PRINCIPALES PINTORES EN EL MUNDO

1- Van Gogh

Vincent Van Gogh produjo todo su trabajo (unas 900 pinturas y 1.600 dibujos) durante un
período de solamente 10 años (etapa de 1880-90) hasta que sucumbió a la enfermedad mental
(posiblemente un trastorno bipolar o un síndrome de epilepsia). Decidió ser pintor cuando
tenía 27 años y siempre quiso reflejar la vida en sus obras. Su carrera pictórica está marcada
por los lugares donde vivió y trabajó. Así se aprecia en la primera etapa de los Países Bajos
(1880-1886), donde la pintura tradicional y popular de este país, exclusivamente en colores
terrosos, fueron lo que más influyó en obras como Los comedores de patatas y las pinturas
sobre los tejedores. Realizó numerosos dibujos de mineros, de personajes populares y copió
obras de su pintor favorito Millet.

La Noche Estrellada

The Starry Night, La nuit étoilée, Sternennacht… Da igual en qué idioma lo pronuncies, La
noche estrellada es, sin duda alguna, una de las obras maestras más conocidas de Van
Gogh. Miles de personas se acercan cada año al Museum of Modern Art de Nueva York a
ver de cerca este pequeño lienzo de apenas 73 x 92 centímetros.
Retrato de Joseph Roulin

Genial retrato de 65 x 54 centímetros realizado en 1889 a este cartero. Actualmente se

encuentra en el Museum Boijmans Van Beuningen de Rotterdam, Holanda.

La habitación

Mientras vivía en Arles, en 1888 a Van Gogh se le ocurrió pintar el lugar donde residía.
Primero envió a su hermano Theo un boceto de la obra en la que estaba trabajando y
después hizo lo mismo con su amigo Paul Gauguin. Incluso en una de sus cartas
explicaba la importancia del color en esta nueva obra. De hecho, tras salir del hospital en
1889 escribió sobre esta obra: “cuando vi mis lienzos de nuevo después de mi
enfermedad, el que me pareció mejor fue ‘La habitación' ”.
2- Picasso

Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable
de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo
hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la
escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento, se extiende a
lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó
sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida.

La primera comunión

En este cuadro del pintor cubista malagueño se muestra a una niña vestida de blanco,
arrodillada ante el altar, tomando la primera comunión. Picasso destaca esta figura al
contrastar los colores rojos y oscuros del fondo con la claridad del vestido de la joven. Se trata
del primer cuadro del pintor en ser exhibido de manera pública.
3-Eduard Munch:

Eduard Munch (1863-1944) es sin duda uno de los referentes más importantes del
Expresionismo, movimiento que surge en Alemania en los primeros años del siglo XX. El artista
noruego comienza su obra con un estilo más bien convencional y recorre las vías del
simbolismo de moda hacia el final del siglo XIX, antes de llegar al Expresionismo con el que se
consagra. Entre sus obras más conocidas está "El grito" (1893), nacida bajo el signo del
desánimo y la angustia. En ella expresa su propio drama existencial: "¿Por qué no soy como los
otros? ¿Por qué hay una maldición sobre mi cuna? ¿Por qué estoy en el mundo sin elección
alguna?" Pero el artista encuentra en el arte no sólo un medio de expresión de sus problemas,
sino también el sentido mismo de su vida. Munch refleja el espíritu de fin del siglo XIX,
caracterizado por un profundo sentimiento de desilusión hacia una Europa fuertemente
progresista, con las contradicciones y miserias que este mismo proceso acarrea.

El Grito

Es sin duda su obra más famosa. Influenciado por Van Gogh, Gauguin o Manet, Munch, el
precursor del expresionismo en el arte moderno, pintó este óleo bautizado como “El grito” que
forma parte de cuatro cuadros o versiones. Esta, la más famosa, de 1893, se encuentra en la
Galería Nacional de Noruega. En ella aparece una figura andrógina en primer plano, símbolo de
una profunda angustia y desesperación existencial; el fondo del cuadro representa Oslo, la
capital de Noruega, vista desde la colina de Ekeberg.
4- Velázquez:

(Sevilla, 6 de junio de 1599 – Madrid, 6 de agosto de 1660) conocido como Diego Velázquez,
fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y
figura indiscutible de la pintura universal.

Pasó sus primeros años en Sevilla donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación
tenebrista por influencia de Caravaggio y sus seguidores. Se trasladó a Madrid y a los 24 años
fue nombrado pintor del rey, y cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, el cargo
más importante entre los pintores del rey. A esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo a
partir de entonces consistía en pintar retratos del rey, de su familia, así como otros cuadros
para decorar las mansiones reales. Su estilo evolucionó hacia una pintura de gran luminosidad
con pinceladas rápidas y sueltas. En esta evolución tuvo mucho que ver el estudio de la
colección real de pintura y su primer viaje a Italia donde estudió tanto la pintura antigua como
la contemporánea. En su madurez, a partir de 1631, pintó grandes obras como La rendición de
Breda. En su última década su estilo se volvió más esquemático y abocetado alcanzando un
dominio extraordinario de la luz. Este periodo se inauguró con el retrato del papa Inocencio X,
pintado en su segundo viaje a Italia y a él pertenecen sus dos últimas obras maestras: Las
Meninas y Las Hilanderas.

Las Meninas

Es una de las obras de mayor tamaño de Velázquez y en la que puso un mayor empeño para
crear una composición a la vez compleja y creíble, que transmitiera la sensación de vida y
realidad, y al mismo tiempo encerrara una densa red de significados.
5- Dalí

Fue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.

Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades
pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue
un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura
y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales.
Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era
muy ecléctico y que vampirizó innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La
persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los relojes blandos, realizado en 1931.

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la

megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes
apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como
un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística. Dalí atribuía
su amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la
moda oriental a un autoproclamado linaje arábigo, que remontaba sus raíces a los tiempos de
la dominación árabe de la península ibérica.

La persistencia de la memoria

El mítico cuadro de relojes blandos de Dalí es, al contrario de lo que muchos piensan, un lienzo
bastante pequeño, pero no deja de ser fascinante y es una de las estrellas del MOMA de Nueva
York.
6- Miguel Ángel:

Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los
más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra
arquitectónica.

Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era
donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas
romanos.

El juicio final

El Juicio Final o El Juicio Universal es el mural realizado al fresco por Miguel Ángel para decorar
el ábside de la Capilla Sixtina (Ciudad del Vaticano, Roma). Miguel Ángel empezó a pintarlo 25
años después de acabar de pintar la bóveda de la capilla.
7-Leonardo da Vinci:

Fue un pintor florentino y polímata (a la vez artista, científico, ingeniero, inventor, anatomista,
escultor, arquitecto, urbanista, botánico, músico, poeta, filósofo y escritor) nacido en Vinci el
15 de abril de 14522 y fallecido en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, acompañado
de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas. Tras pasar su infancia
en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio.
Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico
Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Boloña y Venecia, y pasó los últimos años de su vida
en Francia, por invitación del rey Francisco I.

Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La
Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo
del Hombre de Vitruvio, que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados. No
obstante, sólo se conocen una quincena de sus obras, debido principalmente a sus constantes
(y a veces desastrosos) experimentos con nuevas técnicas.

La última cena

La pintura mural La última cena mide 4,6 metros de alto y 8,8 metros de largo, y se encuentra
actualmente en el lugar que fue pintado originalmente por Da Vinci: en el refectorio o
comedor de la iglesia y convento de Santa Maria delle Grazie en Milán, Italia.

La última cena es la obra más famosa de la época del Alto Renacimiento y una de las más
famosas del arte cristiano religioso.

La última cena tiene como motivo principal una de las escenas de los últimos días de la vida de
Jesús según el relato descrito en la Biblia en el evangelio de Juan, 13:12.
Gioconda

Estamos ante la obra más famosa de la historia. Retocada por Da Vinci hasta sus últimos días,
esta misteriosa obra contiene multitud de secretos que no dejan a nadie indiferente. Según
algunos historiadores, el pintor renacentista trazó letras y números minúsculos en las pupilas
de la mujer retratada. Esta ha sido a menudo identificada con Lisa Gherardini, la esposa de un
mercader florentino, aunque no todas las teorías apuntan a lo mismo, ya que el retrato fue
pintado en Milán, según algunas investigaciones. En lo que sí que no discrepan los estudiosos
es en que la obra es un símbolo de la mirada poética davinciana y de su interés del rostro
como reflejo del espíritu.

8-Gustav Klimt:

(14 de julio, 1862 – 6 de febrero, 1918) fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más
conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó
lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de
objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la Secesión
vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo
femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración. Sus obras están dotadas de una
intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a
lápiz,2 en cierto modo herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt se
convirtió en un personaje muy notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado de un
modo u otro con los más notables círculos intelectuales del momento, en una época en la que
Viena estaba dejando de ser la capital mundial del arte.

El beso
Gustav Klimt pintó su cuadro más famoso El beso en la llamada ‘época de oro’ (1898 - 1908) de
la carrera profesional del propio pintor.

El beso representa el ingreso a la época moderna donde el concepto del erotismo comienza a
germinar en el arte y en la sociedad. Además las técnicas usadas son variadas, como la de los
frescos y de los mosaicos.

El cuadro El beso mide 1,8 metros de alto por 1,8 metros de largo y se encuentra actualmente
en la Galería Belvedere en el Palacio de Belvedere en Viena, Austria.

9-Goya:

Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 15 de abril de 1828) fue un pintor y

grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En
todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone,
asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las
vanguardias pictóricas del siglo XX.

Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y
original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la
decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo
denomina de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista y la transición
hacia la estética romántica.

Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra
de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un
reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo
donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.

Maja vestida

La maja vestida es una de las obras más conocidas del pintor español Francisco de Goya. Está
realizada en óleo sobre lienzo, mide 95 cm de alto y 188 cm de ancho, y fue pintada entre 1800
y 1808. Se encuentra en el Museo del Prado, Madrid, España, desde 1901,1 después de un
largo periodo en la Real Academia de San Fernando.
10-Wassily Kandinsky:

(Moscú, 4 de diciembre de 1866 - Neuilly-sur-Seine, 13 de diciembre de 1944) fue un pintor

ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que
comienza la abstracción lírica.

En De lo Espiritual en el Arte, habla de una nueva época de gran espiritualidad y de la

contribución de la pintura a ella. El arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y
Kandinski da las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color, a
diferencia de teorías sobre el color más antiguas, él no se interesa por el espectro sino sólo en
la respuesta del alma.

Duro y Blando

Obra en la que el pintor ruso Wassily Kandinsky, ha querido expresar el contraste entre lo
suave y lo duro, empeando figuras geométricasy y un fondo azul eléctrico.