Principales métodos pedagógicos del siglo xx para la enseñanza de la música.

DALCROZE: “La educación por y para el ritmo es capaz de despertar el sentido artístico de todos
los que se someten a ella.

Ritmo, movimiento, improvisación y creatividad.

Nace en Viena en el 6 de julio de 1865 - 1950.

Se oponía al aprendizaje mecánico de la música.

Método:

El espacio pasa a formar parte del fenómeno sonoro y motor, estableciendo contacto a través de
la comunicación no verbal y la expresión personal.

Beneficios de la rítmica para niños a partir de seis años, no tardó en darse cuenta que estos
beneficios también podrían manifestarse en niños más pequeños, igual que en adultos e incluso
llevarlos al terreno de la educación de invidentes o discapacitados mentales

Quería desarrollar las destrezas:

Regularizar las reacciones nerviosas.

Desarrollar sus reflejos.

Establecer automatismos temporales.

Luchar contra las inhibiciones

Afinar su sensibilidad

Reforzar sus dinamismos

Establecer la claridad en las armonias de las corrientes nerviosas cerebrales.

Tres elementos básicos:

Movimiento Rítmico – Eurhythmics

Solfeo

Improvisación.

Principios fundamentales:
Expresión sensorial y motriz. El cuerpo se pone en acción conducido por la música. Es una
educación de base y a la vez de sensibilidad y motricidad. Esto hace que pueda ser aplicado a
edades muy tempranas.

Conocimiento intelectual.- que se introduce una vez adquirida la expresión sensorial y motriz.

Educación rítmica y musical.- educación global de la persona que abarca las facultades corporales
y mentales, proporcionando una mayor coordinación entre ellas e incluyendo en estas la
improvisación.

En su método es muy importante el número de alumnos, recomendándose

alrededor de 15 como la cifra idónea

Algunas actividades.

Los alumnos caminan libremente y cuando empieza la música adaptan poco a poco
su marcha al compás de la música, introduciendo los valores de las notas: las negras
para marchar; las corcheas para correr; y la corchea con puntillo y semicorchea para
saltar. Se desarrollan ejercicios apropiados para la orientación espacial (marchas en
círculo hacia derecha e izquierda) y para hacer sentir los matices (andar de puntillas
con música suave y marcando fuertemente el paso con música fuerte). También
movimientos expresivos para la interpretación y el carácter de la obra musical.
Además, el silencio se relaciona con la interrupción de las marchas.

Es importante señalar que los métodos establecen la guía para la creación de

actividades que ayuden a su aplicación. Podemos pasar la vida entera creando un sin
número de actividades. Solo la creatividad es el límite.

I
Virginia Hoge Mead
Professor of music education and eurhythmics, Kent State University, Kent, Ohio, and president of the
Dalcroze Society of America

https://es.calameo.com/read/0045194076871484e42d2 (para la clase)

https://www.dalcroze.org.au/dalcroze-eurythmics

file:///C:/Users/USER/Downloads/Dialnet-MetodoPedagogicoMusicalDalcroze-3946014.pdf

BACHMANN, Marie-Laure (1998). La rítmica Jaques Da-Dalcroze. Una educación por la música y
para la música. Madrid: Pirámide
WILLEMS: 1890 – 1978 Belgica – Suiza.

“...el concepto de educación musical y no el de instrucción o de enseñanza

musical, por entender que la educación musical es, en su naturaleza,
esencialmente humana y sirve para despertar y desarrollar las facultades
humanas”
“Jóvenes músicos, ¡no toleréis que se envilezca el arte más sutil, el más vivo, el más humano!
¡Colaborad con todas vuestras fuerzas para restituir a la Música la dignidad y el poder que
conviene a las cosas imperecederas!”.

Conseguir objetivos basados en las relaciones psicológicas que existen entre la música, el ser
humano y la sociedad.

La actividad musical se entiende como un campo abierto y plural que favorece el desarrollo
artístico y cultural en el que se combina el modo de hacer, el saber y el ser para mejorar la
inteligencia musical y la sensibilidad estética del alumno, como individualidad y como ser social.

La música como un lenguaje, como una progresión, desarrollando el oído o

“inteligencia auditiva”
Mezclar sonido, texto y gráficos de una sola vez limita las explicaciones teóricas, que en la
educación infantil pueden resultar aburridas, y permite además trabajar con instrumentos y
expresión corporal. El musicograma es la plasmación de esta forma de entender la música.

Por otra parte, el musicomovigrama se revela como la nueva tendencia para la que dibujar la
música ya no es suficiente, sino que se deben plasmar los sentimientos e imágenes mentales que
nos produce oírla. Y una vez escaneados esos trazos, verlos en movimiento mientras se escucha
la música sobre la que se ha trabajado.

En definitiva, como afirma K. Swanwick,

“todos somos potencialmente musicales, como todos somos potencialmente seres capaces de
adquirir el lenguaje; pero eso no significa que el desarrollo musical pueda darse sin estimulación
y sin nutrición, al igual que ocurre con la adquisición del lenguaje”.

Psicología y linguisticas.

Objetivos musicales:

Amar la música, en primer lugar como leguaje, pero también como un arte y una ciencia.

Cultivar la apertura al lenguaje y al arte musical de diferentes épocas y culturas diversas.

Desarrollar la sensibilidad auditiva y el sentido rítmico.

Desarrollar el canto, el solfeo, la práctica instrumental y la armonía.

Objetivos humanos:

Desarrollar la memoria, la imaginación y la expresión.

Que los niños amen la música y realicen con alegría su practica.

Conseguir que el niño desarrolle al máximo sus posibilidades

Ofrecer esta posibilidad a todos los niños

Dotar la enseñanza de la música de raíces humanas

Favorecer el desenvolvimiento del niño.

Desarrollar todas las facultades sensorio motrices, afectivas, mentales e intuitivas (inventivas y
creativas)

Fases: Sensorialidad (reacción ante el sonido)

Sensibilidad afectiva y emotiva (melodía)

Conciencia mental (armonía, polifonía).

Objetivos sociales:

Dirigirse a todos (niños, adolescentes o adultos) sean cuales sean sus dotes iniciales, su edad y su
origen.

Sacar partido de la situación de pequeños grupos para cultivar las riquezas y las exigencias del
encuentro con el otro (escucha, expresión propia, comunicación) LA ALTERIDAD.

Favorecer la prolongación de esta actividad en el medio educativo general, por ejemplo “la música
en la familia”.

La educación del oído musical, como un lenguaje, el sonido como elemento comunicativo. La
actividad musical no debe relacionarse con otro lenguaje, puesto que es un lenguaje interior, y los
dempas son exteriores. Advierte de que los procedimientos extramusicales son contraproducentes
porque dispersan la atención del niño y supone una perdida de tiempo para el educador.

Willems, E. (2001) El oído musical. La preparación auditiva del niño. Paidós. Barcelona.

http://www.filomusica.com/filo45/willems.html

Actividades: Reconocimiento auditivo del timbre, la intensidad, la duración.

Con los ojos cerrados, señalar el lugar de donde viene el sonido y caminar hacia él.

Identificar la altura del sonido mediante la escucha de la interpretación de un instrumento musical

por parte del maestro.

La improvisación melódica: Pregunta y respuesta.

Actividades: pregunto y contesto con música.

El ritmo se enseña mediante choques sonoros o golpes. Como en una mesa.

Actividades sobre el ritmo: Los primeros ejercicios serán de improvisación libre del niño
acompañados de la percusión corporal. No importa que no se ajusten a una métrica o a una
cuadratura. El profesor da una serie de golpes rápoidos sobre la msesa y ellos repiten por pura
sensación, sin contar, y se les pregunta ¿cuántos son?

Usar términos musicales específicos.

ORFF: Munich, 1895 – 1982

Orff-schulwerk: music for children (trabajo escolaren alemán). El método, además de ser utilizado
para enseñanza, también se usa en musicoterapia. Orff pone a los niños en el centro de su
pensamiento considerándolo como un ser separado, que quiere actor de su aprendizaje.

Considera que el contexto cultural es un elemento muy importante en el desarrollo de los individuos
y que es esencial tener en cuenta y explotar los recursos auténticos del país. Folclore pertenece al
mundo cultural y verbal, que también es por eso que interesa.

El participante es a la vez actor y espectador. Al igual que en la sociedad, todo el mundo participa
en el desarrollo colectivo, mientras que el desarrollo de su propio potencial. Esta es una razón por
la que está abierta a todos, sin elitismo.
Música elemental es la música del presente, por tanto, se dirige especialmente a los niños que
manipulan, exploran y hacerla evolucionar. Es también por académicos especializados en el uso de
una enseñanza de vida y que no se sienten tan sólo maestros, sino más bien guías creativas, socios.

Se trabaja con una escala pentatónica

Pionero en introducir la flauta dulce en las escuelas, debido a su bajo coste de adquisición; tamaño
apropiado a la edad infantil; facilidad técnica

A partir de instrumentos étnicos que Carl Orff, asistido por su amigo Klaus BECKER luthier, crear
un conjunto de instrumentos y navajas de percusión (xilófonos, metalófonos, timballes, bombos,
etc.).

Incursiona en el lenguaje, la voz y el ritmo combinándolos para desarrollar la comprensión

lingüística y musical. Trabaha con el vocabulario, entonación y distintas estructuras rítmicas.

Este método reúne los siguientes elementos en el proceso de enseñanza-aprendizaje.

 Observación
 Imitación
 Exploración-Experimentación
 Creación

Los 15 objetivos de Orff

1. Incrementa habilidades del lenguaje y conceptos

2. Incrementa la libertad de expresión
3. Desarrolla el respeto y la aceptación de los individuos a expresarse libremente
4. Incrementa el poder de control del cuerpo
5. Desarrollo de las relaciones espaciales
6. Fomenta el trabajo en equipo al desarrollar habilidades para trabajar en grupo
7. Desarrolla la habilidad de aceptar, comprender y usar comunicación verbal y no
verbal
8. Desarrolla el uso de relaciones espaciales
9. Motiva al ayudar a canalizar los instintos extrínsecos de los estímulos
intrínsecos
10. Un escape aceptable del estrés
11. Provee una experiencia musical positiva y exitosa
12. A tener libertad, diversión y disfrutar.
13. A participar voluntariamente
14. A descubrirse
15. A funcionar de manera independiente

Orff indica que hay que trabajar con instrumentos divididos en dos grupos:
Instrumentos de lámina:

 Carrillón soprano

 Carrillón contralto

 Instrumentación de metal

 Metalófono soprano

 Metalófono contralto

 Metalófono bajo

 Xilófono soprano

 Xilófono contralto

 Xilófono bajo

Instrumentos de pequeña percusión:

*Parches:

 Tambor

 Pandero

 Pandereta

 Bombo

 Timbal

 Bongo

{Pandero}

Idiófonos de madera:

 Claves

 Caja china

 Güiro

 Castañuelas
  Temple block

{Caja china}

Idiófonos de metal:

 triángulo

 Crótalo

 Platillos

{Triángulo

Trascendental: El método Orff sigue vigente por varios motivos: aporta a la pedagogía musical
unos instrumentos fáciles de tocar y animan niños.

Por otro lado, las rimas, canciones y refranes populares transmitidos por tradición oral, en los que
se basa el método, forman parte de la educación musical.

En musicoterapia y educación especial, también se emplea esta metodología. Aunque las

enseñanzas de Orff están en constante desarrollo.

https://metodoss.com/orff/#Historia_y_principios_del_Metodo_Orff

https://es.slideshare.net/abullejos/mtodo-orff PARA LA CLASEE

MARTENOT: 1898 – 1980 Francia. Violoncellista.

“El espíritu antes que la letra, el corazón antes que el intelecto”.

Libro: Principios fundamentales de educación musical y su aplicación.

Considera que el niño presenta las mismas reacciones psico-sensoriales y motoras que el hombre
primitivo, por lo que conviene trabajar el sentido instintivo del ritmo en su estado puro,
descartando en un principio las nociones de media y melodía.

Objetivos
Hacer amar profundamente la música.

Poner el desarrollo musical al serivicio de la educación.

Favorecer el desarrollo del ser.

Dar medios para canalizar las energías.

Transmitir los conocimientos teóricos en forma viva, concretándolos en juegos musicales.

Formar auditorios sensibles a la calidad.

Importante un aprendizaje progresivo del lenguaje musical y ampliar la formación de los alunos en
el campo estético general.

La característica general del método es la inclusión de la relajación activa en las actividades

educativas.

Educación de la voz canto por imitación

Solfeo a través de juegos con palabras

Improvisaciones

Lectura rímica en tres etapas: asociación, reconocimiento y expresión

Desarrollo auditvo: atención, audición interior y formación tonal y modal.

Elemento principal: Educación activa del solfeo.

Fundamentación pedagógica.

Desarrollo del sentido rítmico

Crea un instrumento llamado Claveharpe. Producidos por oscilaciones eléctricas. Incursionado en

la electrónica.

La música como liberadora de energías, capaz de diluir tristezas y desechar complejos, siendo esta
un importante factor de equilibrio que posibilita al niño expresarse con libertada.
El ambiente musical: referido al maestro desde la personalidad del mismo como al que emplea, el
profesor debe ser suave, firme, activo, inspirador de confianza y respeto que motive a los
estudiantes y además de crear en el aula una atmosfera de confianza de atenci+on y amor por la
música.

Los ejercicios físico-fisiologicos: procuran tener una adecuyada relajación y descando tanto físico
como mentales, necesarios para la salud y para la interpretación musical.

Los ejercicios físico-fisiológicos: procuran tener una adecuada relajación y descanso tanto
físicos como mentales, necesarios para la salud y para la interpretación musical.
4. El silencio: este debe ser tanto exterior como interior y se llega a este mediante relajación.
5. Alternancia entre la actividad y la relajación: según esta metodología en las primeras clases
se realizaran juegos de ritmos y creatividad y en la segunda ejercicios de atención auditiva y
firmeza de las emociones.

Por último Martenot propone una ruta pedagógica en la complementación de su metodología

enmarcado en los siguientes aspectos: el desarrollo del sentido del ritmo, la relajación, la
audición, la entonación, Creación y desarrollo del equilibrio tonal, iniciación al solfeo: lectura
rítmica y lectura de notas y armonía y transporte.

Tambien considera que el elemnto principal se basa en la educación activa del solfeo,
despertando la musicalidad de las personas. Considera que la educación musical debe poseer
la estructura:

Sentido rítmico.

Relajación

Atención auditiva

Entonación

Equilibrio tonal

Iniciación al solfeo: Lectura rítmica y de notas

Armonía y transporte.

Crea los cuadernos de solfeo.

Al igual que Orff, establece la palabra/el lenguaje como elemento básico para el aprendizaje.

Parte principal del método es la relajación.

El objetivo es dar paz y energía interior a los alumnos.

Se hace a través de una relajación segmentario, es decir, no nos relajamos del todo a la vez,
Vamos relajando las diversas partes del cuerpo: Primero los brazos, después los pues, luego la
cabeza y todo por separado.

Las posiciones son: de pie, acostado o sentado, seguir un orden concreto. También la respiración,
ejercicios de intensidad, etc.

Debemos dejar un espacio entre actividades para la relajación y para los más pequeños podemos
basarnos en los cuentos.

La importancia del silencio es primordial por lo que la creación musical y atención auditiva debe
partir desde el. Parte inmaterial de la música.

Audición interior

Formación sensorial.

Propone edad de 5 años para la iniciación musical y posteriormente comenzar la lectura musical.

Como variantes, en las clases con un número alto de alumnos, los juegos pueden realizarse de
forma colectiva.

Relajación Activa

Audición

Entonación

https://educacionmusicalvenezuela.blogspot.com/2008/08/metodo-maurice-martenot.html

http://www.educamus.es/index.php/metodo-martenot

https://sites.google.com/site/pedagogiamusi/m/metodo-martenot

KODALY, Zoltan: 1882 – 1967 Hungría

“La música es una parte indispensable de la cultura humana universal. Aquello que no poseen
conocimientos musicales tiene un desarrollo intelectual imperfecto. Sin música no existe hombre
completo e integral”

“Una profunda cultura musical se desarrolló solamente donde su fundamento era el canto. La voz
humana es accesible para todos y al mismo tiempo es el instrumento más perfecto y bello, por lo
que debe ser la base de la una cultura musical de masas”.
Junto al compositor Bela Bartok realizaron una renovación lunguistica del canto popular y un gran
estudio del patrimonio folklórico húngado. Crearon la Etnomusicología.

El trabajo de Kodaly se fundamenta en el canto coral a través del folklore húngaro y se basa en el
sistema pentatónico, el oído y el solfeo relativo, y la practica de la fononimia. Los instrumentos
son menos importantes que la voz, y los emplea como acompañamiento.

El método de educación musical que Kodaly ideo tiene como base la convicción de que las
capacidades del niño maduran y se desarrollan junto al conocimiento de los cantos de tradición
oral de su país, repertorio que define lengua materna musical.

Su método parte del principio de que “La música no se entiende como entidad abstracta(solfeo en
el plan antiguo sino vinculada a los elementos que la producen (voz e instrumento).

Practica elemental de percusión y sentido de la ejecución colectiva son los puntos principales en
que se asienta su método.

La canción es el primer paso para ser trabajado en el método Kodály. El músico consideró la
canción como el fundamento de la cultura musical de la voz es el signo más inmediato que se
comunica con la música por el tema en sí, que tiene el control sobre él.

El método hace hincapié en el coro , no sólo como medio de expresión musical, sino como un
ejercicio para el desarrollo emocional e intelectual. La experiencia del canto coral permite el
contacto con los parámetros musicales como el pulso , el ritmo de la forma y la melodía .

SOLFEJO MIMIC

El Mimic Solfeo o manosolfa es una combinación de gestos de la mano con la altura de las notas.
Es una actividad que el cuerpo utiliza los niños a la experiencia musical, como lo hizo Dalcrose en
su método. Cada uno de los cinco alturas solfejo relativa recibe una señal de mano y un nombre
(que puede ser el nombre de la nota musical ).

Este gesto se realizará en el espacio en el cuerpo de la persona en cinco alturas diferentes. Esta
actividad permite a los niños a ver el tiempo musical observar cómo las notas de “subir” o “abajo”,
mientras cantan y gesticulan ascendente y descendente melodías.

La fononimia (signos musicales) y el folclore como eje fundamental de la educación.

Según el articulo Las corales infantiles que escribió eestablecem los principales problemas que
intentara dar solución

La música es tan necesarioa como el aire: El papel de la música en la educación debería ser tan
importan como lo fue en la antigua grecia.
Solo lo auténticamente ar5tístico es valioso para los niños. El analfabetismo musical impide la
cultura musical y esta es la causa de la escasa asistencia a los conciertos.

La auténtica música folclórica debe ser la base de la expresión musical nacional en todos los
niveles de la educación.

Conocer los elementos de la música a través de la práctica vocal e instrumental.

Lograr una educación musical para todos, considerando la música en igualdad con otras materias
del círculo. Evitar que los niños se acostumbre de pequeños a la música de mala calidad.

Una vez dominada la música tradicional, se debería introducir material musical extranjero.

La organización de la enseñanza es una de las tareas del estado, el dinero así gastado se
recuperará en años sucesivos, en conciertes y representaciones de opera.

El contexto en el que Kodaly realiza sus postulaciones estpa enmarcado con el nacionalismo
musical.

Enseñanza Obligatoria:

Parvulario: Juegos de 30 minutos cada 2 semanas.

Primaria:

5n años: 2 clases semanales de canto de 30. Minutos.

7 a 14 años: 2 clases semanales de canto de 50 minutos.

8 a 14 años: 2 sesiones semanales de niños seleccionados además de los normales.

Secundaria:

14 a 16. Clases opcionales de canto coral, orquesta escolar e historia de la música.

Aquellos niños que quieran tocar un instrumento, tienen la posibilidad de asistir a una escula de
música especial.

El método exige un plan de formación del profesorado. La enseñanza de las escuelas de magisterio
se organiza de la siguiente manera:

Titulación: tres años y diploma para dar de 1 a 4

Titulacion: cuatro años y un diploma para dar clases de 5 a 8

Titulacion: dos años para maestro de párvulos.

Kodaly prestó especial atención al analfabetismo musical, ya que impedia al analfabeto una
percepción de la calidad musical.

Kodaly se enfoca también en la percepción auditiva sin ayuda del piano, más bien el a lectura de la
música.

Utiliza instrumentos con sonoridad brillante.

Para educar al niño inconscientemente en una afinación interna auditiva, correcta, el profesor
realizará ejercicios fononímicos practicos en los que el alumno emitirá el sonido correspondiente a
la nota que festicule y memorizará los intervalos que se dan en las relaciones.

El método utiliza además de la propia voz el material didácdtico elaborado: Pizarra y pentagrama
magnético, con fuezas de figuras, silencioes y demás signos.

Instrumentos musicales de percusión y melódicos

Cartulinas con figuras rítmicas.

Este método, además de innovador, es pionero en el desarrollo musical internacional. Por su

carácter nacional, su aplicación a los diversos países exige un esfuerzo para adaptarlos.

Su pedagogía:

La lecto escritura.

Las sílabas rítmicas

La fononomia – Signos manuales

El solfeo relativo – Do móvil

Euritmica

Discruminación Auditiva.
WARD Justine 1879 – 1975 Estados Unidos.

“La música es una gran educadora. Actúa directamente sobre la inteligencia, la volundad y la
sensibilidad, tanto para el como para el mal. Después de la religión, la música llega, de la manera
más profunda, a la fuente de los sentimientos”.

Enfoque exclusivo al canto de los niños. Considera la voz como el instrumento más importante, y
que todos los niños son capacaes de cantar afinadaente con la formación vocal y auditiva
adecuadas.

Estas corrientes pedagógico-musicales pretenden que la educación musical, sea una educación
universal para todos los niños/as, y no solo para los que dispongan de una especial dotación para
la música. Así, el niño/a debería aprender el lenguaje musical de manera natural, es decir, de la
misma forma que aprende a hablar.

El método se aplicó principalmente para el canto gregoriano y como consecuencia del Concilio
Vatica II donde se autorizó el uso de los canto en la lengua de cada país, el sistema establecido por
Ward se dejó de utilizar hacia 1966.

Este método tiene tres puntos u objetivos importantes:

Entoncacion perfectamente afinada: Concede gran importancia a la educación de la voz, no solo a

la entonación correcta, incidiendo en el empleo de gesto quirinímicos propios del canto
gregoriano (fononimia)

Precisión rítmica: Define el ritmo como el alma de la composición musical, al poner en relación dos
elementos importantes: El impulso y la recaía.

El control de la voz: Considera la voz como el instrumento más importante. Cada sonido debe
emirtise claro, puro, afinado y agil.

lleva a cabo una clasificación de las voces según el grado de perfección adquirido, aunque no se
descarta a nadie, ya que lo que se busca es el mejor perfeccionamiento posible. Según este
grado de perfeccionamiento, Ward clasifica las voces en tres tipos:

1. Óptimas: buena voz y sentido del ritmo.

2. Regulares: buena voz y regular sentido del ritmo; o buenj sentido del ritmo y regular voz.

3. Poseen mala voz y mal sentido del ritmo.

 Este método también usa una notación cifrada, correspondiendo a una altura relativa de
cualquier tonalidad mayor. Los sonidos se representan corporalmente, y su representación
gráfica se hace por medio de números del 1 al 7, correspondientes a las 7 notas de la escala.

El trabajo en las sesiones las divide en Ejercicios Vocales, Entonación, Ritmo, y posteriormente le
añadimos la Lectura Solfística.