Grecia 5/4:

Arqueomusicologia: Es una rama de la arqueología que estudia todos los hechos relacionados al arte
musical y las culturas previas a la nuestra

-Piezas arqueológicas

-Literatura odisea e Ilíada tenemos referencias

-Tratados porque son información mas especifica para el área de la arqueomusicologia

Cosmos: para los griegos cosmos es todo lo que existe, La totalidad de la existencia es decir todo lo que
tiene una entidad. Dentro de este concepto había números que estaban asignados a 3 aspectos básicos
del cosmos:

1.La regla: Todo aquello que tiene una medida y una estructura

2. EL equilibrio: lo mismo que la Armonía

3. El Orden

-Todo lo que es y todo los que existe tiene implícito estos 3 Principios

Pitágoras: estableció una relación (toda relación encierra una proporción) matemática entre la longitud
de la cuerda y la altura del sonido, dos parámetros que están relacionados (y que medan un tercer
Numero).

*Pitagóricos: Un sonido es el resultado de 2 números y que el resultado numérico de ambos está

relacionado con el cosmos para los griegos (Importaba el numero resultante porque era el origen del
placer, no el sonido en sí mismo ni el placer que este producía)

-Descubre que en cada sonido hay un numero oculto

-Pitagóricos pensaban que todas las artes tenían una relación con el arte

Platón (427-347 a.c): En la republica dice que la música es tan importante que debe ser de la legislación
del país o una región, es decir la música es una cuestión del estado.

. Para platón era importante orientar a los niños y los jóvenes hacia la bondad y la belleza, entonces a
partir de la música se buscaba mediante la legislación orientar hacia esos principios

. La enseñanza de la música era obligatoria, él decía que había q aprender canto citara (quitara), lira y
escritura musical.

Él decía que había que los jóvenes podían cantar con cierta facilidad melodías de compositores que le
sean contemporáneos pero que no sabían los más antiguos por eso él decía que debían conocer primero
lo más antiguo y paulatinamente llegando a la música de su época

. decía que los chicos entre 9 y 12 años con 3 años de estudio como quitara podían lograr la base completa
para acompañar al canto
Aristóteles (384-322 a.c): Pedagogo-En sus escritos le da cierto valor pedagógico a la música

Habla de un concepto: Ethos (concepto de la época)

Aristogenes de Tarento (350-? a.c): Tratado sobre rítmica (el más importante tratado que se ha
encontrado sobre ese campo de la música)
. tiene unas apreciaciones muy importantes de cómo se forman algunas melodías griegas, hace un
estudio del todo, la melodía completa

Euclides (?-285 a.c): El padre de la geometría

. hizo una serie de estudios sobre un aparato llamado monocordio donde el hacía mediciones y todo lo
que aporto lo absorbió el trabajo de la acústica y la geometría. Y hacia relaciones matemáticas

*Entre S. IV-III (Helenismo) hasta que desaparece Grecia como imperio, en ese periodo los griegos
discriminaban un poco aquellos que ejecutaba instrumentos de viento porque venían de oriente (lo
conquistado por Magno) y los más puristas de la cultura griega preferían los instrumentos de cuerda y
no de viento*

Ethos: Significa conducta o comportamiento

. el ethos en Grecia significa un poder de acción que tiene la música sobre las emociones y la siquis del
oyente

. Lo toman como una disciplina, un concepto de base que está relacionado con producir un efecto dentro
del ser humano para producir un efecto fuera de la persona (es la aplicación y está implícito en la música)

. lo encontramos aplicado a seres humanos, objetos o a otro ser viviente

El Ethos según Aristóteles (porque el único que lo dejo por escrito):

1) E. Praktikon: Aumentaba la act. del ser humano orientándolo hacia realizar acciones heroicas y/o
voluntariosas (cierto tipo melodías que poseen determinadas caract. En su construcción tienen un ethos
implícito) (melodías activas)

2) E. Ethikon: Es aquel que desarrolla la firmeza moral (por lo general son aquellas melodías escritas
en dórico)

3) E. Malakon: Es aquel que puede producir un desequilibrio o el debilitamiento de la moral

4) E. Threnodes: Tiene connotación negativa está relacionado a los cantos que son de dolor (cantos
fúnebres) (Relacionadas a las melodías lidias e Hipolidias)

5) E. Enthousiastikon: Es aquel que produce pérdida del control de la voluntad produciendo

desenfreno y/o entusiasmo (melodías religiosas relacionadas a Dionisio) (melodías frigias y derivadas)
 El día de Atenea en Atenas se celebraba con mucha comida mientras se celebraba ese banquete
como era una fiesta religiosa se hacía con distintos obj. Para pedir protección al dios, para hacerle un
pedido q no era protección, para alabar a ese dios y lo hacían con cantos. Cada ciudad tenía una serie
libros sagrados que los tenían sacerdotes politeístas y los cantos debían ejecutarse tal cual lo decían los
libros, ellos creían que, si había la mas mínima diferencia o variante en el texto, tiempo, rítmica etc. Ellos
creían que el dios se iba a enojar e iba a ser los castigaba, esos libros se guardaban en lugares secretos y
la exactitud de la interpretación les aseguraba tiempo de prosperidad.

Los griegos en sus casas tenían altares, en esos altares entonaban himnos y tenían oraciones que recitaban
para sus antepasados, tenían un fuego que llamaban el fuego sagrado que debían mantener
constantemente alimentado porque si se apaga creían que iban a ofrecer un tipo de penuria por ofender
a sus antepasados, se reunían las familias para estos ritos.

Primero surge de las practicas y de las melodías. Cuando ejecutaban melodías partían de pequeñas
células, esas pequeñas células era las que me iban a determinar el modo melódico en el que yo voy a
poner toda la teoría posterior, primero lo escuchaban en la práctica y después elaboraban la teoría

12/4:

Sistema conjunto: le da origen la lira de 3 cuerdas que está formado por 2 tetra. Dóricos que comparten
una nota (mese) en un eje común (Axial), se la denomina Escala (o Modo) Jónica Primitiva

. Al estar en un sistema modulante tengo que tener un tipo de intervención en este caso modulación que
me permita modular

Géneros Melódicos (se le aplicaba el Ethos): aplicados al tetracordio Dórico

-G. Diatónico (T-T-ST): el más antiguos de todos, tenía un ethos similar al dórico (austero, viril)

-G. cromático (3m-ST-ST): asociado a lo femenino

-G. Enarmónico (3M-m.T-m.T): un ethos similar al malakon

Ritmo (Se le aplicaba Ethos):

El ethos cambiaba además del pie rítmico que se utilizaba, a la velocidad que se utilizaba

Registro (se le aplicaba Ethos):

-Aguda: por lo general tenía un ethos vivo, alegre

-Media: un ethos parecido al dórico, equilibrado, mesurado

-Grave: un ethos solemne más de tristeza

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Pettenia: Todos aquellos elementos que no entraban en otros grupos (el tipo de ataque, la cantidad de
veces que se repetía una nota
19/4:

Organología:

-Aulos: Instrumento de viento (aerófono), puede tener distintas longitudes puede ser simple o doble.
Puede tener distinta cantidad de orificios en cada tubo. Puede estar construido de distintos materiales (El
hueso de un Burro, de caña (los primeros + antiguos), de metal, de madera); los primeros tenían menos
orificios y fueron evolucionando.

. Puede ser simple o doble (lengüeta)

-lira griega: la más elemental y la más utilizada en el periodo preclásico

-Lira de Caparazón:
-Barbito: (tenía partes móviles) (se construía con el caparazón de kelonio o tortuga)

-Kithara
-Lira de Caja: (estaban talladas, pero no tenían partes móviles)
-Kitharis

-Salpings (Trompetas); Citara; Laúd; Arpa.

Texturas (Monofonía, Heterofonia, Bordon):

-Monofonía: Música vocal: en Grecia los coros tenían permitido solo 1 línea vocal, es decir que no se podía
realizar una polifonía porque estaba prohibido, pero podía doblar esa línea a la 8va o al unísono. La
dificultad al hacer polifonía era cantar micrótonos y bailar (moverse) también

. Algunas escuelas de música producían sus propios matices es decir que esos géneros tenían 2 o 3 matices
diferentes entonces variaban la altura de los sonidos según su escuela entonces producían matices o croai

-Música Instrumental: no eran tan estrictos

-Heterofonia: No se podía la suposición de 3 sonidos

Citara: la melodía Prin. Con el pectro y mano derecha, el acomp. Con la mano izquierda en un registro más
agudo

-Bordon: solamente con el Aulos doble, el acompañamiento heterofonico queda en un registro grave y la
nota pedal en lo agudo

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*En las tragedias los cantantes cantaban en forma sucesiva, no simultanea y esos cantaban estaban
acompañados por el mismo instrumento*
 26/4

Periodo Helenístico (Después del S.IV a.c) crece la importancia de la notación por querer registrar los
himnos dedicados a los dioses (que tenían que ser exactos).

. En un principio utilizaban el alfabeto arcaico para el vocal, pero como se confundían, tomaron el alfabeto
de ellos de 24 L.

.Para utilizar el alfabeto arcaico en un instrumento cuando lo afinaban la primera cuerda iba a funcionar
de referencia para el resto (ósea se respeta un orden de afinación de los inst. de cuerda).
E.cristiana 10/5

La herencia que dejan los apóstoles llevando y enseñando su doctrina religiosa con ellos van a llevar su
cultura (judía), van a llevar elementos propios que se van a ir mezclando, modificando a medida que van
recorriendo distintos lugares.

Hay 4 influencias importantes en los misioneros (a nivel musical):

-Grecia: Modos, Ritmos, Instrumentos, Notación (entre el S. V y VII la notación alfabética desaparece, se
deja de usar) (a mediados del siglo VII se vuelven a usar la notación, pero con los neumas).

-Templo de Jerusalén: del año 1000 A.C, heredan de esta época el canto de los salmos con un tipo de
recitativo (Cantilacion: un tipo de canto que el sacerdote hebreo tomaba los salmos y los cantaba con una
mínima variación en el diseño melódico). Cantaban los salmos de forma responsorial y antifonal, utilizaban
también instrumentos (liras y arpas)

-Sinagoga: además de cantar salmos se cantaban himnos, Antífonas. El único Instrumento que tocaban
era el shofar

-Elementos Tradicionales de los lugares que recorrían

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Ritos: los ritos iban adquiriendo una forma distinta según el lugar que llegaban los misioneros

-Mozárabe: (España)

-Sarum: (Inglaterra)

-Galicano: (Norte de Francia)

-Ambrosiano: (Milán)

-Romano:

-Bizantino: (Mezcla de Iglesia ortodoxa rusa y griega)

 Teodosio: divide su imperio:

. Arcadio (18 años) con Oriente y Capital en Constantinopla/Bizancio

. Onorio (11 años) recibe el imperio de Occidente con capital en Milán: Cae por las invasiones germanas
(ya en el siglo IV se instalan en el norte y este del imperio romano limitando por el rio Danubio y del Rin)
(Germanos eran pueblos barbaros, pero tenían incluso buena relación con emperadores incluso a veces
le pedían ayuda como mano de obra para conquistar también). Mantenían buenas relaciones

Hasta que fines del siglo IV, Atila (de raza mongol) (los germanos le tenían miedo) se empezaron a meter
por Europa y empujan a los germanos a entrar en el imperio hasta que cae la capital por estas invasiones.
Una vez que cae la capital se dirigen hacia roma, el papa se reúne con Atila y se termina retirando a las
llanuras de Hungría y ahí muere.

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-313: Edicto de Milán: se promulga un edicto que dice que los cristianos no son mas perseguidos

En la misma época que perseguían a los cristianos muchos huían a los desiertos, ahí empiezan a llamarse
ermitaños o anacoretas (son los primitivos monjes) ahí se desarrollan más los aspectos musicales

Cuando se los deja de perseguir (313 D.C) en Bizancio (rito bizantino) se empiezan a construir templos, los
sacerdotes empiezan a tener la misma importancia que los sacerdotes paganos, el emperador Constantino
al convertirse al cristianismo empieza a tener la importancia que los otros cultos. Luego del edicto
Constantino decide trasladar la capital a Bizancio (posterior Constantinopla), Hablaban griego, entonces
el rito bizantino tiene características propias

*Rito Bizantino:

-Elementos Orientales, E. Griegos y E. Romanos

-Cantaban Himnos (Largos), de tipo (manera) melismatico, el tipo de ritmos que más utilizan de Dímetro
shambico

-Utilizaban los 3 géneros griegos, pero preferían el diatónico

Edad Media
Durante la alta edad media y luego del a invasión de los germanos se produce retroceso cultural (choques
de dos culturas) en el imperio romano se hablaba griego y latín cuando vienen los germanos se empiezan
a funcionarse vocablos germanos con el griego y latín y empiezan a surgir dialectos (Formas lunfardas del
Lenguaje); periodo de desilusión toda la edad media. Solo queda una única institución “La Iglesia” en esta
etapa aparece Gregorio

Gregorio (Siglo VI): fue un monje, era un papa que organizaba. Unifica la Liturgia (en todas partes de
Europa manda misioneros para que todos tengan la misma liturgia) copila el antifonario que poseía todas
las letras, pero no tenía nada de música

Desde Siglo V hasta el S.VIII es el desarrollo de los monasterios, en esta época los anacoretas o ermitaños
salen de los desiertos y fundan las iglesias en las ciudades

*Función de la iglesia en la edad media: Organizar, Educar (a trabajar, leer y escribir)

 Mediados del S. VIII-S. IX Imperio Carolingio: Carlo Magno era un amante de la cultura y se rodeo de los
mejores sabios. Trato de juntar todo el material que encontraba de la época de Gregorio y de siglos
posteriores y el pensaba que ese material era del mismo Gregorio. Codifico todas las melodías que
encontraron y hacia transcribir al dialecto carolingio y además muchas les puso notación. La época de
utilización de modos.

. Entre mediados del S.VII y del S.IX se sitúa la aparición de los neumas

. En el S.IX: la aparición de los dramas litúrgicos y de los tropos como hechos musicales importantes

18/5

Todos los cantos llanos o Gregorianos van a tener una función: una suplica pidiendo perdón, alabanza,
expresión de alegría/jubilo. La función esta dada por el texto.

Agregando voces se producía el cambio de intensidad y de timbre

Se mueven siempre en un ámbito de 5ta

La vida en el monasterio se basaba en la austeridad, el ideal de la vida religiosa era vivir en

comunidades. Los monjes Vivian en comunidades

Se hace en comunidad, desaparece la individualidad

La característica del canto llano es: Un canto mesurado, simetría, equilibrio

No hay tensión porque es modal, evitaban los semitonos. No querían expresión de emociones

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Sacerdotes seculares: viven en el siglo, lo que no están en clausuras. En lugar de hacer votos hacen
promesas, prometen pobreza, castidad y obediencia.

Sacerdotes regulares: los monjes, hacen votos de castidad, pobreza y obediencia. Están en clausura. El
voto no se puede romper.

24/5

-Ritmo: es un movimiento ordenado y que toma secuencias de sonidos y los ordena según las
repeticiones y la duración de ese sonido (El ritmo tiene al movimiento controlado, ordena a los sonidos).

-Rítmica: es el ordenamiento teórico del ritmo.

-Ritmopea: es la realización práctica de la rítmica dentro de un movimiento o tiempo determinado (es la

Ritmo Griego

teoría llevada a la práctica).

. Hay 3 géneros y cada uno tiene una base diferente.

Genero Igual: Proporción 1/1: dice que es un género igual porque tiene la misma cantidad de tiempo
primo, ósea la corta, la misma cantidad en Arsis que en tesis.

El lugar donde los bailarines apoyaban los pies era tesis y donde los levantaban era Arsis. Siempre la
Tesis es la Silaba más larga.
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-Era Feudal (siglo IX-XIII): surge porque en Europa empezaron a ver invasiones de normandos y de
húngaros que entraron por los ríos de Europa y desembarcaban en las ciudades, Entraban a destruir las
ciudades y la gente empezó a irse. Ante este problema de inseguridad los reyes y los altos mandatarios
recurrían a los señores feudales (nobles hasta ese entonces) que tenían su propio ejército entonces les
pedían que los defendieran a ellos y las personas comunes (Vasallos) se ponían bajo la protección de estos
nobles que les daban tierras para trabajar a cambio de protección. (Época de las Cruzadas a partir del Siglo
XI, *periodo de las primeras universidades que son los monasterios, Época de Guido d´Arezzo Siglo XI) hay
avances en la notación Musical.

*Como los monasterios estaban muy alejados las personas tenían que ir muy lejos para estudiar (los
monjes enseñaban aritmética, lógica, oratoria). Al quedar lejos, los monjes viajaban a las ciudades y al
Crisis de la Iglesia S.XIV, Causa:

lado de las catedrales creaban recintos grandes donde las personas podían ir a estudiar.

la Iglesia también se feudaliza, los monasterios empiezan a tener tierras y dar trabajo. Al ser los que más
producen y sacan ganancias (ya que producían para ellos y para comerciar), los nobles ven el negocio y
empiezan a presionar a los religiosos, comienzan a elegir ellos a los papas, obispos (antes los monjes y el
pueblo los elegía), amigos de ellos entonces no eran religiosos (si no nobles) así que van perdiendo
prestigio.

-Entre los siglos IX y X aparece la polifonía, durante este periodo se hace un avance importante de la
notación (Primero surge la polifonía en el ámbito religioso y coexiste con la monofonía). la monofonía
seguía existiendo en el ámbito religioso, pero también en el ámbito Profano (más puro quizá en el ámbito
profano: Trovadores*).

*Trovadores (sur de Francia) y Troveros (Norte de Francia) de familias nobles una formación más
importante componía y cantaban.

-Orígenes de la Polifonía: Organum:

. Tengo una línea melódica y a esa línea se le ocurrió hacer otra línea melodía inferior (Voz Organal) a
una 4ta o 5ta, la melodía iba a ser paralela (así surge el contrapunto).

. Los tipos de Organum surgen para embellecer el canto monofónico (surge de experimentación).

. Hasta el siglo XI voy a tener neumas combinados notación alfabética, después de ese siglo voy a tener
otro tipo de notación la que Guido d´Arezzo agrega líneas, a finales del siglo XII voy a tener el Tetragrama
el tipo de notación se llamaba Latina.

. Para construir algo Melismatico: tomaban una porción de un canto que ya conocían o el canto entero
entonces a cada una de las notas que lo conformaban lo ponían en la voz inferior (notas largas/el tenor)
y arriba colocaban muchísimas notas.

*El órgano Melismatico se empezó a desarrollar a partir del siglo XI.

31/5

-Ars Antiqua (Fines del S. XII-XIII):

En la Abadía de san marcial de limonges se desarrolla el Tropo y el O. Melismatico. Cuando se empieza a

desarrollar el O. melismatico, el O. libre (Procedía por Mov. Contrario y Cruzamiento de Voces) se empezó
a denominar Discanto *(en el Ars Antiqua cuando se habla de Organum se refiere a O. Melismatico, los
O. Simple y Compuesto se dejan de utilizar)*

Este Periodo se desarrolla Prin. En Francia y se van a desarrollar 3 estilos:

-Se continua el desarrollo del O. Melismatico.

-Se Desarrolla (La cláusula de Discanto), que da origen al motete.
- “ Motete
- “ Conductus

-la composición con esos estilos:

Ocurre el gusto por 1 la superposición de Líneas, es decir, lo que sucedió con la polifonía a partir del S. X
ahora va a ser del gusto de la gente de esta época. Surge 2 la Politextualidad (no interesaba que hubiera
unidad en el contenido del texto, si no, que cada línea tuviera autonomía musical y literaria). 3Avances
en notación y Ritmo. La primera notación que aparece a fines del S.XII es la N. Latina (Tetragrama) que
derivaba de los neumas, esa notación en el S.XIII se modifica porque se aplica modos rítmicos y se empieza
a llamar Notación Mensural (en el medio aparece la aplicación de los Modos Rítmicos).

*En esta época surge la idea de componer, ahora en esta época ya no es tan anónima la autoría se
conocen de esta época Principalmente “Leonino” y “Perotino”*

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-Motete:

surge cuando la cláusula de Discanto es sacada de contexto (la independizo del canto) se cree que a
alguien se le ocurrió colocarle letra a la melodía que se inventó (Politextualidad: 2 textos distintos).

-Normalmente los motetes religiosos no superaban las 2 voces, eran en latín, pero distinto texto.
-En el Profano podían poner otras lenguas (Ej: Lengua Vulgar) y usar instrumento en una voz como
-En el Profano podían poner otras lenguas (Ej: Lengua Vulgar) y usar instrumento en una voz
refuerzo (utilizaban a veces melodías gregorianas o a finales del S. XIII de trovadores).

*Después de 1250 se independiza el Motete de la Cláusula y se los componen: Primero tomaban un trozo
(melisma) de un canto llano ya existente; segundo tomo un modo rítmico y se lo aplico (*Tenor), luego
agrego otra melodía y le pongo texto y modos (la primera melodía es Duplum; la sig. Triplum, y otra
quadruplum) – (*la letra del tenor puede ser una palabra; una silaba; (podían inventarlos, siempre con
temática religiosa).

A mediados del S. XIII Franco de Colonia introduce una modificación del motete (nuevo estilo: Franconio):
Las 3 voces con distinto modo rítmico; el Triplum lleva valores de menor duración (Se va a empezar aplicar
en el S.IV).
 7/6

Perotino: En su Organum (Ars Antiqua) podemos encontrar: Repeticiones (Motivos o células) (comienzos
de la imitación); 3 o 4 voces; mayor duración; triadas (Horizontalmente - accidentalmente se forman
acordes); las voces agudas hacen ritmos más rápidos (ritmos emparentados con la danza se asemejan a
los Modos Rítmicos); el tenor hace notas largas ; Cruzamiento de voces.

Motete: Polifónico (hasta 4 voces); Politextualidad - Religioso: todo en latín / Profano: mezclas.

Ars Antiqua: era una época de florecimiento artístico, el motete, el Conductus que se hace polifónico

-Ars Nova (S. XIV):

la Guerra de los 100 años (1338-1453) provocada por Inglaterra contra Francia deja influencias en la
cultura francesa y se considera que hay una unidad cultural, tiempo después La peste (1350) provoca más
muertes y deja a los campos sin mano de obra de hombres, hay escasez de alimentos que provoca
revueltas campesinas aplacadas por los nobles de c/región, estos nobles impartían las leyes y acumulaban
todas las riquezas. El desarrollo artístico se ve frenado.

-Surge: El Humanismo (el estudio de la antigüedad Grecia y Roma) y Naturalismo (artes plásticas)

- El S.XIV es una época critica para la iglesia tal es así que trasladan la sede del papa que estaba en roma
la trasladan a Aviñón en Francia (1300-1377), es elegido un papa que era de origen francés y eran tantos
los problemas en la Org. Interna de la iglesia y tantos los problemas que había afuera (se producían
muchas revueltas también en roma y peligraba la sede papal) así que se trasladan. Y como era una época
que la gente tenía mucha bronca también se cuestiono mucho a la nobleza y el clero.

El papa juan XXII al ver que la música empezó a evolucionar mucho con el avance de la polifonía vio
amenazado el texto religioso en las obras musicales entonces quiso poner un freno, así que los religiosos
empezaron a componer más cantidad de música profana, disminuyendo la religiosa porque tenían que
cuidarse un poco más y estar más atentos a que no se viera perjudicado el texto.

-Flexibidad Métrica: Porque en el S.XIII el metro mas utilizado era el ¾ con sub. Ternaria (por la Trinidad,
la sub. Binaria era imperfecta), en esta época S.XIV gracias a vitry un obispo empieza a ser mas popular el
utilizar métricas binarias con sub. Binaria. N. Mensural Negra (S.XIV)
– N. Mensural Blanca (S.XV-XVII)
rítmicos) -> N. Mensural Negra (S.XIV)
N. Modal (S.XIII)-(basada en los modos
-N. Neumática (S.VIII-IX) -> N. Latina ->

-Aparece la: Longa y Breve (S.XIII) -> Semibreve y Mínima (S.XIV) -> Semínima (fines del S.XIV)

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-Isoritmia (Igual Ritmo) : Es un procedimiento de composición que fue aplicado al tenor de los motetes,
se basa en 2 patrones: rítmico (Talea), de invención del Compositor, y melódico (Color), extraído de un
frag. O canto llano Completo (solo los sonidos); generalmente tomaban un frag. Melismatico del texto
(1,2 palabras o una glosa). Se aplico primero al tenor

La Talea se reducía la cant. De veces que fuese necesaria hasta que coincida la Talea y el Color, para eso
le aplico un procedimiento que se llama Disminución, para reducir el largo del tenor. Por eso comenzaban
con tiempos largos.

*La diferencia del Motete del S.XIV con el XIII es que van a ser Isoritmicos
14/6

Hoquetus: se utiliza como un efecto, empieza a utilizarse a fines del Ars Antiqua, el periodo donde mas se
usa es en el Ars nova

Hay 2 voces como mínimo, es un Procedimiento: la interrupción de una melodía mientras hay una
alternancia en las voces para ocupar ese lugar que queda vacío cuando se alterna. Está incluido en los
motetes, en un Conductus o como obra independiente

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Chanson : Estilo musical Profano , deriva de la literatura vernácula (propio del lugar), a esta literatura se
le llamaba formas fijas “Formes Fixes”, esas F.F tenían letra, esa letra (estructura) es la que se utiliza para
componer. Podía ser la Balada, Rondeau, Virelay, etc. cada una literariamente tiene una estructura que
se tiene en cuenta para la composición

*Las formas fijas que se tomaban de la literatura ya existían antes del siglo XIV y en la música de los
trovadores y troveros y eran monofónicas ahora (S.XIV) son polifónicas

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Ars Nova de Italia: se diferencia de la francesa por: más consonante, No existe la sincopa, utiliza gran
cantidad de espectros, el oretus, el hoquetus, la imitación, las onomatopeyas, hay un mayor uso de las
cadencias, no hay interés en los motetes, no utilizan Isoritmia, no tienen en cuenta la politextualidad
(quieren obras claras en el texto y que haya un tipo de sonoridad eufónica, melodías muy ornamentadas
pero fáciles de cantar)

-En Italia hubo 3 Escuelas Importantes (al norte): De Milán, firenze y Bologna.

La primera escuela se ocupó del desarrollo del Madrigal (sin canon) y la Caccia (con canon), la Ballata se
cultiva hacia fines del S.XIV (el principal compositor fue Gandini) y cuando se comienza a componer ballata
se desplaza a los otros 2 estilos que venían de la misma escuela

Ej.: Caccia: 2 voces y un inst, notas largas del inst, Mov. rápido de carácter popular, canon, cruzamiento
de voces.

*a partir del siglo XI, época medieval, se tomó la costumbre de cantar con alteración, pero no dejarlas
escritas (Música Ficta)

*S.XIV se empiezan a establecer los idiomas

21/6

Transición del Ars nova al Renacimiento:

Polifonía Francia:

Teníamos la capilla papal, en Aviñón. Se da lugar a la creación de un nuevo estilo de Misa: Se prohíbe
todos lo que son adornos, ritmos ternarios (semejantes a las danzas, lo Profano) E Isoritmia porque iban
deformando el texto litúrgico. Esta tendencia de simplicidad y de severidad se va a generalizar a fines del
S.XIV entre los flamencos (gente de Flandes, Norte de Francia) y los Italianos.

Los Italianos no les gustaba el Arte Gótico (Ars Ant. Y Nova) tenían una tendencia a una libertad
imaginativa y creadora que va a ser influencia de los flamencos cuando pasen por Italia, roma.

-Johannes de Ciconia: .Compositor Flamenco

Estuvo activo en Italia entre 1360 – 1372, vuelve a regia y regresa a Italia (1402) y fallece en 1411 como
Canonigo

Aporta: Innovaciones en motete y la misa . y el uso del contrapunto imitativo (un motivo que se repite en
distintas voces, influencia a Dufay cuando pase por roma)

-S.XIV fallece Vitry y Machaut

Sus sucesores van a seguir desarrollando el motete y la ballade, algo semejante pasa con Landini
predecesor de Dufay y Dunstable

Polifonía Inglaterra:

Son semejantes a los Italiano porque rechazan el Arte Gótico

Una tendencia melódica a los que hoy sería las escalas mayores y menores, y no modal (música ficta y 2
modos tienden a despegarse eólico y Jónico)

También eran muy conservadores, así que todos los estilos y formas lo convertían en estilo nacional

Va a parecer en las islas británicas y países escandinavos (común paralelismo de terceras)-el Gymel: Es
una diafonía, un Organum a 2 voces por distancia de Tercias ocasionalmente de 4tas o unísono , a eso se
le va agregar una 4ra voz formando el discanto Ingles (creándose un acorde de 6ta).

Discanto Ingles: Colocaban el Canto Fermo, a ese canto por lo general lo duplicaban a la Octava y en el
medio colocaban uno q iba por terceras y a veces por 4ta para romper con la monotonía (acorde en 1ra
inversión). (la preferencia por las tercias y las 6tas invertidas venia del Ars Nova)

Sacando el canto Fermo de la base les va permitir organicidad más espontanea porque lo van a poder ver
en cualquiera de las voces, lo van a poder ir ornamentando y poniendo en cualquiera de las voces

*El discanto cuando pasa al continente europeo y va a crearse el falso bordón (el canto Fermo va a tomar
el lugar de la voz superior y va a ser posible ornamentarla y tomando un carácter bien cantante)

*la preferencia por las tercias y las 6tas invertidas venia del Ars Nova

En el Gymel el Canto Fermo estaba en el Tenor / En el Discanto Ingles en la voz superior

Arte Gótico:

-Es un tema de la Arquitectura empieza desde ahí y abarca todo el periodo

-en los comienzos de la polifonía empieza el arte románico (tenía que ver con la construcción de las Iglesias en el q la
arquitectura era más rígida, ventanas muy pequeñas para que la continuidad de la pared no se cortase , buscaban que
perdurase, cuando empieza el Ars Antiqua aparecen las grandes catedrales

Música: Voces superiores disonancias

-John Dunstable: (1385 -1453)

Aporta a la M.del Renac.: Introduce melodías más largas y expresivas a sus composiciones, además utiliza
el uso de consonancias imperfectas (tercias y Sextas)

. se lo conoce alrededor de 60 composiciones: Ordinarios de Misa (Pionero en la misa cíclica. Un canto

Fermo para todo el ordinario)

Musica Profana: Rosa Bella

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-Renacimiento (S.XV-XVI):

acordes de terceras y sextas con más frecuencia (diferencia con lo Gótico)

Las disonancias solo como retardos, notas de paso, van a ser más potable la escucha
(Escuela de borgoña, primeras escuelas del renacimiento)

-Comenzó en Florencia y se disipo por toda Europa

Causas: La caída definitiva del imperio Romano a manos de los Turcos tomando Constantinopla 8finde
edad media)

-Nuevas Tecnologías: mayor producción del suelo agrícola y mineras, autoabastecimiento, más comercio
(clase burguesa)

-Se implementa la Imprenta (1440-80): se produjeran muchos mas libros, gran avances en las ciencias y
artes

Características:

Teocentrismo (la gente vivía con cierto temor a dios), mov. Humanista da origen al antropocentrismo

Se empieza hacer arte por arte

La caída del Imperio bizantino hizo que ingresara mucha mas cantidad de gente al aparte más continental,
sabían griego y por esto descubren el arte de los Griegos

Estilo de Renacimiento: Arcaica – Clásica

Arcaica : Escuela inglesa de Dunstable y Los de borgoña Dufay (los primeros que empezaron a utilizar estos
estilos)
Clásica: Compositores flanco-flamencos y las escuelas nacionales

Se ve diferenciado entre 1450 y 1550 tenemos la 1 era fase unificada por las influencias de los Comp . del
norte de Francia y los países bajos (influenciaron a todos sus contemporáneos). Luego de 1550 se
empiezan a tomar mas fuerza las escuelas nacionales, se empezaron a crear formas propias de cada
localidad.

Surgimiento Polifonía Coral: causa. efecto, el incremento de las capillas tanto privadas como eclesiásticas
y el aumento de los músicos profesionales (medioevo, distintos timbre – renacimiento-unificación)

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Escuela de Borgoña:

1415: Guerra de Azincourt (guerra 100 años) Inglaterra derrota a Francia (pierde todo-rey pierde)

Los músicos se expanden y hay intercambio de cultura

El Ducado de Borgoña intenta una constitución

-Aparece la pintura Flamenca y música Borgoñona

Ritmo más simple, melodía con mas amplitud (sonido mas dulce), 4 y 5 se empiezan a usar menos

, se empiezan a usar más 4 y 6, y se sacan las disonancias

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Estilo:

Siglo anterior + Imp. el motete, ahora es la Chanson

Chanson: 3 voces (la mayoría), a partir del S.XV importa mas la superior (la voz mas aguda cantada, y las
otras para Intrs. Debido a notas poco cantables)

Una obra para 1 voz con acomp. Inst.: Voz Sup. Melodía mas florida que las otras (notas mas largas otras
voces) se empieza a componer sin mas que las técnicas contrapuntísticas

-Mediados S.XV se empieza agregar una 4ta voz a la Chanson (varían un poco de las estructuras Orig.)

-Segunda mitad S.XV: la Chanson empieza a ser comp. más libre, dejan de ser estróficas para ser + libre

Motete (S.XV):

-deja de ser Profano (solo la Chanson), obra Sacra

-Motete Isoritmicos: solo para solemnidades

-Deja de existir la Politextualidad: mismo texto para todas las voces, se compone de manera
contrapuntística, nota por nota (consonancia entre las voces)

-(falso bordon) el canto fermo no solo esta en la voz grave, empieza a ser mas audible

-se usa 1 voz sonando con Intr. (comparte con la Chanson)

Misa:

Canto Fermo: podía ser 2, podía no utilizarse. Los tenores podían provenir de melodías profanas no solo
litúrgicas ni eclesiásticas

El ordinario de la Misa:

Machaut: 5 partes: Kirie, gloria, sanctus, agnus dei.

-los tenores podían provenir de melodías profanas no solo de las gregorianas, en esta época en la misa el
canto Fermo da varias variantes: Podrían ser 2, podían no utilizarse

Compositores:

Dufay (1400-1474):

En su juventud pasa por Italia y recibe influencia Su obra se caract. al principio de su vida por tener la
complejidad del arte gótico del ars nova

-escribió por primera vez un réquiem

Binchois (1400-1460):

Se especializo más en la Chanson que era a 3 voces

Su composición era de una textura mas sencilla y simple.

-Estos compositores era religiosos pero también componían música profana. El papa juan XXII emitió una
gula por medio de la cual se pretendía que la música no opacara al texto, entonces muchos músicos al
verse un poco limitados por esta exigencia empezaron a componer música profana. Entonces en el S.XV
muchos músicos siguieron esta tendencia (periodo de la iglesia muy caótico) no solo S.IX sino hasta fines
del S.XV.

*La tendencia era creciendo en la cantidad de voces

*En esta época desaparece la politextualidad, nunca hubo politextualidad en la iglesia letras en diferentes
idiomas. Ahora el motete va a tener a caract. De ser exclusivamente sacro, no va haber motete profano
por eso la chanson va tomar mas relevancia y la misa porque el motete va a perder la caract. De
politextualidad.

28/6

Escuela Franco-Flamenca:

-Guerra de los 100 años: Francia-Ing., Carlos VII logra expulsar a los Ingleses y su sucesor Luis XI compra
al rey de Ing. Todo los derechos que tiene sobre el suelo francés y 2 años francés Carlos VII muere y así se
logra anexar los territorios que no se habían podido unificar.

Los Músicos que estaban en Flandes por causa de la guerra tuvieron que irse de su país a Italia, España
-Okeghem (aprox. 1420-1495):

Uno de los primeros compositores de la Escuela FF

Fue cantor y maestro de Capilla, fue fomador y maestro de muchos de la siguente generación como dupre

Se cree que fue alumno de los 2 compositores de la Esc. De Borgña: Bichois y Dufay

Se pueden establecer marcadas diferencias entre Dufay y Okeghem

-De Dufay se sabe que como muchos compositores de su época desde muy joven realizo muchos viajes
sobre todo Italia y ahí recio influencia, Okeghem no tiene una influencia italiana porque no realizo muchos
viajo.

- Otra diferencia con los músicos de la Esc. De Borgoña es que estos hicieron énfasis en la música profana,
eso no ocurre con Okeghem, este va a iniciar la elaboración de un estilo religioso que va a conservar los
cantos gregorianos y los modos liturgicos

-Se diferencia de Dufray en que las melodías van a ser más largas y tenidas.

*la música de él sigue vigente post mortem

Estilo:

Innovo en extender el bajo hasta el sol y el fa, así que va a tener un sonido más grave y profundo en sus
obras polifónicas.

En sus obras polifónicas ponía 2 voces que juegan polifónicamente contra el tenor y el bajo dialogando-
*Imitación pareada: son contrastes que se producen de timbre entre juego de voces, generalmente 2
conta 2

Obras:

Sus chansons siguen las estructuras de la escuela de borgoña anterior

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-Josquin Depres (aprox. 1440-1521):

Su música hace un cambio porque era equilibrada tenía estructuras equilibradas, las melodías
rítmicamente estaba más ordenado ya no poseía las asperezas de disonancias. Su música se adapta al
texto porque este era más importante

Tuvo influencia italianas

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-La transformación de la música:

. En 1547 Glareanus compuso un compendio de música del renacimiento, lo que proponía son que se
agregan 4 modos nuevos a los 8 que ya había.

Aparece la mediante, la tercera hasta ese entonces se evitaba

 --------------------------------o-----------------------------------

-Josquin:

-Misa: uso los recursos que ya habia los tradicionales, con 3 caract. Mayomente:

. Misa sobre canto Fermo,

. Misa en hexacordio, con cada parte con un tono diferente,

. Misa paráfrasis que tienen ciertos comentarios

. Misa Parodia: es un tipo de misa donde se toma toda la estructura y sustancia de la obra de otro
compositor pero se hacen pequeñas modificaciones y a veces una melodía, no agarra solo un trozo.

-Motete (importante): tienen mayor libertad a diferencia de la misa, es el primero en dar tratamiento
polifónico a los salmos,

Utiliza un estilo de motete que se utiliza para todo el renacimiento: lo compone de 4 a 8 voces, va
agregando diversas maneras de componer como

Delimita bien las secciones de cada obra, utiliza la forma tri partita haciendo contraste en la forma a y b

*Punto de Imitación: cada frase melódica que tiene el texto litúrgico se llama punto de imitación, tengo
un motivo que lo elabora lo toma una voz y luego lo empieza a repetir diferentes voces lo importante
es que ese motivo sea la cabeza de cada frase que va a empezar cada voz (Imp.)

-Chanson:

Lo que se destacaban era la variedad expresiva que tenia y la textura, como fue alumno de oklegem tenía
la influencia de el para componer a diferencia del abandono las formas fijas de la balade, el rondo y
Virelay, igual esto lo reemplazo con las técnicas que utilizaba el la técnica de imitación, el canon en voces
internas, contrapunto imitativo

*importante unión entre el texto y la música sobre todo en la música profana

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Contemporáneos de Josquin:

En épocas anteriores habia muy pocos compostitores reconocidos pero en esta época hay muchos mas

Luego de oklegem se divide en 2 la escuela franco-flamenca:

En la primera la música de composición continua, no cadecial, uniforme, ahí estan todos los compositorios
anteriores a josquin

En la segunda corriente es cadencial ya es parcialmente acordal

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Jacob Obrecht (1452-1505):

En esta época hay un ambiente político muy turio, pelea con los reyes, la peste, cae el rey

Isaac Heinrich (aprox. 1450-1517):

Se lo considera un compositor del imperio germánico

Con su música quita las afecciones del texto, (barroco teoría de los afectos) relacionado con el contenido
emotivo del texto esta relación/unión que hay entre el texto y la música, que no se daba en otras épocas.
Cuando hablamos de simbolismo era tratar de encontrar algún elemento musical que estuviera
representando alguna palabra importante del texto.

9/7 (clase después del Examen)

-Fue a partir de la clausula del discanto que puede considerarse (una especie de) un tropo polifónico que
da origen al motete

-los modos rítmicos: tenían que ver más con Grecia.

-Clausula de Discanto: composición polifónica a 2 voces,

-Conductus polifónico: le agrega una tercera voz inferior a la del canto fermo.

-Canto Fermo: es una base que se toma de un canto llano o no, que a partir de esa base construir algo.
Para ser un canto fermo necesito una melodía preexistente que puede ser una melodía profana o
gregoriana y esa melodía la voy a trasladar a la base de otra composición, eso es un canto fermo.

-El Madrigal: es una composición a 2 voces (raramente a 3) que esta compuesta por 2 voces que cantan
al mismo ritmo, que tiene 1 a 4… con 2 a 3 versos cada una.

-Otras composiciones que se desarrollaron en el S.XIII: Conductus polifónico, Organum Melismatico,

-Teatro Griego: era rudimentario si, los griegos usaban mascaras estaban vestidos no se disfrazaban,
cantaban. Hay desarrollo escénico. 1 solo Corifeo, entre 5 y 30 personas.

-caccia: Es un Canon, hay una voz Instrumental son notas tenidas (no eran caract. De los otros) a 2 voces
.basado en temas de la Caza, etc.

*En el Ars nova Italiana se desarrollan principalmente composiciones profananas (Estilos), no se

desarrollaron motetes, ósea son todas importantes la caccia, el madrigal y la balade.

-Un tropo: se aplicaba para embellecer canto litúrgico original, ayuda nemotécnica

Tropo de adaptación: utilizar un fragmento de texto que en forma silábica se adapta a la melodía.

Tropo de Sustitución: sustituía completamente o se rescata una parte del texto, se dejaban o utilizaban
las palabras mas importante.

-En la homofonía: la 8va y el unísono era lo mismo

-Heterofonia: una voz y un Citara: la mano derecha dobla la melodía principal con el pectro (8va o
unísono), la izquierda va hacer el acompañamiento Heterofónico sobre la melodía.

9/8

La diferencia de Sacro y Litúrgico: litúrgico a un ceremonial a un conjunto de procedimiento en ámbito un

religioso y Sacro corresponde siempre a una denominación mas general, es lo opuesto a lo profano, tiene
que ver con dios.

Texto de Música Profana:

-Trovadores (y Troveros): Se originan en el sur de Francia, toman las características de los cantos
gregorianos para la composición de sus monodias, no eran por lo general Instrumentistas ni cantantes de
manera que tomaban a su servicio a un juglar o ministril para que cantase sus composiciones.

Cuando se refiere canto monódico: era la voz cantada, era doblada por Instrumentos no estrictamente
era silábico utilizaban los modos litúrgicos especialmente el 1eo y el 7mo y sus plagales, las melodías por
lo general no se excedían del ámbito de sexta y no pasaba de 8va

-Juglares: Eran músicos (tenían varias habilidades) que tocaban en las plazas, eran personas de la clase
baja, humilde. Se dice que son precursores del círco ambulante, Cantaban con genero Épico e usaban mas
los intervalos de Tercia. Su forma de composición se asemejaba mas a lo que es la tonalidad y menos
modal, no se basaran en los textos litúrgicos. Había en Francia

Musicalmente cantaban y podían tocar muchos instrumentos, podían acompañarse a ellos mismos y cn
esas capacidades eran como podían ganarse la vida. La música que hacían eran las Cantigas (Imp.)

La diferencia con lo goliardos: Goliardos hablaban de cosas más divinosas, el amor, los excesos eran
criticados por eso, los juglares trataban temas distintos

(Ministriles: eran Juglares que estaban bajo el poder eran por lo general los que ayudaban a los juglares a
interpretar obras).

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Después del primer tercio del S.XV y del brillo del Ars nova no aparece en Italia otro compositor que pueda
compararse con compositores internacionales como Dunstable o los compositores de la escuela franco
flamenca o de borgoña. Entre estos seguidores de Landini y los primeros frotolistas hay un vacío de unos
50 años, sin embargo aparecen en Italia otros artistas, donnatelo etc.

Las 2 primeros tipos de composiciones que aparecieron son: Los cantos Carnavalescos y la Frótola después
del 1480.

-Los Cantos Carnavalescos: se origina en Florencia, de la mano del Gobernante Lorenzo el magnífico.
Participaban todo tipos de gremios, canciones dedicadas a distintos gremios. El sentido eran fiestas
paganas. Tenían doble sentido.

Cuando se reemplazaron los textos de muchos cantos Carnav. Y chansons por poesía religiosa se origino
el Laude (otros estilo) es un tipo de canto que se origina en Italia.
Con la muerte de este gobernante los seguidores de savonárola, proclamaba el culto religioso. obras y los
textos y obras se queman.

-Frótola (Imp.): aparece en la corte de Francesco Gonzaga y de la mano de su esposa Isabel esta oficia de
protectora de la música y de las artes.

Es música profana para 4 voces, homofónica, las voces cantan formando un acorde donde la melodía va
en la voz superior y es trataba según breves esquemas rítmicos, el bajo se mueve formando intervalos de
cuartas y quintas lo que me da la caract. De un bajo armónico y las 2 voces del medio se utilizan solo como
un relleno del tipo armónico. Esta simpleza de la Frótola no es tomada en cuenta como un tipo de
composición de peso en Italia hasta que la agarran los compositores de la escuela franco-flamenca y le
dan otro tipo de tratamiento de composición y de ahí salen otros 3 tipos: la Canzone, la Oda y el
estrambote

-La canzone: un poema estrófico de 4 versos similares a los que componía Petrarca (anterior a Canzona)

-La oda: una composición estrófica de 4 versos yámbicos y con un juego de rimas

-Estrambole: poesía de 4 versos

La Frótola se diferenciaba de estos anteriores porque poseía un refrán de 2 versos mas varias estrofas de
6 versos de la estofa y 2 del refrán que se vuelve a repetir (a – b -a – a -b – a -b)

La evolución de la Frótola por mayor complicación técnica y selección de textos (formas mas serias)
empiezan a componer los compositores de la escuela Franco-Flamenca dan origen a 2 composiciones muy
importantes el Madrigal y la villanesca

*los tipos de composición de esta época no tienen forma determinada de nada por eso decimos estilos y
no formas

-Madrigal (Imp.):

Origen: la Frótola traspasa las fronteras y produce cambios en el estilo de la Chanson francesa y esta a su
vez se hace muy popular en Italia y esto ayuda para poder dar origen o en la elaboración de la Canzona y
el Madrigal. La Canzona se vuelve polifónica al estilo de un motete flamenco pero sin dejar de lado la
textura cordal de la Frótola, la capacidad expresiva se extiende a todas las voces (diferencia con la Frótola
que solo la expresión estaba en la voz superior), después el Madrigal solo tiene en común con el Madrigal
del Ars nova Italiano el nombre, ya que poetas Italianos toman como punto de partida el antiguo madrigal
y a este lo transforman en un poema Lirico de forma libre, de 6 a 16 versos, de 11 y 7 silabas donde a
veces los 2 últimos rimaban entre sí. Los textos son de autentico valor literario porque están escritas en
lenguaje de la mas alta calidad no vulgar

Principalmente hay 3 caract.:

La música es posterior al texto Literario, la música estaba compuesta de acuerdo las exigencias que tenia
este texto literario y el objetivo de la música era poder trasmitir el contenido del texto.
La forma literaria del texto no afectaba a la forma música es decir que la música cambiaba de acentos y
de aspectos según a los cambios que tenía el contenido del texto.

La estructura no era una forma fija sino una composición continua, más que una forma era un género.

En la polifonía todas las voces tienen la misma función expresiva, la polifonía podía ser libre, imitativa,
canónica o preceder de punto contra punto formando acordes.

Su música era de profesionales compuesta por compositores capacitados, de la música eclesiástica

El madrigal pertenecía al estilo de música de cámara y era para ser cantado por personas con una voz para
ser cantado como solista porque si no perdía su trasparencia

El madrigal podía ser cantado por voces o podía ser instrumental o vocal e instrumental simultáneamente,
el tema que aparezca el madrigal y que pueda expresar más lo que decía el texto agrega nuevas
innovaciones sobre la música, nuevos ritmos, texturas, acentos o agregan notas mas cortas de las que se
conocían como a mediados del S.XVI se agregan el uso de corcheas y semicorcheas que le daban el nombre
de valores cromáticos y eran usados para poder colorear la expresión.

. Madrigalistas Flamencos: el madrigal fue creado por compositores flamencos que llevan este tipo de
genero a una perfección tal que luego va a ser tomado por los Italianos. Como padres del Madrigal se
toman a Philippe Verdelot, Costanzo Festa.

-Philippe Verdelot (Aprox. ?- 1540): fue un compositor francés, permaneció en Italia, Venecia y Florencia.
Sus primeros madrigales tenían rasgos de la Chanson como las textura en acordes y luego va a componer
madrigales polifónicos en donde va a hacer mas uso de la imitación.

-Costanzo Festa: fue un compositor Italiano, se dedicó más que nada a la composición de motetes a 3
voces pero luego va a realizar madrigales con un estilo polifónico sencillo ¿igual que sus motetes

-Jacobo Arcadelt (1514-1575): Italiano en Florencia, sus madrigales tienen gran semejanza con la Chanson
pero va a tener su estilo evoluciona de tal manera que va a generar tener elementos italianos y flamencos
muy característicos como madrigalescos. Uno de sus motetes a 4 voces q

-Adrián Willaert (Aprox. 1490-1562): fue el creador de la escuela veneciana, sus primeros madrigales van
a tener mucho de la Frótola pero luego va a introducir en abundancia el cromatismo en el madrigal y
aparte va a obtener efectos de contraste y de colorido característicos de Venecia

-Nicolo Vicentino (1511-1562): alumno de Willaert, fue Italiano. Madrigalista y tratadista,

-Cipriano de Rore (Aprox. 1516-1565): discípulo de Willaert, escribió Aprox. 200 madrigales en el estilo
de Vicentino en donde hacia un desarrollo mas audaz y mas intenso del cromatismo y el se va a preocupar
por demostrar musicalmente el sentido de las palabras para generar una perfección formal y una
expresividad artística

Todos estos compositores van a ser tomados luego por los Italiano pero 2 de los que son los mas
importantes son Orlando lasso y Philippe de Monte.

Ej: Frótola: Contraste, textura acordal, texto vulgar,

 Madrigal: Mucho más elaborado, más complejo, textura polifónica con mas elementos
contrapuntístico imitativo, el texto poéticamente es mas artístico, mas elevado.

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-La Chanson Parisiense: surge en Francia en el S.XVI mientras estaba gobernando francisco I y había un
contexto social y político que favorecía el desarrollo de la música. Francisco I era un gran admirador de la
música y arte italiano y los protegía y eso hacía que Francia e Italia compartieran influencias musicales.
Gracias a que la influencia de la Frótola y el desarrollo de una nueva forma de poema donde los versos
tenían una estructura más fácil de unir a la canción hizo que fuera posible lo de la Chanson. Después la
difusión de la Chanson fue gracias un nuevo artefacto de impresión donde Pierre fue el encargado de
editar la música y distribuirla, los músicos franceses seguían componiendo música religiosa y crearon para
la Chanson un nuevo estilo, una nueva Chanson, donde la Chanson dejo de lado todas sus formas y paso
a ser de forma libre, luego silábica, estaba construido sobre poemas de distintas formas y que trataban
sobre distintos temas, tenían secciones binarias y ternarias que se alternaban, las mayorías de la Chanson
empezaban con un ritmo de carácter anacrusico, tenían una imitación

Los primeros en componer en este nuevo estilo de Chanson fueron: Claudin de Sermisy y Clément
Jannequin, Passerau (que de él no se sabe mucho).

Los que continuaron con la antigua Chanson (Franco-Flamenca): Nicolas Gombert y Thomas créquillon.
Lasso, Willaert, etc.

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-La Chanson de la segunda mitad del S.XVI:

Hubo un grupo de siete poetas llamado “los poetas de la Pleyade” franceses, era un movimiento que venia
a romper con lo establecido. Encabezado por Ronsard y Du Bellay que iniciaron una reacción en contra
del estilo a favor del lenguaje poético y de la imitación del estilo noble …

Hubo mas de 30 músicos que se pusieron a apoyar los esfuerzos de la Pleyade entre ellos Jannequin y
Lasso

La tendencia humanística en unión de la poesía y la música se manifestó en los poetas

Los principales compositores de este movimiento: G. Costeley (Aprox. 1531-1606) y C. Gourdimel.

Aparte un grupo encabezado por Jean Antoine de Baif que se opuso a las ideas de Ronsard, sostuvieron
que la poesía debía ser medida a la antigua es decir con silabas largas y cortas. Ellos creador la academia
de la poesía y la música.

La polifonía de esta música era nota contra nota y cada silaba del verso le correspondía cada nota

Uno de los compositores más importantes de este grupo fue Claude le Jeune (Aprox. 1525-1600) compuso
versos mesurados, además de componer este tipo de estilos compuso salmos con recursos de madrigal
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-Los Madrigalistas Italianos:

Son 3 los grandes compositores: Marenzio, Luzzaschi y Gesualdo. A su vez Los 3 desarrollan el cromatismo
y lo utilizan para desarrollar ese sentimiento en el texto.

-Marenzio: es el más grande y más importante compositor. Fue considerado el compositor de los sentidos
que utilizaba la pintura de las palabras (que era la traducción de las palabras del texto en sonidos) esto
es lo importante porque una de las características del Madrigal es la unidad que conformaba el texto y la
música. Por esto es el más imp. de los 3 porque es el que mejor expresa los sentimientos del texto en su
música.

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La Contrarreforma: por un lado estaba la Reforma, con su nuevo sentido musical, y por otro la
Contrarreforma Católica, que con su condenación de elementos profanos de la música sacra y su
promoción del sentido exorativo (de oración o plegaria) y tiene consecuencias en el desarrollo del arte
pero estas consecuencias dieron en la música recién entrando en el S.XVII que es en donde se desarrolla
el estilo de la contrarreforma.

Uno de los postulados del Concilio de Trento (1545-1563) fue que el canto no debe ser un simple placer
del oído, sino dispuesto de tal forma que las palabras cantadas sean claramente entendidas por todos lo
que lleva a la censura de la censura de la polifonía imitativa, esta censura va a ser una de las divisas del
barroco naciente que pero había un movimiento de opinión que estaba a favor de la libre polifonía.

También estaba el empeño de poderosos príncipes (como el Emperador Fernando I o el duque Alberto V
de Baviera) que impidieron que la polifonía fuese desterrada de la música católica.

La tendencia de ser más inteligibles las palabras llevo a la modificación de la acentuación de los textos y a
la eliminación de los melismas de carácter artístico profano

La decadencia después de lo que seria la practica del canto gregoriano y de la incomprensión de su espíritu
en esta época hizo que las iglesias menores que todavía lo usaban se sintieran atraídas a la Misa
polifónicas que eran menos elaboradas y más fácil de cantar (concuerda con lo del concilio).

Se origino con todo esto lo que seria un nuevo tipo de Misa, “la Misa Brevis” (la que ya se mencionó).

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Palestrina y la Escuela Romana:

Antes de hablar de Palestrina hay que hablar de un compositor que fue anterior a el, G. Animuccia (1500-
1571) fue un compositor, hizo misas, motetes y era fácil de cantar

G. Pierluigi (apr. 1526-1594) a los once años ingresa al coro de niños, 1547 vuelve a su ciudad natal como
organista y se casa. Cuando asume el nuevo papa lo lleva como director de coro a la capilla de san pedro

No se conocen bien quienes fueron sus maestros se formó bien en la escuela Franco-Flamenca, sus obras
eran sencillas, fácil de cantar, en la contrarreforma integra para no estar contra la polifonía.
En un musico religioso por excelencia eran melodías dulces fue el músico de la contrarreforma que
estaban a favor de la polifonía ara que este dentro de la música religiosa.

Su obra tiene esta arquitectónica melódica de sostén (arco melódico) donde la melodía sube hasta que
cae, es tradicionalmente su música a cappela maneja muy poco los recursos ínsitos de la escuela franco-
flamenca en cuanto a polifonías, le da carácter religiosos a su obras es que utiliza el canto fermo

Estuvo en la comisión de los defensores de la polifonía, en un momento en que la polifonía se estaba

reñida con la música religiosa porque querían que cada silaba se entendiera, en comisión con Lasso que
fue quien lo sucedió. Ellos lo que hicieron de importante fue ir donde se producía el concilio y exponer
ellos mostrar que se podía componer una obra donde se entendía bien el texto y donde la polifonía
podía desarrollarse, lo que ocurría en la religión lo que mas les interesaba era el texto al no entenderse
el texto porque la polifonía estaba como muy desarrollada quisieron reducirlo un poco para que el texto
recobrara relevancia por eso lo grandioso que hizo Palestrina y su estilo fuera de lo común fue
componer una polifonía compleja, elaborada y a su vez que el texto se pudiera entender por eso el fue
el encargado de convencer al papa.

16/8

-Las composiciones profanas que se siguen desarrollando en el S.XVI: Chanson, Madrigales

Una variedad del Madrigal – Madrigal Dramático S.XVI (importancia para lo que viene después): Dara
origen a la Opera

-Religiosas: Misas (siempre siguió), Motetes

La reforma (1517-un hecho histórico que tiene incidencia en todo lo Musical) van a cambiar las maneras
de compones y van a surgir las escuelas Nacionales en Inglaterra, Alemania, Italia, Francia, España. Si tomo
las escuelas nacionales a partir de 1550 el momento fuerte del desarrollo (aunque se empiezan de antes).

Hablamos primero de Contrarreforma porque musicalmente lo que se sucede en esta tiene mas peso
incluso que la reforma (es más Imp. Para nosotros la contrarreforma pero sin reforma no hubiera esta).

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La Escuela de Venecia:

Acogió a los músicos flamencos y franceses.

La existencia de la catedral de san marcos (al lado del palacio del Dux- se ocupaba de todas las tareas)

En este lugar se levaban acabo todas las prácticas culturales, sociales y políticas, motivo imp. por la música
tuvo tanta relevancia en este lugar porque no estaba a cargo de la Iglesia

A comparación de otras ciudades de Italia el arte estaba muy ornamentada (pasado bizantino, comercio
con oriente)

Con respecto a la música perduraba el canto antifonal existían uno de los comp. mas importantes es:
-adrián Willaert: flamenco discípulo jean moto que a su vez discípulo de otro, inicio la escuela veneciana,
adapto el estilo polifónico del motete a la popular Frótola y fue uno de los maestros que llevaron al
madrigal a su madurez estilística, escribió grandes motetes antifonales donde 2 coros…

Con la Chanson las adaptaba a un estilo Instrumental. Tiene que ver con lo que hacían los franceses a
principios del S.XVI que transcribían para Instrumentos la Chanson para voces

Creo el género llamado Canzona deriva de la Chanson Francesa porque toma la Chanson la transcribe
para instrumento y comienzo el desarrollo de la música Instrumental

La Esc. Veneciana Transcribía también para conjuntos Instrumentales u Órgano: la Chanson, los
madrigales o motetes. Desarrollo también una forma llamada Ricercar una especie de fantasía sobre 1
o más temas en un estilo imitativo (vemos su desarrollo en Formas Instrumentales en el Barroco
temprano pero su origen aca en el S.XVI por eso es tan Imp. esta escuela)

Tuvo alumnos …

*Esta escuela eran de Origen Flamencos (escuela veneciana) porque los Flamencos viajaban mucho
(caract. Del Músico) y establecerse en lugares, en este caso estos flamencos se trasladan a Italia y
empiezan a trascribir lo que ellos saben, era lo que musicalmente era lo que estaba mas de dendo, se
lo trasmiten a los Italianos.

*La importancia de la Escuela radica en estas cosas, adaptar.

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Polifonía en España:

En España se desarrollaron muchas culturas simultáneamente principalmente (la judía, la romana, la

griega, araba y la visigótica) esto y también el intercambio artístico que tuvo con Francia, Alemania,
Inglaterra o Italia produjo que se enteraran de las innovaciones que ocurría en esos países (como Ars Nova
en Francia o Renacimiento en Italia) y esto hizo que halla una gran variedad de música popular dif. a la de
otros países europeos

También la escuela que mas influenciaba era la Franco Flamenca, 3 Compositores muy Imp.:

-Francisco de Peñalosa: compuso misas motete himnos

-C. Morales: tuvo relación con la escuela franco flamenca también compuso motetes, misas e himnos

-*Tomas Luis de Victoria: estudio con Palestrina, la técnica de componer la hereda de él ( por eso dicen
que pertenece a la Escuela Romana con Palestrina porque tienen el mismo arte compositivo) dicen, sus
primera obras tienen la mismas caract, que tenía Palestrina de llevar la armonía con una suavidad y
dulzura.

.Otra cosa Importante de España es el cancionero una recopilación, el mas imp. el cancionero musical del
palacio que recopila una 253 obras, dentro de la música profana.

El compositor mas importante fue Juan de Encina: que fue poeta y musico, fue uno de los creadores del
teatro español lo hizo en base a la dramatización de sus Églogas que eran un subgénero de la literatura
era como un discurso muy breve lo que tienen de importante es que marcan el ritmo
De las formas de la Música francesa los españoles adaptan el Virelai que derivo en el Villancico que es una
genuinamente española que está compuesta de varias estrofas o coplas entre las cuales se canta un
estribillo siempre igual y está compuesta a 3 o 4 voces y después pasa a tomar otra forma melódica en
contrapunto de nota contra nota, y después del 1600 pasa a semejanza de la cantata germánica…

En el S.XVI la música profana polifónica española pasa a tomar una forma parecida a la Chanson francesa
donde salen la ”ensaladas” de Mateo Flecha el Viejo pero hizo una 15 ensaladas Y estas son como un
rejunte de diversos idiomas es vocal pero podía tener acomp. Tienen cierta semejanza con lo “quolibet”.

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-Antonio de Cabezon (1500-1566) y el Organo:

Fue organista y compositor, queda ciego de chico. Tuvo gran imp. con respecto a la música de Teclado en
Europa en el S.XVI. Desarrollo en gran medida el arte de la Variación o Diferencias que se venían iniciado
poco antes por compositores españoles e Ingleses.

Una vez que fallece su hijo hernandez hace publico la obra que el tenia para teclas arpas y vihuela. Entre
las obras de Cabezon se encuentra el genero Ricercar o Tientos (es una obra libre en forma de motete
instrumental basada en la imitación) las diferencias serian series de variaciones o secuencias armónicas,
nos acercamos al uso de la tonalidad.

-La vihuela ya de por si era un genero de música puramente español y cuya expansión en el S.XVI es una
de las glorias de España. Los compositores son Luis Milán, miguel de fuenllana y Luis de narvaez.

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Polifonía en Inglaterra:

Dunstable(: principal exponente, sus composiciones mas conocidas son sus motetes Isoritmicos porque
estos atestiguan la vitalidad de esa forma que fue heredad a de ars nova ademas las piezas sacras también
y escribió también canciones profanas pero su tendencia era más hacia lo religioso.

Cuando muere no vinieron compositores relevantes por eso en ese periodo lo que se hacía era importar
música desde el continente por lo tanto era trazada con los gustos franceses e Italianos, hasta el reinado
de Enrique VIII comenzaron a ver compositores más relevantes por sus innovaciones y composiciones esta
época principios del S.XVI había 2 compositores John taberner y FAIT que eran figuras prominentes en la
corte de Enrique VII y lo que se decía de ambos era que tenían cierta fidelidad a lo que serian las formas
tradicionales todavía usaban el canto Fermo, por eso se decía que faitfat tenia un gusto atrasado a la
época y también eran muy apegados a los religiosos

Cuando llega la Reforma en Ing, los monasterios se disuelven en tre 1536.1540 y lo que pasaba era que
los monasterios concentraban los conocimientos y cuando estos se disuelven estos conocimiento se
esparcen por las islas británicas, también la reforma impacto de una manera en los músicos algunos
inmigraban, otros cambiaban de religión y otros dejaban de componer. Luego con la Iglesia
reformada aparecen 2 compositores: Tallis, Cristopher ambos eran contemporáneos ellos por mas que
componían para la iglesia reformada también tenían canciones para el mundo católico romano.

Cristopher escribe en ingles para canciones del rito de Iglesia reformada pero también en latín para el
católico, tallis también resaltaba como protestante aunque escribí para la iglesia católica. Otra similitud
entre ellos era que eran compositores y organista, tenían un arte muy solido y severo cadente de vida y
originalidad,

Con respecto al renacimiento y el humanismo que la llegada de estos es gracias a la reforma ahí la música
empezó a identificable, no había tanto anonimato entre los compositores, las canciones eran más
cantábile, se adaptaban mejor al Inglés (prosodia), una sensibilidad armónica

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Anthem: se le atribuye el anthem polifónico a tye y Tallis, alrededor del 1560 es un himno salmodico,
netamente británico anglicano es música de iglesia escrita sobre textos tomados de escrituras y libros
sagradas. Se le dan importancia al texto y la pronunciación de este, los compositores por eso usaban un
estilo más acordar que polifónico, es silábico organizado en rases cortas

Presentaban una analogía con el motete y su ritmo era una de las diferencia

En principio era solo coral con acomp. De Organo (Full Anthem), luego Byrd introduce con solistas, coros
y acomp. Inst. (verse Anthem). Pasando a la liturgia anglicano en el reinado de Isabel I

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La Escuela Franco-Flamenca Internacional:

*Punto de Imitación: cada frase melódica que tiene el texto litúrgico se llama punto de imitación, tengo
un motivo que lo elabora lo toma una voz y luego lo empieza a repetir diferentes voces lo importante
es que ese motivo sea la cabeza de cada frase que va a empezar cada voz (Imp.)

23/8

Barroco:

Contexto Histórico (S.XVI – 1750): los más importante es que en este momento la Iglesia no constituye
una unidad como si lo hacia en el siglo anterior. En el 1517 se dio la reforma de Martin Lutero provoco
una división entre católicos y protestantes, como mov. Opuesto a la reforma surge la contrarreforma si
bien tuvo éxito de todas formas Europa quedo dividida, mas de la mitad dejo de ser católico.

Se genero un paradigma entre el ser humano ya no tenían que ver tanto lo que profesaba, el hombre
pasaba a ser más importante pensamiento antropomorfista.

En la arquitectura barroca quedan restos del Renacimiento y hace 4 distinciones: románico, Gótico,
Renacentista y Barroco

1-Románico (S.XI-XI) :Se hacia énfasis en la acumulación de masa, la acumulación de poder que tenía
con la concepción Teocéntrica

2-Gótico (S.XIII-mediados del XIV): lo vertical, siempre hacia el cielo

3-Renacentista (S.XV-XVI): el equilibrio entre las líneas horizontales y verticales.

 4-Barroco (Último Tercio del S.XVI-1750): agarra varios elementos y contraponerlos dándole un
sentimiento de movimiento y dramatismo

-Pasando a la música: sigue habiendo un desarrollo técnico sigue en el instrumento como en el ars nova y
renacimiento

Sin embargo al polifonía Renacentista lo que más se venía desarrollando seria rechazada en
contraposición de la melodía acompañada ocurre la revolución monódica gusto por la monofonía y no por
la polifonía como se venía dando, los compositores seguían estudiándola para desarrollarla. El gusto del
público, nuevo concepto que aparece, el arte se limitada a la nobleza y la comunidad de los fieles, la
atención del público estará puesta en lo Virtuoso y el cantante, donde el virtuoso desarrollaba habilidades
técnicas para asombrar al público.

A mediados del S.XVII se desarrolla la música instrumental paralelamente a la música vocal, antes la
polifonía estaba puesta en la música vocal y en menor medida en la Instrumental, ahora se desarrolla más
en lo instrumental (con Bach llega a su punto más alto), luego aparecen los violinistas virtuosos que van a
perfeccionar el Instrumento y van a dar forma a los nuevos conjuntos y formas del Barroco (aparecen los
lutier, desarrollan mas lo Instrumentos). con la música vocal e Instrumental comienza a surgir los Idiomas
especializados para cada grupo de Instrumento.

Surge el Concerto Barroco y la Orquesta, el concertó barroco como música orquestal Independiente de la
Opera y la orquesta de la mano de la Opera.

-Cavallo: En el S.XVI los instrumentos se limitaban a acompañar la voz, sucedía en pequeños conjuntos
por ej. como cuando tenían un consort de violas también había voces, cuando en los motetes en el
S.XVIII teníamos motetes profanos había Instrumentos que doblaban las voces, es decir, el Instrumento
siempre tenía un rol secundario no estaba colocado en un primer plano a medida que va avanzado el
tiempo ya llegando en el Barroco empezamos a ver los Idiomas Instrumentales (se refiere a que el
compositor ya va a estar pensando técnicamente como tengo que componer para ese Instrumento, es
decir en una especialización en la forma de escribir para Instrumentos) con todo este avance y la
polifonía que empieza incidir en la música instrumental va a suceder que los Instrumentos empiezan a
adquirir jerarquía entonces ya lo separamos un poco de lo que es la opera y en el tercer periodo del
Barroco (el Barroco Tardío) va a surgir el Concerto, entonces en realidad el surgimiento de la música
Instrumental como el Concerto como una forma instrumental ya separada del texto se va dando de a
poquito a medida que avanzamos con distintas mejoras que facilitan el Concerto.

*Cavallo: Por una cuestión de Musicólogos vamos a poner Inicio del Barroco en el Último Tercio del
S.XVI porque decir a mediados del XVI aun estaban las escuelas Nacionales varias de ellas van a hacer
aportes fundamentales a la música Instrumental, nos vamos a situar mas entre 1560 y 1570 primeras
tendencias fuertes del Barroco. Reforma seria Renacimiento en barroco vemos las consecuencias de la
Reforma y la Contrarreforma.

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Los Nuevos Elementos Estilísticos y Formales del Barroco:

Comienza el Barroco en el último tercio del S.XVI donde aparecen tendencias artísticas nuevas que van a
desplazar el arte renacentista y surge en Italia el stile moderno y el stile concertato.
El termino barroco el origen no esta definido se cree que viene del portugués entonces se utiliza el termino
para referirse peyorativamente y criticar las tendencias artísticas del S.XVII y después se acepta
unánimemente se decide utilizar para denominar el periodo barroco

En su comienzo el baroco es una mezcla y simultaneidad de diferentes corrientes y esto hace que se pierda
la unidad estilística internacional del renacimiento lo cual genera un descenso de la producción musical
por esta transición pero de todas formas se ira generando la forma del Barroco maduro:

El barroco maduro: 3 elementos:

1- Predominio de la melodía acompañada por sobre la polifonía renacentista (no desaparece pero se deja
de lado) después el uso de cifrado y el uso del bajo continuo

. La melodía acompañada podía ser vocal o instrumental, y se empieza a dejar gradualmente de lado lo
modal y empieza a tener más importancia el sentimiento armónico hasta llegar al nuevo estilo armónico
tonal que va a hacer la base de todas las composiciones posteriores

. El compositor por lo general escribía las melodías principal pero el cantante o instrumentista melódico
podía a eso agregar adornos improvisados que no estaban escritos en la partitura

. El ritmo y la armonía se va a independizar ya no es un tejido como sucede en la polifonía sino es una

masa de sonido que esta destinada a acompañar y a producir un tipo de efecto expresivo o dar color,
movimiento al desarrollo dramático o musical

. Las líneas melódicas intermedias pierden importancia no son importantes y las que son importantes son
las de la soprano y la del bajo que sostiene toda la armonía

*-monodia: melodía sola pura, 1 sola línea melódica. Podía ser cantada por Hombres, un coro.

-La revolución monódica: en Barroco es Monodia con acompañamiento: una línea con bajo continuo
(acomp. Especial)

-Homofonía: la podemos definir según donde nos situemos; en el Clasicismo es una melodía con acomp.

-Textura barroca: Monodia con acompañamiento (Homofonía pero del periodo barroco)

. Uso del bajo cifrado, el compositor lo que va a escribir es la línea superior, la de la soprano, y la línea del
bajo que va a ser sostén de toda la armonía y al lado del bajo lo va a cifrar junto con las inversiones
indicando que armonía hay que utilizar aunque no este escrita. Para lo que es posición fundamental podía
no indicar nada o un 6. Y también usaban cifrados mayores al 9 que luego lo van a cambiar por el
equivalente en la octava inferior. Podían agregar al lado del cifrado una alteración.

-El bajo Continuo: aparece para ser útil a la práctica de la melodía acompañada, y lo que indica es la
continuidad del bajo a lo largo de toda la obra sosteniendo la armonía. Se ejecutaba siempre por 2
instrumentista porque la línea de abajo, que es la que estaba escrita, la realizaba un instrumento de
melódico grave viento o cuerda y la armónica la tenia que realizar otro instrumento que fuera armónico
como organo, clave, laud (chitarroni).

El uso del Bajo C. va a estar relacionado con el desarrollo del Recitativo y la música solista vocal (aria,
monodia), y solista instrumental.
El B.C aparece por primera vez en las operas y se cree que lo sacan a raíz de una obra de Ludovico

También en la parte armónica se podría utilizar 2 instrumentos armónicos distintos en simultaneo como
sucede en el ensamble de Monteverdi y también en un Concerto barroco también se utiliza 2 Inst.
armónicos pero para las diferentes partes menciona una la utiliza para el tutti y otro Instrumento
armónico para el B.J el concertino (en una misma obra puedo tener un Bajo C. que es solo para una parte
de ese Concerto y otro B.C para otra parte, porque el Concerto barroco tiene 2 grupos instrumentales
que se contraponen) el compositor en general que tipo de instrumento se iba a utilizar, en general se
usaba organo para música sacra, clave para para lo que es orquesta o música de cámara y para ensambles
canciones usaban laude etc.

.Como era necesario 2 instrumentista para el bajo continuo esto genera confusiones en la dominaciones
de las obras, por ej. Una sonata para violín solo en realidad es un trio porque Tenes 2 Inst. haciendo el
bajo continuo (es decir el número de instrumentistas que tengo no es exactamente lo que aparece,
sonata trio no significa que tengo 3 personas ejecutando pero puedo tener 4).

-A mediados del S.XVIII en los tratados se va a indicar que el Bajo C. tiene que escribirse en armonía a 4
partes y se va a usar el estudio del Bajo C. como estudio de la armonía y mas adelante con el desarrollo
de la escritura musical va a dejar de ser importante escribir este bajo continuo porque va a estar cada
nota escrita en la partitura cada nota que es parte de la armonía y el estilo de la obra en sí.

.El B.C tenga la armonía y tenga el soporte, permite a los instumentos improvisar

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Continuación de Características Estilísticas del Barroco:

Los Idiomas Instrumentales: se empiezan a diferenciar, los compositores empiezan a pensar para cada
instrumento con las características técnicas de cada Instrumento. Eso genera nuevas formas musicales
Concerto, la ópera, la sonata, la cantata.

-la música vocal la palabra es el alma de la Armonía, significa en el renacimiento la música buscaba
expresar el sentimiento del texto en general pero el texto se perdía en la armonía, el contrapunto no
dejaba entender el significaba, lo que se buscaba ahora es que se le diera una expresión más notable al
texto

*En el renacimiento en la contrarreforma querían claridad en el texto, no les dejaba entender el texto.
Había que simplificar la polifonía para que se entendiera el texto es decir que se estaba pidiendo que el
texto fuera claro para que pueda ser cantado. En el Barroco el canto se hace una característica, y esto
se vuelve característico.

.Interpretación muy expresiva del texto, en el renacimiento se buscaba expresar los sentimientos del texto
pero en el barroco se profundiza y la diferencia es que en el renacimiento se hacia una interpretación
buscando la simpleza y equilibrio de los sentimientos pero en el barroco se acentúa amucho el contraste
de los sentimientos (Música reservada)

-Los contraste en el barroco son muy importantes:

1-Los contrastes de Dinámica: de repente está haciendo Forte y cambia a piano súbito esto se lograba de
2 maneras bajando la intensidad del mismo instrumento o cambiando la cantidad de instrumentos que
estaba sonando.

2-Los contrastes de Velocidad: esto puede pasar con 2 movimientos contrastantes o dentro del mismo
movimiento cambiando

-el ritmo en el barroco:

. Se establece el compas porque se incorporan los ritmos de las danza a la música vocal lo cual hace que
sea constante el compás.

(El tempo de la mano, a fines de la edad media y renacimiento lo que marcaba el paso de la obra era la
duración de las figuras entonces en el renacimiento, el paso, la velocidad que voy a tomar para ejecutar
una obra vocal va a estar determinada por el tipo de figuraciones que utilizo para escribir esa obra.
Ahora en el barroco el tiempo metronómico sería el tactus, en el barroco aparece los tempi. En este
tipo de indicaciones teníamos el tactus o metronómico y el Tempo del afecto, relacionado con emoción
(andante, largo presto) en donde ya tengo una libertad en la composición) (Imp. Como caract. Del
Barroco) (en esta época se afianza porque al empezar a tener agrupaciones instrumentales cada vez
mas grande necesitaban un ordenamiento potente)

El tempo de la mano: correspondía al renacimiento, eran entre 60 y el 80 porque estaba relacionado

con las revoluciones del corazón

El tempo del afecto: esta relacionado con el tipo de movimiento que voy hacer y de acuerdo al carácter
que le quiero dar a ese trozo musical. En el barroco no pasa eso porque tenemos ya la indicacione de
tiempo del afecto.

En esta época se asienta esta división que entre los tiempos fuertes y débiles.

La última parte del Barroco quizá en el primer compas de la obra ya aclara como va a ser el ritmo principal
de todo el movimiento.

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Características del Barroco:

-Los afectos: en esta época empiezan a pensar no solo los músicos sino en las artes se empiezan a creer
que estos generan emociones (afectos) hay diversas teorías, (lo podemos relacionar con el Ethos) los
compositores buscan que una obra completa tenga un afecto para eso usan formas de composición para
representar un afecto. A fines del 1600 tenemos este concepto ya aplicado.

-Uno de los estilos viniendo con Monteverdi que diferencio primera practica de segunda practica en
relación con la música y el texto, uno de los estilos que surge en el barroco dentro de la segunda practica
es el estilo recitativo porque lo importante es el texto, ósea lo que dice el texto y la música acompaña lo
que esta diciendo el testo, es silábico y es casi inexpresivo relata una acción

.En una Opera hay tres formas: Recitativo, Arioso y ara.

 -El recitativo: cuenta la historia, silábico, no hay forma solo la forma del habla de la persona

Recitativo Seco: es el recitativo silábico pero que esta acompañado por un bajo continuo o Acordes plaque
ayudan al cantante a seguir su línea melódica

Recitativo Acompañado: silábico, pero la música está más presente no es solo un bajo continuo.

*Lo importante en el Barroco es que se utilizan los dos recitativos, a gusto del compositor y del contexto,

En esta época muchos recitativos casi no se pueden distinguir del Arioso porque se empieza a distinguir
después.

*Primero surge el Recitativo y el Aria va a aparecer cuando el recitativo empieza a hacerse cada vez más
melódico, entonces pasa por el Arioso y luego llega al aria

-Arioso: se mete un poco más con lo sentimental, tiene más características del aria, es el pasaje, está
siempre antes del aria.

-Aria: es la parte expresiva de la Opera (sale del recitativo)

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-Otra característica es el traspaso de la polifonía modal del renacimiento al contrapunto tonal del barroco.
En el renacimiento las melodías eran escritas con las reglas del contrapunto modal, estaba pensado
horizontalmente y cuando se escribía el contrapunto se seguía las reglas del contrapunto de la polifonía
modal, en el Barroco si bien se pensaba las melodías horizontalmente el compositor ya tenía la armonía y
una línea armónica armada que se tenía que seguir, se piensa de forma vertical para que las notas que
están en la melodía entren en la armonía, entonces la música sigue la línea armonica que sigue el
compositor (Imp.). Se reemplaza no del todo la polifonía modal se toma preferencia la homofonía

-El estilo Concertato es un estilo del Barroco, nace de la escuela veneciana porque ellos escribían motetes,
madrigales y los representaban de manera con 2 coros de 4 hasta 8 voces y se respondían en esos
madrigales, cantaban respondiéndose, de ahí surge el estilo concertato hay contraposición.

-Aparecen las disonancias en el estilo barroco, si bien ya existían, en el barroco ahora se usan con otro fin:
en el Renacimiento se usaban solamente en el tiempo débil, o en la parte débil de un tiempo fuerte, o con
nota de paso o retardo de nota. En el barroco se usa en cualquier parte de la melodía y podían tener una
específica a veces para demostrar un efecto, o como adorno que usaban los músicos.

La resolución de las disonancias: en el renacimiento solo podían ser descendentes. En el Barroco podían
ser tanto ascendente como descendente

.El barroco no fue el mismo en todos los países

30/8

Gabrielli: sus influencias llegaron a monteverdi y otro…

-Los Orígenes de la Opera:

Su origen se encuentran en los tropos dramatizados o dramas litúrgico en el canto gregoriano derivaron
tipos de composiciones a los misterios, sacra representación… (antecedentes)

.La sacra representacione: nació como en función de la devoción, se utilizaba para representar el jueves y
el viernes santo, eran espectáculos musicales con mimos donde había recitación, orquestas y bandas
pequeñas y además se realizaba dentro de las Iglesias (en el periodo barroco gracias al arquitecto
brunelesqui empezaron a hacer mas grandes las estructuras)

.Los magi: es como la contrapartida de la representación, estos son campestres y se realizan en las fiestas
de mayo y además en sus escenas aparecían temas como las batallas, tormentas.

.los intermedi: son usuales del S.XVI, su música era flamenco instrumental y se usaba entre los actos
teatrales. A principio es así y luego tomaron una vida muy propia, esto está compuesto por trozos poéticos
musicales y danzas

Algunos compositores fueron: Gabieli,…

-Diferencias entre los Intermedio y la Opera:

1) Los Intermedio: la música era intermitente ósea que era solo un agregado o decorado al arte

Opera: es una música continua, se funde a través del recitativo (no hay ningún tipo de interrupción en
la música desde que empieza hasta donde termina hay música)

2) el Intermedio y el Drama están: por un lado está la parte musical que es Intermedio y por otro la parte
literaria que es el drama

Opera: En la ópera no, que es el llamado drama in música que funciona la música y el texto como un
todo indivisible

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-La camerata de Bardi: desde el año 1576 se reúnen en Florencia en el palacio del conde Giovanni Bardi,
un grupo de intelectuales, artistas aficionados que había sido llamados la camerata florentina (Bardi,
galilei, cavalieri…)

Las actividades musicales que tenia en la camerata era el poder tener la trasformación de la melodía
cantada, la querían hacer un recitado de las palabreas del texto tratando siempre de poder permitirlas de
hacer mas entendibles las palabras y se le aplicaba las inflexiones del hablar común (un canto hablado, un
intermedio entre cantar y hablar).

-Catini (compositor Imp.): participa activamente del embellecimiento y la animación de los recitados que
concebían los teóricos de la camerata, también además de ayudar realiza madrigales y monodias

Monodia (Barroco): el canto del laúd o otros instrumentos ya eran muy conocidos de tiempos remotos,
en el renacimiento se hacían arreglos de madrigales para una sola voz donde la voces que eran inferiores
a una soprano era reemplazados por un Instrumento armónicos. El descubrimiento que querían hacer la
camerata y otros artistas era poder reemplazar este acompañamiento sustituirlo por acordes espaciales
para que de apoyo a la voz solista para que pueda estar tranquila.
A la voz solista se pretendía que ella haga una declamación (el hablar cantado de recién) una recitación
que estaba ajustada al fluir de los acentos naturales de un lenguaje expresivo (es decir, la importancia
que le dan al lenguaje es lo más sobresaliente en toda la opera porque lo que se está diciendo es lo que
no se tiene que debe perder. En el renacimiento ya había opiniones al respecto con la Contrarreforma
que quería reducir la complejidad de la polifonía para que el texto tuviera supremacía, fue una semilla
eso y llegamos a tener en el ámbito profano como la ópera un desarrollo de esto que había surgido a
principio del S.XVI, toma tiempo pero todo esto evoluciona y en algún momento se termina por
desarrollar como acá, el peso que va a tener el texto y el peso que van a tener los acentos de las palabras
para que el texto se entienda (Imp).

El contorno, lo que rodeaba esta declamación, era una melodía libre que no tenía ninguna simetría y que
era intermedia entre el canto y el habla (habla cantado).

.Los teóricos de la camerata creían que el teatro griego (que era lo que querían resucitar por esto del
recitativo) empleaba constantemente el canto. Según el autor del libro esto va a llegar a hacer la opera
en Italia

.vicenzo galilei: publica un tratado (1581) que dicen que podía ser el primer manifiesto del estilo
monódico, también fue el primero que compuso monodias para las cuales eligío un lenguaje muy
expresivo sacado de la divina comedia y las lamentaciones del profeta jeremías

*Algo importante de la monodia del Barroco es que tiene un intensidad ¿expresiva? y virtuosismo que lo
distingue de cualquier otro canto que nosotros hayamos conocido como solista anterior.

.La tendencia a adornar con notas breves las melodías en composiciones polifónicas como los madrigales
o el hecho de poder introducir 2 o mas notas de paso que sustituían las notas largas del texto adquieren
en la monodia del barroco una forma estructural, lo que hace que el compositor pueda limitarse a
componer la línea gruesa o un esqueleto de lo que sería la monodia y el cantante le correspondía darle la
capacidad expresiva a las palabras y que era el cantante que introducía distintos adornos buscando
siempre la finalidad expresiva

-El bajo cifrado: Teníamos una línea (el esqueleto) y estaba el cifrado por el cual el ejecutante
improvisaba ese acompañamiento, en la línea melodía también sucedía eso, lo hacia el cantante
(virtuoso y también entrenados) también podía agregar adornos según el estilo, el gusto del lugar y de
la época agregan adornos para palabras importantes en el texto etc., era el gusto del cantante tenia esa
libertado.

-El complemento exacto es el: Bajo continuo: deriva del basso secuente del S.XVI que era una simple
duplicación instrumental que generalmente era en Organo de la mas grave de las voces de la polifonía y
que por objeto tenia dar firmeza a la voz mas grave.

*-El bajo Continuo: Lo que hace es poner en práctica esa taquigrafía musical que yo estoy leyendo, pasa
a ser la aplicación de esa taquigrafía (ese bajo cifrado). Puesta en práctica del cifrado.

-El bajo Cifrado: es un sistema de Taquigrafía musical porque hay una escritura que tengo que
interpretar.
. dos son los elementos virtuosos que requería una buena monodia: EL cantante y el Instrumentista
porque nació con la camerata y los compositores también le dieron una forma definitiva peri y Caccini
eran cantantes virtuosos.

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Las primeras Operas:

La representación de la Obra de Emilio de cavaliero (1600), era una especie de Opera sacra donde se
representaba cielo, tierra y el infierno

los recitativos de esta obra tuvieron influencia en peri y Caccini.

. Es conocido como unas de las primeras obras del Oratorio ( no de la Opera porque dice opera sacra y
hecho de que el argumento sea sacro nos remite mas al Oratorio que a la Opera que no tiene que ver
con un argumento sacro).

Las primeras operas consistían en recitados acompañados solamente por el continuo y un colchon de la
orquesta que daba relleno armonico como para sustenar a la lin cantante, la cual después era
ocasionalmente interrumpida para dar lugar a canciones o danzas etc. . En esta especie de opera no se
hablaba de polifonía luego era

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Monteverdi (1567-: Nació en cremona, ya a los 15 compone su primer libro

Orfeo (1607): Considerada si la primera Opera porque

1-ya no son solo recitativo sino que contiene arias (se empieza a delimitar el Arias).

2-tiene un gran proceso en la conformación de la Orquesta ya no tanto es como en el renacimiento que

abundan los instrumentos de viento sino que ahora las cuerdas van a tener mucha más presencia.

.se considera la primera Opera porque empieza a tener todas las cosas técnicas y nuevas del barroco, ya
deja de tener cosas del Renacimiento como Gabrielli que tiene características aun del renacimiento.

Precursor del Bel canto

*los nombres de las Operas son siempre sacados de la Mitología Griega, renacimiento.

(Imp.) -Primer Teatro Público (1637): en Venecia, donde Monteverdi va a estrenar 2 Operas, en la
coronación de Popea (1642) es la primer opera que deja de utilizar el motivo renacentista de tomar la
cultura griega y utiliza un motivo histórico.

.Usa 2 términos: -Primera Practica: todo lo que tenía que ver con componer ateniéndose exclusivamente
a las reglas del contrapunto donde no se entendía el texto.

-Segunda Practica: esta nueva forma de componer poniendo encima de toda la palabra y eso le permitía
hacer nuevas cosas, primero no atenerse tanto a las reglas del contrapunto y por otro lado empiezan a
surgir las disonancias que ayudan a acentúan el sentido del texto (antes no se permitía pero en la
búsqueda que el texto sea más importante, se permite esto para provocar distintos sentimientos).

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La Opera en Italia:

*Todo lo que se formó en Florencia ahora pasa a Roma, roma toma todo lo que se haya experimentado
en Florencia y lo va a desarrollar en esa ciudad

Estamos situados en 1620 roma ya empieza a ser el centro importante de la Opera italiana, ya que empieza
a tomar temas primero sobre temas alegóricos y religiosos por un empleo mas extensos de los coros se
acostumbraba a doblar a esos coros con los instrumentos

Operas Alegóricas: los personajes eran sentimientos abstractos

El Instrumento mas predominante en la orquesta en roma pasa a ser las cuerdas

Toma importancia el aria ya definiéndose la diferencia entre recitativo y aria

Influye mucho la Opera romana en Francia y Venecia

Acá lo importante se fundó el primer teatro público y hubo un cambio bastante drástico en la Opera
porque ya el publico va a ser el que cambie el estilo, la forma y los temas de la Opera. El publico empieza
a pedir más,

Teatro san brasiano

La Opera Veneciana:

1-La puesta en escena se empezaron a utilizar maquinas, mejor producción (más lujo, atraer más público)

2-Mas lujo de las vestimentas de los Cantantes

.Los castrati que eran muy virtuosos: La Iglesia había prohibido que las mujeres participaran en las
operas entonces empezaron a aparecer los castrati que decían que su voz tenia mas pureza y se
desarrollaba mejor que la voz de la mujer porque tenían la potencia de la voz de un hombre y al estar
castrado mantenían el timbre de su voz blanca.

En la escuela veneciana se le va a dar mucha importancia al bel canto

.Opera seria: estaba destinada a la aristocracia los temas eran históricos y mitológicos, los personajes eran
virtuosos, duraban de 2 a 3hs

.Opera Bufa: estaba dirigida al pueblo, se trataba de criticas a la sociedad alta o de situaciones cotidianas,
no tenía tanto virtuosismo

Obertura: tenia 3 movimiento, aparece el mov. Lento-rapido-lento, esto se va a seguir usando en

Francia…

Obertura de Dido y Eneas: Obertura Francesa porque al principio tiene ritmos lentos con melodías de
ritmo apuntillado, la segunda mitad arranca muy movida, una escritura Fugal y a veces vuelve a la
primera sección.
Opera Henry Purcell: el coro aclaran (enfatizar) algo o reafirman algo que dijo la cantante, reiteran una
frase, le dan continuidad al argumento (la misma función que tenían los coros en Grecia)

En Inglaterra debido al Idioma era muy difícil la adaptación del recitativo (Imp.) por eso la Importancia
porque no había obras de compositores como Dido y Eneas (Henry Purcell) el resto de los compositores
no eran tan buenos, como por empezar la cantidad de Consonantes. Importante los coros para la mus.
Inglesa de la epoca

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Italia en la misma época en que en Italia empezaban a promocionar los comienzos de la Opera en Florencia
(1590 aprox.). En Francia en la misma época

Opera en Francia:

Muere enrique IV y comienza el periodo barroco francés. Su sucesor Luis XIII muy interesado en la música

En Francia la monarquía utilizaba la música como un arma (relación barroco Frances-monarquía con un
uso político)

S.XVI en Francia no toleraban los Italianos mucho pero en este momento lentamente se va adoptando el
gusto por el barroco

Pasan aire de Corte, canción para voz sola y recitativo: el antecesor de estas 3 estilos fue la fundación de
una academia en 1571 y un mov. De restauracionista de tanto la música como el lenguaje principalmente

-(Muy Imp.) La academia (1571) hacia foco en el lenguaje, estaba dirigida a la poesía principalmente
después todas esas reformas van a tener influencia en la música (esta época es antes que la camerata
Florentina), ya tenemos un mov. En donde le empieza a dar importancia al lenguaje, y dicen música
medida a la antigua, en donde van a tener en cuenta la métrica Griega para la elaboración de poesía
pero esas poesía que se utilizaban, se estudiaban y reformaban (todas las poesías que en esa academia
se iban a estudiar y que se profundizaba el conocimiento )se van a utilizar en las canciones para voz
solista, recitativo y en los aires de cortes.

De estas 2 cuestiones (Academia y Restauración) nacen 3 estilos: Aire de corte, Canción para voz sola y
Recitativo.

-El Aire de Corte: si le sumamos danzas y otros elementos, se va a crear el Ballet de Corte y esto va a
evolucionar al Ballet melodramático y este a su vez en los inicios de la Opera Francesa.

Es una canción monódica con Acomp. (melodía acompañada, En la edad media era melodía pura con a
lo sumo duplicación de la voz) (Homofonía era un textura acordal cuando tenemos un coro y todo las
voces se mueven homorrítmicamente se van generando armonías y es una textura acordal) se escribía
para 1 o más voces (podía ser o no acompañamiento Instrumental)

La voz que tenia importancia era la superior y el Bajo (en el barroco el bajo se acompañaba a veces de
un cifrado, ese cifrado me da la armonía, es decir la armonía deriva de la base que son esas notas del
bajo y desde los comienzos S.XVII la voz superior e inferior como están en los extremos son las que mas
se oyen el relleno queda en segundo plano)

la estructura era sencilla es de forma estrófica y la estrófica es binaria podía ser AB (si tenía estribillo se
repetía)

Las estrofas eran cortas maso menos de 4 a 6 versos (los versos eran octosilábicos pero no eran fijos)

Ritmo muy Libre, no tenia casi barra de compas, no tenía compases regulares

-La Música era refina da y era para ser cantada en las coretes

-El contenido era sentimental

-El lenguaje era preciosista (preciosismo: fue un mov. En el barroco francés que era elevar el refinamineto
de la cultura tatandose de separarse de la corte de Enrique Iv que era considerado bulgar)

-Adrien le Roy: 1520-1598: fue compositor, editor de música, coofundo una imprenta en 1571 publica una
obra con muchos aires de cortes y dice que es música cortezana pero con formas musicales populares (la
música era con acomp. De laud sin ser polifonico)

-Principales Compositores:

Guédron: fue intendente de la música en la corte Francesa , compuso muchos aires e introduce en el Aire
de corte el recitativo (quiso imitar a Rinuccini y Caccini) trata de imitar (había muchos músicos italianos
que estaban en la corte francesa, ahí en Francia empieza aparecer el recitativo).

Boésset: compositor, introduce en sus “Aires de Corte” (1642) repeticiones de palabras de largos
intervalos melódicos (ya que antes los franceses criticaban esto en los italianos)

-Formas del Barroco Italiano en el Frances:

Pierre de Nyert: se perfecciono en Italia, Introduce en la escuela de canto francés innovaciones de los
Italianos.

En el 1642 el Bajo continuo se implementa completamente en frANCICA

No les gustaba el bel canto como los castrati

La opera italiana era permitida en italida si la Oera contenia numerosos ballets

-La Canción para voz sola: florecio junto con el aire de corte. Tenía melodía viva y frzca, un ritmo vigoroso

El tiempo era libre y se adaptaba para poesía.

-Ballet de Corte: era Aire de corte mas danzas mas otros elementos surge el ballet, tiene su origen en la
cortes

-Mascarada (fines del S.XV-principio del XVI) eran muy común previo al barroco, tienen mucho que ver
con el origen de la Opera
-Los Italianos en Paris:

Cardenal Mazarino era italiano de nacimiento, fue primer ministro en la corte de Luis XIV, favoreció
muchos puestos

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Lully: Desarrolla la Opera al estilo Frances, él hacía Ballet que luego va a influenciar el estilo de la Opera

lully utilizaba recitativo seco sino recitativo acompañado por orquesta

Introdujo el recitativo acompañado por orquesta

*Introduce en un orquesta los instrumentos de Viento para dar un contraste, la orquesta se empieza a
conformar en el barroco y con más cantidad músicos. En el renacimiento era muy común los
instrumentos de viento pero no se mezclaban con las cuerdas, las cuerdas tenían su propias
conformaciones de cámara.

la voz empieza a tener importancia porque en el barroco medio se empieza a componer Operas,
Oratorios, Cantatas. La voz va a tener una importancia que va a superar a la importancia de los
Instrumentos no así en el Barroco tardío sucede al revés va a haber una desigualdad para la voz con
respecto al Instrumento

(Aire: hay un estilo instrumental renacentista que es el ayre que es el que surge en Inglaterra con taura,
tenía que ver melodía con acompañamiento de laud generalmente 2 voces con acomp.

Ahora en el barroco francés Aire de corte puede ser Aria de corte porque la voz tiene una mayor
preponderancia sobre el acomp.)-no muy seguro si entra

La obertura francesa: el ritmo consta de 2 partes: la primer parte es lenta a comparación de la segunda
que va a ser más rápida y es una melodía con puntillo

La segunda parte: arranca con un ritmo más frenético,

Bach: resumen los 3 estilos principales del barroco que es el Barroco francés, Alemán e Italiano

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Bel Canto: alrededor 1630 se produce un cambio muy significativo en la música italiana que primeramente
afecto la música vocal, el estilo recitativo consiste en la texto literario, la fuerza formadora es la letra no
el discurso melódico hay una gran ausencia de esta.

Las Arias:

-El aria estrófica: eran estrofas, cada estrofa tenía una melodía diferente pero el bajo es siempre el
mismo Y se aplicaba en los comienzos de la cantata , la que más se utilizaba porque el “Aria da capo “
era más refinada, de las ultimas que aparecieron y aparecieron en la Opera y eso que apareceré en la
opera luego se traslada a la cantata y el Oratorio.
-Bel Canto: La armonía era experimental al principio, cambiaba la armonía en principio era experimental
y luego se empieza a sistematizar y se va air diferenciando después de la Camerata Florentina. El
recitativo del aria empezaba a ser, experimentan mucho con la subdominante y dominante tónica, se
empiezan a usar compases ternarios

Se eliminan los contraste, se Elimina en todas las obras que se aplican al bel canto y el Bel canto en el
tipo de composición en donde más se aplica es en el Aria, en el aria no Tenes contraste rítmico, eso lo
Tenes en el recitativo pero no en el Aria, el bel canto no lo vas a aplicar en todos lados sino
principalmente en las Arias. El contraste principal en cualquier Obra que tiene Arias y Recitativos esta
justamente en el hecho de tener Arias y Recitativos, no dentro de la misma pieza, ósea en el caso de un
Aria vos no tenes los contrastes rítmicos que vas a tener si tenes un recitativo y un Aria, y menos al
tener compases ternarios porque por los general los compases ternarios eran los preferidos para la
danza y la música Instrumental, si yo tuviera contrastes rítmicos le quito fluidez.

*Estamos en una época de Intercambio entre Música Instrumental y Vocal, como en el Caso del Bel
canto que pasa de la voz a los segundos movimientos Instrumentales

-La Cantata (estilo musical): aparece en el Sexto libro de Monteverdi donde las 7 voces la unión hacían
de narrador y después cada una hacía de personajes distintos (Barroco Temprano)

Había distintos tipos de cantatas, el madrigal que habla el texto es el que da origen más que nada a lo
que es la Cantata Profana que es la Primera que aparece, aparece antes que la cantata eclesiástica y de
esta su máximo desarrollo lo vamos a estudiar en la cantata eclesiástica con Bach es el máximo
representante. Las cantatas Eclesiásticas se desarrollan después y tienen otro tipo de origen, derivan
de los motetes con bajo continuo (ósea los motetes en el Barroco temprano tenían todavía acordes que
eran puramente vocales y otros que se les proporcionaba un Bajo Armónico, después todos van a tener
Bajo Continuo)

la estructura de las cantatas es muy básica no pasa de recitativo, aria, recitativo, etc.

.Como diferencio de una Cantata Profana de una Eclesiástica: puede llegar a tener una introducción
instrumental o no, el texto (usa texto narrativo), en la cantata profana: melodías simples, una armonía
y un acompañamiento simple, no hay Narrador, rítmicamente como en los recitativos, la forma de
cantar existen expresiones (Ej: exclamaciones) que no hay en una Cantata eclesiástica.

En una cantata Eclesiástica voy a usar textos del Evangelio o relacionas con la religión, más elaborada,
más instrumentos, (antes en el renacimiento había conjuntos pero de una sola familia de Instrumentos,
ahora se mezclan), el cantante emplea coloratura, melismas, virtuosismo parte de lo que es el Bel Canto,
en el Recitativo Ecle. la voz es más melódica que en el Rec. Profano (después que Bach muere cantata y
Oratorio empieza a declinar) (la textura del Aria seguía siendo monodia con acompañamiento por la
voz con acomp. aunque el acompañamiento instrumental sea más contrapuntista que un Bajo Continuo
al oído)

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¿Qué estructura tiene la estructura de la Cantata?: Variable

el desarrollo seria en el Barroco Tardío

.La conformación orquestal de una cantata es muy sencilla (como 2 violines, 2 violas y un bajo C.)

-siempre la cantata empieza un movimiento que es puramente Instrumental que se llama Sinfonía, se
lama Sinfonía porque es un mov. Concertante, Instrumental.

Normalmente las cantatas comienzan con una introducción que puede llamarse sinfonía, a veces el
nombre que lleva el primer mov. Esta implícito una intención del compositor

-Cantata n°4 (de Bach)-Barroco tardío: La Estructura: Sinfonía – 7 Versus (secciones)

Basada en un Coral de Lutero y a la Vez en una secuencia católica del S.XII, el punto importante de esta
cantata radica que el texto es el Original y que casi no tiene modificaciones.

Cada Versus termina con un Aleluya (fragmento coral), la secuencia acompaña al Aleluya. La secuencia
y todos los versus terminan con un Aleluya

La cantidad de Contrastes

(Hace el contraste en los mismo versos, tenía la secuencia católica mas el coral luterano que esta basado
en la secuencia

-Cantata n°150: sinfonía - coro- Aria – un Terceto (voces y B.C) – Coro - Chacona (porque solía incluirse
en ciertas cantatas de este periodo números de música Instrumental)

-Cantata n°140: Coro – Recitativo - Dueto (soprano y Bajo) – Coral (con 1 solista Tenor) – Recitativo –
Dueto (soprano y Bajo) – Coro.

Diferencia: En el Coral tenes solista

El Oratorio es un poco más Organizado porque hay una historia, hay un narrador pero es un poco más
organizado

Oratorio (forma vocal e Instrumental): surge alrededor del 1600, en roma había un sacerdote Felipe de
Neri y lo que hacía era tratar de hacer conocer la fe tratando de reclutar la mayor cantidad de jóvenes
que podía, y para enseñarles los reunía en un Oratorio (un lugar para rezar) y lo que hacía era enseñar
la fe, tomaban los diálogos de los dramas litúrgicos y hacia comentarios (cada determinado tiempo
hacia introducía comentarios) y él lo que hace con estas obras habladas (no cantadas) da el lineamiento
general que va a tener el Oratorio

Es una composición que también tiene varias partes, que comparte con la cantata (este tipo de formas)
el hecho de tener coros, recitativos y arias, y esta basado sobre un texto del antiguo testamento.

Suele tener un narrador, hace el papel que tenía el coro en Grecia. Hace algún comentario sobre la
historia a medida que va trascurriendo, hay un argumento como la Opera. Hay una Obra de Cavalliere
“ la representa” (esa obra tenía escenificación, era totalmente cantada, personajes alegóricos y además
) que la vamos a utilizar como antecedente del Oratorio pero que algunos lo usan como Oratorio porque
tiene representación escénica, canto todo el Tiempo (opera), en Oratoio hay un argumento y tiene un
texto relacionado con la religiosias

Se dice que es la contraparte sacra (no litúrgica) de un Opera, sacra porque Litúrgico lo estamos
introduciendo dentro de algún tipo de ceremonia, el Oratorio se puede representar fuera de una
ceremonia (de una Iglesia) no hace falta que este dentro de una ceremonia. Pero las Cantatas si formaba
parte de una misa, se escuchaban cantatas antes de las solimias o depues de las solimias de los
sacerdotes, se utilizaban como para meditar mucho (esta incluida en el oratorio de la Misa)

Teníamos distintos tipos de Oratorio: ya desde muy comienzo, el Oratorio Vulgar (hablado en Italiano
y el Oratorio Latino (completamente en Latín).

.Melodías sencillas, similares a los laudes del S.XII luego se aplica en los comienzos del Oratorio

.Tiene una Orquesta un poco mas nutrida que la de la Cantata, mayores dimensiones que una cantata,
dura un poco más. (en Alemania había más interés por las pasiones que los oratorios)

En Inglaterra el oratorio se desarrolla con Heandel 1710 capta la esencia del gusto inglés y lo aplica al
oratorio(el gusto inglés era la utilización de coros y la adaptación de la lengua inglesa a la música. Los
coros son muy nutridos y muy importantes en cuanto al contrapunto)

Los oratorios tienen carácter dramático, las historias podían ser aptas para la escenificación, o carácter
épico dentro de la temática religiosa. El único oratorio que se ah escenificado es el de cavalieri, no lleva
escenificación, en el periodo tardío cuando se termina de desarrollar el oratorio no lleva escenificación
algo que difiere de la Opera y que comparte con la cantata.

-Oratorio Latino: por lo general era más elaborada y complejo

-Oratorio vulgar: como eran en Italiano atraían a mucho mas gente porque era en italiano y las melodías
eran más sencillas

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M. Inst. Francesa:

Estilo Brisé: hablamos del estilo de los Laudistas (estos toman algo de los Virginalistas Ingleses-no
usaban los Arp. Demasiado-)

Se aplica al clavicordio
Recorrido del Estilo Brisé se va enriqueciendo:

Virginalistas Ingleses -> Laudistas Franceses -> Clavesinistas Franceses

Clavesinistas franceses: se siguen sosteniendo esto que las voces estan interrumpidas
Se siguen manteniendo los adornos
Pero se desarrolla mucho mas el aspecto ritmico entonces va haber ritmos que son muy
repetitivos y que muchas veces se asemejan a ritmos de danzas
-Aparición de Sincopa
El acento estaba en la complejidad rítmica y en el hecho de tratar de dar una sensación armonica
mas que contrapuntística
Se seguían usando arpegios