REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA

MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA CULTURA

ESCUELA DE MÚSICA PABLO CASTELLANO
CATEDRA: HISTORIA DE LA MÚSICA I

La Música de Danza en el Renacimiento y la Suite

Caracas, julio 2014

INTRODUCCIÓN
 El Renacimiento da comienzo a la Edad Moderna. Es un periodo que
abarca el siglo XV - XVI, cronológicamente se sitúa entre la Edad Media y el
Barroco. En este trabajo se quiere dar a conocer más sobre La Música de la Danza
en el Renacimiento y la Suit donde es relevante destacar que las danzas de
sociedad eran una festividad habitual en celebraciones aristocráticas.

La necesidad de componer música para ser bailada condiciona su

estructura, ya que los pasos obligaban a una regularidad en las frases musicales
que permita marcar fácilmente los desplazamientos. Estas danzas ingresaron
lentamente pero de manera implacable dentro de la música seria, sus puestas en
escena tenían complejas coreografías. De las mascaradas y salones de los nobles,
el baile se inspiró primero en figuras de la mitología para ser luego la diversión
infaltable de las clases altas

En período del alto renacimiento se refleja la riqueza, la cultura y las

limitaciones de la época. Más que un pasatiempo social, la habilidad para bailar
mejoraba la posición de una persona en la corte. Los maestros de baile a menudo
emplearon fórmulas matemáticas para armar movimientos de baile que reflejaran
la exploración y la iluminación de la era de los descubrimientos. Es por esto que
es tan importante incentivar por medio de trabajos a la cultura que se debe poseer.
 CAPITULO I

CONTEXTO HISTÓRICO
El Renacimiento es un período histórico que deviene después del
descubrimiento de América. Otros historiadores indican la fecha de 1453 con la
caída de Constantinopla como fecha inicial de este período. Al respecto veamos lo
que nos dice: (s/a) (s/f). “El siglo XV es un siglo de transición. Las ciudades
adquieren importancia y hay una revitalización de la cultura desde Italia a través
del Humanismo. […]. El nacimiento de la imprenta en 1455 permite una rápida
[…] difusión de la cultura”.
El historiador y artista Giorgio Vasari (1511-1574) formuló una idea
determinante: El nuevo nacimiento del arte antiguo (Rinascitá), que presuponía
una marcada conciencia histórica individual, fenómeno completamente nuevo en
la actitud espiritual del artista. De hecho, el Renacimiento rompió,
conscientemente, con la tradición artística medieval, a la que calificó como un
estilo de bárbaros, que más tarde recibirá el calificativo de gótico.
Es una época en la que el poder está en manos de las monarquías absolutas,
terminando así con el feudalismo medieval; excepto en Italia, donde surgirán
“ciudades estado”. El gran desarrollo económico que va a producirse en Europa
facilitará la movilidad de los músicos y el intercambio de sus ideas musicales.
Los grandes nobles y aristócratas van a ser los principales “mecenas” de la época.
Los mecenas eran personas adineradas que acogían a los grandes artistas, para
protegerlos y mantenerlos con comodidades y lujos. Ser mecenas era un signo de
riqueza y de status elevado. Por otro lado, en el ámbito religioso, la Reforma de
Lutero y la Contrarreforma Católica serán importantes para la evolución de la
música. La producción musical en el Renacimiento aumentará impulsada por las
ideas humanistas, además de por la invención de la imprenta, ya que ahora se
empiezan a imprimir las primeras partituras.
La música seguirá creciendo en complejidad, como ya lo había hecho en
los últimos siglos de la Edad Media. La música profana e instrumental, alcanzará
un mayor desarrollo influidos por el espíritu humanista y el apoyo de los nuevos
mecenas.
La música del Renacimiento suena distinta a la música medieval. Esto se
debe a que se van a producir una serie de cambios debidos a la evolución de la
notación. Este sistema va a ser a la música lo que el plano a la arquitectura
permitiendo un mayor desarrollo de la figura del compositor.

Características Generales:
(a) El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del Humanismo, que
determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. El nombre
“Renacimiento” se utilizó porque éste retomaba los elementos de la cultura clásica
(b) Supone un cambio de actitud frente al conocimiento y a la percepción del
mundo.
(c) El hombre será la unidad de medida.
(d) Renace el clasicismo, recuperando los estudios griegos y romanos
El artista tomó conciencia de individuo con valor y personalidad propios, se vio
atraído por el saber y comenzó a estudiar los modelos de la antigüedad clásica a la
vez que investigaba nuevas técnicas (claroscuro en pintura, por ejemplo). Se
desarrollan enormemente las formas de representar la perspectiva y el mundo
natural con fidelidad; interesan especialmente en la anatomía humana y las
técnicas de construcción arquitectónica. El paradigma de esta nueva actitud es
Leonardo da Vinci, personalidad eminentemente renacentista, quien dominó
distintas ramas del saber, pero del mismo modo Miguel Ángel Buonarroti, Rafael
Sanzio, Sandro Botticelli y Bramante fueron artistas conmovidos por la imagen de
la Antigüedad y preocupados por desarrollar nuevas técnicas escultóricas,
pictóricas y arquitectónicas, así como por la música, la poesía y la nueva
sensibilidad humanística.
(e) Los centros urbanos regidos por un señor y una incipiente nueva clase social,
la burguesía, iban a permitir el desarrollo de las artes y por supuesto también de la
danza. Este desarrollo se produjo sobre todo en Italia, pionera en la eclosión de
esta corriente artística y de pensamiento.
(d) Aparece la imprenta entre 1460-1480. Todo esto propició que aparecieran
manuales teóricos sobre arte y también sobre danza.
 CAPITULO II
LA DANZA EN EL RENACIMIENTO

Sabemos que los europeos bailaban desde mucho antes del Renacimiento,
los primeros manuales e instrucciones detalladas que se han conservado hasta hoy
fueron escritos en Italia entre 1450 y 1455. Estos documentos y otros provenientes
de Francia, Inglaterra y otros países europeos, permiten conocer algo sobre esta
actividad social, tan importante en el Renacimiento. Se esperaba que una persona
educada tuviera conocimientos básicos de danza, que era a menudo enseñada por
maestros profesionales.
Las danzas que conocemos son de naturaleza muy variada. Hay danzas lentas y
elegantes (bajas danzas, pavanas, almains) y también rápidas y animadas
(gallardas, corantos, canarios). Algunas tenían coreografías fijas, mientras que
otras se improvisaban según el gusto y habilidad de los participantes. Muchas
danzas eran para parejas pero otras para grupos o diferentes combinaciones de
hombres y mujeres. Existían también danzas que se movían en círculo, que
conocemos por los branles.
Estos documentos y los encontrados en otros países (Francia e Inglaterra
entre otros), permiten conocer algo sobre esta actividad social, tan importante en
el Renacimiento. Una persona educada y culta en el renacimiento debía tener
conocimientos básicos de danza y a menudo era enseñada por maestros
profesionales.
Durante el Renacimiento los maestros de baile fueron ya comunes. Eran
los que establecían las reglas de cada baile, lo enseñaban y llevaban las nuevas
danzas de una corte a otra. Durante esta época, las danzas populares se
transformaron en bailes sociales en los castillos y palacios de la nobleza.
En las cortes renacentistas las danzas de sociedad eran un fenómeno habitual. Los
cortesanos descubrieron el baile de parejas, y desarrollaron danzas con pasos
estudiados y evoluciones preestablecidas que era necesario aprender para ser buen
cortesano. Comenzó así una diferenciación entre danzas folclóricas, cantadas y
bailadas por el pueblo, y danzas cortesanas o de salón, las que bailaba la
aristocracia.
 Esta costumbre social de danzar, motivó que la mayor parte del repertorio
instrumental del siglo XVI europeo esté compuesto por piezas de danza
interpretadas en diferentes instrumentos: laúd, clavecín o virginal. Para las
grandes fiestas incluso se exigía un conjunto instrumental pequeño que no
improvisaba como en la Edad Media, sino que interpretaba músicas escritas con
esquemas rítmicos establecidos. Estas piezas estaban formadas normalmente por
melodías simples ornamentadas (no contrapuntísticas).

Desarrollo de la Música Instrumental Durante el Renacimiento:

Nos ha quedado constancia del uso de instrumentos durante la Edad Media
a través de testimonios iconográficos y literarios. Desde esta época se establecen
una clasificación entre instrumentos para el exterior (altos) y para el interior
(bajos), en donde se observa una futura distinción entre la música de cámara y
conjuntos al aire libre. Desde esta época los instrumentos musicales se empleaban
para doblar voces o para ejecutar acompañamientos muy sencillos y por supuesto
éstos no estaban bien visto dentro de la Iglesia por sus connotaciones laicas (a
excepción del órgano).
Durante el Renacimiento se ocasionó una serie de cambios que
favorecieron el desarrollo de la música instrumental:
(a) Enriquecimiento de la sociedad y una afición de la música por parte de la
burguesía. En el siglo XVI se crean corporaciones de fabricantes de instrumentos.
(b) Los mecenas disponían habitualmente en sus capillas de conjuntos
instrumentales (denominados ministriles), lo que favoreció el status social del
músico.
(c) Los avances científicos provocaron una experimentación hacia la manera de
producir sonidos, de ahí la invención de muchos de ellos durante esta época.
De estos tenemos cuatro (4) tipos que son los Tratados musicales, Las
iconográficas, Los Instrumentos conservados y La importancia de la imprenta.
(a) Tratados musicales: Con descripción de instrumentos, grabados, tablaturas,
etc. Destacan los de Virdung, Agrícola y Praetorius.
(b) Iconográficas: La pintura y escultura de la época nos da pistas de que la
música instrumental aparee en ceremonias públicas, cortejos, bailes, festejos.
(c) Instrumentos conservados: Los primeros datan del siglo XVI (violines, laúdes,
tiorbas…). Son de gran valor porque nos permiten su reconstrucción.
(d) La importancia de la imprenta: Por estos años también nace la imprenta de
tipos móviles, que revolucionó la transmisión de información de la sociedad
europea. Hasta ese momento, las notas musicales se escribían a mano sobre
pentagramas grabados. Dicho invento supuso una mayor difusión de la música en
cuanto a cantidad y rapidez de circulación de la misma.
En 1501 se editó el primer libro de música con caracteres móviles, el
Harmonice Musices Odhecaton, del talles tipográfico de Octavio Petricci de
Fossombrone. Esta primera producción fue una antología de 96 cancines
polifónicas, a la que después siguieron otras tantas como colecciones de motetes,
volúmenes de missas consagradas a un solo autor o recopilaciones de varios,
incluso once libros de frottolas editados entre 1504 y 1514.

Características de la Música instrumental del Renacimiento

El Renacimiento asiste a las primeras manifestaciones de la música
puramente instrumental, para lo cual se requerirá de un instrumento suficiente,
una capacidad técnica e interpretativa adecuada por parte de los tañedores y unos
sistemas de notación adecuados a los instrumentos (trabladuras).
Además de las características de estilo comunes a todo el periodo
(polifonía, texturas imitativas, etc.), la música instrumental tiene algunas
peculiaridades:
(a) Se escribió música para solistas y grupos. Entre los primeros fueron
importantes las composiciones para órgano, clave y laúd.
(b) En la música para solistas y grupos se tiende a la agrupación de los
instrumentos por familias, buscando la homogeneidad en el registro de un
instrumento
(c) La clasificación de los instrumentos por tanto, viene dada por el criterio del
volumen sonoro de los mismos, esto es, en instrumentos altos, para tocar al aire
libre (viento y percusión) y en instrumentos bajos, para tocar dentro de in recinto
(algunos de viento madera y cuerda).
 CAPITULO III
LA SUITE

La suite es una forma instrumental desarrollada en la música barroca. En el

sentido general, la suite se refiere, a un conjunto de danzas que llevan un orden, y
son interpretads de una sola vez, es decir; el ciclo de danzas ordenadas, tocadas de
principio a fin. En el período Barroco, el género instrumental consistía en un
número de movimientos (danzas) en la misma tonalidad, todas estas “sucesivas”,
como el significado del término en francés Suite, de las cuales, algunas o todas
eran basadas en formas o estilos de música bailable. La Suite no sólo sirvió ‘como
una nueva “técnica” de composición, pero si como una manera conveniente de
arreglar u ordenar piezas existentes en grupos, para su publicación o ejecución.
Después de 1750, la formas “clásica” de la suite barroca, la cual incluía
alemanda, courante, zarabanda y giga, llego a ser obsoleta con el término. La idea
de la suite, sin embargo, continuó floreciendo bajo varias modalidades.
Juan Sebastián Bach (1685 – 1757) “La simple sucesión de danzas con las
que se complacía a la sociedad del Renacimiento y del Barroco en los salones
señoriales, engendró una de las formas más importantes en el período estilístico
barroco: La Suite”
Su origen está en el emparejamiento de danzas que contrastan en
velocidad, métrica y carácter. Poco a poco se van añadiendo más danzas, hasta
que a mediados del siglo
XVII Froberger propone la sucesión Allemande-Courante-Sarabande-Gigue como
esquema fijo para la suite, estructura que se adoptará durante prácticamente un
siglo y a la que Johann Sebastian Bach dará el espaldarazo definitivo al adoptarla
para la gran mayoría de sus Suites.
Sin embargo, este esquema va a servir de base para infinidad de cambios y
alteraciones: Se cambian unos tipos de danzas por otros, se prescinde de alguno,
se añaden muchos otros... Entre los "añadidos" que aparecen con frecuencia está
un movimiento introductorio, coherentemente denominado preludio, preámbulo u
obertura.
Otras danzas que con frecuencia aparecen en el esquema esencial de la suite son
la pavana, la gallarda, el rondeau, la gavotte, la musette, la bourrée, el saltarello, la
siciliana, el rigaudon, el minuetto o ménuet, el branle, el passepied, o el canario.
A la suite se incorporan a menudo páginas carentes del carácter introductorio ya
comentado y que se suman insertas en cualquier punto de la cadena, a modo de
pausa entre danzas. Estos paréntesis pueden ser toccatas, fantasías, airs (arias),
pastorales, passacaglias o chaconas.
Las danzas tenían una forma binaria simple, es decir, dos secciones más o menos
iguales. Una suite constaba de unos diez movimientos. Solía comenzar con un
preludio. La primera danza podía ser una alemanda, de ritmo rápido; luego
una corrente y una zarabanda; una bourrée, de tiempo moderado, y así
sucesivamente, para finalizar con una danza viva, como la giga. La suite tuvo su
apogeo con Georg Friedrich Händel y Johann Sebastian Bach, durante el siglo
XVIII. Al finalizar el barroco, la suite fue una forma musical sofisticada que
mezclaba distintas tonalidades, contrastaba materiales temáticos presentándolos al
inicio de la pieza y reexponiéndolos en su final. Anuncia, en definitiva, el origen
de la sonata, que reemplazará a la suite como género instrumental en la segunda
mitad del siglo XVIII. En resumen, la suite es la unión en una sola obra de varias
danzas de distinto carácter y ritmo, con el que consigue dar el sentido dramático
de «contraposición», típico del Barroco.
 CONCLUSIÓN
Como resultado de la investigación de la Música de la Danza en el
Renacimiento y la Suite, es posible concluir que el Renacimiento hizo un cambio
entre la música renacentista como ya lo hice notar que este tipo de música tuvo
una textura polifónica y está regida por el sistema modal, sabiendo que la música
de Danza eran escritas con esquemas rítmicos establecidos ya que estos no eran
contrapuntísticos sino melodías simples ornamentada.
Podemos decir que las danzas y la Suite fueron danzas de sociedad,
mientras que antes del renacimiento la danza fue determinada para la clase baja ya
que eran consideradas deshonestos y lascivos.
Al respecto, cabe citar a Jusepe Antonio González de Salas (1588 – 1654)
que nos dice:
Cabe mencionar una distinción entre danza y baile. Así, la primera es un
género más antiguo, según Ateneo, en el que solo se usan los pies y en el
que los movimientos suelen ser más “mesurados y graves”. Por el
contrario, en los bailes se usan pies y manos y los movimientos son más
libres o desmedidos. (P. 29)
 REFERENCIAS

Gerrero, F. (2012). La música y la danza en el Renacimiento. [Documento en

línea]. Disponible: http://www.franciscocallejo.es/pau/02-Renacimiento.pdf.
[Consulta: 2014 Junio 27]

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en línea].
Disponible:http://deuterus.com/PDF/04%20%20La%20musica%20instrumental%
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(s/a). (s/f). RENACIMIENTO. [Documento en línea]. Disponible:

http://es.wikipedia.org/wiki/Renacimiento [Consulta: 2014 Junio 29].

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http://www.ciudadjardin.org/musica/musicajardin/Apuntes_files/La%20Mu%CC
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Carmen, M. (2011). La danza en el Renacimiento. [Documento en línea].

Disponible: http://mcarmenfer.wordpress.com/2011/12/03/la-danza-en-el-
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(s/a). (s/f). La Suite, Capitulo II. [Documento en línea]. Disponible:

http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lmu/leyva_c_g/capitulo2.pdf
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(s/a). (s/f). La Suite. [Documento en línea]. Disponible:

http://aulademusicamartinsarmiento.files.wordpress.com/2014/02/la-suite.pdf
[Consulta: 2014 Julio 03].