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Aprende como poner un precio justo a tu trabajo

Lo relevante en tu labor creativa es conseguir una obra bien


hecha.

Desde el aspecto conceptual, lograr expresar una buena idea


y, mediante recursos técnicos, saberla plasmar
satisfactoriamente.

Dominar el medio en el que trabajas artísticamente y expresar


tus inquietudes es solo el primer paso, aunque para ti esta
etapa sea la más importante del proceso.

Después de conseguida la obra hay que saber venderla y


estipular con acierto el precio justo de cada uno de tus trabajos.

Aunque para los pintores hay medidas standard que pueden


servir de orientación, en otros oficios de arte cada obra
requiere una valoración diferente para su comercialización.

Valor y precio

Estoy seguro que en más de una ocasión habrás oído:” No es


lo mismo valor que precio en una obra de arte”.

De acuerdo. Así es.

Tu obra es genial, tiene tu impronta personal, te identificas con


ella, es única e irrepetible.

Artísticamente vale mucho para ti, pero piensa ¿cuánto estaría


dispuesto un comprador a pagar por ella?.
Medítalo fríamente.

Distánciate de tu obra como autor y observala como un mero


objeto.

Para ponerle precio a una pieza de arte, sea pintura, dibujo,


escultura, obra gráfica, fotografía, cerámica, etcétera tienes
que basarte en una lógica que te sea útil, equitativa y
satisfactoria para cada ocasión.

Vender por puntos

Los pintores tienen una ventaja ya que pueden vender por


puntos.

El tamaño o referencia del bastidor como soporte de un lienzo


de pintura presenta unas medidas universales (largo y ancho),
referidas al sistema de numeración internacional.

Este sistema se creó para facilitar su fabricación en Francia en


el siglo XIX.
Tabla universal de medidas standar para bastidores

Vamos a poner como ejemplo la referencia 8F (46x38 cms.)


que corresponde a un formato para figura. Su valor, según la
referencia, es de 8 puntos.

Cada artista valorará libremente, según su criterio de gastos,


materiales y tiempo invertido, el precio de cada punto.

Si su valoración, por ejemplo, es de 50 euros x punto, un


cuadro pintado en un bastidor 8F le corresponderá un precio
de 400 euros (8 puntos x 50 euro-punto).

Si este mismo pintor realiza un paisaje al óleo o acrílico en una


tela del bastidor 30P (92x65 cms.) el precio de esta obra tiene
que ser de 1500 euros (30 puntos x 50 euros-punto).
Es una solución óptima para poner precio a tus obras
independientemente del tamaño de las mismas.

Precio por centímetros

Otra alternativa que tiene todo artista que trabaja sobre


bastidor de tela, papel, madera o sobre cualquier otro soporte
plano es el de estipular sus precios por centímetros cuadrados.

Igual que el apartado anterior debe ponerle un precio al


centímetro cuadrado, en función de lo que él valore su trabajo.

Por ejemplo, 1 euro x 1 cm2. Si tenemos en cuenta que ha


trabajado sobre una superficie de 90x60 cms. debe hacer el
siguiente cálculo: 90x60=5400 cms2. x 1 euro-cm2.= 5400
euros.

Este es el valor de la obra. Con estos dos sistemas de cálculo,


por puntos o por centímeto cuadrado, los artistas pueden
valorar comercialmente sus trabajos de una forma eficaz y
justa.

El cliente siempre sabrá que una obra más pequeña que otra
vale menos por su tamaño, pero no tiene menos valor artístico
que otra que sea más grande.

Vender por coste de producción

Si eres escultor o un artista que trabaja tridimensionalmente en


cualquier técnica, la valoración mercantil de tus piezas debe
ser distinta a las opciones que hemos explicado hasta ahora.
Sabemos que en el mercado del arte una obra gráfica vale
menos que un cuadro al óleo, pero que una escultura en
bronce es mucho más cara que ambos.

¿Por qué?. Está claro.

Por los materiales, la fundición y la intervención de terceros en


la realización de la escultura final.

Una forma satisfactoria de calcular el precio de una obra


tridimensional puede ser basándose en los siguientes puntos:

– Horas invertidas.

– Coste de materiales.

– Gastos externos ( fundición, transporte, embalaje…)

– % de creatividad (fijalo según tu criterio). Podría ser un 25%,


por ejemplo.

NO TE SOBREVALORES

Es imprescindible que a la hora de poner precio a tu trabajo


seas legal contigo mismo y realista con la situación actual del
mercado. No te sobrevalores.

Recuerda que para ti tu escultura, pintura, dibujo o fotografía


vale mucho, pero tendrás que venderla si quieres vivir
profesionalmente de tu trabajo como artista.

A la hora laboral ponle un precio justo, como si fueras un


profesional de otro sector.

No vayas sacando pecho y considerando que lo que tienes es


único.
Para ti, seguro que sí. Será algo especial, pero todo es
reemplazable y la oferta que hay en el mercado es muy amplia
y variada.

Pon a tu obra un precio justo y el mercado la revalorizará


con el tiempo
Twittea esta frase

Con el paso del tiempo y superándote día a día conseguirás


una justa cotización.

Si eres un artista emergente que se está introduciendo en el


mercado, puedes empezar por ponerle a la hora de trabajo
alrededor de los 15 euros, por ejemplo.

Observa a otros artistas similares.

Analiza su obra y el precio que tienen.

Recuerda que si eres “nuevo” en este mercado no puedes


vender al mismo precio que un artista de amplio recorrido y con
una demanda de su obra establecida.

Es preferible subir poco a poco y hacerlo a medida que exista


una demanda favorable que, pasado un tiempo, tengas que
bajar los precios porque no vendas.

Si alguien te ha comprado a 500 euros y, pasado un año, el


mismo formato y temática lo estás vendiendo a 350 euros es
una mala política; muy mala política.

Da la impresión que has engañado al que te ha comprado al


principio a 500 euros.

Subir es fácil, pero después cuesta mucho bajar.

Sube poco a poco, aunque ya tengas establecido un pequeño


hueco en el mercado.
Siempre, aunque no te lo pidan, debes poder justificar las
subidas de precio.

Los precios altos frenan al comprador.

Los precios bajos te subestiman.

Tampoco seas barato.

Hay diferencia entre un precio bajo y justo de uno “tirado”.

Si es muy bajo y está por debajo de la calidad de tu trabajo el


mercado no te tomará en serio.

¿Cuando puedo subir el precio?

Las subidas de precio no deben ser contínuas

Tu clientela seguro que se mueve en un reducido círculo de


familiares, amigos o conocidos que te han comprado porque
tienen una relación contigo.

Si vendes a través de una galería profesional el mercado


también será reducido.

Seguramente los compradores se conocen e, incluso, se


interrelacionan entre ellos comercialmente.

Debes ser formal en lo que se refiere a los precios.

Si has decidido aumentar los precios, hazlo porque has tenido


una exposición importante, porque se ha consolidado la
demanda de tu obra, porque avanzas más lentamente al trabajr
con más precisión y detalle, porque has ganado un premio
importante o cualquier otro motivo por el que puedas justificar
la subida.

No hagas aumentos bruscos y desproporcionados.


Actuar de esta forma, a medio plazo, te perjudicará.

Mi consejo es que subas gradualmente entre un 10% ó 12%.

También hay que tener en cuenta que si produces mucho el


precio puede ser más bajo para dar salida a toda la producción.

Si tu trabajo es más lento tienes que rentabilizarlo y ponerle un


mayor precio.

A ti lo que realmente te importa, seguramente, es encerrarte en


tu taller-estudio y disfrutar creando con total libertad, pero, si
deseas vivir profesionalmente de tu obra como artista, debes
entender el juego de la oferta y la demanda que impera en el
mercado del arte y que, por añadidura, tiene sus propias
peculiaridades.

Al no existir unas reglas universales y establecidas para poner


precio a los trabajos de arte, tienes que buscar el mayor
equilibrio posible entre valor y precio.

Los coleccionistas, compren en la galería o en el estudio,


acostumbran a regatear y el artista debe aceptar este tira y
afloja de manera inteligente.

Debes disponer de un margen en los beneficios que te


permitan este juego: satisfacer la petición del comprador, sin
menoscabo de sus propios intereses.

Relación con las galerias

Trabajar con una galería profesional es la aspiración de todo


artista.

Es disponer de una representación experta y dedicada


comercialmente a promover tu trabajo.
Puedes delegar en ella todo lo mercantil dedicándote por
completo a crear.

En lo que se refiere a los precios, debes consensuarlos con la


dirección de la galería.

Por tu parte, debes tener en cuenta el porcentaje de la galería,


los gastos adicionales por exposición, la posible participación a
ferias, etcétera.

Evalúa todos los costes al no vender tú directamente, sino a


través de un intermediario.

No engañes a la galería.

No lo hagas vendiendo a un precio inferior.

No engañes a la galería.No lo hagas vendiendo tu a un


precio inferior.
Twittea esta frase

Si vendes algo en el estudio debes respetar los precios de la


galería que te representa.

Es importante para tu carrera tener una buena representación y


no debes competir con ella.

A nadie le favorecerá y, a medio plazo, un comportamiento


desleal es perjudicial para ambos no respetar el precio que
hayáis acordado en común.

Hasta aquí ya te he contado todo lo que tenía pensado en


explicarte referente a los precios y como estipularlos de forma
satisfactoria.

Analiza las posibilidades de tu trabajo y pon en práctica la


solución que consideres más acertada.
Siempre habrá un margen para rectificar si te has equivocado
en algo. Merece la pena hacer las cosas bien y ponerle un
precio justo a tú trabajo es muy importante.

Trabajar gratis, ¡NO! por amor al arte


Como artista, en algún momento, o con demasiada frecuencia, te habrás tenido que enfrentar
a los que pretenden que tu trabajo les salga gratis.

Si les dices que vives de tu trabajo y que tienes que cobrar por ello seguro que no te toman en
serio, porque entienden que lo haces porque te gusta y, si es así, puedes hacerlo sin cobrar o a
bajo precio.

INDICE DE CONTENIDOS

1.Trabajar gratis, ¡nunca!.


2.Todo el mundo debe ser tratado como cliente.
3.Firmeza para no malvender tu trabajo.
4.Excepciones para regalar tu arte.
5.Intromisiones no deseables: hobby vs profesión.

En el plano laboral, el artista suele estar infravalorado y socialmente la práctica del arte no se
entiende como una profesión normalizada, como podría ser ejercer la abogacía o regentar un
taller de mecánica.

Seguro que cuando decides ser artista, incluidos familiares y amigos, no te tomaron muy en
serio o te aconsejaron que eligieras cualquier otra profesión que la sociedad considera más
“formal” y estable.

La anécdota de un amigo: ”¿Dedicarte a la escultura?. Vale, pero será para los fines de semana
y las vacaciones. ¿No pensarás dejar la oficina? Está muy bien como entretenimiento, pero ¿de
qué vas a vivir?.”

Para la mayoría de la sociedad, el arte, en cualquiera de sus manifestaciones, es algo lúdico y


una ocupación más romántica que real para tenerla como medio de vida.

Trabajar gratis, ¡nunca!


Hazte esta pregunta:”¿En que mal día empecé a aceptar hacer trabajos gratis y porque
motivos?.

Seguro que te convencieron con la excusa de que ganarías con “visibilidad” y que sería muy
relevante para tu currículum.

¡¿Qué visibilidad?!. Lo que quieres es que tu trabajo y esfuerzo sea pagado, como profesional
que eres y porque te has tenido que hacer autónomo (esa es otra carga por la que tienes que
cobrar),.

Como cualquier otro mortal el artista tiene facturas que pagar, obligaciones fiscales que
cumplir, gastos de material que costear, inversión de tiempo, esfuerzo personal y unas
cualidades que otros no tienen para desempeñar su trabajo.

Condiciones suficientes y más que válidas para que se respete su trabajo y no acepte bajo
ningún concepto proposiciones de este estilo: “pensaba que éramos amigos y no me
cobrarías”, “te interesa hacer este trabajo, aunque sea gratis, por la difusión que tendrá”, “a
ver si tienes un hueco y me diseñas el logotipo de la web”, “la exposición es para recaudar
fondos y podrías regalarnos un cuadro”….

Existe la convicción de que los artistas viven del aire y por amor al arte, que son generosos,
desprendidos, siempre dispuestos a regalar su obra, a colaborar altruistamente con todo tipo
de iniciativas sociales o culturales, por una innata condición de filantropía.

Abundan las galerías que te ofrecen promoción a cambio de tu obra, concursos con premios
simbólicos, ofertas que mejoraran tu curriculum a cambio de participar gratuitamente,
colaboraciones sin cobrar en revistas o en ilustrar un libro.

Cada uno es libre de hacer lo que quiera con su tiempo, e incluso trabajar gratis, pero esta
decisión convierte tu profesión en un campo abonado para que tus derechos como artista sean
pisoteados y no se te tome en serio.

El trabajo dignifica y si, además, trabajas en lo que ha sido siempre tu vocación habrás
conseguido tu máxima aspiración, siempre y cuando percibas una remuneración justa por
ejercerlo.

Todo el mundo debe ser tratado como cliente

Desde el momento en que se trata de trabajo todo el mundo es cliente y no hay que trabajar
gratis para nadie, incluido familiares, amigos o colegas.

Practicar esta norma no significa llevar a cabo un afán recaudatorio o una voracidad comercial
sin límites, sino entender que trabajar gratis va en menoscabo de tu propio talento.

Con demasiada frecuencia, creativos del sector de las artes visuales son invitados a participar
en proyectos en los que se juega con la precariedad del sector.
Se les solicita trabajos previos, bocetos, ideas sin pagar nada a cambio, porque saben que la
oferta será amplia y lo hacen bajo la cobertura de una convocatoria concursal.

Son ofertas de trabajo especulativo que, probablemente, nunca se materialicen, pero a los que
tú les dedicas tiempo y aportas tu capacidad para desarrollarlos, para que quien los haya
convocado se beneficie de tu esfuerzo.

Proposición de colaborar que habitualmente escuchan los ilustradores: ”Ten en cuenta la


publicidad que vas a tener si cada semana realizas una ilustración para la revista. No cobrarás,
pero la difusión de tu obra será enorme… “

Al dar gratis o a bajo


coste tu trabajo no solo te infravaloras como profesional, sino que siempre hay alguien que
termina aprovechándose de tu trabajo.
La cultura se mantiene gracias a los creativos, pero quienes regulan su funcionamiento son los
intermediarios, como compradores y vendedores, sin tener en cuenta que el artista es el que
realiza la producción y, por ello, debería ser el protagonista más determinante.

La realidad en que vive queda reflejada en el estudio ‘La Actividad Económica de los/las
Artistas en España’, que ha realizado la Universidad Antonio de Lebrija en la que queda
patente la precariedad del sector.

Sólo el 15% de los artistas pueden vivir exclusivamente de su arte; para el 50% sus ganancias
son inferiores al Salario Mínimo Interprofesional (SMI); el 32% mantiene una relación
profesional con las galerías, pero solo un 3% manifiesta su satisfacción en esta relación
comercial.

Son motivos más que relevantes para obtener con tu producción artística lo que consideras
justo y no aceptar nada por debajo de tu tarificación o de ofertas de gratuidad por
condicionamientos de amistad o a cambio de promoción, por ejemplo.

Firmeza para no malvender tu trabajo

En cualquier especialidad del arte, si trabajas por encargo siempre te encontrarás con clientes
que ofertan a la baja, regateando el precio.

Te entra la duda y puedes llegar a pensar que si trabajaras con precios más bajos estos
regateos no se producirían, pero la realidad es que pidas lo que pidas este tipo de clientela
siempre actuará de la misma forma.

No dudes, mantente firme y defiende tu trabajo con precios realistas sin malvender tu arte.

El cliente debe implicarse en el proyecto que te encarga y si lo consigue a bajo precio lo


infravalora y no se involucra cuando el esfuerzo económico que hace es mínimo.

Sin embargo, no por hacerle el trabajo barato dejará de exigir por su parte la mayor calidad.

Si tu trabajo es garantía de calidad debes obtener lo que consideres justo por él y el cliente
debe aceptar tu presupuesto y condiciones de trabajo.

Alguna vez te habrán dicho: “Empieza a trabajar en ello, mientras vamos a ir buscando la
forma de financiarlo y no te preocupes que esto se hace seguro”.

Acostumbra a negociar el cobro anticipado de un porcentaje, que puede oscilar entre un 30% a
un 50%, del presupuesto por adelantado antes de empezar el encargo.

No seguir esta norma puede perjudicarte económicamente y perder en su totalidad el trabajo


que hayas realizado.

Mientras estas inmerso en el encargo puede ocurrir que el cliente cambie de idea, anule el
compromiso, introduzca modificaciones no previstas o cualquier otra causa de fuerza mayor
que no permita seguir adelante.
Si no has cobrado nada anticipadamente, lo más probable es que hayas perdido el tiempo y el
dinero.

Excepciones para regalar tu arte

A la hora de trabajar gratis (o casi gratis) para alguien o por alguna causa hay que hacerlo con
cuentagotas y sólo en situaciones muy especiales.

Los únicos trabajos gratis que debes estar dispuesto a hacer son los que tu hayas decidido
personalmente o hayas buscado, pero que nadie te ha pedido.

Son aquellas situaciones en las que tú puedes estar implicado en alguna causa por la que crees
que debes colaborar y porque lo haces con la aportación desinteresada de tu trabajo creativo.

Tu obra es algo muy especial para ti y te desprendes de ella altruistamente solo en contadas
ocasiones y por motivos muy personales.

No porque te la pidan.

La cuestión está en saber diferenciar que no es lo mismo trabajar gratis para que se beneficien
los demás o hacerlo para que revierta en beneficio propio.

Intromisiones no deseables: hobby vs profesión

Expresarse a través del arte es la posibilidad que tiene el artista para exteriorizar sus
emociones.

La creatividad permite a una persona satisfacer su necesidad de expresar y materializar sus


ideas.

Esta actividad puede ejercerse como hobby o ser tu profesión en cualquiera de sus múltiples
manifestaciones.

Si se convierte en tu medio de vida te ves en la obligación de rentabilizarla económicamente.

Por el contrario, si es solo una afición tienes la libertad de poder beneficiarte de las ventajas
emocionales que te aporta, sin preocuparte si será o no rentable.

Como aficionado, al no tener que vivir de tu obra puedes disponer de ella como consideres
más oportuno y ocupar tu tiempo libre en la actividad que más te satisface.

No es conveniente que malvendas o que aceptes ofertas a bajo coste por el simple afán de
visibilidad o protagonismo.

Puedes limitarte a almacenarla para tu disfrute propio, regalarla, venderla o deshacerte de ella
si no te satisface.
Nadie te va a coartar tu libertad de hacer lo que quieras con tu obra, pero es bueno que tengas
en consideración que según actúes puedes perjudicar indirectamente al artista que sí vive de
ella.

El profesional que está legalmente constituido tiene la obligación de hacer frente a unos
gastos ineludibles que no tiene el que practica el arte como afición o por necesidad personal
de expresarse a través de él.

La comercialización de su obra que hace el aficionado, por ejercer temporalmente, o el


creativo que trabaja en una circunstancia de economía sumergida perjudican directamente al
profesional.

Conociendo esta debilidad del panorama de las artes visuales, se ofertan encargos “low cost” a
los que se apuntan muchos aficionados, pseudoartistas o malos profesionales que con una
preparación mínima osan aceptar estos trabajos, perjudicando profesionalmente al sector.

No es cuestión de ponerle puertas al campo del arte, pero si es conveniente respetar una
normativa no escrita, pero necesaria para convivir dignamente en el mismo espacio.

Lamentablemente, el sector del arte es algo excepcional cuando se trata de derechos laborales
y de un justo reconocimiento profesional.

Hay que combatir todas estas situaciones adversas que menoscaban la supervivencia del
profesional creativo para cambiar esa sensación de inestabilidad profesional y económica que
embarga su vida.

El artista, cualquiera que sea el área en que desempeñe su creatividad, debe cohesionar un
status profesional indiscutible y vigoroso en el que no pueda caber ninguna de estas
proposiciones inaceptables de trabajo gratis o de bajo coste, pretensiones demasiado
frecuentes y arraigadas en la sociedad.

Aprende desde hoy mismo a decir “no” y elimina de tu cabeza la idea de “trabajar gratis”,
porque ese no es el camino adecuado para obtener clientes.

Todo lo contrario: es la manera de alejarlos e iniciarte en un círculo vicioso que marcará tu


futuro.

Artistas viajeros, nómadas y creativos


Los artistas viajeros son apasionados del arte y de los viajes, que buscan en su aventura una
percepción del mundo enriquecedora con la que nutren su espíritu inquieto y que no
encuentran en la vida ordinaria.

El viaje alimenta y motiva al artista a dejar constancia de su recorrido por el mundo, porque en
cada nuevo paso que da se le despiertan pensamientos e inquietudes creativas.
Le saca de su espacio de comodidad, le agudiza su percepción y le obliga a superarse en la
espontaneidad y la improvisación.

Cada uno tiene un motivo distinto para emprender la aventura, pero todos se plantean la
posibilidad de vivir de su creatividad durante el viaje y con su trabajo artístico poder sufragar
los gastos de desplazamiento, alimentación y hospedaje, entre otros.

INDICE DE CONTENIDOS

1.Artistas viajeros y nómadas digitales.


2.Mosaico de artistas viajeros.
2.1. Viajar pintando murales.
2.2. Viajar, dibujar, viajar.
2.3. Búsqueda personal.
2.4. Por el puro placer.
2.5. Vamos dibujando el camino.
2.6. Cuaderno de viaje de J. Dorao.
2.7. Recorriendo América Latina…
2.8. Por ahora pinto mis viajes.
2.9. Caminar y retratar el mundo.
2.10. Pintar es parte del viaje.
2.11. El mundo en un vaso.
2.12. Tras la huella de los famosos.

Lo que hacen es arte para disfrutar del viaje y crear con lo que van descubriendo cada día en
su recorrido.

Es arte para vivir porque les apasiona la aventura y pueden desempeñar su vocación artística
de una manera nómada.

Es una alternativa completamente diferente a la de trabajar en el estudio y con un


planteamiento del día a día totalmente opuesto, ya que las prioridades no pueden ser las
mismas.

No es lo mismo plantearse viajar sin billete de vuelta para disfrutar del camino o viajar a un
destino concreto y con una disposición de tiempo limitado.

Celebrar una exposición fuera de su localidad, tener la posibilidad de materializar un proyecto


en una residencia de artistas, desplazarse a otro país para disfrutar de una beca, participar en
una feria o en alguna otra convocatoria de arte que obligue a viajar y ausentarse por unos días,
son oportunidades que se le presentan al artista para salir de su hábitat.

Actividades que debe aprovechar para relacionarse con otros compañeros, otros mercados y
otros entornos diferentes al suyo y que enriquecerán su creatividad y ampliarán sus relaciones
profesionales.

En estos casos, aunque se disfrute al máximo del desplazamiento y de la estancia, estos viajes
están motivados por una necesidad ajena al mismo hecho de viajar.
Artistas viajeros y nómadas digitales

Los artistas viajeros aúnan en un solo fin el arte y el viaje con la finalidad de disfrutar de ambos
y que sean complementarios en su aventura personal de recorrer el mundo.

Las nuevas tecnologías les permiten mantener al día el contacto con sus seguidores y recoger
en su blog las incidencias del viaje, además de canalizar la comercialización de su trabajo.

Utilizan su capacidad artística ( pintura, dibujo, fotografía, videos, artesanía…) y la difunden de


diversos modos, a través de páginas web (como hace Irene López de Castro), de algún
marketplace (Dibujando el Camino lo hace en Etsy), vendiendo sus fotografías (Sergio Lòpez),
realizando videos (González-Sitges), ilustrando cuadernos de viaje (como es el caso de Joaquín
Dorao ), dedicándose al diseño gráfico freelance (como la pareja del Plan B Viajero) o pintando
murales (Alexis Díaz), entre otras opciones.

Entrevista con el ceramista norteamericano Marck Gordon durante su viaje por Europa.

En la década de los años ochenta trabajaba en un periódico y me acuerdo que entrevisté al


ceramista norteamericano Mark Gordon que recorría Europa y se financiaba con las piezas de
cerámica que vendía.

Según el lugar donde se encontraba, hacía un alto en su viaje de 2 o 3 meses mientras


localizaba un taller que le permitiera llevar a cabo el trabajo y buscaba la forma de poder
comercializar la cerámica contactando con salas de exposiciones, tiendas especializadas o
venta directa en el mismo taller.

Las ganancias que le reportaban las ventas le permitían seguir viajando y repetía el proceso
cuando encontraba en otra ciudad las condiciones de poder realizar una nueva colección a
corto plazo y comercializarla.

Normalmente, los que emprenden este tipo de aventuras son gente joven, solos o en pareja,
que deciden hacer realidad su sueño de volar y emprenden el viaje alrededor del mundo, a un
continente o a un país siempre recogiendo sus experiencias en su cuaderno de viaje.

Las anécdotas que nos podrían relatar cada uno de estos artistas viajeros son múltiples, igual
que las situaciones embarazosas y la capacidad de improvisación que deben desarrollar para
poder superarlas.

Contarlas es material para otra ocasión, porque se merecen un artículo en exclusiva.

En este artículo me he centrado principalmente en los artistas viajeros que utilizan las
modalidades de dibujo e ilustración para expresar sus experiencias, ya que requieren un
equipo mucho más ligero que otras técnicas y una ejecución más inmediata de la obra.

Acuarelas, lápices, bolígrafos y un bloc ocupan poco espacio en la mochila y los dibujos son
más fáciles de guardar e incluso para reproducirlos gráficamente.
Mosaico de artistas viajeros

A través de internet, es fácil conocer lo que hacen y he recogido un resumen de las


declaraciones que han hecho al ser entrevistados o que han manifestado en su blog y que
expongo en el siguiente mosaico:

VIAJAR PINTANDO MURALES

No le gusta pintar con spary. Con un pincel de varios centímetros y tinta china negra, el artista
puertorriqueño Alexis Díaz viaja por el mundo plasmando murales urbanos a gran escala, un
sueño que tenía desde niño y que ha logrado hacer realidad.Los primeros murales los realizó
en San Juan de Puerto Rico y en el Miami Art Basel de 2011, donde sus creaciones les sirvieron
para ser invitados a hacer murales en Perú, México y EE.UU.”El 80 % de este año lo he pasado
en Europa. En Australia y Londres tuve la oportunidad de hacer al menos dos murales”, ha
explicado.

+INFO

VIAJAR, DIBUJAR, VIAJAR…

Fernando González Sitges: “En el mundo apresurado en que vivimos, los cuadernos de viaje
están en peligro de extinción. Ya no hay tiempo para pararse a pintar, para esbozar con
rápidos trazos el dibujo de un lugar, un animal o un indígena. Dibujar, pintar, lleva tiempo. Y el
tiempo es el bien más escaso en nuestra sociedad. Incluso entre los viajeros más avezados.
Siempre hay que volver rápido, hay etapas que cumplir, hay presupuestos que se agotan y
compromisos que no admiten demora. Años después, al abrir un cuaderno de viaje, los
recuerdos vuelven con una intensidad que ninguna foto consigue.”

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BUSQUEDA PERSONAL

Las pinturas de Irene López Castro, inspiradas en África y en la India, son el resultado de más
de veinte años de viajes por Africa e India. A través de su experiencia directa , de sus
cuadernos de viaje y de su personal técnica de dibujo y pintura , ha creado su propio universo
pictórico, en el cual se reflejan diferentes culturas y paisajes llenos de luz y color. “Para mí
viajar ha sido siempre más que una simple inspiración en mi pintura -señala Irene-. Es una
búsqueda personal, una oportunidad de contactar con personas de otras culturas, de
proyectarme y aprender en ellas…”
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POR EL PURO PLACER

Todo lo que la portuguesa Ana Gil experimenta en sus viajes queda dibujado en sus cuadernos
de viaje.Como comenta en una entrevista, la motivación que le impulsa no es otra que “el puro
placer que extraigo del momento. Dibujar requiere paciencia y dedicación hacia lo que
observamos y experimentamos. Eso es lo que más me gusta: consagrarle ese tiempo a lo que
estoy viviendo. Es mi forma de sentir ese lugar, de entenderlo y de enamorarme de él”. Sus
ilustraciones, además de financiarle los viajes, le han valido el favor de 30.000 seguidores en
Instagram.

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VAMOS DIBUJANDO EL CAMINO

Vamos dibujando el camino es el proyecto de la pareja formado por la colombiana Marcelilla


Lilla y el argentino Leandro Baud. Desde el año 2013, recorren el mundo gracias a sus
ilustraciones y su inquietud para explorar nuevas técnicas y procesos creativos de arte urbano.
Su pasión por dibujar y pintar los ha marcado en su forma de vida y peculiar estilo creativo.
Ellos los resumen con estas palabras:”Mezclando colores, agregando luces y sombras, fuimos
desarrollando un laboratorio mágico que nos llevó a éste mundo de ilustraciones y de viaje
permanente”.

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CUADERNOS DE VIAJE DE J.DORAO

“Dividiría mi faceta profesional en lo puramente comercial (mi trabajo como ilustrador para
distintas editoriales y clientes como Samsung, Carrefour, Caja Madrid, Anaya, Cornelsen,
Richmond, McMillan, Vodafone, ING direct…) y lo estrictamente personal. En este último
apartado es donde entran mis acuarelas y diarios de viaje. Aquí se mezclan mis dos pasiones, la
acuarela y los viajes, aspectos que he venido combinando con mayor o menor fortuna, pero
con gran constancia. He estado en los 5 continentes. Suelo viajar sólo, con mi mochila al
hombro, y sin reservas, improvisando, decidiendo sobre la marcha el itinerario.”
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RECORRIENDO AMERICA LATINA…

Plan B Viajero nació en Buenos Aires en el año 2012 y lo componen Gabriela y Camilo
(argentina y mexicano) : “Decidimos salir a recorrer América Latina con mochilas al hombro y
de auto -stop. El viaje, al menos, comenzó con esa premisa hasta que se convirtió en nuestro
nuevo estilo de vida. Si te estas preguntando cómo hacemos para viajar, ¿de dónde
obtenemos dinero? la respuesta es sencilla: trabajando. Escribimos relatos de viajes para
diferentes medios de comunicación y hacemos viajes de promoción de destino. Nuestro mayor
ingreso proviene de nuestra agencia de diseño: Mate Chingón.”

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POR AHORA PINTO MIS VIAJES

Esteban Mazzoncini, fotógrafo, escritor, profesor de Educación Física y pintor: ” Vivir para
viajar es lo que más me gusta hacer. Explorar nuevos destinos es la mejor manera de
“disfrutar” la vida. Disfruto de un uevo proyecto donde la pintura toma forma de cuadro,
cuaderno o rompecabezas. ¡Por ahora pinto mis viajes! Lo mejor de todo esto es que la pintura
permite modificar la realidad, cosa que al tomar una foto no ocurre. En el papel uno puedo
pintar peces en el cielo, niños volando con un barrilete, estrellas en lugares impensados, etc.”

+INFO

CAMINAR Y RETRATAR EL MUNDO

Pablo Morales de los Rios es un renacentista del siglo XXI: Cineasta, pintor, ilustrador,
historietista, escritor, fotógrafo… ¡incluso marionetista y compositor ocasional!. “No concibo
caminar por el mundo sin retratarlo – explica en una entrevista -.Trato de dibujar siempre en
directo y el mismo día en que viajo. Sin embargo, a menudo me veo obligado a dejar alguna
ilustración a medias, o en mente, para retomarla después, como cuando me vi obligado a
terminar un dibujo del Taj Mahal en el hotel porque un guardia armado con un AK47 amenazó
con romperme todo mi cuaderno de la India.”

+INFO

PINTAR ES PARTE DEL VIAJE


La ilustradora extremeña Alicia Aradilla y su novio, el periodista y fotógrafo Sergio Alonso
(madrileño), metieron su vida en unas mochilas y se fueron a ver mundo. “Generalmente
dedico unos 45 minutos a cada uno de los dibujos, de manera que también quede tiempo para
visitar el lugar -señala Alicia, en una entrevista-. La acuarela es la técnica más rápida y permite
captar el momento en pocas pinceladas. Pintar es parte del viaje, no algo accesorio. En el
suelo, en una terraza, en el tren o en un avión. Cualquier sitio es bueno si de lo que se trata es
de encontrar la inspiración.”

+INFO

EL MUNDO EN UN VASO

Berk Armagan es un artista autodidacta turco que utiliza como soporte vasos de plástico para
pintar los sitios a los que viaja. A este artista veinteañero le gusta recorrer el mundo en
autostop, acampando e ilustrando los principales monumentos y paisajes de las ciudades que
visita. Con su venta puede financiar el alojamiento, transporte y demás gastos del viaje.

+INFO

TRAS LA HUELLA DE LOS FAMOSOS

El artista Hank Schmidt in der Beek y el fotógrafo Fabian Schubert desarrollan un proyecto que
auna fotografia y pintura y que se centra en visitar lugares reconocibles donde famosos
pintores como Van Gogh, Monet o Cezanne pintaron sus obras. Sin embargo, en lugar de
intentar replicar sus famosas pinturas, Hank se dedica a reproducir el dibujo de su camiseta
que lleva en ese momento y Schubert lo fotografía mientras pinta. El resultado de sus
divertidas aventuras por Europa combina tanto arte conceptual como la determinación de
hacerlo divertido.

+INFO

Como artista, a lo largo de tu vida tu trayectoria se verá jalonada de nuevas experiencias y


posibilidades de cambio que buscas directamente o que se te presentan por sorpresa en algún
momento.

Disfruta de cada una de ellas y si tienes la posibilidad de plantearte un nuevo estilo de vida,
aprovechalo.

El que hoy te presento, basado en viajar y vivir de tu arte, es una opción muy atractiva que, si
te gusta, debes afrontar con ilusión para disfrutarla y determinación para progresar como
artista y persona.

¡Buen viaje!
¿Dónde y cómo encuentro un
representante artístico?
La figura del representante o marchante de arte es imprescindible para la consolidación de la
trayectoria profesional del artista.

Su rol es representar al artista para realizar negociaciones en su nombre, bien sea


comercializar, promover su obra o su imagen.

Encontrar al experto que promociona y comercializa acertadamente tu trabajo es un objetivo a


conseguir que se marca cualquier artista.

En lo que se refiere al mercado del arte el cometido del representante puede limitarse a
vender tu obra o, con una perspectiva más amplia, ocuparse también de representar,
promocionar, llegar a acuerdos, organizar eventos y orientar estratégicamente el desarrollo a
medio y largo plazo tu producción.

INDICE DE CONTENIDOS

1.¿Para qué necesito un representante?.

2.Tareas de un marchante de arte.

3.¿Dónde y cómo encontrar a quien me represente?.

4.Imprescindible firmar contrato por escrito.

5.Representantes influyentes en el mercado del arte.

Cualquier persona relacionada como intermediario en el mundo del arte puede ejercer como
representante, bien sea como regente de una galería, consultor, marchante o desempeñe
cualquier otra profesión que le mantenga bien relacionado y le facilite el acceso al circuito
comercial con el microambiente del coleccionismo.

Su figura es relevante para un artista, porque tener quien le represente en exclusiva le facilita
todo lo relacionado con el marketing de las artes, pudiéndose centrar en la realización de su
obra artística.

Normalmente, el marchante no dispone de establecimiento y realiza su trabajo de manera


itinerante como un ejecutivo comercial.
¿Para qué necesito un representante?

Puedes elegir comercializar directamente y sin intermediarios tu obra, con lo que evitas tener
que pagar comisiones y administras tu trabajo completamente.

Conozco a algunos artistas que se les da muy bien las relaciones públicas y la comercialización
de su obra, pero la mayoría prefiere ocuparse por completo en el terreno de la creatividad y
dejar las funciones de mercadeo a otra persona si es posible.

No todos consiguen encontrar quien les represente y lo haga correctamente.

Sin embargo, si reconoces que no eres hábil negociando y no te sientes cómodo publicitando
tu trabajo, entonces deberás recurrir a la intermediación del experto como vendedor.

También te interesa tener un representante porque quieres concentrar toda tu atención en


crear y no distraerte con asuntos externos al trabajo del estudio/taller, que es por lo que
decidiste ser artista.

En lo que se refiere a las relaciones públicas, el representante artístico dispone de contactos


con coleccionistas, organizadores culturales y profesionales intermedios que facilitan tu
promoción y a los que a ti te sería más difícil acceder por tus propios medios.

Te dedicas exclusivamente a tu arte y de él tienes que vivir, por lo que conseguir ventas es
primordial para poder desarrollar tu trabajo a pleno rendimiento y disponer de una economía
saneada y estable.

Para que ocurra así, existe la figura del representante quien se ocupará de comercializar
acertadamente y siguiendo las pautas de un plan de trabajo que previamente ha diseñado en
función de tu trabajo y de las aspiraciones artísticas que tengas.

Tareas de un marchante de arte

Las tareas de un representante no se limitan solo a vender, sino también a trabajar para tu
futuro buscando patrocinadores, coleccionistas y oportunidades del mercado o segmento en
que desempeñe su trabajo.

Muchas de las acciones que realiza un marchante no persiguen la venta como finalidad, sino
hacer visible a su representado a los galeristas, críticos y coleccionistas.(ver artículo:
“Intermediarios: ¿Cómo actúan en el mercado del arte?”)

Más que vender inmediatamente, busca la forma más rentable a medio plazo que es la de
“colocar” en una colección o exposición relevante la obra del artista que representa.

Está claro que en un mercado tan subjetivo como es el del arte la reputación del artista se
beneficia del prestigio de las colecciones en que se encuentra su obra.
La demanda de su producción aumenta en la medida que su marca personal consigue
notoriedad en el exclusivo ámbito coleccionista.

Las tareas en las que se ocupa generalmente un marchante, además de vender tu obra, son las
siguientes:

– Organiza exposiciones y la participación a ferias.

– Negocia contratos, intercambios y colaboraciones.

– Aporta asesoramiento comercial y publicitario.

– Atiende la relación con los medios informativos y la crítica especializada.

– Gestiona la tramitación de permisos y documentación de la obra.

– Fomenta, mantiene y crea nuevas redes de coleccionistas.

¿Dònde y cómo encontrar un representante?

Aunque la finalidad sea la misma, no se trata tanto de que tú busques, sino más bien que te
encuentren y que deseen gestionar tu obra.

Los representantes artísticos escogen ellos en función de sus preferencias y de la demanda de


mercado en que se desenvuelven.

No todos los profesionales de la venta son adecuados para comercializar tu obra y no debes
facilitar tu representación a la primera oferta que recibas o a cualquiera que no se identifique
con tu trabajo.

Para ser “encontrado” como artista y que alguien se interese por representar tu trabajo debes
ser visible para estos profesionales.

Promociona y divulga tu obra fuera del estudio/taller.

Participa y acude a exposiciones, actos culturales o afines, ten presencia en internet y procura
que tu trabajo lo conozcan lo más posible en el sector artístico en que te desenvuelves
habitualmente.

Siempre con el apoyo de la calidad y de la originalidad de tu obra, promociona primero y


después te llegarán las ventas y los profesionales que se interesen por representarte.

Además, de estar presente en ferias, exposiciones, abrir tu estudio a visitas o disponer de


página web, hazte presente en cualquier otro sitio que creas que puedes beneficiar tu
promoción.

Pero, en cualquier decisión que tomes, ten mucho cuidado con las ofertas engañosas, ya que
lo único que consigues con ellas es que te cueste dinero y trabajo ; a cambio, tan solo añadiras
en el historial una línea más de curriculum dudoso.(ver artículo “¡Cuidado con las pseudo-
galerías!. El artista siempre sale perdiendo”).

Infórmate sobre que reputación tiene quien quiere representarte y que actividades
desempeña en el mercado del arte.

Contacta con otros artistas que representa o ha representado en algún momento para conocer
su opinión y como es o ha sido su relación profesional.

Conócelo personalmente y averigua si la línea de representación que lleva es acorde con la


temática y características de tu obra y si su intermediación es temporal o está dispuesto a
trabajar a largo plazo.

Conviene dejar bien claras cuáles son tus aspiraciones en lo que se refiere a exposiciones,
ferias, ventas directas, encargos o proyectos para que sepa cómo enfocar tu carrera.

Como prevención, pon la condición de supeditar al principio la colaboración a un tiempo


limitado, que después puede consolidarse o ampliar si el resultado es positivo para ambas
partes.

Imprescindible firmar un contrato

Si trabajas con un representante artístico, desde el primer momento debe quedar muy claro
en qué términos se desarrollará vuestra relación.

Negocia al detalle las condiciones en base a las cuales vais a trabajar y exige que queden
reflejadas por escrito.

En la inmensa mayoría de los casos, suele ocurrir que el artista se conforma con un acuerdo
verbal, pero, en mi opinión, es conveniente dejar por escrito las obligaciones de uno y otro lo
más detalladas posibles.

Incluso en el propio ámbito cultural, formalizar un contrato como puede ser la actuación de un
grupo musical o de teatro en determinado evento es lo razonable, mientras que si es un artista
visual quien lo plantea se suele entender como una falta de confianza.

Ten siempre presente que un contrato por escrito (no acuerdo verbal) da seguridad por ambas
partes, concreta lo que se pacta y a lo que se obliga cada uno de los firmantes.

Como señala el bufete de abogados MYL: ”En la normativa española o europea no existe una
duración mínima o máxima para el contrato de representación artística. La media suele estar
entre dos y cinco años. Si el representante tiene la exclusividad y no se ha comprometido con
muchas obligaciones le interesará una duración lo más amplia posible, mientras que el artista
querrá negociar períodos cortos y/o revisables.”
Representantes influyentes en el mercado del arte

En el mundo del arte hay nombres que a todos nos son familiares como representantes
influyentes y poderosos que marcan la pauta del coleccionismo, decidiendo según su criterio el
rumbo del exclusivo mercado del arte.

Estas “superestrellas” poderosas e influyentes son nombres, entre otros, tan conocidos como
Larry Gagosian, Charles Saatchi, Harry Blain o Jay Jopling que promocionan a través de sus
respectivas galerías la obra de sus patrocinados con gran habilidad y agresividad.

Disponen de recursos económicos para hacer frente a todo tipo de promoción internacional,
tienen buen olfato para los negocios y excelentes contactos a todos los niveles para sustentar
sus inversiones.

Han conformado con sus actuaciones un complejo escenario del mercado del arte más
exclusivo y caro al que solo puede acceder un club muy selectivo de coleccionistas y artistas
que representan.

Es una jungla elitista, casi inaccesible, a la que pertenecen unos pocos artistas escogidos por
estos poderosos representantes que comercializan su obra y a los que no se les cuestiona ni la
calidad ni el precio.

Muy alejados de este mercado se encuentra el 99% de los artistas cuya aspiración más
inmediata es poder vivir de su vocación dignamente y sin malvender su obra.

Si te descubre alguno de estos “gurús” del arte, es probable que decidas trabajar con él, pero,
hasta que no recibas su propuesta, te aconsejo que busques un representante más acorde con
tus posibilidades actualmente.

Anímate a exponer tu opinión o relatarnos tu experiencia con los marchantes.

Te espero en los comentarios, donde te leeremos y, por mi parte, te responderé.

Nos vemos.

¿De què viven realmente los artistas?


Si nos atenemos a la opinión de una mayoría de artistas, incluso con varios años de profesión,
es prácticamente imposible vivir exclusivamente del arte y la prueba está en que un gran
número de ellos se dedican a la enseñanza o trabajan en otra actividad, muchas veces, no
vinculada con la creatividad.

En el estudio “La actividad económica de los/las artistas en España”, de los profesores Isidro
López-Aparicio y Marta Pérez, se señala que “más del 45% de los artistas afirman que sus
ingresos totales anuales, ya sea por actividades artísticas o de otra índole, se sitúa por debajo
de los 8.000 euros, es decir, por debajo del salario mínimo interprofesional en España. De esos
ingresos, los que proceden del arte llegan al 20%”.

Si nos guiamos por estos datos, la precariedad es la tónica general y es difícil vivir de tu
actividad creativa si no lo alternas con otro trabajo.

Esta es una parte de la realidad con la que tienes que enfrentarte y que te puede inmovilizar
como artista si has decidido hacer de tu vocación tu medio de vida.

Antes, cuando decidistes estudiar arte o cuando tomastes la determinación de convertirlo en


tu trabajo, también tuvistes que asumir, probablemente, la falta de apoyo o la opinión en
contra de familiares y personas de tu entorno que, con buena intención, te aconsejaban que
buscaras otro trabajo, porque ser artista “no es estable”, “no tiene futuro”, ”no da dinero” o
“es cosa de románticos”.

Visto desde esta perspectiva el panorama es desalentador, a pesar de que tu determinación de


seguir adelante sea firme. Entonces, ¿Hay que tirar la toalla?

¡No!, porque si confías en ti, sí se puede ejercer de artista y vivir de ello.

Nadie dice que sea fácil conseguirlo, pero hay mucha desinformación social sobre las
posibilidades y salidas profesionales que hay para dedicarse al arte y que te resulten
económicamente rentables.

Las ocupaciones a las que puede dedicarse una persona con formación artística pueden ser
múltiples.

Tienes que desarrollar un plan de trabajo lo más definido que te sea posible para que su
culminación se materialice de manera satisfactoria.

Puedes desarrollar tu creatividad en todo tipo de trabajos creativos relacionados con tu


formación artística o trabajar exclusivamente en tu obra y comercializarla a través de los
circuitos establecidos en el mercado del arte.

SALIDAS PROFESIONALES PARA EL ARTISTA

No limites la posibilidad de ganar dinero con tu trabajo exclusivamente a tu obra personal.

Una constante que se repite en los artistas emergentes es que cada vez más prescinden de
intermediarios y gestionan directamente su trabajo.
Los artistas emergentes cada vez más prescinden de intermediarios y gestionan directamente
su trabajo.
Twittea esta frase

Los gustos de la sociedad han cambiado y hay que adaptarse a los nuevos tiempos, porque las
prioridades del público en cuestiones artísticas ya no son los mismas que hace unos años.

Como artista tienes que actuar con imaginación y hacer que tu oferta se ajuste a su demanda.

Hacer lo contrario te permitirá más libertad creativa, pero también condicionará tus
posibilidades de conseguir ingresos.

Seguro que te saldrán encargos y los beneficios económicos que te aporten te darán más
holgura para después poderte dedicar por completo a crear tu propia obra.

Los encargos pueden ser pintar un retrato, realizar una escultura para un espacio público, una
edición limitada para un acto socio-cultural, participar en un proyecto con tu aportación
artística, ilustrar una publicación o hacer un cartel de fiestas, por ejemplo.

Las posibilidades son muchas y todas ellas muy dignas de desarrollar sin que se tenga que
sentir herido tu orgullo.

La arrogancia es mala compañera y, aunque algunos la practiquen, distorsiona la realidad,


distanciándote del verdadero objetivo que persigues y que no es otro que el de poder vivir
ejerciendo el oficio que te gusta.

Si eres un artista emergente busca tu clientela en particulares cercanos, colectivos,


instituciones locales o en firmas relacionadas con el diseño, la publicidad, la ilustración o afines
(ver “Consejos que te ayudarán a vivir de tu arte” ).

Las clases a particulares o a colectivos es otra salida que puedes poner en práctica uno o más
días a la semana o durante un curso programado si el nivel es más especializado.

Puedes impartir la enseñanza directamente en tu taller, en locales de asociaciones, en


instalaciones municipales o en aulas de colectivos que las demanden.

Trabajos puntuales de restauración pueden ser una salida profesional, igual que encargos
personalizados para la industria o las artes gráficas.

Si tienes la oportunidad de hacerlo y capacidad para llevarlo a buen fin también puedes
generar ingresos con colaboraciones en seminarios y conferencias, comisariado o montaje de
exposiciones o en la participación en talleres

Es posible que prefieras tener unos ingresos seguros a final de mes y optes por alternar tu
creatividad con un empleo a tiempo parcial.

Si eliges esta opción puedes opositar a ofertas de empleo en el campo de la museología, de la


restauración o del profesorado en la especialidad de artes plásticas.
La autogestión e internet son opciones que hoy en día han cambiado la forma en que puedes
hacer llegar tu obra al público.

Además, puedes conseguirlo de forma rápida, casi gratuita y a nivel mundial .

Para un artista joven será más fácil, pero cualquiera que se lleve bien con el ordenador puede
explorar en la Red un sinfín de posibilidades, para divulgar su trabajo y testar las posibilidades
de comercialización que puede encontrar a través de las redes sociales o de las plataformas
especializadas (marketplaces).
EL ARTISTA Y SU RELACION CON EL MERCADO OFICIAL

Al margen que desempeñes o no alguna de las actividades que acabo de relacionar con las
artes plásticas, es conveniente que consigas comercializar tu obra personal en los circuitos del
mercado del arte.

Para ser un artista de referencia tienes que ser aceptado por los intermediarios que actúan en
el mercado.

Digamos que son las galerías, los críticos, las instituciones y los museos, entre otros factores,
quienes certifican tu valía.

Además, la obra de arte (a diferencia de otras artes: cine, fotografía, música, teatro…) suele ser
una pieza única e irrepetible por lo que se añade a su cotización un valor diferencial y
exclusivo.

El precio de la obra de un artista dentro del mercado primario se basa en sus dimensiones y en
la reputación y solvencia del artista.

Es decir, se aplica el baremo de valoración por centímetro cuadrado, quedando todas las obras
expuestas, en función de su tamaño, con la misma referencia de precio y no basándose en la
calidad de la obra.(ver “Aprende a poner un precio justo a tu trabajo“).

Por supuesto, la calidad se tiene en cuenta a la hora de ser aceptado o no por una galería, pero
no es el principal elemento que decida su tasación.

En el mercado primario es la galería el principal agente que interviene en la trayectoria


profesional del artista por ser su representante y promotor.

La galería trabaja para situar a los artistas que representa al primer nivel del mercado, tanto en
la comercialización como en el reconocimiento de su obra ( ver “Galerías de arte: ¿Me
interesan o paso de ellas?“).

Promociona a sus representados con el fin de establecer una red lo más amplia posible a nivel
nacional e internacional, a través de intercambios con otras galerías, presencia en los medios
de comunicación, asistencia a ferias, participación en eventos y muestra colectivas de
relevancia, etcétera.

La galería o marchante del artista debe diseñar una estrategia muy solvente en la fijación de
precios durante su promoción.

Está en juego la reputación del artista y de ella dependerá, en gran medida, el éxito o no de su
representado.

La escala de la comercialización debe ser gradual en función de la demanda y ésta solo puede
trazarse al alza.

Nunca deben bajarse los precios, aunque temporalmente exista una carencia de mercado.
Hacerlo significa una devaluación de la obra vendida anteriormente y la desconfianza del
coleccionista hacia al artista.

En estos casos, la galería o representante prefiere retirar al artista del mercado de manera
temporal o definitivamente.

El artista, por su parte, recurrirá a otras galerías de menor nivel o a un sector del mercado con
precios más bajos.

ACTUAR EN EL MERCADO DE ARTE

¿Qué factores intervienen para determinar el nivel que disfruta un artista?.

En el mercado de arte contemporáneo, más que la calidad de ejecución que ofrece su obra,
predominan los criterios de autorreferencia, que son las calificaciones o reconocimientos que
obtiene por parte la crítica, medios de información especializados o prestigio expositivo.

Se mantiene la fama del artista siempre y cuando se mantenga en el mismo nivel o lo aumente
en credibilidad por su calidad y reconocimiento del sector.

En esta estabilidad profesional es un factor determinante la demanda del mercado.

Si baja la demanda o carece de ella el artista puede ser expulsado del sistema.

Cuando el artista deja de ser emergente y sale del entorno de nichos menores de mercado en
los que ha comercializado su obra desde el inicio de su carrera y, después de superar varias
etapas, llega al primer nivel, donde se alcanzan los precios más altos, depende exclusivamente
de un mercado coleccionista.

En los países del primer mundo donde es más amplia la clase media, esta categoría social
determina o establece el mercado de arte contemporáneo.

Más del 85% de las ventas provienen de coleccionistas de clase media.


Twittea esta frase

Las estadísticas lo afirman al detectar que más del 85% de las ventas provienen de
coleccionistas de este sector de la sociedad.

Como profesional del arte sabrás que este mercado se rige por unas normas poco ortodoxas y
tiene sus propias reglas y es el criterio de determinados intermediarios que se encuentran
entre el productor (artista) y el consumidor (coleccionista) quienes califican y valoran la calidad
y solvencia de la producción artística.

También el consumidor final como coleccionista tiene un papel destacado en el mercado, ya


que con su decisión de compra o rechazo de determinadas obras o corrientes artísticas influye
finalmente en la fluctuación o desaparición de un artista del mercado.
No obstante, para el público en general y como potenciales compradores sigue siendo un
misterio la evaluación de la obra que se comercializa, por no ser aplicada con criterios
objetivos.

Sus gustos y preferencias artísticas suelen estar influenciados por la opinión de los
profesionales teóricos y comerciales del mercado, ya que suele ser un público desconcertado
estéticamente e inseguro en su propio gusto.

El desconocimiento de los entresijos que lo determinan y la falta de criterio propio en la


mayoría de los casos hacen que se acepte, por comodidad o inseguridad, la opinión de críticos,
comisarios e intermediarios de la venta de arte.

Concluyendo esta exposición, se puede resumir en que la cotización del arte es algo que pocos
entienden, pero poseerlo da prestigio social, además del placer que genera a nivel personal.

En líneas generales, este es el escenario en el que tienes que actuar como artista y sobre el
que tienes que plantearte las siguientes interrogantes para vivir de tu trabajo:

-¿Puedo ser independiente o debo someterme a las exigencias del mercado?

-¿Quién comprará mi arte y por qué?

-¿ Cómo puedo conocer y acceder a esos compradores?

-¿Como debo promocionarme para encontrar nuevos clientes?

-¿Existen para el artista ofertas de trabajo y donde se publican?

-¿A quién le oferto mi trabajo?

-¿Cómo planifico y oriento mi estrategia comercial?

-¿Cómo acierto en la valoración de mi propia obra?

-¿Por dónde empiezo?…

No es fácil dar una respuesta satisfactoria a cada pregunta y que, además, sea válida para
todos los casos.

En la etapa formativa o en tu paso por la universidad no se te ha preparado para hacer frente a


la necesidad de lograr hacer rentable tu trabajo y que éste te permita vivir dignamente.

Tampoco ser artista es el perfil más adecuado para plantearte el oficio desde una visión
empresarial, ya que tu formación ha sido diametralmente opuesta a esta finalidad (ver “Por
amor al arte seré también empresario además de artista“).

Entonces, ¿Cómo acertar en la decisión de ser artista?.

Es la experiencia quien marcará el camino a seguir, en función de tus propias decisiones.

No se trata solo de aprender de maestros o colegas que admires, porque sus circunstancias
son distintas a las tuyas.
Tienes que aprender de todos y de todo lo que te encuentres en tu trayectoria y del ambiente
generacional y artístico en que te desenvuelves.

Se trata de mirar y trabajar sin imitar, pero si absorbiendo influencias de todos lados y
asimilando contextos que pueden beneficiarte como emprendedor y artista.

Defiende tu independencia y hazlo dignamente, aunque en algún momento tengas que


aceptar trabajos que limiten tu creatividad o libertad expresiva.

Quieres poder vivir desempeñando tu vocación y las posibilidades de conseguirlo son muchas.

No quieras ejercer tu oficio de forma unidireccional, sino adaptarte a los nuevos tiempos y a
los cambios que experimenta actualmente la sociedad en demanda y preferencias artísticas.

La próxima semana me ocuparé de la oferta que puedes encontrar en becas, subvenciones,


concursos y residencias.

Son oportunidades que pueden ampliar tu horizonte como artista y beneficiarte


económicamente.

Por “amor al arte” seré también empresario,


además de artista
Es evidente, tienes que ser artista y empresario a la vez para
poder subsistir exclusivamente de tu producción.

“Por amor al arte” eres artista, pero por “amor a sobrevivir”


debes saber gestionarte como empresario.

Es posible que tu ambición como artista se centre solo en crear


y disfrutar del enriquecedor proceso que requiere la realización
de toda obra artística, tanto a nivel técnico y expresivo.

Eso está muy bien, porque es muy gratificante a nivel personal.

Pero, la realidad es muy distinta si quieres dedicarte


plenamente a tu arte.

Al valor añadido de crear la obra, hay que añadir el aspecto


comercial de la venta.

Habrás tenido una buena formación académica desde el punto


de vista artístico, pero ¿te has formado o te han orientado en
Bellas Artes en la realidad del mercado para comercializar tu
trabajo?.

Lo más probable es que no. Quizás algunas notas o recursos


aislados, que no te garantizan el poder vivir de tu arte.

Sólo si tienes resuelta la parte económica de tu vida puedes


dedicarte con tranquilidad a la plena producción de tu obra.

Cuando decides vivir y mantenerte de tu labor artística, tienes


que acomodar tus tiempos a producir y gestionar tu empresa
como hábitos normales en tu rutina diaria.

Hoy día, como artista debes saber cómo autogestionarte en


solitario o, si lo prefieres, hacerlo en grupo creando proyectos
alternativos.

Dedicarte plenamente a tu carrera artística requiere de


autoestima, constancia y determinación para conseguir el
objetivo que te hayas propuesto.

Cuando comercializas tu trabajo, en una sociedad como la


nuestra, estás sujeto a la oferta y a la demanda del mercado.

Tienes que intervenir activamente en la comercialización o


marketing de tu obra para crear demanda.

No vale solo la oferta por muy original y de calidad artística que


sea.

Cualquiera que sea la condición del artista, sea emergente o


consagrado, lo más normal es que aspire a mantenerse
económicamente con el trabajo de su vocación artística.

La opción para comercializar su producción suele ser el circuito


de las galerías o salas institucionales, aunque siempre ha sido
difícil el acceso para artistas emergentes.

Las galerías gestionan, promocionan, venden e influyen en la


compra de determinadas firmas.
Siempre han sido las galerías de arte las que han intermediado
entre el artista y el coleccionista, pero hoy día este modelo de
venta está algo caduco y no debes centrar toda tu atención en
este sector.

La estructura del mercado del arte está cambiando y no todos


los artistas tienen la oportunidad de trabajar con galerías
solventes que estén decididas a ocuparse de su producción.

En estos casos el artista debe aprender a desenvolverse por sí


mismo y aceptar la gestión de promoción y de marketing.

Debe tener en cuenta los contextos en los que se desarrolla el


arte actualmente y sus cambios en las estructuras del mercado,
producción, promoción y difusión.

Llegados a este punto cada artista comercializará de una


manera u otra su obra, según sus preferencias personales o
condicionado por el entorno en que se desenvuelve.
«Ningún gran artista ve las cosas como son en realidad y si lo hiciera,
dejaría de ser artista».

Oscar Wilde.

Un tiempo para ser artista y otro para actuar


como empresario

Diariamente deberías dedicarle 2-3 horas a trabajos de gestión


y promoción relacionados con tu trabajo artístico.

No solo se trata de dedicarle tiempo a la producción, aunque


sea lo que más te guste, sino también de encontrar tiempo para
comercializar tu obra y ocuparte en tareas como:

– Buscar espacios donde exponerla.

– Saber poner un precio razonado a cada pieza de tu


producción. (ver artículo “Aprende como poner un precio justo a tu
trabajo”)
– Administrar tus recursos económicos (gastos, facturación,
compras, materiales, ventas…).

– Documentarte sobre los agentes del mercado con los que


quieras relacionarte. (galerías, intermediarios, art dealers… )

– Asistir a actos artísticos-culturales como medio de


relacionarte y de adquirir información.

– Diseño de material propio de promoción. (portfolios, folletos,


carteles, tarjetas…).

– Mantener al día el correo físico y correo electrónico.

– Embalar y tramitar el envío de obras vendidas.

– Preparar y organizar las piezas para la próxima exposición.

– Mantener actualizada tu presencia online, bien sea un blog,


web-galeria o redes sociales.

-… y actuar socialmente siempre como el mejor relaciones


públicas de tu trabajo.

Saber vender tu marca personal

Si tomamos como ejemplo una de las firmas más


controvertidas del arte contemporáneo para comprender lo
importante que es para el artista saber vender su marca
personal, tenemos que referirnos a Demian Hirst.

Con una obra muy polémica ha sabido promocionarse y


cautivar a los coleccionistas de un mercado del arte sediento
de espectáculo, con mucho dinero y sin saber muy bien en que
invertirlo.

Hirst se ha convertido en el artista vivo más rico del Reino


Unido.
Aunque en la década de los años 90 su carrera estuvo
estrechamente vinculada con el galerista y coleccionista
Charles Saachi, Hirst se convirtió en su propio agente, ignoró a
las galerías y presentó una colección entera a subasta en
Sotheby’s, superando todas las previsiones de venta.

No digo que tenga que ser Demien Hirst el ejemplo a seguir,


pero si nos sirve como muestra de que, en un mercado tan
voluble y competitivo, es muy importante la gestión que se
tiene que hacer fuera del estudio-taller.

Otro artista que sobresale por su éxito de ventas con una


estrategia de mercado distinta al caso de Demien Hirst, es Yuri
Zatarain, artista plástico mexicano.

Demostró que la clave para entrar y ganar en el mundo de los


negocios, sin importar el giro en el que te desenvuelves, es
saber vender.

Según publica entrepreneur.com :“hizo del arte un negocio sin


perder la esencia de su obra. El pintor y escultor emplea a más
de 140 personas, vende más de 400 cuadros originales por año
y 1.500 piezas de arte-objeto a la semana. El secreto: crecer
sin perder el equilibrio entre la exclusividad y la producción en
serie.”

Si como artista juegas bien tus cartas de empresario y


arropado por la calidad de tu obra, llegarás a tocar el éxito
antes de lo que esperabas.

La figura del mecenas es cosa del pasado y no puedes esperar


a que llame a tu puerta interesado por tu obra.

Por eso, no debes desentenderte de las tareas de relaciones


públicas, contacto con compradores, ofertas a galerías,
negociaciones con clientes, etcétera.

El camino está en la autogestión y como afirma Paco Rentería:


“El artista que quiera triunfar debe aprender a verse a sí mismo
como un producto y promoverse”.
Como trabajador creativo transmites a través de tu obra
belleza, estética y arte, pero sobre todo imaginación y esta es
la mejor baza que debes saber jugar cuando te toca interpretar
el papel de empresario.

Sé imaginativo e innovador y como empresario toma en cuenta


las necesidades y preferencias de tus clientes, aportando
creatividad e ideas frescas, como si estuvieras trabajando en la
realización de tu mejor obra.

Comparte proyectos artísticos en colectividad

Es posible que, en lugar de hacerlo solo, prefieras afrontar el


reto de gestionar tu carrera artística en compañía de otros
profesionales creativos.

Trabajar en grupo o compartir espacio con otros compañeros


puede ser una alternativa empresarial que prefieras en lugar de
comercializar individualmente tu obra.

Los espacios alternativos gestionados por los propios artistas


tienen un gran potencial para la creación de redes de trabajo a
nivel nacional e internacional.

Desde el punto de vista del artista, estos ámbitos


independientes de creación ofrecen una gran libertad creativa,
agilidad de gestión, capacidad para asumir riesgos,
independencia de los resultados económicos de los proyectos,
y una relación inmediata del público con la obra.

Se trata de reunirse personas de diversos campos de la


creación (ilustradores, fotógrafos, pintores, artesanos,
escultores, diseñadores…) que tienen unas necesidades de
gestión similares y deciden compartir los espacios donde
producir, difundir y comercializar su trabajo.

El mundo del arte está cambiando, tanto en su estructura


comercial como en la aparición de nuevas modalidades
artísticas, y el rol del artista ahora es otro al que
tradicionalmente conocíamos.

El artista tiene que ganarse la vida con su trabajo igual que los
profesionales autónomos de otras especialidades y ello
significa tener que actuar también empresarialmente.

En la relación con la Administración, un artista-empresario para


afrontar el reto emprendedor se puede constituir como
autónomo, como una S.L. Unipersonal, como una cooperativa,
etc.

Si legalizas tu situación laboral y estás al corriente con la


Seguridad Social, contribuyes a tu jubilación.

Tendrás derecho a ayudas o subvenciones de tu comunidad, a


seguro médico, facilidad en entidades bancarias para pedir
préstamos personales, hipoteca, comprar con tarjetas, ya que
tu dinero es ganado y declarado legalmente, etcétera.

Debes documentar la venta de tus obras

Es eficaz documentar todas las obras que vendas


acompañándolas de factura, certificado de autenticidad,
historial artístico y dossier de prensa.

La factura es conveniente tramitarla, no solo por tus


obligaciones fiscales, sino también como documento de
propiedad para el cliente.

El Certificado de Autenticidad describe la obra y redactarlo


convenientemente te da una mejor imagen profesional.

Tu historial artístico puede acompañar al dossier de prensa que


incluyas en la documentación que le facilites al cliente, porque
es información prestigia tu trabajo.
– Facturas

En la factura deben figurar tus datos fiscales: nombre,


dirección, teléfono, número de identificación fiscal (NIF) y
también los datos del cliente a nombre del cual debes facturar.

También puede figurar una referencia de tus Derechos de


Autor sobre la obra.

Debes firmar la facturar e invitarle al cliente que la firme


también, con lo cual queda reconocido por ambas partes los
términos en que se lleva a cabo el compromiso de compra-
venta.

Si eres pintor, ceramista, grabador, fotógrafo o escultor, por


ejemplo, cada vez que vendas una obra debes de hacer una
factura legal y aplicar el IVA correspondiente.

Si vendes directamente la obra a un comprador en tu estudio el


IVA que corresponde aplicar (en España) es del 10% (el
reducido), si la vendes a través de un tercero (una galería, por
ejemplo) el IVA que hay que aplicar es del 21%.

Los intermediarios o revendedores de tu obra te compraran por


un tipo impositivo reducido del 10%, pero en la reventa de la
misma obra se debe aplicar el tipo imponible general del 21%.
(Ver artículo:”Como artista, ¿me hago autónomo o sigo en la
economía sumergida?”).

– Certificado de Autenticidad

Acompaña todas tus obras, sean piezas únicas o de edición,


con un Certificado de Autenticidad para legitimarlas y añadir un
plus identidad personal.

Este certificado no será nunca una cesión de derechos de autor


o de la propiedad intelectual.
La información que contiene un Certificado de Autenticidad se
limita a la identificación de la obra que figura en el mismo con
los siguientes datos:

– Título de la obra.

– Foto de la obra (opcional).

– Nombre del autor

– Materiales utilizados.

– Medidas.

– Fecha en que se realizó.

– Texto descriptivo y certificando los datos aportados.

-Firma del artista y sello.

– Material de prensa: Criticas y Exposiciones. Historial


Artístico.

Seguro que a cualquier coleccionista le gusta tener su compra


bien documentada y le encantará si le facilitas un dossier de
prensa con las entrevistas, artículos y críticas que hacen
referencia a tu trayectoria artística.

Por supuesto, tu curriculum es conveniente que lo añadas


porque refleja tu historia profesional: exposiciones, concursos,
publicaciones, ferias, etcétera.

De todos estos materiales debes disponer de varias copias y


mantenerlos siempre actualizados.

No solo los debes incluirlos en la documentación de los


trabajos vendidos, sino también facilitárselos a las personas
que formalmente se interesen por tu obra.

En resumen, tienes que actuar como artista y como empresario


a pleno rendimiento e insistir una y otra vez hasta que, poco a
poco, se te vayan abriendo puertas, porque sabes que lo que
haces tiene un valor personal y porque también enriquece
culturalmente a la sociedad.

Como creativo te sobra imaginación y debes ejercerla también


para la promoción y venta, con el fin de conseguir la meta que
te hayas propuesto sin depender de intermediarios.

El mercado del arte y sus gestores están “moviéndose” y debes


estar alerta para el cambio.

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Como artista, ¿me hago autónomo o


sigo en la economía sumergida?
Si quieres dedicarte por completo a tu trabajo como artista
(seas pintor, dibujante, artesano, escultor, grabador, fotógrafo,
etcètera) conviene darte de alta como trabajador autónomo.

Si hacemos caso a la legislación vigente se nos aconseja que


todos aquellos que hagan una “actividad económica a título
lucrativo de forma habitual, personal y directa por su cuenta
están obligados a darse de alta como autónomos en la
Seguridad Social”.

Al principio, probablemente, en lo último que hayas pensado es


en legalizar tu situación laboral.

Los comienzos son duros en cualquier actividad profesional


que ejerzas por tu propia cuenta, como explicaba en el artículo
“8 consejos que te ayudarán a vivir de tu arte”.

Si estás empezando o te dedicas a tiempo parcial, debido a tu


bajo nivel de ingresos piensas que no te compensa pagar la
cuota de autónomos (275 euros mínimo) y la correspondiente
declaración trimestral de impuestos.
Si estás en el comienzo de querer vivir exclusivamente de tu
obra, te puedes acoger a la tarifa plana para autónomos que
consiste en el pago mensual de 50 euros a la Seguridad Social.

Lo puedes hacer si eres autónomo por primera vez y desde


2018 el período de tarifa plana tiene una duración de un año.

Si no estás de alta en la Seguridad Social y en Hacienda, tu


situación laboral te envuelve en la economía sumergida y
seguro que te preocupa porque no sabes si estás cometiendo
un delito o no.

Aunque hay jurisprudencia de que no es necesario darse de


alta como autónomo si los ingresos son inferiores al Salario
Mínimo Profesional (SMI), no es la normativa vigente y no está
claro que hay que hacer.

En la Seguridad Social a veces te dicen que no hay problema si


no se llega al Salario Mínimo Interprofesional (735,90€
mensuales, en 2018) y otras veces afirman lo contrario.

Por lo tanto, no te confíes si crees que porque no llegan tus


ingresos al SMI ya estas exento de darte de alta como
autónomo.

No te confíes si crees que porque no llegan tus ingresos


al SMI
ya estas exento de darte de alta como autónomo.
Twittea esta frase

Si tuvieras una inspección y la Seguridad Social considerase


que debe sancionarte deberás pagar todas las cuotas
pendientes desde la fecha en que pueda probar que has
iniciado la actividad, con el agravante de un 20% como
recargo.

En líneas generales, esta es lo que hay para ser o no


autónomo y como artista si quieres vivir exclusivamente de tu
trabajo la realidad no es diferente.
Si decides vivir de tu propio trabajo, desde los inicios, debes
ser consciente del paso que vas a dar y la repercusión que va a
tener en tu vida.

Te recomiendo que le eches un ojo a este artículo “Ser o no


autónomo”, publicado en Infoautónomos, de El Economista.

Para darte de alta por ejercer una actividad artística por cuenta
propia (autónomo), el papeleo que hay que hacer no es
complicado y es bastante rápido de gestionar ante los
organismos administrativos que hay que acudir.

No obstante, es posible que todas estas gestiones


administrativas las quieras delegar en un gestor o asesor fiscal,
tanto en lo que se refiere al alta como a las declaraciones que
hay que hacer a lo largo del año.

Trámites mínimos para ser autónomo

Resumiendo, la mínima tramitación para darse de alta como


trabajador por cuenta propia es la siguiente:

1. Hacienda

Este sería el primer trámite (darte de alata) que tendrías que


hacer.

Se deben presentar los modelos 036 y 037 para la declaración


censal, en la que estarán tus datos personales, actividad (IAE),
ubicación de tu estudio-taller y los impuestos a pagar.

El epígrafe que te corresponde del Impuesto de Actividades


Económicas (IAE) lo puedes escoger en relación al apartado
que consideres más adecuado a tu actividad artística.

Normalmente los artistas han de inscribirse en la sección


segunda, agrupación 86, grupo 861 (pintores, escultores,
ceramistas, artesanos, fotógrafos, grabadores y artistas
similares).

Aunque que tienes que registrarte en un epígrafe determinado,


actualmente se està exento de pagar el IAE.

2. Seguridad Social

Antes de que transcurran los treinta primeros días desde que te


hayas dado de alta en Hacienda tienes la obligación de darte
de alta también en el Régimen Especial de Trabajadores
Autónomos (RETA) de la Seguridad Social.

Debes hacerlo presentando el modelo TA0521, fotocopia del


alta en Hacienda y del DNI.

3. Ayuntamiento. Alta y Licencias de Apertura y Obras.

En la localidad donde estés desarrollando tu actividad artística


debes solicitar al Ayuntamiento la licencia de apertura de la
actividad.

Si necesitas remodelar o acondicionar tu taller-estudio también


tienes que solicitar un permiso de obras.

4. Organismos de Trabajo

Por último, estás en la obligación de comunicar tu actividad a la


autoridad laboral de tu Comunidad, que suele ser la Consejería
de Empleo o de Trabajo.

Tienes un plazo de 30 días para poder hacerlo

En resumen, al darte de alta como autónomo, vendas o no


vendas, tienes las siguientes obligaciones:

– Pagar la cuota obligatoria de autónomo cada mes a la


Seguridad Social.
– Cada tres meses debes hacer la declaración del IVA e IRPF.

– Pagar las cuotas anuales al ayuntamiento si las hubiera.

Recuerda que tienes 30 días para darte de alta en los tres


organismos, pues la Administración cruza los datos y si no
estás al corriente en alguna de las tres te sancionará.

Como he señalado anteriormente, para tramitar todo este


papeleo se puede recurrir a una gestoría.

Pros y contras de estar en la legalidad o no

Si legalizas tu situación laboral y estás al corriente con la


Seguridad Social, contribuyes a tu jubilación.

Tendrás derecho a ayudas o subvenciones de tu comunidad, a


seguro médico, facilidad en entidades bancarias para pedir
préstamos personales, hipoteca, comprar con tarjetas, ya que
tu dinero es ganado y declarado legalmente, etcétera.

Si permaneces en la economía sumergida y mantienes la


ilegalidad de tus ganancias no cotizarás para tu jubilación, no
podrás acceder a programas de ayudas o subvenciones por no
estar dado de alta o, al no tener declaración de ingresos, no
podrás solicitar préstamos u otros servicios bancarios.

Facturación

Facturar a través de CTAs (Cooperativa de Trabajo Asociado)


no requiere darse de alta en autónomos, ni hacer frente a la
carga fiscal que representa ser un trabajador independiente, ya
que la propiedad y la organización de la producción es
colectiva, lo que equivale a repartirse los gastos.
Cuando aún no se cuenta con un volumen de trabajo que te
permita vivir sin sobresaltos y se realizan trabajos puntuales
puede ser una salida aceptable, pero según parece Hacienda
no lo entiende así, por lo que te recomiendo que consultes con
tu asesor fiscal tu situación antes de optar por una CTA.

También te pueden aportar información aclaratoria al respecto


la lectura de estos dos artículos:

• Qué es y qué no debe ser una cooperativa de trabajo asociado.


• ¿Facturo desde una cooperativa o me hago autónomo?

INVESTIGADAS POR EL MINISTERIO DE EMPLEO

Desde el pasado año, el Ministerio de Empleo investiga la


función de las CTAS, por considerar un fraude la facturación a
través de ellas y no asumir debidamente los gastos que
conlleva darse de alta en el Régimen Especial de Trabajadores
Autónomos.

Algunas de ellas se han visto afectadas por estas inspecciones


y han cerrado, siendo sancionados los socios que no actuaban
correctamente y reclamándoles los impagos como autónomo.

Si quieres vivir de tu trabajo como artista igual que cualquier


otro profesional, es porque te dedicas volcado completamente
a tu sueño de independencia laboral, pero ello acarrea unas
obligaciones fiscales ineludibles.

Aunque como artista los números no sean lo tuyo, es


conveniente que lleves, de una u otra manera, una buena
administración de tu trabajo (hay programas de facturación
online a los que puedes recurrir para llevar tus cuentas; este es
gratis).

Debes facturar todas tus ventas y presentar las declaraciones


(IVA e IRPF) trimestrales (módulos) y anuales correctamente.

Si eres pintor, ceramista, grabador, fotógrafo o escultor, por


ejemplo, cada vez que vendas una obra debes de hacer una
factura legal y aplicar el IVA correspondiente.
Si vendes directamente la obra a un comprador en tu estudio el
IVA que corresponde aplicar es del 10% (el reducido), si la
vendes a través de un tercero (una galería, por ejemplo) el IVA
que hay que aplicar es del 21%.

Los intermediarios o revendedores de tu obra te compraran por


un tipo impositivo reducido del 10%, pero en la reventa de la
misma obra se debe aplicar el tipo imponible general del 21%.

Aunque seas artista y los números no sean lo tuyo, como ya te


he comentado, es conveniente que lleves una buena
administración de tu trabajo.

Como autónomo, puedes hacerlo tu mismo directamente o


delegar estas funciones en un gestor

Actúa de la manera que creas que mejor se adapta tu situación


laboral a la legislación vigente y elige la opción que menos
grave tu economía.

Ser artista a tiempo completo significa no tener un sueldo fijo a


final de mes y, por ello, hay que ver con una perspectiva
distinta a la del asalariado tu economía y la legalidad
administrativa de tu situación profesional.

Galerías de arte: ¿Me interesan o paso


de ellas?
Hoy nos ocuparemos de las galerías de arte y la importancia de
su gestión en un momento en que están desapareciendo
muchas de ellas a causa de la crisis y de la transformación que
sufre el mercado del arte.

Asimismo, el artista que utiliza las nuevas tecnologías depende


menos de los canales tradicionales de comercialización y, cada
vez más, promueve su obra al margen del circuito galerístico.
Gracias a internet, como artista, disfrutas en la actualidad de un
escaparate inmenso como nunca antes has tenido para la
difusión y exposición de tu obra.

Las obras viajan digitalmente de un continente a otro


conviviendo entre sí diversas opciones de expresión artística
que favorece el intercambio de ideas y proyectos.

Esta nueva proyección global que tienes a tu alcance te


permite administrar y promocionar tu trabajo sin
intermediarios(“Intermediarios:¿Como actúan en el mercado del
arte?”), porque accedes directamente al mercado virtual.

Te conviertes en productor y marchante de tu obra al mismo


tiempo, con todas las ventajas y desventajas que ello conlleva.

Puedes administrar directamente la obra que muestras en un


mercado online sin fronteras, pero te falta la infraestructura que
te ofrece una galería de arte para conseguir reconocimiento,
comercialización y proyección de tu trabajo.

Las galerías tienen sus detractores, pero son piezas


indispensables para regular el mercado de arte y para que el
artista pueda canalizar a través de ellas la difusión de su obra.

Cada día más, dispones de medios y herramientas para


gestionar directamente todos los estadios por los que tiene que
pasar tu trabajo hasta llegar al público final, pero es la galería
la que avala la credibilidad de tu cotización real frente a un
mercado complejo y con una amplia y variada oferta.

La galería de arte es el espacio físico que convoca y reúne a


los agentes que intervienen en los diversos tramos por los que
tiene que pasar la producción artística hasta estar inmersa en
la oferta y demanda del coleccionismo.

A la galería acude el crítico de arte que es quien tiene que


traducir a nivel estético y conceptual la obra expuesta. Para el
coleccionista la figura del galerista es un aval porque recibe
información, orientación inversionista y garantía de compra.
Para el coleccionista la figura del galerista es un aval de
garantía. Twittea esta frase
Como artista, te conviene la relación con la galería porque
significa visibilidad para tu obra y estabilidad dentro del
mercado del arte.

Puedes ser autosuficiente en algunos aspectos y saber


gestionarte dentro del mundo online, pero, en la actualidad, es
aún el mundo galerístico quien te aporta credibilidad frente al
coleccionista, infraestructura apropiada para mostrar tu obra,
promoción a nivel nacional e internacional, representación en
ferias y convocatorias similares, además de respaldo
económico y apoyo profesional.

Relaciones entre la galería y el artista

La experiencia de los artistas con las galerías es muy variada y


no siempre ha sido satisfactoria (“ ¡Cuidado con las pseudo-
galerías!. El artista siempre sale perdiendo”).

Como en cualquier otra relación laboral debe de existir


unprincipio de formalidad y cumplimiento de las condiciones
que se hayan acordado y por las que se deben regir ambas
partes. Si se respetan estas obligaciones, te conviene como
artista tener una o más galerías con las que puedas trabajar.

Las galerías que trabajan dentro del mercado primario de arte


son los agentes intermediarios que tiene una relación más
estrecha con los artistas que representan o de los que exponen
su obra. El porcentaje que la galería se reserva sobre la venta
está alrededor del 50%.

Con esta comisión (que normalmente parece excesiva para el


autor) la galería debe cubrir los gastos de exposición y
representación.

El reparto del beneficio no es equitativo desde el punto de vista


del artista, porque éste le puede ocupar hasta dos años de
trabajo para poder celebrar una exposición y se lleva el mismo
porcentaje que la galería que inaugura varias exposiciones
durante el curso, en intervalos de uno o dos meses.

Las galerías de arte como negocio

La galería de arte cumple una función cultural, pero debe


gestionarse como un negocio.

El galerista tiene que saber conjugar con acierto ambos


conceptos (cultura y negocio) para hacer viable la empresa.

Una gran mayoría de los profesionales inician su actividad


desde una perspectiva más artística que comercial y ello
conlleva que muchas iniciativas se malogren en los primeros
años de actividad.

La relación con el artista, como sustento de la galería, es


primordial y marcará su sello expositivo, porque para el
galerista su pasión por el arte y el trato directo con el trabajo de
los creadores es uno de los motivos que profesionalmente
inspira su vocación.

Las exposiciones son de acceso gratuito y libre, aportando con


ello una relevante actividad cultural de la que se beneficia toda
la sociedad.

En lo que se refiere al mercado del arte, la personalidad del


galerista y su profesionalidad es un aval de garantía de la obra
expuesta y de los artistas que representa.

Al frente de galerías punteras suele estar un profesional con


capacidad emprendedora, con intuición para apostar por
nuevos valores y un excelente relaciones públicas.

Cualidades necesarias para que confíen en su labor tanto los


artistas que representa, como los coleccionistas que integran
su cartera de clientes.
Ser galerista es una vocación más que una profesión, porque
solo con entusiasmo y capacidad de riesgo se puede asumir.
No existe una formación específica regulada, aunque en los
últimos años estén proliferando los cursos y masters
especializados.

Tipos de galerías

Existen muchos tipos de galerías y es difícil hacer una


clasificación general en la que se puedan agrupar por su
actividad o ubicación.

Según su modelo de negocio pueden ser:

– Por representar exclusivamente artistas contemporáne

os (mercado primario).

– Por trabajar con firmas muy reconocidas y con obra de


reventa (mercado secundario)

– Por alternar ambos mercados (primario y secundario).

– Por trabajar con artistas emergentes.

También se pueden clasificar por el ámbito en que


desempeñan su trabajo:

-Galerías locales: Realizan una labor de promoción de artistas


emergentes o de historial medio. Fomentan el coleccionismo
más cercano. Es importante su mediación por ser el primer
eslabón donde confluye el artista emergente y el coleccionista
en sus inicios.

-Galerías nacionales: Son salas de primera línea en el país y


con una proyección internacional. Trabajan con artistas
consolidados, con coleccionistas importantes y colaboran
estrechamente con museos, fundaciones e instituciones
similares.

-Galerías internacionales: Son galerías de gran prestigio y


consolidadas mundialmente. Con una cartera de coleccionistas
de élite y con acceso a los principales museos. Su prestigio
suele estar por delante de los artistas que representan. Su
trabajo se desarrolla tanto en el mercado de artistas vivos
como con obras de primer nivel del mercado secundario. Su
nivel de negocio es importante, especulativo con los artistas y
agresivo con los coleccionistas.

– Galerías comerciales: Galerías de nueva creación cuyo activo


son los artistas emergentes y con una clientela joven.

– Galerías de alquiler: Que comercializan una obra decorativa y


de factura más artesanal que artística. Suelen cobrar un
alquiler por exponer y no ejercen ninguna labor de
representación o promoción del artista.

– Galerías itinerantes: Son las que no disponen de un local


propio y organizan exposiciones en localizaciones puntuales,
como pueden ser centros culturales, fundaciones,
establecimientos hoteleros, etcétera. Cada galería trabaja en
un segmento del mercado determinado y en el que se
especializan en función de su clientela.

Al frente de galerías punteras suele estar un profesional


con capacidad de riesgo y un excelente relaciones
públicas. Twittea esta frase

La programación de sus exposiciones está ajustada a las


preferencias personales del galerista o por la demanda que
existe en el sector de mercado en que se desarrolla su trabajo.

El número de exposiciones que se inauguran durante el año


suelen oscilar, normalmente, entre cuatro y diez.
No obstante, las galerías de carácter comercial suelen
mantener abiertas las exposiciones tan solo quince días, con
intervalos tan solo de tres o cuatro días entre la clausura y la
inauguración de la próxima exposición.

Se entiende que a menor número de inauguraciones también


se reducen los gastos de la galería y se amplía el tiempo en
que se muestra la obra de un artista.

Otras, por el contrario, entienden que mayor número de


exposiciones durante el año es también mayor el beneficio que
pueden obtener, bien sea porque alquilan la sala o porque dan
visibilidad a más artistas.

La política que sigue cada galería determina el cupo de


muestras que convoca anualmente, bien sea porque las
exposiciones son su único sustento o porque debe combinar la
programación con la asistencia a ferias o alternarla con otras
actividades paralelas.

La finalidad es combinar arte y negocio de forma satisfactoria


que permita la viabilidad de la galería para alcanzar sus
objetivos de programación. Cada una recurre a diferentes
métodos para conseguirlo y diferenciarse de la competencia.

Es una labor ardua que requiere plena dedicación para


conseguir resultados positivos para el propio negocio y para los
artistas que representa. Por último, aconsejarte que siempre
dejes por escrito la relación que acuerdes con una galería.

Redacta y firma un contrato en el que queden bien concretadas


las condiciones en las que os obligáis ambas partes.

Especifica en el compromiso en qué términos entregas tu obra


para depósito y venta: datos personales, fotografía, medidas,
técnica, tipo de obra, precio de venta, porcentajes, descuentos,
forma de pago, condiciones de devolución, transporte, plazos,
etcétera.

Defiende siempre tus derechos morales y propiedad intelectual


como autor, porque son irrenunciables y la galería debe
respetar (ver también artículo “La importancia de potenciar tu
marca personal”).

Por eso, aunque como artista te valgas de canales alternativos


o de las nuevas tecnologías para potenciar la difusión de tu
trabajo artístico, te conviene mantener una buena relación con
las galerías, en la medida que te puedan ser útiles para
introducirte o mantenerte en el mercado del arte.

Debes ser consciente de lo que realmente te aporta cada


opción del mercado y nunca sustituir una por otra o desechar
una posibilidad de trabajo, simplemente, porque estás inmerso
en otra historia.

La galería necesita al artista porque sin él no tiene posibilidad


de negocio.

Como artista necesitas a la galería para conseguir credibilidad


y mercado.

Una buena relación profesional siempre beneficia a ambas


partes.

¿Qué te parece?.

Galerías de arte: ¿Me interesan o paso


de ellas?
Hoy nos ocuparemos de las galerías de arte y la importancia de
su gestión en un momento en que están desapareciendo
muchas de ellas a causa de la crisis y de la transformación que
sufre el mercado del arte.

Asimismo, el artista que utiliza las nuevas tecnologías depende


menos de los canales tradicionales de comercialización y, cada
vez más, promueve su obra al margen del circuito galerístico.

Gracias a internet, como artista, disfrutas en la actualidad de un


escaparate inmenso como nunca antes has tenido para la
difusión y exposición de tu obra.
Las obras viajan digitalmente de un continente a otro
conviviendo entre sí diversas opciones de expresión artística
que favorece el intercambio de ideas y proyectos.

Esta nueva proyección global que tienes a tu alcance te


permite administrar y promocionar tu trabajo sin
intermediarios(“Intermediarios:¿Como actúan en el mercado del
arte?”), porque accedes directamente al mercado virtual.

Te conviertes en productor y marchante de tu obra al mismo


tiempo, con todas las ventajas y desventajas que ello conlleva.

Puedes administrar directamente la obra que muestras en un


mercado online sin fronteras, pero te falta la infraestructura que
te ofrece una galería de arte para conseguir reconocimiento,
comercialización y proyección de tu trabajo.

Las galerías tienen sus detractores, pero son piezas


indispensables para regular el mercado de arte y para que el
artista pueda canalizar a través de ellas la difusión de su obra.

Cada día más, dispones de medios y herramientas para


gestionar directamente todos los estadios por los que tiene que
pasar tu trabajo hasta llegar al público final, pero es la galería
la que avala la credibilidad de tu cotización real frente a un
mercado complejo y con una amplia y variada oferta.

La galería de arte es el espacio físico que convoca y reúne a


los agentes que intervienen en los diversos tramos por los que
tiene que pasar la producción artística hasta estar inmersa en
la oferta y demanda del coleccionismo.

A la galería acude el crítico de arte que es quien tiene que


traducir a nivel estético y conceptual la obra expuesta. Para el
coleccionista la figura del galerista es un aval porque recibe
información, orientación inversionista y garantía de compra.

Para el coleccionista la figura del galerista es un aval de


garantía. Twittea esta frase
Como artista, te conviene la relación con la galería porque
significa visibilidad para tu obra y estabilidad dentro del
mercado del arte.

Puedes ser autosuficiente en algunos aspectos y saber


gestionarte dentro del mundo online, pero, en la actualidad, es
aún el mundo galerístico quien te aporta credibilidad frente al
coleccionista, infraestructura apropiada para mostrar tu obra,
promoción a nivel nacional e internacional, representación en
ferias y convocatorias similares, además de respaldo
económico y apoyo profesional.

Relaciones entre la galería y el artista

La experiencia de los artistas con las galerías es muy variada y


no siempre ha sido satisfactoria (“ ¡Cuidado con las pseudo-
galerías!. El artista siempre sale perdiendo”).

Como en cualquier otra relación laboral debe de existir


unprincipio de formalidad y cumplimiento de las condiciones
que se hayan acordado y por las que se deben regir ambas
partes. Si se respetan estas obligaciones, te conviene como
artista tener una o más galerías con las que puedas trabajar.

Las galerías que trabajan dentro del mercado primario de arte


son los agentes intermediarios que tiene una relación más
estrecha con los artistas que representan o de los que exponen
su obra. El porcentaje que la galería se reserva sobre la venta
está alrededor del 50%.

Con esta comisión (que normalmente parece excesiva para el


autor) la galería debe cubrir los gastos de exposición y
representación.

El reparto del beneficio no es equitativo desde el punto de vista


del artista, porque éste le puede ocupar hasta dos años de
trabajo para poder celebrar una exposición y se lleva el mismo
porcentaje que la galería que inaugura varias exposiciones
durante el curso, en intervalos de uno o dos meses.
Las galerías de arte como negocio

La galería de arte cumple una función cultural, pero debe


gestionarse como un negocio.

El galerista tiene que saber conjugar con acierto ambos


conceptos (cultura y negocio) para hacer viable la empresa.

Una gran mayoría de los profesionales inician su actividad


desde una perspectiva más artística que comercial y ello
conlleva que muchas iniciativas se malogren en los primeros
años de actividad.

La relación con el artista, como sustento de la galería, es


primordial y marcará su sello expositivo, porque para el
galerista su pasión por el arte y el trato directo con el trabajo de
los creadores es uno de los motivos que profesionalmente
inspira su vocación.

Las exposiciones son de acceso gratuito y libre, aportando con


ello una relevante actividad cultural de la que se beneficia toda
la sociedad.

En lo que se refiere al mercado del arte, la personalidad del


galerista y su profesionalidad es un aval de garantía de la obra
expuesta y de los artistas que representa.

Al frente de galerías punteras suele estar un profesional con


capacidad emprendedora, con intuición para apostar por
nuevos valores y un excelente relaciones públicas.

Cualidades necesarias para que confíen en su labor tanto los


artistas que representa, como los coleccionistas que integran
su cartera de clientes.

Ser galerista es una vocación más que una profesión, porque


solo con entusiasmo y capacidad de riesgo se puede asumir.
No existe una formación específica regulada, aunque en los
últimos años estén proliferando los cursos y masters
especializados.

Tipos de galerías

Existen muchos tipos de galerías y es difícil hacer una


clasificación general en la que se puedan agrupar por su
actividad o ubicación.

Según su modelo de negocio pueden ser:

– Por representar exclusivamente artistas contemporáne

os (mercado primario).

– Por trabajar con firmas muy reconocidas y con obra de


reventa (mercado secundario)

– Por alternar ambos mercados (primario y secundario).

– Por trabajar con artistas emergentes.

También se pueden clasificar por el ámbito en que


desempeñan su trabajo:

-Galerías locales: Realizan una labor de promoción de artistas


emergentes o de historial medio. Fomentan el coleccionismo
más cercano. Es importante su mediación por ser el primer
eslabón donde confluye el artista emergente y el coleccionista
en sus inicios.

-Galerías nacionales: Son salas de primera línea en el país y


con una proyección internacional. Trabajan con artistas
consolidados, con coleccionistas importantes y colaboran
estrechamente con museos, fundaciones e instituciones
similares.

-Galerías internacionales: Son galerías de gran prestigio y


consolidadas mundialmente. Con una cartera de coleccionistas
de élite y con acceso a los principales museos. Su prestigio
suele estar por delante de los artistas que representan. Su
trabajo se desarrolla tanto en el mercado de artistas vivos
como con obras de primer nivel del mercado secundario. Su
nivel de negocio es importante, especulativo con los artistas y
agresivo con los coleccionistas.

– Galerías comerciales: Galerías de nueva creación cuyo activo


son los artistas emergentes y con una clientela joven.

– Galerías de alquiler: Que comercializan una obra decorativa y


de factura más artesanal que artística. Suelen cobrar un
alquiler por exponer y no ejercen ninguna labor de
representación o promoción del artista.

– Galerías itinerantes: Son las que no disponen de un local


propio y organizan exposiciones en localizaciones puntuales,
como pueden ser centros culturales, fundaciones,
establecimientos hoteleros, etcétera. Cada galería trabaja en
un segmento del mercado determinado y en el que se
especializan en función de su clientela.

Al frente de galerías punteras suele estar un profesional


con capacidad de riesgo y un excelente relaciones
públicas. Twittea esta frase

La programación de sus exposiciones está ajustada a las


preferencias personales del galerista o por la demanda que
existe en el sector de mercado en que se desarrolla su trabajo.

El número de exposiciones que se inauguran durante el año


suelen oscilar, normalmente, entre cuatro y diez.

No obstante, las galerías de carácter comercial suelen


mantener abiertas las exposiciones tan solo quince días, con
intervalos tan solo de tres o cuatro días entre la clausura y la
inauguración de la próxima exposición.
Se entiende que a menor número de inauguraciones también
se reducen los gastos de la galería y se amplía el tiempo en
que se muestra la obra de un artista.

Otras, por el contrario, entienden que mayor número de


exposiciones durante el año es también mayor el beneficio que
pueden obtener, bien sea porque alquilan la sala o porque dan
visibilidad a más artistas.

La política que sigue cada galería determina el cupo de


muestras que convoca anualmente, bien sea porque las
exposiciones son su único sustento o porque debe combinar la
programación con la asistencia a ferias o alternarla con otras
actividades paralelas.

La finalidad es combinar arte y negocio de forma satisfactoria


que permita la viabilidad de la galería para alcanzar sus
objetivos de programación. Cada una recurre a diferentes
métodos para conseguirlo y diferenciarse de la competencia.

Es una labor ardua que requiere plena dedicación para


conseguir resultados positivos para el propio negocio y para los
artistas que representa. Por último, aconsejarte que siempre
dejes por escrito la relación que acuerdes con una galería.

Redacta y firma un contrato en el que queden bien concretadas


las condiciones en las que os obligáis ambas partes.

Especifica en el compromiso en qué términos entregas tu obra


para depósito y venta: datos personales, fotografía, medidas,
técnica, tipo de obra, precio de venta, porcentajes, descuentos,
forma de pago, condiciones de devolución, transporte, plazos,
etcétera.

Defiende siempre tus derechos morales y propiedad intelectual


como autor, porque son irrenunciables y la galería debe
respetar (ver también artículo “La importancia de potenciar tu
marca personal”).

Por eso, aunque como artista te valgas de canales alternativos


o de las nuevas tecnologías para potenciar la difusión de tu
trabajo artístico, te conviene mantener una buena relación con
las galerías, en la medida que te puedan ser útiles para
introducirte o mantenerte en el mercado del arte.

Debes ser consciente de lo que realmente te aporta cada


opción del mercado y nunca sustituir una por otra o desechar
una posibilidad de trabajo, simplemente, porque estás inmerso
en otra historia.

La galería necesita al artista porque sin él no tiene posibilidad


de negocio.

Como artista necesitas a la galería para conseguir credibilidad


y mercado.

Una buena relación profesional siempre beneficia a ambas


partes.

Los miedos que paralizan al artista


Los miedos paralizan al artista y son su peor adversario cuando se enfrenta con la realidad de
su creatividad, la promoción y la comercialización de su obra.

Pero, ¿con qué tipo de miedo se puede enfrentar un artista que sea distinto al de otras
personas?

No es uno solo; son muchos y muy diversas las formas en que se manifiesta esta amenaza.

Según sea tu personalidad o situación social, como artista tendrás que lidiar con unos miedos o
con otros, pero seguro que alguno te perturbará.

Todos los que tienen un trabajo creativo han experimentado alguna vez temor al iniciar o
durante el proceso de un nuevo proyecto.

El miedo es algo aprendido.

Se nos manifiesta como sensación desagradable provocada por la percepción de una amenaza
real o supuesta, presente, futura o, incluso, que acarreamos del pasado.

A lo largo de tu vida el miedo siempre estará ahí y es importante aceptar cuanto antes que hay
que convivir con él y aprender a dominarlo.

Para afrontarlo y evitar que te paralice o trastoque la realidad el primer paso es identificarlo
para poder superarlo o desvanecer lo más posible.
Cuando decides ser artista lo más normal es tener grandes expectativas y lo único que deseas
es que tu trabajo esté lo más relacionado posible con lo que te gusta hacer.

Después llega la necesidad natural e inseparable de la creación artística para que toda obra
tenga como destinatario a un público determinado.

Y aquí, paralelamente unido a la ilusión de querer mostrar tu obra, aparece uno de los miedos
más habituales que es el de exponerse al público y a la crítica.

Es normal tener dudas y es normal esperar la aprobación de los demás respecto a tu trabajo,
porque has invertido en él mucho tiempo, dinero e ilusión.

Este es solo un botón de muestra de los muchos miedos que te embargan.

Como artista eres un ser sensible lleno de inquietudes, de sueños, de dudas, de aciertos y
desaciertos, de búsquedas, de insatisfacciones, de éxitos y de fracasos.

Todos los días en cualquiera de tus procesos o estados de ánimo el temor está presente en
algún momento porque forma parte intrínseca del proceso creativo.

El único miedo que hay que temer es al que te pueda paralizar y que afecte directamente a tu
productividad y comportamiento.

No tener miedo es algo insensato, porque el miedo es también un aviso para mantenernos en
alerta.

Hay que superarlo y aprender a convivir con él, pero siempre conscientes de que podemos
sobreponernos a su presencia en cualquier situación.

Cuando el miedo no es un peligro real para tu vida, significa una amenaza que te impide que
puedas progresar, porque te paraliza como persona.

Trabaja para manejar tus temores y conseguirás más libertad para poderte desarrollar como
artista:

– Sé capaz de descubrir y reducir tus miedos. La mejor manera de superar algo es enfrentarse
a ello.

– Se auténtico. No permitas que limiten o hagan cambiar tus metas.

-Ríete del fracaso. Emprende de nuevo y no te mueras sin vivir tus sueños.

– Haz lo que sabes hacer. Por miedo no renuncies a nada.

– Arriesga y no te paralices. Insiste con prueba-error, prueba-error, hasta que ganes.

– Disfruta tus miedos. Empodérate y empieza a construir tu confianza. Aprender a convivir con
esta emoción es esencial.

Miedos que te perturban


Ten presente que si decides ser artista y vivir de tu arte, desde el primer momento estará la
sombra del miedo detrás de ti.

¿Ganaré para vivir?.

¿Gustará mi obra?.

¿Me habré equivocado?.

¿Es el trabajo adecuado?.

¿Sabré hacerlo?.

¿Tendré éxito?…

… son preguntas que te formularás con frecuencia.

Piensa que, en primer lugar, será el entorno social o familiar más próximo a ti el que hará que
sientas miedo a querer lograr tu sueño de intentar ser artista.

Conseguirás mejor su aprobación si estudias Administración de Empresas en lugar de Bellas


Artes.

Las dos carreras serán igual de difíciles, pero la sociedad te considerará más sensato si escoges
la primera.

Es el precio que hay que pagar si se quiere “ser alguien” de acuerdo a las pautas que marca el
mundo actual.

No pierdas tu propia identidad por miedo “al qué dirán”, ni por complacer a los que imponen
las normas, ni dejar de intentarlo por miedo al fracaso.

De los errores se aprende y con las dificultades que te encuentres en el camino te fortaleces.

Por miedo no postergues tus sueños y menos renuncies a ellos.

Las dos palancas que mueven al mundo son el miedo y el interés. Napoleón.
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Aprovecha tus propios miedos y reconviértelos a tu favor.

Cada persona es un mundo y su evolución requiere un tiempo y un espacio distinto.

Es posible que estés convencido que a ti no te embarga ningún temor y que nada de todo lo
que se ha dicho hasta aquí va contigo.
Lo dudo, porque, en algún momento, seguro que te habrás identificado con alguna de las
siguientes situaciones de miedo:

. . . al “lienzo en blanco”, que te bloquea y no sabes como avanzar.

. . . a la insatisfacción por lo que haces, que te provoca zozobra e incertidumbre.

. . . a gastar tiempo y dinero en ocuparte de un trabajo que no te convence.

. . . al fracaso, que te paraliza, que te provoca ansiedad y necesidad de aprobación externa.

. . . al éxito de otros artistas, por quererte comparar y por inseguridad te acompleja.

. . . a tu propio éxito, que se convierte en una presión constante sobre todo lo que haces.

. . . a hablar de tu obra, por considerar que no es apropiado hacerlo tú mismo.

. . . a vender tu trabajo, por cortedad en comercializar tu propia producción.

. . . a la crítica especializada y al público en general, por considerar que no puedas satisfacer


sus expectativas.

. . . a triunfar y no saber administrar el éxito, porque te aleja de la realidad.

. . . a falsas expectativas, por no saber asumir que todas las obras que hagas no pueden estar al
mismo nivel.

Cualquiera de estos miedos que se te pueden presentar en algún momento distorsionaran y


condicionaran tu creatividad.

Recursos para dominar tus miedos

Debes estar preparado para saber lidiar con él, porque con miedo se piensa poco y se
reacciona equivocadamente.

En la medida de tus posibilidades, actúa de manera positiva:

– Huye e la improvisación y fortalece la confianza en ti mismo.

– Acepta los consejos y críticas constructivas, pero sin desviarte de tu objetivo.

– Disfruta y vibra emocionalmente con tu trabajo, convirtiéndolo en el principal motor de tu


forma de vida.

– Prepara a fondo los proyectos, no improvises y cuando los ejecutes hazlo con paso firme y
seguro.

– Trabaja con continuidad y evita los altibajos, porque no siempre hay que conseguir una obra
definitiva.
– Deja espacio en tu trabajo para ensayar nuevas técnicas, analizar lo que has hecho, disfrutar
con lo que estás haciendo o jugar con la experimentación.

– Cuida tu salud, porque ello favorecerá la predisposición a la hora de trabajar y enfrentarte a


nuevos retos.

– Aliméntate de forma saludable, haz ejercicio a diario, disfruta de un sueño reparador y de


una mentalidad activa.

– Busca la armonía y la belleza, no solo en tu obra, sino en todo lo que hagas y tu entorno: crea
un ambiente agradable en tu estudio-taller, relaciónate con personas positivas y trata de ver el
lado bueno de las situaciones complejas.

– Eres una persona creativa y la libertad la llevas por bandera, por lo que aléjate del ritmo de
vida actual que marca la sociedad siempre que puedas permitírtelo.

– Reserva tiempo para leer, escuchar música, ver películas, conversar con los amigos, disfrutar
de la familia, visita museos, exposiciones o talleres de otros artistas para conocer y aprender.

Pero, sobre todo, actúa dirigiendo tus pasos a conseguir la vida que has soñado.

Posponer las aspiraciones que uno anhela promueve el dolor, la ansiedad y crea malestar.

Alcanza la auténtica libertad con la gestión de tus miedos y no pierdas ninguna oportunidad
para avanzar en tu desarrollo personal.

No es valiente quien no tiene miedo sino quien sabe conquistarlo. Nelson Mandela.
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¡Cuidado con las pseudo-galerías!. El


artista siempre sale perdiendo
El número de galerías de arte que solo lo son de nombre
perjudica la credibilidad del mercado y la gestión de las
auténticas galerias.

Su actividad se organiza en torno a exposiciones colectivas o


individuales previo pago por parte del artista.
Las tarifas varían en función del tipo de la sala de exposicion,
la calidad del catálogo que se quiera editar o la duración de la
muestra.

Hasta aquí, si el artista acepta estas condiciones para poder


mostrar su obra, nada hay que decir al respecto.

Ambas partes llegan a un acuerdo y se celebra la exposición


en función de lo contratado.

Ofertas engañosas

No obstante, a este nivel de mercado proliferan las ofertas


engañosas por parte de pseudogalerias y ocurre con
demasiada frecuencia que, con el señuelo de exponer en una
muestra relevante o participar en una feria internacional,
ofrecen al artista una “oportunidad única” a cambio de aportar
“solo” una cantidad en los “gastos de participación”.

Son muchos los artistas que terminan siendo engañados en su


buena fe de exponer.

En un principio, se les promete introducir en círculos


especializados, gestionar la promoción individualizada de su
obra, darles amplia difusión en medios de comunicación o la
participación en proyectos de futuro, entre otras cosas.

La realidad es que no logran ningún interés por sus cuadros o


esculturas, tienen quebraderos de cabeza para que se les
devuelva la obra y, en más de una ocasión, pierden su trabajo
o no cobran lo vendido.

Eso sí, lo único de lo que si pueden estar seguros es de pagar


por adelantado,
La cuestión es que siempre sale perdiendo el artista.

Pone la obra y el dinero.

El dinero lo pierde y la obra no siempre la recupera íntegra o en


perfectas condiciones.
¿Para qué exponer?

¿Entonces por qué exponer?.

Porque es una necesidad inherente al creador mostrar su arte.

Hay que exponer y debe haber una confianza mutua entre


artista y galerista.

Al menos, estas deben ser las reglas del juego: llegar a un


acuerdo y cumplirlo por ambas partes, porque tanto uno como
el otro son agentes imprescindibles del mercado de arte.
Lo que no es de recibo es que las condiciones para poder
exponer sean abusivas.

Que le cuesten al artista el dinero y su trabajo; a cambio, tan


solo de añadir en el historial una galería o una línea más.

Los responsables de estas galerías o eventos artísticos no


tienen nada que ver con lo que significa el cometido de un
auténtico director/a de galería.

Pero se notan, hacen mucho daño y crean desconfianza.


Ellos necesitan de los artistas para mantenerse.

Habría que hacer correr la información entre el gremio, porque


si no hay obra que mostrar, no tienen “negocio”.

Denunciarlo públicamente

Actualmente, la mayoría de los artistas tienen acceso a Internet


y este medio puede ser una estupenda herramienta para evitar
aceptar ofertas que, por desconocimiento, una vez celebrada la
exposición haya que lamentar.

Es solo cuestión de recabar información, contrastar


experiencias y decidir en consecuencia.

Animamos a los artistas a que denuncien públicamente


experiencias similares a las aquí expuestas y que se
intercambien información, porque todo ello, a corto plazo,
redundará en su propio beneficio y, después, en un
saneamiento del mercado.

Colaborar en denunciarlo puede sernos a todos beneficioso.

En España, se penaliza ejercer de artista


después de la jubilación
En España, el artista que ha llegado a su edad de jubilación tiene un grave problema si genera
por su actividad creativa ingresos superiores al Salario Mínimo Interprofesional (10.302,60€
anual), porque ello conlleva la posible pérdida de su pensión.

Con la aplicación de esta ley desde el año 2012 lo único que se consigue es penalizar la
actividad intelectual y artística.

En la mayoría de los casos, cuando un artista, escritor o profesor se encuentra en su etapa que
más puede aportar a la sociedad por sus conocimientos y experiencia el Estado le penaliza por
el mero hecho de jubilarse.
La jubilación es un derecho que ha adquirido a lo largo de su vida laboral y si mantiene su
actividad creativa o docente a partir de los 65 años es una opción personal.

Si tiene ingresos extras a su pensión, el Estado lo único que debería hacer es exigirle que
abone las retenciones de IRPF marcadas por ley, como en cualquier otro trabajo remunerado.

Hacer lo contrario es cercenar la vida creativa de las personas que, por el solo hecho de llegar
a una determinada edad, se les priva de poder tener ingresos por ejercer lo que mejor saben
hacer: aportar patrimonio cultural, conocimiento, experiencia y mantener su calidad de vida
intelectual y personal.

Resulta curioso que por querer seguir ejerciendo su actividad intelectual al jubilarse, se les
penalice con una multa y la retirada de la pensión, mientras que si se tienen ingresos extras
por el alquiler de un piso, por ejemplo, no hay ningún problema.

¿Para cuando el Estatuto del Artista?

Los cuatro partidos mayoritarios llevaron la promesa de un Estatuto del Artista en su programa
electoral y, en principio, parecían están de acuerdo en que se retire esta ley y se normalice la
situación del creador jubilado con su aprobación.

Es lamentable que el Gobierno no haya resuelto de manera urgente la grave situación de estos
jubilados que llevan años sumidos en la inseguridad y la preocupación por sanciones que ya
han sido impuestas en algunos casos.

Estamos en la Unión Europea pero no en las mismas condiciones que otros países, como
pueden ser Francia, Portugal o Alemania, entre otros, que sí tienen resuelta esta situación
desde hace años.

En estos países europeos tienen plena compatibilidad ambos ingresos y, con ello, el creador
jubilado aporta a las arcas del Estado la recaudación del IRPF por su actividad al margen de la
pensión.

En el pasado mes de septiembre estaba previsto el debate en la subcomisión de Cultura del


Congreso para la aprobación del ‘Estatuto del Artista, el Autor/Creador y el Trabajador de la
Cultura’.

Más de 80 asociaciones, entidades y sindicatos del ámbito de la cultura han consensuado este
texto que trata sobre los ámbitos “fiscal, laboral y sindical, la política educativa referente a las
enseñanzas artísticas, los derechos de autor y un código de buenas prácticas de la Cultura”.

La figura del pensionista activo


Como alternativa, desde 2013 está en vigor la figura del pensionista activo, que según la ley, es
posible compatibilizar el desarrollo de una actividad por cuenta propia con el cobro del 50% de
la jubilación.

Los pensionistas activos tan solo deben cotizar a la Seguridad Social, como trabajador
autónomo, un 8% de sus ingresos por las contingencias profesionales y la incapacidad
temporal.

En cualquier momento que deseen terminar su actividad laboral, volverán a percibir la pensión
de la jubilación integra.

Sin embargo, una gran mayoría de los artistas cobran pensiones alrededor de los 1000 euros o
inferiores y tienen sus dudas a la hora de renunciar a la mitad de su pensión sin tener la
certeza de que cubrirán esta renuncia económica con los ingresos que generen con su
actividad creadora.

Es imprescindible la aprobación inmediata del Estatuto del Artista.


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Ante esta situación se hace imprescindible la aprobación del Estatuto del Artista para poder
compatibilizar ser pensionista y artista de pleno derecho para mejorar sus ingresos.

Ahora el Gobierno del PP, presionado por la oposición, se propone elevar del 50% al 100% el
importe de la pensión a percibir por quienes decidan seguir trabajando una vez alcancen la
edad de jubilación ordinaria, si se modifica la ley que se está tramitando en el Parlamento.

La aprobación y entrada en vigor del Estatuto del Artista reduciría la carga del sistema de
pensiones, al seguir recaudando impuestos y, por otro lado, también permitiría mejorar los
ingresos de los artistas después de jubilarse.

Para la plataforma “Seguir creando” es una cuestión de justicia poder compatibilizar pensión y
derechos de autor y para conseguirlo realizan un trabajo colectivo con el fin de sacar adelante
las batallas que tienen en común todos los sectores de la Cultura.

Descargar el Estatuto del Artista, el Autor/Creador y el Trabajador de la Cultura

Confiemos en que estas iniciativas den pronto sus frutos y el creador jubilado pueda seguir
aportando cultura a la sociedad sin sobresaltos.

Cualquier duda que tengas pregunta en los comentarios del post. o escribe libremente cual es
tu opinión sobre este tema.
Concursos de pintura rápida. ¿Por qué es
interesante participar?
Los concursos de pintura rápida son el tema que hoy nos ocupa y que he considerado
imprescindible conocer sus entresijos.

Son una oportunidad para tener ingresos extras y también una experiencia positiva en muchos
aspectos: competitividad, reto personal, interacción con otros artistas, rapidez de ejecución,
confianza en uno mismo o promoción, entre otros.

Para explicarnos con propiedad y conocimiento de causa su convocatoria y desarrollo he


invitado a Miquel Cazaña, pintor e ilustrador, que ha participado en múltiples ocasiones y
comparte en este artículo su experiencia con todo lujo de detalles.

A continuación, Miquel nos desvela las ventajas e inconvenientes de este tipo de convocatorias
y recomendaciones para participar con éxito.

INDICE DE CONTENIDOS

1.Beneficios que aportan los concursos de pintura rápida.

1.1 – El reto de terminar un cuadro en unas pocas horas.


1.2 – La posibilidad de ver trabajar a otros pintores.
1.3 – Trabajar al aire libre.

2.Aspectos negativos
3.Gestionando mejor el tiempo. Alcanzando más nivel de acabado
4.¿Cuánto ganan los pintores “top” con los concursos de pintura rápida?
5.Recomendaciones para participar con éxito

5.1- Llegar pronto a las inscripciones.


5.2 – Ir con un color de fondo si está permitido en las bases.
5.3 -Trabajar con una gama más reducida de colores.
5.4 – Definir cómo trabajarás la luz o inventártela.

Para los que somos pintores, una de las maneras más directas e interesantes para evolucionar
en nuestro terreno es presentándonos a concursos de pintura rápida.

Estos concursos están organizados por asociaciones o ayuntamientos de pueblos y suelen


tener de 2 a 3 premios hasta 6, y algunos hasta incluso 10 o más premios.

Los patrocinadores suelen ser negocios locales, el ayuntamiento.

Y en casi todos los casos, el motivo a pintar es el propio pueblo.

Beneficios que aportan los concursos de pintura rápida


Más allá de las posibilidades de ganar, según mi experiencia estos concursos nos ayudan a
evolucionar por factores como los siguientes:

1.-El reto de terminar un cuadro en unas pocas horas.

Lo que significa aprender a ir directo al grano y no entretenerse con florituras.

Eso se agrava con el hecho de que habitualmente el formato máximo con el que nos podemos
presentar es 100 x 81 cms.

Los pintores que se llevan el gato al agua son muchas veces los que pintan en formato grande,
puesto que resulta más impactante.

Eso significa que, si queremos optar a premio, estamos casi obligados a pintar en ese formato.

2.- La posibilidad de ver trabajar a otros pintores.

Suelen participar de 10 a 15 a 70 u 80 pintores en los concursos.

A veces incluso más de 100.

Eso nos da la posibilidad de asistir a una verdadera escuela en la que veremos muchas
técnicas, estilos y procesos de una sola tacada.

Además de poder hablar con ellos y contrastar opiniones acerca de cómo está el mercado, de
cómo han enfrentado ellos algún reto concreto del día, etc.

Siempre es bueno estar en comunidad, y más en una profesión tan solitaria como la nuestra.

3.-Trabajar al aire libre.

Es muy bueno pintar al natural.

Ver cómo cambia la luz y hacer nuestra propia interpretación del paisaje al margen de sus
formas cambiantes.

Estar siempre en nuestro estudio trabajando a partir de fotos nos impide percibir
directamente los motivos que pintamos del natural. Si no es en concursos, creo que por lo
menos vale la pena juntarnos con otros pintores y pintar al natural de vez en cuando.

Aspectos negativos

Como cosas negativas, sí he visto que centrarse solamente en estos concursos crea una
tendencia a terminar las cosas deprisa y a profundizar y a reflexionar menos en el cuadro.

Si solo participas en concursos de pintura rápida, puedes adoptar y cronificar “tics” a la hora
de pintar, por ejemplo, pintando siempre las flores de la misma manera, una manera que no es
la que utilizarías si tuvieras más tiempo para observar las flores y detallarlas más.
Creo que sólo he conocido a un pintor que pinte con el mismo grado de detalles y de matices
que si se tratara de un cuadro realizado en varias sesiones.

Por lo demás, los cuadros en los concursos de pintura rápida son en general muy impactantes
y se ven bien acabados, de eso no cabe duda, pero es físicamente imposible que veamos un
cuadro con la definición de un Velázquez, para entendernos.

Creo que al margen de la pintura rápida, al menos para mí es interesante continuar con un
trabajo de estudio de fondo.

Otro punto negativo es que muchas veces no puedes recoger el cuadro el mismo día del
concurso, y si el lugar en el que ha sido el concurso queda lejos de tu casa tendrás que ir a
buscarlo expresamente otro día o mandar a una agencia de transportes para que lo recoja.

En todo caso, creo que es muy interesante presentarse por lo menos a unos cuantos de estos
concursos cada año.

Al menos esa ha sido mi decisión.

Creo que unos 6 u 8 al año está bien para mí.

Me obliga a ponerme las pilas cuando hay un concurso y a romper la dinámica de pintar
siempre en estudio.

Otras veces también me voy a pintar al aire libre con pintores y también me resulta muy
agradable y de todas formas tengo una base para un nuevo cuadro que después puedo
terminar y vender.

Igual que en los concursos de pintura rápida.

Si no te dan premio ese día, después lo puedes vender.

Como todo, estos concursos son una cuestión de experiencia.

Yo mismo tuve la experiencia de varias novatadas al principio.

La vanidad, por ejemplo: pensaba que iba a ganar el primer día y que los demás no tenían
nada que hacer, a pesar de que era el primer concurso de rápida al que yo iba en mi vida.

Esta novatada me la llevé por la tarde del primer día, en la recepción de obras viendo todo lo
que habían hecho los demás, pero sin duda fue en toda la frente: ví que estaba superado por
las circunstancias, pero quise revancha.

Gestionando mejor el tiempo y más nivel de acabado


Poco a poco, me fui dando cuenta de que los cuadros que se veían más terminados tenían
todos los ángulos y las líneas rectas de las casas, las carreteras, las aceras, etc, realizadas con
regla, lo cual daba mucha mayor sensación de acabado y de perfección.

Era algo que, de haber aplicado a mis cuadros al principio de todo, hubiese tenido más puntos
para competir.

Otro factor importante es que tenemos que tirar de nuestra imaginación y alterar lo que
vemos para añadir nuestro punto de vista.

Es decir, si es un día gris o estás pintando toda una superficie de la imagen que de por sí no
tiene gran cosa en cuánto a color, lo mejor que puedes hacer es interpretarla a tu manera.

Alterar la luz y el color y poner de tu parte para mejorar la imagen a través del cuadro, como
seguro que ya habrás hecho en ocasiones.

Muchas veces la gente no quiere ver simplemente una calle gris, si no que quiere ver todo el
juego que tú has sabido sacar de esa calle gris.

Y si nos parece que algunos pueblos son sosos y no se les puede sacar mucho partido a nivel
pictórico, esperemos a la recepción de obras y seguro que veremos que unos cuantos pintores
ya se las ha ingeniado para captar el encanto, ya sea encontrando los lugares clave o
representando divinamente aquello que parece anodino a simple vista.

Realmente la mayoría de pintores que se presentan a estos concursos tiene experiencia en


concursos de pintura rápida y no asisten por asistir.

Es una competencia fuerte y eso es bueno para nosotros.

¿Cuánto ganan los pintores “top” con los concursos?

Por lo que he podido averiguar en alguna que otra región de España, entre los pocos asiduos
que suelen ganar premios, hay quien se presenta a 30 concursos al año y gana premios en 15
de ellos (9.000 euros anuales en concursos de pintura rápida).

Otros con muchísimos años de experiencia y avanzada edad, pintores que son como
instituciones en sus regiones, que se presentan a más de 70 convocatorias al año, ganan
premios en 50 de ellos y más de 30.000 euros al año solamente en premios de concursos de
pintura rápida.

Cabe decir que estos son casos especiales.

No es habitual ganar más de 30.000€ en España


solo con concursos de pintura rápida.
Twittea esta frase
No es habitual ganar más de 30.000 al año hoy día en España solo con concursos de rápida.

También me consta que el número y la cantidad de los premios de estos concursos cayó en
picado a partir de la crisis de 2008.

Un pintor me dijo una vez que en un fín de semana bueno (antes de 2008) podía ganar unos
cuantos miles de euros en premios.

Sea como sea, creo que está bien probarlo más allá de los impulsos económicos.

Sencillamente por probar.

Ir abiertos y ver qué aprendemos.

Creo que es recomendable ver y participar en concursos de rápida por las razones que he ido
exponiendo, y en mi aún corta experiencia en estos concursos (15 concursos) he ganado
premios en varios y he vendido los cuadros de prácticamente todos los demás.

Recomendaciones para participar con éxito

Por ello te paso a continuación seis recomendaciones que a mí he habría ido bien tener antes
de asistir:

1.- Llegar pronto a las inscripciones.

Es poco tiempo, mejor aprovecharlo todo.

Trabajar un formato de lo más grande que se pueda.

Si el tope es 100 x 81, ahí que vamos.

2.- Ir con un color de fondo si está permitido en las bases.

Esto es algo más personal, pero a mí me ayuda bastante porque un color de luminosidad
media ayuda a pintar hacia colores claros y hacia colores oscuros, manteniendo un tono de
fondo que nos ayuda pensar que el soporte no tiene huecos por pintar, porque ya venía con un
color de fondo.

3.- Marcar las líneas rectas con regla.

Eso aumenta mucho la sensación de acabado y permite solucionar mejor los problemas de
perspectiva.

4.-Trabajar con una gama más reducida de colores.

Se trata de no perder tanto tiempo con las mezclas y los matices y centrarse más en los
detalles.
Sobre todo al principio, es complicado ofrecer un cuadro con muchos matices de color en muy
poco tiempo.

Sin embargo, podemos jugar con dos o tres colores bien combinados más el negro y el blanco y
crear una imagen de mucho impacto.

5.- Definir cómo trabajarás la luz o inventártela.

Pero nunca ir cambiándola a medida que pasa el día.

Aquí tienes un video en el que podrás ver esto sobre la marcha en uno de los concursos en los
que participé el año pasado.

Espero que sea de tu interés:

Y a ti, ¿Qué te parecen los concursos de pintura rápida?.

¿Qué experiencia has tenido con estos concursos?

Déjame tu opinión más abajo, en los comentarios.

Espero que te haya gustado este artículo de Miquel Cazaña sobre los concursos de pintura
rápida y que te animes a participar en ellos.

Para facilitarte la búsqueda de convocatorias, te voy a facilitar dos enlaces en los que
encontrarás la información para poder concursar:

Elcaballete.com
Web creada por un equipo de apasionados por el arte, en concreto por la pintura, con el
objetivo de difundir y promover el aprecio por esta disciplina y servir de ayuda para los artistas
profesionales.

Concursos.com
Es un referente en internet para poder disponer de las bases completas de la mayoría de los
certámenes artísticos y literarios que se convocan. Hay que registrarse para acceder a los
concursos y tiene una cuota única de 33€ anuales.

Concursos de pintura rápida. ¿Por qué es interesante participar?

Los concursos de pintura rápida son el tema que hoy nos ocupa y que he considerado
imprescindible conocer sus entresijos.
Son una oportunidad para tener ingresos extras y también una experiencia positiva en muchos
aspectos: competitividad, reto personal, interacción con otros artistas, rapidez de ejecución,
confianza en uno mismo o promoción, entre otros.

Para explicarnos con propiedad y conocimiento de causa su convocatoria y desarrollo he


invitado a Miquel Cazaña, pintor e ilustrador, que ha participado en múltiples ocasiones y
comparte en este artículo su experiencia con todo lujo de detalles.

A continuación, Miquel nos desvela las ventajas e inconvenientes de este tipo de convocatorias
y recomendaciones para participar con éxito.

INDICE DE CONTENIDOS

1.Beneficios que aportan los concursos de pintura rápida.

1.1 – El reto de terminar un cuadro en unas pocas horas.


1.2 – La posibilidad de ver trabajar a otros pintores.
1.3 – Trabajar al aire libre.

2.Aspectos negativos
3.Gestionando mejor el tiempo. Alcanzando más nivel de acabado
4.¿Cuánto ganan los pintores “top” con los concursos de pintura rápida?
5.Recomendaciones para participar con éxito

5.1- Llegar pronto a las inscripciones.


5.2 – Ir con un color de fondo si está permitido en las bases.
5.3 -Trabajar con una gama más reducida de colores.
5.4 – Definir cómo trabajarás la luz o inventártela.

Para los que somos pintores, una de las maneras más directas e interesantes para evolucionar
en nuestro terreno es presentándonos a concursos de pintura rápida.

Estos concursos están organizados por asociaciones o ayuntamientos de pueblos y suelen


tener de 2 a 3 premios hasta 6, y algunos hasta incluso 10 o más premios.

Los patrocinadores suelen ser negocios locales, el ayuntamiento.

Y en casi todos los casos, el motivo a pintar es el propio pueblo.

Beneficios que aportan los concursos de pintura rápida

Más allá de las posibilidades de ganar, según mi experiencia estos concursos nos ayudan a
evolucionar por factores como los siguientes:

1.-El reto de terminar un cuadro en unas pocas horas.

Lo que significa aprender a ir directo al grano y no entretenerse con florituras.


Eso se agrava con el hecho de que habitualmente el formato máximo con el que nos podemos
presentar es 100 x 81 cms.

Los pintores que se llevan el gato al agua son muchas veces los que pintan en formato grande,
puesto que resulta más impactante.

Eso significa que, si queremos optar a premio, estamos casi obligados a pintar en ese formato.

2.- La posibilidad de ver trabajar a otros pintores.

Suelen participar de 10 a 15 a 70 u 80 pintores en los concursos.

A veces incluso más de 100.

Eso nos da la posibilidad de asistir a una verdadera escuela en la que veremos muchas
técnicas, estilos y procesos de una sola tacada.

Además de poder hablar con ellos y contrastar opiniones acerca de cómo está el mercado, de
cómo han enfrentado ellos algún reto concreto del día, etc.

Siempre es bueno estar en comunidad, y más en una profesión tan solitaria como la nuestra.

3.-Trabajar al aire libre.

Es muy bueno pintar al natural.

Ver cómo cambia la luz y hacer nuestra propia interpretación del paisaje al margen de sus
formas cambiantes.

Estar siempre en nuestro estudio trabajando a partir de fotos nos impide percibir
directamente los motivos que pintamos del natural. Si no es en concursos, creo que por lo
menos vale la pena juntarnos con otros pintores y pintar al natural de vez en cuando.

Aspectos negativos

Como cosas negativas, sí he visto que centrarse solamente en estos concursos crea una
tendencia a terminar las cosas deprisa y a profundizar y a reflexionar menos en el cuadro.

Si solo participas en concursos de pintura rápida, puedes adoptar y cronificar “tics” a la hora
de pintar, por ejemplo, pintando siempre las flores de la misma manera, una manera que no es
la que utilizarías si tuvieras más tiempo para observar las flores y detallarlas más.

Creo que sólo he conocido a un pintor que pinte con el mismo grado de detalles y de matices
que si se tratara de un cuadro realizado en varias sesiones.

Por lo demás, los cuadros en los concursos de pintura rápida son en general muy impactantes
y se ven bien acabados, de eso no cabe duda, pero es físicamente imposible que veamos un
cuadro con la definición de un Velázquez, para entendernos.
Creo que al margen de la pintura rápida, al menos para mí es interesante continuar con un
trabajo de estudio de fondo.

Otro punto negativo es que muchas veces no puedes recoger el cuadro el mismo día del
concurso, y si el lugar en el que ha sido el concurso queda lejos de tu casa tendrás que ir a
buscarlo expresamente otro día o mandar a una agencia de transportes para que lo recoja.

En todo caso, creo que es muy interesante presentarse por lo menos a unos cuantos de estos
concursos cada año.

Al menos esa ha sido mi decisión.

Creo que unos 6 u 8 al año está bien para mí.

Me obliga a ponerme las pilas cuando hay un concurso y a romper la dinámica de pintar
siempre en estudio.

Otras veces también me voy a pintar al aire libre con pintores y también me resulta muy
agradable y de todas formas tengo una base para un nuevo cuadro que después puedo
terminar y vender.

Igual que en los concursos de pintura rápida.

Si no te dan premio ese día, después lo puedes vender.

Como todo, estos concursos son una cuestión de experiencia.

Yo mismo tuve la experiencia de varias novatadas al principio.

La vanidad, por ejemplo: pensaba que iba a ganar el primer día y que los demás no tenían
nada que hacer, a pesar de que era el primer concurso de rápida al que yo iba en mi vida.

Esta novatada me la llevé por la tarde del primer día, en la recepción de obras viendo todo lo
que habían hecho los demás, pero sin duda fue en toda la frente: ví que estaba superado por
las circunstancias, pero quise revancha.

Gestionando mejor el tiempo y más nivel de acabado

Poco a poco, me fui dando cuenta de que los cuadros que se veían más terminados tenían
todos los ángulos y las líneas rectas de las casas, las carreteras, las aceras, etc, realizadas con
regla, lo cual daba mucha mayor sensación de acabado y de perfección.

Era algo que, de haber aplicado a mis cuadros al principio de todo, hubiese tenido más puntos
para competir.
Otro factor importante es que tenemos que tirar de nuestra imaginación y alterar lo que
vemos para añadir nuestro punto de vista.

Es decir, si es un día gris o estás pintando toda una superficie de la imagen que de por sí no
tiene gran cosa en cuánto a color, lo mejor que puedes hacer es interpretarla a tu manera.

Alterar la luz y el color y poner de tu parte para mejorar la imagen a través del cuadro, como
seguro que ya habrás hecho en ocasiones.

Muchas veces la gente no quiere ver simplemente una calle gris, si no que quiere ver todo el
juego que tú has sabido sacar de esa calle gris.

Y si nos parece que algunos pueblos son sosos y no se les puede sacar mucho partido a nivel
pictórico, esperemos a la recepción de obras y seguro que veremos que unos cuantos pintores
ya se las ha ingeniado para captar el encanto, ya sea encontrando los lugares clave o
representando divinamente aquello que parece anodino a simple vista.

Realmente la mayoría de pintores que se presentan a estos concursos tiene experiencia en


concursos de pintura rápida y no asisten por asistir.

Es una competencia fuerte y eso es bueno para nosotros.

¿Cuánto ganan los pintores “top” con los concursos?

Por lo que he podido averiguar en alguna que otra región de España, entre los pocos asiduos
que suelen ganar premios, hay quien se presenta a 30 concursos al año y gana premios en 15
de ellos (9.000 euros anuales en concursos de pintura rápida).

Otros con muchísimos años de experiencia y avanzada edad, pintores que son como
instituciones en sus regiones, que se presentan a más de 70 convocatorias al año, ganan
premios en 50 de ellos y más de 30.000 euros al año solamente en premios de concursos de
pintura rápida.

Cabe decir que estos son casos especiales.

No es habitual ganar más de 30.000€ en España


solo con concursos de pintura rápida.
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No es habitual ganar más de 30.000 al año hoy día en España solo con concursos de rápida.

También me consta que el número y la cantidad de los premios de estos concursos cayó en
picado a partir de la crisis de 2008.
Un pintor me dijo una vez que en un fín de semana bueno (antes de 2008) podía ganar unos
cuantos miles de euros en premios.

Sea como sea, creo que está bien probarlo más allá de los impulsos económicos.

Sencillamente por probar.

Ir abiertos y ver qué aprendemos.

Creo que es recomendable ver y participar en concursos de rápida por las razones que he ido
exponiendo, y en mi aún corta experiencia en estos concursos (15 concursos) he ganado
premios en varios y he vendido los cuadros de prácticamente todos los demás.

Recomendaciones para participar con éxito

Por ello te paso a continuación seis recomendaciones que a mí he habría ido bien tener antes
de asistir:

1.- Llegar pronto a las inscripciones.

Es poco tiempo, mejor aprovecharlo todo.

Trabajar un formato de lo más grande que se pueda.

Si el tope es 100 x 81, ahí que vamos.

2.- Ir con un color de fondo si está permitido en las bases.

Esto es algo más personal, pero a mí me ayuda bastante porque un color de luminosidad
media ayuda a pintar hacia colores claros y hacia colores oscuros, manteniendo un tono de
fondo que nos ayuda pensar que el soporte no tiene huecos por pintar, porque ya venía con un
color de fondo.

3.- Marcar las líneas rectas con regla.

Eso aumenta mucho la sensación de acabado y permite solucionar mejor los problemas de
perspectiva.

4.-Trabajar con una gama más reducida de colores.

Se trata de no perder tanto tiempo con las mezclas y los matices y centrarse más en los
detalles.

Sobre todo al principio, es complicado ofrecer un cuadro con muchos matices de color en muy
poco tiempo.

Sin embargo, podemos jugar con dos o tres colores bien combinados más el negro y el blanco y
crear una imagen de mucho impacto.

5.- Definir cómo trabajarás la luz o inventártela.


Pero nunca ir cambiándola a medida que pasa el día.

Aquí tienes un video en el que podrás ver esto sobre la marcha en uno de los concursos en los
que participé el año pasado.

Espero que sea de tu interés:

Y a ti, ¿Qué te parecen los concursos de pintura rápida?.

¿Qué experiencia has tenido con estos concursos?

Déjame tu opinión más abajo, en los comentarios.

Espero que te haya gustado este artículo de Miquel Cazaña sobre los concursos de pintura
rápida y que te animes a participar en ellos.

Para facilitarte la búsqueda de convocatorias, te voy a facilitar dos enlaces en los que
encontrarás la información para poder concursar:

Elcaballete.com
Web creada por un equipo de apasionados por el arte, en concreto por la pintura, con el
objetivo de difundir y promover el aprecio por esta disciplina y servir de ayuda para los artistas
profesionales.

Concursos.com
Es un referente en internet para poder disponer de las bases completas de la mayoría de los
certámenes artísticos y literarios que se convocan. Hay que registrarse para acceder a los
concursos y tiene una cuota única de 33€ anuales.

Aprende como poner un precio justo a tu


trabajo
Lo relevante en tu labor creativa es conseguir una obra bien hecha.

Desde el aspecto conceptual, lograr expresar una buena idea y, mediante recursos técnicos,
saberla plasmar satisfactoriamente.

Dominar el medio en el que trabajas artísticamente y expresar tus inquietudes es solo el


primer paso, aunque para ti esta etapa sea la más importante del proceso.
Después de conseguida la obra hay que saber venderla y estipular con acierto el precio justo
de cada uno de tus trabajos.

Aunque para los pintores hay medidas standard que pueden servir de orientación, en otros
oficios de arte cada obra requiere una valoración diferente para su comercialización.

Valor y precio

Estoy seguro que en más de una ocasión habrás oído:” No es lo mismo valor que precio en
una obra de arte”.

De acuerdo. Así es.

Tu obra es genial, tiene tu impronta personal, te identificas con ella, es única e irrepetible.

Artísticamente vale mucho para ti, pero piensa ¿cuánto estaría dispuesto un comprador a
pagar por ella?.

Medítalo fríamente.

Distánciate de tu obra como autor y observala como un mero objeto.

Para ponerle precio a una pieza de arte, sea pintura, dibujo, escultura, obra gráfica, fotografía,
cerámica, etcétera tienes que basarte en una lógica que te sea útil, equitativa y satisfactoria
para cada ocasión.

Vender por puntos

Los pintores tienen una ventaja ya que pueden vender por puntos.

El tamaño o referencia del bastidor como soporte de un lienzo de pintura presenta unas
medidas universales (largo y ancho), referidas al sistema de numeración internacional.

Este sistema se creó para facilitar su fabricación en Francia en el siglo XIX.


Tabla universal de medidas standar para bastidores

Vamos a poner como ejemplo la referencia 8F (46x38 cms.) que corresponde a un formato
para figura. Su valor, según la referencia, es de 8 puntos.

Cada artista valorará libremente, según su criterio de gastos, materiales y tiempo invertido, el
precio de cada punto.

Si su valoración, por ejemplo, es de 50 euros x punto, un cuadro pintado en un bastidor 8F le


corresponderá un precio de 400 euros (8 puntos x 50 euro-punto).

Si este mismo pintor realiza un paisaje al óleo o acrílico en una tela del bastidor 30P (92x65
cms.) el precio de esta obra tiene que ser de 1500 euros (30 puntos x 50 euros-punto).

Es una solución óptima para poner precio a tus obras independientemente del tamaño de las
mismas.

Precio por centímetros


Otra alternativa que tiene todo artista que trabaja sobre bastidor de tela, papel, madera o
sobre cualquier otro soporte plano es el de estipular sus precios por centímetros cuadrados.

Igual que el apartado anterior debe ponerle un precio al centímetro cuadrado, en función de lo
que él valore su trabajo.

Por ejemplo, 1 euro x 1 cm2. Si tenemos en cuenta que ha trabajado sobre una superficie
de 90x60 cms. debe hacer el siguiente cálculo: 90x60=5400 cms2. x 1 euro-cm2.= 5400 euros.

Este es el valor de la obra. Con estos dos sistemas de cálculo, por puntos o por centímeto
cuadrado, los artistas pueden valorar comercialmente sus trabajos de una forma eficaz y justa.

El cliente siempre sabrá que una obra más pequeña que otra vale menos por su tamaño, pero
no tiene menos valor artístico que otra que sea más grande.

Vender por coste de producción

Si eres escultor o un artista que trabaja tridimensionalmente en cualquier técnica, la


valoración mercantil de tus piezas debe ser distinta a las opciones que hemos explicado hasta
ahora.

Sabemos que en el mercado del arte una obra gráfica vale menos que un cuadro al óleo, pero
que una escultura en bronce es mucho más cara que ambos.

¿Por qué?. Está claro.

Por los materiales, la fundición y la intervención de terceros en la realización de la escultura


final.

Una forma satisfactoria de calcular el precio de una obra tridimensional puede ser basándose
en los siguientes puntos:

– Horas invertidas.

– Coste de materiales.

– Gastos externos ( fundición, transporte, embalaje…)

– % de creatividad (fijalo según tu criterio). Podría ser un 25%, por ejemplo.

NO TE SOBREVALORES
Es imprescindible que a la hora de poner precio a tu trabajo seas legal contigo mismo y realista
con la situación actual del mercado. No te sobrevalores.

Recuerda que para ti tu escultura, pintura, dibujo o fotografía vale mucho, pero tendrás que
venderla si quieres vivir profesionalmente de tu trabajo como artista.

A la hora laboral ponle un precio justo, como si fueras un profesional de otro sector.

No vayas sacando pecho y considerando que lo que tienes es único.

Para ti, seguro que sí. Será algo especial, pero todo es reemplazable y la oferta que hay en el
mercado es muy amplia y variada.

Pon a tu obra un precio justo y el mercado la revalorizará con el tiempo


Twittea esta frase

Con el paso del tiempo y superándote día a día conseguirás una justa cotización.

Si eres un artista emergente que se está introduciendo en el mercado, puedes empezar por
ponerle a la hora de trabajo alrededor de los 15 euros, por ejemplo.

Observa a otros artistas similares.

Analiza su obra y el precio que tienen.

Recuerda que si eres “nuevo” en este mercado no puedes vender al mismo precio que un
artista de amplio recorrido y con una demanda de su obra establecida.

Es preferible subir poco a poco y hacerlo a medida que exista una demanda favorable que,
pasado un tiempo, tengas que bajar los precios porque no vendas.

Si alguien te ha comprado a 500 euros y, pasado un año, el mismo formato y temática lo estás
vendiendo a 350 euros es una mala política; muy mala política.

Da la impresión que has engañado al que te ha comprado al principio a 500 euros.

Subir es fácil, pero después cuesta mucho bajar.

Sube poco a poco, aunque ya tengas establecido un pequeño hueco en el mercado.

Siempre, aunque no te lo pidan, debes poder justificar las subidas de precio.

Los precios altos frenan al comprador.

Los precios bajos te subestiman.

Tampoco seas barato.


Hay diferencia entre un precio bajo y justo de uno “tirado”.

Si es muy bajo y está por debajo de la calidad de tu trabajo el mercado no te tomará en serio.

¿Cuando puedo subir el precio?

Las subidas de precio no deben ser contínuas

Tu clientela seguro que se mueve en un reducido círculo de familiares, amigos o conocidos que
te han comprado porque tienen una relación contigo.

Si vendes a través de una galería profesional el mercado también será reducido.

Seguramente los compradores se conocen e, incluso, se interrelacionan entre ellos


comercialmente.

Debes ser formal en lo que se refiere a los precios.

Si has decidido aumentar los precios, hazlo porque has tenido una exposición importante,
porque se ha consolidado la demanda de tu obra, porque avanzas más lentamente al trabajr
con más precisión y detalle, porque has ganado un premio importante o cualquier otro motivo
por el que puedas justificar la subida.

No hagas aumentos bruscos y desproporcionados.

Actuar de esta forma, a medio plazo, te perjudicará.

Mi consejo es que subas gradualmente entre un 10% ó 12%.

También hay que tener en cuenta que si produces mucho el precio puede ser más bajo para
dar salida a toda la producción.

Si tu trabajo es más lento tienes que rentabilizarlo y ponerle un mayor precio.

A ti lo que realmente te importa, seguramente, es encerrarte en tu taller-estudio y disfrutar


creando con total libertad, pero, si deseas vivir profesionalmente de tu obra como artista,
debes entender el juego de la oferta y la demanda que impera en el mercado del arte y que,
por añadidura, tiene sus propias peculiaridades.

Al no existir unas reglas universales y establecidas para poner precio a los trabajos de arte,
tienes que buscar el mayor equilibrio posible entre valor y precio.

Los coleccionistas, compren en la galería o en el estudio, acostumbran a regatear y el artista


debe aceptar este tira y afloja de manera inteligente.

Debes disponer de un margen en los beneficios que te permitan este juego: satisfacer la
petición del comprador, sin menoscabo de sus propios intereses.
Relación con las galerias

Trabajar con una galería profesional es la aspiración de todo artista.

Es disponer de una representación experta y dedicada comercialmente a promover tu trabajo.

Puedes delegar en ella todo lo mercantil dedicándote por completo a crear.

En lo que se refiere a los precios, debes consensuarlos con la dirección de la galería.

Por tu parte, debes tener en cuenta el porcentaje de la galería, los gastos adicionales por
exposición, la posible participación a ferias, etcétera.

Evalúa todos los costes al no vender tú directamente, sino a través de un intermediario.

No engañes a la galería.

No lo hagas vendiendo a un precio inferior.

No engañes a la galería.No lo hagas vendiendo tu a un precio inferior.


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Si vendes algo en el estudio debes respetar los precios de la galería que te representa.

Es importante para tu carrera tener una buena representación y no debes competir con ella.

A nadie le favorecerá y, a medio plazo, un comportamiento desleal es perjudicial para ambos


no respetar el precio que hayáis acordado en común.

Hasta aquí ya te he contado todo lo que tenía pensado en explicarte referente a los precios y
como estipularlos de forma satisfactoria.

Analiza las posibilidades de tu trabajo y pon en práctica la solución que consideres más
acertada.

Siempre habrá un margen para rectificar si te has equivocado en algo. Merece la pena hacer
las cosas bien y ponerle un precio justo a tú trabajo es muy importante.

Recursos para ayudarte a promocionar y


vender tu arte
Cuando el artista tiene prestigio y su obra es reconocida en el mercado su comercialización se
hace prácticamente por si sola.

Son los mismos circuitos comerciales del arte los que la demandan o la promocionan porque es
más fácil para los intermediarios trabajar con un producto que tiene aceptación y cuyo autor
goza de prestigio y popularidad.

En estos casos, es el coleccionista el que llama a la puerta del estudio-taller para comprar.

Al revés, ocurre cuando el artista es prácticamente un desconocido, aunque su obra sea de una
calidad indiscutible.

Es él quien tiene que salir de su taller y dar a conocer su trabajo.

Tiene que promocionarlo y hacerlo con todas las herramientas y oportunidades que tenga a su
alcance.

El mercado del arte es un mundo subjetivo y que sorprende continuamente con gustos muy
dispares y complejos, tanto en el plano artístico como en el económico.

El mercado del arte es un mundo subjetivo


y que sorprende continuamente con gustos muy dispares y complejos.
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La obra bien realizada, con una conceptualidad clara y bien definida es la mejor baza que el
artista tiene para abrirse camino.

Lo bien hecho gusta a todos y conseguirlo tienes ya un cincuenta por ciento a tu favor, aunque
cada coleccionista sea diferente en sus preferencias.

En lo económico la realidad es más compleja, porque no solo está el valor-precio de la obra,


sino la especulación del mercado y los intereses de los diversos agentes que intervienen en la
comercialización de este micromundo.

Como te he comentado, la solidez del artista es imprescindible pero tiene que salir del taller y
promocionarse.

Muestra al mundo lo que haces: ¡Sal del estudio!

Si eres un autor emergente tu círculo de relaciones artístico-comerciales se reduce,


normalmente, a familiares, amigos, vecinos, compañeros de trabajo o de estudios y poco más.

Si tienes ya un recorrido más amplio, porque has celebrado exposiciones o has vendido
directamente es probable que ya tengas una pequeña cartera de clientes que están fuera del
cÍrculo más cercano a ti y familiar.
Esta cartera no es suficiente.

Hay que ampliarla porque lo normal es que te compren ocasionalmente y tú tienes que ganar
para poder vivir todo el año.

Repito: debes publicitar tu obra para poder ampliar el campo de acción de mercado y no
agotar con tu oferta reiterada tu clientela actual.

Ocurre, con mucha frecuencia, que la primera exposición que celebra el artista se vende
bastante bien, pero eso no será la normalidad en futuras exposiciones.

El público que acude a tu primera muestra individual suele ser gente cercana a ti y conocida
que compran por amistad o por compromiso, dando por entendido de que les gusta tu obra.

No te engañes.

Es la primera exposición y el conocido ha cumplido (de alguna manera) contigo.

En la próxima seguramente venderás menos.

El que tiene una obra tuya es probable que entienda que ya ha solventado el compromiso o
que en este momento no se ajusta a su presupuesto hacerse con una nueva compra.

Al principio, más que vender, es preferible enseñar y ampliar el público que pueda conocer tus
trabajos.

Con el tiempo, seguro que este nuevo publico comprará.

Es cuestión de que surja la oportunidad o la necesidad de que el futuro cliente considere que
tu obra es una opción atractiva para comprarla.

Basándome en estos argumentos, a continuación voy a enumerarte campos de acción en los


que puedes intervenir para conseguir tu primera cartera de clientes:

-Fija tus precios de forma justa.

Es necesario crear confianza y tener una línea de actuación estable.

Encuentra tu propio método para poner precio a tu obra y que sea equitativo para todos los
formatos que trabajos.

En este artículo te doy algunas pistas para conseguirlo: ”Aprende como poner un precio justo a
tu trabajo”.

No solo tengas en cuenta tu trabajo en horas, también los gastos de material, local,
enmarcación (si son cuadros), desplazamientos, etcétera.

-Acepta trabajar por encargo.


Aunque estés volcado en crear tu propia obra, acepta encargos a gusto del cliente, porque son
una fuente de ingresos que te ayudarán a vivir.

Aparca tu ego por unos días y amóldate al capricho del que paga.

Acepta encargos.
Aparca tu ego por unos días y amóldate al capricho del que paga.
Twittea esta frase

Es algo pasajero y los beneficios económicos te darán más holgura para después poderte
dedicar por completo a crear tu propia obra.

En los encargos, te aconsejo que pidas una cantidad en depósito por adelantado.

Puede ser, por ejemplo, un 25% para hacer frente a los primeros gastos y para amarrar el
compromiso del cliente con el trabajo que le vas a hacer.

-Exposiciones a nivel local.

Empieza moviendo tu obra a nivel local y en territorios cercanos a tu taller o residencia.

En este ámbito los desplazamientos son cortos y puedes gestionar los contactos sin que quiten
mucho tiempo de tu trabajo.

Según lo grande que sea la ciudad en que vives, puedes actuar por barrios, casas de la cultura,
centros sociales, asociaciones, comercios, hostelería o establecimientos similares.

Ofrece tu obra para exponer a todos aquellos locales que puedan acogerla de una manera u
otra sin que el entorno desmerezca la dignidad de tu trabajo.

Siempre habrá alguno que se negará a colaborar, pero la mayoría aceptarán.

Posiblemente, te permitan mostrar gratis la obra y ellos te la promocionarán si alguien se


interesa.

Ofréceles una pequeña comisión o busca la forma de compensarlos de alguna manera por su
colaboracion y dejarte mostrar tus obras.

Para exponer en salas apropiadas y acondicionadas para exposiciones presenta tu solicitud con
antelación, porque suele ser haber mucha demanda al utilizarse como locales multiusos.

He editado una guía gratuita en la que explico las posibilidades de exposición que puedes
explorar para seleccionar las que más se ajusten a tu obra y tu situación actual: “Quiero
exponer. ¿Dónde y cómo?”.
-Publicidad siempre a mano.

Lleva siempre contigo alguna tarjeta o folleto relacionado con tu trabajo.

No desaproveches ninguna oportunidad en la que puedas darte a conocer y facilitar a la gente


el contacto contigo.

Hoy día, con las imprentas online sale a muy buen precio imprimir flyers, carteles, folletos o
tarjetas informativas que puedes distribuir en los comercios o fijarlas en los escaparates.

-El cliente satisfecho.

La mejor promoción es siempre la obra vendida.

El cliente la ha comprado porque le gusta y la ha colocado en su casa en un lugar preferente.

Está encantado con la adquisición, porque nadie va a convivir veinticuatro horas al día en su
casa con un objeto extraño o que no sea de su agrado.

Esta es la mejor publicidad, porque este cliente te recomendará al tener en alta estima lo que
te compró.

Trata bien a tus coleccionistas, mímalos y repercutirá en tu beneficio con creces.

Potencia y amplia siempre tu grupo de contactos sean o no coleccionistas.

-Contacta con galerías profesionales.

Mientras trabajas tu entorno más cercano, envía un portdolio a las galerías que consideres que
les pueden interesar tus trabajos.

Es posible que no te contesten todas, pero pueden salir contactos valiosos en el desarrollo de
tu trayectoria artística.

No te desanimes porque te ignoren o rechacen tu oferta.

Insiste pasado un tiempo prudencial y no cierres definitivamente ninguna puerta.

Siempre habrá quien esté dispuesto a escucharte o a ver tu obra.

-Convoca algún evento.

Si tu taller-estudio te lo permite organiza algún acto para reunir a las personas que te conocen
o se han interesado por tu trabajo.

Suguiere a tus invitados, particularmente con los que tienes más confianza, que traigan con
ellos a alguna otra persona.
De esta manera indirecta, ampliarás el circuito de posibles compradores, ya que si acude
público nuevo es porque, en principio, les ha llamado la curiosidad ser invitados..

-Asiste a actos artístico-culturales.

Asiste a actos culturales y a las exposiciones de otros artistas.

No caigas en la tentación de hablar demasiado de ti o publicitar tu trabajo en las exposiciones


de otros compañeros.

Es una cuestión de ética profesional y debes respetar su protagonismo del acto.

No obstante, la relación y conversación que mantengas con los asistentes es muy valiosa,
porque es un público que no se interesa por el arte y pueden convertirse en clientes tuyos.

-Utiliza los medios informativos.

Un buen canal de promoción son los medios informativos: prensa, radio, televisión…

Cuando tengas una exposición es obligado hacerles llegar la oportuna información con
antelación para que asistan a la inauguración o puedan hacerte una entrevista que coincida
con la apertura o en el periodo en que esté abierta la muestra.

Divulga también cualquier actividad que resalte o salga de la norma de tu rutina de trabajo:
ganar un concurso, recibir un encargo especial, ser seleccionado para alguna exposición
relevante o, simplemente, invitarles para que vean el desarrollo de un nuevo proyecto.

-Colabora en acto benéfico-sociales.

Es habitual recurrir a los artistas o artesanos para que colaboren en la financiación de actos
benéficos o sociales con la aportación de su obra.

Acepta siempre estas solicitudes y ofrécete a donar desinteresadamente alguno de tus


trabajos con la finalidad de recaudar fondos para estos colectivos.

Indirectamente, aunque no sea con dinero, actuaciones de esta índole te beneficiarán a corto y
medio plazo.

-Ofrécete como diseñador.

Bien sea para el ayuntamiento o para cualquier asociación, ofrece tu capacidad creativa para el
diseño de sus carteles.

Tu nombre se verá por toda la ciudad, favoreciendo tu promoción.


Y si diseñas algún cartel, acuérdate de lo que dice Milton Glaser “existen tres posibles
respuestas a un cartel: si, no y ¡wow!. ¡Wow! Es a lo que hay que aspirar”.

-Organízate para dar clases.

Afortunadamente las clases de actividades artísticas están muy demandadas y tienen una
acogida favorable en el público.

Abre tu taller unas horas a la semana para impartir clases o hazlo en locales municipales, de
asociaciones o de colectivos sociales.

Es gratificante salir del taller y relacionarse con personas que tienen inquietudes artísticas y
recurren a ti para ampliar sus conocimientos.

Por otra parte, conocerás a gente nueva que al relacionarse contigo pueden convertirse en
compradores de tu obra.

-Por último, ten presencia en internet.

El mercado del arte online va en aumento cada año.

Si eres artista (escultor, pintor, dibujante, grabador, fotógrafo, ilustrador, ceramista o


artesano) necesitas tener un blog o web para mostrar tu trabajo al público.

En este artículo “Pasos a seguir para tener un blog profesional” te explico los pasos que debes
seguir para tener un blog o una web que te sea rentable para tu proyecto artístico, pero que
también puede valer para cualquier otra iniciativa online que quieras emprender.

También existe la posibilidad de que puedas vender a través de portales de arte de manera
semidirecta.

Tener presencia en estas plataformas de arte suele ser gratis en la mayoría de ellas, aunque
cobran un porcentaje si se realiza una venta.

Una selección de estos portales los he recogido en este post: “30 sitios donde puedes vender
tu arte por internet”.

Si eres un artista activo sabes que no todo se reduce en crear tu obra, sino que hay que
dedicar tiempo para hacer otros trabajos complementarios y no siempre tan atractivos como
los del estudio-taller.

Debes tantear todas las posibilidades que el mercado te ofrece con la fórmula “prueba-error”
e ir ajustando la experiencia al objetivo que te hayas propuesto.

No le tengas miedo al fracaso, porque de los peores errores se han creado éxitos indiscutibles.
Tampoco te desanimes.

Se constante y muy activo y conseguirás vender bien tu arte.

Pasos a seguir para tener un blog


profesional
Te voy a explicar los pasos que debes seguir para tener un blog o una web que te sea rentable
para tu proyecto artístico, pero que también puede valer para cualquier otra iniciativa online
que quieras emprender.

Si eres artista (escultor, pintor, dibujante, grabador, fotógrafo, ilustrador, ceramista o


artesano) necesitas exponer tu obra al público.

Temporalmente puedes hacerlo en exposiciones o cualquier otra modalidad de mercado.

La ventaja de tener exposición online permanente te ofrece la posibilidad de llegar a un


público global y todos los días del año.

Otra ventaja de la exposición virtual es que te evitas el tener que mover la obra de un lado
para otro como ocurre cuando expones en las salas de arte.

Hay que mandar la obra, desembalarla, colgarla o instalarla.

Después, pasados quince días, hay que volver a recogerla, empaquetarla y acarrear con el
transporte hasta tu estudio-taller… y así en que cada oportunidad que tengas para mostrar al
público tu trabajo.

Si tienes un blog o web en la que ofreces una galería virtual de tu obra con amplia información
sobre ella y sobre el proceso de trabajo de tu estudio-taller, ganarás la confianza del posible
comprador que accederá con frecuencia a tu website esperando encontrar novedades y
familiarizándose con tu trabajo

En definitiva, la creación de un website asociado a tu trabajo como artista es una herramienta


indispensable para vender. No sólo estarás mostrando tu obra, sino que utilizas el canal
adecuado para ganarte la confianza del visitante con la información que le facilitas.

¿Què es un blog o una web?

En un principio, un blog es la plataforma online a través de la cual se expresa un diario


personal, profesional o cualquier otro tema que quiera expresar su autor

El origen de la palabra blog es la mezcla de las palabras web y log.


En español se le conoce también como bitácora.

Aclarar que el blog es solo una parte de un sitio web más amplio o sólo una posibilidad en sí
misma para expresar y publicar contenidos, que permite la participación de los lectores a
través de sus propios comentarios.

El contenido de un sitio web es mucho más amplio, ya que, además de poder incluir el
apartado de blog, ofrece más contenido al cual se accede mediante los menús de navegación.

Además de la sección blog, un sitio web se estructura en las siguientes secciones:

Inicio (home), servicios, portfolio o galería, acerca de (autor), páginas legales (privacidad,
política de cookies, aviso legal), contacto y todos los apartados que consideres apropiado
añadir para facilitar la navegación por tu website.

El formato que a los artistas les puede interesar y, seguramente, este es tu caso, es utilizar su
presencia online como un recurso que genere ingresos, al fin y al cabo, promocionando su
trabajo.

Cada uno puede plantearse sus prioridades a la hora de diseñar su sitio web, pero mi
recomendación para la estructura de una web que sea utilizada como galería o portfolio de tus
trabajos sería la siguiente:

– Home (Inicio).
– Portfolio o Galería de obras. ( Selección de obras para solo mostrar o vender)
– Servicios (Si ofreces alguno).
– Acerca de… (Historial artístico)
– Resumen de criticas y prensa.
– Contacto (email, teléfono, dirección, horario…)
– … y blog, si quieres publicar periódicamente artículos sobre tu trabajo, las exposiciones o
noticias relacionadas con tu especialidad o cualquier otro tema.
¿Es mejor un blog gratuito o de pago?

En Internet podemos encontrar una gran cantidad de plataformas que nos permiten crear un
blog gratis de manera rápida y sencilla

Hay plataformas gratuitas en las que puedes tener alojado tu blog o web, como Blogger.com,
Site123, Wix.com, Weebly.com, WordPress.com, Jimdo.com, Yola.com y muchos más

La opción gratuita es posible que te la plantees antes que embarcarte en una página web
profesional para la que necesitarás contratar un dominio, hosting y diseñador web o
configurarla por tu cuenta.

Un blog gratuito puede perfectamente cubrir todas sus necesidades, pero las ventajas que
aporta realizar las cosas de la manera más profesional posible, aunque que tengas que
gastarte algún dinero, es siempre beneficioso para el proyecto online que quieras poner en
marcha.

Un blog gratuito tiene limitaciones.


El espacio no es tuyo y es la plataforma la que marcará las reglas.

La publicidad que insertan en tu blog es un inconveniente de imagen para tí.

El posicionamiento en buscadores es casi nulo.

El diseño y plugins que te ofrece la plantilla son limitados y si quieres una mayor cota de
personalización te derivan a prestaciones de pago.

Como hacer tu mismo el blog

Mi consejo es que hagas tu blog o web desde una perspectiva profesional, ya que va a ser tu
marca a nivel global.

Ten en cuenta que una buena imagen de empresa es imprescindible para que tu trabajo
inspire confianza en el comprador.

Por lo tanto, a continuación te detallo los principales pasos que debes dar para hacer
personalmente tu blog:

Decide que tipo de blog o web quieres tener.

Analiza con detenimiento para que quieres tener presencia online.


Selecciona tus prioridades y céntrate en ellas, eliminando lo innecesario.

Elige un nombre de dominio adecuado

Piensa que será tu marca y la de tu negocio durante mucho tiempo


Que sea único, fácil de recordar y apropiado al contenido del website.
Si muestras tu trabajo, puedes considerar que sea tu nombre.
Evita términos complejos o difíciles de deletrear, como números o signos de puntuación.
Para el dominio yo te recomiendo Namecheap (Ver).

Contrata un buen hosting

Si has decidido que tu blog o web no sea gratuito, el primer paso será contratar un buen
hosting donde alojarlo.
El precio no debe determinar la elección del hosting, porque todo lo barato sale caro.
No significa tanto dinero al año y los problemas que se pueden evitar son muchos.
Para el hosting yo te recomiendo Raiola Networks. (Ver)

Descárgate gratis WordPress

WordPress es un software de código abierto y es, al tiempo, GRATIS y de un precio (valor)


incalculable. Es una solución ideal y fácil de utilizar aunque no tengas muchos conocimientos
técnicos.
A medida que los necesites o quieras implementar nuevos complementos Wodpress dispone
de una amplia oferta de plugins que te permiten mejorar la seguridad, el SEO, las redes
sociales o el diseño.
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Elije la plantilla

Wordpres tiene de más de un millar de plantillas disponibles en su web oficial, pensadas


exclusivamente según el sector en que se encuentre tu blog o web.
Saber escoger la que mejor se adapte a tu proyecto artístico es relevante en el resultado de
blog o web.
Si has decidido hacer un blog bien hecho profesionalmente la plantilla Divi, de ElegantThemes,
incluye por defecto el plugin Divi Builder que te permite crear una página web sin tener
conocimientos de programación.
Es moderna, responsive, multipropósito, muy atractiva y fácil de trabajar y es la que utilizo en
este blog.
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información, te recomiendo el siguiente curso para crear un blog con WordPress y con la
plantilla Divi.

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20xciento.

Importancia del diseño

Los colores que elijas transmitirán psicológicamente un mensaje y deben estar acordes con el
contenido.
No te compliques y utiliza combinaciones armónicas de paletas de colores preestablecidas.
Utiliza dos colores principales y un tercero como complementario.
Busca el minimalismo para que destaque lo que realmente importa.Menos es más.
Hazlo fácil de navegar y tipografía legible.
La plantilla que hayamos elegido debe ser “responsive”, para que se pueda visualizar
correctamente en distintos dispositivos.

Configura tu blog y su contenido:

Como ya te he explicado anteriormente, si se trata de una galería online su estructura puede


ser la siguiente:Home, portfolio o galería de obras, servicios, historial artístico, resumen de
criticas/prensa y datos de contacto.

¡Por fin!… publica y mantenlo actualizado:


Una vez tenga estructurado y bien configurado tu sitio web, en función de lo que has decidido
que sea su contenido, empieza a publicar.
Hazlo regularmente y mantén actualizada la información con periódicas revisiones de la
misma.
Si muestras tu trabajo artístico en la galería o en un portfolio renueva las obras vendidas o deja
claro que ya no están en venta.
Destaca las nuevas incorporaciones de obra para que tus seguidores conozcan en lo que estás
trabajando últimamente.
Ofréceles algún incentivo agradeciendo su visita (podría ser un regalo de una obra mediante
sorteo)
Fidelízalos y gánate su confianza para que con el tiempo se conviertan en clientes, si no lo son
ya.
Pon todo lo que esté de tu parte para que tus visitantes estén cómodos y les apetezca siempre
volver.

Espero que tengas ahora claro si te interesa más un blog gratuito o tenerlo con herramientas
de pago.

De ti depende la elección, según sean tus necesidades de tener presencia en internet.

También puedes combinar las dos soluciones: parte del blog sea de pago (dominio y hosting) y
los recursos que utilices sean gratuitos, a pesar de sus limitaciones.

No tengas prisas en decidirlo, pero valora las opciones y posibilidades de cada una y procura
acertar en tu decisión.

Si con el tiempo ves que te has equivocado en algo, no te preocupes.

Cometiendo errores todos hemos aprendido y siempre tendrás la posibilidad de rectificar.

Si quieres saber las posibilidades de hacer un blog y que funcione, puedes acceder a este
training gratuito, de Angel Alegre.

Por hoy, eso es todo. Un abrazo.

Ramon’s

PD. Estoy afiliado a la mayoría de herramientas que recomiendo. Si adquieres alguna de ellas,
me llevaré una comisión.Todas las herramientas que recomiendo las he probado antes o las
utilizo en este blog. Las sugiero porque sé que son útiles y, para mi, de las mejores en su

Saber venderse: Portfolio y declaración de


artista
Saber venderse es imprescindible para posicionarse con ventaja en el complejo mercado del
arte.

Un portfolio y una declaración de artista son dos recursos indispensables para promocionar
nuestro trabajo como creativos.

Hay que saber venderse para conseguir triunfar y tenemos que utilizar todas las herramientas
que estén a nuestro alcance para conseguirlo.

Hemos trabajado duro y disponemos de una colección de obras que serán nuestra mejor carta
de presentación, pero hemos de ser conscientes que esto solo no basta.

INDICE DE CONTENIDOS

1.El portfolio, la llave maestra

2.Consejos para diseñar un portfolio eficaz

3.Las ventajas de un portfolio digital

4.¿Dónde puedo publicarlo gratis?

5.¿Qué es la Declaración de Artista / Artist Statement?

6.Tres puntos en los que basar el texto

El portfolio, la llave maestra

Empezaré por ocuparme del portfolio, porque es una herramienta esencial en tu promoción y,
esmerándote en su diseño y contenido, lo debes convertir en la llave maestra que te abra las
puertas a las que llames.

Al confeccionarlo, es conveniente analizar quienes van a ser sus destinatarios y diseñarlo de tal
modo que, con unas ligeras modificaciones, pueda ser válido para todos.

Ten en cuenta que será lo primero que van a ver de tu trabajo y debe reflejar tu sello personal
como artista.

No hay que conformarse con enviar un curriculum vitae extenso, bien nutrido de exposiciones,
premios, estudios y bibliografía.

Es necesario también, pero en el mundo del arte lo que se impone son las imágenes por
encima de cualquier escrito o recurso teórico.

Aquí sí vale aquello de que “una imagen vale más que mil palabras”, por lo que debes procurar
ser original y hacerlo con creatividad para ofrecer lo mejor que tengas, porque se trata de
diferenciarte de los demás.
Las galerías, instituciones, coleccionistas o convocatorias de arte reciben cientos de portfolios
y es importante que, en primera instancia, visualmente se interesen por el tuyo porque llama
la atención por su presentación.

Por mi experiencia y por la información que he recabado de otros artistas hoy en día las
nuevas tecnologías ofrecen más posibilidades de ofrecer atractivos dossieres que hacerlo en
formato físico.

Si tienes la oportunidad de presentarlo personalmente, un portfolio físico, incluso


acompañado de alguna obra original, es más cálido, cercano y personal, pero si lo distribuyes
digitalmente puedes hacerlo a través de tu página web, enviando un CD, una memoria USB o a
través de plataformas especializadas, además de que te permite diseñarlo con más recursos.

En primer lugar, enumeraré una serie de reglas que se deben tener en cuenta, tanto si el
portfolio es de carácter físico o digital.

Diseñar un portfolio eficaz es saber venderse

Más adelante, me ocuparé de un portfolio digital y los pasos a seguir cuando se diseña un
dossier electrónico.

Una lista de consejos que considero indispensable para confeccionar un portfolio (sea físico o
digital) es la siguiente:

– Homogéneo. En función de tus gustos o preferencias decidirás como debes realizar tu


portfolio, pero procura que el soporte sea homogéneo en todos sus formatos, tanto si lo
presentas físicamente, en pdf o en tu página web.

– Atractivo. Debe ser visualmente atractivo en su presentación y práctico en su manejo.

– Versátil. Encuentra la forma de hacerlo convertible para que se adapte fácilmente para
cualquier fin que lo necesites o para actualizarlo en función de lo que avanza y evoluciona tu
trabajo.

– Ordenado. Evita estandarizar su contenido. Organízalo cronológicamente o por categorías,


técnicas, temáticas o especialidades.

–Material gráfico. Muy buenas fotografías. Una fotografía deficiente puede echar a perder
todo tu trabajo, por lo que en este capítulo no debes escatimar medios para conseguir el mejor
material posible. Procura tener fotos de alta resolución de todas tus obras. Si tu presupuesto
anda ajustado, es preferible poner pocas fotos y que sean buenas, en lugar de muchas y de
deficiente calidad.

–Identidad. El portfolio debe ser tu mejor carta de presentación reflejando tu profesionalidad y


personalidad artística. Su contenido debe recoger lo mejor de tu obra y aspectos claves de
cómo se desarrolla tu trabajo.
– Presentación. Además de una Declaración de artista (que se comenta en otro apartado de
este post) es conveniente que acompañes al dossier con una Carta de Presentación que sea
breve y concisa, explicando quien eres, la obra que haces y cuáles son tus pretensiones.

– Curriculum. Resume en un curriculum tu trayectoria como artista, exposiciones individuales y


colectivas, premios, publicaciones, etc.

– Información. Incluye notas informativas de las características de cada proyecto para que se
entienda fácilmente. No te olvides de poner el precio de cada obra, fecha de realización,
medidas, materiales, etcétera. Es información complementaria pero el receptor de tu porfolio
agradecerá la documentación y se hará una idea de cuáles son tus pretensiones.

–Contacto. Pon en un lugar visible de tu portfolio tus datos de contacto: nombre, dirección,
teléfono, correo electrónico, página web, para que puedan contactar contigo fácilmente.

– Envios. Según donde lo envíes te pedirán una documentación diferente y tu portfolio debe
ajustarse a cada demanda, cumpliendo las normas que solicita cada convocatoria.

– Revisión de contenido. Antes de enviarlo a algún destinatario procura que te lo revise una
persona de confianza y que te dé su opinión, por si hubiera que cambiar o modificar alguna
cosa, con el fin de mejorarlo.

– Actualizado. Procura que el material esté siempre actualizado y que muestre lo más reciente
de tu trabajo. Haz los cambios que sean necesarios en función de lo que evoluciona tu obra.

Las ventajas de un portfolio digital

Puedes disponer de los dos formatos: digital y físico; pero las ventajas de distribución que te
ofrece un portfolio electrónico son muy superiores.

La accesibilidad es mucho más inmediata, fácil de navegar si está bien diseñado, puede ser
mucho más extenso en su contenido y el diseño te permite disponer de múltiples recursos
online.

Permite acceder a él desde cualquier dispositivo electrónico y hay que procurar que su
localización sea inmediata y cómodo en su recorrido.

Además de los consejos que se han enumerado más arriba para la realización de un portfolio,
cuando éste es digital se tiene que tener en cuenta que las imágenes sean en formato jpg o
png y que su tamaño esté entre los 500-750 pixeles para que puedan verse en pantalla
perfectamente en su totalidad.

Tampoco es conveniente usar flash o efectos de animación, porque distraen y entorpecen la


atención.

Puedes editarlo en una memoria USB, en CD, en tu página web o difundirlo a través de alguna
plataforma especializada gratuita de las que hay disponibles en la red.
Ver ejemplo de como se diseña un portfolio de artista:

¿Dónde puedo publicarlo gratis?

A continuación, te facilito información de cuatro de las plataformas online más populares:

– Behance:

Es una de los más populares donde puedes crear tu porfolio y acceder desde cualquier
dispositivo móvil. Por los creativos es una de las utilizadas para mostrar sus trabajos.

– Deviantart:

En cuestión de minutos, puedes configurar completamente tu propio portfolio y comenzar a


enviar tu trabajo creativo para su revisión por posibles empleadores, escuelas de arte o
clientes. Alojamiento gratuito hasta cien imágenes. Compatible con todas las principales
plataformas de navegación y dispositivos móviles sin necesidad de complementos.

– Dropr :

Dropr es una excelente forma de presentar los trabajos artísticos individualizando cada
portfolio. Su presentación es muy profesional y tiene una interfaz fácil de manejar para la
creación de tu espacio web.

– Crevado:

Crevado es una herramienta en línea que facilita a los creativos (artistas, fotógrafos,
ilustradores, etc.) la creación de un sitio web para que puedan exhibir su trabajo online. Con
Crevado, también es posible vender tus obras, al estar integrado con Paypal y Fotomoto hace
que sea sencillo recibir pagos online.
¿Qué es la Declaración de Artista / Artist Statement?

No basta solo con tu obra para presentarte ante el público.

Ya hemos visto las ventajas que nos puede aportar tener un buen portfolio, pero además éste
debe ir acompañado de una declaración de artista que esté bien redactada para que sepan lo
que haces y por qué.

Estas dos herramientas de promoción que son el portfolio y la declaración de artista son tus
mejores armas en un primer contacto con la galería o con su destinatario.

Soy consciente de que tú, probablemente, te expresas mejor con imágenes que con palabras,
pero tienes que hacer un esfuerzo y redactar un texto breve y conciso explicando cuál es tu
proceso de trabajo y el por qué creas la obra que ofertas.

Pensarás que tu obra habla por sí sola y no necesita de muletas literarias para conectar con el
espectador, pero un texto escrito desde tu perspectiva clarifica la lectura y enriquece la
contemplación, porque facilita la conexión con tu obra.

A continuación, te expongo algunas normas que conviene que tengas en cuenta a la hora de
redactar tu declaración de artista y como la puedes utilizar junto al portfolio o
independientemente, según la ocasión:
-Redacción. Aconsejo escribirla en primera persona, que sea corta, sencilla y describiendo tus
técnicas y la conceptualidad de tu obra sin complicaciones o expresiones rebuscadas.

– Honesto. Sé honesto contigo mismo. Antes de empezar, tomate el tiempo necesario para
meditar lo que vas a escribir sobre ti y tu trabajo.

-Diferente. Una declaración bien redactada te ayuda a diferenciarte en el mercado y mostrar


que eres un artista reflexivo y que analiza su trabajo con detenimiento.

-Lenguaje. Exprésate de manera sencilla, clara e inteligente. Conecta con la gente, pero escribe
desde tu punto de vista y no pensando en el espectador de tu obra.

– Presentación. No la escribas a mano. Haz que sea fácil su lectura con buena tipografía y
aspecto limpio.

– Distribución. Asegúrate de que tu declaración se ajusta a las pretensiones de su destinatario.


Promueve con ella –mejor junto a tu portfolio- tu trabajo entre clientes directos,
coleccionistas, galerías, comisarios, críticos, museos, editores de arte y publicaciones
especializadas.

En este enlace puedes ver la Declaración de Artista de Luis González Palma

Tres puntos en los que basar el texto

Una vez tengas claro cómo vas a abordar la redacción de tu declaración de artista, piensa
redactar el texto en base a tres interrogantes: ¿Qué es lo que hago?¿ Cómo creo mi obra? Y
¿Por qué lo hago?

Empieza a escribir el por qué haces tu obra y como la haces de una manera asequible para
quien la lea y que le gustaría conocer el origen de tu trabajo.

En segundo lugar, sin entrar en detalles que pueden aburrir o confundir, explica el proceso que
sigues al crear tu obra y la aportación que haces en la investigación de materiales o recursos
para realizarla.

Al final, menciona en que proyectos artísticos estás inmersos en la actualidad y que es lo que
te motiva para seguir indagando cada día en nuevas propuestas y experiencias creativas.

Por último, considero que lo que no debes hacer o incluir en tu declaración de artista es
ninguna expresión o mención que suene pretenciosa.

Evita hablar de ti o de tu obra de manera presuntuosa, no abuses de los términos técnicos, no


presumas de premios y distinciones, no recurras a frases hechas para explicar tu trabajo y no
comentes ninguna intención mercantil.
Esta pequeña guía que acabo de presentarte es la base sobre la que puedes cimentar tu
declaración de artista, pero si consideras que lo tuyo no es escribir recurre a la posibilidad de
contratar a un escritor o editor profesional.

Un contacto que puede interesarte es el de Juanma Velasco, de teescriboloquequieras.com,


impulsor de esta iniciativa online que se ocupa de elaborar y corregir textos a terceros previo
encargo.

Ten siempre a mano y actualizados tu curriculum, portfolio y declaración de artista.

Si el curriculum sirve para resumir y presentar tu trayectoria profesional, el portfolio es su


acompañante imprescindible para que conozcan tu obra, mientras que la declaración de artista

Mi satisfactoria experiencia con el hosting de


Raiola Networks
Si quieres tener presencia en internet con un blog o una web
que inspire confianza y responda satisfactoriamente a las
incidencias que puedan surgir en el desarrollo del mismo, una
pieza primordial y muy importante en el proyecto es la elección
de un buen hosting.

Mi experiencia con los distintos proyectos online que he


administrado ha pasado por varias etapas en cuestiones de
hosting. Unas veces me decidió el precio y otras por la oferta
puntual que recibía.

Los errores que he cometido me han convencido que el precio


no debe determinar la elección. Todo lo barato sale caro.
Tampoco significa tanto dinero al año y los problemas que se
pueden evitar son muchos.

Raiola Networks: Muy competitivo y excelente


calidad de oferta

Actualmente, este blog está hospedado en Raiola Networks y,


hasta la fecha, estoy encantado. Esta son algunas de las
razones:
• Atención al cliente: Muy buen trato (en español) y
disponibles las 24 horas del día.
• Servidores: máxima velocidad con discos SSD y
alojamiento VPS optimizado.
• Seguridad: Servidores seguros, protegidos contra
ataques y malware
• Migración: Gratis si tienes tu blog/web en otro hosting.
• Precio: Muy competitivo y excelente calidad de oferta.
• Blog: Expertos en WordPress y facil instalación.

Al margen de las mejoras técnicas, a mí me interesa mucho el


trato humano y puedo afirmar que el servicio de atención al
cliente es impresionante y en español.

Ofrecen atención telefónica 24 horas al día 7 días a la semana.

Cualquier problema que he tenido me lo han resuelto


rápidamente y a cualquier hora del día.

Esto es una ventaja que hay que agradecer porque en algún


momento me he encontrado bloqueado y sin su participación
no habría sido fácil continuar.

Raiola Networks significa para mi un cambio radical por que


lo considero un servicio de excelente calidad.

Ofrece cuatro planes diferentes dentro de su hosting SSD.

Los discos SSD, aportan una carga mucho más rápida que los
convencionales, mejorando muchísimo la carga de tu blog o
web y esto es primordial para el SEO y una mejor experiencia
con el usuario.

Si eres un principiante en blogging un hosting VPS optimizado


no te lo aconsejo.

Es suficiente la contratación del Hosting Inicio SSD o, si buscas


un alojamiento con mayor capacidad, el Hosting Base SSD

Si actualmente tienes un blog o una página web hospedada en


otro hosting, no dudes en pasarte a Raiola Networks, porque
al contratar cualquiera de sus planes te saldrá gratis la
migración y contarás con la participación de un técnico de la
empresa en todo el proceso.

Mi opinión es que te animes a probarlo (puedes hacerlo


durante 30 dias) porque lo considero un servicio de hosting
muy competitivo en el precio, con la excelente asistencia
técnica y con muy buenas prestaciones

Añadir que soy afiliado de Raiola Networks y ganaré una


pequeña comisión si decides contratarlo desde el enlace que
hay en esta página.

Si lo haces, tu colaboración me aportará una ayuda para


mantener este blog.¡Gracias!.

Es un placer recomendar las cosas que funcionan bien.

Y Raiola Networks, a día de hoy, lo hace.

Sólo con pasión no se pagan las facturas


No cabe duda de que eres un artista, porque siempre te has
sentido atraído por los retos creativos y por la necesidad que
tienes de expresar plásticamente las ideas que se acumulan en
tu cabeza.

Múltiples ideas y varias maneras de realizarlas te bombardean


la mente, pero tienes que focalizar tu vocación artística para
ser efectivo en el mensaje y concretar a la hora de producir tu
propia obra y marcar una diferencia en el mercado.

En cualquiera de las facetas en que puede manifestarse el arte


es necesario hacerlo rentable para poder vivir de él, porque es
tu trabajo y tu medio de vida.

INDICE DE CONTENIDOS

1.El dinero no es un fin en sí mismo, pero es necesario.

2.Autocontrol y una mentalidad emprendedora.


3.El arte es un negocio.

4.Mindset: la mentalidad de lo posible.

5.Tres actitudes básicas para estructurar tu pensamiento.

5.1. Tener claro dónde vas….

5.2. Evita pensamientos negativos…

5.3. Potencia tu autoestima…

6.Se coherente y no procrastines.

7.Tienes que salir de tu zona de confort.

8.Determinación y autoestima.

El dinero no es un fin en sí mismo, pero es


necesario

Debes realizarte personalmente como artista, pero


necesariamente también tienes que ganar dinero, porque es
imprescindible para vivir y poder trabajar en los proyectos que
te motiven.

El artista genuino centra todas sus energías en crear arte,


porque su atención está en la necesidad que tiene de
expresarse vitalmente a través de su obra y relega a un
segundo lugar la preocupación por el dinero.

Aunque no sea el fin que persigue en su actividad artística, el


dinero es un recurso necesario para poder desarrollar su
actividad y para sobrevivir personalmente.

Por eso, tu pasión por el arte es indiscutible pero no todo el


mundo puede vivir de ella, porque solo con pasión no se pagan
las facturas.
Si crees realmente en ti como artista, aparte de tu formación
académica, debes conocerte a ti mismo muy bien y tener una
mentalidad emprendedora.

Autocontrol y una mentalidad emprendedora

Tienes que conocer tus puntos flacos para reconducir tus


limitaciones y potenciar tus cualidades.

Limitaciones que debes procurar que no condicionen tu actitud


frente a la realidad del mundo como pueden ser tus creencias,
tus pensamientos negativos o ideas predeterminadas que
pueden frenar o restringir tu creatividad como artista y
ofusquen tu mentalidad emprendedora.

En otro artículo te hablé de la relación socio-laboral con la


Administración: “Por amor al arte seré también empresario, además
de artista”, que complementa el tema del que ahora nos
ocupamos.

Hoy lo hago desde la perspectiva de tu configuración mental


para que disfrutes de un crecimiento personal óptimo como
artista y como empresario.

El arte es un negocio

Naciste artista, pero ahora tienes que hacerte empresario


porque el arte es un negocio y así hay que entenderlo en una
sociedad capitalista y aceptarlo si se quiere vivir
exclusivamente de él.

Los recursos técnicos y artísticos que adquiriste durante tu


formación académica son imprescindibles para ejecutar tu
obra, pero es mucho más importante que tu mente esté bien
estructurada sobre una base de pensamiento positivo y firme.
Ser artista y vivir de tu vocación es una carrera de fondo que se
empieza con mucha ilusión y, más bien, pronto que tarde
aparece jalonada de obstáculos que tienes que saber superar.

La ilusión del primer momento pronto se diluye en los


contratiempos y problemas que día a día se van presentando y
te das cuenta que de la ilusión inicial no se vive eternamente.

Mindset es “la mentalidad de lo posible, la mentalidad de creer que se puede mejorar”,


según Carol Dweck .
Mindset: la mentalidad de lo posible

Según Carol Dweck, “a una mentalidad fija le costará crecer,


mientras que una inteligencia de crecimiento, aquella que está
dispuesta a aprender, tiene más probabilidades de alcanzar
grados de éxitos en la vida”.

Tienes que crecer mentalmente y tener una fortaleza


inquebrantable que te ayude a impregnar tu mente de
pensamientos positivos para continuar y reafirmarte cada día
en el camino que has emprendido.

Tu mentalidad emprendedora debe ser la correcta para persistir


cuando las circunstancias no van bien, te falta el apoyo de tu
entorno más cercano, los amigos no comprenden tu decisión o
consideras que has decidido vivir de tu iniciativa artística con el
trasfondo de una crisis que en nada te favorece.

Todas o alguna de estas circunstancias llegan a acotar tus


posibilidades y te autolimitan.

La falta de confianza o los pensamientos negativos debes


desterrarlos de tu mente para evitar que termines haciendo una
valoración negativa de ti mismo.

Tres actitudes básicas para estructurar tu


pensamiento

Tu actitud debe ser siempre mentalmente positiva y puedes


estructurar tu propio pensamiento sobre estos tres pilares:

1. Tener claro dónde vas….

… y cómo vas a hacer el recorrido desde el punto de vista


personal y artístico.

Ponte plazos para avanzar adecuadamente y llegar con éxito.


No se trata de una cuestión de tiempo y de llegar lo antes
posible, sino de saber llegar y haberlo hecho bien.

2. Evita pensamientos negativos…

… que pueden limitar tu pensamiento.

Siempre aparecerán aunque sea inconscientemente, porque de


alguna manera los sigues alimentando y te falta determinación
para anularlos y obviarlos.

Por ejemplo, una idea que seguramente tienes muy arraigada


en tu cabeza:” Lo mío es crear. Nunca he tenido aptitudes para
vender nada”. ¡Elimínalo y ponte en acción de vender!

Si algo crees que no puedes hacer, enfréntate a estas ideas


cuanto antes y no lo procrastines.

3. Potencia tu autoestima…

… y no seas el primero en dudar de tus propias decisiones.

No pongas freno a las posibilidades de éxito.

Recuérdate continuamente que si tú no confías en ti ¿por qué


deben hacerlo los demás?.

Estos tres puntales debes trabajarlos continuamente para


reafirmarte en tu mentalidad artística y emprendedora.

Se coherente y no procrastines

No obstante, para potenciar tu conocimiento personal también


debes ser coherente en tus acciones.

Evita aplazar sine die las obligaciones y no pongas excusas


para hacer las cosas que urgen.

No lo dejes para mañana y decídete a dar el primer paso, luego


vendrá el segundo, el tercero… y terminas cumpliendo con lo
que te hayas propuesto.
No permitas que te embargue el bloqueo mental por miedo a
que tu proyecto no será rentable.

Toma precauciones para poderlo desarrollar con un respaldo


económico y con tranquilidad personal.

Prevé un “colchón” económico antes de emprender para poder


amortiguar los principios que siempre son difíciles, estudia y
evalúa a fondo los pros y contras antes de tomar cualquier
decisión y rebaja los gastos superfluos y que no sean
imprescindibles.

Tomar estas precauciones facilitarán el buen desarrollo de tu


proyecto artístico y desterrarán posibles bloqueos por
inseguridad.

Puedes conocer más a fondo los miedos a los que se enfrenta


el artista en algún momento de su trayectoria en este artículo:
“Los miedos que paralizan al artista”.

Tienes que salir de tu zona de confort

Lo que está claro es que en decisiones vitales como es la


determinación de ejercer tu vocación y vivir de ella hay que
salir de tu “zona de confort”.

Empezar algo nuevo es siempre difícil porque se transita por un


territorio desconocido y lleno de contratiempos y dudas.

No hay fórmulas mágicas que te puedan facilitar el camino,


pero la mejor herramienta que te puede ayudar a afrontar la
realidad del emprendimiento es el autocontrol como persona y
como artista.

Determinación y autoestima

La determinación en lo que haces y la autoestima en ti mismo


tienen que imperar en tu trayectoria artística, eliminando en
todo momento los pensamientos pesimistas que pueden limitar
tu crecimiento.

Confía en ti mismo y en el proyecto que hayas emprendido,


porque los demás también lo harán.

Se constante, coherente, innovador, fomenta tu autoestima y


actúa con mentalidad emprendedora/span>.

Solo así alcanzarás el éxito de lo que te hayas propuesto.

Selección de las mejores herramientas para


un blogger artista
Las necesitas

para hacer rentable tu presencia online

Recomiendo estas herramientas porque son las que utilizo en Objetivo Arte o porque las he
probado previamente en otros proyectos.

Confío en cada una de ellas por la fiabilidad que tienen y por eso te las recomiendo.

Por supuesto, hay herramientas alternativas a estas y con la misma calidad que pueden ser de
tu preferencia.

Yo te recomiendo las que cito a continuación porque con ellas he ganado tiempo, mejor
imagen, menos problemas y he ahorrado dinero.

Se trata de invertir un poco de dinero (aunque al principio te duela) para ser más certero en
cada paso y hacerlo de manera definitiva, rápida y segura.
– Empecemos por el dominio:¿dónde lo compro?

Namecheap Es una buena solución para comprar tu dominio.


También ofrecen servicios de alojamiento web.
Su atención al cliente es 24 horas al día, 7 días a la semana.

INFORMACION / COMPRAR

– Segundo paso: El hosting

El precio no debe determinar la elección del hosting, porque todo lo barato sale caro.
No significa tanto dinero al año y los problemas que se pueden evitar son muchos.
Para el hosting yo te recomiendo Raiola Networks.

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– Descargate gratis WordPress

WordPress es un software de código abierto y es, al tiempo, GRATIS y de un precio (valor)


incalculable.
Es una solución ideal y fácil de utilizar aunque no tengas muchos conocimientos técnicos.

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– Divi: la mejor opción para diseñar tu website

Si has decidido hacer un blog bien hecho profesionalmente la plantilla Divi, de ElegantThemes,
incluye por defecto el plugin Divi Builder que te permite crear una página web sin tener
conocimientos de programación.
Es moderna, responsive, multipropósito, muy atractiva y fácil de trabajar y es la que utilizo en
este blog.

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– Copias de seguridad en la nube: Dropbox

Dropbox es un servicio gratis que te permite almacenar tus archivos por Internet y accederlos
por medio de cualquier aparato que conectes a tu cuenta.
Al sincronizar tus archivos y carpetas, los cambios que realizas en un dispositivo están
disponibles al instante a través de todos tus dispositivos.

VER + INFORMACION
Al emprender cualquier proyecto es muy importante hacerlo con un mínimo de formación,
para no ir dando palos de ciego.

El objetivo es avanzar correctamente y crecer con tu proyecto digital.

Es preferible hacerlo seguro de la mano de los expertos que descubrirlo por ti mismo a base de
invertir mucho tiempo y experiencias de prueba y error.

A continuación, te recomiendo una selección de cursos que pueden ayudarte:

– Curso de Diseño para web

Trabaja tu página web para adaptarla a todos los medios posibles.


La mejor manera de empezar tu éxito online.

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– Curso WordPress con DIVI 3.1

¿Quieres tener tu propia página web o blog realizado con WordPress?.¿Quieres diseñarlo con
DIVI, la mejor plantilla del mercado?
No importa si eres autodidacta, porque con este curso vas a realizar una página web
profesional.

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¿Cómo empezar a ganar dinero con tu página web?.


Descubre como generar ingresos con tu proyecto.

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– Curso tiendas online con WordPress (Woocommerce)

Con este curso aprenderás facilmente las pautas necesarias para poner en marcha una
tienda/galería online de tus obras.
Aprenderás a tu propio ritmo, desde casa, sin horarios y disfrutando al mismo tiempo.

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Es relevante disponer de buenas herramientas para promocionar tu obra en internet o


confeccionar un portfolio de tu trabajo.

Una buena fotografía es esencial para mostrar tu obra al mundo.

Si grabas videos mostrando tu trabajo es conveniente que lo hagas con un mínimo de calidad,
tanto de imagen como de sonido.
– BC Master Cámara Webcam Full HD 1080P USB con Micrófono Incorporado

Me decidí por esta cámara por su buena resolución ya que dispone de Full HD a 1080 píxeles y
la gran mayoría son de 720 píxeles.
Consigue muy buena imagen y su audio cumple con creces.Tiene entrada para tripode, led
indicador de trabajo y movilidad 360 grados,

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– Panasonic Lumix DMC-FZ200EG9

Esta cámara solucionó mi indecisión, porque buscaba algo intermedio entre reflex y compacta,
Por la relación calidad-precio creo que es una excelente elección y la grabación de MP4 en full
HD es también muy buena.
Muy recomendable.

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– Fotopro DG-3400 Trípode

Estoy muy satisfecho con el tripode y los accesorios que trae.


Es válido para cámaras y móviles e incluso trae un disparador bluetooth, ¡tiene de todo!
Material resistente, muy ligero y buena estabilidad.

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– Samson Meteor Mic – Micrófono para ordenador

El micrófono Samson Meteor, lo considero un micrófono excelente para hacer grabaciones de


voz o videoconferencias.
La calidad es excelente para ambos caso

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– MVpower Kit iluminación continua fotografía

La calidad precio es buena y es muy fácil de utilizar.


Con el consigues los puntos de iluminación básica para tus necesidades de fotografía o vídeo.
No es profesional pero cumple perfectamente su cometido.

8 Consejos que te ayudarán a vivir de tu


arte
Los comienzos son duros en cualquier actividad profesional que ejerzas por tu propia cuenta.

Lo más habitual es que al emprender falta experiencia y se va aprendiendo a medida que se


avanza con los errores cometidos.

Para un artista que quiere vivir exclusivamente de su trabajo la realidad no es diferente.

Si decide hacerlo, desde sus inicios debe ser consciente del paso que va a dar y la repercusión
que va a tener en su vida.

Seguro que mientras estaba estudiando en la Facultad de Bellas Artes ha disfrutado de un


cierto “éxito” de ventas o por el elogio de sus trabajos.

Esto es algo ocasional y no puede ser la única referencia que debe valorar para decidir que
camino va a tomar profesionalmente.

Si eres un artista joven, con escaso o nulo historial, debes ser sincero contigo mismo y no
dejarte seducir por una visión romántica del pintor o del escultor que de alguna manera todos
tenemos en mente.
Si tienes recursos económicos o familiares que te apoyen para iniciar tu carrera en solitario
podrás hacerlo con cierta tranquilidad y volcado por completo en tu obra, porque no tendrás
la presión de la falta de dinero.

Sin embargo, si consideras que es con tu trabajo con lo que te vas a mantener, debo hablarte
con sinceridad y por experiencia quiero que sepas que estarás totalmente desprotegido y
empezando desde cero.

En principio:

– No tienes un seguro que te cubra cualquier incidencia laboral que pueda surgir.

– No tienes galería que venda o promocione tu obra.

– No tienes ninguna presencia real en el mercado.

– No tienes aún un entramado social que publicite y difunda tu trabajo.

– … y sí tienes muchas más carencias que te irás descubriendo cada día.

Pero, no te desanimes.

Tienes algo muy importante y que puede vencer todos los obstáculos.

Tienes la ilusión y la determinación de conseguir vivir de tu trabajo como artista y esto es muy
importante para tu proyecto artístico, porque solo con constancia y saber sobreponerte a las
adversidades se avanza en el camino.

Tienes muy buenas herramientas para conseguirlo: has estudiado una carrera, te has
preparado técnicamente, en tu cabeza bullen mil ideas y quieres mostrarlas al mundo.

No te falta ilusión y determinación como artista.

Los obstáculos y dificultades que la sociedad nos impone se pueden superar, pero hay que
conocerlos y ser conscientes de que podemos hacerles frente.

A continuación, me permito exponerte ocho consejos que pueden serte útiles para desarrollar
más fácilmente tu proyecto artístico:

1.IDEAS CLARAS

Es lógico que a medida que avances en tu trabajo irás definiendo tu línea artística y
adquiriendo un estilo personal e inconfundible.

Busca y experimenta continuamente, pero debes tener claro en que sector del mercado del
arte quieres desenvolverte.
No des palos de ciego.

Me explico: tu obra tiene un estilo determinado.


Por ello, contacta con profesionales del mercado del arte que aprecien y se desenvuelvan en
esta tendencia artística.

Si eres, por ejemplo, un pintor que pinta paisajes y de estilo impresionista descarta las galerías
que exponen arte contemporáneo no figurativo.

La elección del tipo de galería también es relevante.

Debes tener claro si quieres una galería solo para ventas o escogerla para que cuide de tu obra,
la promocione y la potencie dentro de su nicho de mercado.

Debes saber a quién le ofreces tus trabajos y averiguar antes si será receptivo o no a tu oferta.

Perderás el tiempo y la energía que hayas invertido si insistes en una gestión equivocada.

2. CALIDAD Y CONSTANCIA

Un maestro del arte no se hace en cuatro días.

Tú estás empezando, o quizás no, pero debes seleccionar tu trabajo y ofrecer como muestra
de tu obra artística las piezas de mayor calidad que tengas.

Con el tiempo y el esfuerzo se define un estilo propio y aumenta la perfección técnica y


conceptual.

Sé consciente de que una obra bien hecha siempre encontrará un comprador y éste es el
mejor reclamo para próximas ventas.

La constancia y la disciplina deben estar siempre presentes en tu estudio-taller.


Todos los días debes de trabajar en algún proyecto.

Obligate a estar ocupado, aunque este día la inspiración esté ausente.


Trabaja, trabaja y trabaja…

Ganarás en seguridad y tendrás las ideas más claras.

Comprobarás que con este consejo a corto plazo el resultado será satisfactorio.

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3. PLANTEARSE OBJETIVOS

Plantéate metas que puedas conseguir.


Sé realista y no te engañes con objetivos inalcanzables, al menos de momento.
Si tu aspiración es exponer en el MOMA de Nueva York, yo, ni nadie, debe desanimarte.

Es tu vida y esta es tu decisión.

Mi consejo es que la supuesta exposición en el MOMA te la plantees como un objetivo a largo


plazo.

Piensa y sueña con ella.

No te obsesiones y sigue trabajando para conseguirla, pero antes debes superar otras metas a
corto plazo que son más inmediatas y asequibles a tus posibilidades actuales.

Por ejemplo, proponte exponer en el centro cultural de tu localidad en el plazo de seis meses y
haz todo lo que esté de tu mano para conseguirlo o decídete a participar en un concurso de
relevancia a nivel nacional y trabaja a fondo para ofrecer una obra que pueda competir a ganar
el premio.

Consigue objetivos que estén a la altura de tu situación actual y, aunque cueste conseguirlos,
que puedas convertirlos en una realidad.

Cada día pondrás el listón más alto y aumentará la importancia de tus logros.

No te desanimes si alguno no sale bien, tu actitud positiva es la que vale y es la que te acercará
cada día más a conseguir el sueño artístico que te has propuesto y que, en algún momento,
veías tan lejano.

4. RELACIONES PUBLICAS

Tu eres artista con una gran capacidad creativa, pero también tienes que tener habilidades
para las relaciones públicas.

Toda tu valía no debes centrarla en el trabajo de taller.

Hay que salir y enseñar al mundo todo lo que haces.

Si no te conocen, tu obra no se venderá.

Muchas exposiciones que figuran en el curriculum de un artista se consiguieron por


recomendaciones de terceros.
Relaciónate con otros artistas y asiste a exposiciones y eventos culturales.

Si te lo piden, colabora aportando desinteresadamente un dibujo o una ilustración para alguna


publicación o actosocio- cultural.

Todo lo que hagas o digas las 24 horas del día fuera y dentro del estudio debe estar orientado
a publicitar tu trabajo.

Seguro que tus primeras ventas las hicistes a gente relacionada contigo: familiares, amigos,
vecinos, compañeros de estudios o de trabajo, etcétera.
Todos son personas que te conocen, que están vinculadas contigo

Solo es cuestión de conocer más gente para ampliar tu nicho de mercado inicial y esto solo se
logra difundiendo tu trabajo.

5. BUENAS HERRAMIENTAS

Según dicen:”El buen paño, en el arca se vende”.

En un principio, puedo estar de acuerdo, pero hay que enseñarlo.

Seguro que tendrás puntualmente visitas a tu estudio-taller, pero lo más rentable es que
saques tu obra fuera del taller-estudio

Debes disponer de un buen portfolio de trabajo para mostrar.

Hoy día es imprescindible tener presencia en internet.

Es un escaparate permanente e invertir en ello es rentable (en este artículo te explico como
hacerlo).

Ofrece información amplia y buenas fotografías de tu obra.

Ten actualizado tu historial artístico y pon los datos de contacto (teléfono, email, razón social,
etcétera).

Ten presencia en las principales redes sociales: Facebook, Twitter, Linkedin, Pinterest…

Si no sabes como hacerlo (cosa que dudo), busca la ayuda de gente experta para obtener un
buen resultado o aprende lo básico para hacerlo bien.

6. DIVERSIFICAR EL TRABAJO

Dentro de tu faceta como artista puedes repartir tu oferta en varias áreas que estén
relacionadas con tu trabajo creativo.

Con esta medida lo que se pretende es diversificar tu fuente de ingresos.

Tomemos como ejemplo a un escultor: realiza esculturas para sus exposiciones individuales y
colectivas, acepta encargos personalizados, hace labores de restauración de imaginería, realiza
obras de gran formato para espacios públicos o crea pequeñas ediciones limitadas para el
sector privado o empresarial.

Todas son posibilidades de trabajo creativo que le ofrece la escultura y que el escultor
desempeña en función de la demanda que tenga, más o menos, una especialidad u otra.

La cuestión es cubrir todo el año de trabajo real y que se pueda cuantificar a final de mes.
No es aconsejable aferrarse a una sola área de trabajo, desestimando las demás opciones que
te ofrece el campo artístico en que te desenvuelves.

Diversifica y harás más rentable y continuo tu trabajo.

7. ADMINISTRACION Y AHORRO

Para poder crear y estar totalmente volcado en tu vocación, necesitas tener resuelto el
problema financiero.

El dinero es necesario y hay que saberlo administrar.

Como autónomo, aunque trabajes a través de una galería o de cualquier otro tipo de
representación, tus ingresos no son fijos a final de mes.

Tendrás un mes en que te puede entrar abundante dinero, pero habrá otros meses que no
ganarás para cubrir gastos.

Debes saber controlar con determinación estos altibajos de tu economía.

Conocer y ser consciente de todos los gastos fijos es de vital importancia: gastos fijos de taller,
reposición de materiales para trabajar, cantidad que estipules para tu manutención y un fondo
para posibles imprevistos, por ejemplo.

La forma en que te administres debes decidirla tú, pero pon en caja aparte la cantidad que
necesites cada mes para vivir y para cubrir las necesidades del taller-estudio.

Ten previsiones en este fondo, al menos, para tres meses y si puedes cubrir seis meses mucho
mejor.

Hacerlo bien te permitirá volcarte en tu creatividad y trabajar sin sobresaltos desde el punto
de vista económico.

No actúes de manera irresponsable cuando consigas una buena venta y malgastes estos
beneficios en caprichos superfluos e innecesarios.

Piensa que todos los meses no van a ser igual y debes de poder cubrir todo el año las
necesidades más prioritarias.

8. VALORACION JUSTA

El precio que le pongas a tu trabajo es muy importante.

Determina para un posible comprador la oportunidad de comprar algo tuyo o no.

Valora acertadamente tu trabajo.


Para hacerlo he escrito el artículo “Aprende a poner un precio justo a tu obra”, que puede
servirte de ayuda a valorar acertadamente tu arte.

No pongas precios muy altos; venderás poco.

Tampoco malvendas tus trabajos; porque no te tomarán en serio.

Subir los precios es fácil, pero bajarlos o cambiarlos continuamente es una irresponsabilidad.

Analiza, compara y determina una valoración justa.

Trabaja distintos formatos y soportes y hazlo con diferentes técnicas.

Si eres pintor puedes tener cuadros pequeños, medianos y grandes.

Puedes hacer obra de edición o dibujos que siempre serán de precio más asequibles que un
cuadro al óleo o un acrílico.

Al tener variedad de obra y de precios dispondrás de obra asequible para los que se interesen
por ella.

Recuerda siempre que la mejor publicidad es la obra bien vendida y apreciada por el
comprador.

Confío en que puedan serte de ayuda estas orientaciones profesionales.

Si las consideras oportunas o, por el contrario, tu opinión es distinta, te agradecería que lo


manifestaras haciéndome llegar tu comentario.

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