Universidad de los Andes

Facultad de Humanidades y Educación

Escuela de Educación
Mención básica integral
Cátedra Arte y expresión

Trabajo colectivo:
Técnica Silueta

Animadora pedagógica:
Mariluz Durán
C.I 23.724.898
Asignatura: ARTE Y EXPRESIÓN

Mérida, marzo del 2019

 ÍNDICE

 Introducción
1. Técnica
1.1 silueta
2. Aplicación Formación Estética
2.2 Aplicación visual
3. Texto Creativo
3.1 guión micro de radio
4. Medios de Comunicación
4.1 Medios audiovisuales
5 Artes escénicas
5.1 danza
6. Tratamiento Curricular
6.1 proyectos
7. Tratamiento Pedagógico
7.1 animación pedagógica
8. Sistemas de Inteligencia Aplicada
8. 1 elaboraciones mentales
 Conclusión
 Referencias bibliografías
 Introducción
El arte es una de las expresiones más especiales del ser humano, desde que los primeros
habitantes forjan su Forma de vida exploraron nuevos territorios hemos sido testigos dela
capacidad creadora y creativa del hombre diferentes muestras alrededor del mundo dan
conocer que el hombre siempre desea comunicar algo y para ello existen muchas formas de
hacerlo. El arte implica la música, la danza la pintura, escultura, etc. todas aquellas
expresiones que hacen voltear nuestra mirada darnos cuenta que esa no es una creación
cualquiera. Sino que sólo personas con un don especial realizaron eso :a que no todos
tenemos la habilidad de crear una pintura que se muestra en todos los museos o demostrar
nuestras múltiples habilidades si bien es cierto que tenemos una noción de lo que significa el
arte vale aclarar que los estudiantes también desean crecer teniendo conocimiento de todas
las expresiones, pero muy pocos toman en cuenta un curso que permite tener la capacidad
creativa de los niños se ha demostrado científicamente que el estudio de las Cellas artes desde
edad temprana cultiva en el ser humano una sensibilidad que lo lleva a desarrollar una ética
muy sólida.

En tal dimensión del aprendizaje, los sentidos facilitarían experiencias que desarrollan lo que
se es y mejora lo que se manifiesta, por ende, darían sentido bello a todos los efectos
emergentes. Sería así, que formar desde lo sensible sería generar estadios vivenciales donde
sería posible conectarse, re-unirse consigo mismo y con el universo en cada movimiento
cotidiano. Por ende, educar podría ser comprendido perfectamente como una fragancia del
ser que se emana siempre en la búsqueda del otro ser, en búsqueda del tejido afectivo capaz
de reinventarse cotidianamente en libertad desde tal experiencia colectiva.

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 LA HISTORIA DEL TEATRO DE SOMBRAS

El teatro de sombras siempre ha tenido una vertiente mágico-religiosa que deriva en una
forma de teatro antiquísima nacida en remotas civilizaciones. Surge relacionada con
creencias religiosas, lo sagrado, el alma, la superstición, lo político-social, lo erótico, lo
satírico, etc... Los sacerdotes inventaron el teatro de sombras para representar ante el público
historias de Dioses y héroes que hacían su interpretación del mundo y con las que el público
se identificaba.

EL TEATRO EN ORIENTE

Los orígenes del teatro de sombras se remontan muy lejos en la historia china. Este arte toma
forma durante la dinastía Tang (618-907) y las Cinco Dinastías (907-960) y comenzó a
extenderse por todas las regiones de China bajo la dinastía Song (960-1279).

Según Jac Remise, su nacimiento se sitúa en China, en el siglo II a. C. Cuenta que "el
emperador Wu-Ti estaba desconsolado por haber perdido a su mujer Wang y cayó en una
profunda apatía de la cual no se sobreponía. Sha-Wong, un sacerdote taoísta propuso aparecer
la silueta de su amada esposa y para ello colocó a Wu-Ti ante una tela tendida entre dos
postes y sobre la cual aparecen unas sombras de su amada. Un día Wu-Ti tiró de la tela y
descubrió a Sha-Wong agitando una figura de mujer delante de una lámpara. Comprende la
estratagema y monta en cólera ".

Una vez surgida en China aparece en la India, Tailandia, Camboya, Malasia y Java, y con las
invasiones mongolas se reparten por Persia y Oriente medio. La expansión árabe hará que
esta tradición se extienda por Turquía, el mundo musulmán y Grecia, pero a distinción de los
demás su finalidad era satírica con una intención política y social dentro de un teatro popular.

Tras estudiar el teatro en varios países se comprobó que cada cultura o pueblo les da una
personalidad diferente a las figuras, manipulación, iluminación, representación, narrativa,
etc. Si vemos en los países anteriores lo comprobaremos:

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- China: silueta de unos sesenta centímetros, sujetadas por la cabeza y de gran movilidad, son
traslúcidas, caladas y coloreadas. Se representan pegados a la pantalla.

- India: se realiza de noche al aire libre, las figuras son grandes, translúcidas, articuladas en
sus extremidades y sujetas por una sola varilla desde abajo y enganchada en la cabeza. Están
construidas en piel muy fina y se representan pegados a la pantalla.

- Tailandia: siluetas grandes, de 1,5m a 2m, planas y sin articulaciones. Presentan personajes
o paisajes y escenas completas. Están realizadas en cuero, los personajes pueden ser de dos
tipos: positivos -claros, traslúcidos-, y los negativos - opacos u oscuros-. Actúan delante de
un fuego viéndose tanto la silueta de los actores como la de los personajes.

- Java: Figuras planas realizadas en cuero, aunque también aparecen figuras con volúmenes
dando lugar a distintas sombras de una misma figura. Siluetas estilizadas y muy ricas en
matices. Están sujetas por una varilla vertical que les coge todo el cuerpo y dos varillas a los
brazos de manera que posee articulación. No se usan pegados a la pantalla y el foco de luz
está suspendido desde arriba. El teatro se representa viéndose tanto a los actores como a los
personajes.

- Turquía: Las siluetas se colocan pegadas a la pantalla, se sostiene con una varilla horizontal
al cuello y la otra al único brazo articulado. Son transparentes, de unos 30 cm realizadas con
una cierta tosquedad, caladas y pintadas. Los personajes son siempre los mismos -Karagoz y
Hadjivat-, un albañil y un herrero. La luz no está pegada a la pantalla con lo que consigue
cambios de tamaño.

- Grecia: La luz se encuentra pegada a la pantalla y el actor detrás, aunque la luz proviene de
abajo. Los personajes son similares a los turcos y se manipulan con varillas horizontales. Le
gusta mucho realizar apariciones y desapariciones sorpresivas.

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 EL TEATRO EN OCCIDENTE

Así como en Oriente, el teatro de sombras ha supuesto una realidad cultural constante en
Europa Occidental pero de una manera más restringida. Estos hacen su aparición en Europa
Occidental en el siglo XVIII, aunque los juegos con sombras se dan en Italia desde primero
del s. XVII. En Alemania e Italia aparece a partir de 1760, y en Francia existen dos grandes
períodos: uno a mediados del XVIII (1767), con el teatro Séraphin como divertimento de los
niño/as/as en las tardes de invierno, y el otro, hacia finales del XIX, con el Chat-Noir, donde
cobra mayor auge la técnica y el arte de las sombras. Junto a esto aparece en Europa a finales
del XIX y principios del XX una gran curiosidad por todo lo que suponga fenómenos
luminosos y fantasías de sombras. Aparecen los diagramas tridimensionales y la linterna
mágica. La moda de las sombras se extiende a España a principios del 1800 despertando
afición como espectáculo y actividad privada. En esta última época, cuando el teatro de
sombras había perdido su carácter mágico, fue un espectáculo con una cierta categoría adulta
y concebido para adultos. Hoy en día el teatro de sombras está prácticamente olvidado.

Pasos y materiales para la elaboración de una silueta para el teatro de sombras

 caja de cartón por ejemplo de zapatos

 papel de seda blanco
 cartulina negra
 palitos de brocheta
 tijeras, cúter
 celo
 opcionales: cartulinas, rotuladores

Cómo hacer un teatro de sombras

1. Si usáis una caja de zapatos, solo tendréis que cortar una ventana en el fondo, como vemos en las
imágenes. Si la caja es muy profunda podéis cortarla para que quede de unos 10 o 15 cm. de profundidad
como máximo.

2. Recortamos un rectángulo de papel de seda unos centímetros más grande que la ventana y lo pegamos
por detrás con el celo

3. Si lo deseamos decoramos el teatro con figuras de cartulina pegadas en el borde

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4. Para hacer los títeres, dibujamos las siluetas de los personajes en cartulina negra y recortamos. Al dibujar
tenemos que tener en cuenta que deben ser reconocibles, por lo que conviene dibujar los personajes de
perfil, o de lo contrario calar detalles internos con el cúter, como vemos en el caso de los títeres de Star
Wars en la imagen más abajo.

5. Pegamos los títeres a los palitos de brochetas con un trocito de celo

Para que el teatro de sombras funcione como tal, debemos colocar una fuente de luz por detrás
del teatro, y apagar las luces generales. Si ponemos el teatro al borde de una mesa, los titiriteros
podrán acomodarse por debajo, aunque también podemos pegar los palitos de lado, de manera
que los títeres se puedan manejar desde los lados del teatro.

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También se pueden proyectar las sombras en la pared, apagando las luces generales y
colocando un foco de luz a una cierta distancia. Los títeres se deberán colocar entre la luz y la
pared. Si os gustan estos títeres de Star Wars, podéis descargar las plantillas gratis en el enlace
que está debajo de la imagen.

ELEMENTOS ESENCIALES EN EL TEATRO DE SOMBRAS

Antes de comenzar describiendo cada uno de los elementos del teatro hay que tener en cuenta
que en el teatro de sombras conviene adaptar el número de personajes y las características
del espacio en que se mueven a las posibilidades físicas del local, de la pantalla y del número
de componentes del grupo que vaya a realizar la representación. Para ello es preferible hacer
un guión fijando los criterios que hay que tener en cuenta. Estos criterios son:
- Dimensión de la pantalla: Foco de luz y distancia entre ambos.
- Definición de los personajes: tipo de silueta, articulaciones, materiales realizados, si son en
negro o en color, intervención o no de siluetas corporales.
- Elementos auxiliares: Elementos fijos en la pantalla, elementos móviles aparte de los
personajes, cómo están realizados.
- Elementos proyectados: colores, escenarios proyectados.

- Elementos sonoros: en directo o grabados.

Teniendo en cuenta todos estos elementos hay que saber en qué momento aparece cada
personaje y qué tipo de luces, decorados, sonidos le corresponden, así como la situación de
los actores.

a) La Pantalla:

Las dimensiones de la pantalla van en función del número de participantes y de la utilización

o no de sombras corporales.

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- Si se utiliza en teatro de sombras corporales, la pantalla será grande y que llegue hasta el
suelo -altura 2,5 metros-. Lo más cómodo es una sábana blanca tirante para que no aparezcan
arrugas con la luz. El modo de hacerlo puede ser:

• Entre dos armarios.

• Del armario a la pared.

• Con mesas.

• Colgadas de un listón enrollable.

• Sujetada por un bastidor fijo que puede elevarse al techo.

• Una sábana sujeta a una cuerda proporciona una pantalla muy móvil.

• Pantalla exenta realizada con listones.

• Con tubo rígido de PVC y uniones de fontanería (totalmente desmontable).

• Teatrillo plegable con bastidor de listones.

• Pantalla sobre el marco de una puerta, en la parte de abajo se pone cartón y arriba se pone
tela o papel vegetal fijado con cinta adhesiva.

• Teatro con cajas de cartón -grande y pequeña-, la pantalla con papel vegetal.

- En el caso de teatros con figuras, la pantalla deberá estar un poco elevada para comodidad
de los actores. Un buen tamaño será 1x 0,80 m y 2x 1,20 m, aunque pueden utilizarse
pantallas más pequeñas, para un solo actor.

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b) Foco de luz:

La luz que ilumina la pantalla puede ser de diferentes tipos, dependerá de que sombra nos
interese hacer. Si tenemos una luz difusa o un objeto separado de la pantalla puede dar
sombras con bordes poco claros, apta para la impresión de niebla. Por el contrario, una luz
concentrada y siluetas pegadas a la pantalla dan sombras nítidas y con sensación de claridad
y limpieza.

Las tres fuentes de luz que disponemos son el proyector de diapositivas o cine, los focos y la
bombilla o la vela, cada uno de ellos se pondrá a la distancia que necesitemos para estrechar
la figura, ampliarla, etc. Si vamos a realizar el teatro de sombras corporales, lo aconsejable
será utilizar un foco de 100 a 125 W, este se situará a unos 3,5 metros del centro de la pantalla
y a medida de ahí lo alejaremos, o acercaremos según nos convenga.

c) El Decorado:

Cada decorado va a ir en función del teatro que se realice en ese momento, como hemos visto
antes, cada cultura decoraba el teatro según sus costumbres, también pueden ir acompañados
de cantos, diálogos y los sonidos de gong y tambores para crear gran vivacidad. Los adornos
con respecto a los personajes han ido evolucionando a lo largo de los siglos, teniendo
características particulares en cada región.

En la actualidad, los personajes y objetos de decoración del teatro de sombras chinas forman
parte de la colección de museos en numerosos países.

d) Los Personajes:

Son todos aquellos elementos móviles que arrojan su sombra sobre la pantalla, existen
personajes principales que son los que llevan el peso de la acción, y otros secundarios que
sirven de auxiliares. Los personajes pueden ser antropomórficos o no, pueden ser cualquier
objeto al que demos vida propia por la magia del movimiento -una silla, una nube, una flor…-
. No existen limitaciones a la hora de crear personajes, lo animado y lo inanimado pierden su
frontera y todo es posible. Antes de dar vida a los personajes hay que tener en cuenta:

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- el tamaño: tenemos que tener en cuenta las proporciones a la hora de realizar las siluetas,
porque por ejemplo, no se puede dibujar a un perro más grande que a un niño/a por su
comprensión en la historia; pero suele ocurrir una invalidez en el trabajo de los más pequeños
ya que para ellos las proporciones no suponen un obstáculo para su comprensión fantástica
de las historias.

- El estilo: debe ir en consonancia con el tipo de historia que queremos contar.

En el comienzo de los teatros de sombras, los personajes y los accesorios del teatro estaban
hechos en papel; pero debido a la fragilidad de este material y las dificultades para su
conservación, mantenimiento, movilidad, pronto comenzó a utilizarse como material base el
cuero de caballo, vaca o asno, hasta hoy día que se suele utilizar cartón duro, cartulina,
madera fina, etc...

3. LENGUAJE DEL TEATRO DE SOMBRAS:

El teatro de sombras supone una técnica con tal grado de cercanía entre el autor-actor-
espectador y que sigue despertando tal grado de fantasía que merece la pena volver los ojos
a nuestro pasado y retomar esta vieja forma de expresión; su atracción y el estímulo que
supone para la fantasía su singularidad como técnica hace de las sombras una modalidad
teatral absolutamente válida para el trabajo escolar.

Con tan sólo la silueta del propio cuerpo, las figuras recortadas o cualquier objeto proyectado
sirve para representar el mundo real y estimular la fantasía abriendo el conocimiento de un
mundo irreal. Por ello, las sombras son un vehículo comunicativo, un medio para contar
historias mágicas, misteriosas y fantásticas.

En el teatro de sombras tiene un papel muy importante el lenguaje, ya que a través de sus
representaciones se expresa mucho. Las cualidades de la pantalla -tamaño, textura,
movilidad…-, la situación del teatro -cerrado, abierto, con visión o no de los actores. - y la
música y efectos sonoros constituyen factores a tener en cuenta como parte del lenguaje de
las sombras.

En el teatro podemos dividir el trabajo en dos partes: la primera sería la experimentación de

los niño/as con las sombras y la segunda la representación con sombras.

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1) La experimentación con sombras:

Las primeras sombras que descubre el niño/a son las sombras corporales, estas están
presentes en el niño/a desde que tiene vida propia, el trabajo que debe realizar el niño/a para
experimentar estas sombras es que se familiaricen con ellas y que aprendan a dominarla, es
decir, no dejar que la sombra domine al niño/a. Para ello es necesario que el niño/a se
encuentre cómodo y pueda analizar y establecer relaciones que existen entre la sombra y el
espacio, luz, cuerpo y superficie. Estas son:

- Establecer la relación entre la forma del objeto observado y la forma proyectada.

- Establecer la relación espacial, en cuanto al movimiento, de las sombras propias y objetos,

según la distancia de la luz.

- Identificar en las siluetas la semejanza con otras figuras.

- Descubrir que el tamaño proyectado por un objeto no se corresponde casi nunca con el real
del mismo.

- Utilizar materiales transparentes y opacos para probar el efecto de su silueta sobre la

pantalla.

- Jugar con los términos cerca-lejos para que observen el mayor o menor tamaño de la sombra
que va unido al cambio en la distancia entre el objeto y la luz, o superficie sobre la que se
proyecta.

- Crear efectos de profundidad, por medio de un movimiento. Por ejemplo: un objeto lejano
parece acercarse y al revés. Seleccionar las partes expresivas y ponerlas en primer plano.
Jugar con los tamaños - la cabeza del que habla puede ser mayor que la del personaje que
escucha-; la sombra cambia su forma según sea la superficie sobre la que se proyecta.

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El juego con la silueta del cuerpo tras una pantalla sirve como medio para que aprendan bien
las cualidades y efectos de la sombra y para comenzar a utilizar su potencial expresivo en
escena. También es bueno que ejerciten los movimientos para conseguir nitidez en los
contornos, para que no se tapen unos a otros, desarrollar la expresión gestual, etc.

Para que el niño/a experimente las sombras de una manera divertida es aconsejable que éste
actúe y participe en diferentes juegos de sombras. Estos son:

1. Realizar juegos de identificación: de frente y de perfil.

2. Realizar juegos de imitación gestual.

3. Realizar ejercicios con las manos: sombras chinescas.

4. Escenificación individual o colectiva de personajes, objetos o situaciones.

5. Juegos de disfraces para modificar el perfil con la utilización de objetos.

2) La Representación con sombras:

Se pretende contar una historia y comunicarla al público que comenta y juzga lo observado.
La gran ventaja de ésta técnica es la sencillez que posee, ya que permite con escasos medios
y tiempo de preparación realizar pequeños montajes. El niño/a debe aprender a proyectar la
sombra para ser percibida desde el otro lado de la pantalla, por lo que es necesario que sepa
controlar los movimientos de su cuerpo o de la silueta que maneja.

Es posible representar:

- Mediante sombras corporales, con siluetas de objetos o combinando ambas.

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- Con un solo foco y una pantalla, o con varias fuentes de luz, retroproyector, decorados,
música, efectos especiales, etc.

- Utilizando un espacio amplio - una pantalla-sábana que coja al número de participantes- o

un lugar pequeño - teatrillo tras el que actúa un grupo de personas-.

El proyecto de representar una historia comienza en primer lugar con la parte técnica:
personajes, espacio, luz, decorado, etc. Se inventa el argumento a partir del juego, se crea o
se adapta un texto. Normalmente se pueden crear historias teniendo en cuenta:

- Variación de puntos de vistas, escenificación de la historia desde una perspectiva cómica,

terrorífica, absurda, etc.

- El lenguaje utilizado puede ser sin palabras, dando la intención comunicativa a las formas,
a su movimiento, al gesto, al color, a la música, etc.

- Adaptando una obra teatral o fragmento literario que tenga unidad.

Es necesario procurar que el texto no sea redundante, que no repita lo que ya comunican las
imágenes. Si parte de un escrito, intentar reducirlo a párrafos extractados. Las oraciones no
tienen necesidad de muchas palabras, sino de palabras hermosas.

4. TIPOS DE FIGURAS DE SOMBRAS:

a) FIGURAS O SILUETAS PLANAS:

Son las más habituales en el teatro de sombras ya que ofrecen fácilmente una identificación
del personaje. La silueta suele realizarse de perfil, ésta ofrece un grado expresivo mayor
sobretodo en las siluetas negras y perforadas; en las transparentes puede emplearse
indistintamente el perfil o el frente. Como hemos visto existen tres clases de siluetas planas,
estas son:

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• Silueta negra: aquella que ofrecen la sombra completa de la figura sin ninguna perforación,
pueden dibujarse en cartulina, cartón o madera. La cartulina suele ser de mayor facilidad en
el corte -puede cortarse con tijeras, cutter o punzón- y en la manipulación, pueden sostenerse
con palillos finos o alambre. El cartón permite mayores figuras aunque existe mayor
dificultad a la hora del corte y la manipulación; si son muy grandes es conveniente reforzar
las varillas o el alambre con trocitos de cartón y grapas. La madera ofrece gran rigidez y
sirven para figuras grandes, pueden manejarse mediante varilla metálica o listones. Estas
figuras presentan una gran expresividad a través del contorno.

• Silueta con perforaciones: Estas ofrecen una gran dificultad, se combina la sombra negra
con la luz del interior de las mismas. Se consiguen perforando las figuras negras e
introduciendo dos tipos de materiales: unos que proyectan color, celofán, acetatos… y otros
que provocan sensaciones semitransparentes: gasas, puntillas… En estas sombras no existen
ninguna expresividad sino que añade un nuevo elemento de color y luz en el interior.

• Siluetas transparentes: Se construyen figuras traslúcidas en su totalidad, para ello

empleamos el plástico rígido (acetatos). Primero se dibuja la silueta en el papel y encima
construimos una figura completa de plástico dándole color a todo el acetato, o bien dibujando
directamente sobre el acetato con rotuladores específicos. Estas figuras dan unas sombras
muy luminosas con efecto de gran espectacularidad. Su realización es más costosa, pero
permite menos errores en su fabricación ya que se nota cualquier fallo. Como soporte
podemos emplear varillas metálicas, palillos de madera o varilla fina de metacrilato.

• Figuras móviles: Estas siluetas tienen una gran expresividad ya que a través de las
articulaciones y deslizamientos podemos realizar más humanamente la figura, pero existe un
inconveniente, que resulta muy difícil de construir. Los materiales que se van a utilizar son
opacos en su totalidad, flexibles y que tengan una buena caída; también hay que tener en
cuenta que se utilicen elementos fáciles de fijar en la figura -pelos, tela metálica, bordados,
cuerdas, alambres, hilos…-.

Las siluetas planas de perfil suelen ofrecer a los niño/as una serie de dificultades ya que no
saben qué hacer con los ojos, cómo van a aparecer los brazos y piernas, etc.; para resolver
éstos problemas pueden seguirse tres vías:

- Dibujar un niño/a imaginado o copiado al natural y eliminar los elementos interiores

rodeando la figura con un rotulador grueso.

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- Dibujando la sombra del perfil de un compañero en una pantalla.

- Sacar siluetas de fotografías o dibujos ajenos fijándonos sólo en el entorno.

b) FIGURAS CORPORALES:

Si tenemos en cuenta la historia del teatro de sombras veremos que el teatro más antiguo en
China es el realizado a través de nuestro propio cuerpo, para ser más exacto el realizado con
las manos -sombras chinescas-, también observamos que lo primero que repara el niño/a es
en su propia sombra, aquella que le acompaña siempre y que nunca se puede pisar. La sombra
corporal supone una cierta imagen ideal del niño/a.

Las figuras que utilizamos en este apartado son las de nuestro propio cuerpo, para ello se
utilizarán unas pantallas más grandes para permitir el movimiento del cuerpo. Estas figuras
requieren más esfuerzos que las figuras planas ya que aquí se mezclan los títeres, el teatro, el
disfraz…

Es un mundo de mayor dificultad por tener un lenguaje más completo, por lo que no suele
ser útil el uso de figuras corpóreas en el teatro de sombras realizados por los niño/as, al menos
mientras no tengan un gran dominio de las sombras, sus trucos y sus efectos.

El trabajo de expresión corporal tras la pantalla, de disfraces, los juegos de reconocimiento

son interesantes a cualquier edad y pueden resultar útiles en el estudio de las sombras.

Para que los niño/as se habitúen a las sombras y aprendan el mecanismo que conlleva es
necesario realizar unas series de actividades o ejercicios con todos ellos. Antes de empezar
es necesario hacer hincapié en algunos puntos relacionados con la representación:

- Se debe ambientar la clase cubriendo las ventanas para la mejor calidad de las sombras.

- fijar o superponer decorados que ambienten las escenas, así como acompañar el gesto con
música, ruidos, canciones que complementen el espectáculo.

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- marcar bien los contornos ya que el espectador sólo podrá observar la silueta proyectada en
la sábana.

- realizar los gestos muy lentamente para que se comprendan fácilmente.

- evitar las acciones simultáneas que dificultarían la comprensión del espectáculo.

Una vez profundizado en esas recomendaciones vamos a realizar algunos ejercicios en clase:

1. Salir uno a uno, por detrás de la pantalla y que el resto de los compañeros identifiquen lo
que está representando.

2. Individualmente representarán diferentes acciones como cocinar, telefonear, pintar, beber,

etc.…

3. Por parejas o pequeños grupos trabajar diferentes escenas - de amor, peluquería y cliente,
orquesta, etc.

4. Un niño/a debe actuar con naturalidad cerca de la pantalla, pero con la posición de las
pinturas egipcias ya que el espectador sólo podrá ver con claridad los contornos exteriores.

Para concluir estas figuras hay que decir que los teatros de sombras donde se utilizan las
sombras corporales forman parte de una actividad global e integradora ya que forma parte de
múltiples formas de expresión como pueden ser la expresión plástica -líneas, superficies,
colores y volúmenes-, la expresión oral la palabra, el grito, el canto el ruido- y la expresión
musical -efectos musicales y sonoros. (Aporte de Ariana Peña)

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2. FORMACIÓN ESTÉTICA VISUAL
. APLICACIÓN DE FORMACIÓN ESTÉTICA
A.F.E. Visual
Por visual debe entenderse todo aquello que se relaciona con el sentido de la vista y en el
órgano que la posibilita, el ojo. Lo visual es posible gracias a la captación que hace este
órgano de las distintas ondas de luz que se refractan de los objetos. No todos los seres vivos
tienen un desarrollo visual y los que lo tienen manifiestan distintos alcances en este; así,
algunos animales, por ejemplo, son capaces de una gran capacidad en este sentido, hecho
que le facilita sus actividades diarias de un modo superlativo. En el caso del hombre, lo
visual tiene un desarrollo medio, a pesar de que es un factor muy importante para su
desarrollo. Arquitectura: Es el arte y la técnica de proyectar y construir edificios. El
concepto procede del latín architectura que, a su vez, tiene origen en el griego. Puede
decirse que la arquitectura se encarga de modificar y alterar el ambiente físico para
satisfacer las necesidades. Pintura: El origen etimológico del término pintura que ahora nos
ocupa lo encontramos en el latín. En concreto, nos topamos con el hecho de que aquella
palabra emana del vocablo
“pigmenta”, que puede traducirse como “tinte o pigmento”. Pintura es un concepto con
varios
usos y significados. El término puede utilizarse para nombrar al material que permite
recubrir una superficie con una capa fina, al arte de pintar, al lienzo o lámina en que está
pintado algo y al maquillaje. Como material, la pintura es un fluido que se aplica sobre una
superficie en capas delgadas. Cuando se seca, la pintura se convierte en una película sólida
que recubre dicha superficie. (Aporte de Jazmín Serrano)

Texto Creativo
3.1 guión micro de radio
El Guion radiofónico es la herramienta fundamental para hacer posible la coordinación de
todo el equipo técnico y humano. En este se detallan todos los pasos a seguir. Aspectos
relacionados con el guion:
•Todo programa radiofónico, sea cual sea su género, necesita un guion, ya que la
confección del programa exige un trabajo en equipo.
•Cada tipo de programa requiere un guion de di
stintas características.
•El guion debe estar escrito con un lenguaje claro.

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El Guion Técnico Literario: En este aparece el texto verbal completo y las anotaciones
técnicas, es el guion más completo. Contiene toda la información posible Dentro del
Vocabulario Técnico Tenemos: PP: Pasa a primer plano una música durante un tiempo
determinado, lo que se calcula en segundos. PF: Pasa a fondo. La música queda en el fondo
mientras hablan los locutores.
RAFAGA: Sube la música durante unos segundos y vuelve a bajar.
FUNDE: Se mezcla una música con otra suavemente
CESA: Se va bajando poco a poco la música hasta que desaparece. Escaleta: Es el esqueleto
del guión, es una especie de resumen que marca la pauta de lo que va a hacer un guión. Es
un boceto, lista o minuta donde los productores escriben en orden, los pasos, segmentos o
secciones que componen un programa.
La Radio es un instrumento de educación y cultura popular que se constituye en promotora
de auténtico y original desarrollo. El reto es realizar programas radiales, que sean capaces de
atraer la atención e interés de grandes audiencias populares, a la vez que respondan a sus
necesidades. Este medio o recurso se caracteriza por su gran potencialidad para la
información, comunicación y revalorización de la cultura oral y la palabra hablada. Pero es
importante considerar que la radio es un medio que solo emite sonidos, y por razones obvias
presenta limitaciones de carácter natural, pues la imagen auditiva es más imprecisa que la
imagen visual; depende en gran medida de la estructura psicológica y cultural del oyente,
motivo por el que evoca lo que el receptor desea imaginar. (Aporte de Luisirai Narvaez)
4. Medios de Comunicación
4.1 Medios audiovisuales
5.1. La tecnología
La Tecnología se define como el conjunto de conocimientos y técnicas que, aplicados de
forma lógica y ordenada, permiten al ser humano modificar su entorno material o virtual para
satisfacer sus necesidades, esto es, un proceso combinado de pensamiento y acción con la
finalidad de crear soluciones útiles. La Tecnología responde al deseo y la voluntad que
tenemos las personas de transformar nuestro entorno, transformar el mundo que nos rodea
buscando nuevas y mejores formas de satisfacer nuestros deseos. La tecnología en el espacio
educativo permite el uso de herramientas más interactivas y que mantienen la atención de los
estudiantes con mayor facilidad. Además, las redes sociales y la Web 2.0 implica compartir
puntos de vista y debatir sobre las ideas, lo que ayuda a que los niños y adolescentes
desarrollen un pensamiento crítico en una época en la que sus cerebros se están desarrollando.
5.5. Cortometraje:
Se dividen en tres faces primordiales: 1.
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Preproducción:
•Se toma en cuenta la planificación.
• Elaboración del guión.
•Diseño de producción (ambiente).
• Casting.
• Cuantos actores y equipos técnicos estarán presentes en la producción.
• Logística (comida, transporte).
• Cuantos días de rodaje se llevara a cabo.
•Equipos cámaras, luces, bombillos de 1000w o de 2000w dependiendo del espacio he
iluminación existente.
5.6. Producción o Rodaje:
• Plan del rodaje.
Tomas, escenas.
• El productor se encarga del tiempo de la escena y rodaje.
•El director dirige a los actores.
5.7. Pos- Producción:

•Editar el material.
•Editar el sonido.
• Realizar las mezclas de los sonidos.
•Musicalización.
• Corrección de colores (computadoras programa editar color Windows
– Da vichis, Premium- prop, final cut).
•5.8. Fotografías: 5.9. Tipos de planos según el encuadre:
• Plano general: aparecería el personaje completo sin recortar ninguna extremidad.
•Plano Figura: el personaje ocupa todo el encuadre de la foto, de la cabeza hasta los pies.
• Plano Americano: escogeríamos las zonas de la cabeza a la parte superior de la rodilla.
•Plano Medio: En este tipo de plano aparece el sujeto de la cabeza a la cintura.
•Plano Medio Corto: se corta la escena por el pecho aproximadamente hasta la cabeza.
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• Primer Plano: en este plano se corta en los hombros y sigue hasta la cabeza. Es el más
utilizado en fotografías donde queremos resaltar el maquillaje o el rostro.
• Primerísimo Primer Plano: La cara del personaje o actor es lo más importante, el plano
ocupa desde la barbilla o mentón aproximadamente hasta la mitad de la frente o un poco por
encima de ella
6.1. Ley de responsabilidad social en radio, televisión y medios electrónicos: Artículo 6:
1. Elementos clasificados A los efectos de esta Ley, se definen los siguientes elementos
clasificados: lenguaje, salud, sexo y violencia. Son elementos de lenguaje: a.
Tipo A
. Textos, imágenes o sonidos de uso común, que pueden ser presenciados por niños, niñas y
adolescentes sin que se requiera la orientación de madres, padres, representantes o
responsables, y que no clasifiquen en los tipos B y C. b.
Tipo B.
Textos, Imágenes o sonidos que, en su común, tengan un carácter soez. c.
Tipo C
. Textos, imágenes o sonidos que, e su común, tengan carácter obsceno, que constituyan
imprecaciones que describan, representen o aludan, sin finalidad educativa explicita, a
órganos o prácticas sexuales o manifestaciones escatológicas.
Artículo 7:
•Horario supervisado:
Es aquel durante el cual se podrá difundir mensajes que, de ser recibidos por niños, niñas y
adolescentes, requieran de la supervisión de sus madres, padres, representantes o
responsables. Este horario estará comprendido entre las cinco antemeridiano y las siete
antemeridiano y entre las siete postmeridiano y las once postmeridiano. (Aporte de
Gabriela)
5 Artes escénicas
5.1 danza
DANZA
Los primeros bailes o danzas tenían carácter ritual. Se realizaban bailes para los astros
(como el Sol o la Luna), los animales y las cosechas. Por otra parte, se les rendía tributo a
los dioses, también las guerras, la fecundidad, la muerte, los nacimientos tenían sus propias
danzas. Con el tiempo, el baile pasó a considerarse como un entretenimiento o como un
espectáculo artístico. La danza, el primer impulso de comunicar, de expresar, existe mucho
antes del lenguaje hablado; relaciona al ser humano con la naturaleza en donde animales,
mamíferos, aves,
pág. 19
insectos, peces… danzan con finalidades específicas de cortejo, de señalización de peligros,
de ubicación de alimento, de luchas territoriales… y danzan con coreografías y códigos.
transmitidos por generaciones. La danza son movimientos corporales rítmicos que siguen
un patrón, acompañados generalmente de música y que sirven como forma de
comunicación o expresión. Todo ser humano tiene la cualidad de expresarse a través del
movimiento. Además, la danza puede incluir un vocabulario preestablecido de
movimientos, como el ballet y la danza folklórica, o pueden utilizarse gestos simbólicos o
efectuar determinadas acciones comunes como mímica, es decir, sin hablar, sólo con el
lenguaje del cuerpo, un ejemplo de esta es la danza proveniente de lugares tan lejanos como
China o Japón. Asimismo, la danza se manifiesta de diferentes maneras de acuerdo al lugar
de donde proviene, y es por eso que usualmente revelan mucho sobre su forma de vivir. La
danza es un baile, la acción o forma de bailar generalmente siguiendo el ritmo de una
música.
se realiza por motivos lúdicos, sociales, religiosos y artísticos. Algunos de los elementos
que componen una danza son el ritmo, el movimiento, la expresión corporal, el estilo y el
espacio. De un modo coloquial, la locución 'en danza' significa trajín, actividad o
movimiento continuo. Quien ejecuta la danza, mediante movimientos corporales rítmicos,
generalmente acompañados de música, expresa sentimientos, sensaciones, ideas, conceptos
e historias. El cuerpo puede realizar acciones como rotar, doblarse, estirarse, saltar y girar.
Si combinamos estas actividades físicas con una dinámica distinta, los seres humanos
podemos crear un número indeterminado de movimientos, y es ahí donde es importante la
cultura, ya que es el cuerpo el elemento que permite distinguir los distintos tipos de danzas.
Siempre el cuerpo alcanzará un mayor nivel en los movimientos de este arte, para lo que es
necesario largos períodos de entrenamiento especializado. El vestuario también aumenta las
posibilidades físicas: zapatillas de puntas, zancos y arneses para volar, son algunos de los
elementos que se usan para bailar, y que además otorgan un atractivo visual al espectáculo.
aumente por el mero placer de la estética. Existen diferentes tipos de danza, por lo general,
en todos ellos se incluyen características comunes como la expresividad, flexibilidad y la
coordinación de los movimientos con el ritmo de la música. La danza puede realizarse
individualmente o en grupo. También puede ser improvisada o responder a una coreografía
o pasos de baile.

La danza clásica es conocida como sinónimo del ballet clásico o simplemente ballet. Las
técnicas de la danza clásica surgen en el siglo XVII y tiene su mayor expresión en la época
del Romanticismo. La danza clásica no se refiere a la danza tradicional o folclórica, sino
más bien a aquella danza creada en el mundo occidental en el período clásico que abarca
los siglos XVII hasta principios del siglo XIX. La danza clásica se caracteriza porque
integra no sólo la danza sino también la música, coreografía y escenografía.

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Ballet. Es una danza específica, ya que sus movimientos se enseñan a través de métodos y
técnicas “claves”; es una forma de contar una historia utilizando el movimiento del
cuerpo. También se utiliza el término ballet para designar la pieza musical compuesta, a
propósito, para que sea interpretada por medio de la danza.

Danza folclórica: También llamada tradicional. Son danzas populares asociadas a

determinada cultura, con elementos propios como la vestimenta, el tipo de música y los
instrumentos musicales empleados. Algunos ejemplos son la danza azteca y el flamenco.

Danza moderna: Son aquellos bailes propios del siglo XX y XXI muy populares durante su
máximo apogeo entre el público juvenil y forman parte especialmente de la cultura
occidental de los últimos años. Con el desarrollo de las nuevas tecnologías muchos de ellos
se difundieron y se difunden a través del cine, la televisión e internet. Algunos de ellos se
identifican con una determinada década y un estilo musical.

Danza Contemporánea.
Este tipo de danza no se basa en el ballet clásico por lo que no tiene la rigidez de
movimientos que el ballet posee y comparte con la danza moderna. Mediante la danza
contemporánea se busca la expresión máxima de los sentimientos, mismos que son
expuestos mediante los movimientos del cuerpo, buscando que con los movimientos del
bailarín se exprese una idea, una emoción o sentimiento, usando movimientos muy efusivos
en cuanto a su ejecución, combinando algunos movimientos clásicos, tradicionales y
propios de las danzas actuales, así como de la mímica. Si bien suele estar acompasada con
la música, puede realizarse sin ella, en especial en la denominada danza abstracta. En
ocasiones suelen utilizarse como complementos de la expresión dancística, imágenes de
fondo e incluso videos proyectados.
Danza del vientre:
en esta se alternan elementos propios del norte africano y de Oriente Medio. Esta danza se
caracteriza por la falta de desplazamientos y el predominio de movimientos de caderas y
vientre. En sus inicios, esta danza era llevada a cabo por una sola bailarina, mientras que en
la actualidad se acostumbra a que varías participen del mismo e incluso lo hagan respetando
una coreografía. Las bailarinas usan un atuendo compuesto por un cinturón en la cadera,
top, y pollera o pantalón. Es importante en la danza, el lenguaje corporal humano ya que
representa una forma de expresión que abarca múltiples planos. Es comunicación
espontánea e instintiva, pero al mismo tiempo calculada. El lenguaje corporal es un
paralenguaje y acompaña a toda expresión verbal. El lenguaje del cuerpo puede ser
independiente del lenguaje de las palabras cuando actúa conscientemente con gestos

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mímicos en la vida cotidiana o en el ámbito artístico; también puede hacer las veces de
acción intencionada o movimientos que hace abstracción del gesto mímico, como en la
danza. Los elementos fundamentales del lenguaje corporal: espacio, tiempo, energía,
comunicación, se efectúa en un momento determinado y no es recuperable con un gasto
energético en el espacio.

elementos de la danza:

Coreografía
: Es la forma de evolución que sigue una propuesta de danza, se puede presentar con
diferentes elementos; sean estos naturales, como los brazos, pies, manos y todo lo que
naturalmente sea parte del cuerpo, o accesorios, telas, sombreros y todo lo que se le pueda
agregar, Mímica, gesto simbólico, canto y palabra que también puedan ser elementos
importantes en un espectáculo de danza. Una coreografía es el ordenamiento del
desplazamiento efectuado en el espacio por una o todas las partes del cuerpo del bailarín (o
compañía de bailarines), diseñando una forma, impulsado por una energía determinada, con
un ritmo previamente acordado, durante un tiempo de mayor o menor duración.

Cuerpo:
Es la figura móvil, o la forma del bailarín, percibida por los demás. A veces el cuerpo
permanece quieto, relativamente, y otras cambia cuando el bailarín se mueve de lugar o
viaja a través del área de baile. Los bailarines pueden enfatizar específicas partes de sus
cuerpos, o su cuerpo entero, mediante una expresión de danza.
La acción:
es cualquier movimiento humano, incluido el acto de bailar
–
puede incluir pasos de baile, movimientos faciales, elevaciones, rotaciones, capturas, e
incluso cualquier movimiento realizado de forma diaria, como el caminar. Los bailarines
pueden escoger movimientos que han reproducido en otras ocasiones, o pueden añadir
movimientos propios, originales, vinculados al vocabulario del movimiento de la danza.
También pueden revisar o adornar pasos que han aprendido de otros.

El espacio:

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 Los bailarines interactúan con el espacio de miles de formas. Ellos pueden permanecer en
un único lugar y mover partes de su cuerpo o su cuerpo entero, o pueden viajar de un lugar
a otro. Pueden alterar la dirección, el nivel, el tamaño y las vías de sus movimientos.

El tiempo:
Los patrones rítmicos pueden ser medidos o tener un rimo libre. Gran parte de la música
occidental utiliza patrones repetitivos (por ejemplo 2/4 o ¾), pero los conceptos de tiempo
y medida son usados de manera muy diferente a lo largo del mundo. Los movimientos de la
danza pueden mostrar también diferentes relaciones temporales como ser simultáneos o
secuenciales; de breve o de larga duración; de velocidad rápida a lenta; o tener acentos en
intervalos predecibles o impredecibles.
La energía:
Las decisiones sobre la energía incluyen variaciones en el flujo de movimiento y en el uso
de la fuerza, la tensión y el peso. Las decisiones sobre la energía podrían revelar estados
emocionales
6. Tratamiento Curricular
6.1 proyectos
El término proyecto se deriva de los términos latinos PROICERE y PROIECTARE que
significan arrojar algo hacia delante. Entonces, proyecto en sentido genérico significa
La planeación y organización de todas las tareas y actividades necesarias para alcanzaralgo.
Diseñar un proyecto educativo significa planear un proceso para alcanzar una meta educativa,
objetivos de aprendizaje. Esto implica desde la selección del problemas urgido en un contexto
educativo particular, su tratamiento hasta la presentación del informe. En otros términos,
corresponde la realización de varias etapas interrelacionadas de concepción, planeamiento,
formulación de acciones, implementación y evaluación. El objetivo principal de un proyecto
es resolver, en forma organizada y planificada, un problema previamente identificado en su
realidad educativa, aprovechando para ello los recursos disponibles y respetando ciertas
restricciones impuestas por la tarea a desarrollar y por el contexto. Los proyectos vigentes en
Venezuela son:
a. Proyecto Educativo Integral Comunitario:
Es un plan de acción combinado
con principios pedagógicos que busca mejorar tanto la educación impartida como elfuncion
amiento del plantel, elaborado por los actores del plantel, tomando en cuenta
lascaracterísticas del mismo, del entorno social y de las intenciones de los
mismos actores.También se puede de definir como un proyecto, tanto educativo como
político y serelaciona como un proyecto de sociedad en el que se pasa democracia
participativa y seestablecen espacios para que los actores pasen a ser constituyentes y no

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solo instituidosen su práctica profesional y con respecto a su responsabilidad social
especifica.
b. Proyecto Pedagógico de Aprendizaje:
Es un instrumento de planificación queutilizan los colectivos escolares en el proceso de
enseñanza-aprendizaje, para abordarnecesidades e intereses a través de herramientas
pedagógicas que permiten en eleducando, familia y comunidad la construcción del
conocimiento desde la especificidadde cada contexto local, involucrando los espacios que
propone el sistema EducativoBolivariano, para la formación del ser social en los ejes
integrados como continuohumano del ser, saber, hacer y convivir.

c. Proyecto Canaima:
El Proyecto Canaima Educativo es un proyecto desarrollado por el Gobierno de la República
Bolivariana de Venezuela con el objetivo de garantizar el acceso de los venezolanos y las
venezolanas a las Tecnologías de información, mediante: la dotación de una computadora
portátil a los estudiantes y los docentes de las escuelas nacionales, estadales, municipales,
autónomas y las privadas subsidiadas por el Estado; la conexión de escuelas a la red de
Internet; la formación para el buen uso de estas tecnologías. (Luisirai Narvaez)
7. Tratamiento Pedagógico
7.1 animación pedagógica
8.1. Animación pedagógica:
El animador pedagógico ,es el técnico que ayuda a las personas y a los grupos, grandes o
pequeños, a que planifiquen sus actividades, las pongan en práctica y consigan sus objetivo.
El animador debe ser un a persona dispuesta a realizar su trabajo con entusiasmo, jovialidad,
con objetivos claros y con confianza.
El animador debe programar el número de sesiones necesarias para alcanzar el objetivo u
objetivos que se han fijado. No se trata de utilizar técnicas y técnicas sino saber por qué y
para qué, para ello es necesario conocer al grupo.
Ha de estudiar detenidamente las técnicas, mucho antes de realizar una sesión. Ha de buscar
el caso adecuado para cada situación. Además ha de crear el clima favorable para que los
niños se sientan atraídos por el encuentro que se va a tener.
El animador para cumplir con eficacia todas sus funciones de dinamizador y sobretodo el
educador necesita ante todo empatizar y conocer a su grupo.
Un experto en la llamada pedagogía re-recreativa, donde los aspectos lúdicos y de resolución
de problemas son fundamentales para el aprendizaje del niño; evitando así los modelos
meramente conductistas o cognitivistas; y aprovechando las distintas potencialidades
conceptuales, procedimentales y actitudinales del estudiante, junto con sus intereses hacia el
pág. 24
juego. En este sentido, ya el educador no es un pastor de ovejas, ni tampoco un
ente“infantilizante” de problemáticas educativas, donde las mismas son reducidas a
situaciones simples y abstraídas de la realidad e intereses del niño. Por lo contrario, en la
actualidad se aboga por requerir del niño un alto nivel de exigencia, pero que no coarte sus
necesidades e intereses, sino que más bien, aproveche éstas para generar situaciones
educativas verdaderamente significativas para él; centrados en modelos sociales y
constructivistas de aprendizaje, tales como los planteados por ilustres teóricos como
Montessori, Prieto Figueroa, David Ausubel, Carl Rogers, Howard Gardner, Lev Vygotsky
y Paulo Freire. Así mismo, el aspecto lúdico genera una multiplicidad de conflictos
cognitivos que le permiten asimilar en mayor medida lo que aprenda, y, posteriormente,
llevar dichos aprendizajes a sus comunidades, permitiéndole así, aportar al bien común, a
través de compartir sus experiencias para mejorar la calidad de vida de la sociedad. En este
sentido, es deber del nuevo modelo educativo, variar la visión de la educación a una visión
holística centrada en el desarrollo y aprendizaje integral, así como apoyar en las necesidades
biopsicosociales del niño; teniendo como fin último su propia felicidad, pero no una felicidad
basada solo en el espíritu individual, sino más bien, tal y como lo plantea Makiguchi, una
felicidad la que el niño se sienta útil para el progreso social, ayudando a sus semejantes,
permitiendo así que éste retribuya lo que la sociedad le ha dado; y que, al mismo tiempo, sea
feliz de estar en un contexto sociocultural, que además, él es capaz de transformar, si
considera que es necesario, incluyendo, claro está sus necesidades personales. Si esto se logra
dentro del sistema educativo, se logrará finalmente cumplir la llamada pedagogía liberadora
de Paulo Freire, basada en la dialogicidad y la autonomía del niño, en la que la relación de
educador y estudiante, ya no es vertical, sino horizontal, donde ambos aprenden mutuamente,
y se generan situaciones de debate que generan libertad en las aulas. En conclusión, el
animador pedagógico es la nueva visión que se tiene del docente enfrascado en el aprendizaje
por problemas, así como la educación liberadora, en conjunto con otras teorías que de una u
otra forma se relacionan con ésta; visión en la que éste, funge como un recreador del
aprendizaje, que genera situaciones lúdicas y problemáticas que el niño
Uno de los elementos propuestos en la actualidad, para el enfoque de animador pedagógico,
que genera juegos y problemas para que el niño aprende a través de estos, son las llamadas
situaciones vivenciales de formación (SVF), en las que, a través de actividades lúdicas y
artísticas, el niño genera conocimientos y habilidades en diversas áreas, a partir de un área
central, por ejemplo la educación estética. Esto le permite enfrentarse a distintos problemas
que debe soluciones, a través de la utilización de sus distintos procesos cognitivos, así como
relacionarse con sus compañeros para discutir lo que debe realizar, fungiendo el profesor,
como un simple animador, que motiva a sus estudiantes a explotar todas sus habilidades y
llegar a una solución; y, si éste nota que los estudiantes tienen demasiadas disficultades en
la resolución, darle herramientas que le permitan llegar a la misma, a través de la
investigación, las pistas, entre otros. En esta situación se aprecian tres momentos, a saber:
situación inicial natural, en la que el niño, utiliza sus experiencias previas para intenta
resolver la actividad, y que, por tanto es espontáneo; la situación genésica conceptual, en la
que se genera una discusión en torno al problema, con el animador pedagógico y sus
pág. 25
compañeros, así como la investigación del tema, para llegar a una nueva solución, si la
primera presente errores, la situación genésica procedimental, en la que es capaz de aplicar
los conocimientos teóricos adquiridos en otros contextos, más concretos; y finalmente , la
situación pos vivencial, en la que el niño, comparte lo aprendido en su comunidad. Como se
ha observado, el aprendizaje recreativo, genera en el niño automotivación, autonomía de
pensamiento, libertad creativa, integralidad d conocimientos, y todo esto se puede resumir,
dentro del eje transversal desarrollo del pensamiento, contenido en el Currículo Básico
Nacional. Estas nuevas ideas y concepciones, han de ser tomadas como elemento
fundamental para la transformación de la educación, en una que sea libre, y no una prisión o
almacén de niños; un centro de intercambio de conocimientos, habilidades, destrezas,
valores, virtudes, expresiones artísticas, análisis social, pensamiento crítico, alegría, y,
principalmente, felicidad, pues si el niño, no es feliz en la escuela, quiere decir el modelo
educativo utilizado ha fracasado. Claro está, que los padres tienen un alto margen de
responsabilidad, y deben motivar a sus hijos, ayudándolos, dándoles nuevos problemas que
deban resolver, y no sobreprotegiéndolos ni alejándolos de la realidad en la que ellos viven,
tal y como lo plantea el pedagogo italiano Francesco Tonucci. En conclusión, el animador
pedagógico es la nueva visión que se tiene del docente enfrascado en el aprendizaje por
problemas, así como la educación liberadora, en conjunto con otras teorías que de una u otra
forma se relacionan con ésta; visión en la que éste, funge como un recreador del aprendizaje,
que genera situaciones lúdicas y problemáticas que el niño debe resolver, las cuales serán
definidos como situaciones vivenciales de formación

8.2. La Animación Sociocultural:

La Animación Socio Cultural (ASC) surge dentro del marco de la Educación Popular. En los
año 60 se buscaban alternativas a lo establecido, e incluso en Educación, era años de rebeldía
y revoluciones (mayo del 68). Se buscaba una Educación más popular, es decir, aquella que
traspasara los límites de los colegios, y también se buscaba su reciclaje, ya que en estos años
se cuestiona el sistema educativo porque aún había personas que no tenían acceso a él.
• En los últimos años: se entiende como organización y desarrollo comunitario.
El ocio y el tiempo libre son cada vez más un espacio muy importante en la vida de los niños,
jóvenes y adultos. Para la mayoría de las personas el trabajo que realiza no desemboca en
una autorrealización personal, por lo que el tiempo libre ofrece al individuo la posibilidad de
creas, de ser él mismo.
En esta situación, es donde entra la Animación Sociocultural cuando busca crear ámbitos de
encuentros interpersonales y de intercambios de experiencias y de tareas conjugadas que

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ayudan a que el individuo anónimo tome forma como sujeto para tomar distintas situación
sin verse inmerso en ellas.
La animación es una técnica de intervención social en y con los grupos, que tiene por
finalidad promover la cultura popular. A través de las actividades de animación se trata de
potenciar culturalmente a personas, grupos y comunidades.
Es en el tiempo libre, si es dirigido y bien organizado, donde el sujeto se va educando y por
lo tanto formando, se pretende conocer y educar a estos sujetos de la mejor manera posible
y, ¿qué mejor forma que en el juego? No hay que olvidar que es en el tiempo libre donde el
sujeto se comporta espontáneamente.
El animador Sociocultural pretende crear un buen clima social donde el individuo se
desarrolle plenamente sin cohibiciones. Trata de animar para:
• La liberación: como libertad y emancipación.
• La participación y democracia cultura: la animación debe llevar al individuo a una
mejora de calidad de vida.
• La identidad cultural.
• La creatividad.
• El desarrollo autónomo.
De animación sociocultural es una acción intencional para transformar las actitudes
individuales y colectivas mediante la práctica de actividades sociales, culturales y lúdicas,
hechas de un modo participativo.
Lenoir (1989): la A.S.C. es una estrategia de intervención que trabaja por un determinado
modelo de desarrollo comunitario. Un desarrollo entendido como “integral y endógeno;
integral en cuanto capaz de unir entre sí los progresos económicos, sociales, culturales,
morales, reforzándolos en su mutua relación. Endógeno como el paso de si mismo a un nivel
superior, en unas relaciones de suma positiva

8.3. Principios de la animación sociocultural.

La Sociedad debe transformarse.
La transformación debe tener sentido de liberación respecto a opresiones e injusticias
establecidas.
Tal propósito será asuntos de los colectivos organizados.
El cambio debe partir de una toma de conciencia para poder llegar a otra realidad.
De aquí se seguirá una acción transformación.

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La A.S.C. se nos ofrece como un poderoso recurso de evolución social implicando
responsablemente en la misma, el esfuerzo de todos los ciudadanos.

8.4. EL PAPEL DEL ANIMADOR Y SUS CARACTERÍSTICAS

La comunicación auténtica y personal es clave en la animación grupal y para lograrla el

animador debe poseer:

-Autenticidad o congruencia, para establecer con el grupo una relación y comunicación

satisfactoria.
-Aceptación incondicional del grupo
-Comprensión empática o empatía (comprensión del mundo del otro, tal como el otro lo ve).

8.5. ROL DE ANIMADOR DENTRO DEL GRUPO

Debemos considerar cuatro aspectos principales:

-Su comunicación con el grupo. El animador ha de sentirse un miembro más del grupo, en
cuanto pone a su disposición una serie de conocimientos técnicos y de habilidades y participa
en la vida del grupo.
-En cuanto a que capacita para el trabajo grupal, el animador debe proponer y enseñar los
medios de acción y procedimientos más adecuados para el buen funcionamiento del grupo.

-El animador debe conducirse de tal manera que ayude a los miembros del grupo a desarrollar
su propia iniciativa y capacidades.

-Su cometido dentro de las reuniones. Su opinión debe permitir que el grupo decida por sí
mismo; aun siendo capaz de transmitir entusiasmo, ánimo y confianza, sin olvidarse de
facilitar un buen clima para el trabajo y las relaciones interpersonales.

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 Cuando se trata de grupos que comienzan a funcionar, el educador/animador debe
tener una mayor participación en el funcionamiento de los mismos y sus tareas serán mucho
más amplias. En otras palabras: cuanto menos maduro es un grupo y menor es su
participación, mayor ha de ser la intervención directa del animador; a medida que el grupo
madura, el animador desaparece progresivamente. (Aporte de Jasmín Serrano)
8. Sistemas de Inteligencia Aplicada
8. 1 elaboraciones mentales
La teoría del desarrollo cognitivo del psicólogo suizo Jean Piaget (1896-1980), explica cómo
los niños construyen un modelo mental del mundo. Piaget no estaba de acuerdo con la idea
de que la inteligencia era un rasgo fijo, y consideraba el desarrollo cognitivo como un proceso
que se produce debido a la maduración biológica y la interacción con el medio ambiente.
Para Piaget, el desarrollo cognitivo es una reorganización progresiva de los procesos
mentales como resultado de la maduración biológica y la experiencia ambiental.
8.1.1 Asimilación
El proceso de incorporar nueva información a nuestros esquemas ya existentes se conoce
como asimilación. Este proceso es algo subjetivo porque tendemos a modificar las
experiencias y la información ligeramente para que encajen con nuestras creencias
preexistentes. Teniendo en cuenta el ejemplo anterior, ver a un perro y etiquetarlo
“perro” es un caso de asimilar al animal en el esquema “perro” del niño.
En esta fase lo que se percibe en el mundo exterior se incorpora en el mundo interno, sin
cambiar la estructura de ese mundo interno. Esto se logra a costa de incorporar dichas
percepciones externas dentro en los estereotipos infantiles, para lograr de alguna forma que
encajen en su mentalidad.
8.1.2 Acomodación
Otro proceso importante de la adaptación consiste en cambiar o alterar nuestros esquemas
existentes a la luz de la nueva información, lo cual es conocido como acomodación. La
acomodación implica la modificación de esquemas existentes, o ideas, como resultado de
nueva información o nuevas experiencias. También se pueden desarrollar nuevos esquemas
durante este proceso. En esta fase, el mundo interno tiene que acomodarse a la evidencia
externa con la que se enfrenta y, por lo tanto, adaptarse a ella, lo cual puede resultar un
proceso más difícil y doloroso.
8.1.3 Adaptación
La adaptación está siempre presente a través de dos elementos básicos: la asimilación y la
acomodación. El proceso de adaptación busca en algún momento la estabilidad y, en otros,
el cambio. En sí, la adaptación es un atributo de la inteligencia, que es adquirida por la
asimilación mediante la cual se adquiere nueva información y también por la acomodación
mediante la cual se ajustan a esa nueva información. La función de adaptación le permite al

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sujeto aproximarse y lograr un ajuste dinámico con el medio. La adaptación y organización
son funciones fundamentales que intervienen y son constantes en el proceso de desarrollo
cognitivo, ambos son elementos indisociables.
8.1.4 Equilibrio
Piaget creía que todos los niños tratan de encontrar un equilibrio entre la asimilación y la
acomodación, lo cual se logra a través de un mecanismo que él denominó como equilibrio.

En la medida en la cual los niños van progresando a través de las diferentes etapas del
desarrollo cognitivo, es importante mantener un equilibrio entre la aplicación de
conocimientos previos (asimilación) y el cambio de comportamiento que implica adoptar
nuevos conocimientos (acomodación).
El concepto de equilibrio ayuda a explicar cómo los niños pueden pasar de una etapa del
pensamiento a la siguiente. (Ariana Peña)

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 Conclusión

Para finalizar la formación estética visual permite al

docente generar un mayor aprendizaje y eficaz enseñanza, así como que los niños y las niñas
desarrollen habilidades cognitivas para expresión
deideas a través de la exposición organizadas, claras y oportunas,adecuando su lenguaje a
los interlocutores, escuchando con atención y espíritu crítico para comprender los mensajes
diversos en conversaciones, debates, exposiciones, entrevistas emitiendo juicios críticos y
valorativos; leer, comprender, analizar y discernir textos de diversos tipos, valorándolos
como fuente de disfrute, conocimiento e información; así como lograr la aplicación de modos
reflexivos de elementos textuales y lingüísticos, a partir de experiencias y ejecución de
actividades de aprendizaje relacionadas con los saberes académicos, populares y las
manifestaciones culturales y artísticas.

El aporte fundamental de este trabajo sobre la carrera de educación es extenso, la

comunicación puede llegar a ser hoy en día una estrategia didáctica para el desarrollo del
aprendizaje y la enseñanza, la radio, televisión son recursos que debemos usar para
complementar los aprendizajes en los más pequeños, las ilustraciones pueden llegar a
complementar los recursos en un aula de clase. Así mismo el arte contiene una serie de
movimientos que logran complementar la comprensión del mismo, creando en los niños una
imaginación y expresión de los conocimientos. Las formación estética audiovisual, la radio
el cine, la televisión han tenido grandes cambios, todos vienen de la mano y con aportaciones
magnificas para una mejor educación actual. Finalmente la sociedad está constituida por
grandes movimientos, y representantes explicados anteriormente, que nos ayudan a entender
la calidad de educación que podemos obtener tomando en consideración la formación estética
audiovisual , el conocer para fomentar nuestra investigación y poder llegar a una educación
creativa y lúdica, promoviendo así un desarrollo integral, ayuda al niño a fortalecer su
imaginación, su capacidad creativa y además motiva a los niños producir e innovar para el
entretenimiento y el conocimiento .

Aporte de (Gabriela Plaza)

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 Referencias bibliográficas

Referencias electrónicas

www.artesespañol.com

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