CREACIÓN DE UN PERSONAJE

Constantin Stanislavsky

Nataly García Pinilla

Creación de un personaje escrito por Constantin Stanislavsky, nos habla de un método de
actuación con la idea de darle vida a los personajes a través del actor con la mayor
sinceridad posible. En el siguiente ensayo hablaré sobre la actuación y la interpretación
del canto lirico como interprete en formación.
Creación de un personaje

Su autor Constantin Stanislavky propone recobrar la vida del personaje a través del actor,
para esto es importante una búsqueda interior, una investigación y observación exterior, y
así dejar de lado los estereotipos de interpretación falsa de los personajes, el actor debe
actuar con sinceridad, no generalizando ya que cada uno es único con su mundo interior,
por eso es muy importante conocer detalles del personaje, todo tiene una razón de ser,
por eso no se deben repetir acciones o realizar movimientos sin que comunique algo
verdadero.

Cada personaje debe tener una caracterización, es importante el tener una forma de
hablar, una forma de moverse en el escenario acorde a su imagen, para así lograr
transmitir a otros su mundo interior. Es importante lo externo del personaje como lo
interno. Personificar un personaje implica un cambio completo de personalidad.

Al momento de preparar una personificación no se debe adaptar el personaje al atractivo

personal, recordemos que esa personificación no nos pertenece, lo interno con lo externo
deben ir de la mano, por eso es importante la indumentaria y maquillaje apropiado. La
personificación externa funciona como una máscara que nos oculta.

Ya que en actuación el cuerpo es el instrumento para personificar, es importante el

ejercicio que nos ayude a hacerlo más expresivo, ejercicios diarios que agilicen, tonifiquen,
corrijan músculos y articulaciones, todo esto para evitar llamar la atención con pequeños
defectos que quizás podrían arruinar la personificación deseada. He notado que como
intérpretes de canto en cada clase los profesores de canto corrigen nuestras posturas
mientras cantamos, ya que a veces perdemos la conciencia de nuestro cuerpo, esto rompe
un poco con la magia de la interpretación musical, escucho seguido la importancia de
pararnos correctamente, derechos, con hombros hacia atrás, pecho erguido y piernas
firmes a cada lado.

Cuando preparo nuevo repertorio para cantar, busco traducciones, leo o veo operas para
contextualizar, esto me ayuda a la interpretación, a veces hay obras que realmente tocan
mi alma y me estremecen, me conmueven, pero a veces pueden ser sentimientos o
emociones que perjudican más que ayudan a la interpretación, Stanislavky sugiere que se
experimenten todas las emociones o sentimientos de un papel en ensayos, para así llegar
a la calma y control de todas aquellas emociones que puedan perjudicar la actuación, no
debemos olvidar que si bien debe existir la verdad escénica no debemos perder el control
de nuestras acciones o emociones, para que así el público perciba claramente el mundo
interior del personaje. Es importante que no existan acciones y movimientos que no
expresen nada, todo debe ser una acción real, dejando de lado gestualidades propias, o el
abusar de gestos o acciones.

Como en el canto, en el habla también existen técnicas, para que el actor sea escuchado
por todo el auditorio hasta en la última fila, hablar fuerte y claro, sentir la pronunciación
de cada letra, de cada silaba, cada palabra, esto pareciera un poco difícil para una persona
que se inicia en el correcto hablar en actuación, sinceramente a mí me parece difícil,
porque no estamos acostumbrados a la correcta modulación de las palabras, no estamos
conscientes de nuestra forma de hablar, por ello debemos trabajar en una buena
pronunciación en nuestra vida diaria, para que así sea natural y así evitar preocuparnos
por una mala dicción de las palabras en plena actuación, “El habla correcta tenía que
convertirse en el uso constante, volverse un hábito, formar parte de mi vida misma, ser
para mí una segunda naturaleza” (Stanislavsky, pág. 131). Si tenemos una clara emisión de
palabras, el auditorio no tendrá que hacer mayor esfuerzo para escuchar y poner
atención, no tendría sentido tener un mundo interno lleno de vida y emociones y no tener
una forma adecuada de trasmitir lo que deseamos para el personaje.

Al momento de hablar para un público debemos de tener cuidado de no forzar la voz para
ser escuchados, nuestra habla debe estar libre de tensiones, malos hábitos de respiración,
evitar cualquier violencia que perjudique nuestra voz y que además quite belleza al texto.

“La conclusión a la que se llega es que aun una buena voz natural debe desarrollarse, no
solo para el canto, sino hasta para el habla” (Stanislavsky, pág. 121)

En escenario se da vida a textos elaborados por otras personas, quizás son textos que
están lejos de nuestra realidad, para esto debemos dejar a rienda suelta nuestra
imaginación creadora, debemos investigar, nutrirnos de lo que nos rodea, pues a la hora
de actuar, debemos visualizar todo en nuestra mente, dibujando todo eso en la
imaginación de nuestro interlocutor, y el público, con el fin de convencer y de captar la
atención de estos. Las palabras siempre deben ser usadas para despertar todo tipo de
sentimientos, ideas deseos, sensaciones, imágenes internas, no se debiesen usar palabras
sin alma, sin sentimiento, tal cual en la interpretación del canto, muchas veces nos
veremos frente a composiciones de las cuales tratan de temas, sentimientos y situaciones
muy alejadas de nuestra realidad, pero es nuestro deber investigar sobre todo eso, y usar
nuestra imaginación, visualizar todo, que sea real en nuestra mente y en la imaginación de
los demás, esto creará un ambiente con verdad escénica.

Existen las pausas lógicas y las pausas, psicológicas, las pausas lógicas dan forma al texto,
le dan un sentido, mientras las pausas psicológicas les dan vida a las palabras, y a las
frases. Las pausas, así como los acentos, de igual manera son usados para destacar alguna
palabra clave, dependiendo del lugar donde se ubiquen en el texto le darán diferentes
sentidos, pues un mismo texto puede tener variados significados, gracias a la entonación
de la voz, las pausas y respiraciones. Cuando intérpretes de canto estamos aprendiendo
nuevo repertorio, se nos exige hacer cesuras, respiraciones, pausas, en lugares específicos
del texto, esto para una mayor belleza del canto, que no se pierda el sentido del texto, o
para destacar alguna palabra, también recurrimos a la respiración expresiva.

Tempo-ritmo, en música es algo indispensable, algunos compositores han dejado

especificado cual es el tempo al cual debe ser interpretada su obra, pues esto también
habla de un significado para ellos, tanto el tempo, como los ritmos, y melodías, todo esto
habla de un estado de ánimo, todo esto nos comunica sobre algo, algún sentimiento,
alguna situación, etc. Y así también en la vida misma, cada persona tiene su tempo-ritmo,
y realizan sus actividades dependiendo del tempo-ritmo, así también en la actuación
donde se dar vida a textos, con la intención de reflejar la vida real. Existen tempo-ritmo
internos y externos, los internos son los que se llevan en nuestro interior dependiendo de
como nos sintamos en nuestras emociones o sentimientos, y el ritmo externo, es aquel
que se pudiera utilizar para ocultar lo interno, aquí es donde pudiera aparecer el subtexto,
pues puede ser que en el exterior, se lleve un tempo-ritmo más bien tranquilo, lento, un
habla calmada, pero quizás en el interior, existe toda una tempestad de emociones que
tiene su propio tempo-ritmo, y , esto se puede develar por señales en las expresiones
faciales, o la tensión del cuerpo. El tempo-ritmo como vemos influye en los estados de
ánimo, por lo tanto, tiene gran importancia.

“Cualquier pasión humana, cualquier estado de ánimo, cualquier experiencia tiene su

propio tempo-ritmo” (Stanislavsky, pág. 249)

“Podemos afirmar que el tempo-ritmo es el mejor socio y aliado del sentimiento, por su
virtud estimulante sobre los recuerdos, las emociones y las experiencias mas profundas”
(Stanislavsky, pág. 284)
Como interprete de canto en formación me parece interesante todo lo que plantea
Stanislavky, me llama la atención esa comparación que hace entre la actuación y la
música, me gusta hacer la comparación entre la actuación y la interpretación al cantar, me
hace mucho sentido para llevarlo a la práctica, como por ejemplo, el crear imágenes
mentales que ayudan a la interpretación, e intentar dibujar esas mismas imágenes
mentales en los demás.