Resumen de Historia de la Cultura

Historia de la Cultura
Son todos los hechos humanos. La humanidad comienza cuando el ser humano comienza a ser
consciente que es consciente.
Hay una evolución desde el pre humano (primate-4 patas) visión reducida, hasta el humano
erguido en 2 patas, visión amplia, la mirada se vuelve inmensurable. El ser humano comprendió
a partir de la evolución que debe vivir en grupo para poder lograr su existencia. El hombre al
organizarse en grupo empieza a crear y buscar herramientas para luego utilizarlas en pos de su
civilización (fuego, piedra, arcilla, caña, etc.).
El gran logro cultural que realiza el ser humano y que no será superado jamás, es el “lenguaje
articulado”, esto significa un paso de gigante en la evolución humana y también significa la
construcción del mundo a imagen y semejanza del hombre. Desde el momento que el hombre
comenzó a nombrar (comunicarse), comenzó también a “crear” (arte – cultura). Ahora todo lo
que lo rodea se va transformando a la medida humana.
Lo invisible para el hombre es lo divino, lo mágico, es todo aquello que pertenece a una esfera
inalcanzable, es lo que no puede conocer ni explicar; lo divino tiene característica sobre
humana, por lo tanto son muchos más poderosas que la del humano, lo divino es inmortal.
Las primeras divinidades (diosas) son femeninas, porque las mujeres se podían reproducir, en
ellas estaba la fertilidad.

Cultura
Son todas las manifestaciones que se dan en una sociedad. Desde esta materia vamos a
estudiar las grandes manifestaciones del intelecto humano.
El arte en todas sus manifestaciones a lo largo de toda la humanidad a dicho y a expresado la
verdad; las obras de arte ​no caducan​, ellas revelan las fibras intimas del espíritu humano. El
arte nos requiere una predisposición espiritual muy diferente a lo que requiere la ciencia.
Después de haber comprendido la necesidad de estar en grupo, de organizarse y de trabajar,
“la muerte” comienza a ser inexplicable para el ser humano. Surge la pregunta esencial básica
de la existencia humana: ¿Cuál es el sentido de la vida durante la certeza de la muerte? Al no
tener explicación la muerte, produce angustia y en pos de esta el hombre empieza a buscar un
universo de explicaciones, de ahí surgen los inventos, relatos, ritos. De así el “primer rito” que
elabora el ser humano es el “rito a los muertos” (enterrar a los muertos). Como seres humanos
necesitamos enterrar a nuestros muertos, ese rito está destinado a “guardar” esos muertos
porque es posible que en ese nuevo mundo que está ahora, nos sirvan como mediadores,
interesados por nosotros en ese mundo divino. De rito funerario luego paso a ser toda una
“ceremonia” y luego se constituyo en una “religión”.
La “religión” es la primera “política” en la sociedad humana. Los sacerdotes eran los
gobernantes porque ellos comunicaban al pueblo lo de las “divinidades” y a la divinidad, lo del
pueblo. Estas características están desde los inicios de las primeras sociedades humanas.
La vida en la civilización a los comienzos era nómade y sedentaria, pero con el tiempo las
civilizaciones nómades fueron desapareciendo y se estableció la civilización sedentaria ya que
esta contribuía con el desarrollo de la sociedad humana.

El concepto de cultura (texto)

Es un conjunto de costumbres y modo de vida de un pueblo, heredados y transmitidos de
generación en generación.
La cultura es el fin y el alma del desarrollo visto como el florecimiento de la existencia humana
en todas sus formas.
Es el conjunto de rasgos distintivos, espirituales, materiales, intelectuales y afectivos que
caracterizan una sociedad o un grupo social.
Hoy, se piensa la cultura como el conjunto total de los actos humanos en una comunidad dada,
ya sean estas prácticas económicas, artísticas, científicas o cualquier otra.
Designa modos y costumbres que existen o existieron en cualquier pueblo.
Ser culto (pertenecer a una cultura) es el único modo de ser libre.
La cultura es aquello que enriquece la condición humana que nos hace ser más humano y más
libre…

Etiología
Cultura – metáfora agrícola – cultivación del alma o de la mente, cultivo de los campos.
Diccionario​: es el conjunto de conocimientos y saberes acumulado por la humanidad a lo largo
de los milenios.
Cultura diferente a civilización
● La civilización: está referido a la idea de progreso, la civilización es un estado de la
humanidad en el cual la ignorancia ha sido abatida y las costumbres y relaciones sociales
se hallan en su más elevada expresión.
● La cultura según Tylor: es un todo complejo que incluye, conocimientos, creencias, arte,
moral, costumbres, hábitos.
Para Marx, la cultura es un reflejo de las relaciones sociales de producción, es decir, de la
organización que adoptan los humanos frente a la actividad económica.

Elementos de la cultura
● Materiales:​ son todos los objetos en su estado natural o transformado por el trabajo
humano.
● De organización: s​ on formas​ ​de relación social sistematizada (características
demográficas).
● De conocimiento: ​es lo que se transmite de generación en generación.
● Simbólico:​ son los diferentes códigos que permiten la comunicación. El fundamental es
el lenguaje.
● Emotivos o subjetivos: ​son las representaciones, donde la subjetividad es un elemento
cultural indispensable.
Dentro de toda cultura hay dos elementos que hay que tener en cuenta: los rasgos culturales y
los complejos culturales.

Cambios culturales
Los cambios culturales son los cambios a lo largo del tiempo de todos o algunos de los
elementos culturales de una sociedad.
Estos cambios son los siguientes:
● Enculturación:​ es el proceso en el que el individuo se culturiza.
● Aculturación:​ esta se da generalmente en momentos de invasión o conquistas, y es de
manera forzosa e impuesta.
● Transculturación:​ es un fenómeno que ocurre cuando un grupo social recibe y adopta las
formas culturales que provienen de otro grupo.
● Inculturación:​ esta se da cuando la persona se integra a otras culturas, las acepta y
dialoga con la gente de esa cultura.

Línea del tiempo

Sumerios – Egipcios - Griegos - Romanos - Edad Media - Renacimiento - Barroco - Neoclásico -
Romanticismo - Vanguardia

Sumerios
Los sumerios se asentaron en el entorno de los ríos ​Tigris​ y ​Éufrates​, cerca de su
desembocadura en el Golfo Pérsico. A esta región se la conoce como Sumeria o Sumer. Se tiene
conocimiento de su existencia en torno al año 3500 a.C. aunque no está en absoluto claro
su ​origen​. No se conoce con certeza si los sumerios eran población autóctona de
Mesopotamia​ o bien se desplazaron desde alguna zona cercana.
La humanidad les debe a los sumerios un enorme conjunto de avances que significaron una
gran transformación en todos los aspectos de la vida. Quizá los más importantes fueron la
invención de la rueda en torno al año 3500 a.C. y la invención de la cuneiforme en torno al año
3300 a.C. pero no debemos olvidar que fueron los precursores de las
primeras ​ciudades​ (Umma, ​Uruk​, ​Ur​, Eridu, Nipur, Kish y Lagash entre otras). Los sumerios nos
dejaron las primeras leyes escritas, fueron los inventores del sistema sexagesimal, de los inicios
de la medicina, y de las construcciones con ladrillos de adobe y los arcos arquitectónicos.

Los inventos de los Sumerios

● La rueda
● La escritura​: inventaron un sistema de escritura que consistía en grabar signos sobre
unas tablillas de arcilla blanda que después se endurecía en un horno. El invento de esta
escritura marca el comienzo de la Historia.
● La ciudad​: la vida de las ciudades ​sumerias​ discurría en torno al templo, ya que
dominaba la política, la economía y por supuesto la religión de la ciudad. El templo
poseía tierras, ganado, comerciaba y ofrecía trabajo a cambio de tierras o salarios. El
sumo sacerdote era denominado "En" o "Señor" y se trataba al mismo tiempo de la
máxima autoridad religiosa y el líder político de la ciudad hasta que en el tercer milenio
a.C. fue sustituido por el "Ensi" o "Lugal" que ostentaba el poder militar y que ya dispone
 de las características de un rey. Las ciudades ​sumerias​ se hacían la guerra
frecuentemente por el dominio de las tierras cultivables lo que hizo surgir una nueva
organización: el ejército. La distribución del trabajo se concretó en la aparición de cuatro
grandes grupos sociales: los artesanos, los agricultores, los sacerdotes y los soldados
● Las leyes escritas
● La medicina
● Sistema sexagesimal. Numeración.
● Los ladrillos de adobe.
● Las construcciones con arcos.
● El matrimonio y el divorcio.
● La cerveza.
● Sistema económico.
Ver obra Gilgamesh

Civilización Egipcia
Se tiene conocimiento de su existencia en torno al año 3500 a.C., ene sta civilización hay un
gran refinamiento de: las costumbres, del pensamiento y del arte. En esta civilización
encontramos vestigios (arqueología de arte).
Fue una civilización que se agrupo en asentamientos situados a orillas del rio Nilo. Tuvo tres
épocas de esplendor que se denominaron: imperio antiguo, medio y nuevo.
Fue la primera civilización sedentaria, comenzó con la unificación de varias ciudades del valle
del Nilo.
Su característica geográfica: situado en África nororiental y confinada por Libia, el Mar Rojo y el
Mar Mediterráneo. El Nilo fue la clave del éxito de esta civilización, ya que permitía el
aprovechamiento de los recursos y ofrecía una ventaja significativa sobre los otros pueblos.
Tenían una forma muy particular de agricultura, esto permitía a la población dedicar más
tiempo y recursos al desarrollo cultural y artístico.
A religión egipcia estaba plasmada en la mitología. Los templos eran un lugar sagrado donde
solo podían estar los sacerdotes y sacerdotisas. La existencia de momias y pirámides a las
afueras de Egipto indican que las creencias de estos y los valores se transmitieron a otros
lugares.
La naturaleza religiosa de esta civilización tuvo influencias en las artes, las grandes obras de
Egipto representaban diosas, dioses y faraones considerados divinos. El arte esta caracterizado
por la idea del orden y la simetría.

Civilización Griega (texto)

La civilización griega es una de las grandes etapas de la cultura de todos los tiempos. Forma una
continuidad con la civilización romana. El mundo occidental es heredero de estas dos
civilizaciones (griega y romana).
Se atestigua la presencia del hombre en Grecia, 3200 años AC. Pero fue en la isla de Creta
donde se desarrollo la civilización más avanzada, la cual se denomino Cretense o Monoica, en
esa época se construyeron palacios de Cnosos (1500 aC).

Civilización Minoica
La primera civilización del mundo griego, contaban con abundantes riquezas gracias al
comercio; producían aceitunas, cereales y vino en abundancia. Se caracterizaba por su
decoración a base de escenas pintadas en los muros o “frescos”.
Frescos: es una pintura realizada sobre una superficie cubierta con una delgada y suave capa de
yeso, en la cual se va aplicando cal apagada y cuando la ultima capa esta todavía húmeda, se
trabaja (se pinta o se esgrafía) sobre ella, de ahí su nombre.

Civilización Micénica
Grupo de palacios, entre los que se encontraban los micenas, el rey vivía en estos grandes
palacios y desempeñaba el papel del ejército y de administración. El pueblo micénico se
caracterizo por su activo comercio marítimo y por las exportaciones de productos, alcanzo su
máximo esplendor en al año 1600 aC.

Civilización Clásica
● Arcaica (700 – 500 aC).
● Clásica (siglo V – III aC).
● Helenística (siglo III – I aC).
En este curso histórico, de la civilización clásica, surgieron varios hechos importantes en la
formación definitiva de lo que fue Grecia posteriormente, esos hechos importantes son:
 ● Formación de la polis (ciudades).
● Guerras médicas.
● La preeminencia de Macedonia con Alejandro Magno.
● La dominación romana.

Edad Oscura
Corresponde al surgimiento de Grecia como civilización, acá se produjo un proceso de
urbanización en el cual se agruparon varias aldeas y formaron las ciudades como Esparta y
Atenas.
Estas ciudades o estados estaban gobernados por reyes que ejercían la autoridad religiosa,
militar y política; excepto en Esparta donde la autoridad de los reyes se reemplazo por una
autoridad aristocrática formada por terratenientes que podían criar, mantener y criar sus
caballos.
Otros dos factores que formaron un papel importante en la formación de la civilización griega
fueron los Juegos Olímpicos y las dos epopeyas de Homero “Ilíada y Odisea”.
Entre los siglos VI y VIII las polis griegas (ciudades), pasaron de un sistema de gobierno
monárquico a uno aristocrático. Hasta después de varias crisis sociales llegar finalmente a
gobiernos democráticos.

Guerras médicas
Grecia enfrento a los persas, gano Grecia. Para enfrentar a los persas se organizo la Liga de
Delos.
A partir de entonces (siglo V aC) Atenas tuvo el mayor esplender que correspondió al gobierno
de Pericles, el cual modifico las leyes y le dio un sentido democrático.

Guerra del Peloponeso

Fue un conflicto militar de Grecia que enfrento a la Liga de Delos, conducida por Atenas, con la
liga del Peloponeso, conducida por Esparta.
Esta guerra provoco que Atenas pasara a un estado de sometimiento, mientras que Esparta se
establecía como el mayor poder de Grecia.
Esta guerra destrozo tabúes religiosos y culturales, destruyo ciudades enteras y marco el final
del dorado siglo V aC de Grecia.

El arte griego
Este suele dividirse en tres periodos:
● Arcaico:​ acá se comienzan a establecer los órdenes arquitectónicos.
● Clásico:​ etapa de mayor esplendor y originalidad del arte griego, protagonizada por
Atenas.
● Helenístico:​ el arte griego se abre a las influencias orientales.
Pintura
Hace referencia a la cerámica, a platos y vasijas; cuya comercialización era un negocio muy
productivo. Los diseños al comienzo tenían formas geométricas, después aparecieron los
dibujos de plantas y animales, y en el periodo arcaico se incluyo la figura humana.
Escultura
Las primeras esculturas griegas fueron pequeñas figuras humanas hechas de materiales
maniables como la arcilla, el marfil o la cera. Con la llegada del periodo clásico, la estatuaria
griega abandono los patrones orientales y gracias al estudio de las proporciones se pudo copiar
fielmente la anatomía humana (esculturas grandes), los rostros ganaron expresividad y
realismo.
Se introdujo el concepto de “contrapposto” (posición por la cual la escultura de apoyaba en una
sola pierna).
Durante el periodo helenístico se enfatizo y sofisticaron las formas heredadas del clasicismo.
Arquitectura
El templo fue uno de los legados más importantes de la arquitectura griega, se destacaban las
columnas, los materiales utilizados eran el adobe para muros y madera para las columnas en
sus comienzos. Pero a partir del siglo VII aC en el periodo arcaico estos materiales fueron
reemplazados por la piedra.
A partir de ahí surgieron tres órdenes arquitectónicos:
● Dórico.
● Jónico
● Corintio
Teatro
El origen teatral es una creación griega y el edificio, anfiteatro, también es una construcción
griega. Los grandes teatros se construyeron a cielo abierto, el teatro griego nace con danzas y
cantos corales (siglo V aC).
Las partes del teatro griego clásico son:
● Orchestra:​ espacio circular de un semicírculo de tierra lisa y compacta situado al aire
libre, donde el coro cantaba y bailaba.
● Skené:​ zona de forma rectangular alargada y estrecha con el lado mayor de la cara al
público, situada detrás de la orchestra, y elevada 3mts. por encima de la misma.
● Koilon:​ se refiere al lugar donde se contempla, es un espacio de forma semicircular
reservado para el público, generalmente se utilizaba la falda de una colina que se
acondicionada con asientos de madera o piedra.
Origen del teatro
Nace de danzas y cantos corales en el siglo V – VI aC, donde se celebraban fiestas en honor del
dios Dionisos.
Las “fiestas dionisiacas” se realizaban en espacios abiertos cercano al altar del dios Dionisos,
participaban flautistas y músicos y duraban varios días.
Otras fiestas que se realizaban eran los “ditirambos”, que consistían en representaciones de
textos literarios, para bailar y cantar, con acompañamiento de flauta en las que intervenían 50
hombres. Estas fiestas crearon la necesidad del dialogo dramático, donde surgió así la forma
teatral que denominamos “tragedia”.

Civilización Griega (apuntes)

Surge la polis, acá nacen las pautas culturales. La cultura griega viene de una corriente
migratoria de Asia y África.
La cultura griega se caracteriza por ​no​ ser guerrera, es de índole creativa y contemplativa. Esto
da espacio para el arte y la filosofía. Siglo de oro (5 Ac).
Los griegos planteaban la filosofía como una ocupación; y a las artes en relación con la religión.
Surge el arte como una disciplina, el teatro se independiza de las otras artes, este se hace al
aire libre en espacios públicos, se inventa la figura del dramaturgo (quien escribe la obra). El
teatro tiene origen de Dionisos (fertilidad y excesos) donde estas fiestas que realizaban fueron
limitadas por Apolo (representante de la razón). Así surge la tragedia para ser representada que
está compuesta por un protagonista y un coro.

Mitos y epopeyas
Los mitos son narraciones que se transmiten oralmente, e implican religión.
Epopeya (Ilíada – Odisea), obras teatrales donde en las obras se requería de: actores,
escenografía y teatro y de un libreto, a partir de eso surge una ​convención​, esta es un acuerdo
tácito entre el espectador y los actores, encarna lo invisible. En estas epopeyas aparecen en el
escenario los dioses.
Sócrates: cuando la sociedad avanza en su desarrollo, el ciudadano miembro de la polis,
desarrollan y despliegan sus pensamientos, donde este, el pensamiento, pasa a ocupar gran
importancia. Ese pensamiento creativo desarrolla la filosofía griega, “sino es creativo, no es
pensamiento”.
Cuando Grecia entra en decadencia por causa de las guerras, el estado de ánimo de los
ciudadanos decae, entran en Atenas múltiples corrientes que van en contra de las creencias
Socráticas en relación a la felicidad.
Esquilo​, padre de la tragedia (personajes solemnes que transmitían la palabra de los dioses)
Eurípides​, el bastardo de la tragedia (acá las personas se llevan por sus propios pensamientos.
Alejandro Magno va a intentar llevar a la cultura helénica a una expansión, llevarla a Italia. Esa
expansión dura poco porque Alejandro magno muere. Para esa época asomaba el ultimo “gran
imperio, el Romano”.

Los Romanos
● El idioma es latín.
● Se caracterizaba por una forma de gobierno autocrática.
● Corresponde al periodo histórico de la edad antigua.
● La capital era Roma.
● Se destaca por el espíritu práctico de todas sus construcciones, son obras civiles como
puentes, acueductos, calzadas.
● Sus construcciones muestran grandiosidad monumental, como muestra de su poder y
superioridad sobre otros pueblos.
● Crean revolucionarios métodos constructivos.
● Utilizaban mármol para cubrir sus edificios o monumentos.
● Desarrollaron el hormigón, lo cual permitió cubrir espacios mayores a los que cubría la
piedra

El arte romano
● Se encuentra influido por los etruscos y los griegos.
● Aparece el retrato real.
● Establecen talleres que copian obras griegas.
Caracteres propios del arte romano:
● La organización urbana, social y religiosa de Roma, exige nuevos planteamientos
arquitectónicos.
● En la escultura la influencia griega es mucho mayor, pero aparecen las novedades como
el retrato realista.
● Su pintura al fresco es original.
● Los mosaicos son decorativos.
● Se caracteriza el arte romano como un arte practico.
● Arquitectura: el arco y la bóveda, se utiliza el hormigón que decoran con pintura o lo
revisten de piedra o mármol, los templos son rodeados de columnas donde estas se
utilizan con fines decorativos más que estructurales.
El panteón
El panteón de Roma es un templo circular construido a comienzos del imperio romano
dedicado a todos los dioses; en la ciudad se lo conoce popularmente como la rotonda. Es un
diseño de Miguel Ángel.
El anfiteatro
Es un tipo de edificio público de la civilización romana utilizado para acoger espectáculos y
juegos. Es de forma circular u ovalada.
Arco de triunfo
Es un monumento construido para conmemorar una victoria militar, eran dedicados a cada
general victorioso. Consiste en dos pilastras macizas unidas por un arco.
Escultura romana
El retrato: los romanos son grandes maestros en esta técnica. Retratos funerarios realizados
tras la muerte del modelo.
Música
Adaptaron la teoría de los griegos a sus necesidades prácticas musicales. El aulos griego se
transformo en la tibia romana, la mayoría de los instrumentos romanos habían sido tomados de
otras culturas, se destacaron la fabricación y el uso de trompetas rectas.
Danza
Utilizaban la danza en fiestas, celebraciones y también en rituales para sus dioses.
La danza se incorporo al teatro y comenzó a transformarse en un arte que solo dominaban
algunos.
Teatro
La producción teatral se asocia en principio con festivales religiosos. Pero luego se convirtió en
un entretenimiento.
 ● Tragedia:​ imitaban a los griegos, en las tragedias abordaban temas históricos o de
actualidad, se oriento hacia un espectáculo próximo a nuestra opera, en el que la danza,
el canto y el decorado, jugaban un papel importante.
● La comedia: e​ staba sometida a los modos autóctonos de representación. Se distinguen
dos tipos de comedia: las comedias palliatas y las comedias togadas.
● El mimo: e​ ste constituía uno de los componentes de la comedia atelana, fue
progresando hasta convertirse en el género cómico de mayor aceptación.
Vestimenta
La vestimenta habitual de los romanos era la toga, había diferencias de color y de ornamento,
según las edades, rangos y funciones.
La cosmética y la moda
Esta no era exclusiva de lo femenino, muchos se maquillaban, cuidaban su cuerpo con baños y
masajes, preocupados por la estética casi hasta la obsesión. Algunos se comenzaban a afeitar la
barba, los hombres llevaban el cabello corto y lo sujetaban con una cinta y las mujeres lucían
variedad de peinados. Blanqueaban sus dientes con piedra pome en polvo. Las mascarillas de
belleza antes del maquillaje consistían en baños de leche de burra que funcionaba como
exfoliante.
Existían las cirugías estéticas que intentaban ocultar las cicatrices, se operaban la nariz, los ojos,
labios y dentadura (la nariz se operaba cuando las mujeres eran adulteras y en los ladrones).

Imperio Romano: apuntes de clase

Este imperio toma el modelo Griego y se va a extender a todo oriente. Este imperio tuvo larga
duración, duro 500 años, la cual propicio la influencia del mismo hasta nuestros días.
Como dijimos, el I Romano se lo ve como espejo del I Griego, Roma se forma con pueblos
guerreros, no muy cultos, rústicos. Roma surge por la absorción de múltiples pueblos que
estaban alrededor de la península Italiana, todos esos pueblos, forman un gran imperio, el
Romano. Roma se caracterizaba, por ser un pueblo guerrero pero no destruía los pueblos que
conquistaba, sino los absorbía. Roma se expande primero por toda la península Itálica y
después por toda Europa y va a ir conquistando antiguos imperios como por ejemplo el imperio
Egipcio (cleopatra) y además conquisto Grecia. En esa conquista roma quería adueñarse de la
cultura Griega, al llegar a Grecia el imperio romano, no la destruye, sino que “adhiere” a la
cultura Griega. Lo que hacen los romanos es cambiar los nombres a todos los representantes de
ese pueblo por nombres propios de Roma. De igual modo no se logra esa fusión ya que le
pueblo romano es mucho más pragmático que el pueblo Griego. Esto provoca que se establezca
una nueva cultura griega.
La tragedia Griega (arte) pasa a ser en roma un entretenimiento, mucho mas banal perdiendo
el sello Griego. Se presentaban lucha de gladiadores, lucha entre animales, etc. este era el
gusto del pueblo romano, un gusto más salvaje y no intelectual como el griego. Las familias
pudientes de roma, como querían asemejarse a la cultura griega porque era considerada
intelectual, más importante, hacían traer maestros griegos para educar a sus hijos, además
hacían que estos escribieran en griego. Los romanos eran muy diferentes a los griegos, una las
características es que estos eran muy numerosos comparados con los griegos. Existían en roma
una especie de conventillos, donde se asinaban gente, en casillas de madera.
Los romanos toman el estilo de arquitectura dórico, jónico y corintio, tres órdenes de
columnas. Desarrollan el 2arco de medio punto” es un tipo de construcción muy evolucionado;
a partir de esto se crean los puentes, coliseos, acueductos, etc.
Utilizaban agua corriente, cloacas, calefacción; eran una ciudad que se preocupaban mucho por
la infraestructura de las ciudades y además se preocupaban por la higiene de su pueblo, Roma
era un pueblo muy púdico (limpio) para prevenir enfermedades. Inventaron los “baños
públicos”, termas.
Los romanos empiezan a legislar (poner leyes), también hay arte, este florece como copia del
arte griego.
El imperio romano termina con el advenimiento del Cristianismo en la edad media.
Caída del imperio romano y advenimiento del cristianismo: ​la pérdida de convicción de los
pueblos desembocan en “decadencia”, todo esto hace que el pueblo romano se vea falto de
serenidad, comienzan aparecer diferentes nuevos dioses, adoptan algunos egipcios, ritos
funerarios, todo esto no alcanza para devolver la convicción al pueblo. A partir de ahí roma
comienza a ser penetrada por diferentes sextas religiosas, y el emperador Constantino, quien
gobernaba en esa época, se ve en la encrucijada de tener que elegir unas de las sextas religiosa
y eligió la llamada: “cristianismo” ( es una sexta monoteísta – plantea una divinidad y deja de
lado las pasiones humanas) esto permite al gobierno hacer una purga en la población, ya que
en las ciudades habían muchos incendios causados por los mismas personas, el cristianismo, al
plantear dejar de lado las pasiones, ayuda a calmar las “aguas” de ese entonces.
La estructura de poder del I Romano cambia por la cristiana, el cristianismo le ofrece la
esperanza de la vida después de la muerte; piedad; humidad; solidaridad; el poner la otra
mejilla. Esto motivo mucho al pueblo romano que estaba derrumbado moralmente. Cuando
cae el imperio romano comienza la “edad media”.

Edad Media
Es un periodo histórico que está entre la edad antigua y la edad moderna, que va desde el fin
del imperio romano (siglo V) hasta el siglo XV. Es considerada como una etapa oscura ya que
sería una etapa de retroceso y adormecimiento cultural, social y económico.
Los historiadores dividen a la edad media en:
● Alta edad media:​ siglo IX y XI después de Cristo, acá surgió el feudalismo, esta etapa se
caracterizo por las relaciones feudales entre los señores y sus vasallos. Se estableció una
monarquía en la sociedad, donde el rey, los nobles y el clero, eran los privilegiados
porque poseían el poder, y los no privilegiados estaban conformados por los vasallos y
campesinos que eran la clase baja. Fue una etapa con mucha influencia del cristianismo
donde la iglesia decidía sobre los aspectos de la educación y la política.
● Baja edad media:​ desde el siglo 12 al 15 después de Cristo, es una etapa de muchos
cambios políticos, económicos y culturales. El feudalismo comenzó a debilitarse, los
campesinos se levantaron y revelaron provocando grandes enfrentamientos. Los
campesinos empezaron emigrar a las ciudades para desarrollar distintas actividades, por
lo que las ciudades se vieron con mas mano de obra, estos cambios dieron lugar a una
nueva clase social “la burguesía” (formada por artesanos y mercaderes).

Características de la edad media

● Políticos:​ a causa del imperio romano se destruyo el gobierno en Europa, así los imperios
querían dominar y luchaban entre sí mismo para controlar los territorios. Europa entro
en una situación de guerra, empezaba a surgir el feudalismo.
● Social: ​se caracterizo por una desigualdad ya que la sociedad fue dividida en dos clases,
los afortunados (el rey, los nobles y el clero) y los no afortunados la población
campesina.
En la ​nobleza​ estaba el rey y los señores feudales, el rey era la máxima autoridad y era quien
mandaba a los feudales; estos últimos se encargaban de los vasallos, a los cuales les
pedían los impuestos y luego se lo llevaban al rey.
En el ​clero​ esta era la segunda clase dentro de los privilegiados ya que tenían poder sobre las
personas. La iglesia católica era parte de esta clase social (obispo, sacerdotes y todos los
involucrados con la iglesia).
Los ​campesinos:​ estos formaban parte de los no privilegiados, no tenían libertad, por ello no
podían salir del territorio que se las había asignado para trabajar, porque si lo hacían
serian exiliados y no iban a poder mantener a sus familias.
● Económico:​ acá se sustituyo el modelo esclavista por el modelo feudal, este modelo
consistía en que el rey concedía grandes extensiones de tierra, llamados feudo a los
nobles y obispos, y estos a su vez ponían a trabajar a los campesinos en las tierras
haciendo el mayor esfuerzo de los trabajos; a cambio de su mano de obra se les permitía
vivir en la tierra. De esa manera se empezó a manejar todo en el plano económico.
La gente común de toda Europa tuvo que dar el diezmo (10 % de su ingreso al año) a la iglesia,
lo cual hizo que la iglesia amasara gran cantidad de dinero y poder. Por otra parte la
iglesia católica como era parte del clero tenia dominio sobre los campesinos y la tierra
de estos. La iglesia influía en todos los ámbitos de la sociedad, imponían leyes y normas.

Filosofía
Entro en una etapa oscura dominada por el pensamiento filosófico basado en el dogma.
Escolástica​: es una nueva corriente filosófica que predomino en Europa durante la Edad Media,
se baso en la coordinación entre la fe (religiosidad) y la razón.
El método de los escolásticos se basa en el pensamiento de Aristóteles y Platón, en una
estructura racional que justifique el milagro de la revelación y la tradición cristiana. La
escolástica es la filosofía cristiana medieval, que responde a las necesidades de la época.
La escolástica se divide en tres grandes etapas:
● La Preescolastica:​ cuyas raíces se encuentran principalmente en San Agustín.
● La Escolástica Temprana:​ cuya figura más destacada es Anselmo.
● La Alta Escolástica:​ es considerado el momento más brillante de la escolástica, su
referente Santo Tomas de Aquino. El factor condicionante de este periodo es la
introducción del pensamiento de Aristóteles.

Arte
El arte solo sirve para inculcar la fe (en este sentido el arte es didáctico). La iglesia edifica
basílicas (arquitectura). Es esencialmente religioso.
La época medieval podemos dividirla en cuatro, fue un largo periodo en el que se produjeron
distintos estilos de arte:
● Paleocristiano: c​ uya pintura se inicia en la catacumbas y realización de los muy famosos
mosaicos, de gran colorido y los temas eran litúrgicos (Cristo, apóstoles).
● Bizantino:​ e​ l dibujo y la pintura adquieren características propias, los artistas realizan
mosaicos centrados en la representación de acontecimientos bíblicos con las
características de que las figuras representadas siempre están colocadas de frente.
● Románico:​ s​ e encargo de decorar el interior de muchas basílicas e iglesias, se pintaba
sobre bóvedas figuras estilizadas, llenas de movimiento y colorido. La pintura románica
empleo las técnicas al fresco y al temple. Los temas eran referidos a ángeles, santos,
apóstoles, etc.
Gótico:​ o
​ también se lo conoce como arte ojival (forma apuntada de sus arcos y bóvedas). La
pintura gótica fue expresiva y realista, manifestando el naturalismo. El paisaje se
introduce como modalidad pictórica y en los dibujos las figuras se presentan estilizadas.
Arquitectura
En ella el arte gótico se manifestó, se construyeron palacios, castillos, puentes, iglesias, pero la
obra máxima de estos siglos fue la “catedral”. Los elementos constructivos esenciales son el
arco apuntado, la bóveda de crucería ojival y el contrafuerte con su arbotante. Es una
arquitectura de equilibrio dinámico y domina en ella la línea vertical.
Escultura
Esta se puede apreciar en los santos, vírgenes y ángeles.
Pintura
El arte gótico alcanzo su mayor desarrollo, la pintura mural fue perdiendo importancia, fue
sustituida por las vidrieras; luego aparece la pintura sobre tabla, donde tratan temas religiosos.
Los pintores se esfuerzan por lograr la naturalidad y reproducen en las obras gestos y
ademanes.

Edad media: Apuntes de clase

Al caer el I Romano y advenirse la edad media, se produce un cambio de paradigma muy
significativo, surge el cristianismo con un pensamiento muy diferente al que se venía teniendo;
este cambio hace perder: la cultura, el arte, el pensamiento hasta entonces obtenido. Los
primeros perseguidos del cristianismo fueron los artistas, especialmente los bailarines junto
con toda su familia.
Empieza una época de prejuicios en relación al cuerpo, la higiene deja de ser prioritaria, lo que
trajo como consecuencia una serie de pestes. También se les da casería a las “brujas” (mujeres
que practicaban ritos que eran heredados de antiguas religiones), estas mujeres eran
quemadas en la hoguera.
La primera edad media se la llamo la parte “alta” de la edad media. Los ciudadanos de esa
época eran más “felices2 ya que eran adoctrinados por la iglesia, eran de mente cerrada. En
esta época aparecen
Los señores feudales: estos hombres se autodenominaba rey, a partir de ahí surge la nobleza.
Donde lo que decía el rey era sagrado porque venia de dios. Cambio el régimen económico se
paso de un sistema esclavista a uno feudal (donde el rey era dueño de todas las tierras y
además de lo que había en ellas, inclusive las personas). En la edad media el pueblo cae en el
analfabetismo. Los señores feudales empobrecen al pueblo, comienzan con la manufactura, el
pueblo trabajaba para los feudales a cambio de que los dejaran vivir en sus tierras. Era un
sistema muy cerrado.
Con el advenimiento del cristianismo se olvidan todos los conocimientos de la antigüedad. De
ahora en adelante lo único importante es lo divino.
El arte es tomado como promotor de la fe, se pierde la proporción, la anatomía, la naturaleza
en el arte, ahora todo lo que se retrataba representaba lo religioso, al divinidad. El teatro que
tenemos en la actualidad nace ahí, ya que representaban las misas pascuales, las obras de arte
no eran consideradas tales. El sentido de las obras no era de gozo estético ni de contemplación;
la función del arte era didáctica para inculcar la fe (lo religioso). Unas de las técnicas que se
utilizaban en este periodo fue “el fresco”. No se usaba la perspectiva en el arte, se usaba la
jerarquía que inspiraba misticismo. Acá surgen los grandes santuarios como obras artísticas.
En la segunda edad media, “Baja”, se desarrolla el estilo “gótico”, es también religioso, pero en
este estilo ya se comienzan a ver cuerpos humanos en las obras, hay una preocupación por la
proporción, por la anatomía, surgen las gárgolas (monstruos), el vítreo, (vidrios de colores en la
arquitectura de las iglesias), arquitectura de aguja.
Luego el feudalismo entra en decadencia, la clase baja empieza a desarrollar emprendimientos
económicos, con el dinero se empiezan a comprar terrenos propios, sus cosas, ya no trabajan
para otros (feudales), se independizan.
Surge el humanismo, este se da antes de que comience a circular el mundo de lujo y surge el
“renacimiento”.

Renacimiento
Se denomina Renacimiento al fenómeno cultural iniciado en la edad moderna que retoma los
principios de la antigüedad clásica, pero actualizándola, sin renunciar a la tradición cristiana,
sustituyendo la presencia de lo religioso por el aumento y afirmación de los valores del mundo
y del ser humano.
Todo esto va acompañado de una nueva visión del mundo, de unos cambios sociales y políticos
y por determinados descubrimientos científicos y geográficos (Copérnico, Galileo, Kepler). Es
muy importante el descubrimiento de la imprenta (Gutenberg) ya que con ella se difunde más
fácil y rápido la información y los conocimientos.
El Renacimiento no supone un corte con lo anterior, es un arte que se ​aparta​ de la fe y la
religión frente a la razón.
Hay un gran interés por traducir los textos clásicos.
La palabra que define este movimiento es el ​humanismo​. El humanismo se centra​ ​en el estudio
de la cultura clásica, en el estudio del hombre como individuo y en su capacidad intelectual
para el estudio de todos los campos del saber: ciencia, filosofía, arte…El ideal es un hombre
completo. La plena confianza que se tiene del hombre da lugar al “antropocentrismo”.
Los representantes principales del humanismo son: Maquiavelo y Moro, sus temas hacen
referencia principalmente a lo cultural e histórico, ​dentro de estos hay seis aspectos generales:
● Antropocentrismo:​ es decir enfocado en el ser humano, en lugar de Teocentrismo que es
el enfoque en dios. Las principales ideas y obras del Renacimiento buscan dar tributo al
honor del hombre.
● Retorno a los canones griegos: ​tanto la escultura como la pintura retoman los ideales
clásicos y griegos como modelo de sus obras.
● Preponderancia de las artes sobre las ciencias y la filosofía.
● Reforma protestante:​ el cristianismo comienza a verse dividido por gran variedad de
religiones protestantes.
● Fin del feudalismo: p ​ or las necesidades del comercio con otras partes del mundo.
● Inventos y descubrimientos.
En lo artístico el Renacimiento supone un cambio de los elementos góticos por los elementos
de la cultura grecorromana, buscando las medidas que llevan a la armonía, intentan utilizar
elementos armónicos que rigen el universo para sus representaciones. Además buscan
relaciones de belleza y armonía a través de las matemáticas. La escultura del ser humano se
convierte en un elemento fundamental.
Uno de los cambios más destacados en el arte es la aparición de la perspectiva (representación
de la tercera dimensión).
El Renacimiento siglo 15 y 16 es la vuelta a lo clásico, surge en Italia (se extiende lentamente
por Europa excepto Rusia): muestra como característica esencial su admiración por la
antigüedad grecorromana.
Renacimiento, renacer, un volver a dar vida a los ideales. Lo más característico de esta época es
la ​separación​ entre lo ​cívico y religioso.
El Renacimiento es uno de los grandes momentos de la historia universal que marco el paso de
mundo Medieval al mundo Moderno.
La educación empieza a cobrar una importancia primordial, se toma como modelo a lo clásico
de la antigüedad.
Plantea una nueva forma de ver al mundo y al ser humano. Es un espíritu que transforma las
artes, letras, ciencia y forma de pensamiento.
Es una reacción al espíritu teológico de la edad media, donde la ruptura no se produce de
manera violenta; quizás hablar de una ruptura no es del todo correcto sino lo seria hablar de
evolución.

Las transformaciones culturales del Renacimiento

En cultura y modo de vida del Renacimiento, cambia el tipo de vida y comienzan a desarrollarse
las ciudades y villas, pasando poco a poco el dominio de la comunidad a los comerciantes y
fabricantes de todo tipo de bienes.
En el Renacimiento cabe destacar el desarrollo e la arquitectura, así como creación de grandes
obras de la literatura, como “La Divina Comedia”, de Dante Alighieri.
En el Renacimiento, la historia de Italia es la de sus cinco estados principales: Florencia, Milán,
Nápoles, Venecia y el Papado.
La teoría política de este periodo llega a su apogeo con Nicolás Maquiavelo, este propone por
primera vez la total separación de poderes entre la Iglesia y el Estado.
Los avances científicos de este periodo, cobran un fuerte desarrollo gracias al humanismo y la
inquietud intelectual. El intelectualismo de este periodo produjo grandes avances en el mundo
de las ciencias, acrecentado por el descubrimiento de la imprenta que ayudo a la difusión del
conocimiento por todas las cortes europeas.

Grandes avances en el Renacimiento

● Invención de la imprenta.
● Brújula.
● Pólvora.
● Inventos en el campo de la navegación, impulsado por el descubrimiento de América.

Renacimiento: Apuntes de clase

Con la caída del feudalismo y a partir del humanismo comienza el renacimiento en Florencia,
Italia (1.400 dC).
En el arte esta la perspectiva, el interés por la cultura clásica (griega y romana), mito, estética.
El renacimiento se identifica con el “antropocentrismo” a diferencia de la edad media que lo
hacía con el “teocentrismo”.
Se renuevan los clásicos, hay un renacer de los sentidos.
Luego comienzan los problemas con Roma, se inicia allí el Barroco.

Barroco
1600 – 1750. Se entiende por Baroco la evolución que sufre el arte renacentista. Las obras de
arte dentro de este estilo se recargan con adornos superfluos y los temas se centran en el
desengaño y el pesimismo.
La palabra Barroco, significa perla irregular. El Barroco marco una época llena de vanidad e
irracionalidad, con una vida llena de ostentosidad y riqueza, pero al mismo tiempo surgen
movimientos religiosos que dan la espalda a este tipo de vida, prefiriendo el retiro y la
meditación.
El Barroco transcurre bajo el reinado de los reyes Felipe 3, Felipe 4 y Carlos 2.
Es una época de contrastes, ya que por un lado hay una decadencia política y social y por otro
un florecimiento de lo artístico.
Los temas principales de este periodo son: la crítica sobre la ambición el poder y el dinero.
Otro tema que atormenta a los hombres del Barroco es la brevedad de la vida.
Lo feo es arte. Cambio de punto de fuga.
El escritor Barroco pretende impresionar los sentidos y la inteligencia.
Consignas del Barroco: Carpe Diem, goza de esta vida.

Diferentes temas
● Literatura:​ los escritores pretenden impresionar los sentidos y la inteligencia con
estímulos violentos; recurren a un lenguaje retorcido que dificulta muchas veces la
comprensión. Las tendencias literarias de este estilo persiguen un fin que es romper el
equilibrio clásico.
● Escultura: ​dentro de esta tenemos diferentes estilos como los frescos y mosaicos, los
frontones, las pilastras, el esgrafiado, entre otras. Se palpa el deseo de movimiento,
donde las figuras se desplazan hacia fuera, como hinchados. Tiene un gran sentido
decorativo, es naturalista, interpreta expresiones exaltadas. La figura más importante
dentro de este estilo es Miguel Ángel Buonarroti
● Arte:​ en la sensibilidad barroca se aprecia una tendencia hacia lo decorativo, hay un
abandono de las reglas de la estética clásica, hay una búsqueda de originalidad a toda
costa, un predominio de la fantasía sobre la representación de la realidad.
● Arquitectura:​ las construcciones típicas eran exageradas al igual que cualquiera de las
cosas que eran decoradas con el barroco, construcción de iglesias y palacios, ej. El
palacio de Versalles.
● Poetas del Barroco español: G ​ óngora.
● Teatro renacentista y barroco:​ fue el símbolo más importante, donde se destacan
dramaturgos como Shakespeare y Calderón de la Barca.
● Filosofía:​ existían grandes contrastes entre maneras de pensar opuestas. ​Algunos
pensaban que la existencia era la naturaleza espiritual, ​Idealistas​; ​otros​ reducían todos
los fenómenos de la naturaleza a cosas concretas, ​Materialistas​.
Descartes​, filosofo francés, fue un gran personaje dentro de la filosofía, se dice que fundó la
filosofía de los tiempos modernos. Estaba interesado en aclarar la cuestión sobre la
“certeza de nuestros conocimientos” y también la “relación entre el alma y el cuerpo”.
Spinoza,​ filosofo holandés, recibió la influencia de Descartes pero no estaba de acuerdo con
este en que existieran dos sustancias. Spinoza opinaba que toda naturaleza y todas las
circunstancias de la vida son solo una circunstancia o Dios. Pensaba que las pasiones de
los seres humanos son las que nos impiden lograr la verdadera felicidad, que el control
de las pasiones se basa en un conocimiento profundo de ellas, ya que somos pasivos
ante ellas y nos comportamos de acuerdo con ellas.

Shakespeare, William (1564 – 1616)

Dramaturgo y poeta ingles. Es un grande en la historia de la Literatura inglesa y universal.
Nació en el seno de una familia humilde, su padre era carnicero. Se caso con Ana de 8 años
mayor que él. Tuvo hijos, Susan y sus gemelos.
Trabajo como maestro de escuela, procurador. Fue detenido por ser cazador.
En 1589 escribió su primera obra dramática Pericles, dos años después escribió El rey Enrique
VI.
Obras principales​:
● Pericles.
● El Rey Enrique VI.
● La fiera domada.
● El timón de Atenas.
● Macbeth.
● Cimbelino.
● Los dos hidalgos de Verona.
● Sueño de una noche de verano.
● El Mercader de Venecia.
● Romeo y Julieta.
● Otelo.
● Hamlet.
● Julio Cesar.
● El rey Lear.
● Antonio y Cleopatra.
● Enrique III.
● Cuento de invierno.
● La tempestad.
Se ensayaba sobre el manuscrito porque faltaba tiempo para hacer copias, lo que ocasionaba la
perdida de todos los originales.
El teatro de Shakespeare guardaba una carga crítica y satírica contra algunos aspectos de la
sociedad de su tiempo.
Cuando murió su obra cayó en el olvido.
Shakespeare alzo el telón de las miserias y de las grandezas del ser humano. Retrato lo bello y
lo feo, lo bondadoso y lo malvado, lo grotesco y lo dulce, en suma “ser o no ser”.
Desnudo el alma verdadera del hombre.
De sus obras se deduce que:
● El teatro es arte, es creación intelectual y espiritual.
● Está concebido para elevar la mente del hombre, ya que lo único que puede hacerlo
superior es el arte.
● El teatro es un recurso poderoso, es el medio más poderoso del espíritu y la inteligencia.

Barroco: apuntes de clase

“En el cielo limpio… (Renacimiento) aparece una nube negra… (Barroco)”
Expresión de nube negra que caracteriza al barraco porque este se identifica con la “angustia”.
Acá lo feo es objeto de arte. Este tipo de arte, argumentaban, despierta la creatividad porque la
felicidad no explica nada, pero la angustia sí. Decían los artistas de este movimiento: “la
felicidad se vive, la angustia se escribe”.
Surge dentro del arte el “patetismo” que eran imágenes dramáticas como fotos reales que
parecían que estaban pasando en ese mismo momento, los gestos son muy reales. Este estilo
se caracteriza por tener mucha expresividad. El barroco juega con los contraste, aparecen por
primera vez los “feos” en el arte. Este movimiento artístico juega con la perspectiva, hay una
distorsión de las dimensiones
El barroco es un movimiento ornamental, agrega adornos, recarga. Penumbroso. Es de índole
religiosa.
En las pinturas aparecen los feos (enanos, deformes, mogolicos) estos eran puesto alrededor de
los personajes a retratar para embellecerlos, donde ese aparato (escenografía humana) hacia
parecer a las personas retratadas (nobles, reyes) como superiores.
En el ambiente del barroco se desarrolla la obra de ​Shakespeare​.
Neoclasicismo
Fue un movimiento que se produjo en Europa en el Siglo 18, fue el siglo de la Ilustración,
donde ya se había agotado el Clasicismo al producirse el desgaste de las culturas barrocas. Este
movimiento aspiraba a restaurar el gusto y las normas del Clasicismo. En le época Neoclásica el
dibujo adquiere mucha importancia, este arte trato de imitar los estilos utilizados en Grecia y
Roma. Fue un movimiento transformador que hizo de la razón el instrumento fundamental
para el acceso al conocimiento verdadero de las cosas. Se trato de una corriente de
pensamiento muy optimista que persiguió la felicidad y el bienestar de la humanidad, donde los
ilustrados creyeron necesario educar a los ciudadanos para que se trabajara a favor de la
libertad.
Se llama ​siglo de las luces​ porque el hombre rechaza todo aquello que sea impuesto y solo
admite lo que llega a través de la luz de su razón, la ilustración tiene un espíritu científico el
cual toma a la ​experimentación​ como método para adquirir el conocimiento. Para llegar a la
verdad los científicos comienzan a dudar de todo. La duda es el método para descubrir la
verdad.

Características generales
● Arte en general:​ estaba inspirado en las obras de la época clásica, las cuales se tienen
como perfectas y definitivas. Aspiraban una belleza ideal.
● Literatura:​ se considera a los griegos y latinos como modelos a imitar, es un retorno a los
clásicos grecolatinos. En la literatura del siglo 18 debía estar regida por la razón,
perseguía un fin didáctico y moral, el deseo de agradar y conmover al público. El arte
debía ser una síntesis total entre lo útil y lo bello. La preocupación fundamental de los
pensadores de este momento es la de conseguir la felicidad de los ciudadanos.
Prefiere a la razón frente a los sentimientos. Rechaza lo imaginativo y lo fantástico, ya no se
escribía para entretener sino para educar. La literatura tiene un marcado carácter
crítico, didáctico y moralizador.
● Poesía: e​ l hecho que los ilustrados se preocuparan por conseguir la felicidad de los
ciudadanos hizo que la poesía se preocupara sobre todos los asuntos universales y
dejara de lado lo subjetivo, íntimo y emotivo. El ​ensayo​ es el género más cultivado del
momento.
● Teatro: ​este vuelve a la normativa aristotélica al proclamar la necesidad de respetar las
famosas tres unidades: tiempo, acción y espacio.
● Estilístico: s​ e promueve la sencillez y la claridad, lo verosímil y se omitía lo insólito y
anormal.
● Dibujo:​ era impecable con coloridos suaves y composición simétrica y estática.
● Arquitectura:​ se caracterizo por la simetría, elegancia y la sobriedad; además se puso
énfasis sobre los valores lumínicos, la iluminación del color, el gusto por los arcos de
triunfo y las columnas conmemorativas.
● Escultura:​ los escultores centran su interés en los ideales estéticos y los procedimientos
técnicos de la estatuaria antigua.
● Pintura:​ David influyo en diferentes artistas.

Neoclasicismo: Apuntes de clase

En Francia va a haber una reacción contra los excesos del Barroco, esa reacción por parte de la
gente se produce durante el reinado de Luis 14.
Luis 14, conocido como el rey sol, su reinado contaba con una enorme riqueza, ya que para esa
época se habían terminado las guerras y las invasiones y todo el oro que provenía de América
entre otros lugares, estaba depositado en los diferentes reinados. Esa reacción de los
pobladores se gesta con el intento de regular esos excesos del Barroco (riquezas), donde lo que
proponían desde el arte era volver a la ​esencia​ de lo clásico (griego y romano).
En Francia surge el ​neoclásico​, este tiene una impronta realista y hace un movimiento en el arte
muy dogmatico, es la época del racionalismo y del iluminismo, donde el arte es terriblemente
didáctico.
En el Neoclásico se ve el deseo de volver a ser “estilizados” (contrario de lo barroco, muy
cargado), las obras de artes, en las pinturas se apreciaba las riquezas de los palacios como
escenario de las imágenes de los reyes, ya no se utilizaba algo feo como contexto de lo principal
en la obra. Esta entronización (trono) de la nobleza (pinturas que mostraban los reyes con sus
ricos palacios) en el neoclásico lleva después a la revolución francesa; los pobladores cortaban
las cabezas de los monarcas.
En la corte de Luis 14 se cuajan las características de este movimiento Neoclásico, donde la
razón era el centro de todo. El arte pasa a ser “reglamentado, didáctico y dogmatico”. Luis 14
funda la academia de danzas clásica, donde él era el primer bailarín. A partir de ahí se van
desarrollando algunas teorías. Luis 14 utilizaba la danza para sorprender y “engatusar” a los
embajadores de otros lugares que representaban otras cortes, la forma que Luis 14 tenia de
seducir a través de la danza era apareciendo en un espectáculo donde el surgía en el medio del
escenario todo dorado, ahí viene lo de rey sol, y bailaba para todos los presentes.
Cuando la madre de Luis 14 muere, el decide construir una vivienda a las afueras de Paris, esa
vivienda es el palacio de Versalles, donde se caracteriza entre otras tantas particularidades por
sus inmensos jardines y fuentes.
La naturaleza tiene que ser el reflejo del pensamiento humano para el Neoclasicismo. La época
de la Revolución francesa 1789 marca el final del Neoclasicismo y el ​nacimiento​ del
Romanticismo​.

Romanticismo
El Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y Reino Unido a
finales del siglo 18, como una reacción revolucionaria contra el Racionalismo de la Ilustración y
el Clasicismo, dando prioridad a los sentimientos.
El auge del Romanticismo coincide con la Revolución Francesa.
Significo un cambio de gusto de la época y de las teorías estéticas. Lo ​moderno​ frente a lo
Neoclásico

Principales características
● Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista.
● La libertad autentica es su búsqueda constante.
● Es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre.
● Subjetivismo y el individualismo frente a la rigidez de las reglas académicas. Se valoran
especialmente la ​originalidad​, la ​diversidad​ y la ​particularidad​ frente a la unidad de la
Ilustración.
● Importancia de los sentimientos, las ​emociones​ y las ​pasiones​. Se exaltan los
sentimientos ​religiosos, patrióticos​ y los inspirados en la ​naturaleza.​ Cobran relieve las
ideas de ​libertad e igualdad.
● El Romanticismo es una reacción contra el espíritu racional y crítico de la Ilustración y el
Clasicismo.
● El Romanticismo favorecía:
✓ La conciencia del YO como identidad autónoma.
✓ La valoración de lo diferente frente a lo común.
✓ El liberalismo frente al ilustrado.
✓ La originalidad frente a la tradición clasicista y la adecuación a los canones.
✓ Creatividad frente a la imitación neoclásica.
✓ La obra imperfecta, inacabada y abierta, frente a la obra perfecta, concluida y
cerrada.
● Apreciaba lo personal, lo subjetivo y al carácter nacional y del nacionalismo, fue una
reacción a la cultura francesa de espíritu clásico universalista.
● Auge de la literatura popular.
● Renovó y enriqueció el limitado lenguaje.
● Este movimiento represento el deseo de libertad del individuo, de las pasiones y de los
instintos que presenta el YO. Subjetivismo e imposición del sentimiento sobre la razón.
● El hombre romántico también se caracterizaba por su aislamiento y soledad.
● El Romanticismo se opone a la separación entre la razón y sentimiento, entre lo real y lo
irreal.
● Entiende que en el interior del hombre actúan distintas fuerzas, y que la esencia de lo
humano rebasa la esfera de lo racional.
● El romántico transforma el instinto en arte y el inconsciente en saber.

Etapas
El Romanticismo constituyo un movimiento ​contradictorio​ ya que en su seno se desarrollan dos
sensibilidades diferentes a lo largo de dos etapas, estas etapas son:
● Hasta 1825:​ donde el Romanticismo actuó con una tendencia conservadora y
reaccionaria frente a la modernidad, lo caracterizaron ideales basados en la ​jerarquía, la
religión tradicional y la monarquía absoluta.​ una de las figuras destacadas Schlegel.
● Después de 1825: e​ l movimiento se identifico con los valores del progreso y la libertad,
una de las figuras destacadas Víctor Hugo.
Manifestaciones culturales
● La literatura:​ se destaco Sturm und Drang (tormenta e ímpetu), fue el precedente
importante del Romanticismo alemán. Esta vertiente literaria se fragmenta en diversas
corrientes.​ L​ os autores despreciaban al materialismo burgués y priorizaban el amor libre
y el liberalismo en la política. La literatura significa libertad en la elección de la forma y
en la elección del contenido.
● La música:​ El romántico cree que la música “pinta” los sentimientos de una manera
sobre humana, que revela al hombre un reino desconocido. Se destacaron autores como
Beethoven, Rossini, Bellini, entre otros.
● Teatro:​ Lessing propone imitar a Shakespeare y crear un drama nacional.
● Poesía:​ Schlegel sostiene que la poesía crea sus propias normas y es engendrada por la
naturaleza original e invisible de la humanidad, la defiende contra los neoclasicistas que
quieren ajustar la creación a unas reglas o leyes.
● Danza:​ produjo un gran cambio en esta disciplina. A principios del siglo 19, el ballet
comenzó a poner en escena historias de príncipes, ninfas, magia y amores no
correspondidos. El ballet tenía un repertorio de obras que se caracterizaba por la
idealización de la figura femenina. Donde las protagonistas de este ballet son seres
sobrenaturales como hadas, ninfas que estaban representadas siempre con vestidos de
gasas y tules blancos inmaculados, junto con las zapatillas de punta que resalta la
ligereza y fragilidad de las bailarinas. La acción de la obra siempre tiene lugar en paisajes
de bosques misteriosos y lleno de hechizos.

Grandes temas románticos

● Egocentrismo:​ el alma romántica no es dada desde fuera al individuo, sino que este la
crea cuando tiene conciencia de su sentimiento. El hombre es la imagen del macro
cosmos. El YO es la única realidad existente.
● Libertad:​ esta es el ideal del Romanticismo. La libertad formal en el arte es entendida
como necesidad del individuo para explorarse y explorar el mundo exterior, y para lograr
la comunicación del ​uno​ con el ​todo. ​El romántico se concibe como un ser ​libre.
● El amor y la muerte: e​ l romántico ama el amor y lo atrae como vía de conocimiento,
como sentimiento puro, fe en la vida y en el arte y la belleza. Ama el amor por el amor
mismo y este le precipita la muerte, y se la hace desear, descubriendo en ella un
principio de vida, y la posibilidad de convertir la muerte en vida. ​“La muerte de amor es
vida, y la vida sin amor es muerte”.
● La religiosidad:​ las posturas románticas sobre el tema de la religión son variadas, no se
fundan en ninguna norma establecida, sino en un sentimiento interior y en una intuición
esencial de lo divino que conduce a una unión mística con Dios.

El Romanticismo apuntes clase

Es el movimiento más importante de toda la edad moderna, abre la puerta de la psiques
humana a la expresión, sentimientos y emociones; hay una diferente concepción del mundo, de
la naturaleza del ser humano. En este periodo hay una prosperidad enorme de la burguesía,
donde empiezan las luchas “libertarias” entre ellas los movimientos femeninos, derechos para
las mujeres y también luchas de obreros que eran victima de la revolución industrial.
En esta época las cortes a van reduciendo y redimensionando políticamente.
Con el Renacimiento empieza a existir en América Latina una producción artística ​autóctona​,
antes del Romanticismo había producciones de arte pero eran copias.
En el Romanticismo hay una idealización de la edad media en Europa y en América Latina, esto
se evidencia en que estos pueblos empiezan a valorar sus orígenes.
El Romanticismo es una nueva “sensibilidad”, definen a la subjetividad como el uno por uno,
frente a la razón que es ciencia general. Los románticos consideraban a la naturaleza como una
obra de arte. La ​muerte​, para ellos es bella, ya que argumentaban que no hay vida sin muerte.
Antes del Romanticismo se pensaba a la vida y a la muerte como dos cosas separadas; desde el
Romanticismo la vida y la muerte es parte de la misma cosa y por ende son bellas. El amor para
los románticos es considerado una fuerza creativa, es impulso, movimiento, torbellino y la
muerte es calma.

Siglo 20, Vanguardia en el arte

Vanguardia: el término es de origen medieval y se usaba en el lenguaje militar. Ya en el siglo 19
empezó a ser utilizado en sentido figurado con relación al arte y, en el siglo 20 constituye un
término clave para el mundo del arte.
Las causas de su desarrollo, para entender las razones por las que las vanguardias artísticas se
desarrollaron, es necesario mirar tres acontecimientos políticos del siglo 19: la constitución de
la 2º y 3º Republica Francesa y la 1º Guerra Mundial, provocaron una reacción intelectual en
contra de la sociedad de la época. De esta manera empieza el estereotipo del artista
incomprendido, bohemio y comprometido con una serie de valores contrarios a todo ese
mundo que provocaba situaciones miserables y desafortunadas. Además de estos tres
acontecimientos hay que sumarle un hecho artístico que sucedió en los llamados “salones de
Paris”, donde se realizaban muestras artísticas anuales de elevado prestigio y contaba con un
jurado tradicional y conservador, de ahí fueron ​rechazados​ la mayoría de los pintores
impresionistas. Hecho que inspiro a estos artistas por iniciativa propia a inaugurar los llamados
“salón de los rechazados”, con la intención de que su trabajo pudiera ser apreciado y valorado
por el púbico.
El término implica ante todo la idea de lucha constante, de combate, de un pequeño grupo que
se destaca de lo mayoritario.
La vanguardia artística se manifestó como una acción de grupo, como una elite que se
enfrentaba a situaciones establecidas por la mayoría.
En el terreno artístico, las llamadas ​vanguardias históricas​, que eran una serie de movimientos
artísticos de principios del siglo 20 que buscaban innovar en la producción artística, se
destacaban por la ​renovación radical​ en la ​forma y contenido​; exploraban la relación entre arte
y vida, y buscaban reinventar el arte enfrentando movimientos artísticos anteriores.

Características
● Su característica principal es: “la libertad de expresión”, que se manifiesta alternado la
estructura de las obras, abandonando temas tabú y desordenando los parámetros
creativos.
● Otra característica es la actitud provocadora.
● Es algo novedoso que escapa de la tendencia dominante.
● Supone una renovación de formas y contenidos.
● Luchan contra las tradiciones, y apuestan por la innovación, el ejercicio de la libertad
individual y su carácter experimental.
● Implica una evolución en la manera de pensar, representan movimientos que cambiaron
la visión de las personas y de la realidad.
● Su objetivo es la libertad creativa, usando imágenes abstractas y dándole mucha
importancia a los colores.
● Los movimientos vanguardistas son mas una ​actitud​ ante el arte que una estética.
● Se le exige al espectador una nueva actitud ante la obra de arte.

Algunos movimientos vanguardistas más significativos

● Futurismo:​ se origino a través de la publicación de un manifiesto que invitaba a la
búsqueda de un orden moderno, dejando atrás el pasado y la tradición. La 1 guerra
mundial jugó un papel importante en el final del futurismo, ya que muchos de sus
representantes fallecieron en el campo de batalla.
● Cubismo:​ propone la representación de la naturaleza a través del uso de la geometría,
ubicando figuras en un solo plano, los temas más recurrentes de este movimiento son: la
naturaleza muerta, los retratos y el collage.
● Suprematismo: ​este muy influenciado por los movimientos anteriores. El mismo se basa
en dar protagonismo a la sensibilidad pura y a las artes figurativas. Se destaco por el uso
de figuras geométricas, pintadas con un rango limitado de colores; más tarde se
experimento con el monocromo y también obras realizadas exclusivamente en blanco y
negro.
● Constructivismo:​ e​ ste pretende la unión entre las artes, pintura,​ ​escultura y arquitectura,
ej. El Monumento a la III Internacional

Profesor Perrone
Aproximación a la Estética (texto)
El termino estética
La etimología nos informa que “estético” es sensación, sensibilidad. La Estética, cubre el vasto
campo de la representación sensible de la experiencia humana. A través de la representación
sensible, el ser humano tiene una imagen de sí, toma conciencia de sí: ​se ve.

Características
● La Estética no estudia la obra de arte concreta. La Estética surge como disciplina “en el
periodo que va del Renacimiento a la Ilustración”.
● La Estética como disciplina autónoma es la consecuencia teórica del avance de un arte
autónomo, desligado tanto de la utilidad como de la función educativa o religiosa.
● Estética, ciencia del conocimiento sensible.
 ● Estética proviene de la filosofía.
● Objeto de estudio, la crítica. “Critica” es el arte del enjuiciamiento. Mientras la crítica se
refiere a la obra acabada, la poética atiende al proceso productivo, a la obra por hacer.
Poética: es la reflexión ampliada a todos los géneros artísticos y ramas del arte. La Poética
puede en algunos casos, revelar o fijar normas, guías, reglas o procedimientos precisos.
Debe entenderse el término poética, como el programa operativo que una y otra vez se
propone el artista.
La poética posee límites estilísticos e históricos; está sujeta a gustos particulares e ideas
dominantes en épocas determinadas.

A modo de síntesis, presentamos el siguiente esquema con los principales cambios históricos
producidos:
Edad Media Renacimiento Ilustración
Fundamento de
Auctoritas Experimentación Autonomía
producción
Artista Artesano Genio Libre
Príncipe, prelado,
Omitente Iglesia Burgués
burgués
Fin Enseñanza Homenaje, recuerdo Felicidad

Experiencia estética: perceptos y afectos

Perceptos: idea que nos sugiere la obra artística, “Bloque de sensaciones” que uno siente, esta
más allá del autor y de la obra. El arte es lo único que permanece, lo único que no es superado
o reemplazado por nuevas ideas o productos.
El afecto, es sentir que la obra nos apela profundamente. Es sentirnos ​afectados​ por ella. Y
cuando algo nos afecta, nos detenemos, cortamos lo cotidiano para ver algo que hasta
entonces no habíamos visto.
La experiencia estética resulta, cada vez más, una experiencia investigativa y, cada vez menos,
una experiencia contemplativa.

El ojo crítico (apuntes de clase y texto) “Deleuze”

Guido Ballo​, dice que la apreciación estética requiere de u ojo crítico, el describe distintas
reacciones frente a las obras de arte.
Ballo produce un desplazamiento sinecdotico: transforma a los receptores en “ojos” y así
distingue entre un ​ojo crítico, un ojo común, un ojo snob y un ojo absolutista.​ El ​ojo común​ es el
que se guía por las costumbres, por lo que ve en reproducciones de almanaque, por lo
convencional, lo tradicional. Le importa identificar el motivo, sentir la belleza. Es el ojo del gran
público, del que dice no entender de pintura, poesía o música, pero cuando entra en confianza,
defiende con obstinación su punto de vista, es un ojo dogmatico.
● El ​ojo común​ se encuentra en< un grupo social de la pequeña y rica burguesía y también
entre operarios, empleados y todo tipo de profesionales: médicos, abogados,
ingenieros, profesores, filósofos y críticos que han quedado pegados a viejos prejuicios.
● Otro ojo adverso es el que Ballo llama ​orecchiante,​ orecchia=oreja.
El ojo orecchiante es ​snob​, sigue la moda y opina de arte como si realmente supiera. Puede
hablar de todo, de arte de vanguardia, de música electrónica, del cine “raro”. Es como
un actor que recita sin mucho convencimiento. Si le hacemos alguna pregunta de
profundidad nos daremos cuenta que es todo “maquillaje cultural”, ese ​ojo snob
proviene de la pequeña burguesía.
● El ojo absolutista:​ se trata de un observador polémico que niega todo lo que no entre en
su campo de visión. O todo o nada. Gran arte o gran idiotez. Es el ojo que apunta en una
sola dirección, por lo cual resulta imposible dialogar con él. Puede encontrarse entre los
artistas.
● El ojo crítico: ​semejante al ojo clínico del médico, es capaz de detectar en la obra
síntomas​ de su tiempo. Descubre que la imitación del modelo es solo “uno de los tantos
puntos de vista” y observa que si bien la universidad del arte es absoluta, las raíces son
siempre particulares. Requiere conocimiento histórico del ambiente y de la cultura en la
que el artista y la obra se han desarrollado. El ​ojo crítico ​es un ojo formado.
*El sentido de la vista es históricamente hegemónico en el arte.

Parte filosófica del arte (apuntes)

Arte desde la estética​: la estética​ es una ciencia que aparece a partir del siglo 18, e implica
sensación-sensibilidad; experiencia (sensación y concepto); representación sensible en la obra
de arte.
La estética nace con el autor Baumgarte, donde escribe el libro llamado Estética, él la plantea a
la sensación y sensibilidad (estética) como un conocimiento.
A la estética se la empieza a relacionar con el arte, donde esta surge como problematización
filosófica del arte. La belleza implica conocimiento a través del mito. La estética abarca la
sensación, donde la sensación se transformo en unas de las teorías del arte.
El ​artista​ se entendía desde la ​Edad Media​ como un ​artesano​. A partir de la Modernidad
(Renacimiento) el concepto de artista se reemplaza por experimentación, el arte adquiere una
cierta independización, se libera de la iglesia y se experimenta el arte por el arte. El artista pasa
de ser un artesano en la Edad Media a ser un genio en el Renacimiento. En la Edad Media los
pedidos de obras de arte venían por parte de la iglesia y en la Modernidad (Renacimiento) los
pedidos vienen de los príncipes y burgueses.
En el periodo de la Ilustración, la producción artística es automática, la demanda sobre obras
de arte viene por los burgueses con el fin de la felicidad, de la perfección técnica. La obras de
arte de este periodo representaban hechos sociales y políticos de fines del siglo 18.
Todo esto muestra que los conceptos estéticos, “el arte”, es algo que se va desplazando en el
tiempo.

Otra ciencia que se asocia a la estética es la poética.

La poética, ​es una disciplina referida a la producción, es la capacidad de hacer algo concreto. Es
un proceso productivo que implica la obra de arte.
● Según ​Aristóteles​ es norma y procedimiento, la poética plantea un conjunto de normas y
conocimientos para construir una obra adecuada. Marca el hacer de las obras, se estudia
para hacer arte, es un proceso productivo.
● Otra mirada más contemporánea sobre la Poética, dice que esta es un programa que el
artista manifiesta en su obra, donde todos los artistas suponen una idea de cómo se
hace una obra de arte.
● En la Ilustración, la Poética constituye “el marco” por el cual una obra de arte se podrá
producir.

Bacon siglo 20
En las obras d este autor no hay una simetría, no hay un cierre Gestáltico, no hay forma, no hay
realismo. Este como otros autores dan evidencia de que a partir del siglo 20 muere
generalmente, el ​realismo​ en el arte, minado por el momento histórico: la Contemporaneidad.

La Contemporaneidad
El arte acá se caracteriza por lo “fragmentario”, es una forma compleja de la realidad. En esta
época hay una reafirmación del arte, donde este fluye, pero también vuelve al pasado (origen),
el arte no pierde el antecedente de la historia del arte, “el agua sigue pasando en ese
rio”…Heráclito.

De la contemplación a la poiesis del espectador

Poiesis: es todo el hacer productivo subordinado a la actuación práctica. Según la
interpretación aristotélica, supone un saber hacer. La palabra poiesis, cualquier actividad
productiva o fabricación de algo. La producción de una estrategia por un poeta, como la
producción de una mesa por un carpintero.

Obras “no áuricas”, Benjamín​, se encuentran los variados ejemplos de arte conceptual. Las
nuevas obras no apelan a la serenidad de la contemplación. Se caracterizan, por el contrario,
por su efecto de ​shock.​ Es un nuevo tipo de receptor “poietico”.
¿Obra de arte u objeto extra artístico? ¿Son o no son obras de arte? Mas que “obras”, lo que se
le enfrenta hoy al espectador spon objetos “pretendientes” a la titularidad de obras de arte.
Al hablar del “aspecto productivo” (poiesis) de la experiencia estética él se refiere al sentido
clásico del término. ​Poiesis​ es un hacer productivo e implica un “saber hacer”. En este caso,
conocimiento de teoría e historia del arte. Pero ese “hacer” no implica arbitrariedad
interpretativa.

Benjamín: la obra de arte en la época de la reproductividad técnica. Apuntes de clase

Intentaba pensar la relación de la filosofía con la sociedad. En su libro : “la reproducción
técnica”. Dice que la obra de arte ha sido siempre susceptible de reproducción, ha sufrido en la
reproducción una modificación cuali y cuantitativa, donde la obra de arte tiene existencia ahora
en múltiples ejemplares. Es un cambio estético causa de la relación modernidad y
mecanización. Surgen diferentes tipos de reproducción técnica del arte, ellos son: Xilografía,
Litografía, Fotografía, cine, todos ellos van a “modificar el concepto de arte”.
Esta reproducción, copia del arte va a influir mucho en el mismo ya que ​atrofia ​el “aura” de la
obra.
Estos tipos de reproducciones cambian y afectan el estatuto y la percepción de las obras de
arte. A partir de la fotografía, reproducción masiva de las obras de arte, la obra deja de ser un
evento único y pasa a ser un objeto reproducible.
Antes las obras auraticas tenían carácter de culto, a partir de la reproducción técnica de las
obras pasan a ser no auraticas, tienen carácter político. Benjamín ve que algo se va atrofiando,
atrofia: “la reproducción técnica desvincula lo reproducido del ámbito de la tradición”, al
multiplicarse las reproducciones instala su presencia masiva en lugar de una presencia
irrepetible.
El autor dice que debido al carácter masivo que tiene el arte a partir de la reproducción técnica
de este, se puede “bajar línea” desde el arte (política).
A partir de las reproducciones lo que se atrofia en las obras de arte es el “aura” (aura:
manifestación irrepetible de una lejanía), deja de ser irrepetible, única, eso irrepetible es la
lejanía de la obra. (la lejanía implica que la obra tiene espacio y tiempo).
El aura es una manera particular de percibir el mundo, se concibe mejor como un predicado
referido al sujeto, el aura está en la manera en la cual nos enfrentamos a la obra de arte.

Obra Aurática Obra No Aurática

Muestra una distancia del momento de Reproducción, técnica que le quita el carácter
reproducción y del momento de de lejanía a la obra y lo reemplaza por la
contemplación de la misma. Es algo mágico; el cercanía, cambia el sujeto que lo admira.
aquí y ahora se pierde.
Autenticidad. Copia.
Unicidad. Multiplicad de ejemplares
Producción individual. Reproducción masiva.
Valor de Culto. Valor exhibitivo.
Fundamentación ritual. Fundamentación política. (Pasa a ser un bien
común).

El autor habla de:

La estetización de la política: arte al servicio de los fines políticos (propaganda, placer).
La “politización” de la estética: herramienta de comunicación para la causa revolucionaria,
emancipación, uso de las nuevas tecnologías.
Benjamín analizo estas dos posibilidades y dijo: que la estatización de política es negativo
porque el arte se utiliza como propaganda para distribuir ideas doctrinales), la imagen produce
una sensación de placer. El autor concluyendo dice que la obra de arte no se remite a lo que es
la obra en sí sino también en lo que dice la obra.

Deleuze, Gilles y Guattari, Felix. “Percepto, afecto y concepto.

La trascendencia de la obra
El arte conserva, y es lo único en el mundo que se conserva. Conserva y se conserva en sí. La
cosa es independiente del creador, por la auto-posición de lo creado que se conserva en sí. Lo
que se conserva, la cosa o la obra de arte, es ​un bloque de sensaciones, es decir un compuesto
de perceptos y de afectos.
Los perceptos ya no son percepciones, son independientes de un estado de quienes los
experimentan; los afectos ya no son sentimientos o afecciones, desbordan la fuerza de aquellos
que pasan por ellos. Las sensaciones, perceptos y afectos son ​seres​ que valen por sí mismos y
exceden cualquier vivencia.

La poiesis del espectador

El espectador, ante un ​objet ambigú​ , vuelve a verse de nuevo en la situación de tener que
preguntarse y decidir si dicho objeto puede tener derecho a ser ​todavía​ o​ también​, arte.
Reduce la actividad estética del artista al acto. Esta reflexión interrogativa y este placer
reflexivo no llegan a ningún final.

El espectador ante la descontextualidad del objeto

Para una historia de la poiesis, la novedad del Pop radica, mas en la superación del límite
existente entre objeto artístico y objeto del entorno (cosa que ya había intentado el “trompe
lòeil” en la pintura clásica) en su exigencia de que, ante un ​objet ambigú​ estéticamente
indiferente, el observador cambie su postura teórica en comportamiento estético. As
manifestaciones del Pop Art no han demostrado que todo sea ​ya a​ rte sino que, en determinado
punto de la réplica contra el canon del arte, todo puede ​convertirse​ en arte, debido al
aislamiento del contexto de la realidad, que precisamente por esa, se proyecta sobre si.

La estética comprende dos regiones principales: el arte y la belleza

El concepto de arte
¿Qué es arte? ¿Cuándo hay arte?
Jiménez, “la exaltación de la forma que caracteriza nuestra idea de arte.
A la exaltación de la forma, característica de la idea occidental de arte, se suma en el siglo 20 la
preeminencia del concepto.

Problemática actual del concepto de arte

Hasta el siglo 20, el arte tenía una definición. Adorno a fines de la década de 1960, el arte ha
dejado de ser “aquello que todos saben lo que es”.
El arte no es solo sensación sino también “cosa mental”.

Algunos rasgos definitorios

A lo largo de la historia se intento definir al arte desde diversas perspectivas. Tatarkiewicz
intentaba abarcar diferentes aspectos resaltados en las obras, presentando los siguientes
rasgos definitorios:
● El rasgo distintivo del arte es que produce belleza:​ encontramos esta idea desarrollada
en el Renacimiento.
● El rasgo distintivo del arte es que representa o reproduce la realidad:​ definición
sustentada por Platón y Aristóteles.
● El rasgo distintivo del arte es la creación de formas:​ Aristóteles. En la ​Ética a Nicomaco​,
afirma que: “nada nada debe exigirse a las obras de arte excepto que tengan forma”.
● El rasgo distintivo del arte es la expresión:​ Croce.
● El rasgo distintivo del arte es que produce un choque:​ esta definición también tiene en
cuenta al espectador, concretamente al efecto que las obras contemporáneas producen
en el.
Tatarkiewicz enuncia la propia: “Una obra de arte es la reproducción de cosas, la construcción
de formas, o la expresión de un tipo de experiencias que deleiten, emocionen o
produzcan un choque”. “Arte” es, asimismo, aquello que proporciona “alimento
espiritual”. Tatarkiewicz “arte” es el producto de “una actividad humana consciente”.

Arte y belleza en la antigüedad

El concepto de arte, cambia según las culturas y los tiempos históricos. El termino ​téchne,
cubría un campo de objetos muchos más vasto que nuestra palabra “arte”.

El concepto extendido de Téchne

El termino téchne, que cubría una amplia gama de oficios y de técnicas, designaba una
habilidad productiva, una destreza tanto mental como manual.

El concepto de Mimesis
El concepto de arte está íntimamente ligado al de ​mimesis​. Las ​téchnai mimetikaí​ (artes de
imitación).
Mimesis, en síntesis, puede significar tanto “representación” (en un sentido más profundo)
como “imitación” (imitatio en la traducción latina).

Platón mimesis
Los​ mimetes​ (imitadores), productores de imágenes, estaban alejados de la verdad y de lo real;
ellos hacían meras ilusiones, fantasmas o simulacros de esas mismas cosas.
El concepto platónico de ​mimesis​, supone no solo la producción de algo irreal sino también que
eso irreal debe dar ilusión de realidad.
El pintor es una especie de prestigiador o mago que busca asombrar produciendo una suerte de
encantamiento que le permitirá ascender socialmente, obtener fama y riqueza.

La metáfora del espejo

En el último libro de Republica, Platón presenta su teoría de la imitación como reflejo en el
espejo. Las imágenes que produce el artista, como las imágenes del espejo, son simples
“fenómenos”.
Lo que produce el espejo son simples “fenómenos”, no seres según la verdad, conformes a la
verdad. Se trata aquí de un pasaje decisivo donde es cuestión de nuestra visión misma del
mundo. Lo que aparece en el espejo no es conforme a la verdad; su ser no es el ser en verdad.
El espejo produce fantasmas; no corresponde a lo que es en verdad. El espejo, precisamente,
no ofrece nada más que imágenes, puras imágenes, es decir, ​creaciones.
Que el arte, según Platón, no es conforme a la verdad.
Platón, mientras las ideas son únicas, inmutables, necesarias, universales y eternas; las cosas
sensibles son múltiples, mutables, temporales, contingentes y particulares, todas copias de la
única Idea.
El espejismo del arte también se encuentra en otro fragmento de ​Republica,​ el de la alegoría de
la caverna. La caverna representa nuestro mundo sensible, el de la opinión (doxa). El mundo
exterior representa el mundo real, inteligible, o mundo de las ideas.

Criticas Platónicas al arte

Platón manifestara desconfianza hacia el arte. Pero manifestar desconfianza no supone
negación de la importancia. El arte es importante en cuanto debe cumplir con una función
pedagógica. Debe contribuir a la​ paideia, ​a la formación del individuo. Por eso deberá exigirse a
los artistas que se sujeten a las reglas del Estado.
Paideia:​ es la educación en el sentido de “formación”, de un proceso mediante el cual se
“forma” al hombre hasta alcanzar el desarrollo de todas sus posibilidades. Atiende tanto al
cuerpo, a través de la gimnasia, como al espíritu a través de la música. Platón definió a la
paideia​ como la educación para la virtud.
Platón condena la subjetividad y la búsqueda de novedad. Exige al artista respetar la belleza
basada en las leyes eternas (matemáticas) que rigen el universo.
El arte no debía estar dirigido al placer, sino al perfeccionamiento moral. Platón defenderá una
posición funcionalista, el arte debe alcanzar.

Aristóteles, mimesis y catarsis

Aristóteles, definirá ​téchne​ como poiesis (hacer) y ​epistéme ​(conocimiento). Arte es ​poietiké
epistéme (​ conocimiento poético). En tanto ​poiesis​ es “hacer” y supone el desprendimiento de
la obra respecto del autor: “Sale una obra a la luz”. ​Epistéme​, es una virtud dianoetica, un
hábito productivo acompañado de entendimiento.
El arte, para él, es una actividad específicamente humana que exige tanto del conocimiento
como de la experiencia. La ​téchne​ se distingue de las operaciones “practicas”; al ser ​poietiké​ se
distingue de las operaciones teóricas. Por la capacidad de razonamiento y de ​téchne,​ el ser
humano se diferencia de las demás especies animales.
La idea de ​mimesis,​ para Aristóteles no resulta una copia mecánica. Lo importante es la
verosimilitud (eikos).
Arte, según Aristóteles, es que está ligado al placer. La forma más elevada de arte, la que ayuda
a descargarnos de las pasiones y la que “da más placer” es, para Aristóteles, la tragedia. Al
definir la trahedia dice Aristóteles es “imitación de una acción elevada y perfecta”.
No solo la idea de mimesis es central en la estética aristotélica; también lo es la de ​catarsis.
Pero mientras esta se aplica a algunas artes, la ​mimesis​ se aplica a todas. “La imitación satisface
por igual a las artes de la pintura, escultura y poesía”.
Asignándole al arte una función catártica, Aristóteles no podía llegar a excluir a los artistas de la
ciudad ideal.
Catarsis:​ un término de la medicina, significa purgación; también, en un sentido más amplio,
purificación o liberación. La catarsis medicinal consiste en aligerar al cuerpo de humores
pesados, de cosas indigestas y así devolver al organismo su funcionamiento normal. Como la
catarsis​ medicinal, la e la tragedia también ayuda a devolver (el alma) el equilibrio perdido.
La catarsis trágica permite, en síntesis, preservar o recuperar la salud del alma. Se concibe esta
como equilibrio y justa proporción de los afectos. En su Política vemos como la felicidad de ese
“animal político” que es el hombre reside en el equilibrio de las pasiones, en la prudencia, en el
justo medio. El individuo templado contribuye al bien de la ​polis​ porque el equilibrio individual
encuentra continuidad en el equilibrio social. Como en Platón, las ideas políticas de Aristóteles
resultan imprescindibles para entender sus ideas estéticas. ​(Para Aristóteles, el arte tiene
función de catarsis para purificar el alma a través de dos vías. El temor y la compasión, ya que
estos dos, purifican el alma al hacer aflorar las emociones. Cuando uno se conmueve, se
emociona, se limpia el alma).

La belleza como idea trascendente en Platón

Platón, “Si hay algo por lo que vale la pena vivir, es por contemplar la belleza”, afirma en el
Banquete.​ Platón entenderá la belleza indisolublemente unida a lo bueno.
Platón, concepto de belleza metafísica, supone que un ser es bello si su forma perceptible
participa de la Idea arquetípica. Las cosas son bellas en la medida en que participan de la Idea
de Belleza, inmutable y eterna (diferente de la belleza de las cosas o de las personas que decae
o desaparece).
Entre todas las Ideas, la de Belleza tiene, para Platón, una importancia fundamental, ya que
puede ser vista. Cuando el hombre ve la belleza – inspiradora de amor- en los seres de este
mundo, puede recordar la Idea de Belleza que vio en la otra vida. La belleza sensible es solo una
pálida imagen, una sombra (de acuerdo al mito de la caverna), pero a partir de ella es posible
acceder a la forma esencial de lo bello.
Platón, mantienen el pensamiento de coincidencia de lo bello y lo bueno (kalós=bello y
agathós=bueno) al que apuntaba la ​paideia,​ la educación del cuerpo y del espíritu para al bien
de la ​polis.​ Una persona buena es también una persona bella. “Lo más bello es lo más justo”.

La belleza matemática
El numero es, para los pitagóricos, responsable de la armonía. Es principio divino que gobierna
la totalidad del universo. “Armonía” significaba primariamente el acoplamiento o adecuación
entre sí de cosas. Pitágoras elaboro una explicación matemática del universo como ​kosmos,​ es
decir como orden y armonía.
Platón desarrollará también un concepto –pitagórico- de belleza ligada a la armonía, medida y
proporción. Sostiene que “lo bello no carece de proporción”, “la medida y la proporción son la
belleza y la virtud”. Cultivarla era propio del hombre virtuoso, el hombre controlado,
equilibrado, “medido”, aquel capaz de vencer el exceso, la falta de límite. “De nada,
demasiado”.
Durante mucho tiempo la historia de la filosofía ignoro de manera injusta, una etapa de gran
interés para el pensamiento, que fue, sin embargo, considerada “oscura”.
En el campo de la Estética, la Edad Media conservo los conceptos más importantes de la
Antigüedad clásica y los reelaboro en torno del sentimiento de profunda religiosidad que la
caracteriza.

El concepto extendido de ARS (arte)

En la Edad Media perduro la convicción antigua de que el arte (ars) era una habilidad de
producir ciertas cosas, basadas en reglas. Se inscribe en el dominio del ​hacer​. El arte no es
expresión sino construcción, operación en vistas a un resultado.
Decía Tomas de Aquino, el arte es el recto conocimiento de lo que se debe hacer.
Habrá gran afinidad entre el arte y la ciencia. Para San Agustín el arte musical es una actividad
racional en cuanto está fundado sobre relaciones y medidas, lo que se ve muy claramente en su
tratado ​De Música.

El arte como vestigio de lo divino

La Edad Media, el arte debía cumplir con una función pedagógica, ligado esta vez a la religión.
Consecuentemente, el artista no fue considerado una individualidad creadora que imprimía su
sello personal a la obra. Actuaba al servicio de la comunidad dentro del gremio o corporaciones
formadas por maestros, oficiales y aprendices de un mismo oficio.
El arte era una forma principal de haber llegar al pueblo el dogma cristiano, como lo muestran
los frescos y vitrales que decoraban las iglesias. La ​biblia pauperum​ o biblia de los pobres, es
decir de los que no podían leer latín y así tomar contacto con el mensaje cristiano.
Posición intelectualista, Santo Tomas entendió que el placer estético deriva del conocimiento, o
mejor, del placer del reconocimiento de la obra divina en sus distintos productos.
Un rasgo característico de la sensibilidad medieval fue la visión simbolico-alegorica del
universo. El hombre medieval vivía en un mundo pleno de significados, de remisiones y de
manifestaciones de Dios. La verdad divina difícilmente encontraba expresión en este mundo.
Los medios que la favorecían eran el símbolo y la alegoría. Simbolizar el cielo como lugar de
Dios fue, uno de los objetivos de la arquitectura religiosa.
Al fijarse para el arte objetivos simbólicos y alegóricos. Los medievales mantuvieron la idea de
creación de la nada y por la omnipotencia divina. Y el único que merecía el apelativo de creador
era Dios; cualquier otra “creación” era solo “interpretación”.
Recién en el Renacimiento se afianzara el concepto de creación artística. Leonardo considerara
que la pintura, a pesar de ser imitativa, no es pasiva sino activa al trabajar con formas del
mundo exterior tanto como con formas que surgen de la propia mente del artista.

De música de San Agustín

“Todas las sosas son tanto mejores cuanto más moderadas hermosas y ordenadas son, y tanto
menos buenas cuanto menos moderadas, menos hermosas y menos ordenadas”.
Agustín seguirá su método de investigación característico, que consiste en partir del análisis de
lo exterior para pasar a las implicaciones en el interior del hombre y de allí encontrar lo
superior.
La Edad Media conservo los conceptos más importantes de la estética antigua sobre la belleza y
el desarrollo en el horizonte de la comprensión cristiana del mundo. Acepto la distinción entre
una belleza sensible y otra inteligible. La degustación estética consistía en poder ver en la cosa
concreta un reflejo ontológico de la virtud participante de Dios.
“Dios es la causa de toda hermosura”, Dios extendía su propia perfección a todo lo creado. Lo
bello se manifestaba, en la Edad Media, en Dios y en los vestigios múltiples que había dejado en
su creación. San Agustín añadió, el arte era una huella de lo divino. Esta tesis fue compartida
por la mayoría de los escolásticos, quienes consideraron que la belleza de este mundo
dependía y era garantizada por la armonía que tenía su fuente de Dios.
En el Medioevo lo bello se asociara a lo bueno por su vecindad en tanto trascendental.

Estética de la proporción y de la luz

Tanto en la Antigüedad como en el Medioevo se impusieron las teorías de lo bello basadas en la
proporción y la armonía. Ideas de una estética cuantitativa, se agregarían en el Medioevo la luz
y el color. San Agustín responde que es la armonía de las partes acompañada de cierta suavidad
de color.
Tomas de Aquino, el primer requisito de belleza es la integridad o perfección. La segunda
condición es la debida proporción, armonía y medida. La tercera, es la claridad, el esplendor, la
luz. Tomas cita como ejemplo de ​claritas​ el “color claro y nítido”. El vitral, que ocupo vastos
espacios de la catedral gótica, fue la técnica que mejor exploto la vivacidad del color simple
traspasado por la luz.
Concepto de ​claritas​ claridad tuvo un papel significativo en le Edad Media fue porque
designaba tanto el fenómeno físico de la luz como el “resplandor de la virtud”.
En este sentido, reconocía Tomas de Aquino que la claridad del cuerpo provenía de la claridad
del alma.
Durante toda la Edad Media se tratara de armonizar la proporción pitagórica y platónica con la
luz neoplatónica.

Principales tesis de la Estética moderna

En el contexto renacentista, el arte va adquiriendo una autonomía que lo desliga tanto de la
utilidad como de la función educativa o religiosa. Se desarrolla un nuevo mecanismo
productivo: la obra ya no procede de la intervención divina ni es solo reflejo de lo divino, Como
en la Edad Media. Se requiere, por tanto, de un nuevo tipo de artista, abierto a toda clase de
conocimientos. El paradigma de ese artista “humanista” es Leonardo da Vinci.
Las principales tesis de la estética moderna desconocida por los medievales, son:
● La belleza no es sino una reacción subjetiva del hombre.
● La belleza puede tener diversas variedades y el arte, diversos estilos.
● Las bellas artes difieren tanto de la artesanía como de la pericia.
● El arte (en sentido moderno, no artesanal) es una necesidad espontanea del hombre y
no tan solo un medio para alcanzar una u otra finalidad.
● En sus obras más logradas el arte es creativo, individual y libre, teniendo derecho a
aspirar a la perfección, originalidad y novedad.
● El arte no es solo fruto de reglas, sino –sobre todo- del talento, la imaginación e
intuición y, por tanto, en gran medida, es imprevisible e incalculable.
● El arte tiene su propia verdad artística, que no es la misma que la verdad a la que aspira
la ciencia.
● El arte puede interpretar libremente la realidad.
● Cada una de las artes respectivas posee sus valores propios, y no hay que tratar de
establecer entre ellos parangón alguno.
El arte representa a la naturaleza, pero lo hace con la misma libertad de esta.

Las ideas estéticas de Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci, considerado el más loco exponente del mundo renacentista italiano. Aun
cuando Leonardo acepta la mimesis pictórica y la necesidad de mantener fidelidad con el
modelo, no deja de destacar que la obra es el resultado de la acción de un ser ​libre​ que añade
imaginación a la naturaleza.
Dotado de una curiosidad permanente, da Vinci encarna a un nuevo tipo de artista interesado
en todo tipo de saber.
Su desconfianza en la inspiración, llevo a Leonardo a “controlarla” por medio de una crítica
incesante. Poniendo en tela de juicio la inspiración y enfrentado a la ​Auctoritas,​ Leonardo
defenderá en todo momento la necesidad del estudio, la investigación y la experimentación.
“Creo en la experimentación más que en la palabra”. Considera que no hay una separación
entre lo divino y el arte: el artista es un creador y la pintura es “pariente de Dios”.
Leonardo comparte igualmente la idea de la superioridad de la vista por encima de los otros
sentidos: ella seria “más noble”, menos engañosa y ofrecería mayor información sobre el
mundo.

Las “Bellas Artes”

Las palabras ​téchne y ars,​ hacían referencia a lo que hoy conocemos como “arte”, pero no
exclusivamente. Se aplicaban también a oficios que tenían que ver con el trabajo manual. Por
eso, en un determinado momento de la historia del arte, se necesito agregar un adjetivo que
indicara su especificidad: las ​bellas a​ rtes, diferentes tanto de las artes manuales o mecánicas
como de las “liberales”, que abarcaban otras ocupaciones no ligadas a la actividad artística tal
como lo entendemos hoy.
La identificación de los términos “arte” y “belleza” se inicia claramente en el Renacimiento y es
luego generalizada.
La expresión “bellas artes” es considerada un producto de la Ilustración.
Batteux
Limito el número de las “bellas artes” a siete: música, danza, pintura, escultura, arquitectura,
poesía y oratoria.
Hoy, la extensión de las “bellas artes” se ampliaría con la inclusión de nuevos medios, como la
fotografía, el cine o el video.

El concepto de lo feo
Fueron los románticos quienes pusieron en el centro de sus poéticas a la categoría de lo feo.
Víctor Hugo, advertirá que, “la musa moderna vera las cosas con una mirada más alta y más
extensa. Ella sentirá que no todo en la creación es humanamente “bello”, que allí existe lo feo
al lado de lo bello, lo deforme junto a lo gracioso, lo grotesco al revés de lo sublime, el mal con
le bien, la sombra con la luz”.
En la naturaleza, como apuntaba Víctor Hugo, no todo es bello.
Es fácil observar que lo feo resulta un concepto derivado de lo bello. Es un lugar común decir
que lo que no tiene proporción o armonía es feo. Lo feo es entonces extensión negativa de lo
bello.
La integridad o perfección supone que todo lo inacabado, aquello a lo que le falta uno de sus
miembros, lo mutilado, lo deforme es feo. Lo feo no solo se define en relación a la categoría de
lo bello. Se la ha asociado también a la categoría de lo visionario, y también se lo ha
relacionado con lo cómico y lo siniestro.

La fealdad en el arte
Pasando a la estética del siglo 20, las particulares apreciaciones de Adorno sobre lo feo, se
interesara por lo feo en el arte y lo enmarcara en su teoría de la negatividad y de la resistencia.

Inactualidad del concepto de belleza

El ideal de belleza, fundado en la armonía y la proporción, irá perdiendo terreno frente al
subjetivismo estético de la Modernidad, concretamente, frente al poder de las formas
románticas generadas en el sentimiento, la intuición, el impulso, el entusiasmo. Desde
entonces, a diferencia de la estética del clasicismo, ninguna belleza basada en reglas tendrá
vigencia. Solo se aceptara la belleza en la libertad de expresión de cada artista. La actitud del
artista romántico es modélica, al rebelarse contra las formulas aceptadas, y al imponer el
individualismo, el subjetivismo y, consecuentemente, el pluralismo en el concepto de belleza.
Lo bello no siempre está en las cosas bellas. Asimismo, lo feo, en su mayor dosis de atrocidad,
de violencia y destrucción, puede llegar a poseer una cuota tan fuerte de atracción como lo
bello.

La imagen tiempo
Es inexacto considerar que la imagen cinematográfica esta en presente por naturaleza. Y la
primera vez que apareció en el cine una imagen-tiempo directa, no fue bajo los aspectos del
presente (aun implicado) sino, al contrario, bajo la forma de capas de pasado, con ​Ciudadano
Kane d​ e Welles. Aquí el tiempo perdía los estribos, invertía su relación de dependencia, con el
movimiento, la temporalidad se mostraba por sí misma y por primera vez, pero en forma de
una coexistencia de grandes regiones a explorar.
Lo que demuestra que la unidad no está en la imagen-recuerdo es que esta estalla en dos
direcciones. Reconstruyen series motrices de antiguos presentes, “actualidades” o incluso
hábitos. Son campos y contracampos cuya sucesión da fe de los hábitos conyugales.
La imagen procede a una verdadera exploración de una capa de pasado. Las imágenes en
profundidad expresan regiones del pasado como tal, cada una con sus acentos propios o sus
potenciales, y marcan tiempos críticos de la voluntad de potencia. El héroe actúa, camina y se
mueve; pero donde se sumerge y por donde se mueve es en el pasado: el tiempo ya no se
subordina al movimiento, sino que el movimiento se subordina al tiempo.
La imagen recuerdo, se rebasa en regiones de pasado coexistente que la hacen posible. Esta es
la función de la profundidad de campo: explorar cada vez una región de pasado, un continuo.
Profundidad de campo:​ seria una función de memoracion, de temporalizacion: no exactamente
un recuero, sino “una invitación a recordar”. Sin dejar de reconocer la pluralidad de las
funciones de la profundidad de campo, mantenía una primacía de la función de realidad.
La profundidad de campo nos muestra unas veces la evocación en acto y otras las capas
virtuales de pasado que exploramos para hallar en ellas el recuerdo buscado. Las capas de
pasado existen, son estratos, y de ellos tomamos muestras imágenes-recuerdo; son dos
estados diferentes del tiempo.

El espectador emancipado
Debate acerca del teatro, la actuación y el espectador.
Las numerosas críticas a las que ha dado materia el teatro a lo largo de toda su historia pueden
ser remitidas, a la paradoja del espectador.
Esta paradoja es de formulación muy simple: no hay teatro sin espectador. Dicen los
acusadores, ser espectador es un mal, por dos razones:
● En primer lugar, mirar es lo contrario de conocer. El espectador permanece ante una
apariencia, ignorando el proceso de producción de esa apariencia o la realidad que ella
recubre.
● En segundo lugar, es lo contrario de actuar. La espectadora permanece inmóvil en su
sitio pasivo.
Ser espectador es estar separado al mismo tiempo de la capacidad de conocer y del poder de
actuar.
Críticos de la mimesis teatral: quien dice teatro dice espectador, y en ello hay un mal, han
dicho. Ese es el círculo del teatro tal como lo conocemos, tal como nuestra sociedad lo ha
modelado a su propia imagen.
El teatro es el lugar en el que una acción es llevada a su realización por unos cuerpos en
movimiento frente a los cuerpos vivientes que deben ser movilizados. Hace falta un teatro sin
espectadores, en el que los concurrentes aprendan en lugar de ser seducidos por imágenes, en
el cual se conviertan en participantes activos en lugar de ser ​voyeurs​ pasivos.
Esta inversión conoció dos grandes formulas, antagónicas:
● Según la primera, es preciso arrancar al espectador del embrutecimiento del espectador
fascinado por la apariencia y ganado por la empatía que lo hace identificarse con los
personajes de la escena. Se le mostrara, pues, un espectáculo extraño, inusual, un
enigma del cual él ha de buscar el sentido. Se lo forzara de ese modo a intercambiar la
posición del espectador pasivo por la del investigador o experimentador. Así se les hará
agudizar su propio sentido de evaluación de las razones, de su discusión y de la elección
que lo zanja.
● Según la segunda, esa misma distancia razonadora la que debe ser abolida. El
espectador debe ser sustraído de la posición de observador que examina con toda calma
el espectáculo que se le propone. Arrastrado al círculo mágico de la acción teatral en el
que intercambiara el privilegio de observador racional por el de estar en posesión de sus
energías vitales integrales.
Para uno, el espectador debe tomar distancia; para el otro, debe perder toda distancia. Para
uno debe afinar su mirada, para el otro, debe abdicar incluso de la posición del que mira. La
reforma del teatro ha oscilado constantemente entre estos dos polos de la integración distante
y de la participación vital.
A partir del romanticismo alemán, el pensamiento del teatro ha estado asociado a esta idea de
la comunidad viviente. El teatro apareció como una forma de la constitución estética –de la
constitución sensible- de la colectividad. El teatro ha estado, asociado a la idea romántica de
una revolución estética, cambiando las formas sensibles de la experiencia humana. La reforma
del teatro significaba entonces la restauración de su naturaleza de asamblea o de ceremonia de
la comunidad. El teatro es una asamblea en la que la gente del pueblo toma conciencia de su
situación y discute sus intereses, dice Brécht. En el ritual purificador, afirma Artaud, en el que
se pone a una comunidad en posesión de sus propias energías.
El teatro se acusa a sí mismo de volver pasivos a los espectadores y de traicionar así su esencia
de acción comunitaria. Consecuentemente se otorga la misión de invertir sus efectos y de
expirar sus faltas devolviendo a los espectadores la posesión de su conciencia y de actividad. Se
proponen a enseñar a sus espectadores los medios para cesar de ser espectadores y convertirse
en agentes de una práctica colectiva. Según el paradigma brechtiano, la mediación teatral los
vuelve conscientes de la situación social que le da lugar y deseosos de actuar, para
transformarla. Según la lógica de Artaud, los hace salir de su posición de espectadores: en lugar
de estar frente a un espectáculo, se ven rodeados por la performance, llevando al interior del
círculo de la acción que les devuelve su energía colectiva. En uno y otro caso, el teatro se da
como una mediación tendida hacia su propia supresión.
La distancia no es un mal a abolir, es la condición normal de toda comunicación. La distancia
que el ignorante tiene que franquear, es simplemente el camino desde aquello que ya sabe
hasta aquello que todavía ignora. Lo que ignora es la desigualdad de las inteligencias.
La emancipación, comienza cuando se vuelve a cuestionar entre mirar y actuar, cuando se
comprende que las evidencias que estructuran de esa manera las relaciones del decir, del ver y
del hacer pertenecen, ellas mismas, a la estructura de dominación y de la sujeción. Comienza
cuando se comprende que mirar es también una acción que confirma o que transforma esta
distribución de las posiciones. El espectador también actúa, como el alumno o como el docto.
Observa, selección, compara, interpreta. Compone su propio poema con los elementos del
poema que tiene delante. Participa en la performance rehaciéndola a su manera. Así, son a la
vez espectadores distantes e intérpretes activos del espectáculo que se les propone.
Este es un punto esencial: los espectadores ven, sienten y comprenden algo en la medida en
que componen su propio poema, tal como lo hacen a su manera actores o dramaturgos,
directores teatrales. Es la lógica del pedagogo embrutecedor, la lógica de la transmisión directa
de lo idéntico: hay algo, un saber, una capacidad, una energía que esta de un lado –en un
cuerpo o un espíritu- y que debe pasar al otro. Lo que el alumno debe ​aprender​ es lo que el
maestro le ​enseña.​ Lo que el espectador ​debe ver​ es lo que el director teatral le ​hace ver.​ Lo
que debe sentir es la energía que él le comunica. AA esa identidad de la causa y del efecto que
se encuentra en el corazón de la lógica embrutecedora, la emancipación le opone su
disociación. Ese es el sentido de la paradoja del maestro ignorante: el alumno aprende del
maestro algo que el maestro mismo no sabe. Lo aprende como efecto de la maestra que lo
obliga a buscar y verificar esta búsqueda. Pero no aprende el saber del maestro.
El poder común a los espectadores no reside en su calidad de miembros de un cuerpo colectivo
o en laguna toma especifica de interactividad. Es el poder que tiene cada uno o cada una de
traducir a su manera aquello que él o ella percibe. Esta capacidad se ejerce a través de
distancias irreductibles, se ejerce por un juego imprevisible de asociaciones y disociaciones.
En ese poder de asociar y de disociar reside la emancipación del espectador, es decir, de
nosotros como espectador. Aprendemos y enseñamos, actuamos y conocemos. No hay forma
privilegiada, así como no hay punto de partida privilegiado. Por todas partes hay puntos de
partida, cruzamientos y nudos que nos permiten aprender algo nuevo si recusamos en primer
lugar la distancia radical, en segundo lugar, la distribución de los roles, y en tercero, las
fronteras entre los territorios. No tenemos que transformar a los espectadores en actores ni a
los ignorantes en doctos. Lo que tenemos que hacer es reconocer el saber que obra en el
ignorante y la actividad propia del espectador. Todo espectador es de por si actor de su
historia, todo actor, todo hombre de acción, espectador de la misma historia.
Con la actualidad del arte contemporáneo, hoy tenemos teatro sin palabras y danza hablada;
instalaciones y performances a modo de obras plásticas; proyecciones de video transformadas
en ciclos de frescos murales; fotografías tratadas como cuadros vivientes o pintura histórica;
escultura metamorfoseada en show multimedia, y otras combinaciones.
Por lo demás, hay tres maneras de comprender y de practicar esta mezcla de géneros:
● Esta la que reactualiza de la obra de arte total. Hoy tiende a ser más bien forma de
hiperactivismo.
● Luego está la idea de una hibridación de los medios del arte, apropiada a la realidad
posmoderna del intercambio incesante de los roles y las identidades, de lo real y lo
virtual, de lo orgánico y las prótesis mecánicas e informáticas. Esta segunda idea, a
menudo conduce a otra forma de embrutecimiento, que utiliza el borramiento de las
fronteras y la confusión de los roles para acrecentar el efecto de la performance sin
cuestionar sus principios.
● Una tercera manera, apunta al cuestionamiento de las relaciones causa-efecto en sí y
del juego de los presupuestos que sostienen la lógica del embrutecimiento. Ella
propone, revocar el privilegio de vitalidad y de potencia comunitaria concedido a la
escena teatral para ponerla en pie de igualdad con la narración de una historia. Propone
concebirla como una nueva escena de la igualdad en la que se traducen, unas a otras,
performances heterogéneas. Pues en todas esas performances se trata de ligar lo que se
 sabe con lo que se ignora, de ser al mismo tiempo perfomistas que despliegan sus
competencias y espectadores que observan aquello que sus competencias pueden en un
contexto nuevo, ante otros espectadores.
Los artistas, al igual que los investigadores, construyen la escena en la que la manifestación y el
efecto de sus competencias son expuestos, los que se vuelven inciertos en los términos del
idioma nuevo que traduce una nueva aventura intelectual. El efecto dl idioma no se puede
anticipar. Requiere de espectadores que desempeñen el rol de intérpretes activos, que
elaboren su propia traducción para apropiarse la “historia” y hacer de ella su propia historia.
Una comunidad emancipada es una comunidad de narradores y de traductores.

Introducción: moderno, posmoderno y contemporáneo

Debemos pensar en el arte ​después​ del fin del arte. Un complejo de prácticas dieron lugar a
otras.
Mi opinión (del autor) era que cualquier nuevo arte no podría sustentar ningún tipo de relato
en el que pudiera ser considerado como su etapa siguiente. Lo que había llegado a su fin era
ese relato.
Belting, arte contemporáneo, “la relativa y reciente perdida de fe en un gran relato que
determine el modo en que las cosas ​deben​ ser vistas”.
Belting y yo decimos, que hay una diferencia entre el arte moderno y el arte contemporáneo,
cuya coincidencia, creo, comenzó a aparecer a mediados de los 70. El arte contemporáneo no
hace un alegato contra el arte del pasado, no tiene sentido que el pasado sea algo de lo cual
haya que liberarse, incluso aunque sea absolutamente diferente del arte moderno en general.
Lo que define al arte contemporáneo es que dispone dl arte del pasado espíritu en el cual fue
creado ese arte. El paradigma de lo contemporáneo es el ​collage.​ La percepción básica del
espíritu contemporáneo se formo sobre el principio de un museo en todo el arte tiene su
propio lugar, donde no hay ningún criterio ​a priori​ acerca de cómo el arte debe verse, y donde
no hay un relato al que los contenidos del museo del museo se deban ajustar. Los artistas
consideran que los museos están llenos de opciones artísticas vivas. El museo es un campo
dispuesto para una reordenación constante, y está apareciendo una forma de arte que utiliza
los museos como depósito de materiales para un ​collage​ de objetos ordenados con el propósito
de sugerir o defender una tesis; podemos verlo en la instalación.
El artista tiene carta abierta en el museo y fuera de sus recursos organiza exposiciones de
objetos que no tienen entre sí una conexión histórica o formal, más allá de las conexiones que
proporciona el propio artista. El museo es causa, efecto y encarnación de las actitudes y
prácticas que definen el momento posthistórico del arte.
La distinción entre lo moderno y lo contemporáneo y discutir su aparición en la conciencia. La
diferencia entre lo moderno y contemporáneo es que con lo moderno se terminaron los relatos
legitimizadores; en la contemporaneidad, no hay un metarelato, que diga, que es arte y como
debe ser este.
La identidad del arte estaba conectada internamente con el relato oficial.

Diferencia entre moderno y contemporáneo

Moderno:
● No es simplemente un concepto temporal que significa “lo más reciente”.
● Los artistas que hacían arte moderno no tenían conciencia de estar haciendo algo
diferente hasta que, de manera retrospectiva, se comenzó a aclarar que había tenido
lugar un cambio importante.
● Implica una diferencia entre el ahora y el antes.
● Pareció haber sido un estilo que floreció aproximadamente entre 1880 y 1960.
● Había adquirido un significado estilístico y un significado temporal.
● El modernismo fue demasiado local y materialista, interesado por la forma, superficie, la
pigmentación, y el gusto que definían la pintura en su pureza.
Contemporáneo:
● Tampoco es un término meramente temporal que significa cualquier cosa que tenga
lugar en el presente.
● Algo similar ocurrió en el cambio del arte moderno al contemporáneo.
● “Lo más reciente”, significa lo que acontece ahora.
● Ha pasado a significar el concebido con una determinada estructura de producción.
● Ha llegado a designar algo más que el arte del presente. En mi opinión no designa un
periodo sino lo que pasa después de terminado un relato legitimador del arte.
● Es un periodo de información desordenada, una condición de libertad, todo está
permitido.
La distinción entre lo moderno y lo contemporáneo, se esclareció en los años 70 y 80. Significa
que hay que tratar de entender la década de los 70, como un periodo que a su modo, es tan
oscuro como el siglo 10.
La década de los 70 fue una época en la que la historia había perdido su rumbo. Si pensamos
que 1964 marco el final del expresionismo abstracto, tendríamos entonces muchos estilos que
se suceden a una velocidad vertiginosa: el campo de color en pintura, abstracción geométrica,
neorrealismo francés, pop, op, minimalismo, arte povera y arte conceptual.
En los 60 hubo un paroxismos de estilos, no había una manera especial de mirar las obras de
arte en contraste con lo que he designado “meras cosas reales”, mi ejemplo favorito, no hay
nada que marque una diferencia visible entre la ​Brillo Box d Andy Warhol​ y las cajas de Brillo de
los supermercados. Además el arte conceptual demostró que no necesariamente debe haber
un objeto visual palpable para que algo sea una obra de arte. Esto significa que ya no se podría
enseñar el significado del arte a través de ejemplos. También implica que en la medida en que
las apariencias fueran importantes, cualquier cosa podría ser una obra de arte, y que si se
hiciese una investigación sobre que es el arte, sería necesario dar un giro desde la experiencia
sensible hacia el pensamiento. Esto significa, en resumen, que se debe dar un giro hacia la
filosofía.
Solo en los años 60 fue posible una filosofía seria del arte que no se basara puramente en
hechos locales. Solo cuando quedo claro que cualquier cosa podía ser una obra de arte se pudo
pensar en el arte filosóficamente. La verdad filosófica, una vez encontrada, debería ser
coherente con el arte en cualquier sentido.
Entonces los artistas se libraron de la carga de la historia y fueron libres para hacer arte en
cualquier sentido que desearan, con cualquier propósito que desearan, o sin ninguno. Esta es la
marca del arte contemporáneo y, en contraste con el modernismo, no hay nada parecido a un
estilo contemporáneo.
El arte contemporáneo es demasiado pluralista en intenciones y acciones como para permitir
ser encerrado en una única dimensión. Se puede argumentar que en gran parte es incompatible
con los imperativos de un museo donde se requiera una clase totalmente diferente de
administración. Para que un museo se comprometa con este tipo de arte debe renunciar a gran
parte de la estructura y la teoría que lo define en sus otros dos modelos.

Nietzsche, Freud, Marx

Historia de las técnicas de interpretación, ha hecho hacer siempre dos clases de sospechas:
● Primero:​ ante todo la sospecha de que el lenguaje no dice exactamente lo que dice. El
sentido que se atrapa y que es inmediatamente manifiesto no es, quizás, en realidad,
sino un sentido menor, que protege, encierra y, a pesar de todo, transmite otro sentido:
siendo este sentido a la vez el sentido más fuerte y el sentido “de debajo”. Esto era lo
que los griegos llamaban la ​allegoria​ y la ​hiponoia.
● Segundo:​ el lenguaje hace nacer esta otra sospecha: que el lenguaje desborda, de alguna
manera, su forma propiamente verbal, y que hay muchas otras cosas en el mundo que
hablan y que no son lenguaje. Hay lenguajes que se articulan de una manera no verbal.
El autor dice, que cree que cada cultura, ha tenido su sistema de interpretación, el lenguaje que
quiere decir otra cosa que lo que él dice, y que hay lenguaje fuera del lenguaje.
Para comprender que sistema de interpretación ha fundado el siglo 19 y en consecuencia a que
sistema de interpretación pertenecemos nosotros, me parece que sería necesario tomar un
punto de referencia lejano.
En el siglo 16, ​lugar​ a interpretación mínima, era la semejanza. Si las técnicas de interpretación
del siglo 16 han sido dejadas en suspenso por la evolución del pensamiento occidental.
El siglo 19 ya muy singularmente Marx, Nietzsche y Freud nos han vuelto a poner en presencia
de una nueva posibilidad de interpretación, han fundamentado de nuevo la posibilidad
hermenéutica. Esto nos ha puesto en una situación incomoda puesto que estas técnicas de
interpretación nos conciernen a nosotros mismos. Y es con estas técnicas de interpretación, a
su vez, que debemos interrogar a esos intérpretes que fueron Freud, Nietzsche y Marx.
El autor dice, a partir de los tres hombres de los que estamos hablando, que la interpretación
ha llegado a ser al fin una tarea infinita. Porque la semejanza es limitada. A partir del siglo 19,
los signos se encuadernan en una red inagotable, infinita, porque hay una apertura irreductible.
La existencia de interpretación seria al mismo tiempo la de un punto de ruptura.
En fin, ultimo carácter de la hermenéutica: la interpretación se encuentra ante la obligación de
interpretarse ella misma al infinito.
Allí se desprenden dos consecuencias importantes:
● La primera:​ es que la interpretación será siempre la interpretación por el “quien”, se
interpreta a fondo: quien ha planteado la interpretación. El principio de la interpretación
no es otro que el intérprete y este es tal vez el sentido que Nietzsche a dado a la palabra
“psicología”.
 ● La segunda: e​ s la de que la interpretación debe interpretarse siempre ella misma, se
tiene un tiempo de la interpretación que es circular. Este tiempo está obligado a pasar
por donde ya ha pasado.
La muerte de la interpretación consiste en creer que hay signos que existen originariamente,
como señales coherentes, pertinentes y sistemáticas.
La vida de la interpretación, es creer que no haya sino interpretaciones.

La obra de arte en la época de su reproductividad técnica

Ni la materia, ni el espacio, ni el tiempo son, desde hace 20 años, lo que han venido siendo
siempre. Es preciso contar con que novedades tan grandes transformen toda la técnica de las
artes y operen por tanto sobre la inventiva, llegando quizás hasta modificar de una manera
maravillosa el concepto mismo del arte.
La transformación de la superestructura, en todos los campos de la cultura, el cambio de las
condiciones de producción.
La reproducción técnica de la obra de arte es algo nuevo que se impone en la historia con
intensidad creciente.
Con la litografía, la técnica de la reproducción alcanza un grado fundamentalmente nuevo. Dio
por primera vez al arte grafico la posibilidad de poner masivamente sus productos en el
mercado, además de ponerlos en figuraciones cada día nuevas. Comenzó entonces a ir al paso
con la imprenta. En estos comienzos fue aventajado por la fotografía pocos decenios después
de que se inventara la impresión litográfica. En el proceso de reproducción plástica, que ya
puede ir al paso con la palabra hablada. Al rodar en el estudio, el operador de cine fija las
imágenes con la misma velocidad con la que el actor habla. La reproducción técnica del sonido
fue empresas acometidas a finales del siglo pasado.
Paul Valéry, “Igual que el agua, el gas y la corriente eléctrica vienen a nuestras casas, para
servirnos, así estamos también provistos de imágenes y de series de sonidos que acuden a un
pequeño toque, casi a un signo, y que del mismo modo nos abandonan.
En la obra de arte, el aquí y ahora del original constituye el concepto de su autenticidad. Lo
autentico conserva su autoridad plena, mientras que no ocurre lo mismo frente a la
reproducción técnica.
Las circunstancias en que se ponga al producto de la reproducción técnica de una obra de arte,
quizá dejen intacta la consistencia de esta, pero en cualquier caso deprecian su aquí y ahora. La
autenticidad de una osa es la cifra de todo lo que desde el origen puede transmitirse en ella
desde su duración material hasta su testificación histórica.
En época de la reproducción técnica de la obra de arte lo que se atrofia es el aura de esta.
Conforme a una formulación general: la reproducción técnica desvincula lo reproducido del
ámbito de la tradición. Al multiplicar las reproducciones instala su presencia masiva en el lugar
de una presencia masiva en el lugar de una presencia irrepetible.
Dentro de grandes espacios históricos de tiempo se modifican, el modo y la manera de su
percepción sensorial.
Los condicionamientos sociales del actual desmoronamiento del aura.
El concepto de aura:​ “la manifestación irrepetible de una lejanía (por cercana que pueda estar)”
no representa otra cosa que la formulación del valor cultural de la obra artística en categorías
de percepción espacial-temporal. Lejanía es lo contrario que cercanía. Lo esencialmente lejano
es lo inaproximable. Y serlo es de hecho una cualidad capital de la imagen cultural. Por propia
naturaleza sigue siendo “lejanía, por cercana que pueda estar”. Una vez aparecida conserva su
lejanía, a la cual en nada perjudica la cercanía que pueda lograrse de su materia. El concepto de
autenticidad jamás deja de tender a ese ser más que una adjudicación de origen.
La unicicidad de la obra de arte se identifica con su ensamblamiento en el contexto de la
tradición. El valor único de la “autentica” obra artística se funda en el ritual en el que tuvo su
primer y original valor de uso.
La reproductibilidad técnica emancipa a la obra artística de su existencia parasitaria en un
ritual. La obra de arte reproducida se convierte en reproducción de una obra artística dispuesta
para ser reproducida.
La recepción de las obras de arte sucede bajo diversos acentos entre los cuales hay dos que
destacan:
● Uno, reside en el valor cultural.
● Otro, en el valor de exhibición de la obra artística.
En la fotografía, el valor de exhibición comienza a reprimir en toda la línea el valor cultural.
La reproductibilidad técnica de la obra artística modifica la relación de la masa con el arte. Este
comportamiento progresivo se caracteriza porque el gusto por mirar y por vivir se vincula en la
intima e inmediatamente con la actitud del que opina como perito. Esta vinculación es un
indicio social importante.
Arte y política: Benjamín
En la historia del arte hay una disputa entre dos polaridades. Estos dos polos son su valor ritual
(culto) y su valor de exhibición.
La producción artística comienza con imágenes que están al servicio de la magia. Lo importante
de estas imágenes está en el hecho de que existan, y no en que sean vistas.
El búfalo que el hombre de la “Edad de Piedra” dibuja sobre las paredes de su cueva es un
instrumento mágico que solo causalmente se exhibe a la vista de los otros; lo importante es, a
lo mucho que lo vean los espíritus.
El valor ritual exige que la obra de arte sea mantenida en lo oculto con la emancipación que
saca a los diversos procedimientos del arte fuera del seno del ritual, aumenta para sus
productos las oportunidades de ser exhibidos. Con los diferentes métodos de reproducción
técnica de la obra de arte, su capacidad de ser exhibida ha crecido de manera gigantesca.
En efecto así como en los tiempos prehistóricos la obra de arte fue ante todo un instrumento
de la magia, así ahora, cuando el peso absoluto recae en su valor de exhibición, la obra de arte
de ha convertido en una creación dotada de funciones completamente nuevas entre las cuales,
destacan la que conocemos: la función artística.
El valor ritual involucra lo más posible al ser humano, el valor de exhibición lo hace lo menos
posible.
Según Benjamín, en su época el arte se encuentra en el instante crucial de una metamorfosis.
Se trata de una transformación esencial que lo lleva, de ser un “arte áurico” en el que
predomina “valor de culto”, a convertirse en un arte plenamente profano en el que predomina
en cambio un “valor para la exhibición” o “para la experiencia”.
En todos los tipos de obra de arte sería posible distinguir dos polos de presencia contrapuestos
que compiten en la determinación del valor que la obra tiene para quienes la reproducen y la
consumen. De acuerdo al primero de ellos (culto) la obra vale como testigo o como documento
vivo dentro de un acto ritual de un acontecimiento mágico de los órdenes natural y sobre
humano; de acuerdo al segundo(exhibición), la obra vale como un factor que desata una
experiencia profana: la experiencia estética de la belleza.
Para Benjamín el arte comienza a ser tal una vez que se mancipa de su aura metafísica.
la respuesta a la pregunta acerca del fundamento de la tendencia anti - áurica en la historia del
arte contemporáneo hay que buscarla en la resistencia y la rebelión de las masas
contemporánea frente al estado de enajenación al que su subjetivad política se encuentra
condenada en la modernidad capitalista; actitudes que según él , habían madurado durante
todo un siglo y estaría en capacidad después de vencer al estertor contra revolucionario del
nazismo de consolidarse como una transformación posta capitalista de la vida social.

En síntesis las diferencias entre valor de culto y de exhibición son:

Valor de Culto Valor de exhibición
Autenticidad. Copia, reproducción.
Unicidad. Multiplicidad de ejemplares.
Recepción individual. Recepción masiva.
Fundamentación ritual. Fundamentación política.

Conceptos benjaminianos de aura, autenticidad, atrofia, estatización de la política y

politización de la estética.
Aura​ es una entretejido muy especial de espacio y tiempo, aparecimiento único de una lejanía,
por más cercana que pueda estar. El aura de una obra humana consiste en el carácter
irrepetible y perenne de su unicidad o singularidad, carácter que proviene del hecho de que lo
valioso en ella reside en que fue el lugar en el que, en un momento único, aconteció una
epifanía o revelación de lo sobre natural que perdura metonímicamente en ella y a la que es
posible acercarse mediante un ritual determinado. Está referida a la estructura de la percepción
propiamente dicha, es decir, a una manera particular de percibir el mundo. El aura se concibe
mejor como un predicado referido al sujeto de la percepción más que al objeto; describe la
manera en que el sujeto es capaz de enfrentarse a sus objetos, cuales quieran sean, es decir,
auráticamente .
El concepto de la autenticidad​ del origen está constituido en el aquí y ahora; sobre estos
descansa a su vez la idea de una tradición que habría conducido a ese objeto como idéntico de
sí mismo hasta el día de hoy. Todo el ámbito de la autenticidad escapa de la reproductividad
técnica.
Mientras lo auténtico mantiene su plena autoridad frente a la reproducción manual, a la que
por lo regular se califica de falsificación, no puede hacerlo en cambio frente a la reproducción
técnica.
La autenticidad no es reproducible, es la quinta esencia de todo lo que en ella, a partir de su
origen, puede ser transmitido como tradición, desde su permanencia material hasta su carácter
de testimonio histórico.
Si lo relacionamos con el concepto de aura se puede decir: “lo que se marchita de la obra de
arte en la época de su reproductividad técnica es su aura.
Al multiplicar las reproducciones, pone, en lugar de su aparición única, su aparición masiva. Y al
permitir que la reproducción se aproxime al receptor en su situación singular actualiza lo
reproducido. Son procesos en conexión estrecha con los movimientos de masas en nuestros
días.
Atrofia​, es cuando la reproducción técnica desvincula lo reproducido del ámbito de la tradición.
Al multiplicar las reproducciones instala su presencia masiva en el lugar de una presencia
irrepetible. Y confiere actualidad a lo reproducido al permitirle salir, desde su situación
respectiva al encuentro de cada a individuo.
La ​estatización de la política​, refiere al arte al servicio de fines políticos (fascistas, bélicos). En
referencia a ​la politización de la estética​ considera a la misma una herramienta del comunismo
para la causa revolucionaria. Implica el uso de las nuevas tecnologías.
“La estatización” del mundo no se cumple ya a través de una formalización de la producción
espontanea de arte bajo la acción de las bellas artes; a dejado de ser , como sucedía
anteriormente en la sociedad moderna, un efecto que se extiende sobre la vida cotidiana a
partir de la producción artística tradicional; ahora es por el contrario, el resultado de un cultivo
salvar” de las formas de ese mundo en la vida cotidiana, un cultivo que se lleva a cabo dentro
de las posibilidades” realmente existentes” , es decir, dentro de un marco de acción
manipulado directamente por la “ industria cultural y su encargo ideológico”.

Modernismo: Apuntes de clase

Modernismo y el fin del arte
● Modernismo:
✓ Nueva conciencia.
✓ Discontinuidad.
✓ Formalismo (es algo “ni”, o sea no es ni no ni si).
● Fin del arte:
✓ Agotamiento de las narrativas.
✓ Ruptura histórica.
✓ Hibridación.
En la modernidad hay un hilo de “discontinuidad” en la historia.
Aparece el concepto de ​abstracción​ en el siglo 19 donde se desprende de lo natural el arte. En
el modernismo se empiezan a dar diferentes movimientos, donde todos van cayendo en la
abstracción y perdiendo el realismo. Estos movimientos se manifiestan como opuestos a la
tradición anterior.
A partir de los años 60 aproximadamente aparece otro tipo de arte que rompe con lo abstracto,
ese otro tipo de arte es el que se denomina ​arte pop. A ​ cá todo va a ser puro ​collage​, acá no hay
relatos legisladores, o sea que legitimen, se agoto el arte modernista y la conciencia histórica
del arte, esto provoca una explosión de manifestaciones artísticas, esas manifestaciones son las
que se denominan arte pop. Se empieza a tomar al arte como ej. Propagandas, se le saca al arte
lo “sacro”. Los artistas caen en una superficialidad, pero en realidad el arte no es que sea
superficial en este momento histórico, sino que el arte esta condensando “síntomas de
sociedad”.
En el arte pop, ​todo vale​ porque no hay relatos legisladores, acá cambia la conciencia histórica,
cambia porque desde el punto de vista anterior al arte pop había “alguien” que legislaba,
determinaba que es lo que era arte.
Lo que diferencia al arte de un objeto corriente, desde esta mirada es:
● El discurso sobre ese objeto.
● La transfiguración del lugar común (transfiguración es cuando se saca de un lugar común
un objeto y se coloca en un lugar diferente, museo), Ej. la caja de jabón en un
supermercado es un objeto y la caja de jabón en un museo es arte.
Desde este punto de vista la obra de arte es creada a propósito, no son cajas de jabón común y
corriente, sino que son hachas intencionalmente por el artista para representar objetos de la
cultura popular.
El arte pop ya no se puede leer desde la sensibilidad (experiencia sensible), acá se debe
construir un pensamiento mas filosófico.

Arte contemporáneo: apuntes de clase

● Experimentación.
● Post historia.
 ● Libertad absoluta.
● Pluralismo y nomadismo (el arte va cambiando, mudando).
En la contemporaneidad se empiezan a multiplicar las formas de hacer arte, ya que no hay un
discurso que diga o explique que es arte y que no es.
El arte se caracteriza por la pluralidad de experimentación (arte en cualquier cosa y con
cualquier elemento). Acá lo que interesa es pensar al arte de una manera diferente, no interesa
crear una nueva técnica o hacer arte nuevo, el arte no depende de la apariencia. En la
contemporaneidad hay el concepto que formulamos (producimos) sobre ese concepto que es
el arte.

Post modernidad/vanguardia: el arte contemporáneo

El arte contemporáneo nos pone en la encrucijada de saber o no si estamos en una obra de
arte. ¿Qué es arte hoy? Es el objeto (la obra, ej. un mijitorio) o es el contexto (museo), lo que
dice que es arte y no es arte hoy en día.
En el arte contemporáneo hay una diversidad de materiales, ya no nos basamos en el mármol,
en la pintura, en la arcilla, etc.
Estilos de arte contemporáneo
● Performance: dentro de estas ej. hay personas “como arte” se hacen tajos en su piel, o
se clavan cosas o usan vestimenta llena de agujas donde el mínimo movimiento le
provoca dolor.
● Instalación: dentro de estas encontramos diversas manifestaciones artísticas donde el
espectador es parte de la misma, ej. sillas, mesa, lámparas colgadas desde l techo del
museo.
● Diferentes danzas: donde el artista responde al arte con el mismo cuerpo, ej. el profesor
Perrone en la obra de teatro.
¿Todo esto es arte? Esa es la pregunta que se abre, ¿Quién que es arte y que no es arte? Las
manifestaciones artísticas son expresiones, y las expresiones son arte.
El arte es la expresión vista desde el romanticismo, el romanticismo planteaba la
experimentación con sí mismo, desde ahí se sostiene que el arte es una expresión.
El arte contemporáneo no busca romper nada, porque todo ya está roto, no busca indagar, el
arte contemporáneo es un arte “de fragmentación continua”.
En la contemporaneidad se rompen los ​metarelatos​ (son los discursos reveladores que dicen
que es arte y que no es arte), hasta antes de la post modernidad estos metarelatos
normatizaban al arte, definían al arte en sus diferentes estilos, materiales, etc. Hoy en la
actualidad el arte post moderno, nace que estemos parados en una “visión paradigmática”
sobre las obras de arte, ya que esta forma de expresarse que tienen los artistas abrió un
paradigma individual, subjetivo, activo en los espectadores de ese arte.

Ranciere (1940),​ francés, filósofo.

Estética:
● Régimen de identificación del arte.
● Visibilizacion de lo Irrepresentable.
● Sensorium (sensación).

Político:​ ​reparto de lo sensible.

Régimen​: es un conjunto de normas y reglas que guían o determinan, en este caso al arte.
● Ético
● Poético
● Estético

Para Ranciere, ​la estética​ es un régimen de identificación del arte. El piensa que el arte y la
política, se mueven en la sensibilidad, en un ​sensorium​, es lo concreto, eso concreto tiene que
ver con la política, por eso para él, el arte y la política son un continuo.
Ranciere está pensando una política despolitizada, dice que la estética y la política operan “​en
un reparto de lo sensible​” (reparto: nociones, función, espacios que tienen tiempos cada uno).
Desde el punto de vista del autor el artista antes tenía una función activa, y el espectador una
función más pasiva.
Plantea que el artista tiene una verdad para instruir al “ignorante” (espectador), donde los
espectadores necesitan una instrucción y esa instrucción se las da el artista.
En la contemporaneidad la obra de arte en si misma adquiere otro estatus. Ranciere dice que es
un reparto de lo sensible, donde los espectadores tienen sus propias herramientas y con ellas
pueden poner algo sobre la obra de arte.
En la contemporaneidad según el autor el público propone sus propias interpretaciones sobre
la obra.
En este nuevo “reparto de lo sensible”, la idea es que el espectador adquiera una
emancipación, donde la obra de arte se manifiesta como un vehículo para que cada espectador
se la reapropie como quiera.
Ranciere dice que la obra de arte en la contemporaneidad permite la “visualización de lo
irrepresentable”, acá se permite que lo insensorio se active por medio de la subjetividad de
cada espectador, el publico activa sobre la obra de arte su subjetividad, el arte se individualiza.
En la contemporaneidad, el arte, rompe las “representaciones”, el arte se vuelve más político
en el sentido que hace una inclusión de lo excluido (en relación a todo tipo de manifestación y a
cualquier tipo de materiales que se utilizan para la misma). El arte genera conceptos pensantes,
acción sobre la obra, subjetividad.
Ranciere plantea ​3 regímenes​ en el arte: (estos se pueden dar simultáneos, no de forma tajante
siempre):
● Régimen Ético:​ este régimen resume al arte a la “imagen” donde la imagen al mismo
tiempo se vuelve una especie de ídolo. Acá la imagen “marca mi comportamiento”
respecto a esa imagen.
● Régimen Poético:​ el arte, en este régimen, es independiente, se individualiza, adquiere
su independencia y a la vez empiezan a aparecer las “normas” (las normas son las que
marcan que es artístico, que es correcto y que no es artístico y que es incorrecto). El arte
se normaliza, esta normalización del mismo la ubicamos en la modernidad, donde el arte
era representativo.
● Régimen Estético: ​en este régimen se rompe con el arte representativo del régimen
anterior, acá se rompen las normas y surge la “heterogeneidad”, la potencia de la
heterogeneidad. En este régimen se puede redistribuir lo sensible, lo subjetivo, donde el
espectador ya no es pasivo, el espectador es el emancipado.
Ranciere habla sobre la mirada de dos autores:
● Brecht:​ este autor plantea que el espectador se ​distancie​; propone que desde la obra de
arte hay que hablarle al espectador, plantea una ruptura para que el espectador no se
identificara con la obra que está viendo, sino que se aleje de la misma para poder
pensarla desde otro punto.
● Artaud:​ este plantea que el espectador se ​acerque​, ese acercamiento es en un sentido
más ritual, donde el artista y el espectador se vinculen desde otra esfera. (Ej. de este
estilo de arte es lo que el profesor Perrone hizo en la obra).
Ranciere dice, que estos dos autores hacen una ruptura en la forma de arte y plantean la
“visibilizacion de lo irrepetible”.
Ranciere entiende como ​drama​, a la acción; él dice que el drama implica un movimiento, es la
energía de la performance; dice que hace falta un teatro sin espectadores, donde los
espectadores toman un papel activo y no se dejan seducir por la obra.
Ranciere dice que el ​arte​, es un dispositivo de “reapropiación”, donde el arte, la mirada del
arte, se transmite en ​reacción​; el plantea que la mirada no solo vea, sino que además la mirada
actúe. Donde
el autor de las obras activa, interpreta, acciona.

* Shakespeare, muchos (profesor Fermani) lo interpretan como ​universal, ​dentro de un reparto

de lo ​poético​, de lo especifico, de lo sensible; en cambio otros (profesor Perrone) lo interpretan
desde lo ​singular​, porque permite el régimen e​ stético​ del arte, donde Shakespeare nos dice
hoy, gracias a la singularidad y a nuestra subjetividad.

* ​Mimesis:​ es la “representación” donde la obra de arte es una “copia fiel” (representación) de

la realidad.

Diferentes obras

La epopeya de Gilgamesh
Hace cinco mil años, un rey llamado Gilgamesh gobernó la ciudad mesopotámica de Uruk.
Pronto se convirtió en héroe y dios, y sus gestas lo hicieron protagonista de la primera epopeya
de la historia, centrada en su desesperada búsqueda de la inmortalidad. En ella aparece, por
primera vez, el tema del diluvio universal.
Hace casi cinco mil años, un hombre gobernó ​Uruk​: Gilgamesh. Pronto entró en la leyenda,
convertido en protagonista de la primera epopeya de la historia, un dramático relato sobre la
búsqueda de la inmortalidad. «Aquel que todo lo ha visto, que ha experimentado todas las
emociones, del júbilo a la desesperación, ha recibido la merced de ver dentro del gran misterio,
de los lugares secretos, de los días primeros antes del Diluvio. Ha viajado a los confines del
mundo y ha regresado, exhausto pero entero. Ha grabado sus hazañas en estelas de piedra, ha
vuelto a erigir el sagrado templo de Eanna y las gruesas murallas de Uruk, ciudad con la que
ninguna otra puede compararse».
El escriba Sin-leqi-unnini («Dios Sin, acepta mi plegaria») acaba de trazar estas palabras en
lengua acadia sobre una tablilla de barro fresco. Ahora cierra los ojos, como para ver mejor la
espléndida ​Uruk ​y a ese poderoso héroe que ha viajado hasta los lugares más remotos y cuyas
aventuras se dispone a narrar. Sin-leqi-unnini evoca las portentosas murallas de la ciudad y,
dirigiéndose al lector, se aplica otra vez a escribir: «Mira cómo sus baluartes brillan como cobre
al sol. Busca su piedra angular y, debajo de ella, el cofre de cobre que indica su nombre. Ábrelo.
Levanta su tapa. Saca de él la tablilla de lapislázuli. Lee cómo Gilgamesh todo lo sufrió y todo lo
superó».
Así empieza la primera epopeya de la historia: el Poema de Gilgamesh. Sin-leqi-unnini quizás
escribe hacia 1400 a.C. Pero no es el creador de la obra, aunque su mano le da forma definitiva.
El relato que pone por escrito se hunde en la noche de los tiempos, más de mil años atrás. Hace
aproximadamente unos seis milenios, en lo que hoy es Irak, se extendía la fértil llanura
mesopotámica, atravesada por los ríos Éufrates y Tigris. En el sur de esa llanura, en el país de
Sumer, se levantaba la imponente Uruk (la actual Warka), cuna de su todopoderoso rey
Gilgamesh. Por sus hechos y su fama, este personaje pasó muy pronto a la categoría de mito,
convertido en protagonista de un ciclo de poemas sumerios que cristalizaron en la magna
composición que lleva su nombre. Sabemos que hacia 2700 a.C. existió un personaje, llamado
Bilgames -luego escrito Gilgamesh-, que los más antiguos textos en escritura cuneiforme sitúan
en Kullab, un barrio de Uruk, en calidad de sacerdote-rey. Gilgamesh también aparece en un
famoso documento, la Lista real sumeria (redactada hacia 1950 a.C.), que atribuye la fundación
de esta ciudad, emplazada en la orilla izquierda del Éufrates, al rey Enmerkar.
De acuerdo con la Lista, Gilgamesh perteneció a la dinastía I de Uruk: fue su quinto soberano,
reinó 126 años y le sucedió su hijo Ur-lugal. A Gilgamesh se le atribuía la construcción de las
poderosas murallas de la ciudad, según menciona una inscripción del rey Anam de Uruk, datada
hacia 1825 a.C., y según recuerda también el Poema. Dichas murallas eran de estructura doble:
una exterior, de la que tan sólo restan trazas en el suelo, y otra interior, de unos 9,5 kilómetros
de longitud y cinco metros de espesor, reforzada con más de 900 torres semicirculares.
Sin-leqi-unnini organizó el Poema en once cantos o tablillas. Este genial sacerdote, exorcista y
escriba enriqueció el poema con otra narración sumeria que se ha hecho famosa: el relato del
Diluvio. Por fin, los escribas asirios del tiempo del rey Assurbanipal, en el siglo VII a.C., dieron al
texto su forma canónica, añadiéndole la tablilla que hoy es la última. Esta versión fue archivada
en la biblioteca del palacio del rey, en Nínive, descubierta en 1853 y cuyos materiales fueron
enviados a Londres. Allí, en 1872, el joven investigador George Smith logró traducir las tablillas
y fragmentos del Poema de Gilgamesh.
A lo largo de las doce tablillas del Poema se perfila a Gilgamesh como un héroe mítico, de 5,60
metros de altura -el doble que el bíblico gigante Goliat-, compuesto en sus dos terceras partes
de esencia divina, puesto que era hijo de Lugalbanda y de la diosa Ninsun, y que habla y se
mueve entre los dioses como uno más de ellos. Dos serán las premisas de su actuación: la
búsqueda de la gloria, que intentará alcanzar junto a su amigo Enkidu (episodios narrados en
las seis primeras tablillas), y, sobre todo, la búsqueda de la inmortalidad, que tiene lugar en un
contexto narrativo sombrío, caracterizado por la soledad y el temor a la muerte (de la tabilla
séptima a la decimoprimera). A todo ello se añadió la doceava y última tablilla referida al Más
Allá, sin conexión con el relato anterior, pero que permite a Gilgamesh ver el mundo que le
espera tras su muerte.

Antígona (Sófocles)
Es el título de una ​tragedia​ de ​Sófocles​, basada en el mito de ​Antígona​ y representada por
primera vez en​442 a. C.
En ​Antígona​ se enfrentan dos nociones del deber: la familiar, caracterizada por el respeto a las
normas religiosas y que representa Antígona, y la civil, caracterizada por el cumplimiento de las
leyes del Estado y representada por Creonte. Además se establece una oposición entre el modo
en que las dos hermanas, Antígona e Ismene, se enfrentan a un mismo problema
Personajes:
● Antígona​: hija del rey Edipo.
● Ismene​: hija de Edipo.
● Hemón​: hijo de Creonte y Eurídice
● Creonte​: rey de Tebas, tío de Antígona, Ismene y Polinices.
● Coro​ de los ancianos de Tebas (también representa la voz del pueblo).
● Guardián.
● Tiresias​: adivino anciano, ciego.
● Eurídice​: reina, esposa de Creonte, madre de Hemón.
 ● Mensajero​.
● Corifeo​.
Espacios físicos:
● El ​Palacio de Tebas​: Palacio donde el rey Creonte vive y gobierna, de majestuoso
tamaño y riqueza. En este lugar también vive Hemón, hijo de Creonte, y ahí se reúnen
los consejeros del rey.
● Afueras de la ciudad de Tebas​: sitio donde tiene lugar la batalla y donde el cuerpo de
Polinices yace sin sepultura ni honores hasta que Antígona desobedece la ley y entierra
su cuerpo.
● Plaza pública​: Este es el lugar donde Antígona planea sepultar el cuerpo de su hermano
y es donde el mensajero le dice a la gente lo que le pasa a su rey Creonte.
● La ​cueva de Tebas​: Aquí es donde Antígona es condenada a permanecer por haber
desobedecido la ley. Ella se mata y, al enterarse Hemón, muere junto a ella.
Contexto:
El difunto rey de ​Tebas​, ​Edipo​, tuvo dos hijos varones: P
​ olinices​ (hijo de Edipo y Yocasta, reyes
de Tebas) y ​Eteocles​. Ambos acordaron turnarse anualmente en el trono tebano, pero, tras el
primer año, Eteocles no quiso ceder el turno a su hermano, por lo que el primero llevó un
ejército foráneo contra Tebas. Los hermanos se dieron muerte mutuamente, pero fueron los
defensores de Tebas los que vencieron en el combate.
Prohibición de sepultar a Polinices
Antígona, hija de Edipo, cuenta a su hermana Ismene que ​Creonte​, actual rey de Tebas, impone
la prohibición de hacer ritos fúnebres al cuerpo de Polinices, como castigo ejemplar por traición
a su patria. Antígona pide a Ismene que le ayude a honrar el cadáver de su hermano, pese a la
prohibición de Creonte. Esta se niega por temor a las consecuencias de quebrantar la ley.
Antígona reprocha a su hermana su actitud y decide seguir con su plan.
Antígona desobedece la ley
Creonte anuncia ante el coro de ancianos su disposición sobre Polinices, y el coro se
compromete a respetar la ley. Posteriormente, un guardián anuncia que Polinices ha sido
enterrado, sin que ningún guardián supiera quién ha realizado esa acción. El coro de ancianos
cree que los dioses han intervenido para resolver el conflicto de leyes, pero Creonte amenaza
con pagar menos a los guardianes porque cree que alguien los ha sobornado. El cuerpo de
Polinices es desenterrado. Pronto se descubre que Antígona era quien había enterrado al
cuerpo, pues intenta una vez más enterrar al cuerpo y realizar los ritos funerarios, pero es
capturada por los centinelas. Antígona es llevada ante Creonte y explica que ha desobedecido
porque las leyes humanas no pueden prevalecer sobre las divinas. Además se muestra
orgullosa de ello y no teme las consecuencias. Creonte la increpa por su acción, sospecha que
su hermana Ismene también está implicada y, a pesar del parentesco que lo une a ellas, se
dispone a condenarlas a muerte.
Ismene, llamada a presencia de Creonte, a pesar de que no ha desobedecido la ley, desea
compartir el destino con su hermana y se confiesa también culpable. Sin embargo, Antígona,
resentida contra ella porque ha preferido respetar la ley promulgada por el rey, se niega a que
Ismene muera con ella. Finalmente, es sólo Antígona la condenada a muerte. Será encerrada
viva en una tumba excavada en roca.
Antígona frente a la muerte
El hijo de Creonte, ​Hemón​, se ve perjudicado por la decisión de su padre, ya que Antígona es su
prometida. Señala a su padre que el pueblo tebano no cree que Antígona merezca la condena a
muerte y pide que la perdone. Creonte se niega a ello y manda traer a Antígona para que
muera en presencia de su hijo. Hemón se niega a verla y sale precipitadamente.
Antígona va camino a su muerte y, si bien no se arrepiente de su acción, ha perdido la altivez y
resolución que mostraba antes, al dar muestras de temor ante su muerte. La humanización de
Antígona resalta el dramatismo del momento.
Intervención de Tiresias
El adivino ​Tiresias​ interviene en ese momento para señalar a Creonte que las aves y los perros
arrancan trozos del cadáver de Polinices y los dejan en los altares y los hogares, señal de que
los dioses muestran señales de cólera. Acusa a Creonte de imprudente y vaticina que alguien de
la sangre de Creonte pagará sus errores con su muerte. El coro de ancianos también aconseja al
rey que cambie de actitud. Creonte, ante las profecías de Tiresias, cede y se dispone a rectificar
sus faltas.

Muerte de Hemón y de Eurídice

Un mensajero explica a Eurídice, la esposa de Creonte, cómo su esposo, tras suplicar perdón a
los dioses, lavó y honró el cadáver de Polinices, erigiéndole un túmulo funerario. A continuación
se disponía, juntos con los guardianes, a liberar a Antígona del sepulcro donde había sido
encerrada, pero ésta fue hallada ahorcada y Hemón se había suicidado clavándose una espada
tras encontrar a su prometida muerta. Quedó abrazado a ella mientras moría.
Creonte aún tiene que soportar otra desgracia más, pues al volver a palacio con su hijo muerto
en brazos, es informado de que su esposa Eurídice también se ha suicidado al conocer las
noticias por un mensajero.
El coro finaliza con un llamamiento a obrar con prudencia y respetar las leyes divinas.

Resumen de la Tragedia:
La tragedia comienza en el amanecer del día siguiente del final de la guerra, el día en el que los
dos hijos de Edipo, Polinices que ha conducido el ejército de los argivos contra Tebas, y Eteocles
que la ha defendido, se han dado muerte mutuamente. Son las dos hijas de Edipo las que están
en escena. Antígona pide a su hermana Ismene que la ayude a enterrar a Polinices,
contraviniendo el mandato de Creonte, que ha ordenado que, como castigo al traidor, su
cadáver quede insepulto. Pero ésta, alegando que de siempre había sido una persona temerosa
e indecisa, no le prestó su ayuda y cuando le prometió no decirle nada a nadie, Antígona
insistió en que no se lo callara.
La llegada del Coro, formado por ancianos y nobles tebanos, trae el saludo al nuevo día, el día
de la victoria y, sobre todo, de la paz tras los horrores de la guerra. Han sido llamados por el
nuevo gobernante aunque aún no saben la razón.
Hace su aparición Creonte y, antes de anunciar su primera disposición, expresa su confianza en
que esos nobles y ancianos tebanos le sirvan a él con la misma fidelidad que ya mostraron a
Layo y Edipo, sus antecesores. Es entonces cuando anuncia su prohibición de que se cumpla
con el sagrado deber de enterrar a Polinices, el “hermano traidor” y que, en cambio, a Eteocles
le rindan homenaje como defensor de la ciudad. El coro es consciente de la gravedad de esa
ley, de lo que supone de atentado contra las leyes religiosas, pero, a fin de cuentas, están
sujetos también a esa orden y están convencidos de que nadie sacrificaría su propia vida por
contravenirla.
Sin embargo, están equivocados, como muestra la llegada de uno de los soldados encargados
de vigilar el cadáver de Polinices para anunciar que alguien ha contravenido la ley y ha realizado
ritos funerarios en su honor.
Más tarde los guardias traen detenida a Antígona, porque ha sido ella la que ha violado esas
leyes para mantenerse fiel al deber sagrado debido a los muertos. Creonte le preguntó si era
ella quien había cubierto el cuerpo de Polinices y afirmó q sí, que había sido ella y nadie más;
pero Creonte no la creyó y pensó que Ismere tenía algo que ver, pues la había visto muy
inquieta y mandó traerla a su presencia. Ismere había cambiado de idea, y sin haber participado
en los hechos le dijo a su tío Creonte que ella había ayudado a Antígona.
Tras mandar a ambas a una celda, aparece Hemón, hijo de Creonte y prometido de Antígona. La
intransigencia de Creonte se convierte ya en ceguera, porque es incapaz de percibir que su
condena a Antígona alcanzaría también a Hemón, lo que el Coro señala como algo que podría
afectar al futuro del reino a través de su heredero, ya que son dos ahora las muertes que esa
inflexible orden de Creonte puede causar. Pero nada hace cambiar la opinión del gobernante
que decide dejar en libertad a Ismere mientras que a Antígona la iba a dejar abandonada en
una cueva con un poco de comida, la iba a enterrar en vida, para que así “su muerte no
salpicara a la ciudad”.
La entrada de Antígona, camino de su mortal destino, nos la muestra cambiada. Ha perdido su
altivez y la seguridad inicial. Increpada por Creonte y abandonada por todos, incluso por el
Coro, su monólogo de despedida no es un canto de triunfo, sino de tristeza, nostalgia y
desolación. De abandono frente a un deber con el que ha cargado en soledad y que no
emprende ya con la altivez del triunfo.
La llegada del anciano Tiresias anunciando negros presagios llena a Creonte de inquietud. En un
principio se niega a aceptar su error, pero su seguridad se desmorona y, atemorizado, intenta
evitar que se cumpla la condena de Antígona.
Pero cuando llegó adonde se encontraba ésta, vio como estaba ahorcada y como agarrado a su
cintura estaba su hijo Hemón, que había cargado su espada contra él, se la había clavado en el
pecho, y en consecuencia había muerto. Volviendo a su palacio, con su hijo en brazos,
encuentra que su esposa, Eurídice, no había podido soportar la muerte de Hemón y también
ella decidió quitarse la vida.
Éste es el papel que le queda a Creonte. Por haber castigado a su sobrina, pues ésta había dado
sepultura a Polinices, después de que éste muriera en combate contra su ciudad natal, Tebas, y
de la que es Creonte el máximo representante, su hijo y heredero, Hemón, y su esposa,
Eurídice, habían muerto. Tuvieron que morir muchas personas para que al final de la obra y sin
remedio, Creonte se diera cuenta de su gran error, de que una persona, por mucho poder
político que tenga, siempre está por debajo de los dioses y de las leyes “escritas” por ellos.
Personajes:
Antígona​: Es la protagonista indiscutible de la obra. Desde el principio tiene muy claro lo que
tiene que hacer y lo que debe hacer, pasando si hace falta por encima de los edictos del Rey de
Tebas, su tío Creonte. Es consciente del peligro que corre, al querer dar sepultura a su hermano
Polinices, pero ella antepone la necesidad de no fallar a sus antepasados a su propia vida. Ella
dice llevarse por las leyes marcadas por los dioses, y no cree que ningún mortal pueda tener
tanto poder como para anteponerse a los dioses: “No era Zeus quien imponía tales órdenes, ni
es la Justicia, que tiene su trono con los dioses de allá abajo, la que ha dictado tales leyes a los
hombres, ni creí que tus bandos habían de tener tanta fuerza que habías tú, mortal, de
prevalecer por encima de las leyes no escritas e inquebrantables de los dioses. Que no son de
hoy ni de ayer, sino que viven en todos los tiempos y nadie sabe cuándo aparecieron. No iba yo
a incurrir en la ira de los dioses violando esas leyes por temor a los caprichos de hombre
alguno[...]Así que a mí, al menos, sucumbir en este lance no me duele mucho ni poco: el que el
hijo de mi misma madre una vez muerto quedase insepulto, eso es lo que me dolería. Lo demás
a mí no me duele. Y si te parece que es locura lo que hago, quizás parezco loca a quien es un
loco” Antes de que sea abandonada en la cueva, cuando la llevan de vuelta al palacio, Antígona
parece haber cambiado y comienza a sentirse sola ante su muerte: “Sin llantos, sin amigos, sin
himeneos, me llevan ya, triste de mí, a este viaje inevitable. Jamás me será dado ya,
desventurada, ver el sagrado ojo del día; y mi muerte, muerte sin llantos, ningún ser amigo la
llora” Al final, como Creonte, es castigada, pero con menos crueldad que a éste, ya que Sófocles
castiga su dogmaticidad, pero no sus ideas, que probablemente comparte con el autor. Su
muerte acarrea la muerte de Hemón, y la de éste conlleva la de su madre, Eurídice.

Creonte​: Es el Rey de Tebas, padre de Hemón y tío de Antígona, Ismere, Polinices y Eteocles.
Cree tener la razón cuando determina que Polinices no debe recibir sepultura, ya que ha
luchado contra su ciudad natal, pero no piensa en las consecuencias que puede traerle esa
decisión. Es un hombre soberbio, y el poder no le deja ver más allá de sus narices:”...y quien se
propase a faltar las leyes o pretenda imponer las suyas a la autoridad, este tal no será quien
escuche alabanzas mías. Al que la ciudad ha colocado en el trono, a ése hay que obedecerle, en
lo pequeño y en lo justo y en lo que no lo es” “¿Y la ciudad va a dictarme a mí lo que yo tengo
que mandar?”, también es tremendamente machista: “...Que a mí, mientras viva, no me
domina una mujer”
Solo se muestra indeciso cuando su adivino, Tiresias, le advierte de las consecuencias que
puede traer su decisión, aunque en un principio tampoco le hace caso. Al final, y tras los
vaticinios de Tiresias, decide ir él mismo a salvar a Antígona: “Me voy yo mismo, así, sin más [...]
Que yo, pues éste es el consejo que he tomado, yo lo he hecho, yo lo tengo que deshacer por
mí mismo. Me voy temiendo que es lo mejor llegar al fin de la vida respetando las leyes
establecidas” Ahí comienza a darse cuenta de sus errores, pero no será hasta el final de la obra,
cuando encuentre a su hijo y a su mujer muertos, cuando se dé cuenta de que ha excedido sus
limitaciones, y que se ha visto sobrepasado por el poder: “¡Ay de mí! A nadie, a nadie sino a mí
se culpe jamás de este crimen. Yo te he muerto, hijo; yo, desdichado, lo confieso abiertamente.
Sacadme de aquí, ¡oh siervos!, cuanto antes; sacadme fuera; yo ya no existo, yo ya no soy”.
Sófocles le castiga duramente, ya que él se decanta claramente por “las leyes no escritas”, las
leyes divinas.

Ismere:​ Es la hermana de Antígona, Polinices y Eteocles la sobrina de Creonte. Al principio se

escandaliza cuando su hermana le cuenta sus planes para poder enterrar a Polinices, le dice
que está loca y decide no prestarle su ayuda: “... Y ahora a nosotras dos, solas como hemos
quedado, ¿qué muerte más atroz no nos espera, dime, si, a despecho de la ley, desafiamos los
edictos y el poder del tirano? [...] Yo al menos pediré a los muertos que me lo dispensen,
porque cedo ante el poder y acataré la autoridad constituida. Entremeterse demasiado es falta
de juicio” Además es un personaje tremendamente obediente para con su tío, para con el Rey
de Tebas.
Cuando es llamada por Creonte a su presencia, ésta admite haber tenido que ver con la
sepultura de Polinices: “Mío es el hecho, si ésta me lo consiente; tengo parte en la culpa, cargo
con ella”, lo que Antígona se niega a oír. Al final de la obra, es uno de los pocos personajes que
no muere.

Hemón:​ Es el hijo de Creonte y el prometido de Antígona. AL principio de su aparición se

muestra muy obediente con su padre y con la decisión tomada por éste: “Padre, tuyo soy. Tú
me guíes dictando buenos consejos, que yo lo seguiré. No hay para mí bodas ni partido más
aceptable que tu sabia dirección” Pero intenta convencerle de que se está equivocando, y de
que todo el pueblo está en contra suya:”... con todo, también otros pueden tener un buen
pensamiento. A mí me toca naturalmente observar qué es lo que dicen por ahí o hacen o
censuran de tus cosas, porque al ciudadano sencillo le infunde demasiado respeto tu presencia
para poder decirte cosas que te han de irritar con sólo oírlas. A mí, en cambio, me es dado
escuchar en la sombra como llora toda la ciudad a esta doncella, porque siendo la que menos lo
merece de todas las mujeres, mueren afrentosamente en pago de acciones las más nobles,
porque no consintió que su hermano muerto en la guerra quedara insepulto, pasto de perros
carniceros o de alguna ave de rapiña. ¿No es tal mujer digna de dorada recompensa?[...]No
vivas casado con tu propia opinión, aferrado en que como tú las dices así son las cosas y nada
más[...]Por más sabio que sea, nunca es humillante para un hombre el aprender en muchos
casos de otros y el no aferrarse en demasía”. En último lugar, pasa de la obediencia a la
discusión con su padre, en la que intenta convencer a su padre de que ha perdido la razón y
que el asunto se le está escapando de las manos. Su aparición termina con estas palabras a su
padre, que quería matar a Antígona delante de él, por su irreverencia: “¡Cerca de mí no! No lo
creas, no; ni ella muere junto a mí, ni tú vuelves a ver mi cara con tus ojos; pasea tu frenesí
entre aquellos de los tuyos que te quieran aguantar” Al final de la obra, se marcha dónde está
encerrada su amada y con su espada se quita la vida, agarrándose, con su último aliento de vida
a Antígona.

Tiresias:​ es un invidente, anciano y adivino de Creonte: “Príncipes de Tebas, dos venimos juntos
acá con la vista de uno solo; pues así son los viajes de los ciegos, de la mano de un guía” Es el
protagonista que únicamente hace cambiar de opinión a Creonte, aunque no desde el principio
de su intervención, y le avisa de las desgracias que puede sufrir por sus decisiones sumamente
prepotentes y dogmáticas: “Y tú ten por muy cierto que no han de cumplirse ya muchas vueltas
del sol en su veloz carrera sin que tú mismo veas entregado, muerto por muerto, a un hijo de tu
propia sangre; porque tienes echado al mundo de abajo a quien es del de arriba, encerrando
indignamente a un vivo en una tumba, y retienes aquí a un cadáver, posesión de los dioses
infernales, sin sepulcro, sin exequias, sin respeto. Todos son atropellos cometidos por ti [...]
Pasará un tiempo, nada largo, y llenarán tu propio palacio lamentos de hombre y lamentos de
mujeres...” Esta intervención produce un cambio radical en el comportamiento de Creonte.

Corifeo:​ Es el presidente del Coro de ancianos de Tebas. Representa la máxima autoridad

después del Rey y se muestra muy cuidadoso a la hora de hablar con éste.
Desde el principio sabe las consecuencias que puede traer la decisión tomada por Creonte,
pero no se atreve a decírselo directamente, solo parece dispuesto cuando, después de los
vaticinios de Tiresias, Creonte parece que ya ha entrado en razón: “Rey, se ha ido el hombre;
misteriosos vaticinios ha pronunciado; desde que voy dejando blanco este cabello, antes negro,
nos consta que jamás dictó profecías falsas a nuestro pueblo”
Es el personaje que recomienda a Creonte que deje libre a Antígona, y que entierre a Polinices:
“Ve, y a la niña líbrala de aquella lóbrega morada, y al muerto ábrele una tumba”.

Medea (Eurípides)
Es una ​tragedia​ de ​Eurípides​. Se representó en el primer año de la ​Olimpiada​ (​431 a. C.​), y
formaba parte de una ​tetralogía​ con las tragedias y el ​drama satírico​ ​.

Índice
● 1Marco mítico
● 2Personajes
● 3Argumento
● 4Análisis de la obra
● 5Véase también
● 6Notas y referencias
● 7Enlaces externos

Marco mítico
La tragedia ​Medea​ trata de la conocida historia de ​Jasón​ tras las aventuras que lo llevaron a
conquistar el ​vellocino de oro​, trabajo impuesto por su tío ​Pelias​. Jasón, tras el trabajo, se casó
con ​Medea​ y tuvo un hijo en ​Yolcos​.
Para hacerse con el poder en Yolcos, ​Pelias​ había matado a ​Esón​, padre de Jasón. A la muerte
de Pelias, Jasón ha de abandonar Yolcos y huir con ​Medea​ y su hijo ​Mérmero​. En la muerte
de ​Pelias​ estaba implicada Medea, que había engañado a las hijas de él para que lo mataran.
Por este motivo, Jasón y Medea han de huir de Yolcos. Arriban a ​Corinto​, donde reina ​Creonte​ y
transcurre la historia contada en la tragedia.

Personajes
● Nodriza
 ● Pedagogo
● Medea
● Creonte
● Hijos de Medea
● Jasón
● Coro de mujeres
● Egeo
● Mensajero

Argumento
Jasón, esposo de Medea, se promete en matrimonio a ​Glauce​ , hija del rey Creonte de Corinto,
ante el espanto de Medea, que ve su lecho deshonrado.
Creonte, que había planeado el matrimonio, ante el temor de que Medea, sabia y hábil se
vengue, ordena su destierro inmediato.
Pero Medea, fingiéndose sumisa, pide un solo día de plazo para salir al destierro. Ese plazo lo
aprovecha para realizar unos presentes a Glauce: una corona de oro y un ​peplo​ ​que causan la
muerte por el simple contacto. Glauce muere de forma horrible:
No se distinguía la expresión de sus ojos ni su bello rostro, la sangre caía desde lo alto de su
cabeza confundida con el fuego, y las carnes se desprendían de sus huesos, como lágrimas de
pino, bajo los invisibles dientes del veneno.
Tras perpetrar ese horrible asesinato, Medea mata a sus propios hijos.
Termina la obra con Medea subida en el carro de ​Helios​, ​con quien ya tenía pactada su huida a
Atenas, para evitar las iras de la familia de Creonte y de su propio marido Jasón.
Desde el carro de Helios, Medea increpa a Jasón:
¡Oh niños, cómo habéis perecido por la locura de vuestro padre!
Jasón replica:
Pero no los destruyó mi mano derecha.
Medea responde:
No, sino tú ultraje y tú reciente boda.

Análisis de la obra
Según los críticos, es una de las mejores obras de Eurípides.
Eurípides alza la figura femenina de forma extraordinaria. Medea es formidable, sabía, fuerte,
hábil, luchadora y por ello es amada por unos, pero respetada y temida por todos.
Eurípides exalta los valores femeninos y defiende la condición femenina. Medea describe en la
obra esta condición:
De todo lo que tiene la vida y pensamiento, nosotras las mujeres, somos el ser más
desgraciado. Empezamos por tener que comprar un esposo con dispendio de riquezas y tomar
un amo de nuestro cuerpo, y éste es el peor de los males. Y la prueba decisiva reside en tomar
a uno malo o a uno bueno. A las mujeres no les da buena fama la separación del marido y
tampoco les es posible repudiarlo.
(En el siglo V sí podía divorciarse con el patrocinio del arconte, aunque las desprestigiaba).
Y si nuestro esfuerzo se ve coronado por el éxito, y nuestro esposo convive con nosotras sin
aplicarnos el yugo por la fuerza, nuestra vida es envidiable, pero si no, mejor es morir.
Dicen que vivimos en la casa una vida exenta de peligros, mientras ellos luchan con la lanza.
Necios. Preferiría tres veces estar a pie firme con el escudo que enfrentarme al parto una sola
vez.
Una mujer suele estar llena de temor y es cobarde, para contemplar la lucha y el hierro, pero
cuando ve lesionados los derechos de su lecho, no hay otra mente más asesina.
El coro exclama ante el trato que de la sociedad griega recibía la mujer:
Pero lo que se dice de la condición de la mujer cambiará hasta conseguir buena fama, y el
prestigio está a punto de alcanzar al límite femenino; una fama injuriosa no pesará ya sobre las
mujeres.
Eurípides​, ​conocedor de todas las corrientes filosóficas de su tiempo, avisa ya de un problema
que es actualidad en nuestros días: la separación entre la sabiduría y el poder social. Y hace
exclamar a Medea: Si eres considerado superior, por poseer conocimientos variados, parecerás
a la ciudad persona molesta.
En esta obra existe una acerba crítica a los ​sofistas​, ​por poseer conocimientos y utilizarlos en
beneficios distintos de la justicia.

Macbeth (Shakespeare)
Estructura externa de la obra:​
Primer acto acto:​ 7 escenas
Segundo​ 5 escenas
Tercer acto:​ 6 escenas
Cuarto acto:​ 3 escenas
Quinto acto:​ 9 escenas

Lugar donde se desarrolla la obra:​

La escena tiene lugar en Escocia, desarrollándose sólo una parte del cuarto acto en Inglaterra.

Resumen:
La tragedia, puede ser dividida en cinco partes:
• ​La tentación:​ Macbeth, un general del ejército escocés, y el también general Banquo, tras
venir victoriosos de una sublevación, encontraron a tres brujas. Estas, le vaticinaron hechos que
ocurrirían en su futuro más reciente: Macbeth recibiría los títulos de Barón de Glamis y Barón
de Cawdor, hecho que se sucede, tras enterarse Duncan de su victoria en la batalla. También le
predicen que llegará a ser rey. Por su parte, Banquo, tras insistir en que le revelaran algo,
escuchó que sus descendientes accederían al trono también.
• ​La conspiración:​ Macbeth al llegar a su castillo, le cuenta lo sucedido a su esposa, y ambos,
deciden asesinar a Duncan para así, ver como la predicción de las brujas de ser rey llega a fin. El
rey, tras haberse auto invitado para honrar al glorioso Macbeth, llega a su casa y es entonces,
cuando éste duda de realizar tan macabro asesinato. Lady Macbeth duda de su poco honor y
hombría por lo que Macbeth se retracta y decide por acabar lo que ya habían planeado.
• ​La ejecución​: Tras dar vino en exceso a los criados, Macbeth llevó a cabo la matanza.
Eclipsado por tan horrible suceso e inundado de arrepentimiento, se siente incapaz de
reaccionar siendo Lady Macbeth quien le arrebata de sus manos los puñales y los coloca en
manos de los criados que se encuentran dormidos y a los que también unta de sangre del rey.
• ​El arrepentimiento:​ Al ser pública la noticia, los hijos del rey, Malcolm y Donalbain deciden
huir a Inglaterra e Irlanda respectivamente, por lo que se convierten así en los principales
sospechosos. De este modo, se cumple la tercera revelación de las brujas. Ahora la principal
preocupación de Macbeth es que los hijos de Banquo pasasen a ocupar el trono, según las
profecías de las brujas. Por ello, decide contratar a unos asesinos a sueldo para que acabaran
con Banquo y su hijo Fleance. Sólo consiguen matar al primero mientras que Fleance prometía
venganza a la vez que escapaba. Al enterarse Macbeth, cuando daba una cena a los nobles por
su reciente coronación, vivió momentos de locura, los que Lady Macbeth disculpó, alegando
que eran crisis que le ocurrían con relativa frecuencia. Pronto, se reunió nuevamente con las
brujas que esta vez le dijeron que no sería vencido hasta que el bosque de Birnam no subiera
hasta Dunsinane, que tuviera cuidado con Mascduff y que nadie nacido de mujer le haría daño.
Macbeth quiere saber mas, por lo que las brujas le muestran una imagen de ocho reyes
descendientes de Banquo, algo que lo llena de cólera.
• ​La venganza​: El protagonista, manda matar a la familia de Macduff, hecho que sucedió
mientras el propio Macduff, huía a Inglaterra. Allí se encuentra con Malcolm, y ambos deciden
vengar las muertes de sus familiares, con la ayuda del rey de Inglaterra. Por otra parte, Lady
Macbeth estaba cada vez más enferma; sufría fuertes pesadillas en las que declaraba que tenía
las manos manchadas de sangre. Tras fuertes gritos, a Macbeth se le comunicó la muerte de
esta. Se especulaba que se suicidó. Finalmente, al ejército ingles se le unió él ejercito de
Macbeth, cuyos hombres no le fueron fieles y lucharon contra Macbeth. Ya sin el respaldo de
sus hombres, Macbeth es vencido por Macduff (quien era hijo no nacido de mujer, es decir, el
fue sacado del cuerpo de su madre muerta). Quedando así nombrado rey, en Scone, Malcom.

Personajes:​
Macbeth:​ es un general del ejército de Escocia que es fiel a su rey y buena persona. Gana la
guerra contra el rey de Noruega y es condecorado. Se puede apreciar claramente un cambio
profundo en su carácter: pasa de ser un hombre bueno y fiel a ser un tirano cruel y despiadado
al que todos odian y traicionan. Pero el cambio no es brusco, sino gradual. Todo empieza
cuando su mujer le incita a matar al rey para ser nombrado él. Al principio duda, pero luego
hace caso a su mujer y lo mata. Esto le causa fuertes remordimientos, pero está ya decidido a
llegar hasta el final. Mata también a uno de sus mejores amigos, Banquo, compañero de guerra
y general también, porque las mismas brujas que predijeron el ascenso de Macbeth predijeron
también que la descendencia de Banquo reinaría en Escocia. Después de matarle vuelven los
remordimientos (empieza a ver fantasmas), pero cada vez que comete un acto terrible como
éste se endurece después más y más volviendo a matar a la familia de Macduff y perdiendo
toda sensibilidad al final de la obra. Junto con dicha sensibilidad pierde también el sentido de
su vida y ya no le importa morir o vivir, sólo acabar con lo empezado. Es duro con sus
subordinados, por lo que estos le odian y le traicionan en el momento de la batalla.
Lady Macbeth:​ es la mujer de Macbeth. Es fría, calculadora y perversa. Es la que incita a
Macbeth a cometer el regicidio y es la que inspira toda la historia, pero también sufre una
transformación gradual a lo largo de la obra hasta llegar al suicidio. Empieza siendo la que
critica a Macbeth por sus remordimientos, pero poco a poco se va ablandando con el peso de
su culpa hasta intentar frenar a su esposo y suicidarse.
Banquo: es el contrapunto de Macbeth en la historia. Es también un general pero que sigue fiel
a su verdadero rey y presenta por su fidelidad una grave amenaza para Macbeth, por eso lo
mata. Las brujas le profetizan que será padre de una estirpe de reyes. Tiene un hijo q se llama
Fleance.
Macduff:​ después de la muerte de Banquo es el que lleva las riendas. Tiene un gran carácter y
lidera el ejército inglés junto con Seyward y Malcom. Es la mayor amenaza de Macbeth, así lo
profetizan las brujas, y se cumple, pues es él el <<hombre no nacido de mujer>> del que hablan
y por eso es el único capaz de matarle.
Malcom:​ es hijo de Duncan. Huye a Inglaterra temiendo por su vida y se le toma como culpable
del regicidio. Pero al ver que Macbeth tiraniza a su pueblo, forma un ejército en Inglaterra que,
junto con los nobles escoceses, vence a Macbeth. Es un rey justo, bueno, fiel, sincero.
Duncan:​ es el rey al que Macbeth mata. Confiaba plenamente en él y eso es lo que carcome a
Macbeth durante toda la obra. Era también, como lo sería después su hijo, un buen rey.
Además de Malcolm tenía otro hijo llamado Donalbain, q huyó a Irlanda en el momento de la
muerte de su padre.
Tres brujas:​ son las que mueven toda la historia. Macbeth mata al rey porque ellas le han dicho
que será rey. Luego siguen prediciendo los acontecimientos del reinado de Macbeth hasta su
final.