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I. Introducción 4
II. Objetivos 6
1. Del documento
2. Del curso
III. Políticas 7
V. Programa de Enseñanza 11
VI. Evaluación 55
VII. Definiciones 57
VIII. Bibliografía 60
− Anexos
Estas actividades representan una opción importante para la población por lo que se han
diseñado cursos, dentro de la estrategia de Educación Artística y Artesanal, que buscan
brindar de manera integral, acciones que promuevan la salud, la recreación y el
mejoramiento del nivel y calidad de vida de esta.
En esta Guía Didáctica para el Curso de Ritmos Afrolatinos y Baile de salón se presentan
los elementos esenciales para que el personal de Actividades Artísticas de Danza
contribuya a que esta disciplina artística sea un vehículo de desarrollo personal y social de
la población usuaria, mediante el descubrimiento y consolidación de sus habilidades, el
estímulo de su potencial creativo, la sensibilización hacia las posibilidades que les brindan
las artes para expresarse y comunicarse con su entorno, enriquecer su cultura y
finalmente para mantener su salud.
Los ritmos afrolatinos y baile de salón están ligados a las formas de expresión dancística
populares, de ahí que su historia se haya desarrollado de modo paralelo a la de los grupos
sociales. Hay dos maneras básicas de bailarlos: suelto o en pareja. En ambos casos, el
baile es visto como una experiencia placentera con fines de socialización y dependiendo
de la técnica empleada, puede alcanzar una alta calidad estética, que se plasma en la
forma personal de movimiento, el ritmo, la sensación de libertad, la coordinación y
comunicación, así como la capacidad de improvisación para crear pasos y secuencias de
movimiento.
Las orientadoras y los orientadores podrán abordar bailes provenientes de tres grandes
influencias: africana, europea y norteamericana, abarcando ritmos y estilos de origen
afrolatino, como el danzón, el vallenato, la bachata, el son cubano (a melodía o clave), la
rumba, el bolero, el mambo, el cha-cha-chá, la samba, el merengue, la lambada, la
quebradita y el estilo de banda. Entre los baile de salón de origen europeo que se pueden
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practicar están el vals vienés, el chotis, la mazurca y la polca; mientras que de los baile de
salón de origen norteamericano podemos mencionar el rock and roll, el swing o el
charlestón, entre otros.
En cuanto al trabajo con cada uno de los estilos propuestos, será necesario abordar no
sólo los aspectos musicales y dancísticos, sino también aquellos aspectos formales y
contextuales que le darán a la población usuaria una visión integral de cada uno de los
estilos que aprende, pudiendo reconocer incluso sus valores estéticos y socioculturales.
El contenido de esta guía didáctica fue realizado con la participación de los maestros
Fernando Aragón Monroy, de la Escuela Nacional de Danza “Gloria y Nellie Campobello”
del INBA y Enrique Humberto López Sánchez, orientador de actividades artísticas, rama
Danza Clásica y Moderna, del Centro de Seguridad Social La Paz, Baja California Sur.
1. Del Documento
2. Del Curso
• Promover entre la población usuaria el gusto por las actividades culturales tanto en
sus posibilidades de representación, como en el disfrute y apreciación de los
diferentes trabajos artísticos.
Beneficios saludables que podemos adquirir a partir del curso de ritmos afrolatinos
y baile de salón.
Desde el inicio del curso se recomienda a las orientadoras y los orientadores poner en
práctica actividades individuales, en pareja y en grupo, que favorezcan la desinhibición y la
toma de conciencia del cuerpo al bailar. Así, los movimientos surgirán de manera
espontánea y fluida, donde aflorará la personalidad de cada uno de los integrantes del
grupo.
Se sugiere brindar una clase técnica que considere dentro de su estructura, los siguientes
elementos: calentamiento acorde al ritmo o baile a trabajar, música acorde a las
características del grupo y material dancístico, técnica general que favorezca la
adquisición de habilidades para el desarrollo del movimiento y de la danza, técnica
específica, improvisación/composición de secuencias, relajación y recuperación del ritmo
cardíaco. Esto favorecerá no sólo el aprendizaje de pasos y secuencias básicas de cada
ritmo y baile, sus posturas y figuras características, sino también entender la danza como
una actividad organizada y sistemática.
Niñas y niños
“A las niñas y niños hay que enseñarlos a pensar; las personas sobresalientes nunca han
sido versiones de alguien más, si permitimos a las niñas y los niños a explorar sus
habilidades les daremos el regalo de reconocer sus talentos y de apreciar los de las otras
personas”. Tomado del video La flor basado en el cuento “El niño pequeño” de
Hellen Buckley.
La danza está constituida por imágenes y sensaciones, que resultan fundamentales para
el trabajo con población infantil. El aprendizaje basado en el juego constituye una
herramienta para el trabajo con niñas y niños, sin embargo debemos dejar de lado la idea
de que la clase es sólo un espacio de entretenimiento, para considerarla como un lugar de
construcción de aprendizajes, donde los pequeños se reconozcan a través de la danza y
se comuniquen con su entorno social.
Adultos mayores.
Con el paso del tiempo las personas van perdiendo capacidades y habilidades
psicomotoras, lo cual no quiere decir que la danza esté fuera de sus vidas; por el contrario
puede constituirse en un recurso terapéutico que favorezca el desarrollo físico, intelectual
y espiritual. Y aunque el proceso de enseñanza y aprendizaje es distinto, no tiene porqué
limitarse, más bien se trata de saber escuchar y observar el desempeño de cada usuaria y
usuario, para que viva la danza de manera placentera. Por ello, los ejercicios y el
repertorio tendrán que ajustarse a las necesidades de esta población.
La escenificación del baile con adultos mayores no busca el virtuosismo técnico, más bien
intenta rescatar el disfrute y el gozo por el movimiento, independientemente de la edad. El
trabajo con este tipo de población no debe perder la disciplina que conlleva una
presentación, pues sólo así se entenderá la danza como un espacio recreativo con un alto
sentido cultural y estético.
Desde esta perspectiva, basada en una cultura de inclusión, el primer reto que tiene que
enfrentar la orientadora o el orientador es abandonar la idea de que la danza es
únicamente para personas con cuerpos esbeltos y dotados, con amplias aptitudes y
capacidades físicas, pues lo anterior limita el acceso de personas y grupos muy amplios.
Los principios que guían la enseñanza del baile con grupos con discapacidad, son
los siguientes:
• El cuerpo, es el eje del mundo para cada uno de nosotros, pues a través de él
tomamos conciencia de nosotros mismos y de todo lo que nos rodea, es el elemento
que nos relaciona con objetos y seres vivos.
• El movimiento, es la proyección de nosotros mismos hacia el entorno que nos rodea
y hacia los demás, el movimiento expresa a quién se mueve, habiendo muchos tipos
de movimientos, siendo unos más expresivos que otros.
• El ritmo, es el flujo de movimiento controlado o medido, sonoro o visual, generalmente
producido por una ordenación de elementos diferentes del medio en cuestión.
• La comunicación, la definiremos como la capacidad de intercambiar mensajes, no
sólo hablar y escribir, sino que abarca todas las formas que el ser humano puede
utilizar para comunicarse, va más allá de la comunicación verbal consciente.
2. Ritmos Afrolatinos
Institute for Latino Studies University of Notre Dame Student Research Series, Afro-
latinos, abril 2012, volumen 5.
Los primeros africanos llegaron a las Américas con los españoles o los portugueses, como
esclavos. En los primeros años de las colonias, los esclavos africanos eran la mayoría de
la población en lugares como Brasil y varios países del Caribe. Esta situación colonial
propició las condiciones para el surgimiento de nuevas razas, entre ellas la mezcla del
africano, del indígena, y del europeo.
Aunque la manera en que llegaron los africanos a las Américas haya sido violenta, lo
importante es reconocer cómo ellos han enriquecido las culturas latinoamericanas.
Trajeron muchos elementos culturales de África que hoy en día forman parte de la cultura
latina, como las tradiciones y los ritmos musicales.
La gran mayoría de los esclavos africanos fueron llevados a Brasil, pero cantidades
significantes fueron llevados al Caribe y la zona del Pacífico. También hay comunidades
afro-descendientes en lugares que típicamente se conocen por la predominancia de
culturas indígenas, como México y Perú. Es fácil pensar que no hay personas de raíces
africanas en México, porque en los medios de comunicación casi no aparecen. Pero como
señala el sitio de la web http://www.afromexico.com, hay una larga y rica historia de afro-
mexicanos. La Costa Chica y el estado de Veracruz son dos lugares donde hay una mayor
concentración de afro-mexicanos. Es especialmente importante reconocer las
comunidades Afro Latinas en lugares como México y Perú porque no están tan presentes
en las representaciones culturales de estos países.
• La música Afro-Latina
Es quizás el más obvio ejemplo de sincretismo y mestizaje. Como es un arte que siempre
se da a la innovación y a la mezcla, es una plataforma perfecta para las diferentes
influencias culturales. Las influencias africanas en la música son evidentes en los ritmos y
el uso de instrumentos como los tambores.
Por ejemplo, el son cubano es un género musical que tiene raíces europeas y bantú. Este
género sirve como base y fusión para muchas otras músicas cubanas como el jazz
afrocubano y la salsa.
Virginia Montero compartió información sobre una tradición musical venezolana que se
llama “tambor”. “Hasta los niños en pañales saben bailar tambor!” dijo ella. Es un género
con mucha influencia africana en cuanto al ritmo y proviene de la región de Barlovento en
Venezuela, donde hay mucha producción de cacao y una población grande de afro-
venezolanos. Pero el tambor, según Virginia, es una música que se escucha en toda
Venezuela, “no hay fiesta que no termina con tambor”.
Otro género que surge de las comunidades latinas en Nueva York es el Latín jazz o el jazz
afrocubano. Se basa en el ritmo de la clave cubana e incluye las armonías del jazz
afroamericano. Es otro género que ha ganado fama internacional y que se disfruta en todo
el mundo.
Son aquellos que baila una pareja de forma coordinada y siguiendo el ritmo de la música.
En su origen eran meramente lúdicos y populares y su repercusión social fue de tal
magnitud que dio lugar a la creación de salas específicas que -dotadas de una orquesta y
un pavimento adecuado- facilitaran su práctica. En la actualidad se practican también
como modalidad deportiva en competiciones organizadas y reglamentadas por las
correspondientes federaciones nacionales e internacionales.
Actividades de aprendizaje.
El uso de música es indispensable en el trabajo con los ritmos afrolatinos y baile de salón,
ya que guarda una estrecha relación con el baile, de ahí que se sugiera escuchar autores
representativos de cada ritmo, la lectura de información específica sobre el estilo y la
observación vía Internet de ejemplos de las manifestaciones dancísticas en cuestión. (Ver
el nivel de enseñanza 4).
1. El Ritmo y el Movimiento.
El ritmo, en la música engloba todo aquello que pertenece al movimiento que impulsa
está en el tiempo; en la danza, gobierna los movimientos del cuerpo. Tiene mucho que
ver con definir el compás, el tipo de compás que define al acento y a las figuras
musicales que la componen. Este no se escribe con pentagrama, sólo con la figura
musical definitoria de la duración del pulso, si al pentagrama se le agregan notas
musicales aparece el sonido. Al sumar los acentos, figuras y un compás definido por el
ritmo, surge la melodía.
Compás: Es una manera de organizar el ritmo de una obra musical. Es la subdivisión del
tiempo, usando un numerador que indica la cantidad de notas que entran y un
denominador que indica la calidad, es decir si es negra, corchea, etc.
Cada compás se divide en partes de igual duración, llamadas tiempos, que suelen
coincidir con la pulsación. Según el número de tiempos se establecen tres clases de
compases: binario (dos tiempos), ternario (tres tiempos) y cuaternario (cuatro tiempos).
Tiempo: Una constante que se mantiene y que hace que el ritmo o cualquier otra parte
de la música se mantenga.
Pulso: El elemento más básico del ritmo es el pulso, el pulso organiza el tiempo en
partes iguales con la misma duración y con la misma acentuación, (uno, dos, tres,
cuatro,...). Es el latido de la música.
Ritmos básicos
Los ritmos básicos se obtienen al combinar pulso y acentos.
• El ritmo binario divide el tiempo en dos partes iguales acentuando más el primero: Un
dos/Un dos, este ritmo está presente, por ejemplo, en las marchas militares.
• El ritmo ternario, por otra parte, divide el tiempo en tres partes iguales acentuando más
el primero: Un dos tres/Un dos tres, este ritmo lo podemos encontrar en determinados
tipos de danzas como en los vals o en las sevillanas.
• El ritmo cuaternario, por último, divide el tiempo en cuatro partes iguales y acentúa más
el primero y un poco el tercero: Un dos Tres cuatro/Un dos Tres cuatro, este ritmo lo
podemos encontrar en gran parte de la música ligera contemporánea: jazz, pop, rock,
etc.
2. El Baile
"La música y el baile son dos artes que se complementan y forman la belleza y la fuerza
que son la base de la felicidad humana".
Sócrates.
http://www.efdeportes.com/efd46/baile.htm, artículo de internet.
El baile como tal, sugiere en las personas un deseo interno por comunicar algo de sí que
lo caracterice; puede ser a través de la expresión de su forma de vida, como sus
pensamientos y sus emociones; puede ser a través de la expresión de las costumbres y
saberes de sus antepasados o por la necesidad lúdica del ser humano.
Puesto que la imagen creada a través del cuerpo, puede ser expresada en el baile, esta
implica una relación directa con la percepción simbólica de los sujetos; en tal sentido,
cuando el hombre y la mujer crean un conjunto de símbolos e imágenes expresados por
movimientos rítmicos, están dando una connotación de baile como medio de comunicación
entre los seres humanos, pueblos y sociedades.
Desde esta perspectiva, se evidencia como el individuo necesita expresar todo lo que
siente no sólo a través de la palabra sino con la expresión propia de su ser. Por ello, el
baile se ubica dentro de las artes, ya que su eje central es el de comunicar una idea o un
sentimiento por medio de expresiones, consideradas estas "como todo aquello que
concierne a lo que la persona vive con sus afectos y con sus emociones". Le Boulch,
Jean, El movimiento en el desarrollo de la persona, (1998, p. 32).
Por tanto, toda acción de comunicación que va dirigida a otra persona, puede ser cargada
de expresión; pues de lo contrario, sería una acción sin expresión, sin sentido, puesto que
el lenguaje no puede carecer totalmente de afectividad.
El baile entonces, es parte complementaria del sujeto, ya que todo sujeto siente el deseo
de manifestar algo de su cotidianidad ante los demás, pues el hombre según Lifar, Serge,
en su libro La danza, (1978, p. 23) "Ha bailado y seguirá bailando por encima de la
palabra", dado que este deseo de querer exteriorizar y comunicar un acto simbólico que
hace parte de su vida, no lo puede reemplazar la expresión oral, sino que debe involucrar
todo su cuerpo.
Por ejemplo: "Cuando el hombre corteja a una dama y la galantea hasta hacerla suya, los
movimientos del hombre son discretos, alegres y varoniles; la mujer se muestra tímida
pero baila con alegría y delicadeza y ellos se transan en una lucha de conquista...
haciendo que el juego amoroso sea más atractivo e interesante, tanto para quienes lo
bailan como para quienes se divierten de él". Se está evidenciando un acto simbólico que
se hace realidad por medio de una secuencia de imágenes que se manifiestan a través de
gestos expresivos. (Londoño 1989, explicando el baile del bambuco en Colombia).
Londoño, Alberto, en su libro de Baila Colombia, (1995, p. 8), expresa que el baile es
"una serie de mudanzas que hacen los que bailan, es movimiento rítmico; la expresión
corporal que se hace al compás de la música... baile es danza". Con lo que está
significando que un baile o bailes hacen parte del gran mundo de la danza; a la vez que
ella hace parte de este. Con la danza como universo del baile se expresan sentimientos y
emociones culturales. En tal sentido, la danza es una de las artes más humanas, pues en
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ella se unen el espíritu y el cuerpo al servicio de la belleza corporal, de la salud, de la
inteligencia y el conocimiento.
En este sentido, cuando se habla de danza, no se está haciendo referencia de igual forma
al baile; pues en el primer caso, tiene albergue el conjunto de emociones, sentimientos,
ideas y pasiones expresados; y en el segundo caso, se refiere al medio a través del cual
se ponen en escena tales aspectos. Baile, es aquella parte que hace de la danza una
realidad, en la cual una persona entra en su mundo. La danza al querer expresar un acto
simbólico como el amor, la pasión, las costumbres o el modo de ser de un individuo o de
una comunidad, lo hace por intermedio del baile o bailes.
Serrano A., Fernando, por ejemplo, al hacer un estudio entre el consumo del Rock de los
jóvenes urbanos, toma un relato de un joven quien considera esta diferencia al decir. "En
el concierto siento algo que está faltando, es la manada, porque ahí es donde uno pierde
ese ser social... con los demás uno pogea, ese antibaile que es negativo que lo llaman
baile (Pogo) porque justamente constituye para mi negar eso, el baile de compromiso...";
en esta expresión, el joven considera que la danza es mucho más que el baile, pues ésta
implica comprometer a la manada en el sentimiento que ocasiona la acción de bailar.
También se puede bailar por simple diversión; es decir, como juego donde hay una
liberación de energía en forma gratuita sin ningún propósito determinado y con el ánimo de
traer alegría al cuerpo. En este sentido Le Boulch, Jean afirma "que el juego es común al
hombre y a los animales, y sus manifestaciones más primitivas son descargas motrices
que toman el aspecto de gritos, de carreras y de gesticulaciones diversas..."
esencialmente el juego aparece como una forma de expresión.
Por todo lo anterior, se puede observar una diferencia entre danza y baile. Pese a que los
dos se complementan y están íntimamente relacionadas. Sin embargo, aunque la danza
se hace visible por medio de bailes, no siempre se baila para comunicar algo en sí,
sino que se puede bailar por alegría, diversión y desfogue de energía, siendo una
práctica como dice Gardner, Howard (1991, p. 28) en forma de juego (libre y
espontáneamente); por el contrario, la danza comunica un estado vivido, la cual va más
allá del simple juego(sin querer decir con esto, que el que danza no juega; pues también
se puede jugar con gran significación y no sólo por divertirse) siendo a su vez, más
extensa y holística que el baile.
La danza permite que muchos sujetos le encuentren sentido y razón a su modo de ser y
de actuar, ocupando un lugar importante dentro de la vida de aquel que la práctica. No
obstante, dice Le Boulch, "danza y juego difieren por la significación que encierran
respecto a la conducta del individuo que juega (baila); el juego es una actividad
relacionada con las cosas ubicando su resultado en el nivel de la operatividad¨. Pero otros
hacen de la danza su razón de ser y de vivir, su ser proyecto al arrojarse a su mundo, el
cual en muchas ocasiones es incomprendido por su alto grado de expresión y
significatividad.
Actividades de aprendizaje
• ¿En qué país o región tiene su origen?, ¿cómo se baila en ese lugar? ¿para qué se
baila?
• ¿Cuál ha sido su desarrollo histórico?
• ¿Cómo se han transformado sus movimientos?, ¿qué otras culturas lo bailan
actualmente?, ¿cómo la bailan?
El uso de música es indispensable en el trabajo con los ritmos afrolatinos y baile de salón,
ya que guarda una estrecha relación con el baile, de ahí que se sugiera escuchar autores
representativos de cada ritmo, la lectura de información específica sobre el estilo y la
observación vía Internet de ejemplos de las manifestaciones dancísticas en cuestión. (Ver
el nivel de enseñanza 4).
¿Qué es la expresión?
Primero debemos diferenciar los siguientes conceptos, que están relacionados pero que
no son lo mismo:
¿Qué es la comunicación?
Son los instrumentos más importantes de expresión y comunicación que posee el ser
humano.
El cuerpo humano puede adquirir su propio lenguaje, con un ritmo y con una intensidad. Y
el resultado es la expresión corporal.
Tanto la danza como la educación física recurren a juegos de iniciación para despertar la
capacidad del cuerpo humano de expresarse mediante su cuerpo. Y para hacerlo recurren
a juegos activos en los que se aprende a controlar y a sentir el cuerpo como medio de
comunicación.
Los expertos en comunicación se refieren al lenguaje no verbal, es decir, todo aquello que
el cuerpo expresa de manera inconsciente y espontánea. Para que nuestra comunicación
sea más efectiva, estos especialistas dan importancia a la corrección de los movimientos
innatos y proponen técnicas para canalizar correctamente nuestros gestos y movimientos.
Actividades de aprendizaje
El uso de música es indispensable en el trabajo con los ritmos afrolatinos y baile de salón,
ya que guarda una estrecha relación con el baile, de ahí que se sugiera escuchar autores
representativos de cada ritmo, la lectura de información específica sobre el estilo y la
observación vía Internet de ejemplos de las manifestaciones dancísticas en cuestión. (Ver
el nivel de enseñanza 4).
a. Ritmos Afrolatinos:
• Cumbia
Técnica: Folclórica (ritmo de raíces africanas e indígenas de la época de la Conquista y
estilos actuales)
Monografía:
Ritmo calificado como melancólico y sensual; practicado por los esclavos negros traídos
del África (alrededor de lumbradas o con simples candelas en las manos) después de sus
jornadas de trabajo. Conjuga melodías indígenas y ritmos africanos (deriva del cumbé,
danza de Guinea Ecuatorial). A través del tiempo la cumbia ha sufrido adaptaciones en los
diferentes países en donde se escucha por lo cual podemos encontrar cumbia Mexicana,
Argentina, Salvadoreña, boliviana, etc.
Cumbia Panameña: género musical y danza folclórica de Panamá, desarrollada por los
negros esclavos durante la época colonial y posteriormente sincretizada con elementos
hispánicos y amerindios.
En el baile, la mujer se mueve con pasos menudos y posición erguida; tomando la falda
con ambas manos y extendiéndola lateralmente; cambiando el perfil según la dirección de
desplazamiento deseado. Mientras el hombre gira en torno a ella con agilidad; brazo
izquierdo al aire y brazo derecho con sombrero en mano cubre el sol a la mujer.
Discografía:
Totó la Momposina
Martina Camargo
• Mambo.
Técnica: Paso sincopado, paso deslizado. Brazos y manos. Vuelta.
Monografía:
La palabra mambo es de origen africano, de la región del Congo, algunos lo han traducido
como "conversación con los dioses", conversación o conocimiento. También se les llama
mambo a las sacerdotisas vudú en Haití.
El mambo se desarrolla a partir del danzón, el baile Nacional de Cuba y el son montuno
de Arsenio Rodriguez; el danzón en los años treinta fue el género más popular en las
pistas de baile habaneras.
En 1940 el son cubano evolucionó hacia un tiempo más acelerado con la incorporación de
la conga, piano y otra trompeta en el conjunto de Arsenio Rodríguez, que fue
incorporando estilos cada vez más atrevidos y agresivos. La interdependencia creciente
entre músicos y bailadores hizo posible que la percusión fuera adquiriendo poco a poco
un papel cada vez más predominante. En aquellos tiempos, López Cachao formaba parte
de la Orquesta Charanga de Arcaño y sus Maravillas, estilo el cual llamaron mambo del
danzón. Luego Dámaso Pérez Prado y Beny Moré estilizaron el estilo con arreglos más
"internacionales" y agrupaciones más bien en formato de jazz. Pérez Prado tomo la
síncopa de él son montuno y el nombre mambo, del danzón de Orestes López y
desarrolla el ritmo afincado en la base del son montuno integrándole nuevas melodías,
saxofones y trombones haciéndolo famoso en el resto del mundo. De igual forma, los
arreglos orquestales de Dámaso Pérez Prado, le aportaron una sonoridad nueva sin
precedentes hasta ese entonces. En los años siguientes se fusionarían también el mambo
y el jazz afrocubano.
El mambo se baila siguiendo un ritmo sincopado, con cuatro pasos por compás o sea 4/4,
nota musical tomada del son cubano y trasmitido al son montuno en el cual se apoya la
base del mambo de Pérez Prado y de José Curbelo. Se marcan los cuatro tiempos, con
movimientos fuertes y frecuentes flexiones de las articulaciones de pies y brazos. Este es
un baile "fuerte" que requiere velocidad de pies, mucha energía y pocas inhibiciones.
En la actualidad el mambo es uno de los ritmos latinos que se enseñan en clases de baile
de salón, aunque en muchas escuelas tiende a confundírsele con el son montuno o
guaracha comercialmente llamados salsa en Nueva York.
Discografía:
Dámaso Pérez Prado
Monografía:
Es un género musical bailable originado en la República Dominicana a principios del siglo
XIX. Es muy popular en Hispanoamérica, donde es considerado, junto con la salsa, como
uno de los grandes géneros musicales bailables que distinguen el gentilicio
latinoamericano.
En 1875 el presidente Ulises Francisco Espaillat (conocido por sus escritos contra el
merengue) inició una campaña contra el merengue por sus bailes y letras explícitas, pero
fue totalmente inútil pues ya el baile se había adueñado del Cibao donde se hizo fuerte a
tal punto que se asocia hoy esta región como cuna del merengue.
Como fueron músicos cultos los que fijaron la forma musical del nuevo merengue, los
músicos populares trataron de imitar y seguir este modelo, mientras que el hombre de
campo continuó tocando el merengue en su forma original. Esto dio origen a dos formas
de merengue: el merengue folclórico o típico, que aún se encuentra en los campos y el
merengue de salón, propio de los centros urbanos. De esta manera, desplazó a algunos
otros bailes típicos como la tumba, que requería gran esfuerzo físico y mental, mientras
que la coreografía del merengue, en la que el hombre y la mujer no se sueltan nunca, era
bastante simple, aunque poco a poco fueron desarrollándose diversas figuras para este
baile de salón.
Discografía:
Wilfrido Vargas
Johny Ventura
Los hermanos Rosario
Fernando Villalona
• Son cubano
En el son se mezclan los sonidos de los instrumentos de cuerda con los instrumentos de
percusión, incorpora la guitarra y el tres, un instrumento de cuerdas de Cuba, e
instrumentos de percusión tales como los bongós, las maracas y las claves.
A nivel rítmico, el son hereda el sonido del ritmo Changüi. Cuando el son viaja a La
Habana a principios del siglo XX también incorpora el ritmo de la clave, que recoge de la
rumba cubana.
A principios del siglo XX, el son era un género marginado a las clases pobres. Solamente
lo escuchaban y bailaban las clases trabajadoras y los afrocubanos. En esa época en
Cuba existía mucha discriminación contra los negros y contra la cultura de origen africano.
El son era considerado una música inferior y un baile indecente. A pesar de estos
prejuicios, la popularidad del son creció con fervor.
La radio se inicia en Cuba a finales de los años 20 y el son se empieza a propagar a nivel
masivo. Se empiezan a hacer las primeras grabaciones de son. El son se convierte en la
música bailable más popular de la época. A principios de los años 30 el son es el género
musical y baile de mayor influencia en Cuba. Recibe un sello de aprobación oficial cuando
el Presidente Machado le pide a “La Sonora Matancera” que toque en su fiesta de
cumpleaños.
El baile del son surgió al mismo tiempo que la música. Al principio el baile causó un
escándalo enorme, lo prohibieron por ser una amenaza al orden público y a las buenas
costumbres; el baile de pareja popular de esa época era el danzón, que también había
sido rechazado en sus inicios.
En el son la pareja bailaba en una posición mucho más cercana, los cuerpos se pegaban,
las piernas se entrelazaban y las mujeres movían las caderas sensualmente, ante esto la
popularidad del baile no se pudo evitar, a pesar de que recibió rechazo al principio. El baile
del son no sólo se volvió popular, también se convirtió en un baile pionero de gran
influencia.
Este ya no tiene la enorme popularidad que tuvo durante los años treinta. Sin embargo,
sigue teniendo fervientes seguidores en Cuba y en países tales como Puerto Rico,
República Dominicana, Venezuela, Colombia, Perú, Estados Unidos y España.
La mayor influencia de este se puede sentir hoy en día en la salsa, ya que es uno de sus
principales fundamentos tanto en su música como en su baile. El son es además un
género que incluye la mayoría de los géneros musicales y bailes en el mundo latino.
Discografía:
Arsenio Rodríguez
Los Compadres
Cuarteto Patria
Buena Vista Social Club
• Salsa
Monografía:
La salsa es el término usado a partir de los años setenta para definir al género musical
resultante de una síntesis de influencias musicales cubanas con otros elementos de
música caribeña, música latinoamericana y jazz, en especial el jazz afrocubano. La salsa
fue desarrollada por músicos de origen “latino” (latinoamericano) en el Caribe hispano y la
ciudad de Nueva York. La salsa abarca varios estilos como la salsa dura, la salsa
romántica y la timba.
Antecedentes Históricos
Durante los años treinta, cuarenta y cincuenta, la música afrocubana era consumida
ampliamente por los sectores de origen «latino» (‘latinoamericano’) en la ciudad de Nueva
York. Los cubanos en Nueva York, los puertorriqueños y otros músicos de otros países,
fundamentan su música en gran medida en los elementos de origen afrocubano.
Se expandió a fines de los años setenta y durante los ochenta y noventa. Nuevos
instrumentos, nuevos métodos y formas musicales (como canciones de Brasil) fueron
adaptados a la salsa. Nuevos estilos aparecieron como las canciones de amor de la salsa
romántica. Mientras tanto la salsa se convirtió en parte importante de la escena musical en
Colombia, Venezuela, Panamá y lugares tan lejanos como Japón. A la llegada del siglo
XXI, la salsa se ha convertido en una de las formas más importantes de la música popular
en el mundo.
Instrumentos Musicales
Se emplean diversos instrumentos, con ellos se intenta lograr una mezcla de sonidos
agudos y graves para poder encontrar la armonía de su ritmo. A continuación vamos a
describirte algunos de los instrumentos más comunes utilizados en la salsa.
Bongos: están formados por dos tambores pequeños: la hembra (de mayor tamaño) y el
macho (el más pequeño), ambos tambores están unidos con una pieza de madera.
Congas: son el instrumento de percusión más utilizado en el ritmo de la mayoría bailes
latinos. La forma que tiene es similar a la de un barril, la parte superior está cubierta con
cuero y la parte de abajo está abierta. Originariamente las congas eran todas de madera,
pero actualmente ya las podemos encontrar de diferentes tipos de fibra.
Campana: el origen de este instrumento son los cencerros que se utilizaban para el
ganado. El material de las campanas suele ser latón o cobre.
Maracas: son un instrumento afrocubano formado por un recipiente cerrado, generalmente
de cuero, que tiene dentro pequeñas piedras que son las que generan el sonido, para
sujetarlas, cuentan con un mango fácil de manejar.
Salsa en 1 y Salsa en 2
La diferencia entre bailar salsa en 1 y bailar salsa en 2 tiene que ver con la manera en que
se enfatiza el ritmo en la ejecución de los pasos. En la salsa en 1 se enfatiza el primer
tiempo, mientras que en la salsa en 2 se enfatiza el segundo tiempo del compás.
Los pasos y movimientos son similares en ambas maneras de bailar salsa; lo que cambia
es la manera de distribuir los pasos en el compás.
La salsa en línea
Es una forma de distribuir y ejecutar los pasos y figuras en el baile de la salsa. En la salsa
en línea, los bailarines bailan a lo largo de una línea recta imaginaria. Ejecutan los pasos y
figuras hacia adelante y hacia atrás en esa línea recta, sin trasladarse en el espacio de
una manera circular o curva.
La salsa en línea es una característica típica de los estilos de salsa que se desarrollaron
en Estados Unidos. Estos estilos de salsa, como la salsa en 2 de Nueva York y la salsa en
1 de Los Ángeles, tuvieron influencias del Ballroom, cuyos bailes se bailan en línea.
Todos los estilos de salsa que se bailan en línea tienen la tendencia a ser más elaborados
que los estilos de salsa que se bailan de una manera circular, como la salsa cubana. He
aquí algunas de sus principales características:
En la salsa al Estilo LA, el primer paso se realiza en el primer tiempo del compás y la
pausa en el cuarto tiempo. La salsa cubana también distribuye sus pasos de esta manera.
Debido a esta característica, estos estilos de salsa a menudo se describen como salsa al
uno o salsa en uno.
La salsa al Estilo NY también se conoce como salsa en 2 o salsa al dos, por la manera de
distribuir los pasos en el compás. En la salsa al Estilo NY, el primer paso se realiza en el
segundo tiempo del compás y la pausa en el primer tiempo del compás. La salsa al Estilo
Puertorriqueño también usa esta distribución de los pasos en el compás.
Los pasos en línea de la salsa al Estilo NY y la salsa al Estilo LA también tienen otras
diferencias, más allá del uso del compás. La dirección de los pasos y movimientos puede
variar en ambos estilos. En la salsa al Estilo NY, por ejemplo, el líder de la pareja
comienza el paso básico dando un paso hacia atrás con el pie izquierdo. En el Estilo LA, el
líder de la pareja comienza el paso básico de la Salsa dando un paso hacia adelante con
el pie izquierdo.
Discografía:
Acerina y su danzonera
La Fania All Star
Lo Mejor del danzón, Colección RCA, 100 años de música.
• Bachata
Monografía por: Enrique Humberto López Sánchez, profesor del curso de ritmos
afrolatinos y bailes de salón del CSS La Paz, Baja California Sur.
En la ejecución de la bachata tradicional, las maracas del bolero fueron sustituidas por la
güira, se asumió ejecución virtuosa y libre del bongó propia del son cubano y se
incorporaron guitarras al estilo de los tríos latinoamericanos tan populares en México,
Cuba y Puerto Rico. En un primer momento a la bachata se le denominó como "bolerito de
guitarra".
Durante los años 60 y principios de los 70, desdeñada como música de las clases pobres,
era conocida como "música de amargue", haciendo alusión al estado de melancolía
provocado por el desamor y que solía reflejarse en la temática de las composiciones. Su
difusión por esos años, estuvo limitada a algunas escasas emisoras ya que era
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considerada como una música poco menos de vulgar.
El interés masivo por el ritmo surgió a partir de los años 80, con la gran presencia que
alcanzó el ritmo en los medios de comunicación.
Orígenes
El bolero latinoamericano como expresión musical de los años 30, 40 y 50, penetró el
gusto de los dominicanos. Estos boleros convivieron con otras expresiones de la música
latinoamericana que fueron también muy populares por esa época en República
Dominicana como el corrido mexicano, el huapango o el pasillo, entre otros.
Grupos como el Trío Matamoros, Trío Servando Díaz, Trío la Rosa, estos tres de Cuba, el
cuarteto de Pedro Flores y cantantes como Julio Jaramillo y Olimpo Cárdenas de Ecuador;
Paquitín Soto, Odilio González (El Jibarito de Lares), el Gallito de Manatí, José Antonio
Salamán, Felipe Rodríguez y Daniel Santos de Puerto Rico; Rolando Laserie, Bienvenido
Granda, Orlando Contreras, Celio González, Orlando Vallejo y Antonio Machín de (Cuba);
Guty Cárdenas, Luis y Tony Aguilar, y Cuco Sánchez y tríos como Los Panchos de
México, inspiraron a músicos populares como José Manuel Calderón, Inocencio Cruz,
Rafael Encarnación y Tommy Figueroa, este último nativo de Puerto Rico. Esto permitió
articular una expresión musical propia de la República Dominicana a partir los años 1960.
Primera etapa
A esta etapa pertenecen cantantes como José Manuel Calderón, Rafael Encarnación,
Tommy Figueroa y Luis Segura.
La bachata nace el 30 de mayo de 1962 en la voz de José Manuel Calderón con los temas
Borracho de Amor y Condena (que será de mí), esta última de Bienvenido Fabián,
acompañado del trío Los Juveniles en los estudios de Radio Televisión Dominicana [cita
requerida].
En esta época, Encarnación cautivó a los amantes de este ritmo, pero su carrera en el
medio artístico duró menos de un año al quedar truncada por su fallecimiento en un
accidente de tránsito. Rafael Encarnación debutó en octubre de 1963 y murió trágicamente
en marzo de 1964.
En 1964, Luis Segura grabó Cariñito de mi vida, su primer sencillo. Ese mismo año nació
Radio Guarachita, propiedad de Radhamés Aracena. La guarachita, originalmente una
tienda de discos ubicada en la calle El Conde, tuvo una participación fundamental en la
difusión radiofónica del género, aparte de ser la empresa que realizaba las grabaciones de
los artistas representantes de la bachata.
Segunda etapa
Una segunda etapa tiene que ver con la aparición de una nueva generación de cantantes
promovidos por Radio Guarachita. Así surgieron voces como las de Mélida Rodríguez "La
Sufrida" y Leonardo Paniagua, los cuales constituyen parte de una expresión que tuvo
auge en los años 70 y 80, cuando esta tendencia declinó a favor de las expresiones un
poco más "refinadas" de la bachata.
Tercera etapa
Esta etapa representó un salto cualitativo con respecto al camino transitado en el pasado.
Se logran productos más elaborados en términos de arreglos musicales y una mejora
sustancial en los textos. Esta etapa presenta dos vertientes. La vertiente rosa y el tecno
amargue.
La vertiente rosa fue representada mayormente por los cantautores Víctor Víctor y Juan
Luis Guerra y vino a ser una resultante de la hibridación de la bachata con la balada
romántica.
Por otro lado, el tecno amargue, amén de la instrumentación electrónica, también trajo
consigo fusiones con otras expresiones modernas de la música. Los máximos exponentes
de este subgénero fueron Sonia Silvestre como intérprete y Luis Días como compositor y
creador de fusiones con rock, jazz y otros ritmos dominicanos y caribeños. También hay
que señalar que la poética de Días era diametralmente distinta de la de Víctor y Guerra. Si
estos se caracterizaban con el romanticismo, Luis colindaba en sus textos con el
expresionismo abstracto.
Etapa actual
La bachata en nuestros días está marcada por el surgimiento de formas digitalizadas de
música y la introducción de otros aires e instrumentos, además de fusiones con otros
géneros musicales. En las letras se siente una influencia de la etapa rosa, en contraste
con el doble sentido erótico-sexual de la bachata anterior a los 80. No obstante, se
mantiene el sentido que le había dado origen como las expresiones de amor-desamor, la
nostalgia y la propuesta de estilos de vida donde la mujer es fuente originaria del amor y
del deseo.
Etimología
En sus orígenes más remotos conocidos, a comienzos de los años 20 del siglo XX, el
término bachata designaba en Cuba un tipo de reunión social. Etimológicamente, la
palabra bachata es de origen africano y designa la juerga, el jolgorio y la parranda, según
Fernando Ortiz Fernández. La bachata constituía una forma de recreación popular: una
fiesta que se realizaba en cualquier patio, bajo la sombra de un árbol callejero, o en una
esquina cualquiera, y cuyo antecedente africano es evidente, mientras que el antecedente
español podemos establecer que fue el fandango, del cual refiere Marcio Veloz Maggiolo
que: "Casi todos los cronistas que tocan este tema lo refieren a una festividad abierta y no
a una música".
Las dos menciones más antiguas acerca de la bachata como nombre para designar las
fiestas de cualquier tipo de música no como género musical la hemos encontrado en
documentos que datan de 1922 y 1927. La primera la contiene un informe que se refiere al
hombre común del poblado de Sabaneta, en la Línea Noroeste, y dice que este encuentra
en el pueblo "todo lo que puede halagar sus vicios y apetitos mal contenidos: peleas de
gallos, golosinas y ron; pero lo que más le encanta y atrae es la fiesta (si es de acordeón)
o la bachata si es de guitarras y cantos o boleros. Allí se está largas horas, entre trago y
trago, sin que le preocupe para nada la heterogeneidad social de conjunto, ni el hálito
asfixiante con que el polvo y el sudor enrarecen el ambiente, ni la forma incivil con que se
arrebatan unos a otros las bailadoras, hasta que muy entrada la noche vuelve achispado
al hogar".
Discografía
Grupo Aventura
Juan Luis Guerra
Romeo Santos
• Reggae
Monografía:
Es un término inglés que permite nombrar a un estilo musical que se originó en Jamaica
durante la década de 1960. Se trata de un género que derivó del rocksteady y del ska y
que tiene como principal característica la repetición constante de su ritmo.
Entre las particularidades del reggae, se destaca su fuerte vínculo con cuestiones que no
tienen que ver con la música. El reggae suele asociarse a la corriente rastafari, cuyos
seguidores creen que Haile Selassie I (último emperador de la nación etíope) es la
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reencarnación de Dios (a quien conocen como Jah), de acuerdo a este movimiento, las
personas de raza negra y sus descendientes serán guiados a la tierra prometida
denominada Monte Zion. El uso de trenzas o dreadlocks, que muchas veces se cubren
con un gorro tejido llamado tam; la vestimenta con colores de la bandera de Etiopía (rojo,
amarillo y verde); y el consumo de marihuana forman parte de la idiosincrasia rastafari y
del propio reggae.
The Wailers, una banda formada por Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer en 1963, son
quizá el grupo más conocido que hizo la transición a través de las tres etapas la primera
música popular jamaiquina: ska, rocksteady y reggae. Otros pioneros del reggae
incluyen a Prince Buster, Desmond Dekker, Jackie Mittoo y Annie Acosta. Se dice que Bob
Marley atribuía como origen de la palabra reggae un término de castellano para referirse a
la "música del rey".
Discografía:
Peter Tosh
Jah Mason
Junior Kelly
Bob Marley
b. Baile de salón:
• Danzón
Ver los estilos de los Estados de Yucatán, Veracruz o Distrito Federal.
Técnica:
o Cuadro
o Variantes del Cuadro (girado ¼, ½, ¾ y vuelta completa por la izquierda).
o Columpio (vaivén o imposible).
o Paseo.
o al frente y atrás en línea.
o al frente y atrás en círculo por izquierda o derecha y puede ser en ½ o vuelta completa.
o Punteado (cubano).
o lateral, izquierdo o derecho.
o Girado izquierdo o derecho a ½ o vuelta completa.
El danzón representa el baile fino de salón por excelencia, que requiere de riguroso
cuidado en sus posiciones, pasos, carácter, cualidad del movimiento y figuras
coreográficas. Sustituye el baile de figura por el de parejas entrelazadas, conserva cierta
distancia entre los bailarines y requiere de un excelente oído, pues se baila de acuerdo
con la estructura musical; por ejemplo, al repetir la introducción los danzantes suspenden
el baile, lo que es un descanso. La danza se reanuda cuando se inicia otro período
musical. En la parte llamada montuno, la cadera y los hombros se mueven con mayor
libertad. En general es sobrio, elegante y sutil.
Por los años 40’s, el pueblo mexicano ya cuenta con intérpretes nacionales o arraigados
definitivamente aquí; como es el caso del músico cubano Consejo Valiente Roberts, más
conocido como “Acerina”.
El danzón se escribe en ritmo de dos por cuatro y consta de tres partes llamadas Tríos.
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Paseo o introducción trío clarinetes
Paseo trío violines
Montuno trío metales
Los instrumentos que popularmente se utilizan son: bongos, güiros, claves xilofónicas,
sonajas y tambores variados como el timbal.
Originalmente compuesto por 20 parejas con guirnaldas y ramos de flores y era cantado
por todas las parejas, es y ha sido considerado como baile nacional de Cuba registrando 3
elementos bien característicos.
Indígena
Africano
Español
Discografía:
Nereidas", Amador Pérez Torres "Dimas"
"Juárez no debió morir", Esteban Alfonso
Acerina y su danzonera
Orquesta Aragón
Técnica:
Paso 1. Adelante con un pie.
Paso 2. Alcanza el otro pie.
Paso 3. Nuevo paso con el primer pie.
Paso 4. Cha cha chá (arrastre).
Monografía:
Baile de salón, moderno, de origen cubano, derivado del mambo, del que se diferencia por
presentar la forma de tresillo en los dos últimos compases. Como la mayoría de los ritmos
modernos, puede bailarse con distintos estilos: francés, cruzado, etc., comenzó a
difundirse como danza de salón en 1953.
El creador del género musical es Enrique Jorrín, quien inicia su divulgación en 1951, con
su inmortal “Engañadora”.
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El cha-cha-chá permitió que muchos lo pudieran ejecutar, con ese estilo y carácter
juguetón con sus típicos “brincadito” y “marque”.
Discografía:
Orquesta Aragón (El bodeguero).
Enrique Jorrín (Las clases del cha-cha-chá).
Orquesta América (Los marcianos).
Técnica: Básico, cuatro y seis tiempos con traslado (individual y en pareja). Paso de swing
con traslado.
Monografía:
El Rock and Roll es un baile de origen norteamericano nacido en la segunda mitad de los
años 50. Caracterizado por un ritmo arrollador, este baile prendió rápidamente en la
juventud por su desenfado y energía. Se baila ligeramente inclinado hacia la pareja y con
un pequeño movimiento de caderas. Es uno de los pocos baile de salón que no se baila
"pegado" sino con la pareja cogida a una sola mano.
Discografía:
Bill Haley
Elvis Presley
La plaga (Enrique Guzmán)
El rock de la cárcel
Rebeldes del rock
Teen Tops
• Pasodoble:
Técnica: Desplazamientos hacia el lado derecho, sale pie y cierra el otro (tipo marcha).
Desplazamientos hacia el lado izquierdo, sale pie y cierra el otro. Desplazamiento
adelante-atrás en cuatro u ocho tiempos (movimiento de cadera, torso fijo, hombre abraza
a la mujer tomándola a la altura del omóplato, existe faldeo tipo español en la mujer).
Monografía:
El pasodoble o paso-doble es una marcha ligera utilizada en los desfiles militares,
adoptada como paso dos reglamentario de la infantería, con una característica especial
que hace que la tropa pueda llevar el paso ordinario: 120 pasos por minuto. La música que
acompaña esta marcha posee compás binario y movimiento moderado y fue introducida
en las corridas de toros. También se denomina pasodoble al baile que se ejecuta al
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compás de esta música.
Parece ser que el pasodoble, como baile, procede de la tonadilla escénica, que era una
composición que en la primera mitad del siglo XVIII servía como conclusión de los
entremeses y los bailes escénicos y que luego desde mediados del mismo siglo era
utilizada como intermedio musical entre los actos de las comedias.
Se conoce como pasodoble el baile originado en España hacia 1533 y 1538. Utilizado en
varias regiones para la celebración de eventos, es, además, uno de los pocos bailes de
pareja que siguen arraigados hoy en día; está presente en muchas fiestas (verbenas
populares) y sigue formando parte de la tradición de todas las regiones de España. "A
principios de siglo se relacionó con el garrotín, un baile de pareja gitano, bastante vivo y
repetitivo".
El pasodoble es un baile muy sencillo, con figuras muy libres, por lo que resulta bastante
fácil aprenderlo. La posición de la pareja; uno enfrente del otro y con los cuerpos pegados
ligeramente desplazados hacia la izquierda. Su ritmo básico es muy simple: un paso por
tiempo y se debe permanecer todo el tiempo con los cuerpos en paralelo y con la mano
izquierda y derecha del hombre y la mujer, respectivamente, unidas. El pasodoble forma
parte del repertorio de las bandas de música españolas y suele constar de introducción y
dos partes principales, con un ritmo aflamencado. Como danza es semejante al one-step;
se diferencia en el número de pasos que se dan al bailar y en sus respectivos nombres.
Militares: Soldadito español, El Abanico, Los nardos, Las Corsarias, San Marcial o Los
Voluntarios.
Pasodobles puertorriqueños: Ecos de Puerto Rico (El Maestro Ladi), Alma Boricua, "El
gallo, la gallina y la guinea" (El Maestro Ladi), Morena (Noro Morales), Cuando pienso en
España (Juan Peña Reyes), Reminiscencias (Juan Peña Reyes), El trueno (Juan Peña
Reyes), Himno a Humacao (Miguel López), Sol andaluz (Manuel Peña Vázquez), Alegría
en Batey (Rafael González Peña II).
Tunas y pasodobles
Actualmente, una de las maneras por las que se ha mantenido vivo este ritmo (aparte de
las bandas de música) son las tunas, agrupaciones musicales universitarias, provenientes
del siglo XII. Hoy en día, los pasodobles forman parte importante del repertorio de estas
agrupaciones, sean de España o de otras universidades del mundo. Uno de los elementos
característicos de los pasodobles interpretados por las tunas es su vistosidad ya que,
además, se acompañan con ciertas piruetas: Fantasía de pandereta (tocar el instrumento
con distintas parte del cuerpo, sin perder el ritmo), Baile de bandera (mover el estandarte
de la Tuna al ritmo de la canción), el Baile de capa (agitar la capa emulando el movimiento
de los toreros). Muchas tunas tienen un pasodoble creado por ellos mismos.
• Vals:
Técnica: Desplazamiento adelante-atrás en tiempo de 3 (uno-dos-tres, con acento en el
primer paso), realizando giros en pareja.
Monografía:
El vals (del galicismo valse, que a su vez procede del germanismo Walzer, término
proveniente del verbo alemán wälzen, 'girar, rodar') es un elegante baile musical a ritmo
lento, originario del Tirol (Austria) por el siglo XII y del sur de Alemania. El vals conquistó
su rango de nobleza en Viena durante los años 1760, expandiéndose rápidamente a otros
países. Algunos autores creen que el vals tuvo su origen en la volte o volta, danza de baile
en tres tiempos practicada durante el siglo XVI. La palabra vals nació en el siglo XVIII,
cuando este baile se introdujo en la ópera y en el ballet.
Se habla de "vals roto" cuando en lugar del usual compás ternario de 3/4, está escrito en
compás de 5/4. Puede escucharse, por ejemplo en el segundo movimiento de la Sinfonía
n.º 6 de Chaikovski.
El estilo internacional: las parejas de baile permanecen siempre enlazadas, lo que limita
el número de figuras. Este estilo de danza es mucho más elegante.
El estilo americano: baile mucho más libre, en este estilo la pareja puede separarse y
efectuar figuras variadas.
El vals vienés: tiene 58 - 60 compases por minuto (174 - 180 intervalos por minuto) y el
vals inglés 28 - 30 compases por minuto (84 - 90 intervalos por minuto).
El vals francés o valse musette: danza popular típica de París, que surgió en los vals
musette.
El vals de tradición oral o vals popular, utiliza para su ejecución los instrumentos típicos de
cada región venezolana, siendo cultivado mayormente en los Andes y en la región centro-
occidental de Venezuela. En la región andina, el violín y la bandola son instrumentos
solistas, acompañados de la guitarra, triple y cuatro. En Lara se ejecuta con violín,
mandolina, cuatro y guitarra.
La estructura musical característica de los vals populares consta de tres partes. Aun
cuando muchos músicos firman sus composiciones con sus nombres, la mayoría han
dejado sus creaciones en el anonimato.
El vals peruano: danza influenciada por los ritmos negros del Perú que se desarrolló a lo
largo del siglo XX en la costa peruana y en particular en la ciudad de Lima. Sus
compositores e intérpretes más famosos fueron Felipe Pinglo Alva, Lorenzo Humberto
Sotomayor, Jorge Huirse, Arturo Cavero, Los Morochucos, Los Troveros Criollos, Los
Embajadores Criollos, Chabuca Granda, entre otros. Su auge fue en los años 40 y 50,
representando entonces la mayor parte de la producción musical peruana.
Sus pasos son más cortos y más cadenciados que en el vals tradicional. Suele también
ser más rápido.
Los valses criollos se inspiran de temas amorosos (Alma, Corazón y Vida, Nunca me
faltes, Idolatría), de la idiosincrasia limeña (La flor de la canela, Si Lima pudiera hablar,
Romance en la Parada), de temas patrióticos (Y se llama Perú, Mi Bandera) y hasta
deportivos (Perú Campeón)
Es hoy en día la expresión más variada del criollismo peruano. Desde la aparición en los
ochenta del vals Bandida de Los Troveros Criollos hasta la actualidad, este género ha sido
renovado por obras de fusión musical chill out o por influencia del jazz y el bossa nova.
El vals mexicano: Los valses fueron una moda global y en México tuvo una pronta
aceptación tanto por las élites, como de las clases populares adaptándose a las diferentes
regiones de México, interpretándose con los instrumentos musicales de estas regiones,
como la marimba, mariachi y otras.
Discografía:
Danubio Azul (Strauss).
Cuentos del bosque de Viena (Strauss).
Ejemplos de video se pueden consultar en la página web de You Tube.com
Como se ha señalado, es necesario que los usuarios reconozcan la relación que hay entre
las actividades donde se abordan los elementos de la danza (creación de formas e
imágenes en movimiento, la experimentación en el espacio y el pulso/compás) y la
práctica de los bailes sugeridos, pues finalmente son elementos comunes a la danza que
al abordarlos de manera conjunta se favorece el entendimiento del material dancístico.
También se sugiere que las actividades que se diseñen para trabajar el rock and roll, el
paso doble y el vals procuren despertar el interés de los usuarios no sólo para bailarlos,
sino también para valorarlos y comprender el sentido social que tienen.
• Tango
Monografía:
El tango es una danza de pareja enlazada estrechamente surgida a partir de la fusión de
danzas y ritmos afro-rioplatenses, gauchos, latinoamericanos y europeos. Es un baile
característico de la región del Río de la Plata y su zona de influencia, principalmente de las
ciudades de Buenos Aires y Montevideo, capitales respectivamente de Argentina y
Uruguay, que se extendió por todo el mundo. Se caracteriza por el abrazo estrecho de la
pareja, la caminata tanguera, el corte y la quebrada y la improvisación.
Evolución
El tango como danza comienza a surgir a mediados de siglo en lo que se llamó las orillas
o arrabal de ciudades como Buenos Aires y Montevideo, es decir las zonas marginales
habitadas por los sectores populares. En esos arrabales fue en el seno de las
comunidades afro-rioplatenses, en proceso final de liberación de la esclavitud, donde se
instalaron los lugares de baile y entretenimiento popular, llamadas "academias",
José Gobello explica que luego de la caída de Juan Manuel de Rosas en 1852, en Buenos
Aires, las comunidades afroporteñas no pudieron continuar marchando con sus
candombes por la calle y se vieron obligadas a realizarlo en sitios cerrados. Es en esas
condiciones que el baile se transforma, fusionando los cortes y quebradas característicos
del candombe, con la pareja enlazada del vals y la mazurca.
En las tres décadas siguientes ese tipo de baile fue utilizado en el Río de la Plata para
bailar diversos estilos: mazurcas, polcas, chotis, habaneras, tangos andaluces y milongas,
en la búsqueda de un estilo que se adaptara a su cadencia. En esa época se llamaba
"tango" a todo lo que bailaban "los negros". En ese proceso se fue generando un género
musical nuevo, perfectamente adaptado a ese peculiar y sensual estilo de baile.
Finalmente ese género nuevo apareció en los últimos años del siglo XIX y fue bautizado
con el mismo nombre que la danza: "tango".
Ese modo inicial de bailar el tango se conoce como "tango canyengue" o tango orillero o
tango arrabalero. El tango canyengue adquirió el perfil de un estilo definido, fuertemente
marcado por el corte y la quebrada, con un abrazo muy estrecho y los cuerpos en
contacto. Se trata de un estilo provocativo y muy sensual.
Pero a medida que el tango fue saliendo de las academias, milongas y piringundines de la
noche arrabalera, para comenzar a ser bailado en salones y ámbitos públicos o familiares,
apareció un nuevo estilo de bailarlo, que buscó moderar sus aspectos más provocativos,
separando los cuerpos pero sin perder el abrazo y atenuando o incluso eliminando los
cortes y quebradas, al menos sus figuras más sensuales. Este estilo, desarrollado sobre
todo a partir de la segunda década del siglo XX, recibió el nombre de tango de salón o
tango liso. El tango de salón o tango liso se apoyó sobre todo en la caminata tanguera.
Fue básicamente el estilo que se bailó popularmente entre las décadas de 1920 y 1950.
El tango dejó casi de bailarse a partir de los años sesenta en Buenos Aires. Pervivieron
algunas milongas. Sin embargo, en los años ochenta recibió un nuevo impulso gracias al
éxito del espectáculo Tango argentino de Claudio Segovia y Héctor Orezzoli, primero en
París y luego en Broadway, generando una tangomanía en todo el globo. Florecieron
academias de tango por doquier y gente de todo el mundo comenzó a peregrinar en busca
de lugares para bailarlo, especialmente Buenos Aires, promovida turísticamente como la
Capital del Tango.
La coreografía tanguera
El baile tanguero está construido sobre cuatro componentes básicos: el abrazo estrecho,
la caminata, el corte y la quebrada, entendidos estos dos últimos términos clásicos como
el eje de la improvisación y las figuras coreográficas que adornan la danza y que son
conocidas bajo el nombre genérico de "firulete". Pero por sobre todas las cosas, el tango
debe ser bailado como un lenguaje corporal a través del cual se transmiten emociones
personales a la pareja.
Se dice que el tango se baila “escuchando el cuerpo del otro”. En el tango la pareja debe
realizar figuras, pausas y movimientos improvisados, llamados “cortes, quebradas y
firuletes”, diferentes para cada uno de ellos, sin soltarse. Es el abrazo lo que hace
complicado combinar en una sola coreografía las improvisaciones de ambos.
Uno de los estilos del tango, el tango argentino, realiza el milagro de insertar la figura en el
enlace... Este es el secreto de su éxito; esta es la principal innovación que ofrece al
mundo.
La escritora argentina Alicia Dujovne Ortiz la ha descrito así: «Un monstruo de dos
cabezas, una bestia de cuatro patas, lánguida o vivaz, que vive lo que dura una canción y
muere asesinada por el último compás».
El tango trasciende y llega al corazón de los que contemplan a los bailarines, gracias a los
sentimientos que ellos ponen en el baile y obviamente a la calidad de sus coreografías.
Cada estrofa musical, cada pasaje, cada tango tiene distintos momentos, no se puede
bailar un tango completo siguiendo un patrón de conducta idéntico para toda la melodía.
Hay cadencias tristes, alegres, sensuales o eufóricas, finales silenciosos o grandiosos,
música in-crescendo o música in-diminuendo, solo expresa sentimientos y estos son los
que los bailarines transportan a sus pies y a todo su cuerpo.
Pasos
A fines del año 2000 surgió en Alemania un movimiento, autodenominado tango queer,
que propone bailar el tango sin que los roles estén fijos al sexo de quienes lo danzan. Por
lo tanto, en este estilo, son frecuentes parejas de baile del mismo sexo y se intercambian
los roles de conductor y conducido. Desde Alemania el movimiento se fue extendiendo a
distintas partes del mundo, promovido por las organizaciones LGBT (lesbianas, gays,
bisexuales y personas transgénero). Se celebran festivales de Tango Queer en la
Argentina, Dinamarca, Suecia y Estados Unidos.
Discografía:
Carlos Gardel
Astor Piazzola
Actividades de aprendizaje
El uso de música es indispensable en el trabajo con los ritmos afrolatinos y baile de salón,
ya que guarda una estrecha relación con el baile, de ahí que se sugiera escuchar autores
representativos de cada ritmo, la lectura de información específica sobre el estilo y la
observación vía Internet de ejemplos de las manifestaciones dancísticas en cuestión.
Asimismo, para valorar el trabajo creativo de la población usuaria no sólo hay que
considerar los aspectos técnicos dancísticos, sino también aquellos relacionados con el
trabajo colectivo. A continuación se ofrecen algunos puntos de reflexión para evaluar el
curso.
Expresivos:
Técnicos:
Entre éstos se encuentra la observación, un procedimiento que permite mirar con atención,
de manera sistemática e intencionada, el desarrollo de cada usuaria y usuario del curso,
particularmente durante la realización de actividades dancísticas. Para llevar a cabo un
proceso evaluativo basado en la observación, se sugiere aplicar instrumentos como la
lista de control o de cotejo (Anexo 1) y la escala de valoración descriptiva (Anexo 2),
en los que se recopilan aspectos particulares del desempeño de la usuaria y el usuario
durante el curso.
Es importante formular un indicador por cada aspecto a evaluar, de manera clara, concreta
y directa, de tal forma que permita observar lo deseado.
• A dos: De espaldas.
• Apoyos: Asentamiento de todo el pie o parte de él sobre el piso con planta, metatarso,
talón, punta, con y sin cambio de peso.
• Baile: Se denomina baile al acto de realizar una danza, en la cual una persona utiliza
su cuerpo para realizar movimientos al compás o al ritmo de una música o melodía, con
el fin de expresar un mensaje, por tradición o con el objetivo de entretenerse.
El baile y las danzas, como expresiones culturales y artísticas de los seres humanos,
datan de muchos años y en cada zona geográfica podemos encontrar diferentes estilos
y géneros musicales, aunque algunos sean globales o de conocimiento mundial.
Por una parte, el baile es utilizado como forma de expresión inherente a una tradición.
Por ejemplo, en festivales regionales que pueden celebrarse en una zona determinada
del país (el que sea) y se realizan cuadros de baile al ritmo de danzas típicas de esa
región.
El baile, para aquellos que tienen buen dominio del cuerpo y sus movimientos y sienten
pasión por la música, puede incluso ser una profesión y trabajar en diferentes ámbitos:
bailes en eventos, en obras teatrales, enseñar baile a otras personas o como integrante
de grupos coreográficos.
• Coreografía: se denomina coreografía a una estructura de movimientos que se van
sucediendo unos a otros, al ritmo de una danza en particular, que puede ser
interpretada a través de los movimientos corporales por una o más personas.
En este último caso, la coreografía en grupo en general suele ser armónica, es decir,
que las personas realizan simultáneamente los mismos movimientos o bien no lo hacen
pero se coordinan y combinan de tal manera que no entorpezca la armonía del cuadro
musical.
Por el contrario, encontramos la coreografía grupal que sea quizás la más frecuente,
este tipo de coreografías suelen ser las que comúnmente se practican en gimnasios o
centros de bailes y ritmos, donde el alumnado presente sigue los pasos que marca el
coreógrafo y la clase consiste en el armado de una coreografía grupal.
Por otra parte, también existe la coreografía folclórica, que es aquella relativa a los
bailes o danzas típicas de un país, región o ciudad determinada y cuya secuencia de
“pasos” o movimientos son conocidos por la mayoría de los integrantes de la
comunidad a la cual está ligada.
Punto = Proyectar en el espacio las extremidades del cuerpo humano con respecto al
ámbito de movimiento.
Los cuerpos tienen una tendencia a mantener el movimiento al igual que el reposo.
Este tipo de circunstancia es denominada bajo el nombre de inercia y es la capacidad
que éstos tienen de mantener una velocidad constante cuando no se le aplican fuerzas
nuevas. En nuestro mundo esta es una experiencia corriente cuando nos desplazamos
a una velocidad considerable e intentamos detener en seco la marcha. No obstante, es
menester considerar que en estas circunstancias actúan fuerzas como la gravedad que
no hacen plenamente observable el efecto.
•Aragón Monroy, Fernando y Laura Izquierdo Jazpeado, Artes. Danza. Guía de trabajo.
Primer taller de actualización sobre los programas de estudio. México, SEP, 2006.
•Aragón Monroy, Fernando, et al., Artes. Danza. Guía de trabajo. Segundo taller de
actualización sobre los programas de estudio, México, SEP, 2007.
•Fast, Julius. El lenguaje del cuerpo. 10a. ed. Barcelona: Kairos, 1990. Gadamer, Hans-
Gerg. El Lenguaje como Horizonte de una Ontología Hermenéutica.Verdad y Método I.
Editorial Sígueme. Salamanca. pp. 526 - 585.
•Gardner, Howard. La danza. En: Revista Kinesis Vol 2 Nº. 6. Bogotá. D. E. (abril de
1991). Res. Min. Gobierno 2113/89.
•Kisselgoff, Anna. La tradición reelaborada. En: Revista Danza en los Estados Unidos.
Servicio informativo y cultural de los Estados Unidos. 1988.3-30p. ISSN: 92-0358(3M)
244.
•Ramos Smith, Laura y Patricia Cardona, La danza en México. Visiones de cinco siglos,
vols. I y II, México, CONACULTA/INBA/Centro Nacional de Investigación y
Documentación de la Danza “José Limón”, Escenología, A.C., 2002.
•Serrano A, Fernando. Observamos sobre el consumo del rock entre jóvenes urbanos.
En: Revista Nómadas: Fundación Universidad Central. No .4. Santafé de Bogotá
(marzo de 1996). 28-35p. ISSN. 0121-7550.
•Sevilla, Amparo, Danza, cultura y clases sociales, segunda época, México, INBA.
Serie: Investigación y documentación de las artes, 1990.
Páginas de Internet
http://www.efdeportes.com/efd46/baile.htm
“Lista de control”
Lista de control
Delegación (1)
UOPSI (2)
Nombre del personal que imparte el
(3)
curso:
Nombre del módulo: (4)
Nivel de enseñanza: (5)
Horario: (6)
Primera valoración al principio del
(7)
curso
Segunda valoración al termino del
(8)
curso
Indicadores de aprendizaje
Identifica los principios básicos del
(9)
movimiento
Reconoce las posibilidades de
(10)
movimiento del propio cuerpo.
Identifica como se coordinan sus
movimientos con su estado (11)
emocional.
Memorización de secuencias de
(12)
pasos
Manejo de utilería y accesorios (13)
Interpretación (14)
Relación de pareja (15)
Manejo escénico (16)
Identificación de emociones a partir
(17)
del movimiento y la música.
Integración con el grupo. (18)
Clave: 3150-DC-009-004
N° DATO ANOTAR
1. Delegación: Nombre de la Delegación Estatal IMSS en la que
trabaja la orientadora o el orientador.
Clave: 3150-DC-009-004
N° DATO ANOTAR
9. Identifica los principios
básicos del movimiento
10. Reconoce las
posibilidades de
movimiento del propio
cuerpo.
11. Identifica como se La orientadora o el orientador determinarán de
coordinan sus acuerdo al módulo y al nivel de enseñanza de
movimientos con su esta guía didáctica, los 10 indicadores de
estado emocional. aprendizaje que debe valorar.
12. Memorización de
secuencias de pasos Importante: Estos indicadores deben ser los
13. Manejo de utilería y mismos para evaluar a la población usuaria de
accesorios cada uno de sus grupos.
14. Interpretación
15. Relación de pareja
16. Manejo escénico
17. Identificación de
emociones a partir del
movimiento y la música.
18. Integración con el grupo.
Clave: 3150-DC-009-004
enero de 2018 Página 4 de 4 Clave: 3000-022-317
Anexo 2
En el ejemplo que se muestra abajo aparecen del lado izquierdo los Indicadores de
aprendizaje particulares de cada nivel del curso; y a su derecha espacios donde las
orientadoras y los orientadores pueden indicar la frecuencia con la que la población
usuaria demuestra el manejo de determinado indicador.
Ejemplo de una escala de valoración descriptiva:
Delegación (1)
UOPSI (2)
Nombre del personal que imparte el
(3)
curso:
Nombre del módulo: (4)
Nivel de enseñanza: (5)
Horario: (6)
Primera valoración al principio del
(7)
curso
Segunda valoración al termino del
(8)
curso
Muchas Algunas
Indicadores de aprendizaje Siempre
veces veces
Nunca
Reconoce algunos aspectos
relacionados con la alineación
corporal, la respiración y su relación (9)
con el movimiento, así como el
funcionamiento del cuerpo humano.
Relaciona el trabajo corporal con
conceptos y acciones de la danza que
(10)
favorezcan el cuidado del cuerpo y de
la mente.
Ubica el contexto sociocultural del
(11)
danza/baile seleccionado
Memorización de secuencias de pasos (12)
Manejo de utilería y accesorios (13)
Interpretación (14)
Relación de pareja (15)
Manejo escénico (16)
Identificación de acentos y pausas
(17)
sonoras
Integración con el grupo (18)
Clave: 3150-DC-009-005
enero de 2018 Página 2 de 4 Clave: 3000-022-317
Anexo 2
“Escala de valoración descriptiva”
Instructivo de llenado
N° DATO ANOTAR
1. Delegación: Nombre de la Delegación Estatal IMSS en la que
trabaja la orientadora o el orientador.
Clave: 3150-DC-009-005
enero de 2018 Página 3 de 4 Clave: 3000-022-317
Indicadores de aprendizaje
N° DATO ANOTAR
9. Reconoce algunos
aspectos relacionados
con la alineación
corporal, la respiración
y su relación con el
movimiento, así como el
funcionamiento del
cuerpo humano.
Clave: 3150-DC-009-005