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Valor y precio
El cliente siempre sabrá que una obra más pequeña que otra
vale menos por su tamaño, pero no tiene menos valor artístico
que otra que sea más grande.
– Horas invertidas.
– Coste de materiales.
NO TE SOBREVALORES
No engañes a la galería.
Si les dices que vives de tu trabajo y que tienes que cobrar por ello seguro que no te toman en
serio, porque entienden que lo haces porque te gusta y, si es así, puedes hacerlo sin cobrar o a
bajo precio.
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En el plano laboral, el artista suele estar infravalorado y socialmente la práctica del arte no se
entiende como una profesión normalizada, como podría ser ejercer la abogacía o regentar un
taller de mecánica.
Seguro que cuando decides ser artista, incluidos familiares y amigos, no te tomaron muy en
serio o te aconsejaron que eligieras cualquier otra profesión que la sociedad considera más
“formal” y estable.
La anécdota de un amigo: ”¿Dedicarte a la escultura?. Vale, pero será para los fines de semana
y las vacaciones. ¿No pensarás dejar la oficina? Está muy bien como entretenimiento, pero ¿de
qué vas a vivir?.”
Seguro que te convencieron con la excusa de que ganarías con “visibilidad” y que sería muy
relevante para tu currículum.
¡¿Qué visibilidad?!. Lo que quieres es que tu trabajo y esfuerzo sea pagado, como profesional
que eres y porque te has tenido que hacer autónomo (esa es otra carga por la que tienes que
cobrar),.
Como cualquier otro mortal el artista tiene facturas que pagar, obligaciones fiscales que
cumplir, gastos de material que costear, inversión de tiempo, esfuerzo personal y unas
cualidades que otros no tienen para desempeñar su trabajo.
Condiciones suficientes y más que válidas para que se respete su trabajo y no acepte bajo
ningún concepto proposiciones de este estilo: “pensaba que éramos amigos y no me
cobrarías”, “te interesa hacer este trabajo, aunque sea gratis, por la difusión que tendrá”, “a
ver si tienes un hueco y me diseñas el logotipo de la web”, “la exposición es para recaudar
fondos y podrías regalarnos un cuadro”….
Existe la convicción de que los artistas viven del aire y por amor al arte, que son generosos,
desprendidos, siempre dispuestos a regalar su obra, a colaborar altruistamente con todo tipo
de iniciativas sociales o culturales, por una innata condición de filantropía.
Abundan las galerías que te ofrecen promoción a cambio de tu obra, concursos con premios
simbólicos, ofertas que mejoraran tu curriculum a cambio de participar gratuitamente,
colaboraciones sin cobrar en revistas o en ilustrar un libro.
Cada uno es libre de hacer lo que quiera con su tiempo, e incluso trabajar gratis, pero esta
decisión convierte tu profesión en un campo abonado para que tus derechos como artista sean
pisoteados y no se te tome en serio.
El trabajo dignifica y si, además, trabajas en lo que ha sido siempre tu vocación habrás
conseguido tu máxima aspiración, siempre y cuando percibas una remuneración justa por
ejercerlo.
Desde el momento en que se trata de trabajo todo el mundo es cliente y no hay que trabajar
gratis para nadie, incluido familiares, amigos o colegas.
Practicar esta norma no significa llevar a cabo un afán recaudatorio o una voracidad comercial
sin límites, sino entender que trabajar gratis va en menoscabo de tu propio talento.
Con demasiada frecuencia, creativos del sector de las artes visuales son invitados a participar
en proyectos en los que se juega con la precariedad del sector.
Se les solicita trabajos previos, bocetos, ideas sin pagar nada a cambio, porque saben que la
oferta será amplia y lo hacen bajo la cobertura de una convocatoria concursal.
Son ofertas de trabajo especulativo que, probablemente, nunca se materialicen, pero a los que
tú les dedicas tiempo y aportas tu capacidad para desarrollarlos, para que quien los haya
convocado se beneficie de tu esfuerzo.
La realidad en que vive queda reflejada en el estudio ‘La Actividad Económica de los/las
Artistas en España’, que ha realizado la Universidad Antonio de Lebrija en la que queda
patente la precariedad del sector.
Sólo el 15% de los artistas pueden vivir exclusivamente de su arte; para el 50% sus ganancias
son inferiores al Salario Mínimo Interprofesional (SMI); el 32% mantiene una relación
profesional con las galerías, pero solo un 3% manifiesta su satisfacción en esta relación
comercial.
Son motivos más que relevantes para obtener con tu producción artística lo que consideras
justo y no aceptar nada por debajo de tu tarificación o de ofertas de gratuidad por
condicionamientos de amistad o a cambio de promoción, por ejemplo.
En cualquier especialidad del arte, si trabajas por encargo siempre te encontrarás con clientes
que ofertan a la baja, regateando el precio.
Te entra la duda y puedes llegar a pensar que si trabajaras con precios más bajos estos
regateos no se producirían, pero la realidad es que pidas lo que pidas este tipo de clientela
siempre actuará de la misma forma.
No dudes, mantente firme y defiende tu trabajo con precios realistas sin malvender tu arte.
Sin embargo, no por hacerle el trabajo barato dejará de exigir por su parte la mayor calidad.
Si tu trabajo es garantía de calidad debes obtener lo que consideres justo por él y el cliente
debe aceptar tu presupuesto y condiciones de trabajo.
Alguna vez te habrán dicho: “Empieza a trabajar en ello, mientras vamos a ir buscando la
forma de financiarlo y no te preocupes que esto se hace seguro”.
Acostumbra a negociar el cobro anticipado de un porcentaje, que puede oscilar entre un 30% a
un 50%, del presupuesto por adelantado antes de empezar el encargo.
Mientras estas inmerso en el encargo puede ocurrir que el cliente cambie de idea, anule el
compromiso, introduzca modificaciones no previstas o cualquier otra causa de fuerza mayor
que no permita seguir adelante.
Si no has cobrado nada anticipadamente, lo más probable es que hayas perdido el tiempo y el
dinero.
A la hora de trabajar gratis (o casi gratis) para alguien o por alguna causa hay que hacerlo con
cuentagotas y sólo en situaciones muy especiales.
Los únicos trabajos gratis que debes estar dispuesto a hacer son los que tu hayas decidido
personalmente o hayas buscado, pero que nadie te ha pedido.
Son aquellas situaciones en las que tú puedes estar implicado en alguna causa por la que crees
que debes colaborar y porque lo haces con la aportación desinteresada de tu trabajo creativo.
Tu obra es algo muy especial para ti y te desprendes de ella altruistamente solo en contadas
ocasiones y por motivos muy personales.
No porque te la pidan.
La cuestión está en saber diferenciar que no es lo mismo trabajar gratis para que se beneficien
los demás o hacerlo para que revierta en beneficio propio.
Expresarse a través del arte es la posibilidad que tiene el artista para exteriorizar sus
emociones.
Esta actividad puede ejercerse como hobby o ser tu profesión en cualquiera de sus múltiples
manifestaciones.
Por el contrario, si es solo una afición tienes la libertad de poder beneficiarte de las ventajas
emocionales que te aporta, sin preocuparte si será o no rentable.
Como aficionado, al no tener que vivir de tu obra puedes disponer de ella como consideres
más oportuno y ocupar tu tiempo libre en la actividad que más te satisface.
No es conveniente que malvendas o que aceptes ofertas a bajo coste por el simple afán de
visibilidad o protagonismo.
Puedes limitarte a almacenarla para tu disfrute propio, regalarla, venderla o deshacerte de ella
si no te satisface.
Nadie te va a coartar tu libertad de hacer lo que quieras con tu obra, pero es bueno que tengas
en consideración que según actúes puedes perjudicar indirectamente al artista que sí vive de
ella.
El profesional que está legalmente constituido tiene la obligación de hacer frente a unos
gastos ineludibles que no tiene el que practica el arte como afición o por necesidad personal
de expresarse a través de él.
Conociendo esta debilidad del panorama de las artes visuales, se ofertan encargos “low cost” a
los que se apuntan muchos aficionados, pseudoartistas o malos profesionales que con una
preparación mínima osan aceptar estos trabajos, perjudicando profesionalmente al sector.
No es cuestión de ponerle puertas al campo del arte, pero si es conveniente respetar una
normativa no escrita, pero necesaria para convivir dignamente en el mismo espacio.
Lamentablemente, el sector del arte es algo excepcional cuando se trata de derechos laborales
y de un justo reconocimiento profesional.
Hay que combatir todas estas situaciones adversas que menoscaban la supervivencia del
profesional creativo para cambiar esa sensación de inestabilidad profesional y económica que
embarga su vida.
El artista, cualquiera que sea el área en que desempeñe su creatividad, debe cohesionar un
status profesional indiscutible y vigoroso en el que no pueda caber ninguna de estas
proposiciones inaceptables de trabajo gratis o de bajo coste, pretensiones demasiado
frecuentes y arraigadas en la sociedad.
Aprende desde hoy mismo a decir “no” y elimina de tu cabeza la idea de “trabajar gratis”,
porque ese no es el camino adecuado para obtener clientes.
El viaje alimenta y motiva al artista a dejar constancia de su recorrido por el mundo, porque en
cada nuevo paso que da se le despiertan pensamientos e inquietudes creativas.
Le saca de su espacio de comodidad, le agudiza su percepción y le obliga a superarse en la
espontaneidad y la improvisación.
Cada uno tiene un motivo distinto para emprender la aventura, pero todos se plantean la
posibilidad de vivir de su creatividad durante el viaje y con su trabajo artístico poder sufragar
los gastos de desplazamiento, alimentación y hospedaje, entre otros.
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Lo que hacen es arte para disfrutar del viaje y crear con lo que van descubriendo cada día en
su recorrido.
Es arte para vivir porque les apasiona la aventura y pueden desempeñar su vocación artística
de una manera nómada.
No es lo mismo plantearse viajar sin billete de vuelta para disfrutar del camino o viajar a un
destino concreto y con una disposición de tiempo limitado.
Actividades que debe aprovechar para relacionarse con otros compañeros, otros mercados y
otros entornos diferentes al suyo y que enriquecerán su creatividad y ampliarán sus relaciones
profesionales.
En estos casos, aunque se disfrute al máximo del desplazamiento y de la estancia, estos viajes
están motivados por una necesidad ajena al mismo hecho de viajar.
Artistas viajeros y nómadas digitales
Los artistas viajeros aúnan en un solo fin el arte y el viaje con la finalidad de disfrutar de ambos
y que sean complementarios en su aventura personal de recorrer el mundo.
Las nuevas tecnologías les permiten mantener al día el contacto con sus seguidores y recoger
en su blog las incidencias del viaje, además de canalizar la comercialización de su trabajo.
Entrevista con el ceramista norteamericano Marck Gordon durante su viaje por Europa.
Las ganancias que le reportaban las ventas le permitían seguir viajando y repetía el proceso
cuando encontraba en otra ciudad las condiciones de poder realizar una nueva colección a
corto plazo y comercializarla.
Normalmente, los que emprenden este tipo de aventuras son gente joven, solos o en pareja,
que deciden hacer realidad su sueño de volar y emprenden el viaje alrededor del mundo, a un
continente o a un país siempre recogiendo sus experiencias en su cuaderno de viaje.
Las anécdotas que nos podrían relatar cada uno de estos artistas viajeros son múltiples, igual
que las situaciones embarazosas y la capacidad de improvisación que deben desarrollar para
poder superarlas.
En este artículo me he centrado principalmente en los artistas viajeros que utilizan las
modalidades de dibujo e ilustración para expresar sus experiencias, ya que requieren un
equipo mucho más ligero que otras técnicas y una ejecución más inmediata de la obra.
Acuarelas, lápices, bolígrafos y un bloc ocupan poco espacio en la mochila y los dibujos son
más fáciles de guardar e incluso para reproducirlos gráficamente.
Mosaico de artistas viajeros
No le gusta pintar con spary. Con un pincel de varios centímetros y tinta china negra, el artista
puertorriqueño Alexis Díaz viaja por el mundo plasmando murales urbanos a gran escala, un
sueño que tenía desde niño y que ha logrado hacer realidad.Los primeros murales los realizó
en San Juan de Puerto Rico y en el Miami Art Basel de 2011, donde sus creaciones les sirvieron
para ser invitados a hacer murales en Perú, México y EE.UU.”El 80 % de este año lo he pasado
en Europa. En Australia y Londres tuve la oportunidad de hacer al menos dos murales”, ha
explicado.
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Fernando González Sitges: “En el mundo apresurado en que vivimos, los cuadernos de viaje
están en peligro de extinción. Ya no hay tiempo para pararse a pintar, para esbozar con
rápidos trazos el dibujo de un lugar, un animal o un indígena. Dibujar, pintar, lleva tiempo. Y el
tiempo es el bien más escaso en nuestra sociedad. Incluso entre los viajeros más avezados.
Siempre hay que volver rápido, hay etapas que cumplir, hay presupuestos que se agotan y
compromisos que no admiten demora. Años después, al abrir un cuaderno de viaje, los
recuerdos vuelven con una intensidad que ninguna foto consigue.”
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BUSQUEDA PERSONAL
Las pinturas de Irene López Castro, inspiradas en África y en la India, son el resultado de más
de veinte años de viajes por Africa e India. A través de su experiencia directa , de sus
cuadernos de viaje y de su personal técnica de dibujo y pintura , ha creado su propio universo
pictórico, en el cual se reflejan diferentes culturas y paisajes llenos de luz y color. “Para mí
viajar ha sido siempre más que una simple inspiración en mi pintura -señala Irene-. Es una
búsqueda personal, una oportunidad de contactar con personas de otras culturas, de
proyectarme y aprender en ellas…”
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Todo lo que la portuguesa Ana Gil experimenta en sus viajes queda dibujado en sus cuadernos
de viaje.Como comenta en una entrevista, la motivación que le impulsa no es otra que “el puro
placer que extraigo del momento. Dibujar requiere paciencia y dedicación hacia lo que
observamos y experimentamos. Eso es lo que más me gusta: consagrarle ese tiempo a lo que
estoy viviendo. Es mi forma de sentir ese lugar, de entenderlo y de enamorarme de él”. Sus
ilustraciones, además de financiarle los viajes, le han valido el favor de 30.000 seguidores en
Instagram.
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“Dividiría mi faceta profesional en lo puramente comercial (mi trabajo como ilustrador para
distintas editoriales y clientes como Samsung, Carrefour, Caja Madrid, Anaya, Cornelsen,
Richmond, McMillan, Vodafone, ING direct…) y lo estrictamente personal. En este último
apartado es donde entran mis acuarelas y diarios de viaje. Aquí se mezclan mis dos pasiones, la
acuarela y los viajes, aspectos que he venido combinando con mayor o menor fortuna, pero
con gran constancia. He estado en los 5 continentes. Suelo viajar sólo, con mi mochila al
hombro, y sin reservas, improvisando, decidiendo sobre la marcha el itinerario.”
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Plan B Viajero nació en Buenos Aires en el año 2012 y lo componen Gabriela y Camilo
(argentina y mexicano) : “Decidimos salir a recorrer América Latina con mochilas al hombro y
de auto -stop. El viaje, al menos, comenzó con esa premisa hasta que se convirtió en nuestro
nuevo estilo de vida. Si te estas preguntando cómo hacemos para viajar, ¿de dónde
obtenemos dinero? la respuesta es sencilla: trabajando. Escribimos relatos de viajes para
diferentes medios de comunicación y hacemos viajes de promoción de destino. Nuestro mayor
ingreso proviene de nuestra agencia de diseño: Mate Chingón.”
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Esteban Mazzoncini, fotógrafo, escritor, profesor de Educación Física y pintor: ” Vivir para
viajar es lo que más me gusta hacer. Explorar nuevos destinos es la mejor manera de
“disfrutar” la vida. Disfruto de un uevo proyecto donde la pintura toma forma de cuadro,
cuaderno o rompecabezas. ¡Por ahora pinto mis viajes! Lo mejor de todo esto es que la pintura
permite modificar la realidad, cosa que al tomar una foto no ocurre. En el papel uno puedo
pintar peces en el cielo, niños volando con un barrilete, estrellas en lugares impensados, etc.”
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Pablo Morales de los Rios es un renacentista del siglo XXI: Cineasta, pintor, ilustrador,
historietista, escritor, fotógrafo… ¡incluso marionetista y compositor ocasional!. “No concibo
caminar por el mundo sin retratarlo – explica en una entrevista -.Trato de dibujar siempre en
directo y el mismo día en que viajo. Sin embargo, a menudo me veo obligado a dejar alguna
ilustración a medias, o en mente, para retomarla después, como cuando me vi obligado a
terminar un dibujo del Taj Mahal en el hotel porque un guardia armado con un AK47 amenazó
con romperme todo mi cuaderno de la India.”
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EL MUNDO EN UN VASO
Berk Armagan es un artista autodidacta turco que utiliza como soporte vasos de plástico para
pintar los sitios a los que viaja. A este artista veinteañero le gusta recorrer el mundo en
autostop, acampando e ilustrando los principales monumentos y paisajes de las ciudades que
visita. Con su venta puede financiar el alojamiento, transporte y demás gastos del viaje.
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El artista Hank Schmidt in der Beek y el fotógrafo Fabian Schubert desarrollan un proyecto que
auna fotografia y pintura y que se centra en visitar lugares reconocibles donde famosos
pintores como Van Gogh, Monet o Cezanne pintaron sus obras. Sin embargo, en lugar de
intentar replicar sus famosas pinturas, Hank se dedica a reproducir el dibujo de su camiseta
que lleva en ese momento y Schubert lo fotografía mientras pinta. El resultado de sus
divertidas aventuras por Europa combina tanto arte conceptual como la determinación de
hacerlo divertido.
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Disfruta de cada una de ellas y si tienes la posibilidad de plantearte un nuevo estilo de vida,
aprovechalo.
El que hoy te presento, basado en viajar y vivir de tu arte, es una opción muy atractiva que, si
te gusta, debes afrontar con ilusión para disfrutarla y determinación para progresar como
artista y persona.
¡Buen viaje!
¿Dónde y cómo encuentro un
representante artístico?
La figura del representante o marchante de arte es imprescindible para la consolidación de la
trayectoria profesional del artista.
En lo que se refiere al mercado del arte el cometido del representante puede limitarse a
vender tu obra o, con una perspectiva más amplia, ocuparse también de representar,
promocionar, llegar a acuerdos, organizar eventos y orientar estratégicamente el desarrollo a
medio y largo plazo tu producción.
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Cualquier persona relacionada como intermediario en el mundo del arte puede ejercer como
representante, bien sea como regente de una galería, consultor, marchante o desempeñe
cualquier otra profesión que le mantenga bien relacionado y le facilite el acceso al circuito
comercial con el microambiente del coleccionismo.
Su figura es relevante para un artista, porque tener quien le represente en exclusiva le facilita
todo lo relacionado con el marketing de las artes, pudiéndose centrar en la realización de su
obra artística.
Puedes elegir comercializar directamente y sin intermediarios tu obra, con lo que evitas tener
que pagar comisiones y administras tu trabajo completamente.
Conozco a algunos artistas que se les da muy bien las relaciones públicas y la comercialización
de su obra, pero la mayoría prefiere ocuparse por completo en el terreno de la creatividad y
dejar las funciones de mercadeo a otra persona si es posible.
Sin embargo, si reconoces que no eres hábil negociando y no te sientes cómodo publicitando
tu trabajo, entonces deberás recurrir a la intermediación del experto como vendedor.
Te dedicas exclusivamente a tu arte y de él tienes que vivir, por lo que conseguir ventas es
primordial para poder desarrollar tu trabajo a pleno rendimiento y disponer de una economía
saneada y estable.
Para que ocurra así, existe la figura del representante quien se ocupará de comercializar
acertadamente y siguiendo las pautas de un plan de trabajo que previamente ha diseñado en
función de tu trabajo y de las aspiraciones artísticas que tengas.
Las tareas de un representante no se limitan solo a vender, sino también a trabajar para tu
futuro buscando patrocinadores, coleccionistas y oportunidades del mercado o segmento en
que desempeñe su trabajo.
Muchas de las acciones que realiza un marchante no persiguen la venta como finalidad, sino
hacer visible a su representado a los galeristas, críticos y coleccionistas.(ver artículo:
“Intermediarios: ¿Cómo actúan en el mercado del arte?”)
Más que vender inmediatamente, busca la forma más rentable a medio plazo que es la de
“colocar” en una colección o exposición relevante la obra del artista que representa.
Está claro que en un mercado tan subjetivo como es el del arte la reputación del artista se
beneficia del prestigio de las colecciones en que se encuentra su obra.
La demanda de su producción aumenta en la medida que su marca personal consigue
notoriedad en el exclusivo ámbito coleccionista.
Las tareas en las que se ocupa generalmente un marchante, además de vender tu obra, son las
siguientes:
Aunque la finalidad sea la misma, no se trata tanto de que tú busques, sino más bien que te
encuentren y que deseen gestionar tu obra.
No todos los profesionales de la venta son adecuados para comercializar tu obra y no debes
facilitar tu representación a la primera oferta que recibas o a cualquiera que no se identifique
con tu trabajo.
Para ser “encontrado” como artista y que alguien se interese por representar tu trabajo debes
ser visible para estos profesionales.
Participa y acude a exposiciones, actos culturales o afines, ten presencia en internet y procura
que tu trabajo lo conozcan lo más posible en el sector artístico en que te desenvuelves
habitualmente.
Pero, en cualquier decisión que tomes, ten mucho cuidado con las ofertas engañosas, ya que
lo único que consigues con ellas es que te cueste dinero y trabajo ; a cambio, tan solo añadiras
en el historial una línea más de curriculum dudoso.(ver artículo “¡Cuidado con las pseudo-
galerías!. El artista siempre sale perdiendo”).
Infórmate sobre que reputación tiene quien quiere representarte y que actividades
desempeña en el mercado del arte.
Contacta con otros artistas que representa o ha representado en algún momento para conocer
su opinión y como es o ha sido su relación profesional.
Conviene dejar bien claras cuáles son tus aspiraciones en lo que se refiere a exposiciones,
ferias, ventas directas, encargos o proyectos para que sepa cómo enfocar tu carrera.
Si trabajas con un representante artístico, desde el primer momento debe quedar muy claro
en qué términos se desarrollará vuestra relación.
Negocia al detalle las condiciones en base a las cuales vais a trabajar y exige que queden
reflejadas por escrito.
En la inmensa mayoría de los casos, suele ocurrir que el artista se conforma con un acuerdo
verbal, pero, en mi opinión, es conveniente dejar por escrito las obligaciones de uno y otro lo
más detalladas posibles.
Incluso en el propio ámbito cultural, formalizar un contrato como puede ser la actuación de un
grupo musical o de teatro en determinado evento es lo razonable, mientras que si es un artista
visual quien lo plantea se suele entender como una falta de confianza.
Ten siempre presente que un contrato por escrito (no acuerdo verbal) da seguridad por ambas
partes, concreta lo que se pacta y a lo que se obliga cada uno de los firmantes.
Como señala el bufete de abogados MYL: ”En la normativa española o europea no existe una
duración mínima o máxima para el contrato de representación artística. La media suele estar
entre dos y cinco años. Si el representante tiene la exclusividad y no se ha comprometido con
muchas obligaciones le interesará una duración lo más amplia posible, mientras que el artista
querrá negociar períodos cortos y/o revisables.”
Representantes influyentes en el mercado del arte
En el mundo del arte hay nombres que a todos nos son familiares como representantes
influyentes y poderosos que marcan la pauta del coleccionismo, decidiendo según su criterio el
rumbo del exclusivo mercado del arte.
Estas “superestrellas” poderosas e influyentes son nombres, entre otros, tan conocidos como
Larry Gagosian, Charles Saatchi, Harry Blain o Jay Jopling que promocionan a través de sus
respectivas galerías la obra de sus patrocinados con gran habilidad y agresividad.
Disponen de recursos económicos para hacer frente a todo tipo de promoción internacional,
tienen buen olfato para los negocios y excelentes contactos a todos los niveles para sustentar
sus inversiones.
Han conformado con sus actuaciones un complejo escenario del mercado del arte más
exclusivo y caro al que solo puede acceder un club muy selectivo de coleccionistas y artistas
que representan.
Es una jungla elitista, casi inaccesible, a la que pertenecen unos pocos artistas escogidos por
estos poderosos representantes que comercializan su obra y a los que no se les cuestiona ni la
calidad ni el precio.
Muy alejados de este mercado se encuentra el 99% de los artistas cuya aspiración más
inmediata es poder vivir de su vocación dignamente y sin malvender su obra.
Si te descubre alguno de estos “gurús” del arte, es probable que decidas trabajar con él, pero,
hasta que no recibas su propuesta, te aconsejo que busques un representante más acorde con
tus posibilidades actualmente.
Nos vemos.
En el estudio “La actividad económica de los/las artistas en España”, de los profesores Isidro
López-Aparicio y Marta Pérez, se señala que “más del 45% de los artistas afirman que sus
ingresos totales anuales, ya sea por actividades artísticas o de otra índole, se sitúa por debajo
de los 8.000 euros, es decir, por debajo del salario mínimo interprofesional en España. De esos
ingresos, los que proceden del arte llegan al 20%”.
Si nos guiamos por estos datos, la precariedad es la tónica general y es difícil vivir de tu
actividad creativa si no lo alternas con otro trabajo.
Esta es una parte de la realidad con la que tienes que enfrentarte y que te puede inmovilizar
como artista si has decidido hacer de tu vocación tu medio de vida.
Nadie dice que sea fácil conseguirlo, pero hay mucha desinformación social sobre las
posibilidades y salidas profesionales que hay para dedicarse al arte y que te resulten
económicamente rentables.
Las ocupaciones a las que puede dedicarse una persona con formación artística pueden ser
múltiples.
Tienes que desarrollar un plan de trabajo lo más definido que te sea posible para que su
culminación se materialice de manera satisfactoria.
Una constante que se repite en los artistas emergentes es que cada vez más prescinden de
intermediarios y gestionan directamente su trabajo.
Los artistas emergentes cada vez más prescinden de intermediarios y gestionan directamente
su trabajo.
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Los gustos de la sociedad han cambiado y hay que adaptarse a los nuevos tiempos, porque las
prioridades del público en cuestiones artísticas ya no son los mismas que hace unos años.
Como artista tienes que actuar con imaginación y hacer que tu oferta se ajuste a su demanda.
Hacer lo contrario te permitirá más libertad creativa, pero también condicionará tus
posibilidades de conseguir ingresos.
Seguro que te saldrán encargos y los beneficios económicos que te aporten te darán más
holgura para después poderte dedicar por completo a crear tu propia obra.
Los encargos pueden ser pintar un retrato, realizar una escultura para un espacio público, una
edición limitada para un acto socio-cultural, participar en un proyecto con tu aportación
artística, ilustrar una publicación o hacer un cartel de fiestas, por ejemplo.
Las posibilidades son muchas y todas ellas muy dignas de desarrollar sin que se tenga que
sentir herido tu orgullo.
Las clases a particulares o a colectivos es otra salida que puedes poner en práctica uno o más
días a la semana o durante un curso programado si el nivel es más especializado.
Trabajos puntuales de restauración pueden ser una salida profesional, igual que encargos
personalizados para la industria o las artes gráficas.
Si tienes la oportunidad de hacerlo y capacidad para llevarlo a buen fin también puedes
generar ingresos con colaboraciones en seminarios y conferencias, comisariado o montaje de
exposiciones o en la participación en talleres
Es posible que prefieras tener unos ingresos seguros a final de mes y optes por alternar tu
creatividad con un empleo a tiempo parcial.
Para un artista joven será más fácil, pero cualquiera que se lleve bien con el ordenador puede
explorar en la Red un sinfín de posibilidades, para divulgar su trabajo y testar las posibilidades
de comercialización que puede encontrar a través de las redes sociales o de las plataformas
especializadas (marketplaces).
EL ARTISTA Y SU RELACION CON EL MERCADO OFICIAL
Al margen que desempeñes o no alguna de las actividades que acabo de relacionar con las
artes plásticas, es conveniente que consigas comercializar tu obra personal en los circuitos del
mercado del arte.
Para ser un artista de referencia tienes que ser aceptado por los intermediarios que actúan en
el mercado.
Digamos que son las galerías, los críticos, las instituciones y los museos, entre otros factores,
quienes certifican tu valía.
Además, la obra de arte (a diferencia de otras artes: cine, fotografía, música, teatro…) suele ser
una pieza única e irrepetible por lo que se añade a su cotización un valor diferencial y
exclusivo.
El precio de la obra de un artista dentro del mercado primario se basa en sus dimensiones y en
la reputación y solvencia del artista.
Es decir, se aplica el baremo de valoración por centímetro cuadrado, quedando todas las obras
expuestas, en función de su tamaño, con la misma referencia de precio y no basándose en la
calidad de la obra.(ver “Aprende a poner un precio justo a tu trabajo“).
Por supuesto, la calidad se tiene en cuenta a la hora de ser aceptado o no por una galería, pero
no es el principal elemento que decida su tasación.
La galería trabaja para situar a los artistas que representa al primer nivel del mercado, tanto en
la comercialización como en el reconocimiento de su obra ( ver “Galerías de arte: ¿Me
interesan o paso de ellas?“).
Promociona a sus representados con el fin de establecer una red lo más amplia posible a nivel
nacional e internacional, a través de intercambios con otras galerías, presencia en los medios
de comunicación, asistencia a ferias, participación en eventos y muestra colectivas de
relevancia, etcétera.
La galería o marchante del artista debe diseñar una estrategia muy solvente en la fijación de
precios durante su promoción.
Está en juego la reputación del artista y de ella dependerá, en gran medida, el éxito o no de su
representado.
La escala de la comercialización debe ser gradual en función de la demanda y ésta solo puede
trazarse al alza.
Nunca deben bajarse los precios, aunque temporalmente exista una carencia de mercado.
Hacerlo significa una devaluación de la obra vendida anteriormente y la desconfianza del
coleccionista hacia al artista.
En estos casos, la galería o representante prefiere retirar al artista del mercado de manera
temporal o definitivamente.
El artista, por su parte, recurrirá a otras galerías de menor nivel o a un sector del mercado con
precios más bajos.
En el mercado de arte contemporáneo, más que la calidad de ejecución que ofrece su obra,
predominan los criterios de autorreferencia, que son las calificaciones o reconocimientos que
obtiene por parte la crítica, medios de información especializados o prestigio expositivo.
Se mantiene la fama del artista siempre y cuando se mantenga en el mismo nivel o lo aumente
en credibilidad por su calidad y reconocimiento del sector.
Si baja la demanda o carece de ella el artista puede ser expulsado del sistema.
Cuando el artista deja de ser emergente y sale del entorno de nichos menores de mercado en
los que ha comercializado su obra desde el inicio de su carrera y, después de superar varias
etapas, llega al primer nivel, donde se alcanzan los precios más altos, depende exclusivamente
de un mercado coleccionista.
En los países del primer mundo donde es más amplia la clase media, esta categoría social
determina o establece el mercado de arte contemporáneo.
Las estadísticas lo afirman al detectar que más del 85% de las ventas provienen de
coleccionistas de este sector de la sociedad.
Como profesional del arte sabrás que este mercado se rige por unas normas poco ortodoxas y
tiene sus propias reglas y es el criterio de determinados intermediarios que se encuentran
entre el productor (artista) y el consumidor (coleccionista) quienes califican y valoran la calidad
y solvencia de la producción artística.
Sus gustos y preferencias artísticas suelen estar influenciados por la opinión de los
profesionales teóricos y comerciales del mercado, ya que suele ser un público desconcertado
estéticamente e inseguro en su propio gusto.
Concluyendo esta exposición, se puede resumir en que la cotización del arte es algo que pocos
entienden, pero poseerlo da prestigio social, además del placer que genera a nivel personal.
En líneas generales, este es el escenario en el que tienes que actuar como artista y sobre el
que tienes que plantearte las siguientes interrogantes para vivir de tu trabajo:
No es fácil dar una respuesta satisfactoria a cada pregunta y que, además, sea válida para
todos los casos.
Tampoco ser artista es el perfil más adecuado para plantearte el oficio desde una visión
empresarial, ya que tu formación ha sido diametralmente opuesta a esta finalidad (ver “Por
amor al arte seré también empresario además de artista“).
No se trata solo de aprender de maestros o colegas que admires, porque sus circunstancias
son distintas a las tuyas.
Tienes que aprender de todos y de todo lo que te encuentres en tu trayectoria y del ambiente
generacional y artístico en que te desenvuelves.
Se trata de mirar y trabajar sin imitar, pero si absorbiendo influencias de todos lados y
asimilando contextos que pueden beneficiarte como emprendedor y artista.
Quieres poder vivir desempeñando tu vocación y las posibilidades de conseguirlo son muchas.
No quieras ejercer tu oficio de forma unidireccional, sino adaptarte a los nuevos tiempos y a
los cambios que experimenta actualmente la sociedad en demanda y preferencias artísticas.
Oscar Wilde.
El artista tiene que ganarse la vida con su trabajo igual que los
profesionales autónomos de otras especialidades y ello
significa tener que actuar también empresarialmente.
– Certificado de Autenticidad
– Título de la obra.
– Materiales utilizados.
– Medidas.
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Para darte de alta por ejercer una actividad artística por cuenta
propia (autónomo), el papeleo que hay que hacer no es
complicado y es bastante rápido de gestionar ante los
organismos administrativos que hay que acudir.
1. Hacienda
2. Seguridad Social
4. Organismos de Trabajo
Facturación
Tipos de galerías
os (mercado primario).
¿Qué te parece?.
Tipos de galerías
os (mercado primario).
Pero, ¿con qué tipo de miedo se puede enfrentar un artista que sea distinto al de otras
personas?
No es uno solo; son muchos y muy diversas las formas en que se manifiesta esta amenaza.
Según sea tu personalidad o situación social, como artista tendrás que lidiar con unos miedos o
con otros, pero seguro que alguno te perturbará.
Todos los que tienen un trabajo creativo han experimentado alguna vez temor al iniciar o
durante el proceso de un nuevo proyecto.
Se nos manifiesta como sensación desagradable provocada por la percepción de una amenaza
real o supuesta, presente, futura o, incluso, que acarreamos del pasado.
A lo largo de tu vida el miedo siempre estará ahí y es importante aceptar cuanto antes que hay
que convivir con él y aprender a dominarlo.
Para afrontarlo y evitar que te paralice o trastoque la realidad el primer paso es identificarlo
para poder superarlo o desvanecer lo más posible.
Cuando decides ser artista lo más normal es tener grandes expectativas y lo único que deseas
es que tu trabajo esté lo más relacionado posible con lo que te gusta hacer.
Después llega la necesidad natural e inseparable de la creación artística para que toda obra
tenga como destinatario a un público determinado.
Y aquí, paralelamente unido a la ilusión de querer mostrar tu obra, aparece uno de los miedos
más habituales que es el de exponerse al público y a la crítica.
Es normal tener dudas y es normal esperar la aprobación de los demás respecto a tu trabajo,
porque has invertido en él mucho tiempo, dinero e ilusión.
Como artista eres un ser sensible lleno de inquietudes, de sueños, de dudas, de aciertos y
desaciertos, de búsquedas, de insatisfacciones, de éxitos y de fracasos.
Todos los días en cualquiera de tus procesos o estados de ánimo el temor está presente en
algún momento porque forma parte intrínseca del proceso creativo.
El único miedo que hay que temer es al que te pueda paralizar y que afecte directamente a tu
productividad y comportamiento.
No tener miedo es algo insensato, porque el miedo es también un aviso para mantenernos en
alerta.
Hay que superarlo y aprender a convivir con él, pero siempre conscientes de que podemos
sobreponernos a su presencia en cualquier situación.
Cuando el miedo no es un peligro real para tu vida, significa una amenaza que te impide que
puedas progresar, porque te paraliza como persona.
Trabaja para manejar tus temores y conseguirás más libertad para poderte desarrollar como
artista:
– Sé capaz de descubrir y reducir tus miedos. La mejor manera de superar algo es enfrentarse
a ello.
-Ríete del fracaso. Emprende de nuevo y no te mueras sin vivir tus sueños.
– Disfruta tus miedos. Empodérate y empieza a construir tu confianza. Aprender a convivir con
esta emoción es esencial.
¿Gustará mi obra?.
¿Sabré hacerlo?.
¿Tendré éxito?…
Piensa que, en primer lugar, será el entorno social o familiar más próximo a ti el que hará que
sientas miedo a querer lograr tu sueño de intentar ser artista.
Las dos carreras serán igual de difíciles, pero la sociedad te considerará más sensato si escoges
la primera.
Es el precio que hay que pagar si se quiere “ser alguien” de acuerdo a las pautas que marca el
mundo actual.
No pierdas tu propia identidad por miedo “al qué dirán”, ni por complacer a los que imponen
las normas, ni dejar de intentarlo por miedo al fracaso.
De los errores se aprende y con las dificultades que te encuentres en el camino te fortaleces.
Las dos palancas que mueven al mundo son el miedo y el interés. Napoleón.
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Es posible que estés convencido que a ti no te embarga ningún temor y que nada de todo lo
que se ha dicho hasta aquí va contigo.
Lo dudo, porque, en algún momento, seguro que te habrás identificado con alguna de las
siguientes situaciones de miedo:
. . . a tu propio éxito, que se convierte en una presión constante sobre todo lo que haces.
. . . a falsas expectativas, por no saber asumir que todas las obras que hagas no pueden estar al
mismo nivel.
Debes estar preparado para saber lidiar con él, porque con miedo se piensa poco y se
reacciona equivocadamente.
– Prepara a fondo los proyectos, no improvises y cuando los ejecutes hazlo con paso firme y
seguro.
– Trabaja con continuidad y evita los altibajos, porque no siempre hay que conseguir una obra
definitiva.
– Deja espacio en tu trabajo para ensayar nuevas técnicas, analizar lo que has hecho, disfrutar
con lo que estás haciendo o jugar con la experimentación.
– Busca la armonía y la belleza, no solo en tu obra, sino en todo lo que hagas y tu entorno: crea
un ambiente agradable en tu estudio-taller, relaciónate con personas positivas y trata de ver el
lado bueno de las situaciones complejas.
– Eres una persona creativa y la libertad la llevas por bandera, por lo que aléjate del ritmo de
vida actual que marca la sociedad siempre que puedas permitírtelo.
– Reserva tiempo para leer, escuchar música, ver películas, conversar con los amigos, disfrutar
de la familia, visita museos, exposiciones o talleres de otros artistas para conocer y aprender.
Pero, sobre todo, actúa dirigiendo tus pasos a conseguir la vida que has soñado.
Posponer las aspiraciones que uno anhela promueve el dolor, la ansiedad y crea malestar.
Alcanza la auténtica libertad con la gestión de tus miedos y no pierdas ninguna oportunidad
para avanzar en tu desarrollo personal.
No es valiente quien no tiene miedo sino quien sabe conquistarlo. Nelson Mandela.
Twittea esta frase
Ofertas engañosas
Denunciarlo públicamente
Con la aplicación de esta ley desde el año 2012 lo único que se consigue es penalizar la
actividad intelectual y artística.
En la mayoría de los casos, cuando un artista, escritor o profesor se encuentra en su etapa que
más puede aportar a la sociedad por sus conocimientos y experiencia el Estado le penaliza por
el mero hecho de jubilarse.
La jubilación es un derecho que ha adquirido a lo largo de su vida laboral y si mantiene su
actividad creativa o docente a partir de los 65 años es una opción personal.
Si tiene ingresos extras a su pensión, el Estado lo único que debería hacer es exigirle que
abone las retenciones de IRPF marcadas por ley, como en cualquier otro trabajo remunerado.
Hacer lo contrario es cercenar la vida creativa de las personas que, por el solo hecho de llegar
a una determinada edad, se les priva de poder tener ingresos por ejercer lo que mejor saben
hacer: aportar patrimonio cultural, conocimiento, experiencia y mantener su calidad de vida
intelectual y personal.
Resulta curioso que por querer seguir ejerciendo su actividad intelectual al jubilarse, se les
penalice con una multa y la retirada de la pensión, mientras que si se tienen ingresos extras
por el alquiler de un piso, por ejemplo, no hay ningún problema.
Los cuatro partidos mayoritarios llevaron la promesa de un Estatuto del Artista en su programa
electoral y, en principio, parecían están de acuerdo en que se retire esta ley y se normalice la
situación del creador jubilado con su aprobación.
Es lamentable que el Gobierno no haya resuelto de manera urgente la grave situación de estos
jubilados que llevan años sumidos en la inseguridad y la preocupación por sanciones que ya
han sido impuestas en algunos casos.
Estamos en la Unión Europea pero no en las mismas condiciones que otros países, como
pueden ser Francia, Portugal o Alemania, entre otros, que sí tienen resuelta esta situación
desde hace años.
En estos países europeos tienen plena compatibilidad ambos ingresos y, con ello, el creador
jubilado aporta a las arcas del Estado la recaudación del IRPF por su actividad al margen de la
pensión.
Más de 80 asociaciones, entidades y sindicatos del ámbito de la cultura han consensuado este
texto que trata sobre los ámbitos “fiscal, laboral y sindical, la política educativa referente a las
enseñanzas artísticas, los derechos de autor y un código de buenas prácticas de la Cultura”.
Los pensionistas activos tan solo deben cotizar a la Seguridad Social, como trabajador
autónomo, un 8% de sus ingresos por las contingencias profesionales y la incapacidad
temporal.
En cualquier momento que deseen terminar su actividad laboral, volverán a percibir la pensión
de la jubilación integra.
Sin embargo, una gran mayoría de los artistas cobran pensiones alrededor de los 1000 euros o
inferiores y tienen sus dudas a la hora de renunciar a la mitad de su pensión sin tener la
certeza de que cubrirán esta renuncia económica con los ingresos que generen con su
actividad creadora.
Ante esta situación se hace imprescindible la aprobación del Estatuto del Artista para poder
compatibilizar ser pensionista y artista de pleno derecho para mejorar sus ingresos.
Ahora el Gobierno del PP, presionado por la oposición, se propone elevar del 50% al 100% el
importe de la pensión a percibir por quienes decidan seguir trabajando una vez alcancen la
edad de jubilación ordinaria, si se modifica la ley que se está tramitando en el Parlamento.
La aprobación y entrada en vigor del Estatuto del Artista reduciría la carga del sistema de
pensiones, al seguir recaudando impuestos y, por otro lado, también permitiría mejorar los
ingresos de los artistas después de jubilarse.
Para la plataforma “Seguir creando” es una cuestión de justicia poder compatibilizar pensión y
derechos de autor y para conseguirlo realizan un trabajo colectivo con el fin de sacar adelante
las batallas que tienen en común todos los sectores de la Cultura.
Confiemos en que estas iniciativas den pronto sus frutos y el creador jubilado pueda seguir
aportando cultura a la sociedad sin sobresaltos.
Cualquier duda que tengas pregunta en los comentarios del post. o escribe libremente cual es
tu opinión sobre este tema.
Concursos de pintura rápida. ¿Por qué es
interesante participar?
Los concursos de pintura rápida son el tema que hoy nos ocupa y que he considerado
imprescindible conocer sus entresijos.
Son una oportunidad para tener ingresos extras y también una experiencia positiva en muchos
aspectos: competitividad, reto personal, interacción con otros artistas, rapidez de ejecución,
confianza en uno mismo o promoción, entre otros.
A continuación, Miquel nos desvela las ventajas e inconvenientes de este tipo de convocatorias
y recomendaciones para participar con éxito.
INDICE DE CONTENIDOS
2.Aspectos negativos
3.Gestionando mejor el tiempo. Alcanzando más nivel de acabado
4.¿Cuánto ganan los pintores “top” con los concursos de pintura rápida?
5.Recomendaciones para participar con éxito
Para los que somos pintores, una de las maneras más directas e interesantes para evolucionar
en nuestro terreno es presentándonos a concursos de pintura rápida.
Eso se agrava con el hecho de que habitualmente el formato máximo con el que nos podemos
presentar es 100 x 81 cms.
Los pintores que se llevan el gato al agua son muchas veces los que pintan en formato grande,
puesto que resulta más impactante.
Eso significa que, si queremos optar a premio, estamos casi obligados a pintar en ese formato.
Eso nos da la posibilidad de asistir a una verdadera escuela en la que veremos muchas
técnicas, estilos y procesos de una sola tacada.
Además de poder hablar con ellos y contrastar opiniones acerca de cómo está el mercado, de
cómo han enfrentado ellos algún reto concreto del día, etc.
Siempre es bueno estar en comunidad, y más en una profesión tan solitaria como la nuestra.
Ver cómo cambia la luz y hacer nuestra propia interpretación del paisaje al margen de sus
formas cambiantes.
Estar siempre en nuestro estudio trabajando a partir de fotos nos impide percibir
directamente los motivos que pintamos del natural. Si no es en concursos, creo que por lo
menos vale la pena juntarnos con otros pintores y pintar al natural de vez en cuando.
Aspectos negativos
Como cosas negativas, sí he visto que centrarse solamente en estos concursos crea una
tendencia a terminar las cosas deprisa y a profundizar y a reflexionar menos en el cuadro.
Si solo participas en concursos de pintura rápida, puedes adoptar y cronificar “tics” a la hora
de pintar, por ejemplo, pintando siempre las flores de la misma manera, una manera que no es
la que utilizarías si tuvieras más tiempo para observar las flores y detallarlas más.
Creo que sólo he conocido a un pintor que pinte con el mismo grado de detalles y de matices
que si se tratara de un cuadro realizado en varias sesiones.
Por lo demás, los cuadros en los concursos de pintura rápida son en general muy impactantes
y se ven bien acabados, de eso no cabe duda, pero es físicamente imposible que veamos un
cuadro con la definición de un Velázquez, para entendernos.
Creo que al margen de la pintura rápida, al menos para mí es interesante continuar con un
trabajo de estudio de fondo.
Otro punto negativo es que muchas veces no puedes recoger el cuadro el mismo día del
concurso, y si el lugar en el que ha sido el concurso queda lejos de tu casa tendrás que ir a
buscarlo expresamente otro día o mandar a una agencia de transportes para que lo recoja.
En todo caso, creo que es muy interesante presentarse por lo menos a unos cuantos de estos
concursos cada año.
Me obliga a ponerme las pilas cuando hay un concurso y a romper la dinámica de pintar
siempre en estudio.
Otras veces también me voy a pintar al aire libre con pintores y también me resulta muy
agradable y de todas formas tengo una base para un nuevo cuadro que después puedo
terminar y vender.
La vanidad, por ejemplo: pensaba que iba a ganar el primer día y que los demás no tenían
nada que hacer, a pesar de que era el primer concurso de rápida al que yo iba en mi vida.
Esta novatada me la llevé por la tarde del primer día, en la recepción de obras viendo todo lo
que habían hecho los demás, pero sin duda fue en toda la frente: ví que estaba superado por
las circunstancias, pero quise revancha.
Era algo que, de haber aplicado a mis cuadros al principio de todo, hubiese tenido más puntos
para competir.
Otro factor importante es que tenemos que tirar de nuestra imaginación y alterar lo que
vemos para añadir nuestro punto de vista.
Es decir, si es un día gris o estás pintando toda una superficie de la imagen que de por sí no
tiene gran cosa en cuánto a color, lo mejor que puedes hacer es interpretarla a tu manera.
Alterar la luz y el color y poner de tu parte para mejorar la imagen a través del cuadro, como
seguro que ya habrás hecho en ocasiones.
Muchas veces la gente no quiere ver simplemente una calle gris, si no que quiere ver todo el
juego que tú has sabido sacar de esa calle gris.
Y si nos parece que algunos pueblos son sosos y no se les puede sacar mucho partido a nivel
pictórico, esperemos a la recepción de obras y seguro que veremos que unos cuantos pintores
ya se las ha ingeniado para captar el encanto, ya sea encontrando los lugares clave o
representando divinamente aquello que parece anodino a simple vista.
Por lo que he podido averiguar en alguna que otra región de España, entre los pocos asiduos
que suelen ganar premios, hay quien se presenta a 30 concursos al año y gana premios en 15
de ellos (9.000 euros anuales en concursos de pintura rápida).
Otros con muchísimos años de experiencia y avanzada edad, pintores que son como
instituciones en sus regiones, que se presentan a más de 70 convocatorias al año, ganan
premios en 50 de ellos y más de 30.000 euros al año solamente en premios de concursos de
pintura rápida.
También me consta que el número y la cantidad de los premios de estos concursos cayó en
picado a partir de la crisis de 2008.
Un pintor me dijo una vez que en un fín de semana bueno (antes de 2008) podía ganar unos
cuantos miles de euros en premios.
Sea como sea, creo que está bien probarlo más allá de los impulsos económicos.
Creo que es recomendable ver y participar en concursos de rápida por las razones que he ido
exponiendo, y en mi aún corta experiencia en estos concursos (15 concursos) he ganado
premios en varios y he vendido los cuadros de prácticamente todos los demás.
Por ello te paso a continuación seis recomendaciones que a mí he habría ido bien tener antes
de asistir:
Esto es algo más personal, pero a mí me ayuda bastante porque un color de luminosidad
media ayuda a pintar hacia colores claros y hacia colores oscuros, manteniendo un tono de
fondo que nos ayuda pensar que el soporte no tiene huecos por pintar, porque ya venía con un
color de fondo.
Eso aumenta mucho la sensación de acabado y permite solucionar mejor los problemas de
perspectiva.
Se trata de no perder tanto tiempo con las mezclas y los matices y centrarse más en los
detalles.
Sobre todo al principio, es complicado ofrecer un cuadro con muchos matices de color en muy
poco tiempo.
Sin embargo, podemos jugar con dos o tres colores bien combinados más el negro y el blanco y
crear una imagen de mucho impacto.
Aquí tienes un video en el que podrás ver esto sobre la marcha en uno de los concursos en los
que participé el año pasado.
Espero que te haya gustado este artículo de Miquel Cazaña sobre los concursos de pintura
rápida y que te animes a participar en ellos.
Para facilitarte la búsqueda de convocatorias, te voy a facilitar dos enlaces en los que
encontrarás la información para poder concursar:
Elcaballete.com
Web creada por un equipo de apasionados por el arte, en concreto por la pintura, con el
objetivo de difundir y promover el aprecio por esta disciplina y servir de ayuda para los artistas
profesionales.
Concursos.com
Es un referente en internet para poder disponer de las bases completas de la mayoría de los
certámenes artísticos y literarios que se convocan. Hay que registrarse para acceder a los
concursos y tiene una cuota única de 33€ anuales.
Los concursos de pintura rápida son el tema que hoy nos ocupa y que he considerado
imprescindible conocer sus entresijos.
Son una oportunidad para tener ingresos extras y también una experiencia positiva en muchos
aspectos: competitividad, reto personal, interacción con otros artistas, rapidez de ejecución,
confianza en uno mismo o promoción, entre otros.
A continuación, Miquel nos desvela las ventajas e inconvenientes de este tipo de convocatorias
y recomendaciones para participar con éxito.
INDICE DE CONTENIDOS
2.Aspectos negativos
3.Gestionando mejor el tiempo. Alcanzando más nivel de acabado
4.¿Cuánto ganan los pintores “top” con los concursos de pintura rápida?
5.Recomendaciones para participar con éxito
Para los que somos pintores, una de las maneras más directas e interesantes para evolucionar
en nuestro terreno es presentándonos a concursos de pintura rápida.
Más allá de las posibilidades de ganar, según mi experiencia estos concursos nos ayudan a
evolucionar por factores como los siguientes:
Los pintores que se llevan el gato al agua son muchas veces los que pintan en formato grande,
puesto que resulta más impactante.
Eso significa que, si queremos optar a premio, estamos casi obligados a pintar en ese formato.
Eso nos da la posibilidad de asistir a una verdadera escuela en la que veremos muchas
técnicas, estilos y procesos de una sola tacada.
Además de poder hablar con ellos y contrastar opiniones acerca de cómo está el mercado, de
cómo han enfrentado ellos algún reto concreto del día, etc.
Siempre es bueno estar en comunidad, y más en una profesión tan solitaria como la nuestra.
Ver cómo cambia la luz y hacer nuestra propia interpretación del paisaje al margen de sus
formas cambiantes.
Estar siempre en nuestro estudio trabajando a partir de fotos nos impide percibir
directamente los motivos que pintamos del natural. Si no es en concursos, creo que por lo
menos vale la pena juntarnos con otros pintores y pintar al natural de vez en cuando.
Aspectos negativos
Como cosas negativas, sí he visto que centrarse solamente en estos concursos crea una
tendencia a terminar las cosas deprisa y a profundizar y a reflexionar menos en el cuadro.
Si solo participas en concursos de pintura rápida, puedes adoptar y cronificar “tics” a la hora
de pintar, por ejemplo, pintando siempre las flores de la misma manera, una manera que no es
la que utilizarías si tuvieras más tiempo para observar las flores y detallarlas más.
Creo que sólo he conocido a un pintor que pinte con el mismo grado de detalles y de matices
que si se tratara de un cuadro realizado en varias sesiones.
Por lo demás, los cuadros en los concursos de pintura rápida son en general muy impactantes
y se ven bien acabados, de eso no cabe duda, pero es físicamente imposible que veamos un
cuadro con la definición de un Velázquez, para entendernos.
Creo que al margen de la pintura rápida, al menos para mí es interesante continuar con un
trabajo de estudio de fondo.
Otro punto negativo es que muchas veces no puedes recoger el cuadro el mismo día del
concurso, y si el lugar en el que ha sido el concurso queda lejos de tu casa tendrás que ir a
buscarlo expresamente otro día o mandar a una agencia de transportes para que lo recoja.
En todo caso, creo que es muy interesante presentarse por lo menos a unos cuantos de estos
concursos cada año.
Me obliga a ponerme las pilas cuando hay un concurso y a romper la dinámica de pintar
siempre en estudio.
Otras veces también me voy a pintar al aire libre con pintores y también me resulta muy
agradable y de todas formas tengo una base para un nuevo cuadro que después puedo
terminar y vender.
La vanidad, por ejemplo: pensaba que iba a ganar el primer día y que los demás no tenían
nada que hacer, a pesar de que era el primer concurso de rápida al que yo iba en mi vida.
Esta novatada me la llevé por la tarde del primer día, en la recepción de obras viendo todo lo
que habían hecho los demás, pero sin duda fue en toda la frente: ví que estaba superado por
las circunstancias, pero quise revancha.
Poco a poco, me fui dando cuenta de que los cuadros que se veían más terminados tenían
todos los ángulos y las líneas rectas de las casas, las carreteras, las aceras, etc, realizadas con
regla, lo cual daba mucha mayor sensación de acabado y de perfección.
Era algo que, de haber aplicado a mis cuadros al principio de todo, hubiese tenido más puntos
para competir.
Otro factor importante es que tenemos que tirar de nuestra imaginación y alterar lo que
vemos para añadir nuestro punto de vista.
Es decir, si es un día gris o estás pintando toda una superficie de la imagen que de por sí no
tiene gran cosa en cuánto a color, lo mejor que puedes hacer es interpretarla a tu manera.
Alterar la luz y el color y poner de tu parte para mejorar la imagen a través del cuadro, como
seguro que ya habrás hecho en ocasiones.
Muchas veces la gente no quiere ver simplemente una calle gris, si no que quiere ver todo el
juego que tú has sabido sacar de esa calle gris.
Y si nos parece que algunos pueblos son sosos y no se les puede sacar mucho partido a nivel
pictórico, esperemos a la recepción de obras y seguro que veremos que unos cuantos pintores
ya se las ha ingeniado para captar el encanto, ya sea encontrando los lugares clave o
representando divinamente aquello que parece anodino a simple vista.
Por lo que he podido averiguar en alguna que otra región de España, entre los pocos asiduos
que suelen ganar premios, hay quien se presenta a 30 concursos al año y gana premios en 15
de ellos (9.000 euros anuales en concursos de pintura rápida).
Otros con muchísimos años de experiencia y avanzada edad, pintores que son como
instituciones en sus regiones, que se presentan a más de 70 convocatorias al año, ganan
premios en 50 de ellos y más de 30.000 euros al año solamente en premios de concursos de
pintura rápida.
No es habitual ganar más de 30.000 al año hoy día en España solo con concursos de rápida.
También me consta que el número y la cantidad de los premios de estos concursos cayó en
picado a partir de la crisis de 2008.
Un pintor me dijo una vez que en un fín de semana bueno (antes de 2008) podía ganar unos
cuantos miles de euros en premios.
Sea como sea, creo que está bien probarlo más allá de los impulsos económicos.
Creo que es recomendable ver y participar en concursos de rápida por las razones que he ido
exponiendo, y en mi aún corta experiencia en estos concursos (15 concursos) he ganado
premios en varios y he vendido los cuadros de prácticamente todos los demás.
Por ello te paso a continuación seis recomendaciones que a mí he habría ido bien tener antes
de asistir:
Esto es algo más personal, pero a mí me ayuda bastante porque un color de luminosidad
media ayuda a pintar hacia colores claros y hacia colores oscuros, manteniendo un tono de
fondo que nos ayuda pensar que el soporte no tiene huecos por pintar, porque ya venía con un
color de fondo.
Eso aumenta mucho la sensación de acabado y permite solucionar mejor los problemas de
perspectiva.
Se trata de no perder tanto tiempo con las mezclas y los matices y centrarse más en los
detalles.
Sobre todo al principio, es complicado ofrecer un cuadro con muchos matices de color en muy
poco tiempo.
Sin embargo, podemos jugar con dos o tres colores bien combinados más el negro y el blanco y
crear una imagen de mucho impacto.
Aquí tienes un video en el que podrás ver esto sobre la marcha en uno de los concursos en los
que participé el año pasado.
Espero que te haya gustado este artículo de Miquel Cazaña sobre los concursos de pintura
rápida y que te animes a participar en ellos.
Para facilitarte la búsqueda de convocatorias, te voy a facilitar dos enlaces en los que
encontrarás la información para poder concursar:
Elcaballete.com
Web creada por un equipo de apasionados por el arte, en concreto por la pintura, con el
objetivo de difundir y promover el aprecio por esta disciplina y servir de ayuda para los artistas
profesionales.
Concursos.com
Es un referente en internet para poder disponer de las bases completas de la mayoría de los
certámenes artísticos y literarios que se convocan. Hay que registrarse para acceder a los
concursos y tiene una cuota única de 33€ anuales.
Desde el aspecto conceptual, lograr expresar una buena idea y, mediante recursos técnicos,
saberla plasmar satisfactoriamente.
Aunque para los pintores hay medidas standard que pueden servir de orientación, en otros
oficios de arte cada obra requiere una valoración diferente para su comercialización.
Valor y precio
Estoy seguro que en más de una ocasión habrás oído:” No es lo mismo valor que precio en
una obra de arte”.
Tu obra es genial, tiene tu impronta personal, te identificas con ella, es única e irrepetible.
Artísticamente vale mucho para ti, pero piensa ¿cuánto estaría dispuesto un comprador a
pagar por ella?.
Medítalo fríamente.
Para ponerle precio a una pieza de arte, sea pintura, dibujo, escultura, obra gráfica, fotografía,
cerámica, etcétera tienes que basarte en una lógica que te sea útil, equitativa y satisfactoria
para cada ocasión.
Los pintores tienen una ventaja ya que pueden vender por puntos.
El tamaño o referencia del bastidor como soporte de un lienzo de pintura presenta unas
medidas universales (largo y ancho), referidas al sistema de numeración internacional.
Vamos a poner como ejemplo la referencia 8F (46x38 cms.) que corresponde a un formato
para figura. Su valor, según la referencia, es de 8 puntos.
Cada artista valorará libremente, según su criterio de gastos, materiales y tiempo invertido, el
precio de cada punto.
Si este mismo pintor realiza un paisaje al óleo o acrílico en una tela del bastidor 30P (92x65
cms.) el precio de esta obra tiene que ser de 1500 euros (30 puntos x 50 euros-punto).
Es una solución óptima para poner precio a tus obras independientemente del tamaño de las
mismas.
Igual que el apartado anterior debe ponerle un precio al centímetro cuadrado, en función de lo
que él valore su trabajo.
Por ejemplo, 1 euro x 1 cm2. Si tenemos en cuenta que ha trabajado sobre una superficie
de 90x60 cms. debe hacer el siguiente cálculo: 90x60=5400 cms2. x 1 euro-cm2.= 5400 euros.
Este es el valor de la obra. Con estos dos sistemas de cálculo, por puntos o por centímeto
cuadrado, los artistas pueden valorar comercialmente sus trabajos de una forma eficaz y justa.
El cliente siempre sabrá que una obra más pequeña que otra vale menos por su tamaño, pero
no tiene menos valor artístico que otra que sea más grande.
Sabemos que en el mercado del arte una obra gráfica vale menos que un cuadro al óleo, pero
que una escultura en bronce es mucho más cara que ambos.
Una forma satisfactoria de calcular el precio de una obra tridimensional puede ser basándose
en los siguientes puntos:
– Horas invertidas.
– Coste de materiales.
NO TE SOBREVALORES
Es imprescindible que a la hora de poner precio a tu trabajo seas legal contigo mismo y realista
con la situación actual del mercado. No te sobrevalores.
Recuerda que para ti tu escultura, pintura, dibujo o fotografía vale mucho, pero tendrás que
venderla si quieres vivir profesionalmente de tu trabajo como artista.
A la hora laboral ponle un precio justo, como si fueras un profesional de otro sector.
Para ti, seguro que sí. Será algo especial, pero todo es reemplazable y la oferta que hay en el
mercado es muy amplia y variada.
Con el paso del tiempo y superándote día a día conseguirás una justa cotización.
Si eres un artista emergente que se está introduciendo en el mercado, puedes empezar por
ponerle a la hora de trabajo alrededor de los 15 euros, por ejemplo.
Recuerda que si eres “nuevo” en este mercado no puedes vender al mismo precio que un
artista de amplio recorrido y con una demanda de su obra establecida.
Es preferible subir poco a poco y hacerlo a medida que exista una demanda favorable que,
pasado un tiempo, tengas que bajar los precios porque no vendas.
Si alguien te ha comprado a 500 euros y, pasado un año, el mismo formato y temática lo estás
vendiendo a 350 euros es una mala política; muy mala política.
Si es muy bajo y está por debajo de la calidad de tu trabajo el mercado no te tomará en serio.
Tu clientela seguro que se mueve en un reducido círculo de familiares, amigos o conocidos que
te han comprado porque tienen una relación contigo.
Si has decidido aumentar los precios, hazlo porque has tenido una exposición importante,
porque se ha consolidado la demanda de tu obra, porque avanzas más lentamente al trabajr
con más precisión y detalle, porque has ganado un premio importante o cualquier otro motivo
por el que puedas justificar la subida.
También hay que tener en cuenta que si produces mucho el precio puede ser más bajo para
dar salida a toda la producción.
Al no existir unas reglas universales y establecidas para poner precio a los trabajos de arte,
tienes que buscar el mayor equilibrio posible entre valor y precio.
Debes disponer de un margen en los beneficios que te permitan este juego: satisfacer la
petición del comprador, sin menoscabo de sus propios intereses.
Relación con las galerias
Por tu parte, debes tener en cuenta el porcentaje de la galería, los gastos adicionales por
exposición, la posible participación a ferias, etcétera.
No engañes a la galería.
Si vendes algo en el estudio debes respetar los precios de la galería que te representa.
Es importante para tu carrera tener una buena representación y no debes competir con ella.
Hasta aquí ya te he contado todo lo que tenía pensado en explicarte referente a los precios y
como estipularlos de forma satisfactoria.
Analiza las posibilidades de tu trabajo y pon en práctica la solución que consideres más
acertada.
Siempre habrá un margen para rectificar si te has equivocado en algo. Merece la pena hacer
las cosas bien y ponerle un precio justo a tú trabajo es muy importante.
Son los mismos circuitos comerciales del arte los que la demandan o la promocionan porque es
más fácil para los intermediarios trabajar con un producto que tiene aceptación y cuyo autor
goza de prestigio y popularidad.
En estos casos, es el coleccionista el que llama a la puerta del estudio-taller para comprar.
Al revés, ocurre cuando el artista es prácticamente un desconocido, aunque su obra sea de una
calidad indiscutible.
Tiene que promocionarlo y hacerlo con todas las herramientas y oportunidades que tenga a su
alcance.
El mercado del arte es un mundo subjetivo y que sorprende continuamente con gustos muy
dispares y complejos, tanto en el plano artístico como en el económico.
La obra bien realizada, con una conceptualidad clara y bien definida es la mejor baza que el
artista tiene para abrirse camino.
Lo bien hecho gusta a todos y conseguirlo tienes ya un cincuenta por ciento a tu favor, aunque
cada coleccionista sea diferente en sus preferencias.
Como te he comentado, la solidez del artista es imprescindible pero tiene que salir del taller y
promocionarse.
Si tienes ya un recorrido más amplio, porque has celebrado exposiciones o has vendido
directamente es probable que ya tengas una pequeña cartera de clientes que están fuera del
cÍrculo más cercano a ti y familiar.
Esta cartera no es suficiente.
Hay que ampliarla porque lo normal es que te compren ocasionalmente y tú tienes que ganar
para poder vivir todo el año.
Repito: debes publicitar tu obra para poder ampliar el campo de acción de mercado y no
agotar con tu oferta reiterada tu clientela actual.
Ocurre, con mucha frecuencia, que la primera exposición que celebra el artista se vende
bastante bien, pero eso no será la normalidad en futuras exposiciones.
El público que acude a tu primera muestra individual suele ser gente cercana a ti y conocida
que compran por amistad o por compromiso, dando por entendido de que les gusta tu obra.
No te engañes.
El que tiene una obra tuya es probable que entienda que ya ha solventado el compromiso o
que en este momento no se ajusta a su presupuesto hacerse con una nueva compra.
Al principio, más que vender, es preferible enseñar y ampliar el público que pueda conocer tus
trabajos.
Es cuestión de que surja la oportunidad o la necesidad de que el futuro cliente considere que
tu obra es una opción atractiva para comprarla.
Encuentra tu propio método para poner precio a tu obra y que sea equitativo para todos los
formatos que trabajos.
En este artículo te doy algunas pistas para conseguirlo: ”Aprende como poner un precio justo a
tu trabajo”.
No solo tengas en cuenta tu trabajo en horas, también los gastos de material, local,
enmarcación (si son cuadros), desplazamientos, etcétera.
Aparca tu ego por unos días y amóldate al capricho del que paga.
Acepta encargos.
Aparca tu ego por unos días y amóldate al capricho del que paga.
Twittea esta frase
Es algo pasajero y los beneficios económicos te darán más holgura para después poderte
dedicar por completo a crear tu propia obra.
En los encargos, te aconsejo que pidas una cantidad en depósito por adelantado.
Puede ser, por ejemplo, un 25% para hacer frente a los primeros gastos y para amarrar el
compromiso del cliente con el trabajo que le vas a hacer.
En este ámbito los desplazamientos son cortos y puedes gestionar los contactos sin que quiten
mucho tiempo de tu trabajo.
Según lo grande que sea la ciudad en que vives, puedes actuar por barrios, casas de la cultura,
centros sociales, asociaciones, comercios, hostelería o establecimientos similares.
Ofrece tu obra para exponer a todos aquellos locales que puedan acogerla de una manera u
otra sin que el entorno desmerezca la dignidad de tu trabajo.
Ofréceles una pequeña comisión o busca la forma de compensarlos de alguna manera por su
colaboracion y dejarte mostrar tus obras.
Para exponer en salas apropiadas y acondicionadas para exposiciones presenta tu solicitud con
antelación, porque suele ser haber mucha demanda al utilizarse como locales multiusos.
He editado una guía gratuita en la que explico las posibilidades de exposición que puedes
explorar para seleccionar las que más se ajusten a tu obra y tu situación actual: “Quiero
exponer. ¿Dónde y cómo?”.
-Publicidad siempre a mano.
Hoy día, con las imprentas online sale a muy buen precio imprimir flyers, carteles, folletos o
tarjetas informativas que puedes distribuir en los comercios o fijarlas en los escaparates.
Está encantado con la adquisición, porque nadie va a convivir veinticuatro horas al día en su
casa con un objeto extraño o que no sea de su agrado.
Esta es la mejor publicidad, porque este cliente te recomendará al tener en alta estima lo que
te compró.
Mientras trabajas tu entorno más cercano, envía un portdolio a las galerías que consideres que
les pueden interesar tus trabajos.
Es posible que no te contesten todas, pero pueden salir contactos valiosos en el desarrollo de
tu trayectoria artística.
Si tu taller-estudio te lo permite organiza algún acto para reunir a las personas que te conocen
o se han interesado por tu trabajo.
Suguiere a tus invitados, particularmente con los que tienes más confianza, que traigan con
ellos a alguna otra persona.
De esta manera indirecta, ampliarás el circuito de posibles compradores, ya que si acude
público nuevo es porque, en principio, les ha llamado la curiosidad ser invitados..
No obstante, la relación y conversación que mantengas con los asistentes es muy valiosa,
porque es un público que no se interesa por el arte y pueden convertirse en clientes tuyos.
Un buen canal de promoción son los medios informativos: prensa, radio, televisión…
Cuando tengas una exposición es obligado hacerles llegar la oportuna información con
antelación para que asistan a la inauguración o puedan hacerte una entrevista que coincida
con la apertura o en el periodo en que esté abierta la muestra.
Divulga también cualquier actividad que resalte o salga de la norma de tu rutina de trabajo:
ganar un concurso, recibir un encargo especial, ser seleccionado para alguna exposición
relevante o, simplemente, invitarles para que vean el desarrollo de un nuevo proyecto.
Es habitual recurrir a los artistas o artesanos para que colaboren en la financiación de actos
benéficos o sociales con la aportación de su obra.
Indirectamente, aunque no sea con dinero, actuaciones de esta índole te beneficiarán a corto y
medio plazo.
Bien sea para el ayuntamiento o para cualquier asociación, ofrece tu capacidad creativa para el
diseño de sus carteles.
Afortunadamente las clases de actividades artísticas están muy demandadas y tienen una
acogida favorable en el público.
Abre tu taller unas horas a la semana para impartir clases o hazlo en locales municipales, de
asociaciones o de colectivos sociales.
Es gratificante salir del taller y relacionarse con personas que tienen inquietudes artísticas y
recurren a ti para ampliar sus conocimientos.
Por otra parte, conocerás a gente nueva que al relacionarse contigo pueden convertirse en
compradores de tu obra.
En este artículo “Pasos a seguir para tener un blog profesional” te explico los pasos que debes
seguir para tener un blog o una web que te sea rentable para tu proyecto artístico, pero que
también puede valer para cualquier otra iniciativa online que quieras emprender.
También existe la posibilidad de que puedas vender a través de portales de arte de manera
semidirecta.
Tener presencia en estas plataformas de arte suele ser gratis en la mayoría de ellas, aunque
cobran un porcentaje si se realiza una venta.
Una selección de estos portales los he recogido en este post: “30 sitios donde puedes vender
tu arte por internet”.
Si eres un artista activo sabes que no todo se reduce en crear tu obra, sino que hay que
dedicar tiempo para hacer otros trabajos complementarios y no siempre tan atractivos como
los del estudio-taller.
Debes tantear todas las posibilidades que el mercado te ofrece con la fórmula “prueba-error”
e ir ajustando la experiencia al objetivo que te hayas propuesto.
No le tengas miedo al fracaso, porque de los peores errores se han creado éxitos indiscutibles.
Tampoco te desanimes.
Otra ventaja de la exposición virtual es que te evitas el tener que mover la obra de un lado
para otro como ocurre cuando expones en las salas de arte.
Después, pasados quince días, hay que volver a recogerla, empaquetarla y acarrear con el
transporte hasta tu estudio-taller… y así en que cada oportunidad que tengas para mostrar al
público tu trabajo.
Si tienes un blog o web en la que ofreces una galería virtual de tu obra con amplia información
sobre ella y sobre el proceso de trabajo de tu estudio-taller, ganarás la confianza del posible
comprador que accederá con frecuencia a tu website esperando encontrar novedades y
familiarizándose con tu trabajo
Aclarar que el blog es solo una parte de un sitio web más amplio o sólo una posibilidad en sí
misma para expresar y publicar contenidos, que permite la participación de los lectores a
través de sus propios comentarios.
El contenido de un sitio web es mucho más amplio, ya que, además de poder incluir el
apartado de blog, ofrece más contenido al cual se accede mediante los menús de navegación.
Inicio (home), servicios, portfolio o galería, acerca de (autor), páginas legales (privacidad,
política de cookies, aviso legal), contacto y todos los apartados que consideres apropiado
añadir para facilitar la navegación por tu website.
El formato que a los artistas les puede interesar y, seguramente, este es tu caso, es utilizar su
presencia online como un recurso que genere ingresos, al fin y al cabo, promocionando su
trabajo.
Cada uno puede plantearse sus prioridades a la hora de diseñar su sitio web, pero mi
recomendación para la estructura de una web que sea utilizada como galería o portfolio de tus
trabajos sería la siguiente:
– Home (Inicio).
– Portfolio o Galería de obras. ( Selección de obras para solo mostrar o vender)
– Servicios (Si ofreces alguno).
– Acerca de… (Historial artístico)
– Resumen de criticas y prensa.
– Contacto (email, teléfono, dirección, horario…)
– … y blog, si quieres publicar periódicamente artículos sobre tu trabajo, las exposiciones o
noticias relacionadas con tu especialidad o cualquier otro tema.
¿Es mejor un blog gratuito o de pago?
En Internet podemos encontrar una gran cantidad de plataformas que nos permiten crear un
blog gratis de manera rápida y sencilla
Hay plataformas gratuitas en las que puedes tener alojado tu blog o web, como Blogger.com,
Site123, Wix.com, Weebly.com, WordPress.com, Jimdo.com, Yola.com y muchos más
La opción gratuita es posible que te la plantees antes que embarcarte en una página web
profesional para la que necesitarás contratar un dominio, hosting y diseñador web o
configurarla por tu cuenta.
Un blog gratuito puede perfectamente cubrir todas sus necesidades, pero las ventajas que
aporta realizar las cosas de la manera más profesional posible, aunque que tengas que
gastarte algún dinero, es siempre beneficioso para el proyecto online que quieras poner en
marcha.
El diseño y plugins que te ofrece la plantilla son limitados y si quieres una mayor cota de
personalización te derivan a prestaciones de pago.
Mi consejo es que hagas tu blog o web desde una perspectiva profesional, ya que va a ser tu
marca a nivel global.
Ten en cuenta que una buena imagen de empresa es imprescindible para que tu trabajo
inspire confianza en el comprador.
Por lo tanto, a continuación te detallo los principales pasos que debes dar para hacer
personalmente tu blog:
Si has decidido que tu blog o web no sea gratuito, el primer paso será contratar un buen
hosting donde alojarlo.
El precio no debe determinar la elección del hosting, porque todo lo barato sale caro.
No significa tanto dinero al año y los problemas que se pueden evitar son muchos.
Para el hosting yo te recomiendo Raiola Networks. (Ver)
Elije la plantilla
Si en lugar de hacerlo por tu cuenta prefieres formarte para no perder el tiempo buscando
información, te recomiendo el siguiente curso para crear un blog con WordPress y con la
plantilla Divi.
Además, ahora lo puedes conseguir con un 20% de descuento con el siguiente cupón:
20xciento.
Los colores que elijas transmitirán psicológicamente un mensaje y deben estar acordes con el
contenido.
No te compliques y utiliza combinaciones armónicas de paletas de colores preestablecidas.
Utiliza dos colores principales y un tercero como complementario.
Busca el minimalismo para que destaque lo que realmente importa.Menos es más.
Hazlo fácil de navegar y tipografía legible.
La plantilla que hayamos elegido debe ser “responsive”, para que se pueda visualizar
correctamente en distintos dispositivos.
Espero que tengas ahora claro si te interesa más un blog gratuito o tenerlo con herramientas
de pago.
También puedes combinar las dos soluciones: parte del blog sea de pago (dominio y hosting) y
los recursos que utilices sean gratuitos, a pesar de sus limitaciones.
No tengas prisas en decidirlo, pero valora las opciones y posibilidades de cada una y procura
acertar en tu decisión.
Si quieres saber las posibilidades de hacer un blog y que funcione, puedes acceder a este
training gratuito, de Angel Alegre.
Ramon’s
PD. Estoy afiliado a la mayoría de herramientas que recomiendo. Si adquieres alguna de ellas,
me llevaré una comisión.Todas las herramientas que recomiendo las he probado antes o las
utilizo en este blog. Las sugiero porque sé que son útiles y, para mi, de las mejores en su
Un portfolio y una declaración de artista son dos recursos indispensables para promocionar
nuestro trabajo como creativos.
Hay que saber venderse para conseguir triunfar y tenemos que utilizar todas las herramientas
que estén a nuestro alcance para conseguirlo.
Hemos trabajado duro y disponemos de una colección de obras que serán nuestra mejor carta
de presentación, pero hemos de ser conscientes que esto solo no basta.
INDICE DE CONTENIDOS
Empezaré por ocuparme del portfolio, porque es una herramienta esencial en tu promoción y,
esmerándote en su diseño y contenido, lo debes convertir en la llave maestra que te abra las
puertas a las que llames.
Al confeccionarlo, es conveniente analizar quienes van a ser sus destinatarios y diseñarlo de tal
modo que, con unas ligeras modificaciones, pueda ser válido para todos.
Ten en cuenta que será lo primero que van a ver de tu trabajo y debe reflejar tu sello personal
como artista.
No hay que conformarse con enviar un curriculum vitae extenso, bien nutrido de exposiciones,
premios, estudios y bibliografía.
Es necesario también, pero en el mundo del arte lo que se impone son las imágenes por
encima de cualquier escrito o recurso teórico.
Aquí sí vale aquello de que “una imagen vale más que mil palabras”, por lo que debes procurar
ser original y hacerlo con creatividad para ofrecer lo mejor que tengas, porque se trata de
diferenciarte de los demás.
Las galerías, instituciones, coleccionistas o convocatorias de arte reciben cientos de portfolios
y es importante que, en primera instancia, visualmente se interesen por el tuyo porque llama
la atención por su presentación.
Por mi experiencia y por la información que he recabado de otros artistas hoy en día las
nuevas tecnologías ofrecen más posibilidades de ofrecer atractivos dossieres que hacerlo en
formato físico.
En primer lugar, enumeraré una serie de reglas que se deben tener en cuenta, tanto si el
portfolio es de carácter físico o digital.
Más adelante, me ocuparé de un portfolio digital y los pasos a seguir cuando se diseña un
dossier electrónico.
Una lista de consejos que considero indispensable para confeccionar un portfolio (sea físico o
digital) es la siguiente:
– Versátil. Encuentra la forma de hacerlo convertible para que se adapte fácilmente para
cualquier fin que lo necesites o para actualizarlo en función de lo que avanza y evoluciona tu
trabajo.
–Material gráfico. Muy buenas fotografías. Una fotografía deficiente puede echar a perder
todo tu trabajo, por lo que en este capítulo no debes escatimar medios para conseguir el mejor
material posible. Procura tener fotos de alta resolución de todas tus obras. Si tu presupuesto
anda ajustado, es preferible poner pocas fotos y que sean buenas, en lugar de muchas y de
deficiente calidad.
– Información. Incluye notas informativas de las características de cada proyecto para que se
entienda fácilmente. No te olvides de poner el precio de cada obra, fecha de realización,
medidas, materiales, etcétera. Es información complementaria pero el receptor de tu porfolio
agradecerá la documentación y se hará una idea de cuáles son tus pretensiones.
–Contacto. Pon en un lugar visible de tu portfolio tus datos de contacto: nombre, dirección,
teléfono, correo electrónico, página web, para que puedan contactar contigo fácilmente.
– Envios. Según donde lo envíes te pedirán una documentación diferente y tu portfolio debe
ajustarse a cada demanda, cumpliendo las normas que solicita cada convocatoria.
– Revisión de contenido. Antes de enviarlo a algún destinatario procura que te lo revise una
persona de confianza y que te dé su opinión, por si hubiera que cambiar o modificar alguna
cosa, con el fin de mejorarlo.
– Actualizado. Procura que el material esté siempre actualizado y que muestre lo más reciente
de tu trabajo. Haz los cambios que sean necesarios en función de lo que evoluciona tu obra.
Puedes disponer de los dos formatos: digital y físico; pero las ventajas de distribución que te
ofrece un portfolio electrónico son muy superiores.
La accesibilidad es mucho más inmediata, fácil de navegar si está bien diseñado, puede ser
mucho más extenso en su contenido y el diseño te permite disponer de múltiples recursos
online.
Permite acceder a él desde cualquier dispositivo electrónico y hay que procurar que su
localización sea inmediata y cómodo en su recorrido.
Además de los consejos que se han enumerado más arriba para la realización de un portfolio,
cuando éste es digital se tiene que tener en cuenta que las imágenes sean en formato jpg o
png y que su tamaño esté entre los 500-750 pixeles para que puedan verse en pantalla
perfectamente en su totalidad.
Puedes editarlo en una memoria USB, en CD, en tu página web o difundirlo a través de alguna
plataforma especializada gratuita de las que hay disponibles en la red.
Ver ejemplo de como se diseña un portfolio de artista:
– Behance:
Es una de los más populares donde puedes crear tu porfolio y acceder desde cualquier
dispositivo móvil. Por los creativos es una de las utilizadas para mostrar sus trabajos.
– Deviantart:
– Dropr :
Dropr es una excelente forma de presentar los trabajos artísticos individualizando cada
portfolio. Su presentación es muy profesional y tiene una interfaz fácil de manejar para la
creación de tu espacio web.
– Crevado:
Crevado es una herramienta en línea que facilita a los creativos (artistas, fotógrafos,
ilustradores, etc.) la creación de un sitio web para que puedan exhibir su trabajo online. Con
Crevado, también es posible vender tus obras, al estar integrado con Paypal y Fotomoto hace
que sea sencillo recibir pagos online.
¿Qué es la Declaración de Artista / Artist Statement?
Ya hemos visto las ventajas que nos puede aportar tener un buen portfolio, pero además éste
debe ir acompañado de una declaración de artista que esté bien redactada para que sepan lo
que haces y por qué.
Estas dos herramientas de promoción que son el portfolio y la declaración de artista son tus
mejores armas en un primer contacto con la galería o con su destinatario.
Soy consciente de que tú, probablemente, te expresas mejor con imágenes que con palabras,
pero tienes que hacer un esfuerzo y redactar un texto breve y conciso explicando cuál es tu
proceso de trabajo y el por qué creas la obra que ofertas.
Pensarás que tu obra habla por sí sola y no necesita de muletas literarias para conectar con el
espectador, pero un texto escrito desde tu perspectiva clarifica la lectura y enriquece la
contemplación, porque facilita la conexión con tu obra.
A continuación, te expongo algunas normas que conviene que tengas en cuenta a la hora de
redactar tu declaración de artista y como la puedes utilizar junto al portfolio o
independientemente, según la ocasión:
-Redacción. Aconsejo escribirla en primera persona, que sea corta, sencilla y describiendo tus
técnicas y la conceptualidad de tu obra sin complicaciones o expresiones rebuscadas.
– Honesto. Sé honesto contigo mismo. Antes de empezar, tomate el tiempo necesario para
meditar lo que vas a escribir sobre ti y tu trabajo.
-Lenguaje. Exprésate de manera sencilla, clara e inteligente. Conecta con la gente, pero escribe
desde tu punto de vista y no pensando en el espectador de tu obra.
– Presentación. No la escribas a mano. Haz que sea fácil su lectura con buena tipografía y
aspecto limpio.
Una vez tengas claro cómo vas a abordar la redacción de tu declaración de artista, piensa
redactar el texto en base a tres interrogantes: ¿Qué es lo que hago?¿ Cómo creo mi obra? Y
¿Por qué lo hago?
Empieza a escribir el por qué haces tu obra y como la haces de una manera asequible para
quien la lea y que le gustaría conocer el origen de tu trabajo.
En segundo lugar, sin entrar en detalles que pueden aburrir o confundir, explica el proceso que
sigues al crear tu obra y la aportación que haces en la investigación de materiales o recursos
para realizarla.
Al final, menciona en que proyectos artísticos estás inmersos en la actualidad y que es lo que
te motiva para seguir indagando cada día en nuevas propuestas y experiencias creativas.
Por último, considero que lo que no debes hacer o incluir en tu declaración de artista es
ninguna expresión o mención que suene pretenciosa.
Los discos SSD, aportan una carga mucho más rápida que los
convencionales, mejorando muchísimo la carga de tu blog o
web y esto es primordial para el SEO y una mejor experiencia
con el usuario.
INDICE DE CONTENIDOS
8.Determinación y autoestima.
El arte es un negocio
3. Potencia tu autoestima…
Se coherente y no procrastines
Determinación y autoestima
Recomiendo estas herramientas porque son las que utilizo en Objetivo Arte o porque las he
probado previamente en otros proyectos.
Confío en cada una de ellas por la fiabilidad que tienen y por eso te las recomiendo.
Por supuesto, hay herramientas alternativas a estas y con la misma calidad que pueden ser de
tu preferencia.
Yo te recomiendo las que cito a continuación porque con ellas he ganado tiempo, mejor
imagen, menos problemas y he ahorrado dinero.
Se trata de invertir un poco de dinero (aunque al principio te duela) para ser más certero en
cada paso y hacerlo de manera definitiva, rápida y segura.
– Empecemos por el dominio:¿dónde lo compro?
INFORMACION / COMPRAR
El precio no debe determinar la elección del hosting, porque todo lo barato sale caro.
No significa tanto dinero al año y los problemas que se pueden evitar son muchos.
Para el hosting yo te recomiendo Raiola Networks.
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– Descargate gratis WordPress
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Si has decidido hacer un blog bien hecho profesionalmente la plantilla Divi, de ElegantThemes,
incluye por defecto el plugin Divi Builder que te permite crear una página web sin tener
conocimientos de programación.
Es moderna, responsive, multipropósito, muy atractiva y fácil de trabajar y es la que utilizo en
este blog.
VER + INFORMACION
Dropbox es un servicio gratis que te permite almacenar tus archivos por Internet y accederlos
por medio de cualquier aparato que conectes a tu cuenta.
Al sincronizar tus archivos y carpetas, los cambios que realizas en un dispositivo están
disponibles al instante a través de todos tus dispositivos.
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Al emprender cualquier proyecto es muy importante hacerlo con un mínimo de formación,
para no ir dando palos de ciego.
Es preferible hacerlo seguro de la mano de los expertos que descubrirlo por ti mismo a base de
invertir mucho tiempo y experiencias de prueba y error.
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– Curso WordPress con DIVI 3.1
¿Quieres tener tu propia página web o blog realizado con WordPress?.¿Quieres diseñarlo con
DIVI, la mejor plantilla del mercado?
No importa si eres autodidacta, porque con este curso vas a realizar una página web
profesional.
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– Curso de Monetización Web
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– Curso tiendas online con WordPress (Woocommerce)
Con este curso aprenderás facilmente las pautas necesarias para poner en marcha una
tienda/galería online de tus obras.
Aprenderás a tu propio ritmo, desde casa, sin horarios y disfrutando al mismo tiempo.
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Si grabas videos mostrando tu trabajo es conveniente que lo hagas con un mínimo de calidad,
tanto de imagen como de sonido.
– BC Master Cámara Webcam Full HD 1080P USB con Micrófono Incorporado
Me decidí por esta cámara por su buena resolución ya que dispone de Full HD a 1080 píxeles y
la gran mayoría son de 720 píxeles.
Consigue muy buena imagen y su audio cumple con creces.Tiene entrada para tripode, led
indicador de trabajo y movilidad 360 grados,
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Esta cámara solucionó mi indecisión, porque buscaba algo intermedio entre reflex y compacta,
Por la relación calidad-precio creo que es una excelente elección y la grabación de MP4 en full
HD es también muy buena.
Muy recomendable.
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– Fotopro DG-3400 Trípode
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– MVpower Kit iluminación continua fotografía
Si decide hacerlo, desde sus inicios debe ser consciente del paso que va a dar y la repercusión
que va a tener en su vida.
Esto es algo ocasional y no puede ser la única referencia que debe valorar para decidir que
camino va a tomar profesionalmente.
Si eres un artista joven, con escaso o nulo historial, debes ser sincero contigo mismo y no
dejarte seducir por una visión romántica del pintor o del escultor que de alguna manera todos
tenemos en mente.
Si tienes recursos económicos o familiares que te apoyen para iniciar tu carrera en solitario
podrás hacerlo con cierta tranquilidad y volcado por completo en tu obra, porque no tendrás
la presión de la falta de dinero.
Sin embargo, si consideras que es con tu trabajo con lo que te vas a mantener, debo hablarte
con sinceridad y por experiencia quiero que sepas que estarás totalmente desprotegido y
empezando desde cero.
En principio:
– No tienes un seguro que te cubra cualquier incidencia laboral que pueda surgir.
Pero, no te desanimes.
Tienes algo muy importante y que puede vencer todos los obstáculos.
Tienes la ilusión y la determinación de conseguir vivir de tu trabajo como artista y esto es muy
importante para tu proyecto artístico, porque solo con constancia y saber sobreponerte a las
adversidades se avanza en el camino.
Tienes muy buenas herramientas para conseguirlo: has estudiado una carrera, te has
preparado técnicamente, en tu cabeza bullen mil ideas y quieres mostrarlas al mundo.
Los obstáculos y dificultades que la sociedad nos impone se pueden superar, pero hay que
conocerlos y ser conscientes de que podemos hacerles frente.
A continuación, me permito exponerte ocho consejos que pueden serte útiles para desarrollar
más fácilmente tu proyecto artístico:
1.IDEAS CLARAS
Es lógico que a medida que avances en tu trabajo irás definiendo tu línea artística y
adquiriendo un estilo personal e inconfundible.
Busca y experimenta continuamente, pero debes tener claro en que sector del mercado del
arte quieres desenvolverte.
No des palos de ciego.
Si eres, por ejemplo, un pintor que pinta paisajes y de estilo impresionista descarta las galerías
que exponen arte contemporáneo no figurativo.
Debes tener claro si quieres una galería solo para ventas o escogerla para que cuide de tu obra,
la promocione y la potencie dentro de su nicho de mercado.
Debes saber a quién le ofreces tus trabajos y averiguar antes si será receptivo o no a tu oferta.
Perderás el tiempo y la energía que hayas invertido si insistes en una gestión equivocada.
2. CALIDAD Y CONSTANCIA
Tú estás empezando, o quizás no, pero debes seleccionar tu trabajo y ofrecer como muestra
de tu obra artística las piezas de mayor calidad que tengas.
Sé consciente de que una obra bien hecha siempre encontrará un comprador y éste es el
mejor reclamo para próximas ventas.
Comprobarás que con este consejo a corto plazo el resultado será satisfactorio.
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3. PLANTEARSE OBJETIVOS
No te obsesiones y sigue trabajando para conseguirla, pero antes debes superar otras metas a
corto plazo que son más inmediatas y asequibles a tus posibilidades actuales.
Por ejemplo, proponte exponer en el centro cultural de tu localidad en el plazo de seis meses y
haz todo lo que esté de tu mano para conseguirlo o decídete a participar en un concurso de
relevancia a nivel nacional y trabaja a fondo para ofrecer una obra que pueda competir a ganar
el premio.
Consigue objetivos que estén a la altura de tu situación actual y, aunque cueste conseguirlos,
que puedas convertirlos en una realidad.
Cada día pondrás el listón más alto y aumentará la importancia de tus logros.
No te desanimes si alguno no sale bien, tu actitud positiva es la que vale y es la que te acercará
cada día más a conseguir el sueño artístico que te has propuesto y que, en algún momento,
veías tan lejano.
4. RELACIONES PUBLICAS
Tu eres artista con una gran capacidad creativa, pero también tienes que tener habilidades
para las relaciones públicas.
Todo lo que hagas o digas las 24 horas del día fuera y dentro del estudio debe estar orientado
a publicitar tu trabajo.
Seguro que tus primeras ventas las hicistes a gente relacionada contigo: familiares, amigos,
vecinos, compañeros de estudios o de trabajo, etcétera.
Todos son personas que te conocen, que están vinculadas contigo
Solo es cuestión de conocer más gente para ampliar tu nicho de mercado inicial y esto solo se
logra difundiendo tu trabajo.
5. BUENAS HERRAMIENTAS
Seguro que tendrás puntualmente visitas a tu estudio-taller, pero lo más rentable es que
saques tu obra fuera del taller-estudio
Es un escaparate permanente e invertir en ello es rentable (en este artículo te explico como
hacerlo).
Ten actualizado tu historial artístico y pon los datos de contacto (teléfono, email, razón social,
etcétera).
Ten presencia en las principales redes sociales: Facebook, Twitter, Linkedin, Pinterest…
Si no sabes como hacerlo (cosa que dudo), busca la ayuda de gente experta para obtener un
buen resultado o aprende lo básico para hacerlo bien.
6. DIVERSIFICAR EL TRABAJO
Dentro de tu faceta como artista puedes repartir tu oferta en varias áreas que estén
relacionadas con tu trabajo creativo.
Tomemos como ejemplo a un escultor: realiza esculturas para sus exposiciones individuales y
colectivas, acepta encargos personalizados, hace labores de restauración de imaginería, realiza
obras de gran formato para espacios públicos o crea pequeñas ediciones limitadas para el
sector privado o empresarial.
Todas son posibilidades de trabajo creativo que le ofrece la escultura y que el escultor
desempeña en función de la demanda que tenga, más o menos, una especialidad u otra.
La cuestión es cubrir todo el año de trabajo real y que se pueda cuantificar a final de mes.
No es aconsejable aferrarse a una sola área de trabajo, desestimando las demás opciones que
te ofrece el campo artístico en que te desenvuelves.
7. ADMINISTRACION Y AHORRO
Para poder crear y estar totalmente volcado en tu vocación, necesitas tener resuelto el
problema financiero.
Como autónomo, aunque trabajes a través de una galería o de cualquier otro tipo de
representación, tus ingresos no son fijos a final de mes.
Tendrás un mes en que te puede entrar abundante dinero, pero habrá otros meses que no
ganarás para cubrir gastos.
Conocer y ser consciente de todos los gastos fijos es de vital importancia: gastos fijos de taller,
reposición de materiales para trabajar, cantidad que estipules para tu manutención y un fondo
para posibles imprevistos, por ejemplo.
La forma en que te administres debes decidirla tú, pero pon en caja aparte la cantidad que
necesites cada mes para vivir y para cubrir las necesidades del taller-estudio.
Ten previsiones en este fondo, al menos, para tres meses y si puedes cubrir seis meses mucho
mejor.
Hacerlo bien te permitirá volcarte en tu creatividad y trabajar sin sobresaltos desde el punto
de vista económico.
No actúes de manera irresponsable cuando consigas una buena venta y malgastes estos
beneficios en caprichos superfluos e innecesarios.
Piensa que todos los meses no van a ser igual y debes de poder cubrir todo el año las
necesidades más prioritarias.
8. VALORACION JUSTA
Subir los precios es fácil, pero bajarlos o cambiarlos continuamente es una irresponsabilidad.
Puedes hacer obra de edición o dibujos que siempre serán de precio más asequibles que un
cuadro al óleo o un acrílico.
Al tener variedad de obra y de precios dispondrás de obra asequible para los que se interesen
por ella.
Recuerda siempre que la mejor publicidad es la obra bien vendida y apreciada por el
comprador.