PALEOLÍTICO

CARACTERÍSTICAS
• a principal característica dos desenhos da Idade da Pedra Lascada
é o naturalismo. O artista pintava os seres, um animal, por exemplo,
do modo como o via de uma determinada perspectiva, reproduzindo
a natureza tal qual sua vista captava. Atualmente, a explicação mais
aceita é que essa arte era realizada por caçadores, e que fazia parte
do processo de magia por meio do qual procurava-se interferir na
captura de animais, ou seja, o pintor-caçador do Paleolítico supunha
ter poder sobre o animal desde que possuísse a sua imagem.
Acreditava que poderia matar o animal verdadeiro desde que o
representasse ferido mortalmente num desenho. Utilizavam as
pinturas rupestres, isto é, feitas em rochedos e paredes de cavernas.
O homem deste período era nômade.
• Os artistas do Paleolítico realizaram também trabalhos em escultura.
Mas, tanto na pintura quanto na escultura, nota-se a ausência de
figuras masculinas. Predominam figuras femininas, com a cabeça
surgindo como prolongamento do pescoço, seios volumosos, ventre
saltado e grandes nádegas. Destaca-se: Vênus de Willendorf.
NEOLÍTICO
 CARACTERÍSTICAS
• a fixação do homem da Idade da Pedra Polida, garantida pelo cultivo
da terra e pela manutenção de manadas, ocasionou um aumento
rápido da população e o desenvolvimento das primeiras instituições,
como família e a divisão do trabalho. Assim, o homem do Neolítico
desenvolveu a técnica de tecer panos, de fabricar cerâmicas e
construiu as primeiras moradias, constituindo-se os primeiros
arquitetos do mundo. Conseguiu ainda, produzir o fogo através do
atrito e deu início ao trabalho com metais.
• Todas essas conquistas técnicas tiveram um forte reflexo na arte. O
homem, que se tornara um camponês, não precisava mais ter os
sentidos apurados do caçador do Paleolítico, e o seu poder de
observação foi substituído pela abstração e racionalização. Como
conseqüência surge um estilo simplificador e geometrizante, sinais e
figuras mais que sugerem do que reproduzem os seres. Os próprios
temas da arte mudaram: começaram as representações da vida
coletiva.
• Além de desenhos e pinturas, o artista do Neolítico produziu uma
cerâmica que revela sua preocupação com a beleza e não apenas com
a utilidade do objeto, também esculturas de metal.
• Desse período temos as construções denominadas dolmens.
Consistem em duas ou mais pedras grandes fincadas verticalmente
no chão, como se fossem paredes, e uma grande pedra era
colocada horizontalmente sobre elas, parecendo um teto. E o menir
que era monumento megalítico que consiste num único bloco de
pedra fincado no solo em sentido vertical.

• O Santuário de Stonehenge, no sul da Inglaterra, pode ser

considerado uma das primeiras obras da arquitetura que a História
registra. Ele apresenta um enorme círculo de pedras erguidas a
intervalos regulares, que sustentam traves horizontais rodeando
outros dois círculos interiores. No centro do último está um bloco
semelhante a um altar. O conjunto está orientado para o ponto do
horizonte onde nasce o Sol no dia do solstício de verão, indício de
que se destinava às práticas rituais de um culto solar. Lembrando
que as pedras eram colocadas umas sobre as outras sem a união de
nenhuma argamassa.
MESOPOTÂMIA
 CARACTERÍSTICAS
• A arte da Mesopotâmia desenvolveu-se ao longo de
muitos séculos e de diferentes civilizações, não sendo,
portanto, muito coesa em suas manifestações. A
arquitetura, mais desenvolvida das artes, não era porém
tão notável quanto a egípcia. Caracterizou-se pelo
exibicionismo e pelo luxo. Construíram templos e
palácios, que eram considerados cópias dos existentes
nos céus, de tijolos, por ser escassa a pedra na região.
O zigurate, torre de vários andares, foi a construção
característica das cidades-estados sumerianas. Nas
construções, empregavam argila, ladrilhos e tijolos.
ARTE EGÍPCIA
 CARACTERÍSTICAS
Uma das principais civilizações da Antigüidade foi a que se desenvolveu no
Egito. Era uma civilização já bastante complexa em sua organização social e
riquíssima em suas realizações culturais.
A religião invadiu toda a vida egípcia, interpretando o universo, justificando
sua organização social e política, determinando o papel de cada classe social
e, conseqüentemente, orientando toda a produção artística desse povo.
Além de crer em deuses que poderiam interferir na história humana, os
egípcios acreditavam também numa vida após a morte e achavam que essa
vida era mais importante do que a que viviam no presente.
O fundamento ideológico da arte egípcia é a glorificação dos deuses e do rei
defunto divinizado, para o qual se erguiam templos funerários e túmulos
grandiosos.
As pirâmides do deserto de Gizé são as obras arquitetônicas mais famosas e,
foram construídas por importantes reis do Antigo Império: Quéops, Quéfren e
Miquerinos. Junto a essas três pirâmides está a esfinge mais conhecida do
Egito, que representa o faraó Quéfren, mas a ação erosiva do vento e das
areias do deserto deram-lhe, ao longo dos séculos, um aspecto enigmático e
misterioso.
As características gerais da arquitetura egípcia são:

* solidez e durabilidade;
* sentimento de eternidade; e
* aspecto misterioso e impenetrável.

As pirâmides tinham base quandrangular eram feitas com pedras que pesavam cerca de vinte
toneladas e mediam dez metros de largura, além de serem admiravelmente lapidadas. A porta
da frente da pirâmide voltava-se para a estrela polar, a fim de que seu influxo se concentrasse
sobre a múmia. O interior era um verdadeiro labirinto que ia dar na câmara funerária, local
onde estava a múmia do faraó e seus pertences.

A decoração colorida era um poderoso elemento de complementação das atitudes religiosas.

Suas características gerais são:

* ausência de três dimensões;

* ignorância da profundidade;
* colorido a tinta lisa, sem claro-escuro e sem indicação do relevo; e
* Lei da Frontalidade que determinava que o tronco da pessoa fosse representado sempre de
frente, enquanto sua cabeça, suas pernas e seus pés eram vistos de perfil.
ARTE GREGA
 CARACTERÍSTICAS
Enquanto a arte egípcia é uma arte ligada ao espírito, a arte grega
liga-se à inteligência, pois os seus reis não eram deuses, mas seres
inteligentes e justos que se dedicavam ao bem-estar do povo. A arte
grega volta-se para o gozo da vida presente. Contemplando a
natureza, o artista se empolga pela vida e tenta, através da arte,
exprimir suas manifestações. Na sua constante busca da perfeição, o
artista grego cria uma arte de elaboração intelectual em que
predominam o ritmo, o equilíbrio, a harmonia ideal. Eles tem como
características: o racionalismo; amor pela beleza; interesse pelo
homem, essa pequena criatura que é “a medida de todas as coisas”; e
a democracia.

As edificações que despertaram maior interesse são os templos. A

característica mais evidente dos templos gregos é a simetria entre o
pórtico de entrada e o dos fundos. O templo era construído sobre uma
base de três degraus. As colunas eram construídas segundo os
modelos da ordem dórica, jônica e coríntia.
A pintura grega encontra-se na arte cerâmica. Os vasos gregos são
também conhecidos não só pelo equilíbrio de sua forma, mas também
pela harmonia entre o desenho, as cores e o espaço utilizado para a
ornamentação. Além de servir para rituais religiosos, esses vasos eram
usados para armazenar, entre outras coisas, água, vinho, azeite e
mantimentos. Por isso, a sua forma correspondia à função para que eram
destinados: ESCULTURA

A estatuária grega representa os mais altos padrões já atingidos pelo

homem. Na escultura, o antropomorfismo - esculturas de formas
humanas - foi insuperável. As estátuas adquiriram, além do equilíbrio e
perfeição das formas, o movimento.
No Período Arcaico os gregos começaram a esculpir, em mármores,
grandes figuras de homens. Primeiramente aparecem esculturas
simétricas, em rigorosa posição frontal, com o peso do corpo igualmente
distribuído sobre as duas pernas. Esse tipo de estátua é chamado Kouros
(palavra grega: homem jovem)
ARTE ROMANA
 CARACTERÍSTICAS
A arte romana sofreu duas fortes influências: a da arte etrusca popular
e voltada para a expressão da realidade vivida, e a da greco-
helenística, orientada para a expressão de um ideal de beleza.
Um dos legados culturais mais importantes que os etruscos deixaram
aos romanos foi o uso do arco e da abóbada nas construções.

ARQUITETURA
As características gerais da arquitetura romana são:
* busca do útil imediato, senso de realismo;
* grandeza material, realçando a idéia de força;
* energia e sentimento;
* predomínio do caráter sobre a beleza;
* originais: urbanismo, vias de comunicação, anfiteatro, termas
PINTURA
A maior parte das pinturas romanas que conhecemos hoje provém das cidades
de Pompéia e Herculano, que foram soterradas pela erupção do Vesúvio em 79
a.C. Os estudiosos da pintura existente em Pompéia classificam a decoração
das paredes internas dos edifícios em quatro estilos.

ESCULTURA
Os romanos eram grandes admiradores da arte grega, mas por temperamento,
eram muito diferentes dos gregos. Por serem realistas e práticos, suas
esculturas são uma representação fiel das pessoas e não a de um ideal de
beleza humana, como fizeram os gregos. Retratavam os imperadores e os
homens da sociedade.
Mais realista que idealista, a estatuária romana teve seu maior êxito nos
retratos.
MOSAICO
Partidários de um profundo respeito pelo ambiente arquitetônico, adotando
soluções de clara matriz decorativa, os mosaístas chegaram a resultados onde
existe uma certa parte de estudo direto da natureza. As cores vivas e a
possibilidade de colocação sobre qualquer superfície e a duração dos materiais
levaram a que os mosaicos viessem a prevalecer sobre a pintura. Nos séculos
seguintes, tornar-se-ão essenciais para medir a ampliação das primeiras igrejas
cristãs.
ARTE CRISTÃ PRIMITIVA
 CARACTERÍSTICAS
Enquanto os romanos desenvolviam uma arte colossal e espalhavam seu
estilo por toda a Europa e parte da Ásia, os cristãos (aqueles que seguiam
os ensinamentos de Jesus Cristo) começaram a criar uma arte simples e
simbólica executada por pessoas que não eram grandes artistas.Surge a
arte cristã primitiva.
Os romanos testemunharam o nascimento de Jesus Cristo, o qual marcou
uma nova era e uma nova filosofia.Com o surgimento de um "novo reino"
espiritual, o poder romano viu-se extremamente abalado e teve início um
período de perseguição não só a Jesus, mas também a todos aqueles que
aceitaram sua condição de profeta e acreditaram nos seus princípios.
Esta perseguição marcou a primeira fase da arte paleocristã: a fase
catacumbária, que recebe este nome devido às catacumbas, cemitérios
subterrâneos em Roma, onde os primeiros cristãos secretamente
celebravam seus cultos.Nesses locais, a pintura é simbólica.
Para entender melhor a simbologia:
Jesus Cristo poderia estar simbolizado por um círculo ou por
um peixe, pois a palavra peixe, em grego ichtus, forma as
iniciais da frase: "Jesus Cristo de Deus Filho Salvador".
Outra forma de simboliza-lo é o desenho do pastor com ovelhas
"Jesus Cristo é o Bom Pastor" e também, o cordeiro "Jesus
Cristo é o Cordeiro de Deus".
Passagens da Bíblia também eram ali simbolizadas, por
exemplo: Arca de Noé; Jonas engolido pelo peixe e Daniel na
cova dos leões.
ARTE BIZANTINA
 CARACTERÍSTICAS
O cristianismo não foi a única preocupação para o Império Romano
nos primeiros séculos de nossa era.Por volta do século IV, começou a
invasão dos povos bárbaros e que levou Constantino a transferir a
capital do Império para Bizâncio, cidade grega, depois batizada por
Constantinopla.A mudança da capital foi um golpe de misericórdia
para a já enfraquecida Roma; facilitou a formação dos Reinos
Bárbaros e possibilitou o aparecimento do primeiro estilo de arte
cristã - Arte Bizantina.
Graças a sua localização(Constantinopla) a arte bizantina sofreu
influências de Roma, Grécia e do Oriente. A união de alguns
elementos dessa cultura formou um estilo novo, rico tanto na técnica
como na cor.
A arquitetura das igrejas foi a que recebeu maior atenção da arte
bizantina, elas eram planejadas sobre uma base circular, octogonal ou
quadrada imensas cúpulas, criando-se prédios enormes e espaçosos
totalmente decorados.
A Igreja de Santa Sofia (Sofia = Sabedoria), na hoje Istambul, foi um
dos maiores triunfos da nova técnica bizantina, projetada pelos
arquitetos Antêmio de Tralles e Isidoro de Mileto, ela possui uma
cúpula de 55 metros apoiada em quatro arcos plenos.Tal método
tornou a cúpula extremamente elevada, sugerindo, por associação à
abóbada celeste, sentimentos de universalidade e poder absoluto.
Apresenta pinturas nas paredes, colunas com capitel ricamente
decorado com mosaicos e o chão de mármore polido.
IDADE MÉDIA
ARTE ROMÂNICA
 CARACTERÍSTICAS

Em 476, com a tomada de Roma pelos povos bárbaros, tem início o

período histórico conhecido por Idade Média. Na Idade Média a arte
tem suas raízes na época conhecida como Paleocristã, trazendo
modificações no comportamento humano, com o Cristianismo a arte
se voltou para a valorização do espírito. Os valores da religião cristã
vão impregnar todos os aspectos da vida medieval. A concepção de
mundo dominada pela figura de Deus proposto pelo cristianismo é
chamada de teocentrismo (teos = Deus). Deus é o centro do universo
e a medida de todas as coisas. A igreja como representante de Deus
na Terra, tinha poderes ilimitados.
ARQUITETURA

No final dos séculos XI e XII, na Europa, surge a arte

românica cuja a estrutura era semelhante às
construções dos antigos romanos.
As características mais significativas da arquitetura
românica são:
* abóbadas em substituição ao telhado das basílicas;
* pilares maciços que sustentavam e das paredes espessas;
* aberturas raras e estreitas usadas como janelas;
* torres, que aparecem no cruzamento das naves ou na
fachada; e
* arcos que são formados por 180 graus.
A primeira coisa que chama a atenção nas igrejas românicas é o seu
tamanho. Elas são sempre grandes e sólidas. Daí serem chamadas:
fortalezas de Deus. A explicação mais aceita para as formas volumosas,
estilizadas e duras dessas igrejas é o fato da arte românica não ser fruto
do gosto refinado da nobreza nem das idéias desenvolvidas nos centros
urbanos, é um estilo essencialmente clerical. A arte desse período
passa, assim a ser encarada como uma extensão do serviço divino e
uma oferenda à divindade.
A mais famosa é a Catedral de Pisa sendo o edifício mais conhecido do
seu conjunto o campanário que começou a ser construído em 1.174.
Trata-se da Torre de Pisa que se inclinou porque, com o passar do
tempo, o terreno cedeu.
Na Itália, diferente do resto da Europa, não apresenta formas pesadas,
duras e primitivas.
PINTURA E ESCULTURA
Numa época em que poucas pessoas sabiam ler, a Igreja recorria à
pintura e à escultura para narrar histórias bíblicas ou comunicar
valores religiosos aos fiéis. Não podemos estudá-las desassociadas
da arquitetura.
A pintura românica desenvolveu-se sobretudo nas grandes
decorações murais, através da técnica do afresco, que originalmente
era uma técnica de pintar sobre a parede úmida.
Os motivos usados pelos pintores eram de natureza religiosa. As
características essenciais da pintura românica foram a deformação e
o colorismo. A deformação, na verdade, traduz os sentimentos
religiosos e a interpretação mística que os artistas faziam da
realidade. A figura de Cristo, por exemplo, é sempre maior do que as
outras que o cercam. O colorismo realizou-se no emprego de cores
chapadas, sem preocupação com meios tons ou jogos de luz e
sombra, pois não havia a menor intenção de imitar a natureza.
Na porta, a área mais ocupada pelas esculturas era o tímpano, nome
que recebe a parede semicircular que fica logo abaixo dos arcos que
arrematam o vão superior da porta. Imitação de formas rudes, curtas
ou alongadas, ausência de movimentos naturais.
ARTE GÓTICA
 CARACTERÍSTICAS
No século XII, entre os anos 1150 e 1500, tem início uma economia
fundamentada no comércio. Isso faz com que o centro da vida social
se desloque do campo para a cidade e apareça a burguesia urbana.

No começo do século XII, a arquitetura predominante ainda é a

românica, mas já começaram a aparecer as primeiras mudanças que
conduziram a uma revolução profunda na arte de projetar e construir
grandes edifícios.
ARQUITETURA

A primeira diferença que notamos entre a igreja gótica e a

românica é a fachada. Enquanto, de modo geral, a igreja
românica apresenta um único portal, a igreja gótica tem três
portais que dão acesso à três naves do interior da igreja: a nave
central e as duas naves laterais.
A arquitetura expressa a grandiosidade, a crença na existência
de um Deus que vive num plano superior; tudo se volta para o
alto, projetando-se na direção do céu, como se vê nas pontas
agulhadas das torres de algumas igrejas góticas.
A rosácea é um elemento arquitetônico muito característico do
estilo gótico e está presente em quase todas as igrejas
construídas entre os séculos XII e XIV.
Outros elementos característicos da arquitetura gótica são os
arcos góticos ou ogivais e os vitrais coloridíssimos que filtram a
luminosidade para o interior da igreja.
As catedrais góticas mais conhecidas são: Catedral de Notre
Dame de Paris e a Catedral de Notre Dame de Chartres.
 ESCULTURA
As esculturas estão ligadas à arquitetura e se alongam para o alto,
demonstrando verticalidade, alongamento exagerado das formas, e as
feições são caracterizadas de formas a que o fiel possa reconhecer
facilmente a personagem representada, exercendo a função de ilustrar os
ensinamentos propostos pela igreja..

PINTURA
A pintura gótica desenvolveu-se nos séculos XII, XIV e no início do
século XV, quando começou a ganhar novas características que
prenunciam o Renascimento. Sua principal particularidade foi a procura o
realismo na representação dos seres que compunham as obras pintadas,
quase sempre tratando de temas religiosos, apresentava personagens de
corpos pouco volumosos, cobertos por muita roupa, com o olhar voltado
para cima, em direção ao plano celeste.
RENASCIMENTO
 CARACTERÍSTICAS

O termo Renascimento é comumente aplicado à civilização européia que se

desenvolveu entre 1300 e 1650. Além de reviver a antiga cultura greco-
romana, ocorreram nesse período muitos progressos e incontáveis
realizações no campo das artes, da literatura e das ciências, que
superaram a herança clássica. O ideal do humanismo foi sem duvida o
móvel desse progresso e tornou-se o próprio espírito do Renascimento.
Trata-se de uma volta deliberada, que propunha a ressurreição consciente
(o re-nascimento) do passado, considerado agora como fonte de inspiração
e modelo de civilização. Num sentido amplo, esse ideal pode ser entendido
como a valorização do homem (Humanismo) e da natureza, em oposição
ao divino e ao sobrenatural, conceitos que haviam impregnado a cultura da
Idade Média.
Características gerais:
* Racionalidade
* Dignidade do Ser Humano
* Rigor Científico
* Ideal Humanista
* Reutilização das artes greco-romana
ARQUITETURA

Na arquitetura renascentista, a ocupação do espaço pelo edifício baseia-

se em relações matemáticas estabelecidas de tal forma que o observador
possa compreender a lei que o organiza, de qualquer ponto em que se
coloque.
“Já não é o edifício que possui o homem, mas este que, aprendendo a lei
simples do espaço, possui o segredo do edifício” (Bruno Zevi, Saber Ver

a Arquitetura)

Principais características:
* Ordens Arquitetônicas
* Arcos de Volta-Perfeita
* Simplicidade na construção
* A escultura e a pintura se desprendem da arquitetura e passam a ser
autônomas
* Construções; palácios, igrejas, vilas (casa de descanso fora da cidade),
fortalezas (funções militares)
PINTURA

Principais características:
* Perspectiva: arte de figura, no desenho ou pintura, as diversas
distâncias e proporções que têm entre si os objetos vistos à distância,
segundo os princípios da matemática e da geometria.
* Uso do claro-escuro: pintar algumas áreas iluminadas e outras na
sombra, esse jogo de contrastes reforça a sugestão de volume dos
corpos.
* Realismo: o artistas do Renascimento não vê mais o homem como
simples observador do mundo que expressa a grandeza de Deus, mas
como a expressão mais grandiosa do próprio Deus. E o mundo é
pensado como uma realidade a ser compreendida cientificamente, e
não apenas admirada.
* Inicia-se o uso da tela e da tinta à óleo.
* Tanto a pintura como a escultura que antes apareciam quase que
exclusivamente como detalhes de obras arquitetônicas, tornam-se
manifestações independentes.
* Surgimento de artistas com um estilo pessoal, diferente dos demais, já
que o período é marcado pelo ideal de liberdade e, conseqüentemente,
pelo individualismo.
ESCULTURA
Em meados do século XV, com a volta dos papas de Avinhão
para Roma, esta adquire o seu prestígio. Protetores das artes,
os papas deixam o palácio de Latrão e passam a residir no
Vaticano. Ali, grandes escultores se revelam, o maior dos
quais é Michelângelo, que domina toda a escultura italiana do
século XVI. Algumas obras: Moisés, Davi (4,10m) e Pietá.
Outro grande escultor desse período foi Andrea del Verrochio.
Trabalhou em ourivesaria e esse fato acabou influenciando sua
escultura. Obra destacada: Davi (1,26m) em bronze.

Principais Características:
* Buscavam representar o homem tal como ele é na realidade
* Proporção da figura mantendo a sua relação com a realidade

* Profundidade e perspectiva
* Estudo do corpo e do caráter humano
MANEIRISMO
 CARACTERÍSTICAS
Paralelamente ao renascimento clássico, desenvolve-se em Roma,
do ano de 1520 até por volta de 1610, um movimento artístico
afastado conscientemente do modelo da antiguidade clássica: o
maneirismo (maniera, em italiano, significa maneira). Uma evidente
tendência para a estilização exagerada e um capricho nos detalhes
começa a ser sua marca, extrapolando assim as rígidas linhas dos
cânones clássicos.

ARQUITETURA
A arquitetura maneirista dá prioridade à construção de igrejas de
plano longitudinal, com espaços mais longos do que largos, com a
cúpula principal sobre o transepto, deixando de lado as de plano
centralizado, típicas do renascimento clássico. No entanto, pode-se
dizer que as verdadeiras mudanças que este novo estilo introduz
refletem-se não somente na construção em si, mas também na
distribuição da luz e na decoração.
 Principais características:

· Naves escuras, iluminadas apenas de ângulos

diferentes, coros com escadas em espiral, que na
maior parte das vezes não levam a lugar
nenhum, produzem uma atmosfera de rara
singularidade.
· Guirlandas de frutas e flores, balaustradas
povoadas de figuras caprichosas são a
decoração mais característica desse estilo.
Caracóis, conchas e volutas cobrem muros e
altares, lembrando uma exuberante selva de
pedra que confunde a vista.
PINTURA

É na pintura que o espírito maneirista se manifesta em primeiro lugar.

São os pintores da segunda década do século XV que, afastados dos
cânones renascentistas, criam esse novo estilo, procurando deformar
uma realidade que já não os satisfaz e tentando revalorizar a arte pela
própria arte.
Principais características :
· Composição em que uma multidão de figuras se comprime em
espaços arquitetônicos reduzidos. O resultado é a formação de planos
paralelos, completamente irreais, e uma atmosfera de tensão
permanente.
· Nos corpos, as formas esguias e alongadas substituem os membros
bem-torneados do renascimento. Os músculos fazem agora contorsões
absolutamente impróprias para os seres humanos.
· Rostos melancólicos e misteriosos surgem entre as vestes, de um
drapeado minucioso e cores brilhantes.
· A luz se detém sobre objetos e figuras, produzindo sombras
inadmissíveis.
· Os verdadeiros protagonistas do quadro já não se posicionam no
centro da perspectiva,
· mas em algum ponto da arquitetura, onde o olho atento deve, não sem
certa dificuldade, encontrá-lo.
ESCULTURA

Na escultura, o maneirismo segue o caminho traçado por

Michelangelo: às formas clássicas soma-se o novo conceito intelectual
da arte pela arte e o distanciamento da realidade. Em resumo, repetem-
se as características da arquitetura e da pintura. Não faltam as formas
caprichosas, as proporções estranhas, as superposições de planos, ou
ainda o exagero nos detalhes, elementos que criam essa atmosfera de
tensão tão característica do espírito
maneirista.
Principais características:
· A composição típica desse estilo apresenta um grupo de figuras
dispostas umas sobre as outras, num equilíbrio aparentemente frágil,
as figuras são unidas por contorções extremadas e exagerado
alongamento dos músculos.
· O modo de enlaçar as figuras, atribuindo-lhes uma infinidade de
posturas impossíveis, permite que elas compartilhem a reduzida base
que têm como cenário, isso sempre respeitando a composição geral
da peça e a graciosidade de todo o conjunto.
BARROCO
 CARACTERÍSTICAS
• A arte barroca originou-se na Itália (séc. XVII) mas não
tardou a irradiar-se por outros países da Europa e a
chegar também ao continente americano, trazida pelos
colonizadores portugueses e espanhóis.
As obras barrocas romperam o equilíbrio entre o
sentimento e a razão ou entre a arte e a ciência, que os
artistas renascentistas procuram realizar de forma muito
consciente; na arte barroca predominam as emoções e
não o racionalismo da arte renascentista.
É uma época de conflitos espirituais e religiosos. O estilo
barroco traduz a tentativa angustiante de conciliar forças
antagônicas: bem e mal; Deus e Diabo; céu e terra;
pureza e pecado; alegria e tristeza; paganismo e
cristianismo; espírito e matéria.
Suas características gerais são:

* emocional sobre o racional; seu propósito é impressionar os

sentidos do observador, baseando-se no princípio segundo o
qual a fé deveria ser atingida através dos sentidos e da
emoção e não apenas pelo raciocínio.
* busca de efeitos decorativos e visuais, através de curvas,
contracurvas, colunas retorcidas;
* entrelaçamento entre a arquitetura e escultura;
* violentos contrastes de luz e sombra;
* pintura com efeitos ilusionistas, dando-nos às vezes a
impressão de ver o céu, tal a aparência de profundidade
conseguida.
 PINTURA

Características da pintura barroca:

* Composição assimétrica, em diagonal - que se revela num
estilo grandioso, monumental, retorcido, substituindo a
unidade geométrica e o equilíbrio da arte renascentista.
* Acentuado contraste de claro-escuro (expressão dos
sentimentos) - era um recurso que visava a intensificar a
sensação de profundidade.
* Realista, abrangendo todas as camadas sociais.
* Escolha de cenas no seu momento de maior intensidade
dramática.
ESCULTURA

Suas características são: o predomío das linhas curvas,

dos drapeados das vestes e do uso do dourado; e os
gestos e os rostos das personagens revelam emoções
violentas e atingem uma dramaticidade desconhecida no
Renascimento.
Bernini - arquiteto, urbanista, decorador e escultor,
algumas de suas obras serviram de elementos
decorativos das igrejas, como, por exemplo, o baldaquino
e a cadeira de São Pedro, ambos na Basílica de São
Pedro, no Vaticano.
Obra destacada: A Praça de São Pedro, Vaticano e o
Êxtase de Santa Teresa.
ARQUITETURA

Na arquitetura barroca, a expressão típica são as Igrejas,

construídas em grande quantidade durante o movimento
de Contra-Reforma. Rejeitando a simetria do
renascimento, destacam o dinamismo e a imponência,
reforçados pela emotividade conseguida através de
meandros, elementos contorcidos e espirais, produzindo
diferentes efeitos visuais, tanto nas fachadas quanto no
desenho dos interiores. Quanto à arquitetura sacra,
compõe-se de variados elementos que pretendem dar o
efeito de intensa emoção e grandeza. O teto elevado e
elaborado com elementos de escultura dão uma dimensão
do infinito; as janelas permitem a penetração da luz de
modo a destacar as principais esculturas; as colunas
transmitem uma impressão de poder e de movimento.
ROCOCÓ
 CARACTERÍSTICAS
Rococó é o estilo artístico que surgiu na França como desdobramento
do barroco, mais leve e intimista que aquele e usado inicialmente em
decoração de interiores.
Desenvolveu-se na Europa do século XVIII, e da arquitetura
disseminou-se para todas as artes. Vigoroso até o advento da reação
neoclássica, por volta de 1770, difundiu-se principalmente na parte
católica da Alemanha, na Prússia e em Portugal.
Os temas utilizados eram cenas eróticas ou galantes da vida cortesã
(as fêtes galantes) e da mitologia, pastorais, alusões ao teatro italiano
da época, motivos religiosos e farta estilização naturalista do mundo
vegetal em ornatos e molduras.
O termo deriva do francês rocaille, que significa "embrechado",
técnica de incrustação de conchas e fragmentos de vidro utilizadas
originariamente na decoração de grutas artificiais.
Na França, o rococó é também chamado estilo Luís XV e Luís XVI.
Características gerais:
· Uso abundante de formas curvas e pela profusão de elementos
decorativos, tais como conchas, laços e flores.
· Possui leveza, caráter intimista, elegância, alegria, bizarro,
frivolidade e exuberante.
ARQUITETURA

Durante o Iluminismo, entre 1700 e 1780, o rococó foi a

principal corrente da arte e da arquitetura pós-barroca.
Nos primeiros anos do século XVIII, o centro artístico da
Europa transferiu-se de Roma para Paris. Surgido na
França com a obra do decorador Pierre Lepautre, o
rococó era a princípio apenas um novo estilo decorativo.
Principais características:
· Cores vivas foram substituídas por tons pastéis, a luz
difusa inundou os interiores por meio de numerosas
janelas e o relevo abrupto das superfícies deu lugar a
texturas suaves.
· A estrutura das construções ganhou leveza e o espaço
interno foi unificado, com maior graça e intimidade.
ESCULTURA

Na escultura e na pintura da Europa oriental e central, ao

contrário do que ocorreu na arquitetura, não é possível
traçar uma clara linha divisória entre o barroco e o rococó,
quer cronológica, quer estilisticamente.

Mais do que nas peças esculpidas, é em sua disposição

dentro da arquitetura que se manifesta o espírito rococó.
Os grandes grupos coordenados dão lugar a figuras
isoladas, cada uma com existência própria e individual,
que dessa maneira contribuem para o equilíbrio geral da
decoração interior das igrejas.
PINTURA

Durante muito tempo, o rococó francês ficou restrito às

artes decorativas e teve pequeno impacto na escultura e
pintura francesas.
No final do reinado de Luís XIV, em que se afirmou o
predomínio político e cultural da França sobre o resto da
Europa, apareceram as primeiras pinturas rococós sob
influência da técnica de Rubens.
NEOCLASSICISMO
 CARACTERÍSTICAS
Nas duas últimas décadas do século XVIII e nas três primeiras do
século XIX, uma nova tendência estética predominou nas criações
dos artistas europeus. Trata-se do Neoclassicismo (neo = novo),
que expressou os valores próprios de uma nova e fortalecida
burguesia, que assumiu a direção da Sociedade européia após a
Revolução Francesa e principalmente com o Império de Napoleão.
Principais características:
* retorno ao passado, pela imitação dos modelos antigos greco-
latinos;
* academicismo nos temas e nas técnicas, isto é, sujeição aos
modelos e às regras ensinadas nas escolas ou academias de
belas-artes;
* arte entendida como imitação da natureza, num verdadeiro culto à
teoria de Aristóteles.
ARQUITETURA
Tanto nas construções civis quanto nas religiosas, a arquitetura
neoclássica seguiu o modelo dos templos greco-romanos ou o das
edificações do Renascimento italiano. Exemplos dessa arquitetura
são a igreja de Santa Genoveva, transformada depois no Panteão
Nacional, em Paris, e a Porta do Brandemburgo, em Berlim.
PINTURA
A pintura desse período foi inspirada principalmente na escultura
clássica grega e na pintura renascentista italiana, sobretudo em
Rafael, mestre inegável do equilíbrio da composição.
Características da pintura:
* Formalismo na composição, refletindo racionalismo dominante.
* Exatidão nos contornos
* Harmonia do colorido
 ESCULTURA

Na escultura, o movimento buscava inspiração no passado. A estatuária grega foi o

modelo favorito pela harmonia das proporções, regularidade das formas e serenidade
da expressão. Apesar disso, não atingiram a amplitude nem o espírito da escultura
grega. Também foi menos ousada que a pintura e arquitetura de seu tempo.
Características Gerais da Escultura Neoclássica.

Temas: históricos, literários, alegóricos e mitológicos. Serviram de base para a

representação de figuras humanas com poses sememlhantes às dos Deuses gregos e
romanos.

Estatuária: representou figuras de corpo inteiro ou bustos e relevos pouco pessoais

glorificando e fazendo publicidade a políticos ou figuras importantes das cidades
(praças, casas de nobres e burgueses ou cemitérios).

Relevos: têm o mesmo sentido honorífico e alegórico da estatuária e revestem as

frontarias de edifícios públicos ou de palácios.

Formas de Representação: de inspiração clássica foram representados com toda a

minúcia, os corpos eram nus ou semi-nus, formas reais, serenas e de composição
simples. Rostos individualizados (da pessoas que queriam representar), mas com
pouca expressividade. Seguiram os cânones da escultura clássica, sem qualquer
liberdade criativa.
.
ROMANTISMO
 CARACTERÍSTICAS
O século XIX foi agitado por fortes mudanças sociais, políticas e culturais
causadas por acontecimentos do final do século XVIII que foram a
Revolução Industrial que gerou novos inventos com o objetivo de solucionar
os problemas técnicos decorrentes do aumento de produção, provocando a
divisão do trabalho e o início da especialização da mão-de-obra, e pela
Revolução Francesa que lutava por uma sociedade mais harmônica, em
que os direitos individuais fossem respeitados, traduziu-se essa expectativa
na Declaração dos Direitos do Homem e do Cidadão. Do mesmo modo, a
atividade artística tornou-se complexa.
Os artistas românticos procuraram se libertar das convenções acadêmicas
em favor da livre expressão da personalidade do artista.

Características gerais:

* a valorização dos sentimentos e da imaginação;

* o nacionalismo;
* a valorização da natureza como princípios da criação artística; e
* os sentimentos do presente tais como: Liberdade, Igualdade e
Fraternidade.
ARQUITETURA E ESCULTURA

A escultura e a arquitetura registram pouca novidade. Observa-se, grosso

modo, a permanência do estilo anterior, o neoclássico. Vez por outra retomou-
se o estilo gótico da época medieval, gerando o neogótico.
Obra Destacada: Edifício do Parlamento Inglês

PINTURA

Características da pintura:
* Aproximação das formas barrocas;
* Composição em diagonal sugerindo instabilidade e dinamismo ao
observador;
* Valorização das cores e do claro-escuro; e
* Dramaticidade

Temas da pintura:
* Fatos reais da história nacional e contemporânea da vida dos artistas;
* Natureza revelando um dinamismo equivalente as emoções humanas; e
* Mitologia Grega
REALISMO
IMPRESSIONISMO
 CARACTERÍSTICAS
O Impressionismo foi um movimento artístico que
revolucionou profundamente a pintura e deu início às
grandes tendências da arte do século XX. Havia
algumas considerações gerais, muito mais práticas do
que teóricas, que os artistas seguiam em seus
procedimentos técnicos para obter os resultados que
caracterizaram a pintura impressionista.

A primeira vez que o público teve contato com a obra

dos impressionistas foi numa exposição coletiva
realizada em Paris, em abril de 1874. Mas o público e a
crítica reagiram muito mal ao novo movimento, pois
ainda se mantinham fiéis aos princípios acadêmicos da
pintura.
Principais características da pintura:

* A pintura deve registrar as tonalidades que os objetos adquirem ao refletir a

luz solar num determinado momento, pois as cores da natureza se
modificam constantemente, dependendo da incidência da luz do sol.
* As figuras não devem ter contornos nítidos, pois a linha é uma abstração
do ser humano para representar imagens.
* As sombras devem ser luminosas e coloridas, tal como é a impressão
visual que nos causam, e não escuras ou pretas, como os pintores
costumavam representá-las no passado.
* Os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos de acordo com a lei das
cores complementares. Assim, um amarelo próximo a um violeta produz
uma impressão de luz e de sombra muito mais real do que o claro-escuro
tão valorizado pelos pintores barrocos.
* As cores e tonalidades não devem ser obtidas pela mistura das tintas na
paleta do pintor. Pelo contrário, devem ser puras e dissociadas nos quadros
em pequenas pinceladas. É o observador que, ao admirar a pintura,
combina as várias cores, obtendo o resultado final. A mistura deixa,
portanto, de ser técnica para se óptica.
ART NOUVEAU
 CARACTERÍSTICAS
Art nouveau, do francês (arte nova), chamado Arte Nova em
Portugal, foi um estilo estético essencialmente de design e
arquitetura que também influenciou o mundo das artes plásticas. Era
relacionado com o movimento arts & crafts e que teve grande
destaque durante a Belle Époque, nas últimas décadas do século
XIX e primeiras décadas do século XX. Relaciona-se especialmente
com a 2ª Revolução Industrial em curso na Europa com a exploração
de novos materiais (como o ferro e o vidro, principais elementos dos
edifícios que passaram a ser construídos segundo a nova estética) e
os avanços tecnológicos na área gráfica, como a técnica da litografia
colorida que teve grande influência nos cartazes. Devido à forte
presença do estilo naquele período, este também recebeu o apelido
de modern style (do inglês, estilo moderno).
O nome surgiu de uma loja parisiense (capital
internacional do movimento), chamada justamente Art
nouveau e que vendia mobiliário seguindo o estilo.
Caracteriza-se pelas formas orgânicas, escapismo para
a Natureza, valorização do trabalho artesanal, entre
outros. O movimento simbolista também influenciou o art
nouveau.
Recebeu nomes diversos dependendo do país em que
se encontrava: Flower art na Inglaterra, "Modern
Style", "Liberty" ou stilo "Floreale" na Itália. Os
alemães criam sua própria vertente de Art Nouveau
chamada Jugesndstil.
No Brasil, teve fundamental participação na
divulgação e realização da art nouveau o Liceu de
Artes e Ofícios de São Paulo. Um dos maiores
nomes desse estilo, no Brasil, é o artísta e
designer Eliseu Visconti, pioneiro do design no
País.
Em Portugal, edifícios em estilo arte nova são
particularmente comuns e, mais que a arquitetura,
a decoração de fachadas e interiores com azulejos
em estilo arte nova, como se comprova em muitos
edifícios da virada dos séculos XIX e XX.
EXPRESSIONISMO
 CARACTERÍSTICAS
O Expressionismo é a arte do instinto, trata-se de uma pintura dramática,
subjetiva, “expressando” sentimentos humanos. Utilizando cores irreais, dá
forma plástica ao amor, ao ciúme, ao medo, à solidão, à miséria humana, à
prostituição. Deforma-se a figura, para ressaltar o sentimento.
Predominância dos valores emocionais sobre os intelectuais. Corrente
artística concentrada especialmente na Alemanha entre 1905 e 1930.

Principais características:
* pesquisa no domínio psicológico;
* cores resplandecentes, vibrantes, fundidas ou separadas;
* dinamismo improvisado, abrupto, inesperado;
* pasta grossa, martelada, áspera;
* técnica violenta: o pincel ou espátula vai e vem, fazendo e refazendo,
empastando ou provocando explosões;
* preferência pelo patético, trágico e sombrio

OBSERVAÇÃO: Alguns historiadores determinam para esses pintores o

movimento ”Pós Impressionista”. Os pintores não queriam destruir os
efeitos impressionistas, mas queriam levá-los mais longe.
 ARTE NO
SÉCULO XX
CUBISMO
 CARACTERÍSTICAS
Historicamente o Cubismo originou-se na obra de Cézanne, pois para ele a pintura
deveria tratar as formas da natureza como se fossem cones, esferas e cilindros.
Entretanto, os cubistas foram mais longe do que Cézanne. Passaram a representar
os objetos com todas as suas partes num mesmo plano. É como se eles estivessem
abertos e apresentassem todos os seus lados no plano frontal em relação ao
espectador. Na verdade, essa atitude de decompor os objetos não tinha nenhum
compromisso de fidelidade com a aparência real das coisas.
O pintor cubista tenta representar os objetos em três dimensões, numa superfície
plana, sob formas geométricas, com o predomínio de linhas retas. Não representa,
mas sugere a estrutura dos corpos ou objetos. Representa-os como se
movimentassem em torno deles, vendo-os sob todos os ângulos visuais, por cima e
por baixo, percebendo todos os planos e volumes.

Principais características:
* geometrização das formas e volumes;
* renúncia à perspectiva;
* o claro-escuro perde sua função;
* representação do volume colorido sobre superfícies planas;
* sensação de pintura escultórica;
* cores austeras, do branco ao negro passando pelo cinza, por um ocre apagado ou
um castanho suave.
O cubismo se divide em duas fases:

Cubismo Analítico - (1909) caracterizado pela desestruturação da

obra em todos os seus elementos. Decompondo a obra em partes, o
artista registra todos os seus elementos em planos sucessivos e
superpostos, procurando a visão total da figura, examinado-a em
todos os ângulos no mesmo instante, através da fragmentação dela.
Essa fragmentação dos seres foi tão grande, que se tornou
impossível o reconhecimento de qualquer figura nas pinturas
cubistas. A cor se reduz aos tons de castanho, cinza e bege.

Cubismo Sintético - (1911) reagindo à excessiva fragmentação dos

objetos e à destruição de sua estrutura. Basicamente, essa
tendência procurou tornar as figuras novamente reconhecíveis.
Também chamado de Colagem porque introduz letras, palavras,
números, pedaços de madeira, vidro, metal e até objetos inteiros nas
pinturas. Essa inovação pode ser explicada pela intenção do artistas
em criar efeitos plásticos e de ultrapassar os limites das sensações
visuais que a pintura sugere, despertando também no observador as
sensações táteis.
FUTURISMO
FOVISMO
 CARACTERÍSTICAS
Em 1905, em Paris, no Salão de Outono, alguns artistas foram chamados de fauves
(em português significa feras), em virtude da intensidade com que usavam as cores
puras, sem misturá-las ou matizá-las. Quem lhes deu este nome foi o crítico Louis
Vauxcelles, pois estavam expostas um conjunto de pinturas modernas ao lado de
uma estatueta renascentista.
Os princípios deste movimento artístico eram:
· Criar, em arte, não tem relação com o intelecto e nem com sentimentos.
· Criar é seguir os impulsos do instinto, as sensações primárias.
· A cor pura deve ser exaltada.
· As linhas e as cores devem nascer impulsivamente e traduzir as
sensações elementares, no mesmo estado de graça das crianças e dos
selvagens.
Características da pintura:

· Pincelada violente, espontânea e definitiva;

· Ausência de ar livre;
· Colorido brutal, pretendendo a sensação física da cor que é subjetiva, não
correspondendo à realidade;
· Uso exclusivo das cores puras, como saem das bisnagas;
· Pintura por manchas largas, formando grandes planos;
ABSTRACIONISMO
 CARACTERÍSTICAS
A arte abstrata tende a suprimir toda a relação entre a
realidade e o quadro, entre as linhas e os planos, as
cores e a significação que esses elementos podem
sugerir ao espírito. Quando a significação de um quadro
depende essencialmente da cor e da forma, quando o
pintor rompe os últimos laços que ligam a sua obra à
realidade visível, ela passa a ser abstrata.

O Abstracionismo apresenta várias fases, desde a mais

sensível até a intelectualidade máxima.
Abstracionismo Sensível ou Informal, predominam os
sentimentos e emoções. As cores e as formas são
criadas livremente. Na Alemanha surge o movimento
denominado "Der blaue Reiter" (O Cavaleiro Azul) cujos
fundadores são os Kandinsky, Franz Marc entre outros.
Uma arte abstrata, que coloca na cor e forma a sua
expressividade maior. Estes artistas se aprofundam em
pesquisas cromáticas, conseguindo variações espaciais
e formais na pintura, através das tonalidades e matizes
obtidos. Eles querem um expressionismo abstrato,
sensível e emotivo.
Com a forma, a cor e alinha, o artista é livre para
expressar seus sentimentos interiores, sem relacioná-los
a lembrança do mundo exterior. Estes elementos da
composição devem Ter uma unidade e harmonia, tal
qual uma obra musical.
Tachismo (de tache = mancha). Formado por manchas coloridas colocadas
lado a lado em um certo parâmetro ou limite, no mínimo o braço do artista.
Também existe um tipo de abstrato informal formado por manchas, porém,
elas não possuem parâmetro definido pelo braço do artista como no
Tachismo. São manchas criadas impulsivamente com toda a liberdade ou
efusão emocional do artista.

Grafismo é todo abstracionismo formado por uma grafia não cognificada.

Orfismo tem ligação com a música. Principal artista: Sonia Delaunay.

Raionismo formado por raios, estanques, deslizes e riscos com

luminosidade.

Abstracionismo Geométrico ou Formal, as formas e as cores devem ser

organizadas de tal maneira que a composição resultante seja apenas a
expressão de uma concepção geométrica.

Neoplasticismo, seu criador e princiapl teórico foi Piet Mondrian. Onde as

cores e as formas são organizadas de maneira que a composição resulte
apenas na expressão de uma concepção geométrica. Resulta às linhas
verticais e horizontais e às cores puras (vermelho, azul e amarelo). O
ângulo reto é o símbolo do movimento, sendo rigorosamente aplicado à
arquitetura.
Suprematismo, é uma pintura com base nas formas geométricas
planas, sem qualquer preocupação de representação. Os elementos
principais são: retângulo, círculo, triângulo e a cruz. O manifesto do
Suprematismo, assinado por Malevitch e
Maiakovski, poeta russo, foi um dos principais integrantes do
movimento futurista em seu país, defendia a supremacia da
sensibilidade sobre o próprio objeto.
Mais racional que as obras abstratas de Kandisky e Paul Klee, reduz
as formas, à pureza geométrica do quadrado.
Suas características são rígidas e se baseiam nas relações formais e
perceptivas entre a forma e a cor. Pesquisa os efeitos perceptivos do
quadrado negro sobre o campo branco, nas variações ambíguas de
fundo e forma.
Action Painting ou pintura de ação gestual, criada por Jackson
Pollock nos anos de 1947 a 1950 faz parte da Arte Abstrata
Americana. Em 1937, fundou-se nos Estados Unidos, a Sociedade
dos Artistas Abstratos. O abstracionismo cresce e se desenvolve
nas Américas, chegando à criação de um estilo original.

Características da Pintura:
· Compreensão da pintura como meio de emoções intensas.
· Execução cheia de violenta agressividade, espontaneidade e
automatismo.
· Destruição dos meios tradicionais de execução - pincéis, trincha,
espátulas, etc.
· Técnica: pintura direta na parede ou no chão, em telas enormes,
utilizando tinta à óleo, pasta espessa de areia, vidro moído.
DADAÍSMO
 CARACTERÍSTICAS
Formado em 1916 em Zurique por jovens franceses e alemães que, se
tivessem permanecido em seus respectivos países, teriam sido convocados
para o serviço militar, o Dada foi um movimento de negação. Durante a
Primeira Guerra Mundial, artistas de várias nacionalidades, exilados na
Suíça, eram contrários ao envolvimento dos seus próprios países na
guerra.

Fundaram um movimento literário para expressar suas decepções em

relação a incapacidade da ciências, religião, filosofia que se revelaram
pouco eficazes em evitar a destruição da Europa. A palavra Dada foi
descoberta acidentalmente por Hugo Ball e por Tzara Tristan num
dicionário alemão-francês. Dada é uma palavra francesa que significa na
linguagem infantil "cavalo de pau". Esse nome escolhido não fazia sentido,
assim como a arte que perdera todo o sentido diante da irracionalidade da
guerra.
Sua proposta é que a arte ficasse solta das amarras
racionalistas e fosse apenas o resultado do automatismo
psíquico, selecionado e combinando elementos por
acaso. Sendo a negação total da cultura, o Dadaísmo
defende o absurdo, a incoerência, a desordem, o caos.
Politicamente , firma-se como um protesto contra uma
civilização que não conseguiria evitar a guerra.

Ready-Made significa confeccionado, pronto. Expressão

criada em 1913 pelo artista francês Marcel Duchamp
para designar qualquer objeto manufaturado de consumo
popular, tratado como objeto de arte por opção do artista.
O fim do Dada como atividade de grupo ocorreu por volta
de 1921.
SURREALISMO
 CARACTERÍSTICAS
Nas duas primeiras décadas do século XX, os estudos
psicanalíticos de Freud e as incertezas políticas criaram um clima
favorável para o desenvolvimento de uma arte que criticava a
cultura européia e a frágil condição humana diante de um mundo
cada vez mais complexo. Surgem movimentos estéticos que
interferem de maneira fantasiosa na realidade.
O surrealismo foi por excelência a corrente artística moderna da
representação do irracional e do subconsciente. Suas origens
devem ser buscadas no dadaísmo e na pintura metafísica de
Giorgio De Chirico.
Este movimento artístico surge todas às vezes que a imaginação se
manifesta livremente, sem o freio do espírito crítico, o que vale é o
impulso psíquico. Os surrealistas deixam o mundo real para
penetrarem no irreal, pois a emoção mais profunda do ser tem
todas as possibilidades de se expressar apenas com a
aproximação do fantástico, no ponto onde a razão humana perde o
controle.
A publicação do Manifesto do Surrealismo, assinado por André
Breton em outubro de 1924, marcou historicamente o
nascimento do movimento. Nele se propunha a restauração dos
sentimentos humanos e do
instinto como ponto de partida para uma nova linguagem
artística. Para isso era preciso que o homem tivesse uma visão
totalmente introspectiva de si mesmo e encontrasse esse ponto
do espírito no qual a realidade interna e externa são percebidas
totalmente isentas de contradições.
A livre associação e a análise dos sonhos, ambos métodos da
psicanálise freudiana, transformaram-se nos procedimentos
básicos do surrealismo, embora aplicados a seu modo. Por
meio do automatismo, ou seja,
qualquer forma de expressão em que a mente não exercesse
nenhum tipo de controle, os surrealistas tentavam
plasmar, seja por meio de formas abstratas ou figurativas
simbólicas, as imagens da realidade mais profunda do
ser humano: o subconsciente.
Surrealismo apresenta relações com o Futurismo e o
Dadaísmo. No entanto, se os dadaístas propunham
apenas a destruição, os surrealistas pregavam a
destruição da sociedade em que viviam e a criação de
uma nova, a ser organizada em outras bases. Os
surrealistas pretendiam, dessa forma, atingir uma outra
realidade, situada no plano do subconsciente e do
inconsciente. A fantasia, os estados de tristeza e
melancolia exerceram grande atração sobre os
surrealistas, e nesse aspecto eles se aproximam dos
românticos, embora sejam muito mais radicais.
OP ART
 CARACTERÍSTICAS
A expressão “op-art” vem do inglês (optical art) e
significa “arte óptica”. Defendia para arte "menos
expressão e mais visualização". Apesar do rigor com
que é construída, simboliza um mundo precário e
instável, que se modifica a cada instante.
Apesar de ter ganho força na metade da década de
1950, a Op Art passou por um desenvolvimento
relativamente lento. Ela não tem o ímpeto atual e o
apelo emocional da Pop Art; em comparação, parece
excessivamente cerebral e sistemática, mais próxima
das ciências do que das humanidades. Por outro lado,
suas possibilidades parecem ser tão ilimitadas quanto as
da ciência e da tecnologia.
POP ART
 CARACTERÍSTICAS
Movimento principalmente americano e britânico, sua denominação
foi empregada pela primeira vez em 1954, pelo crítico inglês
Lawrence Alloway, para designar os produtos da cultura popular da
civilização ocidental, sobretudo os que eram provenientes dos
Estados Unidos.
Com raízes no dadaísmo de Marcel Duchamp, o pop art começou a
tomar forma no final da década de 1950, quando alguns artistas,
após estudar os símbolos e produtos do mundo da propaganda nos
Estados Unidos, passaram a transformá-los em tema de suas
obras.
Representavam, assim, os componentes mais ostensivos da cultura
popular, de poderosa influência na vida cotidiana na segunda
metade do século XX. Era a volta a uma arte figurativa, em
oposição ao expressionismo abstrato que dominava a cena estética
desde o final da segunda guerra. Sua iconografia era a da
televisão, da fotografia, dos quadrinhos, do cinema e da
publicidade.
Com o objetivo da crítica irônica do bombardeamento da sociedade pelos
objetos de consumo, ela operava com signos estéticos massificados da
publicidade, quadrinhos, ilustrações e designam, usando como materiais
principais, tinta acrílica, ilustrações e designs, usando como materiais, usando
como materiais principais, tinta acrílica, poliéster, látex, produtos com cores
intensas, brilhantes e vibrantes, reproduzindo objetos do cotidiano em tamanho
consideravelmente grande, transformando o real em hiper-real. Mas ao mesmo
tempo que produzia a crítica, a Pop Art se apoiava e necessitava dos objetivos
de consumo, nos quais se inspirava e muitas vezes o próprio aumento do
consumo, como aconteceu por exemplo, com as Sopas Campbell, de Andy
Warhol, um dos principais artistas da Pop Art. Além disso, muito do que era
considerado brega, virou moda, e já que tanto o gosto, como a arte tem um
determinado valor e significado conforme o contexto histórico em que se
realiza, a Pop Art proporcionou a transformação do que era considerado
vulgar, em refinado, e aproximou a arte das massas, desmistificando, já que se
utilizava de objetos próprios delas, a arte para poucos.
 SUPREMATISMO
NÃO-OBJETIVISMO
CONSTRUTIVISMO
 CARACTERÍSTICAS
O Suprematismo, da cor pura e da forma, foi criado por Kasimir
Malevitch e a sua geometria tinha a linha como a forma suprema,
revelando a ascendência do homem sobre o caos da natureza, e o
quadrado - inexistente na natureza - era o elemento suprematista
básico. Kasimir Malevitch em 1915 criou o "Quadrado preto sobre
fundo branco", no qual o quadrado estava cheio de ausência de
objetos, e em 1918 o "Quadrado "branco sobre o branco" - a
ausência da ausência -, no qual o quadrado branco seria a vontade
humana fundindo o homem com o infinito.
O Não-Objetivismo de Alexander Rodchenko, movimento que
ocupara uma posição intermediária entre o Construtivismo e o
Suprematismo, participando moderadamente do entusiasmo do
primeiro pela mecânica e da preocupação do segundo com a
busca da sensibilidade pura. Essas experiências foram
interrompidas subitamente no começo dos anos 1920, quando
a política artística do estado soviético sofre brusca mudança,
com o fechamento dos ateliês de vanguarda.
O Construtivismo surgiu na década de 1920 quando a arte moderna
era anarquia. A anarquia era o comunismo e o Construtivismo era de
fato vermelho. O Construtivismo era a socialização da arte, a arte com
fins utilitários - artes práticas. A ordem era a arquitetura simples e a
produção de objetos / produtos utilitários. O artista era o designer. O
processo criativo consistia-se no tectônico, ou seja, na arte de construir.
Fusão de conteúdo e forma. Fatura (transformação dos materiais). Os
irmãos Antoine Pevsner e Naum Gabo (manifesto de 1920) foram os
principais idealizadores. A torre de Vladimir Tatlin ficou só na maquete -
Monumento a III Internacional. El Lissitzky e Alexander Rodchenko
também participaram ativamente do movimento. A obra mais importante
construída foi o "Mausoléu de Lênin" em Moscou. A maioria das obras
projetadas ficou somente no papel, em virtude de sua complexidade e
do atraso tecnológico da época. O Construtivismo rejeitava o conceito
de gênio: intuição, inspiração e auto-expressão. Rejeitava a arte pela
arte.
ARTE CONCRETA
 CARACTERÍSTICAS
• O termo arte concreta é usado por Theo van Doesburg (1883 - 1931), que
participa do grupo e revista homônimos fundados em 1930 em Paris. No
texto de introdução do primeiro número da revista Arte Concreta pontua o
que seria a base da pintura concreta:
• "1º A arte é universal;
• 2º A obra de arte deve ser inteiramente concebida e formada pelo espírito
antes de sua execução [..];
• 3º O quadro deve ser inteiramente construído com elementos puramente
plásticos, isto é, planos e cores. Um elemento pictural só significa a 'si
próprio' e, conseqüentemente o quadro não tem outra significação que 'ele
mesmo';
• 4º A construção do quadro, assim como seus elementos, deve ser simples
e controlável visualmente;
• 5º A técnica deve ser mecânica, isto é, exata, antiimpressionista;
• 6º esforço pela clareza absoluta".
• Portanto, a arte concreta busca abandonar qualquer aspecto
nacional ou regional e se afasta inteiramente da representação da
natureza. Por outro lado, negando as correntes artísticas
subjetivistas e líricas, recusa o sensualismo e a arte como expressão
de sentimentos.

• A arte concreta, sem implicar uma arte figurativa, nasce também

como oposição à arte abstrata, que pode trazer vestígios simbólicos
devido à sua origem na abstração da representação do mundo.
Linha, ponto, cor e plano não figuram nada e são o que há de mais
concreto numa pintura. Segundo Van Doesburg, um nu feminino,
uma árvore ou uma natureza-morta pintadas não são elementos
concretos, mas abstrações. O que há de concreto numa pintura são
os seus elementos formais. Entretanto, Wassily Kandinsky (1866 -
1914), publica em 1938 um artigo intitulado Arte Concreta para
definir a pintura abstrata e não-figurativa.
PINTURA MODERNA
NO BRASIL
ARTE CONCRETA
NO BRASIL
 CARACTERÍSTICAS
• A expressão arte concreta foi usada pela primeira vez no campo das artes plásticas,
pelo artista Theo Van Doesburg, em 1930, e para ele denominava toda arte que se
tinha desvinculado totalmente da imitação da natureza - ou seja, a arte não
figurativa. A denominação passou a ser adotada por artistas, críticos e teóricos, mas
ainda nesse momento, como sinônimo de arte abstrata. A diferença entre estas duas
terminologias se estabeleceu de fato a partir de 1936, quando o artista plástico Max
Bill formula a sua conceituação de uma arte construída objetivamente, fundada em
problemas matemáticos. Com a criação da Escola Superior da Forma, de Ulm, em
1951, a expressão arte concreta passa a designar um movimento, uma tendência
definida no campo das artes. Tomás Maldonado, um dos membros de Ulm, afirma
em 1955: "Não obstante, essa diferença entre arte abstrata e arte concreta, que no
campo era apenas nominalista, tende hoje a assumir outro significado. Cada dia,
acreditamos, torna-se mais evidente que a arte abstrata difere da arte concreta; que
as duas expressões designam fatos artísticos essencialmente diversos. Essa
transformação, sem nenhuma dúvida, deve-se sobretudo à contribuição criadora do
qualificado grupo de artistas suiços, Max Bill, Camille Graeser, Verena Loewnsberg,
que abriram novas perspectivas a uma definição da arte concreta sobre novas
bases."
A Escola de Ulm foi o mais importante centro europeu das experiências plásticas de
vanguarda dos anos 50, reunindo expressivas tendências das artes e dando
continuidade ao trabalho iniciado pela Bauhaus.