Psicosis.

2011

Aurelio García.
La biblia y el calefón en la obra de un artista pop rosarino.

GONZALO GIGENA Política, religión y cultura pop son los ingredientes principales de esta gran
cacerola de una olla popular que es la obra artística de Aurelio García.
Este irreverente rosarino, nacido en la década del `60, nacido en el seno
de una familia antiperonista y cuyo padre detestaba a los radicales, se for-
mó en la vecina localidad de San Nicolás, asistiendo allí a clases en las aulas
de una escuela salesiana dónde él sentía que consideraban a su gusto por el
arte, según sus palabras “se la pasaba dibujando”, “una pérdida de tiempo y
un desperdicio de material escolar”. Aurelio García describe a su adolescen-
cia, la cual transcurrió en el contexto de la dictadura militar, como “teñida
de tabaco y rock” siendo este periodo donde se gestó fuertemente en él el
germen que determinaría su formación como artista plástico.
Un hecho no menor, que afectará su obra, tal vez de manera inconsciente,
fue que su bisabuelo, Don Ramón García Fernández, se convirtió en do-
nante junto con su hermano Ángel, de buena parte de la importante colec-
ción de pintura altoperuana y cuzqueña del Museo Julio Marc de Rosario.
Devuelto sus pasos en nuestra ciudad, y tras una infructífera incursión
por el Derecho, asistió a diversos talleres de reconocidos artistas, tanto lo-
cales como porteños, que permitieron avanzar en su formación. Este pro-
ceso se da en el marco de lo que se conoce como el Retorno a la pintura.
Se trata de la vuelta a la pintura de caballete que generaciones anteriores
habían intentado dar por muerta al considerarla carente de sentido.
Entre 1985 y 1990 asistió a la Faculta de Bellas Artes de la U.N.R., donde
también se desempeñó como ayudante, entre 1991 y el 2001, de la recono-
cida artista Graciela Carnevale en Pintura I.
Si bien podemos observar coincidencias en su obra con los transvanguar-
distas y anacronistas, el retorno a la alegría y a los colores de la pintura,
la vuelta a un lenguaje pictórico clásico, el recurso de temas mitológicos-
históricos y la iconografía, García se diferencia de los transvanguardistas

32 EDUCACION, ARTE Y DISEÑO

tildando a su pintura como “casi
siempre fofa”.
Dónde podría cuadrarse a García
es en el neopop, pero él se siente
más a gusto siendo llamado POP,
como ha respondido en algunas
entrevistas, ya que considera a este
neologismo como un término sin
demasiado asidero. Eso sí, negando
a ésta como su única vertiente, re-
saltando el espíritu dadaísta de su
obra, lo surrealista en la intención
de los montajes visuales y un cierto
retorcimiento barroco en el modo
de articularlos
También son coincidencias con
estos y otros movimientos, que po-
dríamos denominar postmodernos,
la apelación a la cita, la ambigüedad
en el mensaje, la importancia del
nombre en la obra y que en ellas ve-
mos un eclecticismo que determina
un sello propio.
En cuanto a lo laboral, además de
cómo artista, se desenvolvió como
diseñador gráfico, lo cual puede
apreciarse en el proceso de compo-
sición de su obra, lo que desarrolla-
remos más adelante, así como en su
impronta final.
Sus primeras exposiciones colec-
tivas datan del ´86, entre las cua-
les se destaca el colectivo Rozarte1
del cual es co-fundador. Para 1990
realizó su primera muestra indivi-
dual. Fuera de nuestro país expuso
en Bolivia2 y España, donde vivió
entre el 2001 y 2004, al marchar de
nuestro país por la crisis que persis-
tía en aquel entonces.
Fue justamente en uno de sus via-
jes a Bolivia donde las imágenes re-
ligiosas causarían gran impacto en
él, sobre todo por su carácter mór-
bido, y lo harían recordar las estam-
pas observadas en casa de su abuela.
Las obras de Aurelio García, re-
sueltas dentro del campo figurativo
y con una factura extremadamen-
te detallista y decorativa, abordan
cuestiones políticas, religiosas y ar-
tísticas por medio del uso de citas.
En su abordaje reina una estética
y un modo compositivo digno del
pop, pleno de recursos del campo
de la gráfica y la ilustración. Sus
pinturas se hallan cargadas de un
humor corrosivo con tintes de revi-
sionismo histórico, plagadas de un
discurso contra la intolerancia, la
violencia, el fanatismo y el delirio,
siempre agazapado, del fascismo.
Presenta arquetipos de la icono-
grafía popular y el arte con el fin de
tener un mensaje más directo, faci-
litándole así también al espectador
una lectura rápida pero sin embar-
go debajo de esa primera impresión
suele subsistir un segundo mensa-
je, al cual muchas veces la clave de
acceso resulta ser el nombre. Este
sentido inmanente obliga a quien
se ponga frente a una de sus obras
a poner en juego sus competencias
para lograr interpretarla.
Las representaciones religiosas de
Aurelio García, en gran parte, son
tomadas del barroco americano,
como son los ángeles arcabuceros
y las vírgenes del cerro. Y así como
esta corriente se apropió del barro-
co europeo resignificándolo bajo
una mirada local, García realiza tal
acción bajo la estética del pop.
EN SU ABORDAJEREINA
UNA ESTÉTICA YUN
MODO COMPOSITIVO
DIGNO DEL POP, PLENO DE
RECURSOS DEL CAMPO
DE LA GRÁFICA Y LA
ILUSTRACIÓN.
Es usual en la obra de García el
recurso de lo digital. Genera sus
bocetos previos en un mix de me-
dios tradicionales combinados con
digitales, como lo es el programa
vectorial3 Corel Draw. Una vez re-
suelta la imagen en cuestión y luego
de trasladar la información a líneas
realiza una impresión a la cual tras-
pasará sobre un lienzo utilizando
papel carbónico, dejando al mismo
listo y en espera de la finalización
que le dará el acrílico permitiéndo-
se ciertas libertades con respecto al
boceto.
Varias de las obras de García ape-
lan a nombres de temas de ban-
das insignias del rock internacio-
nal como lo son el caso de Helter
Skelter, La pesada carga4 y I can’t get
no revolution (and I try)5. Los dos
primeros de los Beatles y el último
de los Rolling Stones.
En Helter Skelter, acrílico sobre
lienzo del año 2004 cuyas dimen-
siones son 100 cm de alto por 100
cm de ancho, observamos un auto
Citroën 2cv, ícono de los años ’60,
con globos de diálogo que señalan
nombres de personajes representa-
tivos de aquellas época y que son
apropiados frecuentemente por ar-
tistas pop. Este auto, si bien su pro-
totipo inicial es de 1936 y su fecha
de inicio de fabricación es de 1948,
se hizo popular en nuestro país en-
tre fines de los ’50 y los ’60, etapa en
la que se destacaron los personajes
antes mencionados.
El nombre del tema del que se
apropia el artista para titular su
obra, Helter Skelter, fue tomado
originalmente por los Beatles para
titular una canción inspirado en la
denominación que se le da a ciertos
toboganes en espiral que se pueden
encontrar en los parques británicos.
Podría decirse que el tema hace alu-
sión al descontrol, según palabras
del propio Paul McCartney, uno de
los líderes del grupo británico, y au-
tor de la canción en cuestión, utili-
zaron al tobogán como un símbolo
de la caída y la decadencia.
El porqué de hacer alusión al des-
control recae sobre la selección de
personajes realizada y el periodo de
tiempo en sí mismo.
Esta época fue un periodo de
grandes cambios de paradigmas y
pugnas por los derechos sociales e
nexos 3031 33

Helter Skelter, 2004,
acrílico sobre tela, 100 x 100 cm.
Asunción de Nuestra Señora de los
Deseos, 1996, acrílico sobre tela,
220 x 120 cm.
34 EDUCACION, ARTE Y DISEÑO
individuales. Movimientos feminis-
tas, antirracistas, prohomosexuales
y antibelicistas se levantaron contra
lo que consideraban un atropello
contra sus derechos (y los de los de-
más) de parte de un sistema basado
en un modelo de vida anquilosa-
do en el tiempo. También fue una
época donde se libraron grandes
batallas por la independencia de las
antiguas colonias en Asia y África,
y movimientos de carácter revolu-
cionario, inspirados en la experien-
cia cubana, se levantaron en una
Latinoamérica fustigada por golpes
militares que respondían a los inte-
reses norteamericanos. Es un perio-
do de tiempo teñido por la confron-
tación de los dos sistemas de poder
del mundo: el capitalismo contra el
comunismo; y dos modelos de vida:
el conservador contra el liberal.
Todos los personajes citados en
esta obra han muerto asesinados
por disparos de armas de fuego de
allí que utilice el isologotipo de la
marca de cigarrillos Lucky Strike
(“tiro de suerte”) para remitirse a
ellos y presente una construcción
de la obra como si se tratase del
relevamiento de una escena del cri-
men. Marilyn Monroe resulta ser la
excepción a estos asesinatos ya que
murió por una sobredosis de barbi-
túricos. Si bien su causa se caratuló
como suicidio se mantuvo un halo
de penumbras sobre el suceso, tam-
bién en parte a causa del carácter
proconspirativo que persiste en la
sociedad norteamericana.
Otro personaje sobre el cual es
necesario realizar unas palabras es
Sharon Tate quien fuese asesinada
por Charles Manson, quien era el
líder de una secta religiosa llamada
La Familia, a la cual creía destina-
da a regir los designios del mundo
luego de que aconteciese un apo-
calipsis a causa del enfrentamiento
entre blancos y negros. Éstos últi-
mos serían quienes ganarían pero,
según creía Manson, por su inepti-
tud para gobernar recurrirían a La
Familia para que los guiase. Con el
fin de acelerar el proceso Charles
Manson dispuso la realización de
una seguidilla de crímenes impac-
tantes contra personas acomodadas
de la sociedad. Un dato que llama
la atención y que no puede dejar
de nombrarse es que para Manson
la canción Helter Skelter advertía
acerca de la guerra racial que se ha-
cía inexorable. El título de la can-
ción apareció escrito con sangre en
la escena de uno de otro de los crí-
menes que realizó6.
Es muy recurrente en su obra la
composición centralizada y simé-
trica, así como recurrir a texturas
globulares o de otro tipo que relle-
nan los espacios vacíos y que casi
siempre remiten a algo viviente; de
no hacerlo así rellena los vacíos con
una trama de puntos o de líneas rec-
tas u ondulantes, típico del pop. A
veces las tramas globulares se com-
portan tal cual si fuesen una lumina-
ria de algún camarín de una estrella
o una marquesina de algún espectá-
culo, este efecto puede observarse
en Helter Skelter. En Asunción de
Nuestra Señora de los Deseos la mis-
ma sugiere las luces de una pista de
aterrizaje, o en este caso de despe-
gue. En este decorativismo artesanal
persiste una fuerte vinculación con
el arte del fileteado porteño.
Como puede apreciarse, persiste
en su obra una aversión al vacío,
la cual podría considerarse erró-
neamente como una incapacidad
para saber controlar el mismo. Más
bien se trata de una destreza obse-
siva desplegada con el fin de cubrir
hasta el más mínimo espacio con
sumo detalle.
En lo concerniente al color, el mis-
mo es tratado de forma plana y con-
trastante, sin temor alguno al uso
de una paleta estridente. El volu-
men en sus obras es generado por la
alteración de valores de un mismo
tono y la profundidad, de ser nece-
saria, por el recurso de la perspecti- nombre pero determinándole un
va, la superposición y la escala. nuevo sentido al recurrir a otra
Su interés en la estética política, iconografía.
principalmente comunista y pero- La historia describe el arrojo de
nista, parte del atractivo que en él la heroína judía Judith, viuda de
suscitan las estrategias de éstos mo- Manasés rey de Betulia, quien con
vimientos de masas para comuni- el fin de salvar su ciudad, la cual
car la grandeza de sus líderes y los estaba a punto de rendirse frente al
valores del movimiento, insertán- poderoso ejército asirio, se arrojó a
dolos en la vida cotidiana a través los brazos de Holofernes, su general.
de los medios de comunicación. El relato describe la visita de
García realiza referencias a la reli- Judith quien, junto con una criada,
gión emparentándola con la políti- asiste al campamento asirio don-
ca, debido al poder de imposición de Holofernes, confiado en tener
que la misma posee en sus imáge- la victoria asegurada, realiza un
nes, las cuales traspasan los límites banquete de festejo. Embriagado y
de fe y credo. A su vez la política se embelesado por los juegos de se-
halla impregnada de una carga que ducción de Judith, Holofernes, en
va más allá de sus propios límites un descuido, es decapitado. Tras La Magia de Disney, 1995.
insertándose en los de la devoción este suceso Judith retorna a su ciu-
popular. dad, donde exhiben desde las mu-
En lo que al campo del consumis- rallas la cabeza del general y al pre-
mo materialista se refiere es más senciar esto su ejército se retira en
evidente el uso, y causa, de la es- desbandada.
tética pop. Han sido numerosos los artistas
Si bien aborda temas religiosos que, a lo largo de la historia, se vie-
cargados de ironía los mismos no ron atraídos por el relato de Judith.
suscitaron ningún evento indesea- Hay quienes como Caravaggio han
ble como ha sucedido una enésima recurrido a una representación
cantidad de veces a otros artistas. directa del suceso, en el acto jus-
No se puede decir lo mismo de las to de la decapitación. Otros como
obras de carácter político donde, si Botticelli reproducen el retorno de
bien el altercado no pasó a mayores, Judith con su criada y la cabeza de
no podemos dejar de nombrar el Holofernes. En ambos casos atrajo
caso de la obra de 1995 titulada La a los artistas la cualidad del pro-
Magia de Disney, la cual se exhibió tagonista. Esto es el hecho de que
en el Museo Castagnino dentro de haya sido una, supuesta, débil mu-
la muestra Arte sin disciplina cura- jer quien derrotó a tan temido con-
da por Fernando Farina. trincante cuando ningún hombre
Si bien la intención de esta obra dis- pudo lograr ello. También los hay La Última Gota, 2010,
ta de ser la de ridiculizar al Che, esto como Klimt, el cual centra su inte- acrílico sobre tela, 140 x 83cm.
no evitó que al enterarse de ella un rés en el tema de la “femme fatale”, y
grupo de jóvenes de la Federación la decapitación queda relegada a un
Comunista de Rosario quisieran to- segundo plano casi fuera de escena.
mar a los golpes a García. Aurelio García se apropia de esta
En el 2001, no escarmentado por leyenda con el fin de resignificarla.
aquel suceso, volvió sobre el tema y Vemos en un primer plano la cabe-
realizó Judith & Holofernes, acrílico za azul del Che Guevara con ore-
sobre lienzo cuyas dimensiones son jas de Mickey añadidas a la misma
70 cm de alto por 50 cm de ancho. “servida” sobre el escudo del capitán
Se trata de la “re-representa- América, ícono de la imagen pa-
ción” del relato bíblico del mismo triótica del comic “yanqui”, como

nexos 3031 35

Judith & Holofernes, 2001,
acrílico sobre tela, 70 x 50 cm.
si se tratase de la típica bandeja que usualmente se re-
presenta en escenas de decapitaciones donde la cabeza
de alguien es entregada como trofeo a su contrincante.
El evento es “alumbrado” por la hoz y el martillo sím-
bolos del comunismo, que lejos de irradiar vida emiten
una energía lúgubre sobre la escena.
García se refiere así a la muerte del guerrillero argen-
tino acontecida en las sierras bolivianas. Si bien fue el
ejército local el encargado de tal acto, la cabeza es pre-
sentada al poder imperante (los Estados Unidos) como
un, anhelado, presente. García le encuentra así otra
vuelta de tuerca al mito, invirtiendo roles determinan-
do que sea el poderoso el que vence al débil, represen-
tando también así el fin de las utopías.
La intención del artista es poner en evidencia que el
Che Guevara, o más bien su popularizada imagen, se
ha convertido en un producto más de la sociedad de
consumo (capitalista), emparentándolo con el recono-
cido personaje de Disney y aislándolo de sus ideales. Es
este otro modo en que el capitalismo ha asesinado (de-
rrotado) al Che Guevara.
Tanto la paleta utilizada como la composición y el
modo de abordaje en esta obra son típicos del artista.
La composición es central y simétrica. Los colores en
36 EDUCACION, ARTE Y DISEÑO
ella fueron aplicados de manera saturada y contrastan-
te. Recurre a los primarios (azul, rojo y amarillo) con-
juntamente con la luz y la oscuridad (blanco y negro).
Al remitirse a una paleta tan básica, tan primaria, re-
mite al choque de fuerzas tan fundamentales y vitales
en la política como lo son el capitalismo y el comunis-
mo. El rojo, el blanco y el azul son los colores de la ban-
dera norteamericana, mientras que la soviética estaba
compuesta por rojo y amarillo.
El blanco y el negro remiten a la pugna de las pulsio-
nes de vida y muerte que conllevan ambas corrientes
políticas, las cuales, si bien con miradas opuestas giran
sus teorías entorno a lo económico.
Los espacios vacíos son cubiertos con una textura glo-
bular que si bien, como desarrollamos antes, es usual en
muchas de las obras del artista, en este caso el rojo de
la misma refuerza aún más la asociación con la sangre,
mientras que el negro que lo intercala remarca a su vez
la muerte que se irradia sobre la obra, principalmente
sobre la cabeza del personaje.
En otras obras también se acerca al comunismo bajo
un tono humorístico pero realizando un juego de pala-
bras con Marx y martian (marciano, en inglés), dando
como resultado “marxian”. El producto de esta asocia-
ción podría buscarse, más allá del humor, desde la ca-
rrera espacial que mantuvo la U.R.S.S. con los Estados
Unidos hasta el modo en que se puede observar como
alienígena al sistema de vida comunista desde el punto
de vista capitalista-banal. También es común en la obra
de García abordar al comunismo, como al peronismo,
desde el lado devocional de estos movimientos.
Hay quienes podrían tildar a García, al observar su
obra de tinte religioso, como ateo, blasfemo o hasta an-
ticatólico, pero esto dista de ser verdad ya que él mismo
se define como católico creyente, y fundamentalmente
librepensador, lo que muchas veces choca violentamen-
te con la ortodoxia católica. Testimonio de esto es su
mural en la capilla de Alta Barda (Neuquén) del año
2012, en el cual, invitado por el sacerdote local, repre-
sentó a los doce apóstoles y a la virgen María recibien-
do al espíritu santo, evento conocido en la liturgia cató-
lica como Pentecostés, tema que ya había representado
anteriormente en cuadros.
En lo concerniente al arte también realiza una obser-
vación crítica con explícita ironía como puede apre-
ciarse en La última gota y Psicosis. En La última gota
nos advierte acerca de las deidades que imperan en el
mundo del arte actual y la veneración devocional casi
fanática que despiertan de parte ciertos sectores liga-
dos al arte y que las toman como verdades incuestio-
nables. En esta obra vemos de manera santificada al
mingitorio de Duchamp y a dos fieles venerándolo. De
manera muy similar a la obra anterior Psicosis ironiza
el método de creación utilizado por Fontana en su es-
pacialismo7: los bucchi8 y los tagli9, asociando la actitud
creadora de Fontana con la de un psicópata, generando
una nueva asociación relacionándolo directamente con
la afamada película de Alfred Hitchcock a la cual debe
el cuadro el nombre.
Con el fin de cerrar este análisis resultan más que
elocuentes las palabras del escritor y crítico de arte va-
lenciano Christian Parra Duhalde, realizadas luego de
presenciar una exposición de Aurelio García: “El resul-
tado: una muestra que en su singularidad puede suscitar
diversas reacciones menos la indiferencia”.
[ABSTRACT]
Aurelio Garcia. The Bible and boiler in the work of
a pop artist of Rosario.
Gonzalo Gigena
Politics, religion and pop culture are the main ingre-
dients of this great pan that is the artistic work of
Aurelio Garcia. From Rosario, son of an antiperonist
who hates radicals, whose great-grandfather was
one of the major donors of the painting collection of
Upper Peru and Cuzco to the Museo Julio Marc in
our city, forged his first steps in the context of what
is known as the Return to painting (return to easel
painting).
Dry humour and sarcasm in the hands of an artist
of exquisite workmanship make his work essential to
be seen.
NOTAS
1· El grupo Rozarte se formó en Rosario en 1989, reuniendo a
una veintena de integrantes gracias a la iniciativa de Marcela
Cattaneo y Silvina (Xil) Buffone. Ambas artistas coincidieron en
la necesidad de juntarse “engrupo” para discutir las problemáticas
que acontecían en Rosario en ese momento.
2· Realizó cinco, el primero de ellos en 1990 y el último en el 2000.
3· Imagen digital formada por objetos geométricos independientes
(segmentos, polígonos, arcos, etc.), cada uno de ellos definido por
distintos atributos matemáticos de forma, de posición, de color, etc.
4· Carry that weight, The Beatles.
5· (I can’t get no) Satisfaction, The Rolling Stones.
Se trata del crimen del matrimonio compuesto por el empresario
Leno La Bianca y su esposa Rosemary asesinados a puñaladas por
Manson y sus secuaces.
7· Buscaba erradicar o apartar el arte del caballete y la pintura, e
intentar captar el movimiento y el tiempo como los principales
principios de la obra. Los pintores espacialistas no coloreaban la
tela, no la pintaban, sino que creaban sobre ella construcciones
que demostraban a los ojos del espectador como, también en el
campo puramente pictórico, existía la tridimensionalidad.
8· Agujero.
9· Tajo.
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