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El “paradigma de simplificación” ha permitido enormes progresos del conocimiento científico y de la reflexión filosófica, hasta el siglo XX.
Ha aislado a los tres campos del conocimiento: la física, la biología y la ciencia del hombre. Pero el pensamiento simplificante es incapaz de concebir la
conjunción de lo uno y lo múltiple. O unifica, anulando la diversidad o yuxtapone la diversidad sin concebir la unidad. La
inteligencia ciega destruye los conjuntos y las totalidades. No puede concebir el lazo inseparable entre el observador y la cosa observada.
Separan las disciplinas (hiperespecialización).
La complejidad es un tejido que presenta la paradoja de lo uno y lo múltiple. La dificultad del pensamiento complejo debe afrontar lo entramado, la
contradicción. Habría que sustituir el paradigma de disyunción / reducción / unidimensionalizacion, por un paradigma de distinción / conjunción que
permita distinguir sin desarticular, asociar sin identificar o reducir.
Lo simple no es mas el fundamento de todas las cosas, sino un pasaje, un momento entre dos complejidades.
La teoría sistémica
La virtud sistémica es:
∙ Haber puesto en el centro de la teoría una unidad compleja, un todo que no se reduce a la suma de las partes constitutivas.
∙ Situarse en el nivel transdisciplinario, que permite concebir, tanto la unidad como la diferenciación de las ciencias.
La teoría de sistemas pone los cimientos para la teoría de la organización. Afirma que el todo es más que la suma de las partes: es decir, existen
propiedades emergentes, que nacen con la organización de un todo/sistema y que retroactúan sobre las partes del sistema. Por otro lado, el todo es
menos que la suma de las partes, pues éstas como tales pueden poseer cualidades inhibidas dentro del sistema.
El sistema abierto Es originalmente una noción termodinámica. Considera un cierto número de sistemas físicos, sobre todo a los sistemas vivientes, como
sistemas cuya existencia y estructura dependen de una alimentación exterior. Se creó un puente entre la termodinámica y la ciencia de lo viviente y se
desarrolló una idea que se opone a las nociones físicas de equilibrio / desequilibrio y que esta más allá de una y otra.
Un sistema cerrado está en estado de equilibrio, es decir que los intercambios de materia y energía con el exterior son nulos. El desequilibrio permite al
sistema mantenerse en aparente equilibrio, en estado de estabilidad y continuidad y ese equilibrio aparente no puede mas que degradarse (se degrada el
sistema) si queda librado a si mismo, es decir, si hay clausura del sistema. En un sentido el sistema debe cerrarse al mundo exterior a fin de mantener sus
estructuras pero es su apertura la que permite su clausura (como autonomía). Dos consecuencias se desprenden:
∙ Las leyes de organización de lo viviente no son de equilibrio sino de desequilibrio compensado, de dinamismo estabilizado.
∙ La inteligibilidad del sistema debe encontrarse no solamente en el sistema mismo, sino también en su relación con el ambiente, y esa relación es
constitutiva del sistema.
Información/organización
La teoría de la información concibe un universo donde se da a la vez orden y desorden (redundancia y ruido). La información conforme al orden
establecido es redundante y a lo sumo despeja una incertidumbre. Pero obtención de una información verdaderamente nueva, inesperada, se
produce a partir de «ruido» con respecto a lo redundante. El desorden pasa a ser organizador, programador.
La información surgió, en su aspecto, por una parte comunicacional (se trataba de la transmisión de mensajes), por otra parte en su aspecto estadístico
(basado en la probabilidad o improbabilidad de aparición de tal o cual unidad elemental portadora de información.
Concepto de entropía: crecimiento, en el seno del sistema, del desorden, por sobre el orden, de lo desorganizado por sobre lo organizado, la entropía
crece de forma inversa a la información.
Concepto de neguentropia: desarrollo de la organización, de la complejidad.
El aspecto comunicacional no da cuenta para nada de la pluralidad de significados de la información. El aspecto estadístico ignora el sentido de la
información.
La organización
El organicismo es un concepto sincrético (conciliar doctrinas diferentes), histórico, confuso, romántico. Parte del organismo como totalidad
armoniosamente organizada. Hace del organismo el modelo del macrocosmos y de la sociedad humana (estudio de equivalencias entre vida biológica y
vida social).
El organizacionismo se esfuerza por encontrar los principios de organización comunes.
La auto-organización
Se plantea la diferencia entre maquina viviente (auto-organizadora) y la maquina artefacto (simplemente organizada).
Maquina artefacto: esta constituida por elementos extremadamente fiables (el motor de un coche por ejemplo). En su conjunto es menos fiable que cada
uno de sus elementos tomados aisladamente, pues basta la alteración de uno de sus constituyentes para que el conjunto deje de funcionar y no pueda
repararse más que a través de una intervención exterior (el mecánico).
Maquina viviente: sus componentes son muy poco confiables. Opuestamente al caso de la maquina artificial hay gran confiabilidad del
conjunto y débil confiabilidad de los constituyentes.
El sistema viviente es autónomo e individual ya que se distingue de su ambiente y es auto-eco-organizador ya que se liga al ambiente al incrementar su
apertura. El sistema cerrado no tiene individualidad ni intercambia.
La complejidad
Siempre esta relacionada con el azar. Esta ligada a una cierta mezcla de orden y desorden. Es necesario aceptar una cierta impresición. Lo simple no es más
que un momento, un aspecto entre muchas complejidades.
El sujeto y el objeto
No hay objeto, si no es con respecto a un sujeto (que observa, aísla, define, piensa) y no hay sujeto si no es con respecto a un ambiente objetivo (que le
permite reconocerse, definirse, pensarse, pero también existir). Ambos son separados, conceptos insuficientes.
“Minimal”
- Visión no representativa sino sistémica sobre la materia.
- Elementos mínimos.
- Complejidad con formas simples (geométricas) (evita el círculo porque al no tener aristas se vincula menos).
- Carencia significativa.
- Manejo de la dimensión (fundamental ya que complementa la falta de significado)( el espectador “entra”) (efecto notable, cambio de la percepción)
Como hay un desgaste perceptivo de la forma simple, se suple esto por la dimensión como elemento de presencia “efecto de escala”. Es fundamental
entonces el concepto de ambiente, el elemento externo es abordado por la obra.
- Construcción de complejidad.
- 2 procedimientos básicos fundamentales: sistema modular (repetición en serie de un solo componente) y uso de cannones de la cristalografía.
- Repertorio cromático simple.
En la evolución de la escultura hacia la superación del informalismo surge un numero de artistas que aspira a un estilo mas estricto geométricamente,
donde la imposición de orden sea moderada. Se advierte que la escultura europea toma otro camino que la americana.
La reducción estructural del minimal. El termino minimal se puso de moda en 1965 (conocido también como arte reduccionista o estructuras primarias). Se
volvió un estilo escultórico donde las formas están reducidas al mínimo orden y complejidad desde su estructura morfológica, s ignificativa y perceptiva. El
minimal tiene cierto parentesco con el constructivismo ruso, básicamente por el interés en el mundo tecnológico. Se lo relaciono también con el dadaísmo
por su culto al objeto encontrado (industrial en este caso). Pero el dadaísmo indignaba al espectador desmitificando al arte, mientras que el minimal lo
vuelve un esteta.
Criterio de economía y los sistemas seriales.
El minimal recurre con frecuencia a un repertorio material de la industria. Se interesa más en el todo que en las relaciones entre sus partes:
formas primarias que no instauran relaciones mutuas sino que constituyen un todo indivisible.
Sistemas modulares: el modulo es un sistema de repetición de carácter metódico. Las partes individuales no son relevantes en su forma. Se utilizan por
ejemplo elementos industriales como baldosines, ladrillos, láminas metálicas, etc. Los sistemas modulares en el minimal son repeticiones basadas en
permutaciones, donde la proximidad entre ellas se vuelve una relación topológica fundamental del grupo, pero esta proximidad requiere una continuidad
para generar la seriación.
Dimensión no se refiere solamente a lo físico sino también al modo en que las formas parecen expandirse y proseguir mas allá de sus limitaciones físicas,
operando sobre el entorno.
Semántica o economía de las formas. El minimal es un esfuerzo por tratar con la naturaleza de la experiencia y la percepción visual. Reestructura
articulaciones del espacio y la forma, en una manera simple. Esta información se desgasta rápidamente, pero este desgaste se compensa por otros efectos
en la relación con el espectador. La comparación entre la dimensión con la del cuerpo del espectador da una sensación monumental. Relación entre
cuerpo y obra estrechamente ligados. Se desarrollan los environments (una creación ambiental): la intrusión de las formas en el espacio circundante y se
plantea un contexto donde se sitúan obra y espectador. La obra es un mero carácter instrumental para activar al espectador y a partir del cual aparece un
nuevo germen del arte conceptual.
Del minimalismo al arte conceptual.
La penetración en el espacio implica la participación del espectador en el proceso perceptivo. La obra no es un sistema cerrado de relaciones internas, sino
un componente de la relación obra-ambiente- espectador. Los minimalistas pierden progresivamente el interés por los aspectos físicos de la obra como
objeto, para centrarse progresivamente el las fases de su constitución.
“Arte conceptual”
Supone un desplazamiento del objeto hacia su idea o su concepción. Importan mas los procesos formativos que la obra en si (es una reflexión sobre la
misma naturaleza del arte). El arte contemporáneo podría definirse como auto reflexivo. Su relación mas directa fue con la “abstracción cromática”, la
“nueva abstracción” y el minimal. Importa más la idea que la producción final. El concepto remite a la acepción de la idea entendida como acto del
pensamiento. Lo conceptual descarta la materialidad física del objeto y tienden a provocar una dicotomía entre el concepto y la percepción. Hay una
segunda acepción del concepto, identificado con los proyectos que tienden a su materialización. El conceptual esta en la vanguardia del proyecto de
autoconocimiento y reflexión de la practica artística y sus métodos. El conceptual enfatiza la eliminación del objeto artístico en sus modalidades
tradicionales. Se busca desplazar el énfasis sobre el objeto hacia su concepción y proyecto. La obra conceptual carece de una modalidad estética formal en
el sentido de la escultura o la pintura. El soporte no es la obra en si, sino la documentación del proceso creador, tiene el valor de medio en esta tendencia
hacia la desmaterializacion antiformalista. La autorreflexión se pone de manifiesto en las diversas metodologías analíticas y ciencias interdisciplinarias. El
conceptual exige nuevos métodos de elaboración, como fotos, películas, telegramas, estadísticas, etc. El carácter anti-objeto no debe confundirse con
anti-arte, ni es correcto pensar que el anti-objetualismo sea una crítica social.
La vertiente tautológico lingüística (antiobjetual) Es la vertiente que mas acentúa la eliminación del objeto y prioriza la idea sobre la realización
(radicalmente antiobjetual).
Empleo analítico y tautológico del lenguaje. Rechazan la utilización de la metáfora o ambigüedad.
Las obras son de texto.El arte es una tautología en la que importa no el resultado sino la operatoria en si misma. El arte “existe por su propia búsqueda”.
Lenguaje ha sido utilizado de las más diversas maneras.
Los conceptualistas son más místicos que los racionalistas y se abocan a conclusiones que la lógica no puede abocar.
La obra de arte se define como tal a si misma (digo que es arte y se convierte en arte).
La vertiente empírico-medial (medios)
Pone el foco entre la imagen y el referente.
La percepción es la fuente esencial del conocimiento.
No es tan radicalmente anti-objetual.
Trabaja con relaciones, medidas, diferentes formas de percepción.
Tendencia a completar la obra. En las obras el objeto es instrumental y se aprecia el proceso. La materialización es documentación y es el catalizador de la
obra.
Las obras empírico-mediales nos sitúan ante tareas que exigen diversos modos mentales en lo cerebral, lúdico, no ético o alucinatorio. No rechaza la
percepción y la reivindica como el fundamento de todo el conocimiento. La percepción se presenta como conocimiento práctico y teórico, y la visualización
de la realidad se vuelve relevante. El artista se vuelve un investigador. Tratan de buscar los límites del arte.
Autorreflexión critica.
El conceptual no rompe con la mercantilización, pero incide en ella ya que sus productos no tienen los mismos precios que las obras tradicionales. Acentúa
la actividad del espectador.
“Pop art”
Distinción entre arte pop y cultura popular.
Lo popular no tiene que ver con el pueblo sino con las masas. Las masas son gente, conjunto de individuos individualistas. Habla de las masas pero no es
para las masas. El fenómeno (de masas) es cuantitativo (cantidad) y cualitativo (los individuos están sueltos, no amalgamados). Arte que va a explorar y a
tener una búsqueda en la cultura de masas. Y con cultura de masas nos referimos a tres pilares: la producción en masa, (alineación, como en la Rev.
industrial, pero mas porque lo que produce le es extraño; publico masa estandarizada, cada uno es un ser aislado, no encuentra nada que lo una con el
otro, no encuentra vinculo; publicidad como estimulo constante de consumo. No critica la situación popular. Es un fenómeno de terminado por la
producción masiva y la masa consumidora, y la necesidad de estimular el consumo.
El pop no rompe ni depende exclusivamente de ellos. Afirma la continuidad de la nueva figuración, representa iconicamente.
Técnicas lingüísticas y de transformación
El pop cultivo la bi y tridimensionalidad en sus obras. La transformación de los soportes físicos es en función de los diversos medios de reproductibilidad
(cartel, serigrafía, etc.) y los medios industriales institucionalizados. La obra asume la apariencia del objeto, y este puede a su vez asumir la apariencia de la
obra, con lo que se da una crisis de identidad que dependerá del contexto objetivo en que se encuentre. La simple intención del espectador puede volver
un objeto artístico en una obra estética.
El cartel publicitario es el que mas influyo en el pop. Reúne varios lenguajes, yuxtaposición de materiales u objetos representados.
También están las alteraciones de imá genes de su contexto como la glorificación de obras de arte famosas en términos pop. Una figura muy usada fue la
supresión de elementos representados. No se trata de eliminar al objeto solamente, también se trata de que el espectador lo perciba e intente reconstruir
la imagen. Se busca aumentar la redundancia y eliminar lo imprevisible a fin de que el mensaje sea univoco (como en las publicidades).
Unidades temáticas y nuevos iconos.
Trabaja con símbolos ya aceptados antes de la obra. Tiene una técnica cercana a la propaganda, donde una mención evoca una imagen mental.
Lo prefabricado industrialmente es su principal temática. Hay una gran importancia del soporte físico. Producción masiva de originales. Uso de colores
planos.
Operaciones:
∙ Acumulaciones de varios lenguajes.
∙ Oposición, fuera de contexto.
∙ Condensación.
∙ Repetición y seriación.
Utilizan símbolos de status que transfieren y simbolizan una determinada condición social a quien lo consume, confort domestico o los placeres de la
comida y la bebida. También los símbolos técnicos de la era tecnológica y los mitos de masas.
Impersonalidad, objetividad y neutralidad.
El pop no transmite opiniones ni desenmascara mecanismos, nunca critica ala sociedad ni busca su movilización. Aunque rechaza las convenciones
artísticas aristocráticas, se subordina al sistema establecido. Siempre busca la neutralidad y llega a ser conformista, regresivo y represivo, negando al arte
la posición de antagonismo y negación.
El pop es progresivo y regresivo: progresivo en cuanto a procedimientos, temas, técnicas, materiales, ya que pone la mirada en la cultura de masas; pero
regresivo porque le falta un sentido critico, el artista pop mira al mundo de una manera neutral.
“Crónica de un cataclismo” (de la imagen arte)
Vida y muerte de la imagen: la imagen vive vinculada a los medios, donde muere el medio, muere la imagen. La imagen es una construcción.
Crónica de un cataclismo se refiere a la resistencia perceptiva de un cuadro al lado de un periódico, o de las catedrales dentro de la ciudad.
Aparecen medios que exigen nuevas formas de “visualización”
Fotografía, cine, tv, ordenador, en un siglo y medio, de lo químico a lo numérico, las maquinas de visión se han hecho cargo de la antigua imagen “hecha
por mano de hombre”. De ello ha resultado una nueva poética, o sea una nueva reorganización general de las artes visuales.
Andando andando hemos entrado en la videosfera, revolución técnica y moral que no marca el apogeo de la “sociedad del espectáculo”, sino su fin.
La sociedad del espectáculo refiera a la sociedad donde se representa un espejo de la realidad. Hay un nuevo régimen donde no comunica mas la imagen,
comunica la videosfera (maquina de vision). El poder de la imagen decrece, ya no es imagen, es visión, un simulacro. Ahora la maquina produce visión. El
esquema de percepción es otro, el esquema de producción es otro. Produce visibilidad.
Régimen arte=estadio arte
Régimen visión=estadio videosfera.
Cataclismo de la imagen (de la imagen arte). En este régimen visual nada de lo que hacemos esta hecho por nosotros. El hombre no tiene nada más que
hacer que comandar.
Alta definición: el formato no es humano, aumenta la resolución pero no esta representando la realidad cada vez mejor. Es falsa, no es real, es una
simulación matemática. No natural.
El primer conflicto de las fotos (1839)
Son demasiado vagas las líneas de separación entre la vieja y la nueva percepción de las cosas. Hay que sustraer el tema a un problema de generación
tecnológica. La técnica avanza sin mirar atrás.
La fotografía no fue el primer multiplicador de la imagen, pero si la introducción de lo automático en el trabajo manual del artista, un proceso impersonal.
En 1839 se inicia la fase de transición de las artes visuales a las industrias visuales. Hay una contraposición entre mano y espíritu:
el artista es un creador, el fotógrafo, un artesano. La foto cometía el sacrilegio de introducir lo automático en lo vital.
Con las fotografía hubo muchas reacciones: los liberales le dieron una buena acogida, la Iglesia se mostró reservada y los artistas en contra.
Hay un proceso de masificacion de los medios. Con esta democratización de los medios, del poder de producir imágenes el poder de la imagen decrece. El
régimen visual lo produce la mano de cualquiera, cualquiera es el “artista” aunque esto no ha disminuido el prestigio del profesional. Que la fotografía
acabara con el paisajismo o los retratos abrió nuevos horizontes a la pintura, la obligo a depurarse, en una especie de reacción estimulo-respuesta. Surge la
foto periodística como nueva percepción de la realidad, la misma produce algo jamás visto, el instante que no conocerá una segunda vez.