Introducción

En este trabajo conoceremos la Historia de la Música a través de los tiempos, y de su

evolución e importancia en nuestra sociedad.

Viajaremos desde Oriente, pasando por la India y Europa conociendo las distintas épocas
de la música clásica, opera y compositores más famosos...

Conoceremos desde el simple sonido del tambor más prehistórico hasta la música con
sintetizador más avanzado de nuestra época...

HISTORIA DE LA MÚSICA

La prehistoria y las civilizaciones antiguas

Hace más o menos 51 mil años o más nuestros antepasados inventaron la música. Los
hombres primitivos tenían preocupaciones. Como no conocían la agricultura tenían que
buscar sin cesar el alimento, mientras se defendían contra sus semejantes o contra los
animales feroces. Eran a la vez cazadores y cazados, lo que les obligaba a
desplazamientos continuos.

Un buen día el hombre descubre que puede imponer su voluntad a la naturaleza. Algunos
animales buscan su compañía y aprenden a obedecerle; algunos vegetales comestibles se
pueden plantar y de esta forma multiplicarse.

Entonces unas tribus nómades descubren los encantos de la vida sedentaria. Se afincan
en valles fértiles o fundan pueblos y luego ciudades. Estamos entre los años 10 mil y 5 mil
ac.

Los pobladores de algunos valles; Tigris y Éufrates, Nilo, Rio Amarillo... fueron los
primeros en muchas cosas: metales, carros de ruedas, escrituras, aritmética y música.

Verdadera música como hoy la entendemos.

Varias regiones fueron destruidas por cataclismos naturales, los libros antiquísimos
hablan de ello, es El Diluvio del que habla La Biblia. Quizás se trate de inundaciones
catastróficas provocadas por los grandes ríos pero no por eso menos devastadoras.
Ciudades enteras fueron destruidas con sus habitantes y sus tesoros. En cambio se han
encontrado instrumentos de música, escritos, esculturas de la época que siguió al Diluvio,
etc.

Los que escaparon del Diluvio entre el Tigris y el Éufrates tocaban la flauta de plata, el
arpa, la lira, el tambor o el laúd.

La música en Egipto

En Egipto, tierra de las pirámides y la esfinge, la música es un misterio. Se admite su

influencia sobre la cultura musical griega y la existencia de indicios sobre instrumentos
conservados. Se deduce que los egipcios poseían instrumentos de cuerda viento y
percusión ya que se encontraron en algunas tumbas faraónicas figuras de flautas.

Empleaban el movimiento de la mano, para indicar la ondulación melódica marcaban el

ritmo con palmadas, cistros platillos y tambores. También para indicar la marcha de la
melodía se valían de movimientos de las manos.
La música se la asignaba con una doble posibilidad, por un lado la capacidad de motivar
en el hombre una sensación (gozo y alegría) y por otro lado el de crear sensaciones de
naturaleza mística y mágica.

La música en la antigüedad consistió en la exteriorización de los sentimientos del hombre

a través del sonido de su propia voz.

Los primeros instrumentos fueron los objetos o utensilios o el mismo cuerpo del hombre
que podían producir sonidos.

Los diferentes instrumentos musicales primitivos están clasificados en:

 Autofonos: Aquellos que producen sonidos por medio de la materia con la que están
construidos.

 Membranofonos: Serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el

hombre, por ejemplo tambores hechos con una membrana tirante sobre una nuez de
coco, un recipiente cualquiera o una verdadera y autentica caja de resonancia.

 Cordonofonos: De cuerda, por ejemplo el arpa.

 Aerofobos: El sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire.

Uno de los primeros instrumentos fue la flauta, construida con un hueso con agujeros.

La música en Grecia

Los griegos componían música sobre la base de tipos de música ya consagrados o sea: no
creaban música.

Solían agregarle un determinado esquema musical a diferentes poesías o alteraban su

ritmo dando nacimiento a otras obras musicales.

Tenían géneros melódicos muy variados:

 Prosodia: canto entonado cuando la procesión se dirigía al templo.

 Hipoquerma: melodía asociada a movimientos corporales propios de danzas

griegas.

 Ditirambo: canción en honor de Dionisio o Baco (Dios del Vino)

 Pean: himno en homenaje a Apolo.

 Treno: canto fúnebre y doliente creado por Linos.

 Elegia: carácter triste.

 Himeneo y Apitalemio: carácter alegre para el casamiento.

Sobre la base de estos géneros se elaboró toda la música lirica en Grecia, pero se fueron
introduciendo otros géneros liricos como:

 Dafneforicas: entonados por portadores de laurel.

 Oscoforicas: entonados por quienes llevaban una rama de vid.

  Tipodeforicas: entonadas por 2 personas que cargaban trípodes.

El sistema musical se nutrió de los principios de Pitágoras.

Los antiguos griegos dividían el marco melódico en 2 cuartas. En las célebres fiestas
nacionales se organizaban procesiones en las cuales se danzaba y cantaban ditirambos.

En las representaciones teatrales el coro era un personaje importante en las tragedias

griegas.

La música en Roma

Roma conquisto militarmente a Grecia pero el vigor y el esplendor de la civilización griega

domino al nuevo imperio. Las artes, las ciencias, la filosofía pasaron a integrar el
pensamiento romano.

La tragedia y la música griega se afincaron en la península desarrollándose a la manera

romana, tomando características que en muchas oportunidades desvirtuaron el significado
estético que la música había alcanzado entre los griegos.

En Roma tuvieron gran auge las fiestas musicales consistentes en brillantes cortejos
formados por centenares de músicos y coros inmensos que recorrían la ciudad.

De todos los ámbitos del Imperio acudían a Roma los “músicos virtuosos”, verdaderos
showmen a quienes interesaba brindar un espectáculo lleno de excentricidades. Había
celebres artistas que se hacían pagar muy bien y que llevaban una vida de lujo. Entre los
más famosos sobresalieron los griegos como Terpnos, gran citarista y maestro de Nerón,
Polon, etc.

En los teatros romanos edificados a la manera griega se comenzó a representar

“comedias”, siendo los principales autores Plauto y Terencio.

La Tragedia no tuvo mucha aceptación su principal cultor fue Seneca. Entre las obras del
filósofo quedaron algunas como Medea, Las Troyanas y Agamenón.

Los romanos utilizaron instrumentos de distintos pueblos de la antigüedad. Roma tuvo

bajo su poder a pueblos enteros que a su vez aportaron sus tradiciones al mundo romano.

Los instrumentos solistas más importantes fueron: la lira, la citara, el aulos, el oboe, el
cerni, también los platillos y los timbales.

El pueblo romano se preocupó por la música y el lenguaje, por ejemplo, algunos oradores
estaban acompañados por un flautista.

Desarrollo de la música en el Lejano Oriente

La música en China:

En China el emperador Shih Huang-Ti fue quien ordeno la destrucción de todos los libros.
Todo lo que se sabe del pasado de China se sabe por leyendas o por la enseñanza oral de
los sabios que preservaron la antigua cultura.
La música en China atrajo a viajeros occidentales que visitaban ese país, ansiosos de
novedades. Los chinos diferenciaban las notas de la música, las notas eran para los
hombres ordinarios, la música a los hombre sabios.

Linr-luen, de profesión sabio, invento la teoría musical china, una teoría tan perfecta que
ha servido hasta nuestros días.

Creo la gama china, cortando caña de longitudes bien calculadas y soplando en su interior.

Los chinos formaron la escala que los europeos llamaron “cromática”, descubierta por el
maestro de música de Hoan-Ti.

Inventaron instrumentos con diferentes materias primas y los dividieron en 8 grupos:

piedra, metal, seda, bambú, madera, cuero, calabaza y tierra.

Entre los instrumentos de viento están las flautas de Pau, la flauta de bambú con orificios,
las flautas traversas y las trompetas. Entre los de cuerda estaba el Kin, el Che, el Pi-pa.

La Música en Japón

La teoría musical y los instrumentos utilizados en Japón eran provenientes de Corea, que a
su vez, los había incorporado desde China. A pesar de esto el refinamiento musical
japonés alcanzo un nivel superior al chino.

Los instrumentos favoritos japoneses eran: el koto, el Yamato-goto y el Yamato-bue. En los

casos de acompañamiento musical no acostumbraban a hacer sonar simultáneamente la
voz y el instrumento.

Existían diferentes géneros musicales: el Bagaki para ceremonias del emperador, el No

para la música de fondo en actos de teatro, el Ko-uta para la música folclórica y el Noga-
uta para la música seria.

La música en la India

La India por su situación geográfica alejada de Europa no dio a conocer su música hasta
después de varios siglos. El carácter de la música india se encuentra más cercana a la
música occidental que a la china y japonesa. Sus rasgos principales son de origen
mitológico, predomina el compás ternario y la división cromática de la escala.

Igual que en la China las notas de la escala tenían cierta relación con los individuos.

La teoría musical tenía como base la raga (forma melódica), el cual al modificar sus ritmos
permitía nuevos cantos. Las ragas representaban colores, estados del alma, etc.

La música vocal e instrumental de India tenía variadas aplicaciones, en la religión, en

palacios, entre gente humilde, etc.

Algunos de sus instrumentos fueron:

 De arco: ravanastia, ravana y amurita.

 De viento: flautas, oboes, cornamusas y trompetas.

 De percusión: campanas, platillos, panderos y tambores.

La música en Israel

La música en Israel era un elemento inseparable del culto.

 Pentateuco: el caso de Laban

 Génesis: que cita instrumentos musicales.

 Éxodo: el canto oral.

Algunos instrumentos usados por el pueblo de Israel fueron:

 Cuerdas: las lisas y citaras. Salterios de 13 cuerdas, arpa egipcia de 10 cuerdas,

también llamada “Arpa de David”.

 Viento: flauta simple, cuero de carnero.

 Percusión: tambores, címbalos, y castañuelas.

La música en la Edad Media

La música en la edad media se divide en el Periodo Patrístico (hasta el año 840). En el

Romántico (año 840 hasta el año 1250 en el siglo XII).

En el Gótico (1250 a fin de la edad media y 1453, fines del siglo XV).

En el Periodo Patrístico apareció la Era Cristiana y la Era Media, en esta ultima la historia
de la música se encuentra íntimamente ligada a la forma en que se desarrolló la liturgia
cristiana, ya que se consideraba a la música el vehículo por medio del cual los sacerdotes
elevaban la palabra a Dios.

Las diversas formas musicales utilizadas en la liturgia cristiana debieron enfrentar la

existencia de textos y melodías profanas que trataron de penetrar en los oficios religiosos.

Los personajes de la música profana dedicados a la disposición de esta música fueron:

 Juglares: músicos ambulantes y plebeyos que divertían en fiestas y castillos.

 Los Trovadores: pertenecían a la nobleza y eran músicos y poetas que inventaban

rimas y ritmos.

 Los Bardos: antecesor de los trovadores que cantaban proezas de sus héroes
valiéndose del laúd.

 Los ministeriles: verdaderos productores musicales que administraban música y

formaban corporaciones o gremios dedicados a brindar espectáculos musicales.

En el año 374 a 397 San Ambrosio reunió aquellos signos que debían ser aceptados en un
credo antifonario naciendo así el Canto Ambrosiano.

En el 540 al 604 San Gregorio Magno recopila himnos eliminando los que tenían origen
popular o pagano, dando nacimiento al Canto Gregoriano.

Desde su nacimiento la música cristiana fue una oración que se tenía que cantar con
devoción tal como lo decía San Pablo “Cantando a Dios con vuestro corazón”, así pues el
texto es la razón de ser del canto gregoriano ya que “el que canta reza dos veces”.
La melodía del canto gregoriano asimila 3 estilos diferentes:

 El Silábico: cada nota representada por una silaba.

 El Neumático: una misma silaba corresponden a 2, 3 o 4 sonidos diferentes.

 Las Secuencias: intercalación de un texto en las notas del aleluya.

El texto es el que da sentido a la melodía y no se puede concebir el canto gregoriano sin

texto, lo que quiere decir que al interpretar el canto gregoriano, los cantantes han tenido
que entender muy bien el sentido del texto.

Esta música se canta a capella sin acompañamiento instrumental, se canta al unísono o lo

que es lo mismo todos los cantores entonan la misma melodía.

A esta forma de canto se le llama Monodia. Se canta con ritmo libre.

Notación Gregoriana:

Notas simples

Virga Punctum Quadratum Punctum Inclinatum

Neumas Simples

Pes (podatus) Clivis

Torculus Porrectus

Climacus Scandicus

Salicus

Neumas compuestos

Se forman por la unión de neumas simples por una sola sílaba

Flexus: cuando se complementan con notas descendentes

Resupini: cuando se complementan con notas ascendentes

Praepunctis o subpunctis según contengan notas antes o después:

Praepunctis Subpunctis

ALTURA DE LOS SONIDOS

La altura de los sonidos viene indicada por la colocación de las notas al tetragrama con la
posibilidad de utilizar líneas adicionales inferiores y superiores.

Las claves utilizadas son de Do (C) y FA (F) que pueden estar en 2ª. 3ª. o 4ª. línea.

Clave de DO (C) Clave de FA (F)

La extensión posible de los sonidos es:

SIGNOS DE PAUSA.

Los signos de pausa, originados por la estructura del texto, son:

a) Línea divisoria mínima, que separa los incisos o partes menores en que se divide el
texto; no implica respiración.

b) Línea divisoria menor, que separa los miembros de la frase. No son más que incisos de
más amplitud. Casi siempre implica respiración.

c) Línea divisoria mayor que separa les frases: Equivale a un silencio con una durada de
nota simple y obliga a respirar.

d) Línea divisoria doble, que indica más sentido conclusivo o también final de la
composición, equivale a silencio de nota simple, a veces un poco más prolongado.

OTROS SIGNOS

E1 guion es un signo que va al final de cada tetragrama, para indicar que nota es la inicial.

El si bemol

El canto gregoriano es música modal, se utilizan varias escalas o modos de sonidos muy
particulares, sirven para despertar diferentes sentimientos como: alegría, tristeza,
serenidad, etc. Esto es consecuencia de la colocación de los semitonos dentro de las
escalas.

 Guido D'Arezzo dijo: “El primero es grave, el segundo es triste, el tercero místico, el
cuarto armonioso, el quinto alegre, el sexto devoto, el séptimo angélico, y el octavo
perfecto”.

 Adán de Fulda los comenta: “El primer modo se presta a todo sentimiento, el
segundo es apto para las cosas tristes, el tercero es vehemente, el cuarto tiene
efectos tiernos, el quinto conviene a los alegres, el sexto a los que tengan piedad, el
séptimo pertenece a la juventud y el octavo a la sabiduría”.

 Juan de Espinosa, autor del siglo XVI, comenta: “ El I es alegre y muy hábil para
suavizar pasiones de ánimo...; grave y llorón es el II, muy apropiado para provocar
lagrimas...; el III es muy eficaz para incitar la ira...; mientras que el IV coge toda la
alegría e incita a gozar de las cosas...; el V causa alegría y placer a los que están
tristes...; llorica y piadoso es el VI...; placer y tristeza se reúnen en el alegre VIII...”

LOS MODOS GREGORIANOS

La única escala diatónica que se utiliza en el Canto Gregoriano, es:

No todas las melodías cogen toda la extensión: algunas se mantienen en la octava inferior
(de La a La), otras en la central de (Mi a Mi) y otras en la superior (de Sol a La). En cada una
estas octavas, los SEMITONOS a más o menos distancia de la nota final, con lo cual
tenemos un elemento fundamental para entender los Modos.

Para los Greco-romanos, la octava que conocemos hoy en día no existía. Eran más bien
dos tetracordios separados:
Do, re, mi, fa

sol, la, si, do.

El Tetracordio es considerado como la base modal, el primer elemento completo o núcleo

generador de toda la melodía.

Las escalas tienen una quinta central a partir de la nota tónica, llamada también final, más
tres sonidos, que pueden estar en la parte superior, y en este caso se llaman modos
auténticos (agudos), o en la parte inferior, y entonces se llaman modos plagales (o graves).

El nombre de los modos es:

Existe una tónica en la cual, si bien no siempre comienza la melodía, normalmente acaba y
descansa. Las tónicas pueden ser: Re, Mi, Fa y Sol. A más a más en cada modo hay una
nota Dominante, llamada así porque la melodía se mueve sobre ella con relativa frecuencia,
les dominante son:

MODO

II

III

IV

VI

VII

VIII

DOMINANTE

RE

FA

SI-DO

LA

DO

LA

RE

DO

La melodía es silábica si a cada sílaba del texto le corresponde un sonido y es

melismática cuando a una sílaba le corresponde varios sonidos.
Hay melismas que contienen más de 50 sonidos por sílaba. El texto es en latín, lengua del
Imperio romano y extendida por Europa, los textos se cogen de los salmos, del Antiguo
Testamento, de los Evangelios y otros eran de inspiración propia, generalmente, anónima.

El canto gregoriano está escrito sobre tetragramas, es decir sobre 4 líneas, las notas se
denominan punto cuadrado (punctum) o virga si aparecen solos, o neumas si aparecen
agrupados.

EL ESCENARIO DEL CANTO GREGORIANO

El canto gregoriano nació para ser interpretado dentro de la Liturgia de la Iglesia, la

Liturgia es su escenario natural.

La Misa.

1. La Misa: En la celebración de la Eucaristía hay dos grupos principales de piezas:

a) El ordinario: Está formado para textos que se repiten en todas las Misas.

- Kyrie Eleison

- Gloria in excelsis Deo

- Credo

- Santo y Benedictus

- Agnus Dei

b) El Propio: Está formado por piezas que se cantan según el tiempo litúrgico o según la
fiesta que se celebra.

- Introito: canto de entrada para iniciar la celebración

- Gradual o Aleluya o Tracto: después de las lecturas

- Ofertorio para acompañar la procesión de las ofrendas

o Comunión

La Polifonía.

Hacia finales del siglo IX y principios del X se producen 2 hechos de gran trascendencia
desde el punto de vista musical nacidos para dar más riqueza al canto gregoriano:

 Los primeros indicios de polifonía.

 Los tropos y las secuencias.

La polifonía era una nueva técnica musical resultante del cruzamiento de varias voces,
según reglas y esquemas armónicos. La música polifónica tuvo origen en el canto
gregoriano, o sea que el tema de un canto litúrgico se tomaba como base superponiéndole
otro nuevo.

 El Organum: forma más antigua de la polifonía que se conoce y tiene por base la
superposición de voces a distancia de cuartas o quintas.
  El Discantus: las voces o melodías realizaban movimientos contrarios en lugar de
movimientos directos.

 El Conductus: con su aparición los compositores tienen una mayor libertan en su

creación, sin sujetarse a la melodía base.

 El Gymel: las voces o melodías se movian en distancia de terceras solamente

comenzando y concluyendo en el unison.

 El Faux-bordon: procedimiento musical en el cual las voces se disponían en

intervalos de tercera y sexta.

Con la aparición del conductus y con los organums de perotin ue ya tienen cuatro voces,
se abren caminos a nuevas combinaciones de polifonía medieval hasta culminar en la
forma del Motete. La palabra Motete deriva del francés Moté (texto).

La voz principal es el tenor y se va renovando con las otras voces con variantes y diversos
desarrollos.

Es condición esencial del motete que sus voces canten simultáneamente, al menos dos
letras.

Aunque nació de la liturgia poco a poco se va aliando cada vez más con los rasgos
melódicos de las canciones de los trovadores, marcando así la primera aparición de un
arte polifónico profano lleno de vida.

La lengua empleada en el motete era el latín para el teros y otras dos voces en francés.

La música en el Renacimiento

El termino Renacimiento no es muy adecuado para la música ya que no hay ninguna

ruptura con la etapa anterior si no una evolución estilística; es más bien un término
cronológico que nos sirve para hablar de la música de los siglos XV y XVI.

El espíritu del renacimiento nace en Francia y se extiende hacia Italia. A partir de la primera
mitad del siglo XV se olvida el espíritu feudal. Los pintores descubren la perspectiva, los
arquitectos dejan que entre la luz en las casa, y se construyen calles y plazas como si
estuvieran pensadas por los poetas y músicos.

Los artistas del renacimiento trabajan para ser perfectos en su ciencia.

¿Pero que renace?, lo que se pretende renacer es la civilización antigua después de un

largo periodo de barbarie también llamado edad media.

El hombre vuelve a mirarse a sí mismo, a la naturaleza que lo envuelve y a buscar las

fuentes de la cultura clásica.

Los centros de producción artística ya no son los monasterios si no los círculos artísticos,
las cameratas, alrededor de las cortes de los nobles que se convierten en los grandes
centros de las artes.

La imprenta existía desde hace medio siglo pero todavía no se había conseguido imprimir
música de buena calidad para poderla comercializar.
Va a ser durante el año 1501 cuando se va a publicar por primera vez una colección de 94
obras polifónicas. Esta etapa va a ser muy importante en la historia de la música.

En Italia, Francia y los Países Bajos, se publican numerosos libros de música.

Unos de los primeros músicos del renacimiento fue Guillaume Duffay, después de él, el
siguiente gran genio de la música es Josquin des Prés. Su importancia musical a través de
los siglos es tan solo comparable con la de Mozart.

La música que se publica es la de Josquin y la de sus contemporáneos, también sus

canciones. No son canciones como las de hoy día, si no canciones polifónicas y algunas
tan complejas como las misas.

Como no todo el mundo es capaz de interpretar esta música y como a la mayoría de los
aficionados les gustaría tocar esta música, ellos solos, se publican arreglos para laúd, o
para una sola voz acompañada de laúd.

Laud

Gracias a la música impresa el siglo XVI es la época de la historia en la que ha habido más
número de buenos músicos aficionados. En las clases acomodadas, que
desgraciadamente son las únicas que pueden comprar estos bonitos y caros libros, la
música forma parte obligatoria de la cultura general. Todo el mundo sabe cantar o tocar
uno o dos instrumentos y también descifrar la música. Cuando sus amigos vienen a cenar
se les invita a formar parte de la orquesta familiar.

Los pobres compositores no se hacen ricos y la música no es un objeto que se venda

como si fuera un cuadro. El salario anual del músico mas grande ni siquiera iguala el
precio de una obra de un pintor ilustre.

A pesar de esto algunos músicos se hacen famosos gracias a la edición de su música, este
es el caso de Clement Janequin, director del coro de la catedral d'Angers, quien se dio a
conocer por sus numerosas canciones francesas. Algunas son fáciles y bonitas como
canciones populares y otras son verdaderas escenas animadas a cuatro o cinco voces por
ejemplo “La Guerre”.

Durante la segunda mitad del siglo XVI los italianos dominaban el mundo artístico. El
Madrigal era sinónimo de canción a Francia. Es música de cámara, tan solo para unos
cuantos cantores e instrumentistas, todos sentados alrededor de una mesa. No es música
coral.

El más grande de los compositores italianos es sin lugar a dudas Claudio Monteverdi. Su
genio sobrepasa todos los modelos y hace brillar la polifonía. Va a ser al mismo tiempo el
mejor compositor tradicional y el mejor compositor de vanguardia de su tiempo.

Los últimos libros de Madrigales que compuso son fascinantes, algunos son cantatas y
escenas de ópera.

Con el siglo XVI la música polifónica llega a su cima, con una inaudita complejidad y
perfecta armonía. No obstante a fuerza de ir ligando las voces ya no se entienden las
palabras. Los poetas de la música tienen la impresión de cansarse para nada.
Algunos compositores como Josquin des Pres, Orlando de Lassus, Giovanni Palestrina,
Tomas Luis de Victoria escribieron misas y motetes que son la culminación del arte del
Renacimiento

Johann Sebastian Bach (1685-1750), fue un músico alemán, quien fue como todos los
músicos de su tiempo, logado a los príncipes de las pequeñas cortes alemanas. Bach no
pudo imponerse como compositor ya que se le consideraba un virtuoso del órgano.

Las bases de su técnica musical se hallan en el aprovechamiento de todos los logros

anteriores, y especialmente en el enriquecimiento de la antigua polifonía: la fuga llega a su
punto culminante.

La música en el Romanticismo

La palabra Romántico comenzó a utilizarse hacia mediados del siglo XVI. En los últimos
años del siglo XVII, comienza como una reacción contra el clasicismo.

Dentro de los conceptos de un alto idealismo, el romanticismo no solamente acepta si no

alienta la sobreposicion de extremos opuestos: amor a la soledad del individuo y a la vez
amor al prójimo; un disfrute de lo exótico junto a una nostalgia por lo familiar; una afición a
lo novedoso y al desarrollo junto con ansia por el pasado.

El romanticismo es claramente universal y de todo los tiempos y no puede limitarse a solo

un periodo de la historia. Por una parte, la nueva sociedad del siglo XIX, hija de las ideas
de la revolución francesa, desea liberarse del pasado y, así, conseguir un arte que exprese
el comportamiento y las ideas de su tiempo.

A medida que avanza el siglo XIX, hay una gran influencia, que va creciendo, cada vez más,
de la literatura en la música: en Alemania los poemas de Wolfgang Von Goethe y Friedrich
Von Schiller, fueron utilizados por Schubert, Schumann, Brahms, etc., para producir una de
las manifestaciones musicales-poéticas más importantes de todos los tiempos, el Lied
Aleman. Asimismo escritores franceses y británicos fueron los inspiradores de diversas
obras de Beethoven, Berlioz, Verdi y otros.

El romanticismo supone el desarrollo de los nacionalismos. Esto se nota en la acentuación

de las diferencias entre los estilos musicales nacionales, y llego a venerarse a la canción
popular como expresión espontanea del alma nacional.

También aparece el drama musical. Hay un sentido profundo y definitivo del “colorido”
sonoro, lo que permitirá enriquecer el vocabulario musical con los medios que
transformaran y ampliaran el arte sinfónico de los tiempos modernos.

El siglo XIX será el siglo del Piano, gracias a sus posibilidades polifónicas, sonoras y de
virtuosismo extraordinario.

El Lied

Los rasgos románticos comenzaron a aparecer en el Lied Aleman hacia fines del siglo
XVIII. Se desarrolla un tipo nuevo de canción, la balada (poemas largos que alternaban la
narración y el dialogo con historias llenas de aventuras). La influencia de la balada tuvo
por efecto la expansión del concepto de Lied, tanto en su forma como la amplitud y fuerza
de su contenido emocional. La parte de piano se elevó de simple acompañamiento a una
posición de acompañante de la voz. Hacia comienzos del siglo XIX el lied, se había
convertido en un vehículo apropiado para el máximo despliegue de facultades de cualquier
compositor.

El caso de Franz Peter Schubert (1797-1828), es único en la historia de la música. Antes de

cumplir los 20 años ya había escrito 8 óperas y 4 misas. Su producción es enorme: se le
conocen 1270 obras compuestas: 9 sinfonías, 22 sonatas para piano, unas 35 obras de
cámara, 6 misas, 17 obras del genero operístico y más de 600 Lieder.

Ludwig Von Beethoven (1770-1827), compositor alemán, de gran importancia en la música.

Su carácter arisco e independiente le hacía vivir replegado en sí mismo su pesimismo se
refleja en el “testamento de Heiligenstadt”, Beethoven escribió música instrumental, vocal
y para el teatro, entre sus obras más destacadas se encuentran la Sinfonía nro. 3 llamada
“Heroica”, la nro. 6 llamada “Pastoral”, La misa Solemnis y otras muchas obras, hasta un
total aproximado de 260. Con Beethoven la música deja de ser una diversión aristocrática y
se dirige al conjunto de la humanidad.

Robert Schumann (1810-1856), este compositor alemán fue uno de los máximos
exponentes del movimiento musical romántico del siglo XIX.

Una lesión en la mano derecha desbarato su carrera como concertista de piano. Se dedicó
entonces a la composición y a escribir sobre música.

La música para piano de Schumann, aunque dista de ser fácil de ejecutar, jamás trata de
impresionar al oyente mediante su bravura. Su música encarna más plenamente que la de
cualquier otro compositor, las profundidades, contradicciones y tenciones del espíritu
romántico. Sus obras para piano son colecciones de piezas cortas en las que una pequeña
idea deriva en la creación de toda la obra a través de una sencilla organización; ejemplo de
estos son: “Mariposas”, “Escenas de Niños” y “Álbum para la juventud”.

Federico Chopin (1810-1849), compositor y pianista polaco, considerado como uno de los
más grandes compositores de música para piano. Comenzó a estudiar piano a los 4 años.
También fue precoz como compositor, donde destaco con sus piezas cortas tales como:
Mazurkas y Polonesas.

Chopin, a cada pieza, por corta que fuera, le dedicaba extrema atención, asegurándose de
que cada nota tuviera una función y significado específicos.

Música de Camaraca

Felix Mendelssohn (1809-1847), este músico demostró ser un genio precoz, a los 16 años
Mendelssohn produjo sus primeras obras: el rondo capricioso para piano y el octeto para
doble cuarteto de cuerda, al año siguiente, “Sueño de una Noche de Verano”. La obra que
contiene su famosa marcha nupcial la compuso 17 años después.

Como pianista y director realizo giras por Europa, sobre todo por Inglaterra. Trabajo como
director musical.

Cesar Franck (1822-1890), compositor y organista nacido en Belgica, donde estudio en el

conservatorio, para pasar luego al de Paris, donde realizo toda su carrera musical.

Su obra se caracteriza por el uso de las formas clásicas, entre ellas la sinfonía y las
sonatas. Franck fue el fundador de la música de cámara francesa moderna y su principal
obra en este terreno, es la muy conocida sonata para violín en La mayor.
El poema Sinfónico

Franz Liszt (1811-1886), pianista y compositor de origen húngaro, fue el precursor del
recital para piano, tal como lo entendemos hoy, en el que un solo artista toca una velada
completa. Recorrió Europa en gira de conciertos y consiguió una fama sin precedentes.
Fue director musical, maestro, compositor, incluso llego a estudiar teología.

El nombre de poema sinfónico es significativo: estas obras son sinfónicas, pero Liszt no
las denomino sinfonías, quizás porque son breves y no están divididas en movimientos
separados en un orden convencional.

Sus más conocidos poemas sinfónicos son: “Orfeo”, y “Hamlet”.

Su obra maestra, la sinfonía de “Fausto”, consta de 3 movimientos, con un final para tenor
solista y coro masculino.

La Sinfonía

Johannes Brahms (1833-1897), compositor de origen alemán, cuyas obras combinan lo

mejor de los estilos clásico y romántico. Brahms era especialista en el piano. Su principal
interés como compositor comenzó por concentrarse en el piano.

El enfocaba la composición de una sinfonía con gran cuidado y reflexión. Sus sinfonías
son clásicas en varios aspectos, están expuestas de 4 movimientos.

Las sinfonías son románticas en su lenguaje armónico y en su sonoridad orquestal, plena

y multicolor.

Héctor Berlioz (1803-1869), compositor francés, quien a lo largo de su vida hizo varias giras
por Europa y Gran Bretaña, como director de orquesta. Fue maestro de toda una
generación de músicos y se convirtió en el primer director de orquesta virtuoso.

Berlioz enriqueció la música romántica con nuevos recursos de armonía, timbre, expresión
y forma.

La ópera en el siglo XIX

Francia

La Grand Opera

A partir de 1820, nació un nuevo tipo de ópera, destinado a atraer a los públicos
relativamente incultos que llenaban los teatros en busca de emociones y entretenimiento.
Los rasgos fundamentales de La Grand Opera quedan delineados así:

 Argumento histórico no áulico: con fuertes vetas romántico-populares.

 Trama policentrica: variedad de situaciones, e incluso de estilos.

 Grandiosidad orquestal y coral.

 Duración de la opera de 5 actos.

 Costumbre de acabar el penúltimo acto con un “falso” final feliz.

 Concluir el último con el final trágico.

La Opera Comique

Este tipo de ópera, siguió su curso en Francia durante el periodo romántico, la diferencia
entre la gran opera y la opera comique fue que la segunda utilizaba el dialogo hablado en
lugar del recitativo, y en que era menos ambiciosa: exigía menor número de cantantes
instrumentistas, y estaba escrito en un lenguaje musical más sencillo.

La Opera Lirica

La ópera lírica, era el tipo romántico de la opera cómica. Su atractivo principal se ejerce a
través de la melodía, su tema es el drama o las fantasías románticas.

George Bizet (1838-1875), fue un compositor francés muy conocido por sus óperas. Una de
las más famosas es “Carmen”. Esta ópera ejemplifica un rasgo que recorre todo el periodo
romántico, el del exotismo.

Italia

A pesar de la enorme repercusión de Beethoven en la música instrumental, durante los

primeros años del siglo XIX, es la ópera italiana la que domina Europa. La distinción entre
opera seria y opera buffa se mantuvo con bastante claridad hasta muy entrado el nuevo
siglo.

Dentro de este ambiente, la figura más resaltante es la de Giaccomo Rossini (1792-1868).

Su fama creció por toda Europa. En su música se fusionan la expresión lírica y la

necesidad dramática, con melodías cristalinas, una instrumentación orquestal llena de
colorido y un ritmo contagioso.

Rossini utilizo el bel canto para crear melodías alegres de gran brillantes y emotividad.
Algunas de sus óperas más famosa son: “El Barbero de Sevilla”, “La Cenerentola”, etc.

Uno de los compositores italianos más prolíficos del segundo cuarto del siglo fue Gaetano
Donizzeti (1797-1848). En general sus óperas cómicas resisten mejor que las serias, las
pruebas del tiempo. El carácter rudo, primitivo e impulsivo de su música, se adapta muy
bien a la representación de situaciones crudas y melodramáticas, pero sus obras resultan
frustradas con harta frecuencia por la monotonía de su armonía, su ritmo y su
orquestación.

Dentro del mismo género, surgió en Italia otro gigante que llevo a la opera a una nueva
cúspide: Giuseppe Verdi (1813-1901). Su trayectoria constituye prácticamente la historia de
la música italiana, en la primera fase de su vida musical, se manifiesta el don de Verdi para
producir melodías conmovedoras y crear situaciones trágicas y heroicas. En su segundo
periodo produjo 2 óperas de importancia: “Macbeth” y “Luisa Miller”.

En su tercera fase se traslada a Paris, donde compone gran cantidad de óperas. Con
“Aida”, cierra esta tercera fase de creatividad. Con la famosa “Otello” abre su cuarta y
última fase.

Verdi transformo la ópera italiana y actualmente sus óperas se encuentran entre las más
representadas en todo el mundo.

Alemania
Una de las características del siglo XIX, fue la fuerte influencia mutua ejercida entre la
música y la literatura, y puesto que Alemania era el país en que el romanticismo floreció
con mayor intensidad, algunos de los desarrollos y ramificaciones más importantes de
todo el movimiento se exhiben en la opera alemana.

El compositor más destacado de la opera alemana y una de las figuras más importante en
la historia de la música del siglo XIX fue Richard Wagner (1813-1883). La importancia de
este compositor es triple: llevo a su máximo la opera romántica alemana; creo una forma
nueva, el drama musical; y el lenguaje armónico de sus últimas obras llevo hasta el límite
las tendencias románticas.

En “Tristan und Isolde”, el desarrolla un estilo orquestalmente más rico, melódicamente

mas cromático, y logra una tensión armónica nunca antes alcanzada en la música.

La obra de Wagner afecto a toda la opera subsiguiente. Por encima de todo, su música se
impuso por que, era capaz de sugerir, suscitar o crear en sus oyentes un estado total de
éxtasis.

Posromanticismo

Los finales del siglo XIX, y los comienzos del siglo XX fueron testigos de las últimas etapas
del romanticismo, y de la transformación del lenguaje romántico en el nuevo lenguaje
musical. Este movimiento se produjo principalmente en Alemania. Sin embargo dos
fuerzas desafiaban la posición musical en Alemania. Una era el nacionalismo, y la otra era
el surgimiento de una nueva escuela de composición en Francia. Los últimos 30 años del
siglo XIX fueron relativamente pacíficos en Europa, el comienzo del siglo XX se caracterizó
por un creciente desasosiego social y un aumento de la tensión internacional (La Primera
Guerra Mundial).

En el reino de la música hubo tensiones e inquietudes similares, y durante estos años,

concluyo el periodo clasico-romantico.

Uno de los rasgos característicos de este periodo en Alemania fue una resurrección del
interés por la opera sobre el cuento de hadas.

Richard Strauss (1864-1949), compositor y director de orquesta alemán, y uno de los

orquestadores y polifonistas modernos más excepcionales. Su obra puede dividirse en 3
periodos: en el primero creo su Sonata para violoncelo y piano.

En el segundo periodo perfecciono el poema sinfónico y creo su famosa obra “Don Juan”,
al tercer periodo pertenecen sus óperas “Salome” y “Electra”.

La Música en el Siglo XX

Para comprender la música en el siglo XX, es importante acercarse primero a la del siglo
XIX, y en especial a una corriente llamada impresionismo. Esta corriente supone una
autentica liberación, se va a luchar por una música más individual y personal, saliéndose
para ello de las normas establecidas, la música impresionista pretende destacar el impacto
que provoca la obra al ser escuchada. Se aplican nuevos acordes, colores y sonoridades.
En esta música el sonido va a constituir el alma de la música.
Claudde Debussy (1862-1918), genero ideas completamente nuevas en la forma, la
orquestación y fue uno de los renovadores más eficaces de la historia de la música en el
mundo occidental.

A partir de la ruptura que supuso el impresionismo, el panorama artístico europeo, lo

mismo en arte que en música va a cambiar enormemente. Cada músico tiende a crear su
arte independiente, además los diversos estilos se irán sucediendo a gran velocidad.

Igor Stravinsky (1882-1971), una de las figuras más importantes del siglo XX. Toco en su
obra los aspectos más variados, investigo en todos los aspectos de la música, se subió al
carro del neoclasicismo donde trata de acomodar su música a la de las finales de barroco.

Si hay algo que caracteriza al siglo XX es la ruptura con la tonalidad “Atonalismo”. Esta
regla consiste en crear una música completamente distinta, obviando las reglas que
rigieron durante siglos de ceñirse a una tonalidad. Primero se rompe con la armonía, luego
con la melodía, el ritmo y con todo lo establecido.

Bela Bartok (1881-1945), músico húngaro, es uno de los músicos que más va a influir en la
música del siglo XX. Bartok consigue unir la música moderna con la tradicional, creando
un lenguaje nuevo.

Mientras tanto en Italia aparecen una serie de músicos que incorporan a su música, nuevos
objetos sonoros: la incorporación de ruidos. Esta corriente se llamó Futurismo y afecto
tanto a la música como a la literatura y al arte. El futurismo pone como punto de partida el
ruido, no el sonido.

En Francia mientras tanto, surgió paralelamente el Bruitismo (del francés Bruit, ruido), que
parte de ese mismo punto.

La música después de la Primera Guerra Mundial

Después de la 1ra Guerra Mundial, surge una nueva actitud que domina el campo artístico
en las siguientes dos décadas. Sus características son la claridad, la objetividad y el orden.
Surge un deseo de evitar los excesos del romanticismo tardío o posromanticismo.

Algunos de los más importantes músicos de esta época fueron: el músico ruso Stravinski
y el músico alemán Schoenberg.

Entre los músicos ingleses con más talento que surgió en la década de los 30's se
encontraba Britten, quien desarrollo su estilo, caracterizado por un eclecticismo claro, con
una técnica muy segura y expresiva.

En Estados Unidos, los años que siguieron a la 1ra Guerra Mundial, fueron testigos de la
aparición de la primera generación de compositores nacidos en su país, entre ellos se
destacan Coppland, que recibe las influencias directas del jazz y Vareze, que se interesó
por introducir sonidos nuevos en sus composiciones.

En América Latina, la música estuvo influenciada por la tradición cultural europea.

Fue a finales del siglo XIX, cuando comienza a aparecer una música latinoamericana por sí
misma. Casi todos los compositores latinoamericanos comenzaron como nacionalistas y
poco a poco introdujeron en su música las influencias de la música europea.
Entre sus máximos representantes están Villalobos, Chavez, y Ginastera.

La Música después de la Segunda Guerra Mundial

Una de las características de esta guerra fue la creación de 2 bloques internacionales y

antagónicos, el comunismo soviético frente al capitalismo de EE.UU.

Este turbulento contexto histórico, tendrá gran repercusión en la actividad artística de la

post-guerra; la más inmediata la emigración de muchos e importantes músicos desde
Europa a EE.UU. lo que convertirá a este país en el centro de la música y del arte
occidental.

La música experimenta un desarrollo muy rápido y si en la década de los 50's predominan

solo 2 tendencias: el serialismo y la indeterminación, en los 60, surgen el minimalismo, la
música textural, la étnica, la ambiental, etc...

Por fin una característica importante del desarrollo cultural y musical a partir de la segunda
guerra mundial, será la inexistencia de una estética central, además el desarrollo de estas
culturas no comunes propiciara a un desarrollo individualista y a la desconexión total.

El espíritu composional de la post-guerra, supondrá un gran aislamiento entre el

compositor y el público. Ahora todo se basa en una secuencia de proporciones melódicas,
de duración y soloridades.

La indeterminación es uno de los desarrollos musicales más significativos que aparecen

tras la segunda guerra mundial, y se basa en la utilización intencionada de la casualidad en
la composición y/o interpretación. Muchos de los músicos de esta corriente tenían la
convicción de que la música carecía de propósito, de esta forma podían crear estructuras
musicales lanzando por ejemplo monedas al aire, o utilizando las cartas de navegación de
cualquier barco.

Desarrollo en la Tecnología

Música Electrónica

La primera manifestación de la música asistida por medios electrónicos es la música

concreta. Esta música parte del ruido o de los sonidos naturales, al igual que el futurismo.

En 1952, se crea en Alemania el primer estudio exclusivo de música electrónica. Esta

música esta exclusivamente creada con sonidos producidos electrónicamente y parte de lo
que se llama “tono sinusoidal”, un sonido puro, sin armónicos, que es físicamente
desagradable y que hay que elaborar con aparatos muy complicados.

Entre las primeras obras puramente electrónicas encontramos Study I y II del compositor
alemán Stockhaussen.

Sin embargo la música electrónica creo descontento en los compositores desde el

principio ya que aunque permitía un control exacto y una precisión absoluta sobre la obra,
este resultaba pobre y parecía carecer de vida. Por ello, muchos compositores unieron la
música concreta y la electrónica, para crear un género que goza desde gran popularidad
desde entonces y hasta hoy en día, la música electroacústica.
El vertiginoso desarrollo de la tecnología a partir de la 2da guerra mundial traerá como
fruto la incorporación de sintetizadores y a la música creada por computador o música
cibernética.

En nuestros días, el panorama musical mundial se caracteriza por un pluralismo cultural y

por la irrupción de las culturas y músicas populares en la vida diaria de todos.

El abismo entre compositor y público es hoy más acusado que nunca y la música “culta”
parece haberse distanciado de los gustos y preferencias del público, más interesados por
las músicas más populares y cercanas, tales como el rock el pop, etc...

A pesar de todo esto no parece probable un cambio de la magnitud que la música viene
experimentando a lo largo de todo el siglo XX.

Para que la música cambie, parece que antes el mundo debe cambiar de nuevo...