista en la que trabajaban sus componentes y en la que publicaban
sus escritos. Fue una prolongación de los valores estéticos el constructivismo, aunque sin su
ideología y compromiso político. Demostraron su intento por aunar disciplinas en
proyectos completos. Diseñaban el edificio y el interiorismo (muebles, colores de las
paredes, colocación de los mismos…) en un mismo proyecto porque entendían que no eran
conceptos distintos. Con ánimo de huir de las referencias naturales recurrieron a las formas
geométricas puras y a los colores saturados, especialmente los primarios y el negro para dar
contraste. Sus principales componentes fueron Theo van Doesburg, y Piet Mondrian. (p. 8).
 3.4.6 Futurismo
(Gobierno de Canarias , 2015) Menciona que:
Parte de planteamientos cubistas (fragmentación del plano) surge a partir de 1910 como una
vanguardia casi exclusivamente italiana, cuando sus integrantes, bajo la inspiración del poeta
Marinetti, firman el Manifiesto Futurista. Los pintores más representativos del grupo serán
Boccioni que también es escultor, Carrá, Russolo, Balla y Severini. El grupo estará vinculado
al nacionalismo belicista italiano del momento. Podemos entender el futurismo como un
cubismo puesto en movimiento. Lo importante no es fragmentar el objeto sino captar su
movimiento. De ahí que para conseguirlo acudan a técnicas como la fotografía (corrido
fotográfico). A estos artistas el cubismo les permitía la posibilidad de representar
simultáneamente algo que sólo podemos ver de manera sucesiva en el tiempo. Representar
las diferentes fases, el movimiento, tratando de representar la velocidad. El concepto básico
del grupo es el de velocidad. Hay que expresar el mundo moderno, el mundo de la máquina,
los objetos inmóviles no tienen sentido. (p. 222).
3.4.7 Surrealismo
(Gobierno de Canarias , 2015) Afirman que:
Es una vanguardia basada en las emociones, en la irracionalidad. Presenta una clara
influencia de las doctrinas de Freud y sus teorías del psicoanálisis.
En 1924 Breton publica el “Primer manifiesto del Surrealismo”: automatismo a la hora de
escribir y pintar para descubrir el subconsciente; es una vanguardia que rechaza la razón a la
hora de realizar la obra artística. El surrealismo trata de plasmar el mundo de los sueños, del
subconsciente que escapan a la razón humana. Para lograrlo utilizan recursos como la
animación de lo inanimado donde los objetos cobran vida. Se pintan partes aisladas del
cuerpo, máquinas fantásticas y un espacio que nos recuerdan a los videojuegos actuales. El
surrealismo no posee unidad formal. Puede ser hiperrealista, recibir influencias cubistas e
incluso rozar la abstracción. Destacan figuras como Maz Ernst, Magritte, Joan Miró y
Salvador Dalí. (p. 233).

3.4.8 Pop Art

(Gobierno de Canarias , 2015) Menciona que:
Surge en torno a un grupo de artistas británicos en los años 50 y se desarrolla en los años
60, es un fenómeno que va unido a la sociedad de consumo. La sociedad ha evolucionado
hasta convertir la cultura en objeto de consumo de las masas. La invención de nuevos
medios de comunicación con la televisión crean mitos en la sociedad. El Pop-Art (arte
popular) toma temas populares y los transforma en arte. Es un arte urbano que da la
espalda al mundo de la naturaleza. La inspiración de este movimiento artístico está en los
comics, en el cartel publicitario, y en la fotografía de consumo. (p. 224).
3.4.9 Hiperrealismo
(Gobierno de Canarias , 2015) Menciona que:
Con esta tendencia vanguardista, el realismo llega a su cima. La obra pictórica se acerca al
objetivismo de una cámara fotográfica. Surge en EEUU a comienzo de los años setenta. Se
basa en un acusado realismo y en la minuciosidad. El resultado es una pintura muy fría, sin
sentimientos. En este país se pintan objetos de consumo e imágenes de publicidad. Destacan
pintores como Chuck Close, Don Eddy, y en España, Antonio López García. (p.225).
4. Centros de arte contemporáneo en el mundo
4.1 Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO)
(Red Nacional de Información Cultural, 2017) Manifiesta acerca del museo que:
 Datos generales
Fue diseñado por el arquitecto Ricardo Legorreta e inaugurado el 28 de junio de 1991. En la
entrada al museo se observa la escultura La paloma, de Juan Soriano. Esta es una escultura
de bronce de 6m de alto y 4 toneladas de peso. Exhibe más de 100 piezas de arte
contemporáneo y organiza visitas guiadas, conciertos, talleres, subastas y eventos culturales.
Ofrece catálogos y programas educativos para maestros. Cuenta con auditorio, restaurante,
cafetería y tienda.

La paloma
Autor: Juan Soriano
Fuente: www.marco.org.mx

Ricardo Legorreta quien afianzó el término de “arquitectura mexicana” con muros ciegos y
vivacidad cromática como la de nuestros textiles. La luz natural siempre está presente y sus
explanadas y formas geométricas recuerdan a otros arquitectos célebres como Luis Barragán
y Mathias Goeritz. Uno de los espacios que más me gustó fue la fuente con varias
interpretaciones de círculos y cuadrados.

Fachada del Museo

 Fuente: http://www.marco.org.mx/index.pl?i=287

Iluminación del Museo

Fuente: http://www.marco.org.mx/index.pl?i=287
Algunas de las exposiciones que ahí se exhibieron son: Los Carpinteros, estos son testimonio
de la riqueza de propuestas en arte contemporáneo en el mundo, pero sobre todo, en
Latinoamérica, con mensajes que van desde la necesidad de plasmar diferentes problemáticas
sociales hasta simplemente expresarse de forma estética y divertir al espectador.

Los carpinteros
Fuente: https://www.latempestad.mx/los-carpinteros-en-marco/
 Salas de exhibición
El Museo de Arte Contemporáneo (MARCO) cuenta con una sala permanente y 11
temporales.
Sala México
En este espacio se expone exclusivamente obra plástica de destacados creadores mexicanos,
como Diego Rivera, Carlos Mérida y María Izquierdo.
Salas temporales
En sus 11 salas temporales, que en total suman cinco mil metros cuadrados distribuidos en
dos plantas, se expone lo más destacado de las artes visuales de México y América Latina.
El recinto museístico está acondicionado con mamparas y bases de madera o metal, vitrinas
y capelos, en donde es colocada la obra de los artistas plásticos en exposición.
 Iluminación
 Rieles con lámparas incandescentes
 1,200 lámparas spot, VNSP de bajo voltaje, para iluminación de piezas
 Luz incandescente de emergencia conectada a planta de luz
  Instalación eléctrica: trifásica

Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona

(CIVITATIS BARCELONA ) En su guía turística menciona que:
Está ubicado en la comunidad automona de Cataluña. Declarado museo de interés nacional
por la Generalidad de Cataluña, el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, conocido
como MACBA, está dedicado a la exposición de obras realizadas durante la segunda mitad
del siglo XX.

Parte exterior del museo

Fuente: https://www.spain.info/es/que-
quieres/arte/museos/barcelona/museo_de_arte_contemporaneo_de_barcelona_macba.html

El MACBA se inauguró en 1995 y fue diseñado por el norteamericano Richard Meier. En su

interior se exponen obras de artistas contemporáneos como Antoni Tàpies, Paul Klee,
Francesc Torres, Mario Merz o Zush. Su colección se centra en el legado de la segunda mitad
del siglo XX, y busca establecer una memoria crítica del arte de la segunda mitad del siglo
XX, a partir de un punto de vista que tenga en cuenta la realidad cultural y política de una
ciudad concreta como Barcelona.

Obra: Senecio
Autor: Paul Klee
Fuente: https://tuitearte.es/2013/02/06/paul-klee-senecio/
 El interior del MACBA
El MACBA cuenta con 14.300 metros cuadrados divididos en enormes estancias blancas
dotadas de una gran luminosidad a lo largo de las cuáles se extienden las diferentes
exposiciones.
La colección del MACBA está compuesta por más de 5.000 obras creadas desde los años 50
del pasado siglo hasta la actualidad, incluyendo algunas obras abstractas características de
mediados del siglo XX, obras de los 80 y algunos trabajos más recientes.
 Para los amantes del arte contemporáneo
Al igual que otros museos de su estilo, el MACBA es un espacio que puede
resultar maravilloso para aquellos que aprecian el arte abstracto y minimalista, pero para el
resto de los mortales no es demasiado recomendable.

Museo de Arte Contemporáneo

Fuente: https://www.conocerbarcelona.com/museo-arte-contemporaneo-barcelona

5. Arte contemporáneo en Ecuador

(Figueroa, 2017) En su tesis de grado titulada Revista De Arte Contemporáneo dirigida a
jóvenes con el fin de contribuir a la formación de públicos en la ciudad de Quito manifiesta
que: En el Ecuador, por mucho tiempo, el mundo del arte ha estado descuidado. El arte no
ha tenido apoyo económico notable de parte de la empresa privada ni del sector público. Sin
embargo, existen públicos interesados en conocer más sobre el arte en nuestro país y también
hay señales de que el gobierno central tienen interés en desarrollar proyectos para fomentar
el arte, pero no hay aún suficientes plataformas que impulsen el arte nacional.
Un ejemplo de una iniciativa reciente del gobierno, es la creación de la Universidad de las
Artes en el año 2013. Este proyecto emblemático nace gracias al Plan Nacional del Buen
Vivir del 2009. Una de las doce estrategias de cambio de este plan es la “Transformación de
la educación superior y transferencia de conocimiento en ciencia, tecnología e innovación”
con base en el artículo 280 de la Constitución del Ecuador. El promotor y gestor de este
proyecto es el Ministerio de Cultura, bajo la transformación social que fundamenta el cambio
en la construcción del Buen Vivir o Sumak Kawsay. La creación de la Universidad de las
Artes es una muestra de que el estatus del arte en el país puede dar un giro positivo. El tener
una universidad dedicada a los artes, aportará al crecimiento de artistas jóvenes, motiva su
aprendizaje y garantiza de cierta manera la búsqueda de nuestras raíces diversas, su
conocimiento y valoración.
5.1 Obras
 5.2 Sitios
5.3 Autores
CONCLUSIONES
 Se puede concluir de la investigación la gran importancia que tiene el poder
conceptualizar cada término para poder entender de mejor manera cada arte con sus
respetivas representaciones.
 Se concluye, la gran relevancia que tiene el arte contemporáneo en la actualidad ya
que muchas de las construcciones que existen en el mundo parten de este arte, del
estilo moderno y demás estilos teniendo como resultado grandes construcciones que
se puede apreciar en la actualidad.
 En conclusión se llegó, que el arte contemporáneo ha evolucionado a comparación de
las demás artes para mejorar el estilo de vida de las persona ya que sus construcciones
son mucho más modernas y agradables para el ser humano usando materiales mucho
más resistentes que en la antigüedad.
RECOMENDACIONES
 Es recomendable el seguir conociendo de manera individual cada arte con sus
respectivos representaciones para poderlos poner en práctica en la vida profesional.
 Se recomienda el entendimiento de cada tipo de arte que se ha venido sabiendo para
poder ser más competitivo dentro y fuera de la vida universitaria.
 Se recomienda poner énfasis y atención a cada tipo de arte para poderlos diferencias
en distintos tipo de construcción dentro y fuera del país