HISTORIA DE LA MÚSICA 

Capítulo Burkholder “Los nuevos estilos del siglo XVII

 
Introducción 
Europa en el siglo XVII 
● Ciencia  
● Política 
○ Francia 
○ Gran Bretaña y España católica 
○ Holanda calvinista 
○ Sacro Imperio Romano Germánico 
○ Italia 
● Economía 
 
Transición del renacimiento al barroco 
● El Barroco como término 
● El barroco dramático 
○ En poesía 
○ En Arte 
○ En Música 
● Teoría de los afectos 
● La “seconda Prática” 
● La música subordinada a la palabra 
 
Características generales de la música barroca 
● La polaridad triple- bajo 
● El bajo continuo 
● El procedimiento del concertato 
● Temperamento mesotónico y temperamento igual 
● Acordes, disonancia y cromatismo 
● El contrapunto conducido armonicamente 
● Ritmo regular y ritmo flexible 
● Los estilos idiomáticos 
● La ornamentación y la improvisación en la interpretación 
● De la música modal a la música tonal 
● Innovaciones perdurables  
 
Biografía de monteverdi 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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Capítulo Burkholder “Los nuevos estilos del siglo XVII”
Introducción 

Los músicos italianos del 1600 eran conscientes de las innovaciones que estaban incorporando al panorama 
musical de la época. Algunas de estas fueron, el bajo continuo, la monodia y el recitativo. Estos nuevos estilos 
estaban caracterizados por las disonancias no preparadas, por la concentración de las voces o de los 
instrumentos solistas y por una interpretación idiomática. Apareció un nuevo estilo al que llamamos ópera. 
 
Podemos decir que esta generación de músicos fomentó la innovación musical, y gracias a todas ellas los 
historiadores acuñaron el término barroco para todo este periodo que va desde el 1600 al 1750 aprox. 
 
A pesar de ser un período bastante amplio, los músicos de principios del siglo XVII (Peri o Monteverdi) 
Comparten algunos aspectos musicales, la teoría de los afectos o emociones, con los compositores de la 
primera mitad del siglo XVIII ( Vivaldi o Bach).  
 
En general el siglo XVII Estuvo marcado por invenciones continuas de nuevos géneros, estilo y métodos, y 
por la difusión progresiva de las ideas Italianas, que acabaron impulsando a otros países a desarrollar su 
propio lenguaje nacional musical.  
A partir de 1600 se inaugura una nueva época musical de la ópera y los estilos teatrales tienen un papel 
fundamental.  
 
Europa en el siglo XVII 

En el 1600 no solo se produjeron innovaciones en el ámbito musical, también se produjeron en ciencia, 

política y economía. Los efectos de la guerra que modificaron la situación europea la situación de los músicos 
europeos fue diferente en cada país. 
 
Ciencia 
En el 1600 nos encontramos en medio de una revolución científica liderada por una nueva generación de 
investigadores que se apoyaban en la matemática, la observación y los experimentos prácticos. 
Johannes Kepler demostró en 1609 que los planetas se movían en órbita elíptica alrededor del sol. 
Galileo Galilei Demostró las leyes que gobiernan el movimiento elíptico y utilizó su recién inventado 
telescopio para descubrir las manchas solares y las lunas que gira alrededor de Júpiter. 
Francis Bacon defendió la actitud empírica de la ciencia y confío en la observación directa antes que en las 
autoridades de la antigüedad en contraposición al método deductivo de René Descartes.Estas dos tendencias, 
la empírica y la lógica impulsaron la obra de Isaac newton, cuya ley de la gravitación combinó la observación 
con la matemática. 
 
Política  
Los nuevos pensamientos políticos abarcan desde el inglés Levellers, que abogó por la democracia con 
iguales derechos políticos, hasta Thomas Hobbes que propugnaba la idea de un Estado soberano y 
todopoderoso. Estos debates políticos se vieron estimulados por los conflictos religiosos que condujeron a 
varias guerras. 
Todas las religiones y conflictos políticos afectaron a la música de manera directa, principalmente porque los 
gobernantes y las autoridades siguen siendo importantes mecenas dentro del panorama musical. 
 
● Francia:​Enrique cuarto promulgó el edicto de nantes, que garantiza alguna libertad a los protestantes, 
aunque confirmaba el catolicismo como religión del Estado 
● Gran Bretaña y España Católica: A ​ cabaron en 1604 con una década de guerras. 
● Holanda calvinista: ​Consigue la independencia de España en 1609 convirtiéndose en una república. 
● Sacro Imperio Romano Germánico:​ Gracias a sus abundantes conflictos religiosos precipitado el 
estallido de la Guerra de los Treinta Años que abarca desde 1618-1648. Está de basto Alemania y redujo 
la población casi a la mitad. 
● Italia: ​Siguió siendo católica evitando eso guerras de religión.  
 
 

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Economía 
A partir de 1600 observamos un impulso de la economía europea gracias al colonialismo por parte de 
británicos, franceses y holandeses, que establecieron colonias en América del norte, el caribe, África y Asia, 
haciéndole la competencia a España y Portugal. Las importaciones con mayor peso económico fueron las del 
azúcar, el tabaco el tráfico de esclavos, que pronto se convirtieron en artículos de lujo en europa.  
 
Gracias al auge de los colonialismos, la música europea fue llevada a América al igual que la religión católica y 
los villancicos. 
 
El nuevo sistema económico era el capitalismo, sistema en el que los individuos invierten su propio dinero en 
negocios organizados, con el fin de generar un beneficio. Esto benefició a las 
compañías de teatro y ópera ya que comenzaron a crearse compañías públicas, 
haciéndose llegar la música a la clase media y alta. Esto también fomenta la venta 
de instrumentos musicales y la publicación de música escrita.  
 
Económicamente los músicos seguían dependiendo del patrocinio de la corte, de 
la iglesia o de las ciudades, mientras que los tipos de música más apoyado variaba 
de una región a otra. Donde mejor se encontraban los músicos eran Italia ya que 
está estaba enriquecida gracias al comercio, Pero dividida entre el control español 
al sur, los estados papales alrededor de Roma, y los diversos estados 
independientes en el norte. 
 
En contraste con la situación italiana, encontramos el territorio francés donde el 
poder y la riqueza se concentraron cada vez más en el rey Luis XIV que acabó por 
controlar las artes y la música. Francia acabó siendo la principal potencia hegemónica en el continente, lo que 
propició que la música francesa fuera imitada por toda Europa. 
 
Además del mecenazgo aristocrático, civil y eclesiástico, muchas ciudades europeas disponían de 
“academias”, que eran asociaciones privadas que subvencionan Las actividades musicales. En Muchas 
ciudades se establecieron teatros de óperas, Venecia fue la primera 1617, Inglaterra la sigue en 1632 y en el 
resto de Europa no se establecieron hasta el 1700. 
 
Transición del renacimiento al barroco 

El Barroco como término 

La palabra baroque Designan algo anormal, estrambote, exagerado o de mal gusto. El término barroco que 
proviene del portugués, designa a una perla de forma irregular. Podríamos decir que en sí el término barroco 
sirve para designar algo negativo.  
Este término comienza a aplicarse a la música y al arte primero de forma peyorativa a mediados del siglo 
XVIII. Cuando los flecos del arte del siglo XIX empezaron a apreciar las tendencias ornamentadas, el término 
barroco asumió un significado positivo. A partir de los años 50 es cuando el barroco se considera un término 
bien establecido para designar el período que va desde el 1600 hasta el 1750. El periodo abarca unos 150 años 
y por ello lo denominamos periodo barroco y no estilo barroco, ya que durante este periodo observamos una 
gran variedad de estilos diferentes que van evolucionando desde 1600 hasta el 1750. 
 
El barroco dramático 
El aspecto más sorprendente de la literatura, el arte y la música del siglo XVII es su concepción del 
dramatismo. En este período encontramos los más importantes dramaturgos como son William Shakespeare, 
Ben Johnson en inglaterra. Pierre Corneille, Jean Racine y Jean Baptiste Molier en Francia.  
 
● En poesía: ​La poesía de la época tenía con frecuencia cualidades teatral, mientras que las imágenes 
vigorosas y las escenas dramáticas de los poemas de autores como John Donne, John Milton y Miguel 
de Cervantes sugieren en ocasiones la intensidad de la interpretación . Así, podemos afirmar que la 
teatralidad del barroco, y su el dramatismo también llegan a la poesía creándose en muchas ocasiones 
escena que bien podrían ser representadas de forma teatral. 
 

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● Escultura: E​ n el arte y en la arquitectura, el barroco empezó en Italia. La teatralidad del arte barroco 
italiano se refleja en las esculturas de San Lorenzo bernini, de trabajo para la Iglesia y para otros 
mecenas. 
El contraste entre el famoso David de Miguel Ángel, de un siglo antes con el David de Bernini, nos 
muestra el cambio entre los objetivos estéticos y dramáticos del Renacimiento y los del barroco.  
Berni representa a su David en tensión y a punto de arrojar la piedra que sostiene. Su cuerpo está 
dramatizado en cuanto a la postura, los músculos tirantes, sus labios y su cara tensos del esfuerzo. El 
efecto es muy dramático y provoca que el observador responda emocionalmente.  
Igual de emocionante es el éxtasis de Santa Teresa, obra en la que Bernini captan el momento en el 
que la Santa entra en éxtasis. Toda la escultura en sí se trata de efectos teatrales, diseñados para 
asombrar al observador y provocar sentimientos muy intensos.  
 
● Arquitectura :​La arquitectura barroca es igualmente teatral y emplea elementos de la antigüedad y el 
renacimiento,como pueden ser columnas, dinteles, pórticos de manera nueva y un tanto 
desconcertante. El diseño de Bernini para la Plaza de San Pedro del Vaticano pretende envolver al 
espectador gracias a las dos columnatas semicirculares que rodean la plaza, las cuales simbolizan la 
pretensión de la iglesia de abrazar al mundo. 
 
● En música:​En la música observamos esta dramatización gracias a la proliferación y desarrollo de la 
ópera,ya que esta consiste en la escenificación e interpretación de música dentro de una escenografía 
dramática. Aunque el drama impregna también las canciones, la música está sacra y la música 
instrumental. 
 
Teoría de los afectos 
La mayoría de los compositores del barroco buscar mayor musicales para expresar emociones como la 
tristeza, la alegría, la cólera, el amor, el nido, entusiasmo etc. Se pensaba que los afectos era estados 
relativamente estables del alma, causados por una cierta combinación de espíritus o humores. 
Por ello decimos que en el Barroco los compositores no intentaban expresar sus sentimientos personales ya 
que por el contrario, en la música instrumental buscaban retratar los aspectos en sentido genérico, utilizando 
técnicas convencionales y específicas. 
A diferencia de en la música instrumental, en la música vocal, los compositores buscaban transmitir las 
emociones del texto, del carácter o de la situación dramática que se estaba representando. 
 
La seconda pratica  
U​na de las herramientas expresivas más usada consistía en quebrantar las reglas musicales con el fin de 
transmitir el texto poético.  
Un ejemplo de ello es el Madrigal C ​ ruda Amarilli​ de Claudio Monteverdi en el que encontramos numerosas 
licencia, que no se cumplen las reglas del contrapunto, el abandono de los grados conjuntos... Todos esos 
recursos no son empleados de forma deliberada, sino que coincide con algunos momentos dramáticos del 
texto que se está interpretando. 
Uno de los críticos de esta segunda práctica fue Artrusi, ya que veía innecesario el quebrantamiento de las 
reglas musicales vigentes hasta esta segunda práctica. Todo esto lo vemos reflejado en el libro que Artrusi 
publicó en 1600 llamado las imperfecciones de la música moderna. 
 
La música subordinada a la palabra 
La subordinación de la música la palabra la observamos con la aparición de la segunda práctica.Observamos la 
aparición de la segunda práctica en el Madrigal de Monteverdi cruda Amarilli. En el prefacio del libro dónde 
se publicó el madrigal explicó que, en la segunda práctica, la música sirve a las palabras y no sigue sus propias 
reglas como en la primera práctica codificada por Zarlino. 
La primera práctica consistía en el estilo del siglo XVI y en ella encontramos el empleo de la polifonía. En la 
primera práctica la música tenía que seguir sus propias normas y terminar así al texto verbal. La segunda 
práctica era la empleada por los compositores italianos modernos. Enseña el texto dominaba la música y 
podían quedarse las reglas de conducción de voces y las disonancias podían emplearse de manera más libre 
para explicar los sentimientos que se veía reflejada en el texto. 
Ambas prácticas nos excluyan unas de otras sino que cada una lo usada en su momento y lugar apropiado.  

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Características generales de la música barroca 

Además del dramatismo del que ya hemos hablado, la música de la época barroca comparten diversos rasgos 
que la distinguen de la música de otros periodos. Estos son: 
 
La polaridad tiple- bajo  
La textura en la música en el Renacimiento era de polifonía creada a partir de voces independiente. En la 
música del siglo XVII Se enfatiza en la homofonía, y se hace uso de unas voces prominentes de bajo y de tiple, 
a las que se le añaden unas voces intermedias, ya sea escrita o improvisadas.Estas hacen de relleno armónico. 
La melodía acompañada que se adopta en el Barroco no es en si una novedad, la novedad es que a partir del 
1600 encontramos una polaridad entre el bajo y el tiple, siendo estás las dos voces esenciales. 
 
El bajo continuo 
En relación a la polaridad entre tiple y bajo se encontraba el sistema de votación denominado bajo continuo. 
En este sistema, el compositor escribió la melodía o melodías y la línea del bajo, pero dejaba a los intérpretes 
la improvisación del relleno armónico de las voces interiores. 
El bajo y los acordes se interpretaban con uno o más instrumentos de continuo, por regla general 
clavicémbalo, el órgano, el laúd o la tiorba. A finales de este siglo, la línea en el bajo se reforzó a menudo con 
un instrumento melódico como la viola de gamba, el violonchelo o el fagot. Cuando los acordes que tenían 
que ser tocado eran distintos de las triadas comunes en su estado fundamental, el compositor añadía cifrado 
por encima o por debajo de las notas del Bajo para indicar con precisión las notas requeridas. A esto lo 
llamamos bajo cifrado. 
 
La interpretación de un bajo variaba según el tipo de pieza, la habilidad del intérprete y el gusto, por lo que se 
tenía un considerable espacio para la improvisación. El intérprete podía limitarse a interpretar los acordes o 
podía añadir notas de paso y motivos melódicos que imitaban al tiple o al bajo.  
A la hora de vestir como realizar el bajo, el intérprete de continuo era libre de añadir las interpretaciones y 
énfasis diferentes de los distintos solistas. Las ediciones modernas d suelen imprimir la realización de un 
editor mediante notas pequeñas.  
 
No todas las piezas utilizado en el Bajo contigo ya que su propósito era servir de acompañamiento a una 
melodía principal. El bajo continuo no era necesario para la música de laúd o teclado solo. Aún así podemos 
encontrar motetes y madrigales de estilo antiguo publicados de nuevo con una parte de continuo para 
adaptarlos a la segunda práctica. 
 
El procedimiento del concertato  
Los compositores del siglo XVII, combinaban voces con instrumentos que interpretaban partes distintas. A 
esto lo llamamos procedimiento del concertato. En un concierto musical se reúnen fuerzas contrastantes en 
un conjunto armónico. El procedimiento concertante del siglo XVII abarca desde géneros como el Madrigal 
concertato para una o más voces y continuo, y el concierto sacro, una obra vocal sacra con instrumentos. 
El uso de diversos timbres combinados de conversión un rasgo característico de la época barroca. 
 
Temperamento mesotónico y temperamento igual 
La unión de voces e instrumentos de cuerda con los instrumentos de teclado y laudes origina problemas de 
afinación. Los músicos del siglo XVI Usaban varios sistemas de afinación. Cantantes y violinistas preferían la 
entonación justa que podrían realizar para mantener los intervalos armónicos afinados. Los teclistas no 
podían ajustar la altura tonal por lo que generalmente utilizaban el temperamento mesotónico, que 
garantizaba que la mayor parte de las triadas diatónicas sonasen bien, aunque desafinadas si se aumentaba 
el número de moles o de sostenidos. Los instrumentos contrastes necesitaban usar el temperamento igual 
para evitar octavos desafinado. La combinación de estos tres sistemas de afinación provocó las quejas de 
Artusi contra la música moderna. 
 
En la práctica, los intérpretes elaboraron soluciones y comenzaron aceptarse temperamentos más próximos 
al temperamento igual, aunque muchos intérpretes no quisieron abandonar las terceras pura únicamente 
posibles en el temperamento mesotónico. 
 

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Acordes, disonancia y cromatismo 
La composición con bajo continuo con luz a considerar los sonidos consonantes como acordes y no acabo 
conjuntos de intervalos. A partir de aquí las disonancias de contemplaban como notas que no encajaban 
dentro de un acorde. Así comenzaron a tolerarse una mayor variedad de disonancia, aun cuando a mediados 
del siglo las convenciones regularon el modo de introducir las distancias y de resolverlas.  
 
El cromatismo experimentó un desarrollo similar, evolucionando hasta la libertad dentro de un esquema 
ordenado. El cromatismo se usaba en las obras vocales para expresar emociones intensas, para sugerir la 
exploración armónica en las piezas instrumentales y para crear un sujeto característico destinados a su 
elaboración en el contrapunto imitativo.  
 
El contrapunto conducido armónicamente 
La naturaleza del contrapunto cambio durante la época barroca. La nueva polaridad tiple-bajo y el uso del 
Bajo continuo, modificaron el equilibrio entre las voces y sustituyeron la polifonía de voces iguales por la 
relevancia del bajo. 
En el contrapunto imitativo, las líneas melódicas estaban subordinadas a la sucesión de acordes del bajo, lo 
que dio lugar a un contrapunto conducido desde la armonía. 
 
Ritmo regular y ritmo flexible 
La música del periodo barroco fue muy métrica o muy libre. Los compositores usaron ritmos flexibles para el 
recitativo vocal y las piezas instrumentales improvisadas a solo, como tocatas y preludios. 
Para otro tipo de música, los ritmos regulares se hicieron cada vez más comunes. Las barras de compás, se 
volvieron usuales en todo tipo de música.  
Al principio estas barras delimitaban frases de longitud igual o desigual, pero a mediados de siglo se usaban 
en su sentido moderno para delimitar los compases.  
Los dos tipos de ritmo se utilizaron a menudo para crear contrastes como en el emparejamiento de recitativo 
y Aria. 
 
Los estilos idiomáticos 
La polifonía tendía a equiparar los estilos vocales e instrumentales. El papel del solista alentó a los 
compositores a escribir una música idiomática de un medio concreto.El desarrollo de la familia del violín fue 
especialmente importante ya que el movimiento del arco por encima de la cabeza, producía un sonido 
característico y penetrante.  
Los laudes e instrumentos de teclado poseían su propio estilo idiomático, adecuados a cada instrumento y a 
su técnica de interpretación.  
Las mejoras técnicas y los instrumentos de viento los hicieron aptos para la interpretación de solista. Los 
estilos de la voz y de cada familia de instrumentos cada vez eran más diferentes, y por ello los compositores 
podían usar giros idiomáticos de la música vocal para la música instrumental y viceversa. 
 
La ornamentación y la improvisación en la interpretación 
13 cualidades idiomáticas más destacado de música barroca es que esta música se concentra en intérprete y en 
la interpretación, no en el compositor. Los músicos del barroco considerada la música escrita con una base 
para la interpretación. De los intérpretes esperaba que añadiese algo descrito por el compositor. Los 
intérpretes del bajo consumo improvisaban acordes, melodía incluso contra puntos por encima del bajo 
grado. Los solistas vocales instrumentales ornamentaban las melodías mientras las ejecutaban. Estás 
prácticas varían de nación en nación y de una generación a otra. 
 
Para nosotros la palabra o ornamentacion sugiere el mero añadido de decoración, pero los músicos barrocos 
lo percibieron como un medio de mover los afectos. Encontramos dos maneras interna mentar una línea 
melódica: 
1. Fórmulas breves llamadas ornamentos, como trinos, grupetos, apoyaturas y mordentes, que se 
añadían a ciertas cosas para destacar en los puntos importantes de la melodía. 
2. Embellecimiento más amplios usando escalas, arpegios y similares para crear paráfrasis libres y 
elaboradas de la línea escrita. Podemos denominar a esto ocasionalmente como división, disminución 
o figuración era especialmente apropiado en melodías de tempo lento. 

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Los intérpretes eran libres no solo para añadir eventos a la partitura escrita, sino también para alterar la de 
otras maneras. Los cantantes añadían a menudo Cadenzas a las Arias. Las áreas por allí en las óperas o 
suscribirse por áreas diferentes. Secciones de conjuntos de variaciones o movimientos de Sweet omitirse o 
modificarse. 
En todos los aspectos, la música escrita se consideraba solo un guión que podía adaptarse según la 
convivencia de los intérpretes. 
 
De la música modal a la música tonal 
La organización armónica fue uno de los aspectos del barroco que no se mantuvo de forma constante.  
Los músicos del siglo XVII trabajaban aún dentro de los ocho modos eclesiásticos.  
En el último tercio del siglo, Corelli y Lully junto a otros compositores, escriben una música que sin duda 
podríamos llamar tonal, ya que operaba dentro del sistema de tonalidades mayores y menores empleada en 
la música de los siglos XVIII y XIX. 
En 1722 Rameau publica su tratado de armonía, la primera formulación teórica empleada para este nuevo 
sistema tonal que había estado vigente en la práctica durante más de medio siglo. 
La tonalidad evolucionó de forma gradual al igual que lo hizo el sistema modal que se empleaban en 
Renacimiento.  
El uso repetido de técnicas con progresiones carenciales típicas, el movimiento del bajo en cuarta o quinta, 
los esquemas convencionales del bajo o el uso de retardos para crear un movimiento hacia delante, acabaron 
por crear un conjunto consistente de rutina que podríamos llamar teoría. Todo esto no indica que una obra se 
ha sonado ya que la música de la primera mitad del siglo tiene esas características pero muestra la influencia 
continua de los modos.  
 
Innovaciones perdurables  
Muchas de las innovaciones de principios del siglo XVII perduraron durante siglos, estando algunas en uso 
aún. Estas son El interés por los efectos dramáticos, la expresividad emocional, el quebrantamiento de las 
reglas como recurso retórico, la polaridad tiple-bajo, la armonía de acordes, el cromatismo, la escritura 
idiomática y la tonalidad.  
 
Otras como él va contigo y el temperamento mesotónico, cayeron en desuso poco a poco. El papel del 
intérprete como compositor de la música diciendo yo a lo largo de los siglos XIX y XX, cuando el compositor 
pasó a ser más importante que el intérprete. 
 
La dedicación a la música barroca exige que aceptemos los valores y preferencias de quienes hicieron y 
escucharon esta música. Para ellos fue fundamental la concentración en el drama y el movimiento de los 
aspectos, encarnados en el desarrollo de un género nuevo la ópera.  
 
Biografía de Monteverdi 

Monteverdi escribió únicamente obras vocales y dramáticas. Tu música siempre se adecuaba perfectamente 
al texto. Era muy original a la hora de crear técnicas expresivas y de combinar estilos y géneros capaces de 
reproducir sentimientos y caracteres en la música. 
Monteverdi nació en Cremona.Formado por el director musical de la catedral un prolijo de la composición y 
publicó dos volúmenes de música sacra a los 16 años. 
En 1590 Monteverde hicieran consumado intérprete de viola tiene viola de gamba cuando entró en servicio de 
Vincenzo Gonzaga Duque de Mantua. 
En 1601 fue contratado como maestro de música de la capilla Dúrcal, 2 años después de su matrimonio con 
Claudia Cattaeno. 
Público sus cinco libros de madrigales entre 1587 y 1605, en los que muestra su dominio de Madrigal 
polifónico y su evolución desde un estilo tardo renacentista hacia un nuevo lenguaje altamente expresivo, la 
segunda práctica. 
Las primeras óperas de Monteverdi fueron Orfeo en 1607 y Ariana en 1608, pero de esta última solo se 
conserva un fragmento. Entre ambos estén a su esposa murió y Quedándose solo con tres niños pequeños.  
El nuevo duque de Mantua despidió a Monteverdi en 1612, pero al año siguiente este se convirtió en maestro 
de capilla de San Marcos de Venecia, lugar en el que permaneció hasta su muerte en 1643. Sus últimas óperas 
fueron el regreso de Ulises acabada en 1640 y la coronación de Popea en 1643 año de su muerte a los 76 años.