Paisaje

Ansel Adams

Ansel Easton Adams (San Francisco, California, 20 de febrero de 1902 - 22 de abril de

1984) fue un fotógrafo estadounidense, conocido por desarrollar el llamado sistema de
zonas.
Fotografía por Ansel Adams: Trabajadores frente al Monte Williamson.

Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional de
Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros
sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El
Negativo y La Copia). Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros
maestros como Edward Weston, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y otros.

Su sistema de zonas es una demostración de cómo la cámara o el fotómetro (o

exposímetro) de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media.
El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos
de gris quiera fijar como punto de medición. El fotómetro de cualquier cámara, incluso
digital, siempre "quiere" ver la zona medida como un gris medio.

Espero ansioso nuevos procesos y nuevos desarrollos. Creo que la imagen

electrónica será el próximo gran avance. Estos sistemas tendrán características
estructurales ineludibles, y tanto los artistas como los técnicos deberán hacer un
renovado esfuerzo para comprenderlos y controlarlos.
Ansel Adams

—Marcus DeSieno

In our increasingly intrusive electronic culture, how do we delineate the boundary

between public and private? “Surveillance Landscapes” is a body of work that
interrogates how surveillance technology has changed our relationship to—and
understanding of—landscape and place.

To produce this work, I hack into surveillance cameras, public webcams, and
CCTV feeds in pursuit of the “classical” picturesque landscape. The resulting
visual product becomes dislocated from its automated origins and leads to an
investigation of land, borders, and power. The very act of surveying a site
through these photographic systems implies a dominating relationship between
man and place.

Ultimately, I hope to undermine these schemes of social control through my

blurred, melancholic images—found while exploiting the technological
mechanisms of power in our surveillance society.

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Alfredo De Stéfano

es un artista visual y fotógrafo mexicano (nacido en Monclova, Coahuila, en

1961) considerado uno de los fotógrafos conceptuales contemporáneos más
importantes de México. Su pasión es el paisaje y específicamente el desierto,
panorama que ha recorrido infinidad de veces fotografiándolo e interviniéndolo.
Buscaba un espacio para contar historias. Lo que le interesaba era reflexionar
sobre el entorno, las condiciones de aridez extrema y poder escoger un lugar
donde pudiera hacer su intervención. Siempre le llamó la atención el paisaje. Es
de Coahuila y el desierto ha estado muy presente en su niñez. La mayoría de los
fotógrafos empieza con la figura humana o con foto documental. Pero él,
intentando descubrir su lenguaje se enfocó en el desierto. Fue un camino muy
complicado. Primero hizo paisajes sin presencia humana, luego convirtió al
desierto en un escenario donde crear las instalaciones que fotografía. El desierto
es el lugar que considera su inmenso paraíso personal, y donde aborda la
narrativa de su discurso sobre el vacío, la luz, la vida y la muerte, ahondando
sobre lo efímero de nuestra existencia y la perdida de nuestros rastros.

Es considerado uno de los fotógrafos conceptuales contemporáneos más

importantes de México.Su discurso explora la relación entre la vida y la muerte,
un tema eterno e inagotable en el mundo del arte.
En mi obra fotográfica de los últimos años he estado interviniendo el paisaje, ya
sea montando escenas o escenarios con una variedad de elementos, tanto
naturales como manipulados. De esta manera, en medio de la vastedad a veces
agobiante del desierto, construyo y fotografío espacios íntimos, algunos de los
cuales son metáforas de la dolorosa desertificación del planeta causada por el
hombre, y otros funcionan como alusiones irónicas a nuestra relación con el
desierto.

Lo mío es una acción que reintegra un acto de reflexión sobre lo que el desierto
ha perdido, pero también una forma de devolverle, desde una intervención
personal, su memoria devastada. Obviamente, en el desierto esta intervención es
un acto efímero pero trascendente en la memoria fotográfica que ha logrado
concretar un deseo.

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Awoiska van der Molen

es una fotógrafa holandesa (nacida en 1972 en Groningen, vive y trabaja en

Ámsterdam) cuya obra se basa en un enfoque intuitivo de la creación de imágenes y de
su interés en las cualidades intangibles de sus sujetos.

Desde 2009, ha realizado imágenes abstractas en blanco y negro en la naturaleza. Al

pasar largos períodos de tiempo en soledad en paisajes remotos, lentamente descubre
la identidad del lugar, lo que le permite capturar sus cualidades emocionales y físicas
específicas. Usando su experiencia personal dentro del paisaje para su proceso
creativo, instintivamente busca un estado del ser en el que el límite entre ella y su
entorno se desdibuje, ofreciendo una ambigüedad visceral y elusiva.

Sin títulos ni ninguna indicación de ubicación, sus impresiones de gelatina de plata a

gran escala recrean sus experiencias personales en el paisaje para el espectador y
permanecen abiertas a la interpretación. Sus composiciones tienen tanto las cualidades
pictóricas del abstraccionismo temprano y la atención meticulosa a los detalles de la
Escuela de Fotografía de Düsseldorf de los años ochenta. Sus imágenes están
realizadas a mano en el cuarto oscuro, continuando la secuencia íntima y laboriosa de
procesos lentos con cámara de gran formato y creando una quietud única que emana
de su trabajo.

Para alcanzar este "estado", "quito" la presencia superficial de lo fugaz ahora, del
hombre e incluso de la tierra misma, hasta que siento que he llegado al núcleo.
A veces, pienso en mi trabajo como el Monadnock, una roca geológica que queda
después de que el material blando a su alrededor haya sido eliminado a través de un
largo proceso de erosión. Solo queda la piedra más dura, el núcleo.

Luther Gerlach

es un fotógrafo estadounidense que ha estado trabajando en procesos y

tecnologías fotográficas históricas durante los últimos 30 años y que ha dado
más de 200 conferencias y demostraciones en el J Paul Getty Center.

Muy a menudo, siento como si mi alma estuviera en el pasado y mi mente en el

futuro. Las cámaras clásicas y los procesos que utilizo tienen una cualidad
mágica, lo que me ayuda a producir una indefinible profundidad de sentimiento y
estructura poética en mis fotografías. Mi principal preocupación es que mi arte se
comunique tanto a nivel fáctico como en belleza y emoción.

Durante los últimos 30 años ha explorado los diversos procesos fotográficos,

concentrándose en los utilizados en los primeros cincuenta años de la fotografía.
Gerlach utiliza su extensa colección de cámaras y lentes antiguas para su
trabajo, con un enfoque especial en las cámaras gigantescas. Su pasión por los

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últimos 15 años ha sido por el colodión húmedo en sus variantes positivos,
ambrotypos y tintypos. Gerlach también construye sus propias cámaras de gran
formato, las más recientemente en 2013, la The Griffiness 24x26”.

Gerlach ha realizado más de 200 demostraciones, conferencias y talleres sobre el

terreno desde 2001 sobre la historia de la fotografía, incluyendo el colodión en
placas húmedas, albumina, platino y fotograbado en el J. Paul Getty Museum de
Los Ángeles y el Getty Villa en Malibú. También ha dado demostraciones y
conferencias en el Denver Museum of Art, Natural History Museum en Santa
Bárbara, Carne Santa Paula Museum, Palace of the Governor en Santa Fe y en el
Seattle Art Museum. En algunos de estos talleres se apoya en su autobús
personalizado como cuarto oscuro, lleno de cámaras y lentes raras.

Jenny Ellerbe

es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1960, vive en Monroe, Luisiana) cuyo

objetivo en su trabajo no es sólo documentar las zonas rurales de Luisiana sino
realmente introducirse dentro de ellas y ver qué las hace únicas. En blanco y negro
puede acercarse más al interior de lo que está fotografiando y descubrir imágenes que
nunca imaginó, creando poesía visual a partir de escenas capturadas en entornos
rurales.

Durante los últimos años ha estado desarrollando un estudio a largo plazo de la zona
rural del noreste de Luisiana, la región entre los ríos Mississippi y Ouachita. Ha vagado
por las vastas tierras de cultivo y las comunidades rurales que se levantan allí
recolectando imágenes que cuentan la historia de esta tierra y lo que da a aquellos
que viven aquí temporada tras estación, generación tras generación.

Hin Chua

es un fotógrafo malayo (nacido en 1974 en Kuala Lumpur, Malasia, vive en

Londres, Inglaterra) que en gran parte de su trabajo utiliza una mezcla de una
estética compositiva con la comedia del absurdo.

Hin ha utilizado su vida nómada como inspiración para su fotografía, capturando

temas que van desde los trabajadores de oficina en su serie They Called me a
Corporate Whore a los paisajes urbanos y rurales en After the Fall.

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Asako Narahashi

es una fotógrafa japonesa (nacida en 1959 en Tokio, donde vive y trabaja) cuyo trabajo
se centra principalmente en la relación entre el agua y la tierra. La parte principal de su
trabajo es disparado desde el agua ofreciendo un punto de vista diferente e inesperado
en la tierra.
A partir de 2001, comenzó la serie half awake and half asleep in the water, donde
captura escenas marinas desde la intersección del agua y el aire con una cámara
resistente al agua, una Nikonos de 35 mm . Este extraño punto de vista proporciona
una perspectiva extrañamente convincente en la fotografía de paisaje y unas
condiciones casi ideales para la fotografía tradicional, al no tener estabilidad ni
previsión de todos los elementos. Serendipia y casualidad se convirtieron en una parte
integral del proceso.

David Hockney

es un pintor, proyectista, escenógrafo, impresor y fotógrafo inglés (nacido en

Bradford el 9 de julio de 1937, vive en Bridlington, Yorkshire del Este, y
Kensington, Londres) que fue un importante contribuidor del movimiento de Arte
Pop en la década de los 60, siendo considerado uno de los artistas británicos
más influyentes del siglo XX.
A principios de los 80, Hockney comenzó a producir sus joiners, que son
collages hechos de fotografías, que primero eran instantáneas Polaroid y luego
simples copias de 35mm impresas comercialmente. Debido a que las fotografías
están tomadas desde diferentes perspectivas y en momentos ligeramente
distintos, el trabajo resultante es afín al Cubismo, en una discusión de como
trabaja la vista humana. Algunas piezas son paisajes, otras son retratos, como el
de su madre.

Comenzó a trabajar más con la fotografía después de su descubrimiento y dejó

de pintar por un tiempo para desarrollar esta nueva técnica. Frustrado con las
limitaciones inherentes de la fotografía y su enfoque unilateral, regresó a la
pintura.

Bernd y Hilla Becher

fueron dos fotógrafos alemanes (Bernd Becher nació en Siegen el 20 de agosto de

1931, y falleció en 2007, Hilla Wobeser nació en Potsdam en 1934, y falleció el 10 de
octubre de 2015) conocidos por sus series de imágenes de edificios industriales
examinando similitudes y diferencias en estructura y apariencia. Durante décadas,
ambos documentaron en blanco y negro la historia y el desarrollo de las construcciones
industriales en Europa y Estados Unidos y para ello, visitaron los principales ejemplos

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industriales de varios países. En sus series de fotografías pueden verse tanto edificios
aislados como grandes fábricas y complejos industriales.

Las imágenes de los edificios con idéntica función eran mostradas juntas invitando al
público a comparar las formas y diseños. Estos edificios eran principalmente graneros,
torres de agua, silos de almacenamiento, castilletes de extracción o altos hornos.

Todo su trabajo es en blanco y negro. Ellos mismos cuentan que en el momento en el

que aparecieron las primeras películas en color hicieron algunas pruebas sin
convencerles lo más mínimo.
Desde 1976 hasta 1996 Bernd fue profesor en la Academia de Bellas Artes de
Düsseldorf y ha influenciado a numerosos estudiantes que harían más tarde fotografía
industrial. Entre ellos encontramos a Andreas Gursky, Thomas Ruff, Thomas Struth y
Candida Höfer.

Adam Edberg

In calculated performances that intersect with photography’s documentary

potential, I explore ephemeral occurrences. Making such humble events happen
is alchemy of sorts, the transformation of the mundane into the poignant. Within
the constructed images, I reposition specific celebratory iconography to create
minor spectacles. My process requires detailed and elaborate production outside
the photographic frame so that what appears within the frame implies simplicity
and straightforwardness. It is important to me that these constructions actually
exist in the world, if only for the moment in which the photograph is made.

Hiroshi Sugimoto
es un fotógrafo japonés (nacido en Tokio el 23 de febrero de 1948, está afincado
en Nueva York desde 1974) que realiza fotografía conceptual con su cámara de
gran formato 8x10” y sus largas exposiciones, consiguiendo una reputación de
fotógrafo con una gran habilidad técnica.

Sus series de fotografías, desarrolladas a partir de propuestas conceptuales muy

definidas, como Dioramas y Wax Museums (1976), Theaters (1978), Seascapes
(1980), Bays (1995) o Architecture (1997), lo han consagrado como uno de los
más sólidos valedores de la fotografía estadounidense.

Sugimoto tiene mirada de escultor, de pintor, de arquitecto y de filósofo. Utiliza

su cámara fotográfica en una miríada de modos para crear imágenes que
contengan de sus temas la esencia, ya sea arquitectónica, escultural, de pintura
o de la propia naturaleza. Da un valor extraordinario a la artesanía, imprimiendo
sus fotografías con atención meticulosa y una comprensión profunda de los
matices de la impresión argéntea y de su potencial, con una gran riqueza tonal
en su gama de colores aparentemente infinita de negros, blancos y grises.

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Ana Junko