DANZA CONTEMPORANEA

La danza contemporánea surge como una reacción a las formas clásicas y probablemente como
una necesidad de expresarse más libremente con el cuerpo. Es una clase de danza en la que
se busca expresar, a través del bailarín, una idea, un sentimiento, una emoción, al igual que el
ballet clásico, pero mezclando movimientos corporales propios del siglo XX y XXI.

Su origen se remonta hasta finales del siglo XIX. En los inicios se buscaba una alternativa a la
estricta técnica del ballet clásico, empezaron a aparecer bailarines danzando descalzos y realizan
do saltos menos rígidos que los tradicionales en el escenario. Con el tiempo, fueron apareciend
o variaciones en las que la técnica clásica brillaba por su ausencia e incluso se introducían movi
mientos de otras técnicas corporales, como el flamenco, movimientos de danzas tribales y hasta
del yoga. Hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, este renovado estilo de danza se llamó
danza moderna, pero su evolución desde finales de los años 1940 en adelante llevó a que se p
refiriese a partir de entonces emplear la expresión danza contemporánea. Hoy en día, las técnic
as modernas dejan paso a un torbellino de mezclas de estilos, llegándose incluso a no dejar cla
ro a qué estilo se asemeja o qué patrones se siguen. Se dice[¿quién?] que en la danza contem
poránea (hoy día) "todo vale".[cita requerida]

Se pueden distinguir en los inicios dos escuelas, la americana y la europea.

Una característica distintiva es el uso de multimedia para acompañar las coreografías, como vide
o e imágenes usados de fondo.

La danza clásica tiene una dramaturgia con principio, clímax y desenlace. La danza contemporán
ea puede seguir esta estructura o bien, contar historias de una forma no lineal.

La danza contemporánea puede hablar de un concepto, proponer un ambiente o presentar mov

imientos con el propósito de conseguir una estética determinada, no siempre tiene que contar
una historia. Por otro lado, la danza clásica se construye a través de pasos ya existentes y siem
pre codificados mientras que la danza contemporánea busca la innovación y la creación de nue
vas formas de movimiento de acuerdo con las necesidades del coreógrafo o el intérprete. La da
nza clásica busca el preciosismo, lo estructurado y perfecto, la conexión con lo etéreo, con lo c
elestial; más bien está ligada al concepto de lo apolíneo . La danza contemporánea busca la co
nexión con lo terrenal, con lo humano y sus pasiones, la no estructura, la transgresión; está liga
da al concepto de lo dionisíaco.

El coreógrafo suele tomar las decisiones creativas. Él o ella elige si la pieza tendrá un carácter
abstracto o narrativo. Los bailarines son seleccionados en función de su habilidad y entrenamien
to. La coreografía es determinada basándose en su relación con la música o los sonidos con lo
s que se baila. El papel de la música en danza contemporánea es diferente al de otros géneros
porque puede servir de fondo para la pieza. El coreógrafo supervisa la elección del vestuario y
su valor estético para la composición general de la actuación y también para ver como influye
en los movimientos de los bailarines.[1]

La danza como las otras artes ha tenido grandes cambios estéticos durante toda su historia. En
los últimos cincuenta años la investigación y la búsqueda continua de las nuevas formas de exp
resión ha conducido a la danza por diferentes caminos hacía la perfección técnica y artística. Inf
luida por los cambios de la vida social y política y también de otras artes, la danza ha cambiad
o su forma de ser, su estética y su percepción.[2]

Escuela americana

Primera generación: los pioneros americano

Isadora Duncan

Loïe Fuller

Segunda Generación: los fundadores de la "Modern Dance" en Estados Unidos

Ted Shawn

Ruth Saint Denis

Generación histórica: precedentes de la Denishawn

Louis Horst

Martha Graham

Doris Humphrey

Charles Weidman

Los otros creadores de técnicas

José Limón

Lester Horton

Ana Sokolow

Tercera Generación

Merce Cunningham
Paul Taylor

Alwin Nikolais

Alvin Ailey

Eleo Pomares

Donald McKayle

Danza Contemporánea en México

Escuela Europea

Bailarín en una representación inspirada en la danza posmoderna, enero de 2010.

Primera generación: pioneros europeos

Filósofos y pensadores

François Delsarte (francés, 1811-1871)

Fue el inspirador de la danza contemporánea, primeramente con el nombre de «gimnasia expre

siva» (Bode) o, posteriormente, «gimnasia rítmica». Afirma que los estados espirituales se deben
representar a través de actitudes y movimientos del cuerpo como unidad, y no únicamente del
rostro. La preocupación por la técnica es mucho mayor que en el anterior. Divide el cuerpo en
tres zonas variables:

Los miembros inferiores, expresan fuerza

El torso y brazos, expresan lo espiritual y emocional

Y la cabeza–cuello, el gesto, reflejan el estado mental

Sus ideas fueron llevadas a EE.UU. por uno de sus discípulos, Steele Mackaye, que junto con Ge
nevieve Sebbins difundieron e introdujeron estas ideas por las mejores escuelas de Nueva York.

En Europa es Hedwig Kallmeyer, alumna de Sebbins, quien difunde sus ideas. En 1930, funda en
Alemania el Instituto de Cultura Expresiva y Corporal, donde enseña como forma de EF para la
mujer, el sistema de Delsarte, y con ello logra su inclusión en la escuela; además publica Belle
za y salud, que supone una reacción contra los movimientos gimnásticos tradicionales.

Delsarte desarrolla las «leyes del movimiento armonioso», que son:

Ley de la postura armónica: posición equilibrada y natural como la posición de reposo perfecta
de las estatuas griegas.

Ley del movimiento opuesto: todo movimiento exige por principios de equilibrio un movimiento
opuesto de los otros segmentos.

Ley de la función muscular armónica: la fuerza muscular debe estar en relación directa con el t
amaño de los músculos.

Emile Jaques-Dalcroze (suizo, 1865-1950)

Fue el creador de la gimnasia rítmica, euritmia. Fue un hombre polifacético: músico, coreógrafo,
actor, compositor y pedagogo. Sus conocimientos musicales y corporales le llevaron a percatarse
de la necesidad del aprendizaje de estas dos actividades para el desarrollo de la persona y a
partir de aquí empezó a investigar las leyes del ritmo musical mediante el movimiento corporal
.

Las observaciones que efectuaba en sus alumnos de solfeo del Conservatorio de Ginebra fueron
el origen de su método de gimnasia rítmica:

Observó que algunos progresaban auditivamente de una manera normal; sin embargo, les faltab
a la capacidad de medir los sonidos, la sensación de duración y el ritmar las sucesiones.

Comprobó que frecuentemente reaccionaban con movimientos involuntarios de ciertas partes del
cuerpo a consecuencia de la música (pe: golpeando el suelo con los pies), deduciendo así que
podía existir alguna relación entre la acústica y los centros nerviosos superiores.

No todos los niños reaccionaban de la misma manera. Muchos no conseguían coordinar sus mo
vimientos, al no responder correctamente el cuerpo a las órdenes nerviosas.

Basándose en estas observaciones concluyó que:

Todo lo que en la música es de naturaleza motriz y dinámica, depende no sólo del oído, sino
también del tacto.

Consideró que la musicalidad puramente auditiva era incompleta.

La arritmia musical es fruto de una arritmia de carácter general.

No es posible crear armonías musicales sin poseer un estado musical armónico interior.

El método de Dalcroze es un método de enseñanza musical a través del ritmo y el movimiento.

Utiliza una gran variedad de movimientos como analogías para hacer referencia a los concepto
s musicales, para desarrollar un sentimiento integrado y natural para la expresión musical. Para s
u método, señala tres elementos centrales: ritmo, solfeo e improvisación. Su finalidad consiste en
armonizar las facultades de percepción, conciencia y acción por parte del alumno. Pretende reg
ularizar las reacciones nerviosas del niño, desarrollar sus reflejos, proporcionarle automatismos te
mporales, luchar contra sus inhibiciones, afinar su sensibilidad y reforzar sus dinamismos.

Para Dalcroze la rítmica no es un arte en sí, sino un medio o instrumento para llegar a las de
más artes. Su aportación fue revolucionaria al ser el primero que señala la importancia de la m
úsica en el desarrollo personal y por marcar los inicios de lo que más adelante sería la musicot
erapia.

Los contenidos de trabajo empleados son:

ejercicios de reacondicionamiento físico

ejercicios para la educación de la mente

estudio activo y creador del ritmo corporal.

estudio activo y creador del ritmo musical.

Creadores de técnicas

Rudolf Laban (húngaro, 1879-1958)

Interesado en las ciencias esenciales para la comprensión del movimiento, estudió matemáticas, f
ísica, química, anatomía y fisiología. Viajó alrededor del mundo en busca de la actividad natural
y cultivada. El ballet reclamó su mayor atención. Fue enemigo declarado de las “puntas” y creía
que el gesto expresivo tenía que dar origen a una liberación total del alma y del cuerpo, en la
misma línea que Isadora Duncan.

Laban elabora e interpreta los conceptos sobre el movimiento y la danza, definiendo tres sistem
as:

Labanotación: es una forma de recordar los movimientos por medio de símbolos. Consigue esta
blecer una técnica de lenguaje escrito y fiable de los movimientos, de los dinamismos, del espa
cio y de todas las acciones motrices del cuerpo.

La técnica del icosaedro: permite a los estudiantes de danza ver los puntos hacia y desde los c
uales se mueven, mejorando su precisión en el movimiento.

La danza expresiva, libre, creativa o danza educativa moderna: establece un conjunto de principi
os y conceptos sobre el movimiento con la finalidad de servir como guía de investigación y de
reflexión sobre la manera de efectuar y concebir el movimiento. De esta forma el individuo, a p
artir de unos temas específicos, ha de explorar y familiarizarse con el movimiento, llegando a d
escubrir su propia técnica y elaborando su propio lenguaje corporal.

Para Laban la danza es una forma de expresión corporal de un individuo o grupo, y cada uno
tiene su propia danza; por eso la técnica de la misma ha de facilitar diversas posibilidades de a
cción que le hagan reforzar su personalidad.

Una sesión de danza contemporánea podría contener los siguientes elementos:

Entrenamiento corporal: acondicionamiento corporal y físico.

Estudio del movimiento: es el centro de la sesión; se experimentan y realizan secuencias de mo

vimientos individuales y grupales.

Composición: verifica el dominio del tema trabajado anteriormente.

Observación consciente: observación de las composiciones anteriores para favorecer el espíritu cr

ítico, y relajación activa o pasiva.

Otras aportaciones de Laban son:

Los coros de movimiento: que se caracterizan por el énfasis que pone en los movimientos idént
icos de varios danzantes para expresar emociones.

Una técnica de los movimientos considerándolos desde cuatro aspectos:

Tiempo: le interesa la rapidez y la lentitud y los cambios entre las dos (aceleración y desacelera
ción).

Peso: considera el movimiento fuerte y ligero. Los factores tiempo y peso dan la cualidad diná
mica al movimiento.

Espacio: lo relaciona tanto con el modo en que nos movemos como con la dirección en que lo
hacemos.

Flujo: este factor penetra en todo el movimiento y confiere la sensación de ser detenido o sujet
ado.

Mary Wigman (alemana, 1886-1973)

Discípula de R. V. Laban, aporta como elemento la “intuición creadora”. Considera que el oficio
de bailarín es una vocación. Influyó en la formación de bailarines, creando su propia escuela. Su
influencia sobre la evolución de la gimnasia moderna se basa en la expresividad exagerada de
los gestos y en la alternancia entre contracción y relajación, manteniendo actitudes continuadas
tensas y crispadas que varían hacia movimientos dinámicos y alegres ritmos. Utiliza distintas eta
pas en su enseñanza y entrenamiento de la danza: parte de la danza sin ningún acompañamien
to musical, luego introduce instrumentos de percusión (en los que destacan los tambores) y fina
lmente llega la música.

Kurt Jooss (alemán, 1901-1979)

Fue un profesor, bailarín y coreógrafo alemán. Después de estudiar danza con Rudolf Laban ina
uguró una escuela y su compañía llamada Ballets Jooss. Se volvió maestro de danza en 1930 pa
ra el teatro de ópera en Essen, donde hizo la coreografía de su ballet The Green

Máximos Exponentes

La danza contemporánea en el mundo hoy no es practicada por unos pocos, la teatralidad, el

performance en la danza contemporánea siempre se ha utilizado como elementos de profundiza
ción expresiva del movimiento sin descuidar nunca jamás el aspecto técnico del cuerpo mediant
e el entrenamiento.

Mucho se ha hablado acerca de quienes fueron o son los máximos exponentes en este tema,
a través de los años han ido apareciendo más y más figuras de carácter importante en el ám
bito, pero los más destacados son y siguen siendo:

Isadora Duncan
Dio origen al movimiento a través de la escultura griega. Prefirió bailar descalza, dejando de lad
o a las convencionales y clásicas zapatillas de ballet.

Usaba una sencilla túnica como atuendo.

Ruth Saint Denis

Sus composiciones estuvieron basadas en el estilo de las danzas de la India, Egipto y Asia.

Mary Wigman

Su coreografía estuvo inspirada en el mundo asiático y oriental.

En sus trabajos, ya fuesen en grupo o como solista, utilizó muchas veces máscaras.
Martha Graham.

Su técnica estuvo basada en la relajación y contracción de la respiración. Sus primeros trabajos

eran bastante abstractos ya que se centraban en movimientos del cuerpo, como por ejemplo el
iniciado en el torso

La danza como medio de comunicacion

¿Porque el arte de la danza es un medio de comunicación?

La danza es un medio de comunicación, ya que aunque no tiene un lenguaje verbal, el bailarín

expresa sus emociones y sentimientos a través de sus movimientos, la danza es como un espej
o donde el alma habla por medio de los movimientos corporales.

Se identifico la danza como una manera de comunicarse cuando en nuestro diario vivir realizáb
amos diferentes movimientos depende de cómo estuviera nuestro estado de ani mo y muchas v
eces casi no nos movíamos, o si lo asíamos era con un gran esfuerzo como que si no pudiéra
mos hacerlo, esto pasaba cuando estábamos deprimidos entonces con el pasar del tiempo se fu
eron identificando los movimientos y que representaban cada uno de ellos.
Una situación muy clara que los movimientos son medios de expresión es el lenguaje de las pe
rsonas sordas ellos se comunican por movimientos del sus manos, por lo tanto de su cuerpo, c
ada gesto que hacen significa algo diferente.

Al pasar el tiempo se pudo combinar el arte de la danza con el arte de la música este hizo un
buen complemento, ya que se pueden orientar, por medio de un sonido las emociones que q
uieren dar a expresar, este ayuda a que sea mas fácil su finalidad.

Este complemento ha sido una explosión por que en cada época en cada tiempo a sido una m
anera muy eficaz de comunicación desde las épocas primitivas, se podían realizar diferentes bail
es y sonidos para adorar a los diferentes dioses de cada tribu.

A medida que ha pasado el tiempo han existido diferentes tipos de danzas como los Bailes de
salón, Tango, Charlestón Danza clásica jemer, Cueca, Bacchu-ber, Danza griega, Bharatanatyam,
Danza azteca, Danza Árabe entre otros, todos estos tienen diferentes técnicas para realizar movi
mientos que expresen sentimientos y emociones pero al final todos tienen una misma finalidad
ser un medio de comunicación.

Ahora en día existen muchos mas tipos de bailes modernos que aunque han evolucionado no
pierden su origen, la demanda de este se da por parte de la juventud, principalmente lo han t
omado diferentes artistas que a su canto le agregan el arte del baile creando una explosión de
energía sentimientos, emociones que rompen esquemas, modas que hacen estar pendiente a las
personas de que movimiento adaptar a su diario vivir para que expresar lo que son y lo que
quieren en un solo movimiento.
La danza se puede practicar solo o en entre grupo de personas, con el pasar de los años la d
anza se adopto como una disciplina creando profesionales en esta rama a este profesional se le
llama coreógrafo que indica aun grupo de individuos los movimientos a realizar para poder ex
presar una emoción o sentimiento al compas de la música para que entre ambas se lleve una s
ecuencia y sea mas fácil poder representar nuestras emociones.

Esta también es una manera de hacer sentir bien a nuestro cuerpo, ya que al expresar nuestros
sentimientos por medio de la danza se liberan energías y malestares psicológicos y físicos.

Las obras de arte son un reflejo de una sociedad y de culturas determinadas, y la danza en pa
rticular es una de las maneras mas practicas para expresar las necesidades del hombre, en ocasi
ones materiales y practicas pero siempre hay necesidad de expresar cosas, ideas, sentimientos o
poder.

Cuando aparecen este tipo de expresiones es necesario observarlas detenidamente, no desde el

tipo de vista creativa del ser humano si no que desde la óptica socio ecológica y contextual. Y
a que desde aquí se puede partir diferentes ideologías y creencias.

A lo largo de la historia la danza a tenido funciones mágicas como medio de invocación a la ll

uvia o a la caza en el arte prehistórico, como culto a los muertos y el mas allá. La danza a sid
o, es y será trascendental en la vida de los seres humanos, por que gracias a esta hemos logra
do expresar de una manera mas practica nuestras necesidades y deseos, independiente mente d
e que es lo que haya podido exigir la sociedad en su momentos, el artista siempre expreso lo
que sentía

TIPOS DE DANZA CONTEMPORANEA

Salsa
Es el término "comercial" usado desde finales de los años sesenta para definir al género musical
resultante de una síntesis de influencias musicales cubanas con otros elementos de música cari
beña, música latinoamericana y jazz, en especial el jazz afrocubano. La salsa fue desarrollada po
r músicos de origen «hispano» en el Gran Caribe y la ciudad de Nueva York. La salsa abarca v
arios estilos como la salsa dura, la salsa romántica y la timba.

El merengue

Es un género musical bailable originado en la República Dominicana a principios del siglo XIX.
Es muy popular en Hispanoamérica, donde es considerado, junto con la salsa, como uno de los
grandes géneros musicales bailables que distinguen el gentilicio latinoamericano.En sus orígenes
, el merengue dominicano era interpretado con instrumentos de cuerda (bandurria y/o guitarra).
Años más tarde, los instrumentos de cuerda fueron sustituidos por el acordeón, conformándose
así, junto con la güira y la tambora, la estructura instrumental del conjunto de merengue típico.
Este conjunto, con sus tres instrumentos, representa la síntesis de las tres culturas que conforma
ron la idiosincrasia de la cultura dominicana.

La cumbia

Es un género musical y baile folclórico y tradicional de Colombia y Panamá. A partir de la déc

ada de 1940, la cumbia colombiana comercial o moderna se expandió al resto de América Latin
a, tras lo cual se popularizó en todo el continente siguiendo distintas adaptaciones comerciales,
como la cumbia argentina, la cumbia boliviana, la cumbia chilena, la cumbia dominicana, la cum
bia ecuatoriana, la cumbia mexicana, la cumbia peruana, la cumbia salvadoreña, la cumbia urug
uaya y la cumbia venezolana, entre otras
Danza contemporánea

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Danza contemporáneaInformación sobre la plantilla

Contemporanea.jpeg

Concepto: Estilo creado para expresar los sentimientos.

Danza contemporánea. Conocida también como danza moderna, es un estilo creado para expre
sar los sentimientos. Así como los sentimientos cambian, los bailarines contemporáneos deben c
ambiar constantemente. Es importante el individualismo, la abstracción y la entrega al arte.

Los bailarines tienen poco en común además del rechazo de las tradiciones existentes y del des
eo de reexaminar los principios fundamentales de la danza como medio de comunicación. Actua
lmente existen dos técnicas: La Graham, y la Cunningham, pero los bailarines contemporáneos s
uelen revolverlas.

Sumario

1 Historia

2 Características generales

3 Técnicas

3.1 Graham

3.2 Cunningham

4 Diferencias con el ballet

5 Pioneras de la Danza Moderna

6 Fuentes

Historia

Su historia se puede definir en tres períodos:

1900: Período marcado por los movimientos libres de las bailarinas Isadora Duncan, Ruth Saint
Denis y Mary Wigman, quienes buscaron darle a la danza un sentido más comunicacional, apoy
ándose en fuentes de inspiración más antiguas a las de occidente.

1930: La segunda ola de bailarines modernos surgió en Nueva York, entre los que se cuentan
Martha Graham, Doris Humphrey y Charles Weidman. Para estos bailarines la fuente del movimi
ento era más interna que externa, recurriendo a acciones naturales como el respirar o el camina
r.
1945: Este período comenzó al finalizar la Segunda Guerra Mundial y aún posee vigencia. Bailari
nes como Alwin Nikolais, Merce Cunningham, entre otros, fusionaron técnicas provenientes de la
danza social, el ballet y la danza moderna.

Características generales

Esta danza es cien por ciento interpretativa, sus movimientos se sincronizan con la cabeza trata
ndo de comunicar un mensaje. Amplía el rango de movimiento, y utiliza el espacio con mayore
s posibilidades. Una característica distintiva es el uso de multimedia para acompañar las coreogr
afías, como video e imágenes usados de fondo.

Técnicas

Graham

Creada por Martha Graham en 1927, quien estudió en la escuela Denishawn. En su técnica lo i
mportante es sentir los movimientos. Se divide en trabajo de piso, de centro y de movimiento.
Se caracteriza por la contracción muscular y la relajación para producir energía motora, el juego
con el peso del propio cuerpo y el contraste de posiciones cerradas con abiertas. Entre sus m
ovimientos característicos están los demi-pliés con pies paralelos, los triplettes y los shoulder fall
s.

Cunningham

Creada por el bailarín Merce Cunningham, quien se separa de la compañía de Graham para cre
ar la suya. Es la única persona que enseña esta técnica de manera pura ya que no ha escrito s
us ejercicios. Se enfatiza en una posición vertical y en piernas y brazos elegantes. Utiliza mucho
s ejercicios con demi-pliés y ejercicios donde se apunta el pie estirado en distintas direcciones.

Diferencias con el ballet

Ballet

Las formas siempre son graciosas y bellas.

El cuerpo necesita tener una forma en particular y desde niños se trabaja en eso.
Se trabaja movimiento elevado y saltos.

Los pasos básicos están rígidamente definidos

La coreografía sigue una historia y tiene varios personajes.

Se baila con ropas y zapatos especiales.

Danza Contemporánea

Las formas muestran lo bonito y lo feo de la vida

El cuerpo puede pesar o medir lo que sea mientras este fuerte y flexible.

Se trabaja en el suelo y en caidas.

Hay muchos estilos de pasos

La coregografía se basa en ideas y sentimientos.

Se baila con la ropa que sea. Por lo general bailan descalzos.

La danza clásica tiene una dramaturgia con principio, clímax y desenlace. La danza contemporán
ea puede seguir esta estructura o bien, contar historias de una forma no lineal. La danza conte
mporánea puede hablar de un concepto, proponer un ambiente o presentar movimientos con el
propósito de conseguir una estética determinada, no siempre tiene que contar una historia.

Por otro lado, la danza clásica se construye a través de pasos ya existentes y siempre codificad
os mientras que la danza contemporánea busca la innovación y la creación de nuevas formas d
e movimiento de acuerdo con las necesidades del coreógrafo o el intérprete.

La danza clásica busca el preciosismo, lo estructurado y perfecto, la conexión con lo etéreo, con
lo celestial; más bien está ligada al concepto de lo apolíneo. La danza contemporánea busca l
a conexión con lo terrenal, con lo humano y sus pasiones, la no estructura, la transgresión; está
ligada al concepto de lo dionisíaco.

Pioneras de la Danza Moderna

Isadora Duncan:
Dio origen al movimiento a través de la escultura griega. Prefirió bailar descalza, dejando de lad
o a las convencionales y clásicas zapatillas de ballet. Usaba una sencilla túnica como atuendo. L
ocalizó el origen del movimiento en el chakra del plexo solar y creó danzas en las que se alter
naba la resistencia y el abandono a la ley de gravedad.

Ruth Saint Denis:

Sus composiciones estuvieron basadas en el estilo de las danzas de la India, Egipto y Asia. Com
enzó su carrera como bailarina solista, formando posteriormente la compañía Denishawn con su
marido Ted Shawn.

Mary Wigman:

Su coreografía estuvo inspirada en el mundo asiático y oriental. En sus trabajos, ya fuesen en g

rupo o como solista, utilizó muchas veces máscaras.

Martha Graham:

Su técnica estuvo basada en la relajación y contracción de la respiración (inhalar y exhalar). Sus

primeros trabajos eran bastante abstractos ya que se centraban en movimientos del cuerpo, co
mo por ejemplo el iniciado en el torso. Creaciones e interpretaciones posteriores narraron temas
místicos y psíquicos.

Doris Humphrey:

Su técnica se basó en la caída y recuperación de la dinámica natural de la pisada humana y de

la influencia de la fuerza de la gravedad. Las danzas humorísticas, de contenido social y de m
usicales se hicieron presentes en sus repertorios, tomando los gestos y las palabras como fuente
s coreográficas en lugar de sus experiencias obtenidas en la investigación del movimiento.

Merce Cunningham:

Localizó el movimiento en la columna vertebral y causó una revolución al mezclar la técnica de

Graham con el ballet tradicional.