Mirarnos en el espejo de los que resisten
Comienza la V edición de FILMADRID. Seguimos
siendo un festival joven y comprometido con todos
aquellos (cineastas y espectadores) que saben
o intuyen que hay una fuente inagotable en la
búsqueda de la experiencia que nos lleva más allá
de nosotros mismos y que esa fuente es la llama
del cine. Nos consolidamos paso a paso y hemos
aprendido a hacer de la necesidad virtud.
Este año hemos querido mirarnos en el espejo de los
que han sabido resistir, de los que han sido capaces
de imaginar el futuro bajo cualquier circunstancia.
Prueba de ello son los focos The Longest Moment
When Everything Seemed Possible: The New
American Cinema Group, que el crítico y programador
Olaf Möller ha comisariado colosalmente, y Um
Sonho Intenso, dedicado al cine contemporáneo de
Brasil. Tanto aquel pasado estadounidense como
este presente brasileño nos enseñan que la imaginación
es un estado fértil de conciencia, necesario para
mejorar la realidad. Dan Sallitt, protagonista del
tercer foco de este año, nos muestra, por su parte,
cómo cada paso es importante cuando se trata de
profundizar en el alma humana.
Transitamos por estos caminos también en la
búsqueda de las películas que forman parte de
nuestras competiciones y proyecciones especiales,
donde además buscamos una verdadera experiencia
internacional. Pero si hay algo que queremos
proteger en FILMADRID es su voluntad de ser un
laboratorio pionero en la experimentación de nuevas
formas de creación y exhibición cinematográfica. La
sección Vanguardias Live crece con cinco sesiones
dedicadas al sonido que ocurrirán en diferentes
puntos de la ciudad. Cineastas como Deneb Martos,
María Antón, Aki Kaurismäki o Takashi Makino unen
sus trabajos a propuestas sonoras firmadas por José
Venditti, Colectivo 16mm, Troia o Wade Matthews.
Agradecemos a todos los que han hecho posible esta
quinta edición, nuestro equipo, las instituciones
públicas y privadas que nos han apoyado y a cada
una de las personas que en estos días nos acompañará
en las proyecciones. No habrá nada mejor que vivir
esta experiencia con vosotros.
NURIA CUBAS y FERNANDO VÍLCHEZ
Directores de FILMADRID
Looking at the Mirror of the One Who Resist
FILMADRID V edition is about to start. We still are
a young festival but committed to all those people
(filmmakers and spectators) who know or intuit
that there is an endless source in the search for
an experience that takes us beyond ourselves:
cinema. We have consolidated step by step and
have learned to make a virtue of necessity.
This year we wanted to look in the mirror of those
who have known how to resist, of those who have
been able to imagine the future under any circumstance.
Proof of that are the retrospectives: The Longest
Moment When Everything Seemed Possible: The
New American Cinema Group, that the critic and
programmer Olaf Möller has curated colossally, and
Um Sonho Intenso, about contemporary cinema in
Brazil. Both that US past and this Brazilian present
teach us that imagination is a fertile state of con-
sciousness, necessary to improve reality. Dan Sal-
litt, protagonist of the third focus of this year, shows
us, on the other hand, how each step is important
when it comes to deepen into the human soul.
We move about those ways but also in search
of movies to enter our competition and special
screenings, with which we look for a true international
experience. However if we protect something in
FILMADRID that is our will to be a pioneer laboratory
in the experimentation of new forms of creation
and cinematographic exhibition. The Vanguardias
Live section grows with five sessions devoted to
sound that will take place in different parts of the
city. Filmmakers such as Deneb Martos, María
Antón, Aki Kaurismäki and Takashi Makino join
their works to sound designs signed by José Ven-
ditti, Colectivo 16mm, Troia or Wade Matthews.
We thank all those who have made this fifth edition
possible, our team, public and private institutions
that have supported us and each and every one of
the people who will accompany us in the screenings
these days. There will be nothing better than living
this experience with you.
NURIA CUBAS and FERNANDO VÍLCHEZ
Directors of FILMADRID
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COMPETICIÓN OFICIAL // OFFICIAL COMPETITION CO 7

COMPETICIÓN VANGUARDIAS // VANGUARDIAS COMPETITION CV 27

PROYECCIONES ESPECIALES // SPECIAL SCREENINGS PE 39

FOCO The Longest Moment When Everything Seemed Possible: THE NEW AMERICAN CINEMA GROUP FNACG 49

FOCO UM SONHO INTENSO. Cine Brasileño Contemporáneo. FUSI 63

FOCO DAN SALLITT FDS 71

VANGUARDIAS LIVE VL 77

PASAJES DE CINE PDC 83

METRAJES ENCONTRADOS // THE VIDEO ESSAY ME/VE 89

JURADOS // JURIES J 97

CURSOS Y ACTIVIDADES // COURSES AND ACTIVITIES C+A 107

MAPA Y CRÉDITOS // MAP AND CREDITS M+C 117

PROGRAMA - HORARIOS // PROGRAM - SCHEDULE P+S 121

CO
 CO

COMPETICIÓN OFICIAL
OFFICIAL COMPETITION

Sección integrada por películas de todas las duraciones, géneros

y formatos. Un estado de la cuestión sobre el cine actual.

Section made up of films of all durations, genres and formats.

A state of the art on current cinema
CO
Ada Kaleh
Helena Wittmann
Un lugar indeterminado. Verano. Los ocupantes de un
apartamento compartido se preguntan dónde podrían
vivir. Imaginan países, comunidades y lugares. El tiempo
pasa y nada puede cambiar eso; ni la acción humana, ni
los objetos, ni sus estados. Llegado cierto punto, todos
se duermen profundamente.
La isla de Ada Kaleh fue un pequeño pero importante
enclave en medio del Danubio, muy disputado entre
Turquía y Austria en los siglos XVIII y XIX, que desapa-
reció bajo las aguas en 1970 durante la construcción
de una central hidroeléctrica. La historia de este lugar
casi legendario, representante de la pérdida y el des-
plazamiento, sobrevuela la nueva producción de la
cineasta alemana Helena Wittmann (ganadora de la
Competición Oficial de FILMADRID 2018 con DRIFT).
Con un ritmo pausado y cadenciosos movimientos de
cámara, Ada Kaleh desvela estampas cotidianas de
una casa en la que cuatro jóvenes imaginan nuevos
países y territorios, planteándose cómo se genera
una nueva comunidad en la que vivir. En 14 minutos
de metraje, Helena Wittman saca a la palestra, desde
una perspectiva más humana que política, el conflicto
de unos jóvenes que intentan imaginarse el futuro,
el propio y quizás también el común, exponiendo sin
juzgarlo, el rumbo a la deriva de la juventud europea.
NURIA CUBAS
HELENA WITTMANN (Alemania, 1982). Inicialmente estudió Español y Medios de Comunicación en Erlangen y Hamburgo,
y luego asistió a la Academia de Bellas Artes de Hamburgo (HFBK), donde se graduó en 2014. Sus trabajos, incluyendo su
primer largometraje DRIFT (2017), Mejor Película de la Competición Oficial en la cuarta edición de FILMADRID, han sido
proyectados internacionalmente en festivales de cine y exposiciones.
8
Alemania, 2018. 14 min.
GUION: Helena Wittmann // EDICIÓN: Helena
Wittmann // FOTO: Helena Wittmann // SONIDO:
Nika Breithaupt // INTÉRPRETES: Chinook
Schneider, Eric Bossaller, Katja Lell, Lulu Mac-
Donald.
VIERNES 7JUN - 18:00h
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
SE PROYECTA CON // SCREENS WITH:
MS Slavic 7
An indeterminate location, summer. The inhabitants
of a shared apartment ask themselves where they
might live. They imagine countries, communities and
places. Time passes and nothing can change that,
neither human action nor objects and their states. At
some point, they all drift into a deep sleep.
The Ada Kaleh island was a small but important enclave
in the middle of the Danube, fiercely contested by
Turkey and Austria in the XVIII and XIX centuries,
which disappeared under the water in 1970 during
the building of a hydroelectrical power plant. The
story of this almost legendary place, representative
of loss and displacement, hovers over the new film
of the German filmmaker Helena Wittmann (winner
of 2018 FILMADRID Oficial Competition with DRIFT).
With a paused rhythm and cadenced camera move-
ments, Ada Kaleh reveals everyday scenes of a house
in which four youngsters imagine new countries and
territories, thinking about how a new community in
where to live evolves. In 14 minutes of footage Helena
Wittman brings into focus, from a more human than
politic point of view, the conflict which some youngsters
face when they try to imagen the future, their own and
maybe also the common one, presenting without judging
the adrift course of European youth. NURIA CUBAS

Brasil, 2018. 80 min.
PROD: Fernanda Vidigal y Débora de Oliveira //
GUION: Ewerton Belico, Samuel Marotta // FOTO:
Leonardo Feliciano // MONTAJE: Luiz Pretti //
INTÉRPRETES: Alexandre de Sena, Cris Moreira,
Marcelo Souza e Silva, Bárbara Colen.
ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE
VIERNES 7JUN - 20:00h
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
Un drama febril en el que dos figuras sombrías se
encuentran en una ciudad en decadencia. La noche en
que Robert y Teresa se encuentran parece interminable.
Lo que sigue es un cambio emocional y un viaje
sonámbulo a través de las oscuras calles de Belo
Horizonte: la pareja se acerca, pero las circunstancias
pronto los obligan a separarse nuevamente.
El ritmo creciente de los tambores preludia el deambular
noctámbulo al que nos convoca la película de Ewerton
Belico y Samuel Marotta. Las farolas y el tendido
eléctrico de un barrio brasileño parecen invertir la
lógica nocturna: la constelación de luces no se encuentra
en la bóveda celeste sino en el suelo, iluminando una
bulliciosa fiesta y recortándose sobre la oscuridad
circundante. Este es el escenario para soliloquios,
sexo, alcohol, paseos sin rumbo en los que cada personaje
se enfrenta a su situación existencial mientras recorre
calles desiertas. Túneles en penumbra, autobuses
vacíos, paredes desconchadas, escombros y muebles
abandonados son el paisaje que rodea los encuentros
de sujetos con apariencia de autómatas, pero que, sin
embargo, no claudican. Las hogueras y el fuego de
los cigarillos son sus particulares antorchas, refugios
en los que combatir la soledad. Y, pese a todo, conversan,
confiesan, convierten su vulnerabilidad en un modo de
vida, de resistencia. RAMÓN DEL BUEY
EWERTON BELICO es profesor, crítico de arte y comisario, además de uno de los coordinadores del forumdoc.br -
Festival de cine documental y etnográfico, en Belo Horizonte. SAMUEL MAROTTA es director y guionista. Fue uno de
los directores del proyecto colectivo Estado de Sítio y codirigió junto con Leonardo Amaral el largometraje Semana
Santa. Baixo Centro ganó el premio a la mejor película en la Mostra de Cinema de Tiradentes.
9
CO
Baixo Centro
Ewerton Belico, Samuel Marotta
A feverish drama in which two shadowy figures meet
in a city in decline. The night Robert and Teresa meet
seems never-ending. What follows is an emotional
switchback and a somnambulistic trip through the
dark streets of Belo Horizonte: the couple gets closer,
but circumstances soon force them to part again.
The increasing rhythm of the drums preludes the nocturnal
wandering to which the film by Ewerton Belico and
Samuel Marotta summons us. The lampposts and
the power lines of a Brazilian neighborhood seem to
invert the night logic: the constellation of lights is not
in the sky but in the ground, illuminating a boisterous
party and differentiating itself from the surrounding
darkness. This is the stage for soliloquies, sex, alcohol,
aimless walks in which each character faces his or her
existential situation as he or she walks through deserted
streets. Dark tunnels, empty buses, flaking walls, rubble and
abandoned furniture are the landscape that envelop the
encounters of subjects with automatons appearance, but
who, nevertheless, do not give up. The bonfires and
the fire of the cigarettes are their particular torches, refuges
in which to fight loneliness. In spite of everything, they
talk, confess, turn their vulnerability into a way of life, a
way of resistance. RAMÓN DEL BUEY
CO

Estados Unidos, 2018. 9 min.

PROD: Claudrena N. Harold, Kevin Jerome
Everson, Madeleine Molyneaux // EDICIÓN Y
FOTO: Kevin Jerome Everson // CON: Kevin
Adams, Cordell Burgess, Nana Bilkusu Habib,
Jordan Maia, Tiara Sparrow

ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE

MARTES 11JUN - 18:00h

Black Bus Stop
Kevin Jerome Everson y Claudrena N. Harold
Los estudiantes reclaman un lugar de reunión en el
campus de la Universidad de Virginia. Tierra sagrada.
Un espacio trascendente de comunión donde los
jóvenes pueden escuchar música, hablar de política,
bailar, coquetear y vivir en plenitud. Esta película rin-
de homenaje a la Black Bus Stop, un lugar de reunión
informal para estudiantes negros en la Universidad
de Virginia, pero emblemático durante las décadas de
1980 y 1990.
En un ambiente de la universidad, cerca de las aulas,
unos estudiantes se encuentran para charlar, discutir,
sonreír. Parece una típica postal estudiantil si no ha-
bláramos de estudiantes negros en Charlottesville, la
ciudad donde renació (¿alguna vez se fue?) la violencia
de supremacistas blancos el 2017. Y ese lugar de
la Universidad de Virginia no es uno cualquiera. Se
trata del área conocida en los años 80 y 90 como
‘Black Bus Stop’, célebre espacio donde uno podía
encontrarse a cualquier hora con la presencia de
la comunidad negra, históricamente excluida del
universo académico. Chicas y chicos asistían de
manera continua y orgánica para estudiar, oír música,
flirtear, rapear. Punto de encuentro de generaciones
anteriores cuyas voces, símbolos y bailes resuenan
en esta admirable película de Claudrena N. Harold y
Kevin Jerome Everson. Un tributo a la colectividad de
ayer y hoy. Un recordatorio de que nuestros vínculos
con los espacios son también los vínculos hacia
nuestra historia. FERNANDO VÍLCHEZ
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
SE PROYECTA CON // SCREENS WITH:
Serpentário
Students reclaim a popular gathering spot on the
campus of the University of Virginia. Sacred ground.
A transcendent space of communion where young
people could be found listening to music, talking
politics, dancing, flirting, living in their fullness. This
film pays tribute to the Black Bus Stop, an informal
yet iconic gathering site for black students at the
University of Virginia during the 1980s and 1990s.
In a spot of the university in the middle of campus,
various students are found chatting and smiling. It
would appear to be a typical student hang-out spot
if we chose not to acknowledge the role of blackness
and race in Charlottesville, VA; a city with a long
history of racism, and notoriously home to violent
attacks by white supremacists on August 11 and 12 of
2017. This particular spot on the University of Virginia’s
campus is not just any spot. In the 1980s and 90s,
this spot began to be referred to as the “Black Bus
Stop”, as it was and is a space on campus where
black students often congregate. They continuously
and organically meet here to study, listen to music,
flirt, chat, rap or dance. In this admirable film, directors
Claudrena N. harold and Kevin Jerome Everson pay
tribute to the to the collectivity of the yesterday and
today. Black Bus Stop outlines the inextricable and
essential connection between spaces and histories.
FERNANDO VÍLCHEZ

KEVIN JEROME EVERSON (Ohio, 1965). Tiene un MFA de la Universidad de Ohio y un BFA de la Universidad de Akron,
y es profesor de arte en la Universidad de Virginia, Charlottesville. Everson fue galardonado con el Premio Alpert de
Cine/Vídeo 2012. Sus nueve películas ganadoras y aclamadas por la crítica y más de 150 cortometrajes han sido
proyectados y exhibidos internacionalmente en festivales de cine, salas comerciales, bienales, museos, galerías e
instituciones de arte. CLAUDRENA N. HAROLD (Estados Unidos) es profesora de Estudios Africanos e Historia en
la Universidad de Virginia. Desde 2013 colabora con Kevin Jerome Emerson y han dirigido varias películas juntos.

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Holanda, Turquía, 2018. 35 min.
PROD: Marc van Goethem, Gürcan Keltek, Arda
Çiltepe // GUION: Gürcan Keltek y Ebru Ojen //
FOTO: Gürcan Keltek y Murat Tuncel // SO-
NIDO: Mizuki Sako // EDICIÓN: Fazilet Onat
y Gürcan Keltek
ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE
SÁBADO 8JUN - 22:15h
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
SE PROYECTA CON // SCREENS WITH:
Seven Years in May
Gulyabani es un ente, un demonio, un extraño: es el es-
píritu inquieto de un lugar desolado y solitario. Fethiye
Sessiz, una clarividente de Esmirna en los años 70 y 80,
recuerda episodios de su supervivencia tras abusos,
secuestros y violencia. Gulyabani relata los aconteci-
mientos de su infancia a través de las anotaciones de
su diario y de las cartas que escribe a su hijo. Es así
como recuerda el paisaje emocional del período más
violento de la Turquía posterior a la República.
¿Qué tienen en común Uncle Boonmee Who Can Recall
His Past Lives (Apichatpong Weerasethakul), Le quattro
volte (Michelangelo Frammartino), And What Is the
Summer Saying? (Payal Kapadia) y Gulyabani (Gürcan
Keltek)? Probablemente más que ninguna otra cosa,
si bien con algunas matizaciones respecto al sentido
de su formulación original, aquello que Paul Schrader
denominó en su clásico estudio un «estilo cinema-
tográfico trascendental». En este caso: la capacidad
de expresar mediante el lenguaje audiovisual una
imagen de las posibilidades de comprensión de una
concepción del tiempo no lineal. El tropo: un jinn, un
espíritu que recuerda vidas pasadas y medita sobre la
historia, los ciclos de la naturaleza, lo que pudo suceder
pero nunca ocurrió, el presente y lo por venir. Los 35
minutos de Gulyabani son la materialización fílmica de
la vivencia de una transformación: la de su protagonista,
la de los espectadores, la de la propia película y la de
una experiencia que, en definitiva, escapa y pertenece
a todo lo anterior. RAMÓN DEL BUEY
GÜRCAN KELTEK (Turquía, 1973). Nacido en İzmir, estudió cine en la Universidad Dokuz Eylül antes de dirigir su
mediometraje Colony (2015), proyectado en FIDMarseille. Su primer largometraje, Meteors (2017), se mostró
en numerosos festivales, entre ellos Rotterdam, BAFICI y Viennale, participando también en la Sección Oficial
de FILMADRID en 2018, donde recibió la Mención Especial del Jurado Días de Cine.
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CO
Gulyabani
Gürcan Keltek
Gulyabani is an entity, a ghoul, an outsider: She’s the
restless spirit of desolate and lonely place. Fethiye
Sessiz, a notorious clairvoyant of Izmir in ‘70s and
‘80s, remembers fractions of her survival from
abuse, kidnappings and violence. Recounting the
eventsof her childhood through her diary entries and
letters to her estranged son, Gulyabani recollects the
emotional landscape in the most violent period of
post-Republic Turkey.
What do Uncle Boonmee Who Can Recall His Past
Lives (Apichatpong Weerasethakul), Le quattro
volte (Michelangelo Frammartino), And What Is the
Summer Saying? (Payal Kapadia) and Gulyabani
(Gürcan Keltek) have in common? Probably more
than anything else, albeit with some nuances to
the meaning of its original formulation, what Paul
Schrader called in his classic studio a “transcendental
cinematographic style”. In this case, the ability to
express an image of the possibilities of understanding
a non-linear conception of time through audiovisual
language. The trope: a jinn, a spirit that remembers
past lives and meditates on history, the nature cycles,
what could have happened but never happened, the
present and what is to come. Gulyabani’s 35 minutes
are the filmic materialisation of the experience of
a transformation: that of its protagonist, that of
the spectators, that of the film itself and that of an
experience that, in short, escapes and belongs to all
of the above. RAMÓN DEL BUEY
CO
Je peux changer mais pas à 100%
Amie-Sarah Barouh
La película comienza con una promesa amorosa: puedo
cambiar. Una promesa que se escucha con demasiada
frecuencia, una promesa que sabemos que es falsa de
antemano. Cuenta la historia de la relación entre Boby,
un romaní de 24 años que creció en Marsella, y que vive
de actividades ilegales; y Amie, una chica temeraria de
24 años que creció en Tokio.
La frase que da título a este filme es tanto una
declaración de su protagonista, Boby, como una
constatación del callejón sin salida al que tanto él
como la directora Amie-Sarah Barouh han llegado. La
relación sentimental entablada entre esta realizadora
y el joven rumano que vive en la calle les conduce, a
ellos y a cada quien se acerque a esta película, a los
abismos del amor más lacerante y a los bajos fondos
de una ciudad, París, donde campan la desigualdad
y la desesperanza. El retrato de un hombre libre pero
irresponsable como Boby, criminal de poca monta y
amante nada idealizado, sirve a Barouh no solo para
realizar una terapia de choque en torno al romance
que tuvo con él, sino también como llave para penetrar
en los submundos de pobreza y exclusión que habitan
en pleno seno de una sociedad que se precia de
ser el bastión de la integración y la igualdad. Pocos
títulos recientes han conjugado de forma tan directa
y poco condescendiente la intemperie sentimental
con la económica. GABRIEL DOMÉNECH
AMIE-SARAH BAROUH (Tokio, 1993). En 2010 se traslada a París, donde estudia pintura en la Escuela de Bellas
Artes. También es en la capital francesa donde conoció por primera vez a un romaní y rápidamente comenzó a
aprender a hablar rumano. Un día, una amiga le dio una cámara y le pidió que filmara una boda, y desde entonces
se aferró a ella.
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Francia, 2019. 40 min.
PROD: Antoine Goldet, Amok Films // EDICIÓN:
Amie-Sarah Barouh // SONIDO: Renaud Duguet
// FOTO: Amie-Sarah Barouh, Antoine Goldet
ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE
VIERNES 14JUN - 20:00h
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
SE PROYECTA CON // SCREENS WITH:
Syndrome IO
The film begins with an amorous promise: I can
change. A promise heard too often, a promise we
know to be false in advance. It tells the story of the
relationship between Boby, a 24-year-old Romanian
Roma who grew up in Marseille, living off illegal
activities and Amie, a 24-year-old foolhardy girl who
grew up in Tokyo.
The title sentence of this film is both a statement
by its protagonist, Boby, and a confirmation of the
impasse he and director Amie-Sarah Barouh have
reached. The sentimental relationship established
between this director and the young Romanian
who lives on the street, leads them and whoever
approaches this film, to the abysses of the most
lacerating love and to the underworld of a city, Paris,
where inequality and hopelessness prevail. The
portrait of a free but irresponsible man like Boby,
a petty criminal and a non-idealized lover, serves
Barouh not only to perform a shock therapy around
the romance she had with him, but also as a key to
penetrate the underworlds of poverty and exclusion
that inhabit the heart of a society that prides itself
on being the bastion of integration and equality. Few
recent titles have so directly and unsympathetically
combined sentimental inclemency with economic
inclemency. GABRIEL DOMÉNECH

Colombia, España, 2019. 20 min.
PROD: CAMARA LENTA, Laura C. Solano, Álvaro F.
Pulpeiro y Víctor Paz // GUION: Álvaro F. Pulpeiro
// FOTO: Mauricio Reyes Serrano // INTÉRPRETES:
Ana Karina Zabarain y Laura C. Solano
ESTRENO MUNDIAL // WORLD PREMIERE
DOMINGO 9JUN - 18:00h
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
SE PROYECTA CON // SCREENS WITH:
Sea of Lost Time
En La Guajira, un paraje que parece no haber
comenzado ni haber cesado de existir, suspendido
en un tiempo que no pasa, elástico y eternamente
crepuscular, una Jovencita se extravía. La Jovencita
deambula sin voz, solo con música, viento y arena.
¿Qué procura y a dónde se dirige? ¿Quizás escapa de
algo que no tiene remedio? La Jovencita no envejece,
se descompone.
Esta insólita pieza, producida por A Cuarta Parede
Films, nos sumerge desde sus primeros compases
en una atmósfera onírica atravesada por el misterio.
Las texturas sonoras, a medio camino entre el mini-
malismo y el ambient, son la introducción al universo
de la Jovencita, dominado por la introspección y
el deseo de desgarrar los límites de su existencia.
Una moto atraviesa el desierto en mitad de la noche
como metáfora del viaje interior, mientras la mirada
de nuestra protagonista escudriña el horizonte. ¿Qué
desea encontrar?¿Cuál es el objeto de su búsqueda?
La soledad se acentúa en la inmensidad del paisaje,
siempre retratada en una huida monótona pero
irrevocable. Las voces se deforman y, como los tonos
rojos y verdes, las panorámicas o los planos detalle,
evidencian que la travesía de la Jovencita no consiste
solo en un intento por escapar de sí misma, sino que
también delinea con precisión y exuberancia visual el
matiz que diferencia dos procesos vitales: envejecer
no es descomponerse. RAMÓN DEL BUEY
ÁLVARO F. PULPEIRO (Galicia, 1990) es un cineasta actualmente afincado en Bogotá. Tras graduarse
en la Architectural Association School of Architecture en Londres, viaja repetidamente a Montevideo
donde realiza su primer largometraje Nocturno: Fantasmas de Mar en Puerto (2017).
13
CO
La jovencita no envejece, se descompone
Álvaro F. Pulpeiro
In La Guajira, a place that seems to have neither
begun nor ceased to exist, suspended in a time that
does not pass, elastic and eternally crepuscular,
a young girl goes astray. The young girl wanders
voiceless, only with music, wind and sand. What does
she look for and where does she go? Perhaps she
escapes from something that has no remedy? The
young girl does not grow old, but decomposes.
This unusual work, produced by A Cuarta Parede
Films, submerges us from its first measures in a
dreamlike atmosphere crossed by mystery. The
sonorous textures, halfway between minimalism
and ambient, are the introduction to la Jovencita’s
universe, which is dominated by introspection
and the desire to tear the limits of her existence. A
motorbike crosses the desert in the middle of the
night as a metaphor for the inner journey, while
the gaze of our protagonist scrutinizes the horizon.
What does she want to find? What is the object
of her search? Solitude is accentuated in the
immensity of the landscape, always portrayed in a
monotonous but irrevocable flight. The voices are
deformed and, like the shades of red and green, the
panoramas or the detailed shots, make it evident
that the journey of la Jovencita does not consist
only in an attempt to escape from herself, but also
delineates with precision and visual exuberance
the nuance that differentiates two vital processes:
to grow old is not to decompose. RAMÓN DEL BUEY
CO
Lost Holiday
Michael y Thomas Matthews
Margaret y Henry están de vuelta en Washington DC
para las festividades. En una fiesta de Navidad para
viejos amigos de la escuela secundaria, Margaret
descubre que su exnovio está comprometido. Con el
ánimo navideño arruinado, Margaret y Henry dejan la
fiesta para ir a pillar algo de drogas. Lo que comienza
como una noche de libertinaje se convierte en una
búsqueda para resolver el secuestro de un miembro
de la alta sociedad del barrio.
Esta comedia, primer largometraje de los directores
Michael y Thomas Matthews, sobre el rechazo a
asumir la edad adulta, parte de un lugar común
en las películas americanas, la vuelta a casa de su
protagonista, Margaret, para pasar las vacaciones
de Navidad. Más allá de esta primera premisa, nada
volverá a ser un lugar común en la película, el lunático
carácter de Margaret concuerda a la perfección con
la insensatez de su amigo Henry. Después de una
fiesta con los amigos del instituto en la que Margaret
descubre que su exnovio pronto será padre, los dos
colegas se dan a una carrera de drogas, alcohol y
resacas en cadena, que les lleva a convertirse en una
exótica pareja de detectives por su cuenta y riesgo.
Lost Holiday es una road movie oscura y cómica, de
una libertad temeraria, en la que los personajes se
precipitan al vacío de las calles nocturnas, en los
suburbios de Washington DC. NURIA CUBAS
MICHAEL Y THOMAS MATTHEWS (Estados Unidos). Michael estudió cine en la Universidad de Nueva York. Ante-
riormente produjo Newlyweeds, ganador del Premio Film Independent Someone to Watch de 2014. Los créditos
de Thomas incluyen 3 temporadas de The Newsroom de HBO, American Hustle y Joy. También es miembro
fundador de The Attic Theater Company.
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Estados Unidos, 2019. 78 min.
PROD., GUION Y DIRECCIÓN: Michael y Thomas
Matthews // FOTO: Donavan Sell // INTÉRPRETES:
Kate Lyn Sheil, Thomas Matthews, Keith Poulson,
William Jackson Harper, Ismenia Mendes, Tone
Tank, Joshua Leonard, Isiah Whitlock Jr.
ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE
SÁBADO 8JUN - 18:00h
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
Margaret and Henry are back home in Washington DC
for the holidays. At a Christmas party of old high school
friends, Margaret discovers that her ex boyfriend is
now engaged. With her holiday mood ruined, Margaret
and Henry ditch the party to go score some drugs.
What starts as a night of debauchery evolves into a
self-indulgent quest when the two friends become
convinced that they are the only ones who can solve
the kidnapping of a neighborhood socialite.
This comedy, the first feature film by directors
Michael and Thomas Matthews, about the refusal
to assume adulthood, starts from a commonplace
in American films, the return home of its main
character, Margaret, to spend the Christmas
holidays. Beyond this first premise, nothing will ever
hit commonplace in the film again. Margaret’s wacky
character perfectly matches the recklessness of her
friend Henry. After a party with high school friends
in which Margaret discovers that her ex-boyfriend
will soon be a father, the two colleagues embark on a
drug, alcohol and hangover spree. This drives them
to become an exotic detective couple at their own
risk. Lost Holiday is a dark and hilarious road movie,
of reckless freedom, in which the characters rush
to the void of the night streets, in the suburbs of
Washington DC. NURIA CUBAS

Canadá, 2019. 74 min.
PROD: Sofia Bohdanowicz, Deragh Campbell, Calvin
Thomas // GUION Y EDICIÓN: Sofia Bohdanowicz
y Deragh Campbell // FOTO: Sofia Bohdanowicz
// SONIDO: Elma Bello // INTÉRPRETES: Deragh
Campbell, Elizabeth Rucker, Marius Sibiga, Aaron
Danby
ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE
VIERNES 7JUN - 18:00h
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
SE PROYECTA CON // SCREENS WITH:
Ada Kaleh
Tras ser nombrada albacea literaria, Audrey Benac
descubre una serie de cartas que su bisabuela, Zofia
Bohdanowiczowa, escribió a otro poeta. Durante
tres días, viaja a la Universidad de Harvard para
examinar y dar sentido a las palabras de Zofia.
El tercer largometraje de la cineasta canadiense Sofia
Bohdanowicz es una elegante y poderosa ficción
autobiográfica, interpretada por la codirectora de
la cinta, Deragh Campbell. Este interesante juego
de personalidades permite que ambas directoras
representen la misma figura: la bisnieta de la
poeta Zofia Bohdanoviczowa. A través del trabajo de
investigación que la protagonista hace sobre las cartas
que la bisabuela escribió a su colega Jozef Wittlin,
reconocido poeta polaco también en el exilio, se revela
la relación entre dos mujeres de la misma familia que
nunca coincidieron en el espacio y el tiempo, pero
que tienen unos lazos de íntima complicidad. Las
cartas funcionan también como objetos materiales
de unión entre el pasado y el presente, a la vez que
evidencian su parte más esencial, la sustancia de
la que está hecha la palabra. MS Slavic 7 es una
película emocionalmente madura y serena, alejada
de aspavientos sentimentaloides pero que contiene
poderosas pasiones en potencia. NURIA CUBAS
SOFIA BOHDANOWICZ es una cineasta galardonada cuyas películas han sido proyectadas internacionalmente.
Ganó el Premio Jay Scott (2017) y fue nominada para el Premio Rogers (2018) por el Círculo de Críticos de Cine
de Toronto. DERAGH CAMPBELL ha trabajado como actriz en muchas películas aclamadas por la crítica y también
como guionista. Se le otorgó una beca MacDowell Fellowship y participó en la Academia de Artistas de la NYFF.
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CO
MS Slavic 7
Sofia Bohdanowicz y Deragh Campbell
After being appointed literary executor, Audrey Benac
uncovers a series of letters that her great-grandmo-
ther, Zofia Bohdanowiczowa, wrote to a fellow poet.
Over three days, she journeys to Harvard University
to examine and make sense of Zofia’s words.
The third feature by Canadian director Sofia Bohdanowicz
is an elegant and powerful autobiographical fiction,
played by the film’s co-director, Deragh Campbell.
This interesting game of personalities allows
both directors to represent the same figure: the
great-granddaughter of poet Zofia Bohdanoviczowa.
The protagonist’s research into the letters that the
great-grandmother wrote to her colleague Jozef
Wittlin, a renowned Polish poet also in exile, reveals
the relationship between two women from the same
family who never converged in space and time, but
who share intimate ties of complicity. The letters
also function as material objects linking the past
and the present, while at the same time highlighting
their most essential part, the substance from which
the word is made. MS Slavic 7 is an emotionally
mature and serene film, away from sentimental
fuss but containing powerful potential passions.
NURIA CUBAS
CO
My Dear Friend
Yang Pingdao
El viejo Zhongsheng sabe que tiene los días contados.
Recuerda una visita con Shuimu cuando eran jóvenes
a una aldea lejana, también el rumor sobre la masacre
de una familia y un niño pequeño flotando río abajo.
Zhongsheng cree que él era ese niño y que esa fue
la aldea en la que nació. Viendo como la angustia
crece en su amigo, Shuimu decide llevarlo hasta sus
«raíces».Durante el viaje, los hombres se encontrarán
con su propia infancia y juventud.
Las grandes sorpresas cinéfilas suelen venir de los
márgenes. La ópera prima de Yang Pingdao, que pudo
verse en una sección paralela del festival de cine
de Busan, va enriqueciendo su sugestiva premisa
inicial para lanzarse, a mitad de metraje, a una de
las travesías, físicas y emocionales, más intensas e
imprevisibles del cine reciente. Lo que empieza como
uno de tantos desencuentros entre la cultura urbana
y la rural –desencuentro de especial magnitud en la
China contemporánea– se transforma progresivamente
en una indagación primero misteriosa y más tarde
melancólica en el pasado, los vínculos afectivos y la
capacidad de erosión de la modernidad. La película va
renunciando a sus primeros planteamientos narrativos
e incluso a la mera semblanza realista para terminar
componiendo un relato que se mueve entre lo onírico
y lo alegórico sin por ello perder claridad discursiva.
Yang construye para los personajes y la audiencia un
engranaje de laberíntica fascinación en el que vale la
pena perderse. GABRIEL DOMÉNECH
YANG PINGDAO (China, 1980) se graduó en la Academia Nacional de Artes Dramáticas de China. Este director,
guionista y novelista ha obtenido numerosos premios internacionales gracias a su documental The River of Life
(2014). My Dear Friend (2018) es su primer largometraje de ficción.
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China, 2018. 106 min.
PROD: Long Miaoyuan // GUION: Yang Pingdao // FOTO: Long
Miaoyuan// EDICIÓN: Lin Xudong // MÚSICA: Dickson Dee
// INTÉRPRETES: Luk Suk-yuen, Robert Loh, Gabby So
ESTRENO EN ESPAÑA //SPANISH PREMIERE
VIERNES 14JUN- 18:00h
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
The old Zhongsheng knows his days are numbered.
He recalls a visit to a remote village with Shuimu
when they were young, and a rumor about the mas-
sacre of a family and a little boy who floated down a
river. Zhongsheng was sure he was the boy and the
village was his birthplace. Watching his friend grow
increasingly anxious, Shuimu decides to take him
to his ‘roots’. During the journey, the men encounter
their childhoods and younger selves.
Big movie surprises usually come from the margins.
Yang Pingdao’s debut feature, which was screened
in a parallel section of the Busan Film Festival, enriches
its suggestive initial premise to embark us on one
of the most intense and unpredictable physical and
emotional journeys of recent cinema. What begins
as one of the many mismatches between urban and
rural culture –a mismatch of special relevance in
contemporary China– is progressively transformed
into a first mysterious and later melancholic inquiry
into the past, the affective bonds and the erosive
outcomes of modernity. The film, step by step,
abandons its first narrative approaches and even
the mere realistic semblance to end up composing
a story that moves between the dreamlike and the
allegorical without losing discursive clarity. Yang
builds for the characters and the audience a gear
of labyrinthine fascination in which it is worth going
astray. GABRIEL DOMÉNECH

Japón, 2018. 89 min.
PROD: Aruma Ikeda, Ryo Tanizawa // GUION
Y EDICIÓN: Riho Kudo // FOTO: Saki Tanimura
// SONIDO: Mizuki Sako // INTÉRPRETES:
Yukino Murakami, Takuro Kamikawa, Nagiko
Tsuji, Tamaki Kubose, Shion Sasaki, Yu Yoshii
ESTRENO EN ESPAÑA //SPANISH PREMIERE
SÁBADO 8JUN - 20:00h
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
Emma vive en un mundo donde hace mucho calor.
Un día recibe un cuadro de Yang, un amigo de la
infancia con el que creció y a quien ha perdido la
pista. Emma y el hermano menor de Yang, Van,
organizan un viaje para ir a buscarlo. A medida que
encuentran gente que conoce a Yang, Emma cada
vez se olvida de más cosas.
Entre las muchas particularidades que atesora la
cinematografía japonesa, el subgénero del “seishun
eiga”, la película de jóvenes, no ha sido el que más
ha viajado fuera de las pantallas locales, quizá por
atenerse a una serie de convenciones y vínculos con
su contexto inmediato que no se perciben con igual
nitidez en otros ámbitos culturales. No es el caso
de la penetrante ópera prima de Riho Kudo, joven
cineasta cuya Orphan’s Blues narra, con un sor-
prendente equilibrio tonal entre mesura y violencia
contenida, el viaje físico y, sobre todo, emocional de
un grupo de veinteañeros en busca de un asidero
para sus precarias existencias. Tomando como hilo
conductor a la desmemoriada Emma, personaje que
en cierta forma recoge, para cuestionarlos, algunos
tropos del “seishun eiga” –la protagonista frágil
obcecada en alcanzar el afecto de la inaccesible
contraparte masculina– , asistimos a un retablo
de vidas huérfanas, inasequibles a la soledad o la
marginación, retratadas desde la solidaridad y la
empatía. GABRIEL DOMÉNECH
RIHO KUDO (Fukuoka, 1995). En 2018 se graduó en cine en la Universidad de Arte y Diseño de Kioto. Dirigió
esta película para su proyecto de graduación. Actualmente es asistente de dirección freelance y trabaja en su
próxima película.
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CO
Orphan’s Blues
Riho Kudo
Emma lives in a world where heat predominates.
One day, she receives a painting from her missing,
childhood friend, Yang, who she grew up together.
Emma and Yang’s young brother, Van set up a trip to
find him. As they meet more people who knows Yang,
Emma’s habit of forgetting things gets worse.
Among the many particularities that Japanese
cinematography treasures, the subgenre of ‘seishun
eiga’, the youth film, it hasn’t been the one that has
traveled the most out of the local screens, perhaps
because of a series of conventions and links with
its immediate context that is not perceived as the
same clarity in other cultural areas. It’s not the case
of the penetrating debut feature of Riho Kudo, a
young filmmaker whose Orphan’s Blues narrates,
with a surprising tonal balance between restraint
and contained violence, the physical and, above all,
emotional journey of a group of twenty-somethings
in search of a foothold for their precarious existence.
Taking as the narrative thread the forgetful Emma,
who in some way collects, to question them, some
tropes of the ‘seishun eiga’, the fragile protagonist
obsessed in reaching the affection of the inacces-
sible male counterpart, we attend an altarpiece of
orphan lives, unaffordable to loneliness or margina-
lization, represented from solidarity and empathy.
GABRIEL DOMÉNECH.
CO
Phaidros
Mara Mattuschka
Con el trasfondo de la escena queer de Viena, el joven y
talentoso actor Emil ensaya para el papel de Phaidros,
la contraparte ateniense de Sócrates, se compromete
a amar a Lorelei, una encantadora y delicada mujer
transgénero. Pero entonces ocurre un asesinato.
Phaidros es una confusión burlesca sobre la pasión
del amor, las estructuras de poder y los celos, llena de
sensualidad, fantasía y locura.
Irreverente, provocadora, reflexiva y, sobre todo,
performativa. Esta película expone, a medio camino
entre lo teatral y lo cinematográfico, la escena queer
vienesa en la que las identidades se desnudan, se
deconstruyen. El título remite alegóricamente al
diálogo platónico Fedro, un texto en donde se repiten,
profundizan o quizá circulan los mismos temas
expuestos en El Banquete, a saber, el amor y el sexo.
Y repitiendo, con ecos ligeros y desde un contexto
postmoderno, esas preguntas metafísicas y a la par
viscerales, Phaidros se aproxima a una adaptación, o
mejor dicho, interpretación-inspiración extravagante
del sentido de la pasión, el sexo y la sexualidad. Todo
en el filme es, en su sentido más literal, excéntri-
co y excesivo. A través del diálogo y, a menudo,
monólogo de los intérpretes se abren nuevas vías
de cuestionamiento: burlescas, atrevidas y que
hablan de sensualidad e identidad, pero también de
relaciones intersubjetivas y estructuras de poder.
PAULA LÓPEZ MONTERO
MARA MATTUSCHKA (Bulgaria, 1959), cineasta punk y artista performática, considerada como una de las
máximas figuras del cine experimental, aborda irónicamente en su obra temas relacionados con la locura, el
cuerpo y la identidad.
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Alemania, 2018. 98 min.
PROD: Mara Mattuschka // GUION: Mara
Mattuschka // FOTO: Sepp Nermuth //
INTÉRPRETES: Julian Sharp, May Teodosio,
Tamara Mascara, Nicola Filippelli, Alexander
E. Fennon
ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE
LUNES 10JUN- 20:00h
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
The story’s background is the queer scene of Vienna.
The young and talented actor Emil is rehearsing for
the role of Phaidros, the Athenian counterpart to
Socrates, commits to his love for Lorelei, a lovely
and delicate transgender woman. But then a murder
happens. Phaidros is a burlesque confusion about
the passion of love, power structures and jealousy,
full of sensuality, fantasy and madness.
Irreverent, provocative, reflective and, above all,
performative. This film exposes, halfway through
the theatrical and the cinematic, the Viennese
queer scene in which the identities are stripped,
deconstructed. The title refers allegorically to
the Platonic dialogue of Phaedrus, a text that
talks about the same themes that will be later on
exhibited in The Symposyum: love and sex. The film
repeats with light echoes and from a postmodern
context, those metaphysical questions and at
the same time visceral, Phaidros approaches an
adaptation, or rather, an extravagant interpretation-
inspiration of the meaning of passion, sex and
sexuality. Everything in the film is, in its most literal
sense, eccentric and excessive. Through dialogue
and, often, monologue of the interpreters, new ways
of questioning are opened: burlesque and daring
ways that speak of sensuality and identity, but also
of intersubjective relations and structures of power.
PAULA LÓPEZ MONTERO
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Irán, 2018. 108 min.

PROD: Mani Haghighi // GUION: Mani Haghighi //
Edición: Meysam Molaei // FOTO: Mahmoud
Kalari // SONIDO: Amir Hossein Ghasemi //
MÚSICA: Peyman Yazdanian // INTÉRPRETES:
Hasan Kasmai, Hasan Majuni, Shiva Mohajer
Leila Hatami, Goli Leili Rashidi, Annie Parinaz
Izadyar

DOMINGO 9JUN - 20:00h

Pig
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
Mani Haghighi

Hasan está lleno de rabia. Por figurar como director
en una lista negra, no se le ha permitido hacer una
película en años. Su actriz predilecta, Shiva, está
impaciente y quiere trabajar con otros directores.
Su esposa Goli parece haber dejado de quererle. Su
hija Alma ha crecido y es independiente. Su vieja y
querida madre está perdiendo la cabeza lentamente.
Si al menos pudiera hacer una película, consideraría
contratar a su atractiva acosadora Annie.
Hasan is full of rage. As a blacklisted director, he
hasn’t been allowed to make a film in years. His
favorite actress Shiva is impatient and wants to work
with other directors. His wife Goli seems to have
fallen out of love with him. His daughter Alma is all
grown up and independent. His old loving mother is
slowly losing her mind. He might consider casting his
attractive stalker Annie if only he could make a film.

Afilada hasta el extremo en su visión política y
profundamente lúdica en su construcción, Pig,
nueva genialidad de Mani Haghighi, observa
la frágil posición social de los artistas en Irán
mediante una trama delirante. Un asesino en serie
está acabando con la vida de los cineastas más
prestigiosos del país. Su protagonista, Hasan,
realizador censurado y condenado al ostracismo
por el gobierno, pasa de temer ser la siguiente
víctima a sentir celos por no convertirse en uno
de esos mártires. Pig lleva al extremo la comedia
absurda para criticar la egolatría de los creadores
en el contexto de una nación envuelta en una
imparable paranoia alimentada por los medios
de comunicación y las redes sociales. JAVIER H.
ESTRADA
Sharpened to the extreme in its political vision and
deeply playful in its construction, Pig, the new genius
film of Mani Haghighi, observes the fragile social
position of the artists in Iran through a delirious
plot. A serial killer is killing the most prestigious
filmmakers in the country. Its protagonist, Hasan,
is a censored and ostracized by the governmet
director. At first, he goes from fearing being the
next victim to feeling jealous of not becoming one
of those martyrs. Pig takes the absurd comedy to
the extreme in order to criticize the egomania of
the creators in the context of a nation wrapped in
an unstoppable paranoia fueled by the media and
social networks. JAVIER H. ESTRADA

MANI HAGHIGHI (Irán, 1969). Estudió filosofía en la Universidad McGill de Montreal antes de regresar a Irán
para hacer cine. Su primer largometraje, Abadan (2003), se estrenó en el Festival de Cine de Tribeca. Su
segundo largometraje, Men at Work (Berlinale, Forum 2006) ganó el Premio al Mejor Guión en los Premios
del Cine Asiático 2007 (Hong Kong) y el Premio al Mejor Guión en la sección internacional del Festival de
Cine de Fajr (Teherán).

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CO
Sea of Lost Time
Gurvinder Singh
Sea of Lost Time es una alegoría situada en un
tiempo y espacio indefinido que evoca el realismo
mágico de Gabriel García Márquez inspirándose
en sus personajes de ficción. Un soldado regresa
de la muerte a un pueblo costero. Rememora su
pasado, el tiempo que ha perdido estando fuera, que
parece un mar entre el pasado y un desmembrado
presente.
La última película de Gurvinder Singh ofrece no pocos
alicientes para incluirla en un hipotético catálogo
que reuniese los mejores filmes «no finalizados» de
la historia, si entendemos por ello todo producto
cinematográfico cuyo acabado final o disponible, por
las razones que sean, no coincide con el prefigurado
o inicial. El director indio, asistido por un equipo de
estudiantes del Instituto de Cine y Televisión de India
en Pune, llevaba a cabo una versión libre del cuento
homónimo de Gabriel García Márquez cuando el
arbitrio de las autoridades locales paralizó el rodaje.
Lo que ahora se proyecta es el montaje de los fragmentos
que se han preservado de este largometraje arruinado.
Su circunstancia, sin embargo, no es óbice para alcan-
zar la condición de obra maestra. Con una puesta en
escena tan sobria como poderosa, la franqueza con-
movedora de los relatos sencillos y su narración lírica
del dolor y la regeneración de las víctimas, Sea of Lost
Time demuestra que una película incompleta también
puede ser una película perfecta. RAMÓN DEL BUEY
GURVINDER SINGH (India, 1973) estudió en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de la India (EICTV),
Pune, graduándose en 2001. Debutó en la ficción con Alms for a Blind Horse, galardonada en el Festival de
Cine de Venecia en 2011. A continuación dirigió The Fourth Direction, Premio Un Certain Regard en el Festival
de Cannes en 2015. La película participó en la Sección Oficial de FILMADRID en 2016.
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India, 2018. 45 min.
GUION: Gurvinder Singh// FOTO: Sunayana Singh
// EDICIÓN: Avneesh Chhabra // SONIDO: Surya
Samaddar, Rahul Rabha // MÚSICA: Vinod Ram
ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE
DOMINGO 9JUN - 18:00h
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
SE PROYECTA CON // SCREENS WITH:
La jovencita no envejece, se descompone
Sea of Lost Time is an allegory set in an undefined
time and space, evoking the magic realism of Gabriel
Garcia Marquez, inspired as it is by his short fiction
characters. A soldier comes back from the dead to
a seaside village. He reminisces his past, the time
he had lost while he was away, which is like a sea
between the past and the dysfunctional present.
The newest Gurvinder Singh’s film offers not only a
few incentives to include it in a hypothetic catalog
which would collect the best ‘unfinished’ films of
the history if we understand this to mean every
cinematographic product which final or available
result, for whatever reason, does not match with the
prefigured or initial one. The Indian director, assisted
by a team of students from the Film and Television
Institute of India in Pune, was shooting a free version
of the homonymous story by Gabriel García Marquez
when the local authorities paralyzed the filming.
What is now being projected is the assembly of the
parts that have been preserved from this ruined
film. The circumstance, however, does not impede
achieving the masterpiece condition. With a staging
as sober as powerful, the moving frankness of the
simple stories and their lyrical narration of the pain
and regeneration of the victims, Sea of Lost Time
shows that an incomplete film can also be a perfect
film. RAMÓN DEL BUEY

Portugal, Angola, 2019. 85 min.
PROD: António Gonçalves y Carlos Conceição // GUION: Carlos
Conceição // EDICIÓN: António Gonçalves // SONIDO: Rafael
Cardoso // INTÉRPRETES: João Arrais, Isabel Abreu, Carlos Conceição
ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE
MARTES 11JUN - 18:00h
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
SE PROYECTA CON // SCREENS WITH:
Black Bus Stop
Un joven se desplaza por un posapocalíptico paisaje
africano en busca del fantasma de su madre.
Ensayo fílmico, ficción científica y diario de viaje, todo
a la vez, el primer largometraje de Carlos Conceição
formula muchas más preguntas que certezas.
Engullido en un paisaje inmenso devastado por
una catástrofe sin nombre, su joven protagonista
avanza en soledad con el eco de la madre como
referencia. Este paseo por el amor y la muerte
alienta una reflexión madura sobre la identidad
familiar y también la colectiva, construidas ambas
siempre sobre heridas, algunas aún recientes,
como las de la colonización y la guerra. Habla de
África, de nuestra continuidad en el tiempo y del
legado que dejamos, pero, sobre todo, habla del
presente, de la destrucción irracional de un planeta
que recibimos en préstamo, de la desolación ante
el exterminio de su diversidad (natural, cultural).
En la permanente confusión entre lo íntimo y lo
global, entre la pérdida y la búsqueda del camino,
Serpentário gana fuerza para convertirse en una
suerte de cruce inesperado entre Fata Morgana y El
Principito. MARTIN PAWLEY
CARLOS CONCEIÇAO (Angola, 1979) ingresó a la Escuela de Cine de Lisboa en 2002. Anteriormente se había especializado
en Literatura Inglesa del Romanticismo. Su primer cortometraje, The Flesh, fue premiado como Mejor Nuevo Talento en
el Indie Lisboa en 2010, mientras que Versailles (2013) se estrenó en el Festival de Cine de Locarno.
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CO
Serpentário
Carlos Conceição
A young man drifts though a post-disaster African
landscape looking for his mother’s ghost.
Film essay, scientific fiction and travel diary, all in
one, Carlos Conceição’s first feature film comes up
with more questions than certainties. Swallowed in
an enormous landscape devastated by an unnamed
catastrophe, its young main character moves
forward in loneliness with his mother´s echo as a
reference. This walk trough love and death encourages
a mature reflection around family and collective
identity, both of them always built upon wounds,
some still recent, such as colonization and war. It
speaks of Africa, of our continuity in time and of the
heritage we leave behind, but above all, it speaks
about the present, the irrational destruction of a
planet we received on loan, about desolation when
facing the extermination of its diversity (natural,
cultural). In the permanent confusion between the
intimate ant the global, between the loss and the
search of the path, Serpentário gathers strength to
turn into an unexpected mix between Fata Morgana
and The Little Prince. MARTIN PAWLEY
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Seven Years in May
Sete anos em Maio
Affonso Uchoa
Una noche, hace siete años, Rafael regresó a casa
después del trabajo y descubrió que unos desconocidos
habían ido a buscarle. Huyó de inmediato, sin mirar
atrás. A partir de ese momento, su vida cambió, como
si esa noche nunca hubiera terminado.
A lo largo del año son pocas las películas que puedan
representar de manera profunda y cercana la
desesperanza de nuestra condición humana. Grabada
con pocos elementos, entre fogatas y calles a oscuras,
la nueva película de Affonso Uchoa (A Vizinhança do
Tigre; Arábia) nos presenta a Rafael, un joven que se vio
perseguido por la policía hace siete años y cuya vida
cambió desde entonces. Su relato es el de un país roto
y arruinado por la violencia del Estado, abandonado a la
rabia y la decepción. Cada palabra que sale de su boca
configura un canto político sin igual. “¿Es tu historia
diferente?”, pregunta a su interlocutor al terminar de
hablar. “Es igual, todas las historias se parecen”, es la
respuesta. Con momentos que se acercan al mejor
Pedro Costa, Seven Years in May no es una película
sobre lo que está pasando hoy en Brasil (que también, y
de qué manera): es, principalmente, una película sobre
lo que viene ocurriendo desde hace años, desde hace
siglos, en el mundo entero. FERNANDO VÍLCHEZ
AFFONSO UCHOA (Brasil, 1984). Ha dirigido Afternoon Woman (2010) proyectada en la Mostra de Tiraden-
tes, Semana de los Realizadores y en CineEsquemaNovo. En 2014 realizó A Vizinhança do Tigre, a la que
siguió Arábia (co-dirigida con João Dumans, 2017). Ambas fueron proyectadas en Pasajes FILMADRID, con
la presencia de Uchoa.
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Brasil, 2018. 41 min.
PROD: Camila Bahia, Vasto Mundo, Un Puma //
GUION: Rafael dos Santos Rocha, Affonso Uchôa,
João Dumans // CON: Rafael dos Santos Rocha,
Wederson Neguinho, Maicon Felipe, Max Henrique,
Leonardo Ferreira, Magno Pires, Robson Vieira
ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE
SÁBADO 8JUN - 22:15h
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
SE PROYECTA CON // SCREENS WITH:
Gulyabani
One night seven years ago, Rafael came home after
work and discovered that people he did not know
had come looking for him. He immediately fled,
without looking back. From that moment on, his
life changed, as if that night had never ended.
Throughout the year there are few films that can
represent in a deep and close way the hopelessness
of our human condition. Recorded with few elements,
between bonfires and dark streets, Affonso
Uchoa’s new film (A Vizinhança do Tigre; Arábia)
introduces us to Rafael, a young man who was
persecuted by the police seven years ago and whose
life has changed since then. His story is that of a broken
country ruined by state violence, abandoned to rage
and disappointment. Every word that comes out
of his mouth is an unparalleled political chant. “Is
your story different?”, he asks his interlocutor at
the end of his speech. “It’s the same, all the stories
are alike,” is the answer. With moments approaching
the best Pedro Costa, Seven Years in May is not
a film about what is happening today in Brazil
(which also is): it is mainly a film about what has
been happening for years, for centuries, all over
the world. FERNANDO VÍLCHEZ

Rusia, 2018. 20 min.
GUION: Anastasia Braiko, Anastasia Veber y
Egor Sevastyanov // FOTO: Egor Sevastyanov
// SONIDO: Egor Sevastyanov // MONTAJE:
Egor Sevastyanov
ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE
VIERNES 14JUN - 20:00h
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
SE PROYECTA CON // SCREENS WITH:
Je peux changer mais pas à 100% (Anastasia Braiko, Anastasia Veber y Egor Sevastyanov)
Tres directores retratan a tres personajes en San
Petersburgo y sus vidas llenas de intensidad
y agresividad. La cámara fragmenta figuras y
espacios, empuja los cuerpos fuera de la pantalla,
limita sus posibilidades de acción. Solo la violencia
parece conducir de una sala a otra, parece poder
conectar las salas y, al final, incluso cuestionar la
ficción de la película en sí. Es un síndrome de un
presente.
No es casual que la película de Anastasia Braiko,
Anastasia Veber y Egor Sevastyanov, producida en la
Escuela de Nuevo Cine de San Petersburgo, haya sido
reconocida en festivales de la talla del Internationale
Kurzfilmtage Oberhausen. Sus directores, el colectivo
Art Union Marmelade, han logrado convertir las
premisas de producción de un filme de estudiantes
con actores no profesionales en un dispositivo
cinematográfico inteligente, salvaje y subversivo.
El plano inicial de Syndrome IO muestra el rostro
congestionado de un adolescente en el momento que
antecede a la catarsis de la violencia. Esta pulsión,
junto con la pasión amorosa desenfrenada, conforma
una dialéctica estructural en la que el relato funciona
como un laboratorio donde se experimenta y se pone
a prueba el propio código narrativo. Y mientras el
cuerpo se deja llevar por las incitaciones maquiavélicas
de un sistema social que también tiene el poder de
deconstruirlo, suena la bella e inquietante música de
Martynov. RAMÓN DEL BUEY
El ART UNION MARMELADE es un colectivo formado por ANASTASIA BRAIKO, ANASTASIA VEBER y EGOR
SEVASTYANOV. Forman parte junto con otros realizadores de la Unión de Nuevos Cineastas de San Petersburgo,
Unionprotiv. Syndrome IO ha sido galardonada en el prestigioso Festival de Cortometrajes de Oberhausen.
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CO
Syndrome IO
Art Union Marmelade
Three directors portray three characters in Saint
Petersburg, their lives full of intensity and aggression.
The camera fragments figures and spaces, pushes
the bodies off screen, limits their possibilities for
action. Only violence seems to lead from one room to
another, seems to be able to connect the rooms, and
in the end even to question the film fiction itself. It is
a syndrome of a present.
It is no coincidence that the film by Anastasia Braiko,
Anastasia Veber and Egor Sevastyanov, produced at
the St. Petersburg School of New Cinema, has been
recognised in festivals like Internationale Kurzfilmtage
Oberhausen. Its directors, the collective Art Union
Marmelade, have managed to turn the production
premises of a student film with non-professional actors
into an intelligent, wild and subversive cinematographic
device. The initial shot of Syndrome IO shows the con-
gested face of a teenager in the moment that precedes
the catharsis of violence. This drive, together with
unbridled passionate love, forms a structural dialectic
in which the story operates as a laboratory where the
narrative code itself is experienced and tested. And
while the body allows itself to be carried away by the
Machiavellian incitements of a social system that also
has the power to deconstruct it, Martynov’s beautiful
and disturbing music plays. RAMÓN DEL BUEY
CO
Winter’s Night
Jang Woo-Jin
Eun-ju y Heung-ju, una pareja de mediana edad,
visitan el templo Cheongpyeong de Chuncheon,
donde pasaron su primera noche juntos hace 30
años. Volviendo del templo Eun-ju descubre que ha
perdido su teléfono.
Debido a imprevistos de última hora, un matrimonio
coreano se ve obligado a permanecer una noche
más en su destino, al norte del país. Treinta años
antes visitaban ese mismo lugar como dos jóvenes
enamorados, pero ahora afrontan estas horas extra
desde un amor cansado y que se resquebraja como
el hielo. El director coreano Jang Woo-Jing se sirve
del ambiente nocturno para transformar la expresividad
del paisaje y sus sonidos, insuflándoles un aura
mágica, irreal. Esa noche los tiempos pasado y presente
parecen disolverse para que mujer y esposo
encuentren su personal espejo y puedan reevaluar
el camino andado. En algún momento, la presencia
del soju podrá hacer pensar en Hong Sang-soo, pero
la reflexión sobre las grietas afectivas causadas por
el paso del tiempo remite a la extraordinaria Copia
certificada (Abbas Kiarostami, 2010), aunque aquí
la melancolía tenga un delicado poso de invierno y
noche. ANDREA MORÁN
JANG WOO-JIN (Corea del Sur, 1985). Después de graduarse en Cine, Vídeo e Imagen en Movimiento en
la Universidad de Hongik, Jang Woo-jin estudió dirección de cine en la Escuela Superior de Contenido
Cinematográfico de la Universidad de Dankook. Woo-jin estuvo incluido en la sección de Cineastas del
Presente del Festival Internacional de Cine de Locarno.
24
Corea del Sur, 2018. 93 min.
PROD: Kim Dae-Hwan, Bomnae Films // GUION:
Jang Woo-Jin, Seo Young-Hwa, Yang Heung-Ju, Lee
Sang Hee, Woo Ji-Hyeon // EDICIÓN: Jang Woo-
Jin // FOTO: Yang Jeong-Hun // INTÉRPRETES: Seo
Younghwa,Yang Heungju, Lee Sanghee,Woo Jihyeon
ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE
MARTES 11JUN - 20:00h
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
A Middle-age couple, Eun-ju and Heung-ju visit
Chuncheon’s Cheongpyeong Temple, a place where
they spent their first night together 30 years ago. On
their way back, Eun-ju finds out that she lost her phone.
Due to unexpected incidents, a Korean couple is forced
to stay one more night in their weekend destination,
in the north of the country. Thirty years before they
visited that same place as two young lovers, but now
they face these extra hours being in a tired love that
cracks like ice. The Korean director Jang Woo-Jing
uses the nocturnal atmosphere to transform the
expressiveness of the landscape and its sounds,
infusing them with a magical, unreal aura. That night
the past and present times seem to dissolve so that
wife and husband find their personal mirror and
can reevaluate the way they have walked. At some
point, Hong Sang-soo may pop up in our minds
because the presence of soju but the reflection on
the emotional cracks caused by the passage of time
would dialog well enough with Certified Copy (Abbas
Kiarostami, 2010), although here the melancholy has
a delicate trace of winter and night. ANDREA MORÁN
25
CV
 CV

C O M P E T I C I Ó N VA N G UA R D I AS
VA N G UA R D I AS C O M P E T I T I O N

Sección dedicada a los nuevos lenguajes

cinematográficos y la experimentación.

Section dedicated to new cinematographic

languages and experimentation.
CV
La voz de Barbara Hammer y las imágenes de un viaje en
motocicleta por Guatemala acompañan a las palabras de
Maya Deren en una pequeña pieza con la que Deborah Stratman
visibiliza las estructuras, mitos y símbolos (sociales, políticas,
estéticas o de género) que dan sentido e infunden poder
a una cultura. Entre el retrato, la confesión y el ensayo, las
palabras de Barbara Hammer dibujan no solo una búsqueda
artística, sino asimismo el reconocimiento de una identidad
que se plasma en las imágenes. ÓSCAR BROX.
Two //
Vasilios Papaioannu
Estados Unidos, 2018. 8 min.
ESTRENO EN ESPAÑA/ SPANISH PREMIERE
El título de la última película de Vasilios Papaioannu apunta
en la misma dirección que algunos de los elementos
que componen su lenguaje cinematográfico: la doble
temporalidad narrativa, la doble dimensión de la voz en el
diario filmado (el texto y las imágenes se imbrican con la
voice-over de Emma Piper-Burket y el paisaje de las field
recordings) o la doble polaridad de lo paradójico. La poética
de Two traduce a formas audiovisuales la sístole y diástole
del verso de T. S. Eliot: «The end and the beginning were
always there». RAMÓN DEL BUEY
28
VANGUARDIAS 1
Duración del programa: 56 minutos
SÁBADO 8 JUN - 20:00H
LA CASA ENCENDIDA
Vever (For Barbara)//
Deborah Stratman
Guatemala, Estados Unidos, 2019. 12 min.
Barbara Hammer’s voice and images of a motorcycle trip
through Guatemala accompany Maya Deren’s words in a
small piece with which Deborah Stratman visualizes the
structures, myths and symbols (social, politic, aesthetic or
gender) that give meaning and power to a culture. Half way
between the portrait, the confession and the essay, Barbara
Hammer´s words not only draw an artistic search, but also
the acknowledgment of an identity which is expressed in the
images. ÓSCAR BROX
The title of Vasilios Papaioannu’s latest film points in the
same direction as some of the elements that make up his
cinematic language: the double narrative temporality, the
double dimension of the voice in the filmed diary (text
and images are interwoven with the voice-over by Emma
Piper-Burket and the landscape of the field recordings) or
the double polarity of the paradoxical. The poetics of Two
translates the systole and diastole of the verse by T. S. Eliot
into audiovisual forms: “the end and the beginning were
always there”. RAMÓN DEL BUEY
 CV

VANGUARDIAS 1
Duración del programa: 56 minutos

SÁBADO 8 JUN - 22:00H

LA CASA ENCENDIDA

The Horrible Thirty: Me, My Father and Richard the Tiger //

Rina Tsou
Taiwan, 2018, 23 min.

ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE

Una urgencia emocional hace que la cineasta Rina Tsou
invoque a su padre muerto para charlar una vez más con
él. El progenitor regresa manifestado a través de un tigre y
el pasado hace lo propio en forma de viejas películas de los
años cincuenta que nos sitúan en el imaginario taiwanés
de la época. Una aproximación muy personal al archivo
fílmico, un exorcismo hecho de celuloide lleno de imágenes
fascinantes y silencios emotivos. FERNANDO VÍLCHEZ
An emotional urgency impulse filmmaker Rina Tsou
to invoke her dead father (who has manifested into a
tiger) for one more chat. Together, they look into a past
that has returned through 1950s Taiwanese films. As
an intimate approach to the found footage, this film is,
in essence, an exorcism made of celluloid and digital
film featuring fascinating images and touching silences.
FERNANDO VÍLCHEZ

Instructions on How to Make a Film//

Nazli Dinçel
Estados Unidos, 2018. 13 min. Proyección en 16mm.

FUERA DE COMPETICIÓN / OUT OF COMPETITION

Si hay algo que se puede apreciar a primera vista en las
películas de Nazli Dinçel, es el valor de la materialidad
como vehículo de la experiencia sensorial. En su última
película, la estructura en capítulos y la voz en off de natura-
leza pedagógica, articulan unas imágenes sensuales y lúdicas.
Imágenes de cuerpos y paisajes eróticos. Película rayada,
agujereada, que muestra su condición de cuerpo manipulable.
Manos que buscan el placer y sostienen la fertilidad, tanto
en el encuentro voluptuoso con el mundo como en el
descubrimiento del hecho creativo. NURIA CUBAS
If there is something that may be noticed in Nazli Dinçel’s
films at first glance, it is the value of materiality as vehicle
for the sensorial experience. In her last film, the structure
in the chapters and the voice-over of pedagogical nature,
articulate sensual and playful images. Images of erotic
bodies and landscapes. Grated, pierced, film, which shows
its condition of a body subject to manipulation. Hands that
look for pleasure and hold fertility, both in the voluptuous
encounter with the world, as in the discovery of the creative
act. NURIA CUBAS

29
CV

VANGUARDIAS 2
Duración del programa: 81 minutos

DOMINGO 9 JUN - 20:00h

LA CASA ENCENDIDA

ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE

Dream of a City//
Manfred Kirchheimer
Estados Unidos, 2018. 39 min.

Para acercarse a una obra tan excepcional como Dream
of a City es preciso saber que su director, Manfred
Kirchheimer, ha dedicado la última parte de su carrera a
recuperar y dar nueva vida a las imágenes que a lo largo de
los años ha filmado de su urbe de adopción, Nueva York.
Y es precisamente del tiempo y de la ciudad –así como
de luz y claroscuros e incluso de la pervivencia del mismo
cine– de lo que trata esta sinfonía urbana que podría
parecer anacrónica, pero que es sencillamente intemporal.
GABRIEL DOMENECH
To approach such an exceptional work as Dream of a City, it
is necessary to know that its director, Manfred Kirchheimer,
has dedicated the last part of his career to recovering and
giving new life to the images he has filmed over the years
from his adopted city, New York. And it is precisely time
and the city —as well as light and chiaroscuro and even the
survival of the cinema itself— which this urban symphony is
about that may seem anachronistic, but is simply timeless.
GABRIEL DOMENECH

ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE

Mal-Fekata//
Hasabie Kidanu
Estados Unidos, 2019. 6 min.

Sublime juego de superposiciones y reflejos, dotado de una
fantasmagoría tan personal como reconocible, Mal-Fekata
es un retrato íntimo e imaginario de Adís Abeba, así como
una reflexión sobre nuestra capacidad de percepción.
La joven cineasta etíope Hasabie Kidanu abre nuevas
perspectivas en el empleo del 16 milímetros, alcanzando
una poética que desprende una concepción cíclica de
la existencia. El ocaso como el verdadero instante de la
iluminación. JAVIER H. ESTRADA
Superb game of overlaps and reflections, with a phantasma-
goria as personal as recognizable, Mal-Fekata is an intimate
and imaginary portrait from Adis Abeba, as well a consider-
ation of our capability of perception. The young Ethiopian
filmmaker Hasabie Kidanu opens new points of view in the
use of the 16 millimetres, reaching a poetry from which
emerges a cyclical conception of existence. The twilight as
the true moment of illumination. JAVIER H. ESTRADA

30

VANGUARDIAS 2
Duración del programa: 81 minutos
DOMINGO 9 JUN - 20:00h
LA CASA ENCENDIDA
ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE
E-TICKET//
Simon Liu
Hong Kong, Estados Unidos, Reino Unido, 2019. 14 min
Trazos, bucles, ritmos que fragmentan la imagen; que la
aceleran, congelan y manchan. Simon Liu se vale de mate-
rial de su archivo, entre el viaje etnográfico y el manifiesto
político, para conferir vida sobre unas imágenes olvidadas.
Para resignificarlas desde el montaje, del ensamblaje de
sonidos y ritmos que alteran el orden y el sentido, para
sumirnos en una experiencia estética en el que el baile
de materiales, más que una búsqueda de sentido, apela a
construir una nueva vida para las imágenes. ÓSCAR BROX
Para componer su particular poética del espacio, Luis
Lechosa se sirve de la percepción como mecanismo de
codificación de la realidad: un factor determinante que
distorsiona verdades y cuestiona absolutos. A partir de
la manipulación digital, el realizador vuelve sobre las
imágenes iniciales de paisajes para invertirlas, colorearlas
y superponerlas. Una operación similar a la de la memoria
que condiciona recuerdos y los transforma en una pseudo-
rrealidad más hermosa, más ficticia y a la vez más valiosa.
CRISTINA APARICIO
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CV
Strokes, loops, rhythms which break up the image; which
accelerate, freeze and dirty this image. Simon Liu takes
advantage of the material of his archive, halfway between
the ethnical journey and the political manifesto, to bring to
life forgotten images. To give them a new meaning by the
means of production, sound and rhythm assemblage which
modify the order and sense, to present us with an esthetical
experience in which the dance of materials, more than the
search of a meaning, pretends to build a new life for images.
ÓSCAR BROX
ESTRENO MUNDIAL // WORLD PREMIERE
O verde//
Luis Lechosa
España, 2019. 22 min.
To pull together his particular poetry of space, Luis Lechosa
makes use of perception as a codification mechanism
of reality: a determining factor which distorts truths and
questions absolutes. Making use of digital manipulation,
the director goes back to the initial images of landscapes
to then turn them round, colour and overlap them. A similar
procedure to the one of memory when conditioning memo-
ries and changing them into a more beautiful, fictitious and
valuable pseudo reality. CRISTINA APARICIO
CV
En Altiplano Malena Szlam dibuja Los Andes como un
horizonte enérgico y vigoroso en el que confronta dos
sensaciones a priori contradictorias: por un lado, la per-
sistencia de un entorno centenario, mítico, bello; por otro,
la constante alteración que se da en una tierra árida de
corazón salino y latido volcánico, en riesgo de explotación.
Es la personalidad figurativa de la montaña vs. la capacidad
de abstracción del cine, una vibrante fusión de texturas,
tiempos, capas y colores. La naturaleza nos excede, el
paisaje se transforma. ANDREA MORÁN
Ceniza verde//
Pablo Mazzolo
Argentina, 2019. 10 min.
Imagen y memoria están estrecha y dialécticamente
entrelazadas. El tiempo y la historia se escriben a través
de ellas, pero ¿hay alternativa a la imagen-memoria hege-
mónica? Ceniza verde, a propósito del suicidio colectivo
de la comunidad étnica Hênîa-Kâmîare en un desesperado
intento por resistir a la violencia de la conquista española,
plantea la posibilidad de jugar con la imagen-memoria a
través de su saturación, su perspectiva, su temporalidad,
su alternancia para sacarnos del imago y llevarnos hacia
una invocación de las desfiguraciones de la historia. PAULA
LÓPEZ MONTERO.
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VANGUARDIAS 3
Duración del programa: 60 minutos
MARTES 11 JUN - 18:00H
LA CASA ENCENDIDA
Altiplano//
Malena Szlam
Chile, Argentina, Canadá, 2018. 15 min.
In Altiplano, Malena Szlam draws Los Andes as an
energetic and vigorous horizon in which she confronts two
contradictory in advance sensations: on the one hand, the
persistence of a centennial, mythical, beautiful environ-
ment; on the other, the constant alteration that occurs in
an arid land of saline heart and volcanic heartbeat, at risk of
exploitation. It is the figurative personality of the mountain
vs. the capacity for abstraction of cinema: a vibrant fusion of
textures, times, layers and colours. Nature exceeds us, the
landscape is transformed. ANDREA MORÁN
Image and memory are tight and dialectically intertwined.
Time and history are written through them, but is there an
alternative to the hegemonic image-memory? Ceniza verde,
focusing in the collective suicide of the ethnic community
Hênîa-Kâmîare in a desperate attempt to resist the violence
of the Spanish conquest, presents the possibility of playing
with image-memory through its saturation, perspective,
temporality and alternation to pull us out of the imago and
lead us to an invocation of the history´s disfigurements.
PAULA LÓPEZ MONTERO.

VANGUARDIAS 4
Duración del programa: 60 minutos
MARTES 11 JUN - 16:00H
LA CASA ENCENDIDA
ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE
Água Forte//
Mónica Baptista
Portugal, Perú, 2018, 15 min.
De entre los múltiples mitos de la creación, Mónica Baptis-
ta rescata la tradición de los curripacos para componer un
particular relato de este pueblo indígena de la Amazonia;
de su recóndita vida atravesada por las aguas y de la
quietud de un pueblo varado por la naturaleza. Rodada en
16 mm y procesada a mano, las distintas marcas sobre
la imagen así como la textura envejecida acaban por
convertirse en la imagen misma. Un ejercicio visual de
abstracción donde perduran la poesía de lo sagrado y los
cantos ancestrales. CRISTINA APARICIO.
Uno de los leitmotiv que articula la fulgurante filmografía
de Jorge Suárez-Quiñones es la autoconsciencia del tiempo.
Sus películas consiguen reflejar la materialidad del flujo
vital a través de un ejercicio de observación intimista. In
Between Solstices propone al espectador el descubrimiento
de una realidad inadvertida: aquella que emerge cuando
nuestra mirada se detiene, es decir, cuando se proyecta
simultáneamente hacia dentro y hacia fuera, sin saber
la imagen que quiere obtener del mundo ni de sí misma.
RAMÓN DEL BUEY
33
CV
Among the multiple myths around creation, Monica
Baptista rescues the Curripacos tradition in order to pull
together the particular story of this indigenous people of the
Amazonia; of their remote life crossed by the waters and the
stillness of these people, stranded by nature. Filmed in 16
mm and processed by hand, the different marks on the im-
age as well as the aged texture end up to be the image itself.
A visual abstraction exercise where the poetry of the sacred
and of the ancestral singing persist. CRISTINA APARICIO.
ESTRENO MUNDIAL // WORLD PREMIERE
In Between Solstices//
Jorge Suárez Quiñones
España, 2019, 20 min. Proyección en Súper-8.
One of the leitmotiv that brings Jorge Suárez-Quiñones’
brilliant filmography together is the self-consciousness of
time. His films manage to capture the superficial aspects
of the life flow through an intimate exercise of observation.
In Between Solstices invites the spectator to discover an
unnoticed reality: that one which emerges when the eye
stops to contemplate, that is, when it is being projected both
within and outward, unaware of the picture that wants to be
received from the world or itself. RAMÓN DEL BUEY
CV

VANGUARDIAS 4

MIÉRCOLES 12 JUN- 18:00h

LA CASA ENCENDIDA

Alemania, 2019. 82 min.

PROD: Ute Aurand / GUIÓN: Ute Aurand /
EDICIÓN: Ute Aurand // Proyección en 16mm

Rushing Green with Horses

Ute Aurand

Un título enigmático que no es tal, sino una des-
cripción simple y prosaica de una imagen que ha
de formar parte de la futura película. Ute Aurand se
sirve precisamente de este tipo de imágenes coti-
dianas, intrascendentes y, sí, prosaicas: imágenes
que abarcan un periodo de veinte años, entre 1999 y
2018, unas en color, otras en blanco y negro, algunas
silentes, muchas sonoras, todas ellas centradas en
su universo más íntimo y familiar. En ellas vemos a
su compañero, el también cineasta Robert Beavers,
y a muchos amigos, pero sobre todo a su hermana
y a sus sobrinas que, en esas dos décadas, crecen
ante nuestros ojos. Son breves flashes filmados con
la Bolex que, abstraídos del formalismo de Beavers
o de la tensión de las películas autobiográficas de
Brakhage, remiten al tono elegíaco de los diarios de
Mekas, a ese grado de intimidad que solo se alcanza
cuando uno está con los suyos y los mira con tanta
confianza como afecto: la traducción exacta de la
felicidad. JAIME PENA
It is an enigmatic title that is not such, but a simple
and prosaic description of an image that must be
part of the future film. Ute Aurand uses precisely
these types of everyday images, inconsequential
and, yes, prosaic: images that span a period of
twenty years, between 1999 and 2018, some in
colour, others in black and white, some silent, many
sonorous. They all focused on their most intimate
and familiar universe. In them we see his partner, the
filmmaker Robert Beavers, and many friends, but
especially his sister and his nieces who, in those two
decades, grow before our eyes. They are brief flashes
filmed with the Bolex that, abstracted from the
formalism of Beavers or the tension of the autobio-
graphical films of Brakhage, refer to the elegiac tone
of Mekas’s diaries to that degree of intimacy that
can only be achieved when one is with one’s own and
looks at them with as much confidence as affection:
the exact translation of happiness. JAIME PENA

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 CV

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CV
La última pieza de Adrián Canoura (Premio Vanguardias en
FILMADRID IV por Caerán lóstregos do ceo) plantea un re-
corrido sensorial y cómplice a través de las aldeas del con-
cello de San Sadurniño. La cámara devela un caleidoscopio
de contornos, pliegues y cromatismos en el que reverbera
la poética de Stan Brakhage. Los recovecos del territorio
son registrados por una imagen que escudriña sutilmente
la experiencia de habitar el espacio, permitiendo que sea la
luz, el paisaje y las propias gentes los que transcriban sus
figuras y sus formas. RAMÓN DEL BUEY
Party on the CAPS//
Meriem Bennani
Marruecos, Suiza, 2018, 26 min.
ESTRENO EN ESPAÑA / SPANISH PREMIERE
En un futuro lejano, la Tierra está regida por los avances
biotecnológicos y la teletransportación. Pero las lacras
básicas siguen inmutables: CAPS es una isla perdida en
medio del Atlántico, convertida por Estados Unidos en
una cárcel para inmigrantes que intentan cruzar el charco.
Mezclando el lenguaje de internet, el documental, la publicidad
y la más honda tradición marroquí, la joven artista Meriem
Bennani ha elaborado una de las propuestas más hilarantes,
originales y políticamente visionarias de los últimos tiempos.
JAVIER H. ESTRADA
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VANGUARDIAS 5
Duración del programa: 53 minutos
JUEVES 13 JUN - 18:00h
LA CASA ENCENDIDA
Rexistros//
Adrián Canoura
España, 2019, 15 min.
The last film by Adrián Canoura (Vanguardias Award
in FILMADRID IV for Caerán Lóstregos do Ceo) offers a
sensory and accomplice journey through the villages of
the municipality of San Sandurniño. The camera unveils a
kaleidoscope of contours, pleats and chromaticism in which
Stan Brakhage´s poetics is reflected. The hidden nooks of
the region are captured by an image subtly sifting through
the living experience of the space, allowing the light, the
scenery and its own people to transcribe its shapes and
forms. RAMÓN DEL BUEY
In the distant future, the Earth is governed by biotechno-
logical advances and teleportation. But the basic blights
remain unchanged: CAPS is an island lost in the middle of
the Atlantic, turned by the United States into a prison for
immigrants who tried to cross the sea. Mixing the language
of the internet, documentary, advertising and the deepest
Moroccan tradition, the young artist Meriem Bennani
has developed one of the most exhilarating, original and
politically visionary proposals of recent times. JAVIER H.
ESTRADA

VANGUARDIAS 5
Duración del programa: 53 minutos
JUEVES 13 JUN - 18:00h
LA CASA ENCENDIDA
Detenerte en el pulso//
Nicole Remy
Perú, 2018, 6 min.
ESTRENO EN EUROPA / EUROPEAN PREMIERE
La imagen perturbadora del músculo símbolo de la vida,
unida al obsesivo ritmo de las sístoles y diástoles, funge de
motor con el que arrancar una indagación en los recuerdos
familiares, en las convenciones sociales, en la existencia
y su opuesto, realizada y montada, nunca mejor dicho, a
corazón abierto. GABRIEL DOMÉNECH
Este corto documental retrata a Ivanka, una mujer de la
zona rural del este de Serbia que pasó la mayor parte de
su vida en trance para alcanzar el reino de la muerte y
conocer el futuro. Los materiales de archivo ofrecen una
etnografía de sus días como profeta y se entretejen con
metraje filmado en el presente, una vez que las fuerzas
sobrenaturales la abandonaron. La película elabora un me-
ta-discurso a propósito de la imagen digital como medium
para representar la memoria y explora el modo en que la
transformación de Ivanka alteró su consciencia del espacio
circundante. RAMÓN DEL BUEY
37
CV
It all starts with the disturbing image of a heart as a symbol
of life, along with a compulsive rhythm of systole and
diastole. Both serving as engine for starting to delve into
the family memories, the social conventions, the existence
and its opposite. Produced and edited, quite literally, with an
open heart. GABRIEL DOMÉNECH
Iman pesmu da vam pevam//
Eluned Zoe Aiano, Alesandra Tatić
Serbia, Reino Unido, 2018. 6 min.
ESTRENO EN ESPAÑA / SPANISH PREMIERE
This short experimental documentary portrays Ivanka, a
woman who lives in rural Eastern Serbia and who spent
most of her life falling into trance to enter the realm of the
dead and learn about the future. Interweaving ethnographic
archive materials from her days as a prophet with contem-
porary footage shot now that the supernatural forces have
left her. The film engages in a meta discourse on the digital
image as a means to visualise the memory and explore how
this experience has affected her perception of the world
around her. RAMÓN DEL BUEY
PE
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P R OY EC C I O N E S E S P EC I A L E S
S P EC I A L S C R E E N I N G S
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España, México, 2019. 83 min.

GUION: Lluís Miñarro, Sergi Belbel // INTÉRPRETES:
Ingrid García-Jonsson, Francesc Orella, Lola
Dueñas, Luis Alberti, Fausto Alzati, Oliver Laxe,
Hugo Catalán, Gabriel Ventura

INAUGURACIÓN // OPENING FILM

Love Me Not JUEVES 6JUN - 20:30h

FILMOTECA ESPAÑOLA CINE DORÉ. Sala 1.
Lluís Miñarro

En escena Herodes y su hija Salomé, famosa por
haber conseguido que le sirvieran en una bandeja
de plata la cabeza de San Juan Bautista. Pero no
estamos en la época del Imperio Romano, sino en
la guerra de Irak, y el desierto sigue siendo el esce-
nario del deseo y la pasión. Mezcla de cine político
y estética pop, basculando entre la obra de teatro
original de Oscar Wilde y la cuestión musulmana.
This titillating, stylised film version of the Biblical
story of John the Baptist and Salomé
largely takes place in an army camp in the desert.
But we are not in the era of the Roman Empire,
but in the Iraq war. The desert is still the scene of
desire and passion. Mix of political cinema and pop
aesthetics, swinging between Oscar Wilde’s original
play and the Muslim question.

Film de arrojo ilimitado, peregrinaje por un territorio
intemporal que no se encuentra en los mapas, Love
Me Not es la segunda ficción de Lluís Miñarro tras
Stella Cadente (2014). Se trata de otro triunfal salto
mortal, un estudio de las pasiones humanas tan
hilarante como desgarrador. Fusión del mito bíblico
de Salomé y de la revisión de Oscar Wilde ubicada
en una guerra imaginaria, la película sigue la odisea
de una joven militar destinada a una cárcel de
máxima seguridad en medio del desierto. Allí deberá
enfrentarse a la tarea de vigilar a un supuesto
terrorista de carácter profético, desarrollando
una intensa obsesión por él. Love Me Not propone
una pertinente alegoría política sin dejar por un
momento de expandir su espíritu excéntrico y
vitalista, desplegando un erotismo y una vertiente
cómica únicos. Si como productor Miñarro cambió
el devenir del cine español, en su labor como realizador
sigue abriendo caminos inauditos. JAVIER H.
ESTRADA
Film of unlimited courage, a pilgrimage through a
timeless territory not found in any map, Love Me
Not is the second film by Lluís Miñarro after Stella
Cadente (2014). It is another triumphant somersault, a
study of human passions as hilarious as it is heart-
breaking. It is also a fusion between the Biblical
myth of Salomé and the review of Oscar Wilde located
in an imaginary war, the film follows the odyssey
of a young soldier destined in a maximum security
prison in the middle of the desert. There she will
have to face the task of monitoring a presumed
terrorist of a prophetic nature, developing an
intense obsession for him. Love Me Not proposes a
pertinent political allegory and at the same time it
expands its eccentric and vitalistic spirit, displaying
a unique eroticism and comedy. If, as a producer,
Miñarro changed the future of Spanish cinema, in
his work as a filmmaker he continues to open up
unheard paths. JAVIER H. ESTRADA

LLUÍS MIÑARRO (Barcelona, 1949) responsable de Eddie Saeta, una compañía de producción audiovisual
que ha producido diversos títulos de reconocimiento en festivales internacionales, ha dirigido filmes como
Stella Cadente (2014) o el documental Familystrip (2009). Miñarro es el primer cineasta español en inaugurar
FILMADRID, cogiendo el relevo de grandes nombres como Pedro Costa (Cavalo Dinheiro, 2014), Aleksandr
Sokurov (Francofonia, 2015), Kelly Reichardt (Certain Women, 2016) y Hong Sang-soo (The Day After, 2017).

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Ray & Liz
Richard Billingham
Basada en las memorias del fotógrafo y director
Richard Billingham, la película se centra en sus
padres Ray y Liz, su relación y el impacto que
tuvieron en Richard y su hermano pequeño Jason.
En la periferia de Birmingham y los márgenes de
la sociedad, la familia Billingham realiza rituales
extremos y rompe los tabúes sociales con una vida
determinada por factores que escapan a su control.
El hecho de que Richard Billingham fuese, antes que
cineasta, un conocido fotógrafo –y no uno cualquiera:
se encuentra entre los artistas más prestigiosos de
Reino Unido, particularmente gracias a las instantáneas
que tomó de su disfuncional familia durante los años
90– da algunas pistas para acercarnos a su primer
largometraje. Ray & Liz vuelve sobre la historia de
los padres del director a través de tres episodios que
transcurren en la Birmingham proletaria durante la
“era Thatcher”. Los propósitos de Billingham pasan por
capturar, con inusitada precisión narrativa y formal,
retazos de un tiempo pasado, las pocas y significativas
piezas de un rompecabezas más vasto, el de la
progresiva decadencia familiar de los Billingham. Ray &
Liz, que nos devuelve desde otra perspectiva parte del
universo suburbial y gris de Alan Clarke, Terence Davies
o Mike Leigh, elabora un mapa de afectos quebrados
en el que, a pesar de la dureza del relato, una mirada
cariñosa y hasta humorística termina abriéndose paso.
GABRIEL DOMÉNECH
RICHARD BILLINGHAM (Reino Unido, 1970). En 1997 recibió el Premio de Fotografía de la Deutsche Borse y, el año
siguiente, la BBC2 emitió su primer documental, Fishtank, producido por Artangel y el cineasta Adam Curtis. Expuso
en la Bienal de Venecia de 2001 y fue nominado al Premio Turner, también en 2001. Sus trabajos nos hablan de su
propia familia, de animales en zoológicos del mundo y del paisaje británico.
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Reino Unido, 2018. 107 min.
GUION: Richard Billingham // FOTO: Daniel Landin // EDICIÓN:
Tracy Granger // SONIDO: Joakim Sundström // INTÉRPRETES:
Ella Smith, Justin Salinger, Sam Gittins, Tony Way
VIERNES 7JUN - 22:00h
FILMOTECA ESPAÑOLA CINE DORÉ. Sala 1.
Based on the memoirs of photographer and director
Richard Billingham, the film focuses on his parents
Ray and Liz, their relationship and the impact they
had on Richard, and his little brother Jason. On the
periphery of Birmingham and the margins of society,
the Billingham family performs extreme rituals
and breaks social taboos with a life determined by
factors beyond their control.
The fact that Richard Billingham was, before being
a filmmaker, a well-known photographer - and
not just any photographer: he is among the most
prestigious artists in the UK, particularly thanks to
the snapshots he took of his dysfunctional family
during the 1990s - gives us some clues to his first
feature film. Ray & Liz returns to the story of the
director’s parents through three episodes that
take place in proletarian Birmingham during the
Thatcher era. Billingham’s purpose is to capture,
with unusual narrative and formal precision, scraps
of a time long gone, the few and significant pieces
of a larger puzzle, that of the progressive decline
of the Billingham family. Ray & Liz, which gives us
a different perspective on part of the suburban
and grey universe of Alan Clarke, Terence Davies or
Mike Leigh, elaborates a map of broken affections
in which, in spite of the harshness of the story, a
loving and even humorous look ends up picking
through. GABRIEL DOMÉNECH
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Season of the Devil
Lav Diaz
A finales de los setenta, grupos paramilitares
aterrorizan un pueblo remoto en Filipinas. El terror
infligido en los ciudadanos no solo es corporal, sino
intensamente psicológico. De manera constante
alimentan rumores falsos acerca del líder de la
zona. Una minoría resiste y se niega a abandonar. El
poeta, profesor y activista Hugo Haniway busca con
desesperación la verdad acerca de la desaparición
de su esposa.
Lav Diaz ha definido Season of the Devil como un
“antimusical” y una “ópera rock”. El gran autor
filipino sitúa su historia a finales de los 70, periodo
especialmente cruento de la dictadura de Ferdinand
Marcos, tomando como base las actuaciones de las
milicias populares que pretendían erradicar cualquier
rastro de comunismo. Cada uno de los personajes
expone sus pensamientos y emociones por medio
de canciones tan cargadas de lirismo como
despojadas de adornos, estableciendo un espejo
inequívoco con la realidad actual de Filipinas bajo
el mandato autoritario de Rodrigo Duterte. Diaz
dinamita los códigos del género para desarrollar
un imparable discurso por la libertad, todo ello con
su cruda y deslumbrante composición del blanco y
negro, y un tiempo que se expande hasta alcanzar
la más profunda representación de la brutalidad y
la inquietud del ser humano. JAVIER H. ESTRADA
LAV DIAZ (Filipinas, 1958) es un artista versátil. Empezó siendo guitarrista, continuó escribiendo poesía y relatos
breves, hasta que llegó al cine. Desde finales de los años noventa consagró su vida a este arte hasta convertirse
en uno de los cineastas independientes más premiados en los últimos años. En 2015 FILMADRID dedicó un foco
exclusivo a su filmografía.
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Filipinas, 2018. 234 min.
PROD: Bianca Balbuena, Bradley Liew // GUION Y
EDICIÓN: Lav Diaz // EDICIÓN: Lav Diaz // FOTO:
Larry Manda// SONIDO: Corinne De San Jose //
INTÉRPRETES: Piolo Pascual, Shaina Magdayao,
Pinky Amador.
JUEVES 13JUN - 20:00h
FILMOTECA ESPAÑOLA CINE DORÉ. Sala 1.
In the late 70s, a military-controlled militia gang
terrorizes a remote village in the Philippines. The
terror inflicted on citizens is not just corporal, but
intensely psychological as well. They are constantly
fed apocryphal tales about the village leader. A few
souls fight, refusing to give up. Poet, teacher and
activist Hugo Haniway desperately searches for the
truth about his wife’s disappearance...
Lav Díaz has defined Season of the Devil as an
“antimusical” and a “rock opera”. The story of this
great Philippine director takes place in the late 70s,
a particularly bloody period of the dictatorship of
Ferdinand Marcos, based on the actions of popular
militias that wanted to eradicate any trace of
communism. Each character express their feelings
and emotions through songs as full of lyricism as
stripped of ornaments, establishing an unequivocal
mirror with the current reality of the Philippines
under the authoritarian rule of Rodrigo Duterte.
Diaz blows up the genre codes in order to develop
an unstoppable speech about freedom, always with
his raw and dazzling black and white composition
and a time that expands until reaching the deepest
representation of the human being’s brutality and
restlessness. JAVIER H. ESTRADA

Reino Unido, 2019, 79 min.
PROD: Chiara Ventura, Oskar Pimlott, Jeremy
Warmsley // GUION Y EDICIÓN: Elizabeth
Sankey // MÚSICA: Jeremy Warmsley
ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE
LUNES 10JUN - 22:15h
SALA EQUIS
Cuando era adolescente Elizabeth Sankey estaba
obsesionada con las comedias románticas. Mirando
hacia atrás, describe la influencia de las mismas sobre
ella como negativa. Ahora se da cuenta de que éste
género fílmico es intrínsecamente conservador: los
protagonistas son blancos y heterosexuales, la historia
es misógina y sentimental, los roles sexuales totalmente
tradicionales.
La humorista británica Christie Bridget habla de la
“caída del caballo” para referirse a ese momento en
el que una mujer toma consciencia de la sociedad
patriarcal en la que vivimos. A partir de entonces,
le costará mucho quitarse las gafas violetas para
mirar a su alrededor. Pues bien, podríamos decir que
Romantic Comedy es la directora Elizabeth Sankey
cayéndose de ese mismo caballo y contándonoslo
en primera persona. Si sus ideales en la infancia
estuvieron moldeados por las comedias románticas,
ahora su despertar feminista viene acompañado de la
total decodificación de este subgénero tradicionalmente
asociado con el público femenino. Con una aproxi-
mación video ensayística, Sankey revisa numerosos
hitos del “chico-conoce-chica” para identificar la
repetición de esquemas argumentales, pero también
la manera en la que el lenguaje cinematográfico
construye romanticismo. Una película divertida y de
espíritu crítico que deja por los suelos algunos títulos
icónicos, pero también apunta nuevas formas de
representación acordes a nuestro tiempo. ANDREA
MORÁN
ELIZABETH SANKEY (Reino Unido) es una escritora, música y actriz inglesa. Como comentarista cultural ha
escrito para The Guardian, NME, Vice y McSweeney’s Quarterly Concern. Con su banda, Summer Camp, ha lanzado
tres álbumes de estudio.
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Romantic Comedy
Elizabeth Sankey
As a teenager, Elizabeth Sankey was obsessed by
romantic comedies. Looking back, she describes their
influence on her as negative. She now realises that the
genre is intrinsically conservative: the protagonists are
white and heterosexual, the story is misogynistic and
sentimental, the sex roles traditional.
When the British comedian Christie Bridget talks
about the “fall off a horse” she is referring to that
moment in which a woman becomes aware of the
patriarchal society in which we live. From then on,
it will be very difficult for her to take off her violet
glasses to look around her. Well, we could say that
Romantic Comedy is the director Elizabeth Sankey
falling off that same horse and telling us in first person.
If her ideals in childhood were shaped by romantic
comedies, now her feminist awakening comes
accompanied by the total decoding of this subgenre
traditionally associated with the female audience.
With a video essay approach, Sankey reviews numerous
milestones of the “boy-meets-girl” to identify the
repetition of plot patterns, but also the way in which
the film language builds romance. A funny film with
a critical spirit that buries some iconic titles, but also
points to new forms of representation that are finally
appropriate to our time. ANDREA MORÁN
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Au poste!
Quentin Dupieux
Fugain se planta en la comisaría para informar de
que hay un cadáver en la entrada de su edificio.
Lo que no espera es toparse con el capitán Buron,
que le someterá a un arduo interrogatorio, a cada
frase más delirante. Maestro del absurdo, Quentin
Dupieux se traslada a la Francia de los setenta, se
encierra en una comisaría y da rienda suelta a una
comedia recibida con honores por la crítica gala.
Quentin Dupieux, maestro indiscutible de la comedia
contemporánea, autor de obras tan gloriosamente
revolucionarias como Wrong Cops (2013) y Réalité
(2014), entrega con Au poste! otra insólita pieza
de humor absurdo. Todo parte de un simple
interrogatorio policial, en el que Louis, improbable
sospechoso de un crimen, mantiene un intenso
cara a cara con el comisario Buron, personaje
tan grotesco como enternecedor que se une a
la larga lista de delirantes criaturas dibujadas
por el director. Lejos de esclarecer los hechos, la
batalla dialéctica va enredándose paulatinamente
mediante digresiones constantes, dinamitando
la lógica del tiempo y el espacio, cuestionando el
concepto de realidad, tanto en la vida como en el
cine. Quentin Dupieux aporta dos contundentes
sentencias: 1) el surrealismo termina por ser la
herramienta más fiable para comprendernos a
nosotros mismos; y 2) la existencia humana solo
puede concebirse desde la imaginación ilimitada.
JAVIER H. ESTRADA
QUENTIN DUPIEUX (Francia, 1974) comenzó desde pequeño a filmar y a componer música electrónica, terreno en el
que se hizo famoso con el alias de Mr Oizo. Debutó en el cine con Steak (2006) y se consagró con las inclasificables
Rubber (2010), Wrong (2012), Wrong Cops (2013) y Réalité (2014).
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Francia, 2018, 73 min.
PROD: Thomas Verhaeghe, Mathieu Verhaeghe //
GUION: Quentin Dupieux // MÚSICA: David Sztanke
// FOTO: Quentin Dupieux // INTÉRPRETES:
Anaïs Demoustier, Benoît Poelvoorde, Grégoire Lu-
dig, Orelsan, John Sehil
CLAUSURA // CLOSING FILM
SÁBADO 15JUN - 21:30h
FILMOTECA ESPAÑOLA CINE DORÉ. Sala 1.
Fugain stands at the police station to report that
there is a body at the entrance to his building. What
he doesn’t expect is to run into Captain Buron, who
will subject him to an arduous interrogation, at
every most delirious phrase. A master of the absurd,
Quentin Dupieux moves to France in the 1970s, locks
himself up in a police station and gives free rein to a
comedy received with honours by French critics.
Quentin Dupieux, undisputed master of contem-
porary comedy, author of works as gloriously
revolutionary as Wrong Cops (2013) and Réalité
(2014), with Au poste! he delivers another unusual
piece of absurd humor. All part of a simple police
interrogation, in which Louis, unlikely suspect of a
crime, maintains an intense face to face with Captain
Buron, a character as grotesque as touching that
joins the long list of delirious creatures drawn
by the director. Far from clarifying the facts, the
dialectical battle is gradually entangled by constant
digressions, blowing up the logic of time and
space, questioning the concept of reality, both in
life and in the cinema. Quentin Dupieux brings two
strong sentences: 1) Surrealism ends up to being
the most reliable tool to understand ourselves;
and 2) human existence can only be conceived
from the unlimited imagination. JAVIER H. ESTRADA
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FO C O
The Longest Moment When Eve r ything
Seemed Possible:

T H E N E W A M E R I CA N
CINEMA GROUP

Programa comisariado por Olaf Möller // Programme curated by Olaf Möller

FNACG
The Longest Moment
When Everything Seemed Possible:
THE NEW AMERICAN CINEMA GROUP
El presente foco, comisariado por Olaf Möller, ofrece
un recorrido inédito en España a través de la filmo-
grafía del New American Cinema Group. ¿Quiénes
fueron estos cineastas?¿Qué clase de películas
filmaron? ¿Por qué y con qué fin? La gran pantalla
ofrecerá respuestas a estas preguntas y conducirá a
nuevos interrogantes, evidenciando, por encima de
cualquier otro aspecto, la complejidad y el potencial
transformador de un movimiento que revolucionó
el cine americano a mediados del s. XX. Este ciclo
narra el relato de un instante histórico en el que un
grupo de cineastas audaces confiaron en subvertir
el paradigma cinematográfico oficial, dinamitar el
corazón de todos los Hollywood del mundo, sus
sistemas de producción y exhibición, sus cimientos
ideológicos y estéticos:
El cine oficial de todo el mundo está perdiendo fuerza.
Es moralmente corrupto, estéticamente obsoleto,
temáticamente superficial y temperamentalmente
aburrido. Incluso los filmes que aparentemente valen
la pena, que pretenden tener patrones morales y
estéticos elevados y que han sido aceptados como
tales tanto por la crítica como por el público, revelan
la decadencia del Filme de Producción. La misma
destreza de su ejecución se ha vuelto una perversión
que encubre la falsedad de sus temas, su falta de
sensibilidad y estilo. Si el nuevo cine americano ha
sido hasta ahora una manifestación inconsciente
y esporádica, creemos que ha llegado el momento
de unirnos. Somos muchos —el movimiento está
alcanzando una dimensión considerable— y
sabemos qué debe ser destruido y qué debe ser
preservado. Nuestra rebelión contra lo viejo, oficial,
corrupto y pretencioso es fundamentalmente ética,
igual que ocurre en las otras artes de la América
actual —pintura, poesía, escultura y teatro, las
cuales han recibido un soplo de aire fresco durante
los últimos años—. Nuestra preocupación es el ser
humano y lo que le ocurre. No somos una escuela
estética que constriñe al cineasta con una serie
de principios muertos. Creemos que no podemos
confiar en los principios clásicos, ni en el arte ni en la
vida. EL GRUPO
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The Longest Moment
When Everything Seemed Possible:
THE NEW AMERICAN CINEMA GROUP
This focus, curated by Olaf Möller, offers an
unprecedented exploration in Spain through the
filmography of the New American Cinema Group.
Who were these filmmakers? What kind of films did
they make? Why and for what purpose? The big
screen will offer answers to these questions and
lead to new ones, highlighting above all other as-
pects the complexity and transforming potential of
a movement that revolutionized American cinema
in the mid-twentieth century. This cycle narrates
the story of a historical moment in which a group of
audacious filmmakers hoped to subvert the official
cinematographic paradigm... to dynamite the heart
of all Hollywoods in the world, its production and
exhibition systems, its ideological and aesthetic
bases:
The official cinema all over the world is running out
of breath. It is morally corrupt, aesthetically obso-
lete, thematically superficial, temperamentally bor-
ing. Even the seemingly worthwhile films, those that
lay claim to high moral and aesthetic standards and
have been accepted as such by critics and the public
alike, reveal the decay of the Product Film. The very
slickness of their execution has become a perversion
covering the falsity of their themes, their lack of
sensitivity, their lack of style. If the New American
Cinema has until now been an unconscious and
sporadic manifestation, we feel the time has come
to join together. There are many of us-the movement
is reaching significant proportions-and we know
what needs to be destroyed and what we stand for.
As in the other arts in America today—painting,
poetry, sculpture, theater, where fresh winds have
been blowing for the last few years—our rebellion
against the old, official, corrupt, and pretentious is
primarily an ethical one. We are concerned with Man.
We are concerned with what is happening to Man.
We are not an aesthetic school that constricts the
film-maker within a set of dead principles. We feel
we cannot trust any classical principles either in art
or life. THE GROUP
 FNACG

THE NEW AMERICAN CINEMA GROUP //

SESIÓN 1
Duración del programa: 72 minutos

JUEVES 6JUN - 18:00h

FILMOTECA ESPAÑOLA CINE DORÉ. Sala 2.

The Brig (1964)

Interview with the Ambassador from Lapland, Time-Life Newsreel

Adolfas Mekas, 1967, 4 min.

The Brig
Jonas Mekas, 1964, 68 min.

Algunas de las películas que todavía se celebran de
los miembros de El Grupo serían decisivas para la
contracultura de la información, como la positivamente
grotesca y espantosa Interview with the Ambassador
from Lapland, Time-Life Newsreel (1967), de Adolfas
Mekas. El mismo año que Watkins estrenó Culloden y
que CBS empezó a emitir Profiles in Courage, Jonas
Mekas hizo la que probablemente fue su mejor película
(aunque él mismo no lo hubiera visto así): The Brig,
adaptación de una obra homónima de Kenneth H.
Brown representada por Judith Malina y Julian Beck en
el Living Theatre de Nueva York. OLAF MÖLLER
Some of the films still celebrated by members of
The Group would be instrumental to the information
counter-culture, as Adolfas Mekas’ positively ghastly
grotesque Interview with the Ambassador from Lapland,
Time-Life Newsreel (1967). The same year Watkins
released Culloden, and CBS started to air Profiles in
Courage, Jonas Mekas made what might be his greatest
film (even if he himself would almost certainly not have
see it this way): The Brig, an adaptation of Kenneth H.
Brown eponymous play as staged by Judith Malina &
Julian Beck at the Living Theatre in New York. their own.
OLAF MÖLLER

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FNACG
Sunday (1961)
Sunday
Dan Drasin, 1961. 17 min
Point of Order!
Emile de Antonio, 1964, 97 min.
35mm restored print courtesy of the UCLA Film & Television Archive. Restoration funded by The Film Foundation.
En Sunday (1961), la cámara desinhibida de Dan
Drasin, acercándose, alejándose y rodeando la acción,
captó un enfrentamiento entre los cantantes de folk
y la policía de Nueva York con una inmediatez y una
vitalidad que rara vez se ha visto en el documental o
en la televisión. A Drasin le ayudó mucho el desconoci-
miento de ciertas técnicas profesionales que habrían
trabado su libertad. Llegó al cine completamente
libre de inhibiciones profesionales. Se movía con su
zoom libremente, en contra de todas las reglas de los
manuales, sin miedo a los movimientos temblorosos o
a los sonidos confusos. JONAS MEKAS
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THE NEW AMERICAN CINEMA GROUP //
SESIÓN 2
Duración del programa: 114 minutos
VIERNES 7JUN - 19:15h
FILMOTECA ESPAÑOLA CINE DORÉ. Sala 1.
In Sunday (1961), Dan Drasin’s uninhibited camera,
zooming in and out and around the action, caught
the clash between the folk-singers and the police in
New York with an immediacy and aliveness seldom
seen in the documentary film or television. Drasin was
greatly assisted by his ignorance of certain professional
techniques which would have hampered his freedom.
He came to cinema completely free of professional
inhibitions. He moved with his zoom freely, against
all textbook rules, not afraid of shaky movements or
garbled sounds. JONAS MEKAS

THE NEW AMERICAN CINEMA GROUP //
SESIÓN 3
SÁBADO 8JUN - 20:00h
FILMOTECA ESPAÑOLA CINE DORÉ. Sala 2.
Goldstein
Philipp Kaufmann, 1964, 85 min.
With the collaboration of George Eastman Museum.
El New American Cinema Group es una compañía
formidable, que se hace aún más notable cuando
recordamos (o descubrimos) que otros autores muy
importantes (aunque no necesariamente apreciados)
se conectaron a ella gracias a ciertos productores (que
probablemente son las figuras menos recordadas de
la constelación...). Por ejemplo, Storm De Hirsch, cuyo
Goodbye in the Mirror (1964), el único largometraje de
ficción de su obra, sigue siendo un triunfo poco aclamado
de la cinematografía feminista, y Philip Kaufman, la
flor del último Nuevo Hollywood (Goldstein, 1964, en
colaboración con Benjamin Manaster). OLAF MÖLLER
53
FNACG
The New American Cinema Group is quite a formidable
company, made even more remarkable when we
remember (or find out) that several other quite
important (if not necessarily liked) auteur figures
were connected to it thanks to some of the producers
(who’re probably the least well-remembered figures
in constellation…), eg.: Storm De Hirsch whose lone
fiction feature, the ‘64 Goodbye in the Mirror, remains
a little-heralded triumph of feminist filmmaking,
and New Hollywood-late bloomer Philip Kaufman
(Goldstein, 1964, in tandem with Benjamin Manaster).
OLAF MÖLLER
FNACG
Shadows
John Cassavetes, 1959, 87 min.
Shadows (1959), un taller coordinado por John
Cassavetes, elevó las técnicas de improvisación del
filme dramático de ficción hasta nuevas cumbres. El
contenido que buscaban Cassavetes y sus actores ya
no era únicamente el realismo, que fue bien explorado
por Morris Engel y los neorrealistas. Para el nuevo cine,
Shadows representó un giro hacia el interior, situando
el foco en las realidades psicológicas. Los pequeños
elementos argumentales se utilizaron solo como
marcos de trabajo aislados para explorar y exhibir las
emociones, actitudes, recuerdos y reacciones de los
propios intérpretes. JONAS MEKAS
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THE NEW AMERICAN CINEMA GROUP //
SESIÓN 4
DOMINGO 9JUN - 17:30h
FILMOTECA ESPAÑOLA CINE DORÉ. Sala 1.
Shadows (1959), a workshop project coordinated by
John Cassavetes, carried the improvisation techniques
in a fictional dramatic film to new heights. The
content sought by Cassavetes and his actors was
no longer the surface realism alone, which was
well explored by Morris Engel and the neorealists.
For the new cinema, Shadows represented a turn
inwards—a focusing upon psychological realities.
The little bits of plot were used only as loose
frameworks to explore and exhibit the actors’ own
emotions, attitudes, remembrances, reactions.
JONAS MEKAS
 FNACG

THE NEW AMERICAN CINEMA GROUP //

SESIÓN 5
Duración del programa: 107 minutos

DOMINGO 9JUN - 20:00h

FILMOTECA ESPAÑOLA CINE DORÉ. Sala 2.

Pull My Daisy (1959)

Black Liberation
Edouard de Laurot, 1967, 37 min.
With the collaboration of Swedish Film Institute.

Don Peyote [inacabada, fragmentos // unfinished, edit of fragments]

Harold Humes, 1950-60s, 40 min.

Pull My Daisy
Robert Frank, 1959, 30 min.
© Robert Frank, 1959, distributed by The Museum of Fine Arts, Houston.

El único director negro de El Grupo, Edward Bland, irrumpió
con The Cry of Jazz (1959). Tal vez sea significativo el
hecho de que pasaron ocho años hasta que apareció
un combo comparable, con los estrenos de Portrait of
Jason, de Shirley Clarke, y Black Liberation, de Édouard
de Laurot —¿el último «hurra» de El Grupo?—. El único
intento de Harold Humes de hacer una película, Don Peyote
(~1960), dio como resultado poco más que un montón de
fragmentos que casi nunca fueron proyectados —¡pero
qué fragmentos…!—. Pull My Daisy fue realizada junto
a Alfred Leslie, se estrenó en algunos teatros junto a
Shadows y acabó convirtiéndose en la pieza de la era
Beat, un icono de este breve momento en el tiempo.
OLAF MÖLLER
The Group’s lone black director, Edward Bland,
unleashed The Cry of Jazz (1959); maybe there is
some significance to the fact that it took eight years
till a comparable cluster appeared with the releases
of Shirley Clarke’s Portrait of Jason and Édouard de
Laurot’s Black Liberation – The Group’s Last Hooray?
Harold Humes’ lone attempt at making a film, Don
Peyote (~1960), resulted in little more than a pile
of almost never-screened fragments – but what
fragments!… Pull My Daisy, done in tandem by Alfred
Leslie & Robert Frank and released in some theatres
together with Shadows, became the Beat era piece
of film – an icon of this brief moment in time. OLAF
MÖLLER

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FNACG
The Cry of Jazz (1954)
The Cry of Jazz
Edward Bland, 1954, 34 min.
Jazz on a Summer’s Day
Bert Stern (& Aram Avaklan), 1959, 85 min.
David E. James tenía algo relevante que decir sobre el
tema, pero curiosamente lo puso en una nota a pie de
página: «la reproducción en el medium cinematográfico
de las cualidades formales y sociales del jazz es muy
significativa a la hora de señalar los términos en los
que se pudo desarrollar el Black cinema popular, pues
propició una situación diferente para el medium en la
sociedad negra en general». Algunos también podrían
emocionarse al encontrar a Bert Stern en esta lista
—pese a que se le recuerda principalmente como uno
de los fotógrafos de moda y maestros del retrato más
famosos del mundo— con su única película, Jazz on
a Summer’s Day (1960), que ha pasado de ser una
película esencial de proyecciones vespertinas a un
peaje para especialistas. OLAF MÖLLER
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THE NEW AMERICAN CINEMA GROUP //
SESIÓN 6
Duración del programa: 119 minutos
LUNES 10JUN - 17:30h
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
David E. James had something significant to say on
the subject, but curiously enough he put it into a
footnote: its reproduction in the medium of film of
the formal and social qualities of jazz is even more
significant in indicating the terms by which popular
Black film could have developed, given a different
situation for the medium in Black society generally.
Some might also be excited to find Bert Stern on
that list, although he’s mainly remembered as one of
the world’s most celebrated fashion photographers
and masters of portraiture, with his lone film, Jazz
on a Summer‘s Day (1960), having turned from a
late screening staple to specialist fare. OLAF MÖLLER

THE NEW AMERICAN CINEMA GROUP //
SESIÓN 7
Proyección dentro del seminario FILMADRID (pág. 109)
Good Times, Wonderful Times (1965)
A Time Out of War
Denis Sanders, 1954, 35min.
Good Times, Wonderful Times
Lionel Rogosin, 1965, 70 min.
With the collaboration of Fondazione Cineteca di Bologna
Para captar la realidad de forma espontánea y dotarla de
vida, por supuesto, hay que hacer algo más que trabajar
con la gente del entorno. Hay que dejar que sean ellos
mismos, que se expresen a su manera, pero de acuerdo
con las abstracciones y los temas que tú, como director,
quieras ver en ellos. Esto es algo muy diferente de la
escritura de guión tradicional, donde las ideas y abstrac-
ciones son esencialmente las del guionista, y hay actores
profesionales que encarnan esas ideas y abstracciones a
través de su personalidad. Pero creo que el método que
he seguido en mis películas expresa la vida interior de
las personas en un entorno particular de un modo más
profundo y verdadero. LIONEL ROGOSIN
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FNACG
To capture reality spontaneously and to give it life,
more is involved of course than simply casting
people of the milieu. They must be allowed to be
themselves, to express themselves in their own
manner but in accordance with the abstractions and
themes which you as the director must be able to
see in them. This is something quite different from
traditional script writing, in which the ideas and
abstractions are essentially the writer’s, with profes-
sional actors portraying those ideas and abstractions
through their personality. But for expressing the
inner life of people in a particular milieu, I believe the
method I followed in my films is a deeper and truer
one. LIONEL ROGOSIN
FNACG
The Balcony
Joseph Strick, 1963, 84 min
El cine era para Strick algo hecho de fusiones: un
arte impuro, aunque total, profundamente arraigado
en —el respeto por— otras artes pictóricas, sonoras
y narrativas (teatro: The Balcony; literatura:
Ulysses, 1967; Tropic of Cancer, 1970; A Portrait
of the Artist As a Young Man, 1979…). Vale la pena
mencionar que Strick colaboró estrechamente con
Jack Couffer, autor de documentales sobre la vida
salvaje, el James Algar de los días de Easy Rider
(1969; Dennis Hopper); es, una vez más, un cine
que por entonces no era considerado inteligente ni
a la moda entre los críticos. OLAF MÖLLER
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THE NEW AMERICAN CINEMA GROUP //
SESIÓN 8
Proyección dentro del seminario FILMADRID (pág. 109)
Cinema for Strick was something made of fusions:
an impure while total art rooted strongly in - the
respect for - other pictorial, audio and narrative
arts (theater: The Balcony; literature: Ulysses, 1967;
Tropic of Cancer, 1970; A Portrait of the Artist As a
Young Man, 1979…); it also seems worth mentioning
that Strick collaborated closely with wildlife film
auteur Jack Couffer, the James Algar for the age of
Easy Rider (1969; Dennis Hopper), for this is, again,
a cinema in-between that by then had fallen com-
pletely out of favor with the hip and smart among
the critical set. OLAF MÖLLER
 FNACG

THE NEW AMERICAN CINEMA GROUP //

SESIÓN 9
Proyección dentro del seminario FILMADRID (pág. 109)

Good Bye In The Mirror (1964)

The Small Hours

Norman C. Chaitin, 1962, 93 min.

Good Bye In The Mirror

Storm de Hirsch, 1964, 80 min.

El New American Cinema Group es una compañía
formidable, que se hace aún más notable cuando
recordamos (o descubrimos) que otros autores muy
importantes (aunque no necesariamente apreciados)
se conectaron a ella gracias a ciertos productores (que
probablemente son las figuras menos recorda-
das de la constelación...). Por ejemplo, Storm De
Hirsch, cuyo Goodbye in the Mirror (1964), el único
largometraje de ficción de su obra —por lo demás
vanguardista y de corta duración— sigue siendo
un triunfo poco aclamado de la cinematografía
feminista. OLAF MÖLLER
The New American Cinema Group is a formidable
company, made even more remarkable when we
remember (or find out) that several other quite
important (if not necessarily liked) auteur figures
were connected to it thanks to some of the producers
(who’re probably the least well-remembered figures
in constellation…), eg.: Storm De Hirsch whose
lone fiction feature among her otherwise avant-garde
short-keyed œuvre, the ‘64 Goodbye in the Mirror,
remains a little-heralded triumph of feminist filmmaking.
OLAF MÖLLER

59
FNACG
Galaxie (1966)
Bridges-Go-Round
Shirley Clarke, 1958, 8 min.
Galaxie
Gregory Markopoulos, 1966, 82 min.
Gregory Markopoulos fue, sin duda, la mente
más radical del New American Cinema Group
desde un punto de vista formal, como prueban
Twice a Man (1963), The Illiac Passion (1964-67) o
Galaxie (1966), y quien seguiría siendo un faro del
underground neoyorquino. Para Mekas (en 1964...)
y su definición de la escena/esfera/reino/dominio,
fue el más significativo resto de los esfuerzos y las
aspiraciones de El Grupo. OLAF MÖLLER
60
THE NEW AMERICAN CINEMA GROUP //
SESIÓN 10
Proyección dentro del seminario FILMADRID (pág. 109)
Gregory Markopoulos who form-wise was certainly
The New American Cinema Group’s most radical
mind as witnessed by Twice a Man (1963), The Illiac
Passion (1964-67), or Galaxie (1966), and would
remain a luminary of the New York underground,
which, per Mekas (in ’64…) and in his definition
of the scene/sphere/realm/domain, was the lone
meaningful remainder of The Group’s efforts and
aspirations. OLAF MÖLLER
 FNACG

¡FILMADRID anuncia su primera publicación!

El libro, coeditado con la editorial Shangrila, reúne un estudio introductorio de Olaf Möller, textos
de Richard Leacock, Parker Tyler y Rudolf Arnheim, dos escritos fundamentales de Jonas Mekas,
el primer comunicado del New American Cinema Group y una trascendental conversación entre
las cineastas Shirley Clarke y Storm de Hirsch...

Disponible en librerías, en la web de FILMADRID (filmadrid.com) y en las sedes del festival.

// Coedita: // Con el apoyo de:

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FUSI

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FO C O

UM SOHNO INTENSO
Cine Brasileño Contemporáneo

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FUSI
UM SONHO INTENSO. Cine Brasileño Contemporáneo.
Brasil, un sueño intenso, un rayo vívido de amor y de esperanza
a la tierra desciende. Versos del himno nacional de Brasil.
Históricamente, la cinematografía brasileña ha vivido
etapas de extraordinario auge creativo cuando el clima
político y social se volvía asfixiante. Así lo demuestran
los dos movimientos fílmicos más importantes de la
historia del país: el Cinema Novo y el Cinema Marginal.
Precisamente Júlio Bressane, figura esencial del
Cinema Marginal, al que FILMADRID dedicó la primera
retrospectiva consagrada a su filmografía en España
en 2016, es un faro imprescindible para la nueva
hornada de jóvenes directores que está reformulando
e inyectando de energía inédita el eterno espíritu
excéntrico, rebelde y fascinante que marcó a sus
antecesores. Con su película más reciente, Sedução
da Carne, Bressane entrega de nuevo una obra de
exuberante imaginación, reuniendo a una escritora,
un papagayo y un monumental pedazo de carne para
reflexionar sobre la existencia.
Siguiendo la estela del maestro, la nueva generación
está diseccionando el estado actual del país optando
por una expresividad destellante. Así, Sol Alegria,
artefacto subversivo de Tavinho Teixeira, se formula
como una irreverente road movie por el interior del
país, siguiendo a una familia que pretende entregar
un arsenal de armas a un grupo de monjas activistas.
En A quarta e última morada Mariana Shellard toma
una carismática plaza de São Paulo para radiografiar
la compleja y opresiva influencia de la religión en el
Brasil contemporáneo. La transfiguración de los mitos
eternos y su relación con el presente es un elemento
clave de Calypso, dirigida por Rodrigo Lima y Lucas
Parente. Adentrándose en la ciencia ficción, Marcela
Bordin plasma en Princesa Morta do Jacuí una mirada
crítica sobre el progreso registrando en unos lustrosos
16 milímetros un paisaje tan cautivador como desamparado.
Por su parte, en Os Jovens Baumann Bruna Carvalho
Almeida emplea imágenes de VHS para trazar un
espejo entre los tiempos de la restauración de la democracia
brasileña y el tétrico abismo político en el que ha
sucumbido el país. Ese auge de la extrema derecha que
hoy atenaza a la nación es confrontado con un sublime
y rompedor espíritu heredado del tropicalismo por
Bring Me the Head of Carmen M. de Felipe Bragança y
Catarina Wallenstein.
Se trata de siete películas visionarias, arrebatadamente
vitalistas y críticas con la realidad, que diseccionan las
lacras de la sociedad brasileña, mostrando al mismo
tiempo su inquebrantable capacidad para luchar
contra el oscurantismo. JAVIER H. ESTRADA
64
UM SONHO INTENSO: Contemporary Brazilian Cinema
Brazil, an intense dream, a vivid ray of love and hope to the earth
descends. Verses of the national anthem of Brazil.
Historically, Brazilian cinematography has experienced
stages of an extraordinary creative boom when the
political and social climate became asphyxiating.
This is demonstrated by the two most important film
movements in the history of the country: the “Cinema
Novo” and the “Cinema Marginal”. It is precisely Júlio
Bressane, an essential figure of the “Cinema Marginal”,
whom FILMADRID dedicated the first retrospective
devoted to his filmography in Spain in 2016, is an
essential beacon for the new batch of young directors
who are reformulating and injecting energy to the
eternal eccentric spirit, rebellious and fascinating that
was marked by his predecessors. With his most recent
film, Sedução da Carne, Bressane delivers agaim a
work of exuberant imagination, bringing together a
writer, a parrot and a monumental piece of meat to
reflect about existence.
Following the lead of the teacher, the new generation
is dissecting the current state of the country opting
for a flashing expressiveness. In this way, Sol Alegria, a
subversive artifact of Tavinho Teixeira, is formulated as
an irreverent road movie in the interior of the country,
following a family that intends to deliver an arsenal of
weapons to a group of activist nuns. In the film A quarta
e última morada Mariana Shellard takes a charismatic
plaza in São Paulo to radiograph the complex and
oppressive influence of religion in contemporary Brazil.
The transfiguration of the eternal myths and their relation
to the present is a key element of Calypso, directed by
Rodrigo Lima and Lucas Parente. Going into science
fiction, Marcela Bordin expresses in Princesa Morta do
Jacuí a critical look of the progress filming in a lustrous
16 millimeters a landscape as captivating as helpless.
On the other hand, in Os Jovens Baumann, the director
Bruna Carvalho Almeida uses VHS images to draw a
mirror between the times of the restoration of Brazilian
democracy and the gloomy political abyss in which the
country has succumbed. The increase of the extreme
right that now grips the nation is confronted with a
sublime and groundbreaking spirit inherited from
tropicalism by Bring Me the Head of Carmen M. by
Felipe Bragança and Catarina Wallenstein.
Seven visionary films, rapturously vitalist and critical
with the reality, that dissect the social scourge in Brazil,
showing at the same time their unwavering ability to
fight against obscurantism. JAVIER H. ESTRADA

Brasil, 2018. 70 min.
PROD.: Júlio Bressane // GUION: Júlio Bressane,
Rosa Dias // FOTO: Pablo Baião, Pepe Schettino,
Pablo Hoffmann // EDICIÓN: Rodrigo Lima
ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE
VIERNES 14JUN - 18:00h
LA CASA ENCENDIDA
En palabras del propio Bressane, su última producción
es una historia de amor interrumpida que establece
un camino entre la memoria y la profecía. El alma y
la carne se encuentran en una suerte de ambiente
cercano al espiritismo, que sólo un cineasta con
la sensibilidad de Bressane puede plasmar en una
puesta en escena tan pura como expresiva. La
viuda Siloé es palabra y cuerpo, idea y materia y se
entrega a ambos mundos como una médium capaz
de conectar desde la tierra con la eternidad de los
espíritus. NURIA CUBAS
Calypso
Rodrigo Lima y Lucas Parente
¿Quién es Calypso? Los mitos siempre han
proporcionado un penetrante espejo convexo en el
que contemplar la realidad contemporánea. Pero la
película de Rodrigo Lima y Lucas Parente, además
de la figura clásica, se vale de otros recursos no
menos perspicaces para trenzar un diálogo con
el pasado: A Família do Barulho y Cleópatra, de
Júlio Bressane, Floresta do Amazonas, de Heitor
Villa-Lobos, o el Meu Sofrer de Noel Rosa. El fin:
apelar a la imaginación del espectador, propiciar
su interpretación a través de un viaje oblicuo hacia
el punctum del presente. RAMÓN DEL BUEY
65
FUSI
Sedução da Carne
Júlio Bressane
In Bressane’s own words, his last film is interrupted
story of love which draws a path between memory
and prophesy. The soul and the flesh are in a kind
of environment close to Spiritualism, which only a
filmmaker with Bressane’s sensibility may achieve
with a mise-en-scene as pure as expressive. The
widow Siloé is word and soul, idea and matter and
is devoted to both worlds as a medium capable of
connecting from the earth with the eternity of spirits.
NURIA CUBAS
Brasil, 2018. 61 min.
PROD.: Fernanda Romero, Jura Capela // GUION
Y EDICIÓN: Rodrigo Lima, Lucas Parente //
FOTO: Pablo Hoffmann
ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE
MARTES 11JUN - 20:00h
LA CASA ENCENDIDA
Who is Calypso? Myths have always provided
a penetrating convex mirror in which you can
contemplate contemporary reality. But the film by
Rodrigo Lima and Lucas Parente, in addition to the
classic figure, uses other resources no less penetrating
to braid a dialogue with the past: A Família do
Barulho and Cleópatra by Júlio Bressane, Floresta
do Amazonas by Heitor Villa-lobos, or the Meu
Sofrer by Noel Rosa. The purpose: to appeal to
the imagination of the spectator, to propitiate its
interpretation through an oblique journey towards
the punctum of the present. RAMÓN DEL BUEY
FUSI
Bring Me the Head of Carmen M.
Felipe Bragança, Catarina Wallenstein
La paráfrasis de la célebre pieza de Sam Peckinpah no
arroja demasiadas claves interpretativas a propósito
de esta gema fílmica, cuyo imaginario onírico y
vital desliza una radiografía social tan aguda como
oportuna de las aspiraciones populares que prefiguran
la construcción de un futuro catártico, todo ello a
través de la relectura encriptada y poco inocente de
la figura de Carmen Miranda. Su inteligencia compite
con su factura técnica, cristalizando en una fascinante
prospección audiovisual hacia el inconsciente político
del Brasil contemporáneo. RAMÓN DEL BUEY
Brasil, 2019. 89 min.
PROD.: Júlio Bressane // GUION: Júlio Bressane,
Rosa Dias // FOTO: Pablo Baião, Pepe Schettino,
Pablo Hoffmann // EDICIÓN: Rodrigo Lima
ESTRENO MUNDIAL // WORLD PREMIERE
MIÉRCOLES 12JUN - 20:00h
LA CASA ENCENDIDA
En su resplandeciente y esclarecedora ópera prima A
quarta e última morada, Mariana Shellard convierte la
carismática Plaza de Sé de São Paulo en un vibrante
microcosmos de la gran urbe. La novela “Sangre
sabia” de la norteamericana Flannery O’Connor sirvió
como fuente de inspiración para este film conducido
por el genial actor teatral Ronaldo Braga, auténtico
instigador social que deja al descubierto el rol abrasivo
y por momentos integrista de la religión en el Brasil
contemporáneo. JAVIER H. ESTRADA
Brasil, Portugal, 2019. 61 min.
PROD: Cavi Borges, Felipe Bragança, Catarina Wallenstein // GUION:
Felipe Bragança, Catarina Wallenstein // EDICIÓN: Karen Black //
SONIDO: Uerlem Queiroz // INTÉRPRETES: Helena Ignez, Catarina
Wallenstein, Higor Campagnaro, Marcos Sacramento, Lux Negre, Luiz
Alfredo Montenegro, Priscila Lima
ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE
JUEVES 13JUN - 20:00h
LA CASA ENCENDIDA
The paraphrase of the famous piece by Sam Peckinpah
does not throw too many interpretative clues about
this filmic gem, whose dream-like and vital imaginary
slides a social radiography as acute as it is opportune
of the popular aspirations that prefigure the construction
of a cathartic future, all through the encrypted and
innocent rereading of the figure of Carmen Miranda.
His intelligence competes with his technical subtlety,
crystallizing in a fascinating audiovisual prospecting
towards the contemporary political unconscious of
Brazil. RAMÓN DEL BUEY
A quarta e última morada
Mariana Shellard
In her brilliant and enlightening debut, A quarta e
última morada, Mariana Shellard transforms the
charismatic Plaza de Sé of São Paulo into a vibrant
microcosm of the large city. The novel “Wise Blood”
from the North American writer Flannery O’Connor
inspired this film conducted by the awesome theatre
actor Ronaldo Braga, a true social instigator which
reveals the abrasive and sometimes fundamentalist
role of religion in current Brazil. JAVIER H. ESTRADA
66

Brasil, 2018. 17 min.
PROD.: Paola Wink, Marcela Bordin, Davi Pretto, Bruno
Carboni // GUION: Marcela Ilha Bordin // FOTO: Glauco
Firpo // SONIDO: Tiago Bello, Marcos Lopes // EDICIÓN:
Rodrigo Lima
ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE
SÁBADO 8JUN - 18:00h
LA CASA ENCENDIDA
SE PROYECTA CON // SCREENS WITH:
Os Jovens Baumann
El arqueólogo Margo Moreira desembarca en la región
conocida como Depresión Central, situada al sur
de Brasil. Se trata de una extraña zona restringida
en la que el sol nunca se pone. El fin de la noche ha
provocado la desaparición de la ciudad, incluso de
algunas palabras (“¿cómo describir sentimientos
como el miedo sin la oscuridad?”, se pregunta la voz en
off). Filmado en 16mm, el debut de Marcela Ilha Bordin
es una delicada ciencia ficción, anacrónica y futurista
al mismo tiempo, que se interroga por todo lo que se
pierde cuando el progreso avanza. ANDREA MORÁN
Sol Alegria
Tavinho Teixeira
Actor, poeta y cineasta, Tavinho Teixeira ha acabado
por erigirse en una de las voces señeras del cine
brasileño contemporáneo gracias a su anterior filme,
Batguano (2014) y a la impredecible, anárquica y
desbordante Sol Alegria. Blasfemia jaranera y singular
compendio de inventiva formal, este carnaval cinema-
tográfico nos sumerge en un viaje sensual, catártico y,
por encima de todo, contestatario, en el que el avance
político de la infamia en Brasil se contrarresta a golpe
de goce, burla y magia. GABRIEL DOMÉNECH
67
FUSI
Princesa Morta do Jacuí
Marcela Ilha Bordin
The archaeologist Margo Moreira disembarks in
the region known as Central Depression, located
in southern Brazil. It is a strange, restricted area in
which the sun never sets. The end of the night has
caused the disappearance of the city, even a few
words (“how to describe feelings such as fear with-
out the dark?” asks the voice-over). Filmed in 16 mm,
the debut of Marcela Ilha Bordin is a delicate science
fiction, anachronistic and futuristic at the same time,
which interrogates itself for everything that is lost
when progress advances. ANDREA MORÁN
Brasil, 2018. 90 min.
PROD.: Max Eluard // GUION: Tavinho Teixeira //
FOTO: Ivo Lopes Araújo // EDICIÓN: Frederico
Benevides.
ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE
DOMINGO 9JUN - 18:00h
LA CASA ENCENDIDA
Actor, poet and filmmaker, Tavinho Teixeira has become
one of the leading voices in contemporary Brazilian cin-
ema thanks to his previous film, Batguano (2014) and
the unpredictable, anarchic and over the top Sol Alegria.
A festive blasphemy and a singular compendium of formal
inventiveness, this cinematographic carnival immerses
us in a sensual, cathartic and, above all, contentious
journey, in which the political advance of infamy in
Brazil is countered by a stroke of delight, mockery and
magic. GABRIEL DOMÉNECH
FUSI
Os Jovens Baumann
Bruna Carvalho Almeida
La ópera prima de Bruna Carvalho Almeida traza un
relato paralelo: desde el material de VHS de 1992,
que conforma un fresco de retazos sobre la vida de
los jóvenes acomodados Baumann, hasta un cuarto
de siglo más tarde, cuando una voice-over desgrana
el misterio que envuelve la investigación a propósito
de su desaparición. El movimiento en zigzag remite
inevitablemente al cotejo de la juventud brasileña en
dos épocas: la de Fernando Collor de Mello, el primer
presidente de Brasil tras la restauración democrática, y
la de nuestro presente. RAMÓN DEL BUEY
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Brasil, 2018. 71 min.
GUION: Bruna Carvalho Almeida, Larissa Kurata //
EDICIÓN: Luis Felipe Labaki // FOTO: Anna Santos
ESTRENO EN ESPAÑA // SPANISH PREMIERE
SÁBADO 8JUN - 18:00h
LA CASA ENCENDIDA
SE PROYECTA CON // SCREENS WITH:
Princesa Morta do Jacuí
Bruna Carvalho Almeida’s first film traces a parallel
story: from the 1992 VHS material, which forms a
patchwork fresco about the lives of the well-to-do
Baumann youth, up to a quarter of a century later,
when a voice-over reels the mystery that surrounds
the investigation about its disappearance. The zigzag
movement inevitably refers to the comparison of
Brazilian youth in two periods: the Fernando Collor
de Mello’s one, the first president of Brazil after the
democratic restoration, and the one of our present.
RAMÓN DEL BUEY
 FUSI

PAMPLONA - IRUÑEA · MARZO 2020

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FDS

FO C O

DA N S A L L I T T

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 FDS

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FDS
DAN SALLITT: El último de los independientes.
Por Fernando Vílchez
Podrá sorprender que Dan Sallitt, con tan solo cinco
largometrajes, protagonice unos de los focos de
nuestra quinta edición. Pero la retrospectiva a este
cineasta de formas discretas y elegantes, siempre
en busca de la complejidad, era -especialmente este
año- un gesto ineludible.
El cine de Sallitt presenta personajes que se desnudan
física y emocionalmente frente a nuestros ojos,
que entran en la madurez con aparente ligereza
pero guardan cicatrices que no vemos a primera
vista. El protagonismo cae sobre las mujeres fuertes
y solitarias, impulsadas casi siempre por pasiones im-
posibles, algunas desenfrenadas como la protagonista
de Polly Perverse Strikes Again!, otras más reservadas
pero no menos ricas en matices como la esposa de
Honeymoon. En esos extremos también están las
hermanas de All the Ships at Sea o las amigas de
Fourteen. Son mujeres que se protegen, se acercan
pero también se reprimen y callan. A veces buscan la
autodestrucción, casi siempre la paz.
No hay rastro de prejuicios en la mirada de Sallitt sobre
sus personajes. Nos los presenta con sus noblezas y
sus fragilidades y apenas parece ofrecerles escenarios
donde puedan buscar ese amor que necesitan. Y
ellos aceptan, parecen jugarse la vida en el interior
de un coche o en las habitaciones a oscuras. Transitan
parques y bares sin saber si son libres o errantes. La
intimidad deambula entre lo público y lo privado y
es filmada con sencillez y discreción, pero también
con poesía y frenesí. No es casualidad que Howard
Hawks por un lado, o Rohmer y Pialat por otro, sean
referencias claves en el cine de Sallitt. Tampoco que
Matías Piñeiro sea parte de su comunidad creativa
en New York.
Siendo esta una edición que mira también hacia el
New American Cinema Group, ese movimiento que
mostró el camino de la verdadera libertad creativa y
de la posibilidad de filmar sin grandes presupuestos,
es natural que reivindiquemos a Dan Sallitt, el autor
que encarna hoy con mayor fidelidad esos valores,
un auténtico resistente que ha adquirido ya la categoría
de maestro del cine.
72
DAN SALLITT: The Last of the Independents.
By Fernando Vílchez
With only five feature films, the importance of
Dan Sallitt’s cinema is undeniable. His discrete
and elegant way of filmmaking, always seeming to
search for complexity, have our attention for years
and now finally he will be one of the main guests of
FILMADRID.
A recurring theme in Dan Sallitt’s oeuvre are
emotionally and physically vulnerable and
exposed characters. These characters enter late
adulthood with an apparent lightness that at
firsts masks deep scars that are revealed as they
develop. Sallitt’s works focus on women, driven
by impossible passions. Some of Sallitt’s female
protagonists are unbridled, such as the Theresa
in Polly Perverse Strikes Again!. Others are more
reserved but no less developed characters, like
Mimi in Honeymoon. Between these extremes are
also the sisters in All the Ships at Sea, or perhaps
the two friends in Fourteen. The women in Sallitt’s
films protect themselves with their seemingly un-
affected, hard exteriors, but they are also capable
of closeness with others. At times paradoxical,
these women sometimes seek self-destruction,
but they always seek peace.
There is no trace of prejudice in Sallitt’s eyes for
his characters. He presents them to us exposing
their nobility and frailties just the same. It appears
Sallitt simply offers his characters scenarios
where they can find the love that they need. And
they accept, they pass by parks and bars without
knowing if they are free or wandering spirits. He
films with discretion, poetry and frenzy ways in
which intimacy wanders between the public and
private spheres. It is no coincidence that Howard
Hawks on the one hand and Rohmer and Pialat
on the other are key references in Sallitt’s oeuvre,
nor is it a surprise that Matías Piñeiro is part of
Sallitt’s creative community in New York.
In FILMADRID’s fifth season we also look at the
New American Cinema Group, a movement that
paved a new way for true creative freedom even
without large budgets. It is natural to include Dan
Sallitt in this edition, as he is a contemporary
director embodying with greater fidelity those
values, and for it has become a master of cinema.

Polly Perverse Strikes Again!
Dan Sallitt
Estados Unidos, 1986. 98 min.
ESTRENO INTERNACIONAL // INTERNATIONAL PREMIERE
SÁBADO 15JUN - 12:30h
CINETECA MADRID
El primer largometraje de Sallitt deja ya las señales
de una filmografía marcada por mujeres arrolladoras.
El regreso de Theresa, un romance del pasado,
compromete la relación de Nick y su amable novia
Arliss. Theresa, la Polly Perverse del título, se vuelve
símbolo de la rabia y el desorden sexual que Nick
intenta dejar a un lado (¿contra su voluntad?) por
una vida más serena. Las incoherencias de cierta ilusión
de madurez se manifiestan en esta obra que se verá por
fin fuera de Estados Unidos. FERNANDO VÍLCHEZ
La pareja es impulsiva y feliz. Se casan sin pensarlo
mucho, sin haberse acostado siquiera. Y es en el
momento de la luna de miel donde la decepción
golpea a su puerta. O a su cama. Rodada en 16mm,
Honeymoon expone con inteligencia y naturalidad
el complicadísimo terreno de esa intimidad donde
las parejas negocian abiertamente sobre sus
necesidades sexuales. Reproches y frustraciones
de noche. Esperanzas silenciosas de día. Una obra
increíblemente madura, de personajes y diálogos
conmovedores. FERNANDO VÍLCHEZ
73
FDS
We can find in Sallitt’s first feature film signs of how
important are complex women in his filmography.
Theresa, Nick’s former lover, returns to Nick after a
decade of absence, compromising the relationship
between him and his kind girlfriend, Arliss. Theresa, the
Polly Perverse of the title, becomes a symbol of the very
fury and sexual disarray Nick tries to push aside for the
sake of a more serene life. The illusion of maturity
manifests in this film premiered for the first time
outside of the US. FERNANDO VÍLCHEZ
Honeymoon
Dan Sallitt
Estados Unidos, 1998. 90 min.
MARTES 11JUN- 20:30h
FILMOTECA ESPAÑOLA CINE DORÉ. Sala 2.
Mimi and Michael are impulsive and happy. They marry
without thinking much of it, without even having slept
together nonetheless. It is during their honeymoon that
deception knocks on the door... or on the bed. Filmed
on 16mm, Honeymoon presents with intelligence and
naturality the complicated terrain of intimacy where
couples must openly negotiate their sexual needs.
With the reproaches and frustrations of the night
and the silent hopes of the day, this is an incredibly
sophisticated work of poignant characters and
dialogues. FERNANDO VÍLCHEZ
FDS
La relación inestable entre dos hermanas que vuelven
a encontrarse después de mucho tiempo proporciona
a Dan Sallitt una nueva oportunidad para indagar en
los lazos familiares, la religión y en las consecuencias
de una educación represiva. La sencillez expositiva, la
mirada paciente y la contención en las interpretaciones
que caracterizan el cine de Sallitt dejan no obstante
entrever el universo torturado de los personajes,
potenciado por un medidísimo trabajo con los
diálogos. GABRIEL DOMÉNECH
The Unspeakable Act
Dan Sallitt
Estados Unidos, 2012. 91 min.
MIÉRCOLES 12JUN- 21:30h
FILMOTECA ESPAÑOLA CINE DORÉ. Sala 1.
El primer gran reconocimiento que el universo de Dan
Sallitt obtuvo de la comunidad cinéfila internacional
fue gracias a esta punzante y distanciada crónica del
sentimiento incestuoso. No es para menos. Con el
concurso de Tallie Medel –la vimos previamente en
Notes on an Appearance (2018)–, que compone una
tan potente como admirable interpretación de Jackie,
adolescente atraída por su hermano mayor, Dan Sallitt
orquesta una indagación sencilla solo en apariencia
en torno al marasmo sentimental de la adolescencia.
GABRIEL DOMÉNECH
74
All the Ships at Sea
Dan Sallitt
Estados Unidos, 2004. 94 min.
MIÉRCOLES 12JUN - 19:30h
FILMOTECA ESPAÑOLA CINE DORÉ. Sala 1.
The unstable relationship between two sisters who
meet again after a long time provides Dan Sallitt with
a new opportunity to explore family ties, religion and
the consequences of a repressive education. The
simplicity of the mise-en-scène, the patient gaze
and the containment in the interpretations that define
Sallitt’s cinema let us, however, glimpse the tortured
universe of the characters, enhanced by a very
measured work on dialogues. GABRIEL DOMÉNECH
The first great recognition that Dan Sallitt’s universe
gained from the international cinephile community
was thanks to this sharp, distanced chronicle of
incestuous feeling. With Tallie Medel’s contribution
-we previously saw her in Notes on an Appearance
(2018)-, which composes a powerful and admirable
performance of Jackie, a teenager attracted by her
older brother, Dan Sallitt orchestrates an apparently
simple inquiry around the sentimental marasmus of
adolescence. GABRIEL DOMÉNECH

Fourteen
Dan Sallitt
Estados Unidos, 2019. 94 min.
VIERNES 14JUN - 19:30h
FILMOTECA ESPAÑOLA CINE DORÉ. Sala 1.
La amistad a lo largo de una década entre Jo
(Norma Kuhling) y Mara (Tallie Medel) representa
un nuevo y apasionante capítulo en la serie de
retratos de “relaciones desiguales” que pueblan la
obra de Dan Sallitt. El contraste entre la búsqueda
de la estabilidad de Mara y la progresiva inmersión
en el caos de Jo vertebra este meticuloso estudio
de personajes, con el que Sallitt vuelve a sacar
petróleo de las observaciones cotidianas y de una
puesta en escena diáfana, cargada de emoción
contenida. GABRIEL DOMÉNECH.
75
FDS
The decade-long friendship between Jo (Norma
Kuhling) and Mara (Tallie Medel) represents a new
and exciting chapter in the series of portraits of
“uneven relationships” that populate Dan Sallitt’s
work. The contrast between Mara’s search for
stability and Jo’s progressive immersion in
chaos is the backbone of this meticulous study
of characters, with which Sallitt once again makes
the most of a observation on everyday life and a
diaphanous mise-en-scène, charged with restrained
emotion. GABRIEL DOMÉNECH
VL
 VL

VA N G UA R D I AS L I V E
VL
Vanguardias Live es una de las secciones distintivas
de FILMADRID, que fomenta el intercambio creativo
entre el arte cinematográfico y otras propuestas
artísticas de carácter performativo. En 2019, igual
que en sus cuatro ediciones precedentes, FILMADRID
brinda un espacio exclusivo a dichas formas de
hibridación artística, si bien en esta ocasión Vanguardias
Live se articula a través de cinco sesiones, un
número de eventos consagrados a tal efecto inédito
en la historia del festival. El presente ciclo explora
las interacciones entre el arte cinematográfico y el
arte sonoro, todas ellas vinculadas, de distintos y
variables modos, a la sencilla (solo en apariencia)
premisa que guió las investigaciones a propósito
de la audiovisión del teórico y músico francés
Michel Chion: en la combinación audiovisual, una
percepción influye en la otra y la transforma; no se
«ve» lo mismo cuando se oye, no se «oye» lo mismo
cuando se ve.
Las cinco sesiones plantean un diálogo entre la
dimensión cinematográfica y la dimensión sonora
de cada una de sus propuestas performativas, que
están al cuidado de los cineastas y artistas sonoros
Wade Matthews, Deneb Martos, Takashi Makino,
María Antón Cabot, Troia, Aki Kaurismäki, Mauritz
Stiller, José Venditti y el colectivo 16mm (Macarena
Montesinos y Paulo Pascual). Además, tres de los
cinco eventos que conforman la presente edición
de Vanguardias Live están co-organizados junto con
la Asociación de Música Electroacústica y Arte Sonoro
de España (AMEE). Fundada en 1987, la AMEE es
una organización sin ánimo de lucro que tiene
como fin primordial la promoción y difusión de la
música electroacústica y el arte sonoro en España.
FILMADRID reforzará este compromiso con cinco
sesiones dedicadas a la práctica cinematográfica y
sonora desde un marco interdisciplinar y experimental.
Así, los logros artísticos que la alianza arte cinema-
tográfico - arte sonoro ha venido propiciando en
los últimos tiempos reciben en Vanguardias Live
un adecuado contexto para su descubrimiento,
desarrollo y expresión. RAMÓN DEL BUEY
78
Vanguardias Live is one of the distinctive sections of
FILMADRID, which fosters the creative exchange
between cinematographic art and other artistic
proposals of a performative nature. In 2019, as in
its four previous editions, FILMADRID provides an
exclusive space for these forms of artistic hybridi-
zation. In this case, Vanguardias Live is articulated
through five sessions, a number of events dedicated
to this effect unprecedented in the history of
the festival. This cycle explores the interactions
between cinematographic art and sound art, all of
them linked, in different and variable ways, to the
simple (only in appearance) premise that guided
the research on the audiovisual work of the French
theoretician and musician Michel Chion: in the
audiovisual combination, one perception influences
the other and transforms it; one does not “see”
the same thing when one hears, one does not
“hear” the same thing when one sees it.
The five sessions propose a dialogue between the
cinematographic dimension and the sound dimension
of each of its performative proposals, which will
be conducted by Wade Matthews, Deneb Martos,
Takashi Makino, María Antón Cabot, Troia, Aki
Kaurismäki, Mauritz Stiller, José Venditti and the
16mm collective (Macarena Montesinos and Paulo
Pascual). In addition, three of the five events that
make up this edition of Vanguardias Live are co-or-
ganized with the Asociación de Música Electroacústica
y Arte Sonoro de España (AMEE). Founded in 1987,
AMEE is a non-profit organization whose primary
purpose is the promotion and dissemination of
electroacoustic music and sound art in Spain.
FILMADRID will reinforce this commitment with
five sessions dedicated to film and sound practice
from an interdisciplinary and experimental frame-
work. Thus, the artistic achievements that the
alliance film art - sound art has been promoting
in recent times receive in Vanguardias Live an ap-
propriate context for their discovery, development
and expression. RAMÓN DEL BUEY

<3
María Antón Cabot
España, 2018. 65 min.
// En colaboración con: // In collaboration with:
MIÉRCOLES 12JUN - 22:30h
CASA DE CAMPO
Es verano en Madrid y el parque se llena de jóvenes
excitados, hiperconectados y ansiosos que liberan
sus pulsiones: encontrar el amor, despertar el
deseo. Al final de la película las palabras y las
imágenes de <3 se fundirán con los árboles y las
fuentes que chorrean, y, en directo, Troia y Dvein
crearán nuevas imágenes y sonidos que, desde los
nervios, desde las risas, desde las entrañas, nos
muestran el amor y el deseo.
Memento Stella es el segundo mediometraje, nueva
obra maestra de Takashi Makino, terminada en 2018.
Esta película (luz), que ha sido rodada en muchos
países y terminada en Hong Kong, se devuelve al
mundo de nuevo. La banda sonora original está
realizada por el músico holandés Reiner Van Houdt,
pero en esta ocasión tendremos una proyección
especial en la que el propio Makino creará la música
en directo. Esta experiencia se realizó en enero de
2018 en la galería URANO (Tokyo), pero únicamente
con las dos primeras partes de la película. En la Casa
Encendida podrá escucharse, por primera vez, la
performance sonora durante todo el metraje. Con el
sonido en directo, Makino genera una nueva vida y
una nueva interpretación de estas imágenes profundas,
orgánicas y casi eternas.
79
VL
Summer in Madrid. The park is full of young peo-
ple who are excited, hyperconnected and eager
to free their drives: finding love, awakening the
desire. At the end of the movie, words and images
of <3 will blend in trees and fountains that squirt
and, live, Troia and Dvein will create new images
and sounds that from nerves, from laughs and
from deep inside, they will show us love and desire.
Memento Stella
Takashi Makino
Japón, Hong Kong, 2018. 60 min.
VIERNES 14JUN - 21:00h
LA CASA ENCENDIDA
Memento Stella is the second middle length film/
new master piece by Takashi Makino, completed
in 2018. This film (light), which was shot in many
countries and finished in Hong Kong, is delivered
to all over the world again. The original soundtrack
is from Dutch musician Reinier Van Houdt, but this
time it will be a special screening. Makino will play
music by himself in live. Makino did perform live
music performance with Memento Stella in January
2018 in URANO (Tokyo), but it was only for the
part 1 and part 2 of Memento Stella. Performance
at La Casa Encendida will be the first full length.
Makino brings new life with a new interpretation
and sound to the almost everlasting organic and
deep images.
VL
Gold Film, The Shadow of Gold
Wade Matthews y Deneb Martos
España, 2017. Loop infinito.
MARTES 11JUN - 22:30h
EL INSTANTE FUNDACIÓN
Fruto del diálogo entre la artista visual Deneb
Martos y el músico experimental Wade Matthews,
Gold Film es una obra performativa que transciende los
géneros y las categorías para explorar el territorio
fértil de la experimentación. La puesta en escena
remite a una suerte de cine expandido, cuando
la instalación escultórica de películas doradas
dispuestas verticalmente, se activan con un
movimiento ascendente para transformarse en una
pantalla de proyección en blanco y negro. Entre la
fantasmagoría y la alquimia, a la espectacularidad
del oro se suman los sonidos, la improvisación
musical de Matthews y las cadencias rítmicas del
proyector. DIANA ANGOSO
// Co-organiza: // Co-organizer:
80
Crossing the boundaries between art and music,
Gold Film arises as result of the creative dialogue
between the visual artist Deneb Martos and the
experimental musician Wade Matthews. Gold Film
is a performative work that transcends genres and
categories to explore the fertile territory of exper-
imentation. Through a carefully constructed mise
en scène, Martos’ sculptural installation showcases
strands of vertically arranged gold film activated
by upward and downward movements to generate
black-and-white images through the projectors’
light. Navigating between phantasmagoria and
alchemy, this expanded cinema scenario dialogues
by with Matthews’ sounds and the rhythmic
cadences of the projector accompanying gold’s
splendor. DIANA ANGOSO.

Johan
Mauritz Stiller
Suecia, 1921. 83 min.
// Co-organiza: // En colaboración con:
// Co-organizer: // In collaboration with:
JUEVES 13 JUN – 18:00h
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
Las dos películas que constituyen el objeto de
sonorización de esta doble sesión son Johan (1921),
de Mauritz Stiller, y Juha (1999), de Aki Kaurismäki,
ambas adaptaciones de la novela Juha (1911), del
escritor finlandés Juhani Aho. La historia original de
la novela narra las vicisitudes del triángulo amoroso
conformado por Juha, un granjero, Marja, su mujer,
y Shemeikka, un hombre de negocios. Las películas
de Stiller y de Kaurismäki plantean una reflexión
sobre el compromiso conyugal y el conflicto que
resulta de las diferencias entre el estilo de vida rural,
representado por Juha y Marja, y el estilo de vida de
ciudad, representado por Shemeikka. La sonorización
en directo de ambos filmes no solo se articulará
como una aproximación al relato original de Juhani
Aho, sino que también podrá establecerse un diálogo
con las imágenes, las estructuras, los ritmos o el hilo
narrativo de las películas, más allá de este eje temático
común. RAMÓN DEL BUEY
81
VL
The two films that make up the soundtrack for this
double session are Mauritz Stiller’s Johan (1921) and
Aki Kaurismäki’s Juha (1999), both adaptations of
the novel Juha (1911) by Finnish writer Juhani Aho.
The original story of the novel narrates the vicissi-
tudes of the love triangle made up of Juha, a farmer,
Marja, his wife, and Shemeikka, a businessman.
Stiller’s and Kaurismäki’s works reflect on conjugal
engagement and the conflict resulting from the
differences between the rural lifestyle, represented
by Juha and Marja, and the city lifestyle, represented
by Shemeikka. The live sound of both films will not
only be articulated as an approximation to Juhani
Aho’s original story, but will also be able to establish
a dialogue with the images, structures, rhythms or
narrative thread of the films, beyond this common
thematic axis. RAMÓN DEL BUEY
Juha
Aki Kaurismäki
Finlandia, 1999. 78 min
// Co-organiza: // En colaboración con:
// Co-organizer: // In collaboration with:
JUEVES 13 JUN – 20:30h
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
PDC
 PDC

PA S A J E S D E C I N E
Sección consagrada al joven cine
español independiente

Section devoted to young independent

Spanish cinema
PDC
Riesgo, precaución, información, privacidad, vigilancia, comunicación
son algunas de las palabras que se entrecortan en la voz en off de Eyes on
You. Efectivamente parece que los ojos están puestos en todos nosotros y
que la recogida masiva de datos por todo el planeta es un hecho. Victoria
Oliver selecciona imágenes de cámaras web públicas donde ciudadanos
anónimos disfrutan de espacios de ocio, planteando una de las preguntas
fundamentales de nuestro tiempo, ¿dónde acaba la sospecha y comienza
la verdad? NURIA CUBAS
Todas íbamos a ser reinas //
Ana Catalá
España, Alemania, 2019. 23 min.
En este cortometraje Ana Catalá propone una analogía entre tiempos,
generaciones y rituales protagonizados por mujeres. Las películas familiares
de la propia directora nos permiten ver una definida línea de continuidad
entre las celebraciones de ayer y de hoy, ya sea en el ámbito privado (la
mañana de Reyes) o en el público, con las Fallas como gran evento regional e
identitario. La tradición y los roles que esta reserva a las mujeres son rígidos
e implacables, pero observarlos también es impugnar. ANDREA MORÁN
Orbainak, Cicatrices, es un duelo entre memoria-fotografía-historia y
vida-relato-identidad. Pero también es un duelo de resistencia temporal
en el que la cicatriz es el corte necesario que genera una escisión por la
que el tiempo pasa y nos deja pensarnos. A través de la exploración de
la geografía vasca y los rostros que exponen las fotografías en blanco y
negro con sus cicatrices, nos adentramos en un relato que persigue una
pregunta, a saber, puede que las guerras hayan acabado pero ¿y la lucha?
Batirse en duelo con lo que somos hoy es más que nunca nuestro sentido
de ser. PAULA LÓPEZ MONTERO
84
PASAJES DE CINE 1
Duración del programa: 64 minutos
SÁBADO 8 JUN - 20:00h
CINETECA MADRID
Eyes on You//
Victoria Oliver Farner
España, 2019. 12 min.
ESTRENO MUNDIAL // WORLD PREMIERE
Risk, caution, information, privacy, surveillance and communication are
some of the words that are interspersed in the voice-over of Eyes on You. It
seems that the eyes are indeed on all of us and that the massive collection
of data throughout the planet is a fact. Victoria Oliver selects images of pu-
blic web cameras where anonymous citizens enjoy leisure spaces, posing
one of the fundamental questions of our time, where does the suspicion
end and the truth begins? NURIA CUBAS
In this short film Ana Catalá proposes an analogy between times, genera-
tions and rituals performed by women. The filmmaker’s own home movies
allow us to see a definite line of continuity between the celebrations of
yesterday and today, either in the private sphere (the Christmas’ presents)
or in the public, with the Fallas as a great regional and identitary event. The
tradition and the roles that it holds for women are rigid and implacable, but
to observe them also means to challenge them. ANDREA MORÁN
Orbainak//
Jorge Moneo Quintana
España, 2019. 29 min.
Orbainak—Scars in Basque—is not only a duel between memory-photogra-
phy-history and life-story-identity. But also a duel of temporary resistance
in which the scar is the crucial cut for creating an excision by which time
goes by and allows us to think about ourselves. By wandering through
the Basque geography and exploring the faces shown on black and white
photographs without hiding their scars, we plunge into a story that pursues
a question. Wars may have finished but, is the fight over? Fighting a duel
against whom we are today is, more than ever, our sense of being. PAULA
LÓPEZ MONTERO.

PASAJES DE CINE 2
Duración del programa: 67 minutos
DOMINGO 9 JUN - 18:00h
CINETECA MADRID
In Between the Walls of Perception//
Pablo Martínez Ballarín
Estonia, 2018, 3 min.
El filme de Pablo Martínez Ballarín nos adentra a través de la
animación en los pliegues de la percepción visual humana. Si el
tiempo, siguiendo a Aristóteles, es la diferencia en la intensidad de
un movimiento según el antes y el después, esta película nos hace
conscientes de su juego de dimensiones mediante la superposición
de distintos segmentos de movimientos, en los que la técnica stop
motion explora las entrañas de un dispositivo fílmico cuyo mecanismo
consiste en la autoconsciencia temporal. RAMÓN DEL BUEY
La realidad de los pueblos hundidos bajo los pantanos es recurrente
en nuestra historia común e incluso podría decirse que también es
un tema frecuente en el cine español de los últimos años. La joven
cineasta Maddi Barber toma como punto de partida y escenario uno
de estos lugares y consigue trascender el propio hecho histórico
para elaborar un canto sobre la pérdida ancestral, un espacio
donde el paso del tiempo parece no ser más que la vida y la muerte
aconteciendo simultáneamente. NURIA CUBAS
Millions (and Millions) of Memories //
Laura Rius Aran y Carlos Solano
España, 2018. 39 min
Foster Wallace ya demostró en uno de sus libros que narrar un
crucero turístico puede resultar mucho menos anodino de lo que
parece si aplicamos la suficiente dosis de inventiva. Algo parecido
consiguen Laura Rius y Carlos Solano en este insólito mediometraje,
sutil reivindicación del placer de narrar, que trasciende no ya la
banalidad de su escenario, sino también las premisas de un relato
que se presenta como documental para acto seguido dejarse llevar
por corrientes mucho más impredecibles. GABRIEL DOMÉNECH
85
PDC
The film by Pablo Martínez Ballarín takes us into the folds of human
visual perception employing animation. If time, following Aristotle, is
the difference in the intensity of a movement according to the before
and after, this film makes us aware of its play of dimensions through
the superposition of different segments of movements, in which the
stop motion technique explores the entrails of a filmic device whose
mechanism consists of temporal self-awareness. RAMÓN DEL BUEY
592 metroz goiti //
Maddi Barber
España. 2018. 25 minutos
It is recurrent in our common history and we could even say that it
is also a frequent theme in Spanish cinema in recent years to talk
about the reality of two towns sunk under the swamps. The young
filmmaker Maddi Barber takes as a starting point one of these places
and manages to transcend the historical fact itself to elaborate a
song about the ancestral loss, a space where the course of time
seems to be nothing but life and death happening simultaneously.
NURIA CUBAS
Foster Wallace already proved in one of his books that narrating a
tourist cruise can be much less bland than it seems if we apply a
sufficient dose of playfulness. Something similar is achieved by Laura
Rius and Carlos Solano in this unusual film, a subtle vindication of
the pleasure of storytelling, which transcends not only the banality
of its setting, but also the premises of a story that is presented as
a documentary and then let itself be carried away by much more
unpredictable currents. GABRIEL DOMÉNECH
PDC
La pieza de Alberto Van den Eynde investiga dos concepciones
de la imagen: en tanto que capturadora o reanimadora de
los momentos pasados y en tanto que causa de la angustia
implicada por su recuperación. El acercamiento del autor a
su yo de doce años atrás se articula mediante un mosaico
de videos vacacionales encontrados en una antigua cámara
familiar. Estas memorias conforman una enternecedora
urdimbre nostálgica y autoparódica, los retazos digitales de
una nueva sensibilidad generacional. RAMÓN DEL BUEY
Ari y Yonay pasan el rato //
Ariadna Onofri y Yonay Boix
España, 2018. 64 min.
Un ejercicio de tiempo, de experimentación, de montaje,
de alegoría. Este film, quizá uno de los más sugerentes
del año, explora el quot de la cotidianeidad, el círculo de
la rutina, del pasar mismo, aquello casi dispuesto como
anti-fílmico pero que revela una extraña impostura o, quizá,
una extraña performatividad de lo cotidiano que a través
de la cámara nos seduce con su transparencia y levedad.
Muy en la línea del cine de Željka Suková o Vera Chytilova,
resuena una pregunta mientras que aprendemos a debatirnos
en el aburrimiento ¿qué es ese no hacer nada? PAULA
LÓPEZ MONTERO
86
PASAJES DE CINE 3
Duración del programa: 78 minutos
DOMINGO 9 JUN - 20:00h
CINETECA MADRID
2006 The Only Year that I Remember //
Alberto Van den Eynde Gray
España, 2019, 14 min.
ESTRENO MUNDIAL // WORLD PREMIERE
Alberto Van den Eynde’s work investigates two conceptions
of the image: as a capturer or rescuer of past moments
and as a cause of the anguish implied by its recovery. The
author’s approach to his twelve-year-old self is articulated
through a mosaic of vacation videos found in an old family
camera. These memories form a touching, nostalgic,
self-parody warp, the digital remnants of a new generational
sensibility. RAMÓN DEL BUEY
An exercise of time, experimentation, editing, allegories.
This film may well be one of the most evocative of the
year. It looks into the ordinariness, the daily routine, the
passage of time, what can first be seen as something rather
anti-filmic, reveals an unknown deception or, perhaps, an
unusual performativity of everyday life through a camera
which tries to seduce us with its transparency and levity.
Very much in the line of the filmmakers Željka Suková or
Vera Chytilova, a question echoes while we learn how to
fight off boredom, what would it be like not to do anything at
all? PAULA LÓPEZ MONTERO
 16 edición
8 al 16 noviembre 2019
ME / VE
 ME / VE

METRAJES ENCONTRADOS
FO U N D FO OTAG E S

T H E V I D EO E S S AY
ME / VE
METRAJES ENCONTRADOS//
Esta sección de FILMADRID indaga en las creaciones
de directores que utilizan los materiales de otros
autores para desarrollar obras nuevas, autónomas
y profundamente personales, reafirmando así la
inquebrantable capacidad de resurrección del cine.
The Movie Orgy //
Joe Dante
Estados Unidos, 1968, 280 min.
VIERNES 7 JUN - 22:30h
MUSEO CAV LA NEOMUDÉJAR
¿Existe algo (todavía) más disfrutable que el Joe
Dante de Aullidos (1981), Gremlins (1984) o Matinee
(1993)? Probablemente: pensemos en un Joe Dante
veinteañero montándose una juerga cinematográfica
con The Movie Orgy (1968), pantagruélico objeto
fílmico que reúne durante varias horas retazos de
telefilmes, películas de serie B, propaganda higiénica
o militar… todo ello extraído de las entrañas de la
cultura popular estadounidense de los años 50 y
60. Concebida como una película-evento destinada
a proyectarse durante fiestas en diversos campus
universitarios, este antecedente de los programas
de V y de las compilaciones de vídeos cibernéticos
es una declaración de amor cinéfaga sin ambages
ni recato. Esta orgía de materiales apasionada-
mente montados, mezclados y replanteados solo
puede tener su correlato adecuado –esta es nuestra
recomendación– en un público alborozado dispuesto a
tomarse este encuentro con el detritus audiovisual
de otra época como una fiesta que traspase la sala
de proyección. GABRIEL DOMÉNECH
90
FOUND FOOTAGES//
This section of FILMADRID explores the creations
of directors who use the materials of other
authors to develop new, autonomous and deeply
personal works, thus reaffirming the unshakable
capacity of resurrection of cinema.
Is there anything (still) more enjoyable in Joe
Dante’s career than The Howling (1981), Gremlins
(1984) or Matinee (1993)? Probably: think of a
20-year-old Joe Dante having a cinematic party
with The Movie Orgy (1968), a pantagruelian filmic
object that gathers for several hours scraps of
TV movies, B-series films, hygienic or military
propaganda... all extracted from the bowels of
the American popular culture of the 50s and 60s.
Conceived as a film-event aimed to be screened
during parties on several university campuses, this
precedent of mash-up programs and compilations
of cybernetic videos is a declaration of cinematic
love without ambiguity or concealment. This orgy
of passionately assembled, mixed and rethought
materials can only have its proper correlate –this
is our recommendation– in a jubilant audience
willing to take this encounter with the audiovisual
detritus of another era as a party that transcends
the screening venue. GABRIEL DOMÉNECH
91
ME / VE

THE VIDEO ESSAY (en colaboración con MUBI)// THE VIDEO ESSAY (in collaboration with MUBI)//

Esta sección de FILMADRID dedicada al Video Ensayo está
organizada en colaboración con la prestigiosa web de cine
y plataforma de video bajo demanda, MUBI.
Las obras seleccionadas se mostrarán como posts
individuales en Notebook, la publicación diaria de MUBI.
Además esos trabajos se exhibirán en una proyección
gratuita durante el festival. La selección será realizada por
los programadores de MUBI y FILMADRID.
This FILMADRID section dedicated to Video Essay is
organised in collaboration with the prestigious global film
website and curated video-on-demand platform MUBI.
The selected works will be shown as individual posts on
MUBI’s cinema publication, the Notebook. Also there will
be a free public screening of the selected works during the
festival. The selection will be made by the programmers of
MUBI and FILMADRID.

DOMINGO 9JUN - 12:30h

CINETECA MATADERO
Duración del programa: 67 minutos

Os Motivos de Reinaldo // Ricardo Vieira // Portugal, 2018. 9 minutos.

En 1927, el periodista Reinaldo Ferreira dirigió O Táxi no. 9297 y Rita ou
Rito…?, donde la homosexualidad, el travestismo y el consumo de drogas
aparecen por primera vez en el cine portugués. Os Motivos de Reinaldo es
un ensayo que juega con una serie de motivos recurrentes en la obra de
Ferreira de una manera lúdica.

In 1927, the journalist Reinaldo Ferreira directed O Táxi no. 9297 and Rita ou
Rito?..., where homosexuality, transvestism and drug use feature in Portu-
guese cinema for the first time. Reinaldo’s Motifs is an essay that plays with
a series of recurrent motifs in Ferreira’s work in a playful manner.

Espejo retrovisor de Chile // Francisca Lila // Chile, 2019. 5 minutos.

Unos años antes de que en 1973 se estableciera una dictadura en Chile,
una generación de cineastas reflexionó acerca de la identidad de su país.
Este vídeo ensayo busca mirar hacia atrás para crear una experiencia que
refleje el potencial estético de imágenes que resuenan hoy como espejos
de una sociedad...
A few years before a dictatorship was established in Chile in 1973, a
generation of filmmakers reflected on the identity of their country. This
video essay seeks to look back to create an experience that reflects the
aesthetic potential of images that resonate today as mirrors of a society.

Periferia de atención // Victoria Oliver Farner // España, 2019. 12 minutos.

Las imágenes tienen focos de atención tan poderosos
que, incluso, nos impiden ver y procesar el contexto.
La composición, el sonido, la iluminación, los colores,
el foco, el movimiento interno y la duración del plano
son factores que nos empujan a mover los ojos de un
punto a otro de la imagen.
Images have such powerful focal points that they
even prevent us from seeing and processing the
context. Composition, sound, lighting, colours,
focus, internal movement and the duration of the
shot are factors that push us to move our eyes
from one point of the image to another.

92
 ME / VE

Stranger / Things // Philip Brubaker //USA, 2019. 12 minutos.

A principios de la década de 1980, había algo en el aire que
Wim Wenders captó en sus películas y más tarde le contagió a
Jim Jarmusch; una forma de ver la vida en blanco y negro.
Dos películas que comparten un sentimiento se contextualizan
y se yuxtaponen para mostrar lo que tienen en común, y
cómo y por qué existen.
In the early 1980s, there was something in the air that Wim
Wenders captured in his films and later gave to Jim Jarmusch;
a way of seeing life in black and white. Two films that share a
feeling are put in context and juxtaposed to show what they
have in common, and how and why they exist.

Correct Machine // Eva Elcano Fuentes // España, 2019. 13 minutos.

Aunque la extrañeza está siempre presente, debemos alejarnos
del miedo y empezar a tratar de entender la estructura interna
de la máquina, que no está libre de error, al igual que el humano.
Se utiliza un lenguaje cinematográfico sacado de su código
original. Se habla de tecnología sin utilizar ciencia ficción para
aumentar el interés por el cine independiente.
Although the strangeness is always present, we need to get
away from fear and start trying to understand the internal
structure of the machine, that is not free from error, like the
human. A cinematographic language derived from its original
code is used. Technology is spoken about without using science
fiction to increase interest in the independent cinema.

Una casa con muchas voces // Diego Cepeda & Luis Franze // España, Republica Dominicana, 2019. 6 minutos.
Voces que toman cuerpo en el recuerdo, una casa vacía, un piano que
ahora falta. Este video ensayo propone un diálogo entre dos películas.
Por un lado, para reclamar una bella rareza olvidada del cine español y
por otro, para reivindicar que el cine es, a fin de cuentas, una casa con
muchas voces.
Voices that take shape in memory, an empty house, a piano that is now
missing. This video essay proposes a dialogue between two films. On the
one hand, to claim a beautiful forgotten rarity of Spanish cinema and on
the other, to claim that cinema is, after all, a house with many voices.

News from Taxi Driver // Paco Casado // España, 2019. 10 minutos.

El Nueva York de News from Home se filmó en 1976. El de
Taxi Driver, el verano de 1975. Ambas obras reflejan la misma
ciudad decadente. Dos visiones que van de lo cotidiano a
lo existencial se complementan. Una resignificación de las
imágenes de Akerman mediante la voz en off de la obra
de Scorsese.
The New York of News from Home was filmed in 1976, while
the one of Taxi Driver was filmed in the summer of 1975.
Both works reflect the same decadent city. Two visions that
shift from the everyday to the existential complement each
other. A resignification of Akerman’s images through the
voice-over of Scorsese’s work.

93
// SCREENING LAV
// PRESENTACIÓN MASTER LAV
VIERNES 7JUN - 12:00h
CINETECA MADRID. Sala Azcona.
Con cada edición de FILMADRID y como una bella
tradición hemos venido presentando algunas
de las obras, procesos e intenciones que en LAV
se gestan durante el año del máster. LAV es un
espacio de creación audiovisual experimental.
Un lugar donde expandir los límites del lenguaje
y testarlos, ponerlos a prueba.
Concebido como un laboratorio de creación
continua en el que se pueda ensayar y errar
sin peajes industriales. Creamos de espaldas
a modas e industrias tratando de encontrar no
solo nuevas formas y estructuras de creación
sino también nuevos modos de presentar
y proyectar estos trabajos. Audiovisual sin
recetas ni fórmulas preconcebidas.
Screening LAV mostrará obras y procesos de
Cristóbal Espinosa, Iván Candeo, Rocio Morato,
Andrea Sotelo, Camila Kevorkian, Daniel Herrero,
Daniel Alegrete, Valeria Hoffman, Elena Vigó y
Rafael Guijarro. PABLO USEROS
94
// SCREENING LAV
// MASTER LAV’S PRESENTATION
VIERNES 7JUN - 12:00h
CINETECA MADRID. Sala Azcona.
In every edition of FILMADRID and as a beautiful
tradition we have presented some of the piece of
works, processes and intentions that are elaborat-
ed in LAV during the master. LAV is a space where
the experimental audiovisual creation emerges. A
place where the limits of languages are expanded,
tested and tried.
Conceived as a laboratory of continuous
creation in which you can try and err without
industrial tolls. We create ignoring fashions and
industries trying to find not only new forms
and structures of creation but also new ways
of presenting and projecting these works. Pure
audiovisual without recipes or preconceived
formulas.
Screening LAV will show works and processes of
Cristóbal Espinosa, Iván Candeo, Rocio Morato,
Andrea Sotelo, Camila Kevorkian, Daniel Herrero,
Daniel Alegrete, Valeria Hoffman, Elena Vigó and
Rafael Guijarro. PABLO USEROS.
J
 J

JURADOS
JURIES
J

JURADO OFICIAL // OFFICIAL COMPETITION JURY

ELENA LÓPEZ RIERA

Cineasta, profesora y programadora española. En la actualidad reside

en Suiza, donde ejerce como programadora para el festival Visions du
Réel. Sus películas se han exhibido en los certámenes internacionales
de mayor prestigio. Su trabajo más reciente, Los que desean, ganó
el Pardino d’oro de Locarno en 2018. En la actualidad se encuentra
desarrollando su primer largometraje, El agua.

Filmmaker, teacher and film programmer from Spain. Now based in Switzerland, she programs at Visions du Réel. Her films
have been screened internationally in the most prestigious festivals, and her most recent work, Los que desean won the
Pardino d’oro at Locarno in 2018. She is currently developing her first feature film, El agua.

PACO POCH

Doctor en Comunicación Audiovisual por la Universidad Pompeu

Fabra. Empezó trabajando como fotógrafo cultural y director de
producción. Ha producido diversos largometrajes documentales
como La Leyenda del tiempo de Isaki Lacuesta o Innisfree, de José
Luís Guerin, y ha coproducido películas como El caso Pinochet y El
asunto Ben Barka. En 1991 recibió en Barcelona el Premio Nacional de
Cinematografía. Es director del Máster en Producción y Distribución
Cinematográfica de EPAC/ECIB/MediaPro/UVIC. Produce con
Mallerich Films y distribuye con Paco Poch Cinema.
PhD in Audiovisual Communications from the Pompeu Fabra University, Paco Poch started working as a photographer of
cultural events and line producer. He has produced various feature films and documentaries for television, such as The
Legend of Time, directed by Isaki Lacuesta, Innisfree, by José Luís Guerín, and he has co-produced films like The Pinochet
case and I saw Ben Barka get killed. In 1991, he received the National Cinematography Award in Barcelona. He is Director
of the Master in Film Production and Distribution by EPAC/ECIB/MediaPro/UVIC. He is producer in Mallerich Films and
Distributor in Paco Poch Cinema.

LAURENCE REYMOND

Trabajó para las distribuidoras Ad Vitam y Le Pacte en París. Desde

2012 a 2018 fue la responsable de los cortometrajes seleccionados
en la Quincena de Realizadores de Cannes. También ha ejercido de
programadora para el FNC Montreal, Entrevues-Belfort International
Film Festival, y continua siendo asesor apara el Quebec City Film Festival.
En 2017 se unió a la compañía francesa Providences como productora
She worked for film distributors in Paris: Ad Vitam and Le Pacte. For seven years, 2012-2018, she was in charge of the
short films at the Directors’ Fortnight in Cannes. She has also worked as programmer for FNC Montreal, Entrevues-Belfort
International Film Festival, and is still a programming consultant for Quebec City Film Festival. In 2017, she joins the French
company Providences as producer.

98
 J

JURADO VANGUARDIAS // VANGUARDIAS JURY

DENEB MARTOS

Artista visual. Especializada en prácticas de cine sin cámara y procesos

de revelado analógico alternativos. Licenciada en comunicación
audiovisual por la UCM. Desde 2003 trabaja en el departamento de
fotografía analógica de La Casa Encendida en Madrid donde fundó Los
Laboratorios. En sus obras se expande tanto la propia imagen como
los dispositivos cinemáticos utilizados, lo que enfatiza la naturaleza
significativa de la imagen.
Visual artist. Specialized in cameraless films and alternative analog development processes. BA in Media Studies at
Universidad Complutense of Madrid. Since 2003 she works in the analogue photography department of La Casa Encendida
in Madrid where she founded Los Laboratorios. In her works both the image and the cinematic devices used expand, which
emphasizes the significant nature of the image.

LAURA GÓMEZ VAQUERO

Doctora en Historia del Cine y Licenciada en Historia del Arte por la UAM,
es profesora en la Universidad de Salamanca. Subdirectora de la revista
Secuencias y programadora en DocumentaMadrid, durante nueve ediciones.
Ha coeditado los volúmenes Piedra, papel y tijera: collage y cine documental
y El espíritu del caos. Representación y recepción de las imágenes durante
el franquismo. También ha publicado Las voces del cambio. La palabra en el
documental durante la Transición española.
PhD in Film History and BA in Art History at Universidad Complutense of Madrid, she is a professor at the University of
Salamanca. Deputy director of the journal Secuencias and programmer at DocumentaMadrid for nine editions. She has
co-edited the volumes Piedra, papel y tijera: collage y cine documental and El espíritu del caos. Representación y recepción
de las imágenes durante el franquismo. She has also published Las voces del cambio. La palabra en el documental durante la
Transición española.

RUBÉN HERNÁNDEZ

Es investigador en el campo de la Teoría del Cine y la Estética Fílmica.

Ha impartido clases en el Departamento de Filosofía de la Universidad
Autónoma de Madrid y ha comisariado diversas muestras vinculadas
al ámbito del cine independiente y experimental en Europa y Latinoa-
mérica. Es autor del libro Pere Portabella. Hacia una política del relato
cinematográfico. Actualmente es editor de Errata Naturae.
He is a researcher in the field of film theory and film aesthetics. He has taught at the Department of Philosophy of
the Universidad Complutense of Madrid and has curated several exhibitions related to the field of independent and
experimental film in Europe and Latin America. He is the author of the book Pere Portabella. Hacia una política del relato
cinematográfico. He is currently editor of Errata Naturae.

99
J

JURADO DÍAS DE CINE (Competición Oficial) // DÍAS DE CINE JURY (Official Competition)

GERARDO SÁNCHEZ

Licenciado en Ciencias de la Información (Imagen y Sonido). Trabaja

en TVE desde 1982. Desde 2009 es director de Días de Cine, programa
que en 2016 ha cumplido 25 años. Codirector del documental 24 horas
en la vida de Elías Querejeta y autor de ensayos visuales para ediciones
de DVD y Blu Ray sobre las películas Juan Nadie, Compañeros mortales,
El hombre del brazo de oro y La Dolce Vita.
Graduate in Media Studies (Image and Sound). He has been working in TVE since 1982. Director of Días de Cine since
2009. Co-director of the documentary 24 hours in the life of Elías Querejeta and author of video essays for DVD and Blu Ray
editions of films such as Juan Nadie, Compañeros mortales, El hombre del brazo de oro and La Dolce Vita.

RAÚL ALDA

Director adjunto de Días de Cine, programa en el que trabaja desde

1995 y del que fue director entre 2008 y 2009. Fundador y miembro
del equipo de El cine de la 2, y autor de piezas de presentación de
los documentales emitidos en Imprescindibles. También ha dirigido
varios capítulos de la serie de viajes Paraísos Cercanos (2001-2004).
Deputy director of Días de Cine, program in which he works since 1995 and of which he was director from 2008 to 2009.
Founder and team member of El cine de la 2, and author of several introduction pieces of the documentaries broadcasted in
Imprescindibles. He has also directed several episodes of the series Paraísos Cercanos (2001-2004).

JAVIER SALES HEREDIA

Realizador de Televisión. Actualmente es director adjunto de Días

de Cine. Entre 2007 y 2009 ejerció como director del programa de
actualidad cinematográfica Cartelera de TVE. Coautor del libro Cine
entre líneas (2006) editado por la SEMINCI. Autor de Mister Welles
(2015), documental sobre Orson Welles y su relación con España.

TV technical director. He is currently a deputy director of Días de Cine. Between 2007 and 2009 he was director of the pro-
gram Cartelera in TVE. Coauthor of Cine entre líneas (2006) edited by SEMINCI film festival. Author of Mister Welles (2015),
a documentary about Orson Welles and his relationship with Spain.

100
 J

JURADO JOVEN (Competición Oficial) // YOUTH JURY (Official Competition)

ELENA CALVO

Graduada en Comunicación Audiovisual por la Universidad Compluten-

se de Madrid. Estudiante del Máster en Documental Creativo, Cine Ex-
perimental y Videocreación en la Escuela TAI. Actualmente compagina
la realización del proyecto final de cine documental con el desarrollo de
otras piezas que exploran los límites y posibilidades del medio.
Graduated in Media Studies at the Universidad Complutense of Madrid. She is currently studing the Master in Creative
Documentary, Experimental Cinema and Videocreation in Escuela TAI. She is finishing a documentary film project and also
developing some other works that explore the limits and possibilities of the medium.

ANDREA SUÁREZ

Graduada en periodismo por la Universidad Carlos III de Madrid,

máster en Documental y Reportaje Transmedia por la misma institución.
Continúa sus estudios de cine con el curso “Women Make!” en el
laboratorio audiovisual Master LAV. Formada en medios de comunicación
como TV3 o TVE, actualmente tiene una beca como ayudante de
gestión cultural y producción para la Delegación del Govern de la
Generalitat de Catalunya en Madrid.
Graduated in journalism at the Universidad Carlos III of Madrid, and Master in Documentary and Transmedia Reporting in
the same institution. She continues her film studies with the seminar “Women Make!” in the audiovisual laboratory Master
LAV. She has worked in channels such as TV3 or TVE, and currently has a scholarship as assistant cultural manager and
producer for the Delegation of the Government of the Generalitat de Catalunya in Madrid.

CLAUDIA SOTOS

Graduada en Comunicación Audiovisual (URJC, EhB). Especializada

como técnica audiovisual durante su trayectoria de montadora
y operadora de cámara en Brussels Video Crew. Actualmente se
encuentra cursando el laboratorio “Women Make!” de Master LAV y
en proceso de postproducción de varias obras audiovisuales.
Graduated in Media Studies in Universidad Rey Juan Carlos. Specialized as an audiovisual technique as a camera operator
and film editor in Brussels Video Crew. She is currently studying the seminar “Women Make!” in the audiovisual laboratory
Master LAV and she is working in the postproduction of several works.

101
J

faceJURADO LENS (Competición Oficial) // LENS JURY (Official Competition)

ELENA GUTIÉRREZ

Graduada en Comunicación Audiovisual en la Universidad Carlos III

de Madrid. En el ámbito profesional, ha trabajado para la productora
española de cine documental, televisión y publicidad Contramedia
Films, llevando a cabo tareas de producción y realización. Alumna de
FRAME - Máster en Montaje Cinematográfico 18/19.
Graduate in Media Studies at the Carlos III University of Madrid. She has worked in the Spanish film production company
Contramedia Films, carriyng out production tasks and realization. Student of FRAME - Master in Film Editing 18/19.

CLAUDIA RIVERA

Socióloga y graduada en Documental de Creación del Instituto de

Cine de Madrid. Especialista en cultura árabe y creadora del corto
documental Juthour con el que ha participado en diversos festivales.
Alumna de FRAME - Máster en Montaje Cinematográfico 18/19.
Sociologist and graduate in Creative Documentary at the Institute of Cinema of Madrid. Specialist in Arab culture and
author of the documentary short film Juthour which was presented in several film festivals. Student of FRAME - Master in
Film Editing 18/19.

JD ALCAZAR

Guionista y director. Ha realizado cortometrajes de ficción entre los

que destaca Fuerte y Poderosa y Marta por Dentro. Actualmente
desarrolla su salto al largometraje. Alumno de FRAME - Máster en
Montaje Cinematográfico 18/19.
Screenwriter and director. He has directed fiction short films such as Fuerte y Poderosa and Marta por Dentro. He is
currently developing his first feature film. Student of FRAME - Master in Film Editing 18/19.

102
 J

JURADO Premio OpenECAM de Pasajes de Cine // ECAM JURY

ABRIL VILA

Natural de Menorca, en 2016 comienza sus estudios en la ECAM,

optando por la Diplomatura de Dirección de Documental. Su deseo es
que el cine le permita viajar y seguir conociendo otras realidades.
Born in Menorca, she began her studies at ECAM in 2016 and chose the degree in Documentary Film Direction. She wishes
that cinema will allow her to travel and get to know other realities.

FRANCCESCA TREMOLADA

Graduada como técnico de imagen y radio en Pamplona, comienza

su formación como cineasta en la ECAM, especializándose en cine
documental. Sus proyectos se distinguen por trabajar con la realidad
y tienen un marcado carácter social.
Graduated as an image and radio technician in Pamplona, she began her training as a filmmaker at ECAM, with the specialty
of documentary film. Her projects are characterized by working with reality and have a strong social nature.

PEDRO MUÑOZ-CALERO

Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad

Complutense de Madrid. Comienza su formación como cineasta
en la ECAM, especializándose en cine documental. Inicia su carrera
cinematográfica con el corto Proxima Centauri 2.
Graduated in Media Studies at the Universidad Complutense of Madrid. He began his training as a filmmaker at ECAM, in
the specialty of documentary film. His cinematographic career started with the short film Proxima Centauri 2.

103
J

Premio EPAC-Paco Poch a la producción // JURADO PACO POCH

JAVIER ANGULO

Director de la Semana Internacional de Cine de Valladolid desde 2008.

Cuenta con una dilatada trayectoria vinculada al mundo del cine. Como
periodista y crítico ha trabajado en medios como El País o la revista
Cinemanía, de la que fue director hasta 2006.
Director of Valladolid International Film Festival since 2008. He has a long career linked to the world of cinema. He has worked
as a journalist and film critic in media such as El País or the magazine Cinemanía, of which he was director until 2006.

ÓSCAR FERNÁNDEZ ORENGO

© FOTO: CARLOS SAURA

Fotógrafo. El núcleo de su trabajo es retratar cineastas con una cá-
mara panorámica y película en blanco y negro. Algunas de sus exposi-
ciones sobre este proyecto: “A través de mis ojos” (2007), “Cineastas
Contados” (2011) o “Seguimos Rodando” (2018). Ha trabajado como
foto fija en películas de Javier Rebollo, Mar Coll, Jonás Trueba o Luis
Miñarro. Ha publicado en numerosas revistas y periódicos: Caimán.
Cuadernos de cine, Sofilm, El País, La Vanguardia…
Photographer. The core of his work is to portray filmmakers with a panoramic camera and black and white film. Some of his
exhibitions on this project: “A través de mis ojos” (2007), “Cineastas contados” (2011) or “Seguimos rodando” (2018). He
has worked as a still photographer in films by Javier Rebollo, Mar Coll, Jonás Trueba and Luis Miñarro. He has published in
numerous magazines and newspapers: Caimán. Cuadernos de Cine, Sofilm, El País, La Vanguardia...

ALEJANDRA LAOS GARAY

Formada en el Máster de Producción y Distribución dirigido por Paco

Poch de la EPAC-Escuela de Producción Audiovisual de Catalunya,
lleva trabajando en la producción audiovisual desde hace cinco años.
Graduated in the Master in Film Production and Distribution, directed by Paco Poch, from the EPAC-Escuela de Producción
Audiovisual de Catalunya. She has been working in audiovisual production for five years.

104
JURADO RCService // RCService JURY

EVA DÍAZ

Empezó trabajando como auxiliar de cámara con directores de

fotografía como Vittorio Storaro o como foquista con Jose Luis Alcaine.
Su primer trabajo como directora de fotografía fue Shakti. El poder de
las mujeres (2004), luego vendrían Dioses y perros (David Marqués,
2014), Los comensales (Sergio Villanueva, 2016), o Selfie (Víctor García
León), película premiada en el Festival de Málaga de 2017. Miembro de
la Asociación Española de Directoras y Directores de Fotografía.
She started working as a camera assistant with cinematographers such as Vittorio Storaro or Jose Luis Alcaine. Her first job
as a cinematographer was Shakti. El poder de las mujeres (2004), then she worked in productions as Dioses y perros (David
Marqués, 2014), Los comensales (Sergio Villanueva, 2016), or Selfie (Víctor García León), film awarded at the Malaga Film
Festival in 2017. Member of the Asociación Española de Directoras y Directores de Fotografía.

RAQUEL FERNÁNDEZ NÚÑEZ

Graduada en la ECAM, es considerada a nivel mundial como una de

las mejores directoras de fotografía españolas. Esto le ha valido, entre
otros reconocimientos, el Best Female Cinematographer Award del
Women’s Independent Film Festival de Los Ángeles. Su experiencia
al lado de directores establecidos y noveles y en producciones
internacionales le ha dado una visión y flexibilidad únicas. Su último
largometraje como directora de fotografía fue Las furias (Miguel del
Arco, 2016). Miembro de la Asociación Española de Directoras y
Directores de Fotografía.
Graduate at ECAM, she is considered worldwide as one of the best Spanish cinematographers. She has received, among
other recognitions, the Best Female Cinematographer Award of the Women’s Independent Film Festival of Los Angeles. Her
experience with established and new directors and in international productions has given her a unique vision and flexibility.
Her last feature film as cinematographer was Las furias (Miguel del Arco, 2016). Member of the Asociación Española de
Directoras y Directores de Fotografía.

105
C+A
 C+A

C U R S O S Y ACT I V I DA D E S
C O U R S E S A N D ACT I V I T I E S
C+A

108

// THE LONGEST MOMENT WHEN EVERYTHING
SEEMED POSSIBLE. THE NEW AMERICAN
CINEMA GROUP
OLAF MÖLLER
6JUN < 9JUN
La Casa Encendida
A lo largo de cuatro jornadas, el crítico y programador
de cine revisitará el New American Cinema Group
para reflexionar sobre sus orígenes y las corrientes
estéticas que se dieron dentro de este movimiento
en los años 60 y 70. Como gran novedad respecto a
ediciones anteriores, este año el seminario incluirá
proyecciones en sala. Se verán los largometrajes
Galaxie (Gregory Markopoulos, 1966), Goodbye in
the Mirror (Storm de Hirsch y Louis Brigante, 1954),
Good Times, Wonderful Times (Lionel Rogosin,
1965), The Balcony (Joseph Strick, 1963) y The
Small Hours (Norman C. Chaitin, 1962), y los
cortometrajes A Time Out of War (Denis Sanders,
1954) y Bridges-Go-Round (Shirley Clarke, 1958).
OLAF MÖLLER es programador, teórico y crítico
de cine. Colabora habitualmente con prestigiosas
revistas de cine como Sight & Sound, Cinema Scope,
MUBI Notebook, Eye for Film y Film Comment,
entre otras. Ha comisariado ciclos y retrospectivas
para festivales como Rotterdam, la Viennale o
Locarno, y fue miembro del comité de selección
del Festival de Oberhausen. Es considerado como
una de las voces más autorizadas de la crítica y la
historia del cine actual.
// En colaboración con: // In collaboration with:
109
C+A
// THE LONGEST MOMENT WHEN EVERYTHING
SEEMED POSSIBLE. THE NEW AMERICAN
CINEMA GROUP
OLAF MÖLLER
6JUN < 9JUN
La Casa Encendida
Throughout four days, the theorist will make a
historical and critical approach of the New American
Cinema Group in order to reflect on its origins and
the aesthetic currents that occurred within this
movement in the 60s and 70s. This year, as a great
novelty, there will be screenings within the seminar.
The titles will be Galaxie (Gregory Markopoulos,
1966), Goodbye in the Mirror (Storm de Hirsch y
Louis Brigante, 1954), Good Times, Wonderful Times
(Lionel Rogosin, 1965), The Balcony (Joseph Strick,
1963) and The Small Hours (Norman C. Chaitin,
1962), and also the short films A Time Out of War
(Denis Sanders, 1954) and Bridges-Go-Round
(Shirley Clarke, 1958).
OLAF MÖLLER is a film programmer, theorist and
critic. He regularly collaborates with prestigious
film magazines such as Sight & Sound, Cinema
Scope, MUBI Notebook, Eye for Film and Film
Comment, among others. He has curated cycles
and retrospectives for festivals such as Rotterdam,
the Viennale or Locarno, and was a member of the
Selection Committee of the International Short Film
Festival Oberhausen. He is considered one of the
most authoritative voices of film history and criticism.
C+A
RUTA CINÉFILA //
MIÉRCOLES 12JUN - 12:00h
Por cuarto año consecutivo, organizamos un recorrido
por el centro de Madrid para visitar localizaciones en
las que se hayan rodado películas del cine español.
Algunas de estas paradas son lugares por los que
caminamos a menudo y que, con ayuda de algunos
fotogramas, redescubriremos con ojos de cineasta.
Otros, en cambio, quizá sean rincones que las
propias películas nos revelarán por primera vez.
Como ya es habitual, en varios de estos puntos
nos esperarán directores o colaboradores de las
películas para que nos expliquen de viva voz cómo
transcurrió el rodaje y así nuestros pies puedan
ocupar ahora el lugar que en su día ocupaba la
cámara...
Este paseo histórico de la mano de Nicolás
Grijalba combina los valores cinematográficos
con la repercusión social y política de algunos de
estos filmes. Con esta actividad, dirigida a todos
los públicos, FILMADRID trata de reivindicar el
potencial cinematográfico que desprende la
ciudad por la que este festival nació.
110
CINEPHILE TOUR //
WEDNESDAY 12JUN - 12:00h
For its fourth consecutive year, the festival organizes
a tour of the center of Madrid to visit locations
where Spanish films have been shot. Some of these
stops are places we visit often, but looking at the
frames we will rediscover them through the eye
of the filmmaker. Other places, however, may be
corners that the films themselves will reveal us for
the first time. As usual, in several of these points the
directors or collaborators of the films will welcome
us and explain how the shooting went, so our feet
can take the place that once occupied the camera...
The tour has an exceptional guide, Nicolás Grijalba,
who has designed a historical walk that combines
cinematic values with the social and political impact
of some of these films. With this activity, aimed at
all audiences, FILMADRID would like to reclaim the
cinematographic potential that has the city that
inspired this festival.
111
112
113
portopostdoc.com
Diplomaturas
Postgrado
Formación Continua

https://ecam.es

SERIES
DOCUMENTAL
TODO CINE
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VFX
©ECAM 2018-Alba Gargantilla

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 Cervantes y Compañía
Calle del Pez, 27

Cine Estudio CBA

Calle del Marqués de Casa Riera, 4

Cine Doré, Filmoteca Española

Calle de Santa Isabel, 3

Museo CAV La Neomudéjar

Calle de Antonio de Nebrija, s/n

Sala Equis
Calle del Duque de Alba, 4

La Casa Encendida
Ronda de Valencia, 2
El Instante Fundación
Calle Palos de la Frontera, 20

Casa de Campo
(Se confirmará lugar exacto)

Cineteca - Matadero
Plaza de Legazpi, 8

117
 AGRADECIMIENTOS // ACKNOWLEDGEMENTS
La quinta edición de FILMADRID no habría sido posible sin la colaboración de Francisco Gallo, Pablo Useros, Miguel Cubas, África
Cuadrado, Miguel y Manuela, Caimán. Cuadernos de Cine, Días de Cine, Ángel Suela, Concha Martín, Carlos F. Heredero, Pedro Medina,
Carlos Reviriego, Gerardo Sánchez, Raúl Alda, Javier Sales, Rafael Trapiello, Manuel Asín, Luis Ferrón, Rebeca Amieva, Olaf Möller,
Víctor Aguado Machuca, Anneke Raskin, Alberto García Aznar, Valentin Carré, Bosque R.E.A.L., Guto Parente, Paco de Blas, Jonas Mekas,
Sebastian Mekas, P. Adams Sitney, Terry Sanders, Céleste Rogosin, Michael Rogosin, MM Serra, Daniel Drasin, Nancy De Antonio,
Alfred Leslie, Gregory Chaitin, Robert Beavers, Immy Humes, Daniel Bish, Betsy Strick, Natalia Marín, Eloisa Suárez, Eva Hannikainen,
Marcos Ortega, Sonia Uria, Garbiñe Ortega, Rocío Mateo-Sagasta, David Varela, Andrea Guzmán, Jaime Pena, Víctor Iriarte, Jesús
Rodrigo, Gonzalo de Pedro, Miguel Álvarez-Fernández, David Sánchez Usanos, Iván de los Ríos, Daniel Kasman, Carmen Haro, Ingrid
García-Jonsson, Lola Dueñas, Alessandra Gatti, Christopher Holloway, Marina Sanmartín, Raquel Vicedo, Francisco Brives, Néstor
Prieto, Cristina Pons, Daniel Pérez, Antonio Pérez Río y Paco Poch.
Gracias a todos vosotros por estar un año más a nuestro lado.
Y a todos los intérpretes, ángeles y demás colaboradores de esta quinta edición que se han incorporado tras enviar este catálogo a
imprenta.

118
EQUIPO // TEAM

Directores//Directors: Nuria Cubas, Fernando Vílchez Rodríguez

Responsable de programación//Head of Programming: Javier H. Estrada
Programadores//Programmers: Andrea Morán, Gabriel Doménech
Ayudante de programación//Assistant of Programming: Ramón del Buey
Responsable de producción//Head of Production: Ana Suela
Ayudante de producción//Assistant of Production: Ana Moreira
Responsable de marketing//Head of Marketing: Claudia Llanza
Producción VL//VL Production: Belén Purroy
Responsable de invitados//Head of Guests Department: Sofía Pérez y Alejandro Nogueroles
Producción//Production: Laura Herrera, Laura Núñez, Oana Darie, Laura Navarro, Néstor Vilar, Laura
Mato, Lucía Criado, Mariana Ruiz, Anna Brotman-Kras, Laura Martínez, Mariana Ruiz, Victor López, Helena
Becerril, Catalina Silvart, María Badillo, Patricia López, Paula González, Víctor López, María Díaz, Julio
Franco, Catalina Díaz, Jose María Ávila.
Responsable de prensa//Head of Press: Andrea Morán
Ayudantes de prensa//Assistant Press: Roberto Hernanz, Jose Luis Pacheco, Fidel Ojea, Esther María
García, Maura Sulbarán, Aleksandra Lewandowska
Instagram befilmadrid: Belén Purroy
Diseño//Design: Ana Cubas
Web: Cristina Culebras
Ayudante de Dirección: Celia Sainz
Coordinación de la Ruta Fílmica//Film Tour Coordinator: Nicolás Grijalba
Tráfico de copias//Print transport: David Cabello
Coordinador de fotografía// Head of photography: Domenico Calí
Fotografía//Photo editors: Jordi Montejo, Esther Sánchez, Gloria Gutiérrez, Belén Fernández, Auralina
Rangel
Intérpretes // Alba Madero, Adriana Testa, Eleanor Staniforth, Maria Inês Lopes
Traducción simultánea // Marta Sanz y Belén López
Coordinación de salas//Theatre coordinator: Ramón del Buey
Subtítulos//Subtitles: Teresa Sánchez Antillano, María Macarena Ferreyra Marquestó, José Manuel
López Moreno, Susana Brandariz Varela, Paula Alcolado Pérez, Marina Berges Martí, Cristina Campos,
Andrea Martínez Christophersen, Juana Moreno García, Clara de Marcos Sánchez, Clara Nieto Zarzuela,
Anna Brotman-Kras, Ana Meneses, Marcos Carou Balado, Sigrid Guitart Ludeña, Celia García Muñoz, Israel
Muñoz Díaz.

CATÁLOGO//CATALOGUE:

Diseño e ilustraciones//Design and illustration: Ana Cubas

Asistente de Diseño//Design deputy: Jesús Rivera
Coordinación//Editors: Javier H. Estrada, Paula López Montero
Colaboradores//Contributors: Cristina Aparicio, Óscar Brox, Martin Pawley, Jaime Pena, Diana Angoso
Coordinadora de traducciones//Translations coordinator: Paula López Montero y Marta Sanz
Revisiones//Corrections: Gabriel Doménech, Andrea Morán, Ramón del Buey
Traductores//Translators: María Campos Galindo, Julia Salas Ballesteros, Lucía Antón Retortillo, David
Sanz Cuscó, Ana María San José, Iris Mogollón González, Alejandro González, Maura Corina Sulbarán,
Nuria Correa Pérez, Natalia Boo, Cristina Muñoz Ponce de León.

119
PROGRAMA / HORARIOS
PROGRAM / SCHEDULE
 // JUEVES 6 JUNIO 2019
9.30 10.00 10.30 11.00 11.30 12.00 12.30 13.00 13.30 14.00 14.30 15.00 15.30 16.00

CINE DORÉ
FILMOTECA ESPAÑOLA
(Sala 2)

CINE DORÉ
FILMOTECA ESPAÑOLA
(Sala 1)

// VIERNES 7 JUNIO 2019

9.30 10.00 10.30 11.00 11.30 12.00 12.30 13.00 13.30 14.00 14.30 15.00 15.30 16.00

CERVANTES
12:00 Encuentro
Y COMPAÑÍA
con Lluís Miñarro y Lola Dueñas
LIBRERÍA

CINE ESTUDIO
CÍRCULO
DE BELLAS ARTES

CINE DORÉ
FILMOTECA ESPAÑOLA
(Sala 1)

CINETECA
12:30 - 14:30 Sesión especial MÁSTER LAV
MATADERO
Con presencia de los directores. Entrada gratuita.
(Sala Azcona)

MUSEO CAV
LA NEOMUDÉJAR

// SÁBADO 8 JUNIO 2019

9.30 10.00 10.30 11.00 11.30 12.00 12.30 13.00 13.30 14.00 14.30 15.00 15.30 16.00

CERVANTES
12:00 Encuentro
Y COMPAÑÍA
con Richard Billingham
LIBRERÍA

CINE ESTUDIO
CÍRCULO
DE BELLAS ARTES

CINE DORÉ
FILMOTECA ESPAÑOLA
(Sala 2)

CINETECA
MATADERO
(Sala Azcona)

LA CASA ENCENDIDA

// CV VANGUARDIAS 1: 56 min. Vever for Barbara (Deborah Stratman, Barbara Hammer) 12’ + Two (Vasilios Papaioannu) 8’
+The Horrible Thirty: Me, My Father and Richard the Tiger (Rina Tsou) 23’ + Instructions on How to Make a Film (Nazlı Dinçel) 13’
// PDC PASAJES DE CINE 1: 66 min. Eyes on You (Victoria Oliver) 12’ + Todas íbamos a ser reinas (Ana Catalá) 24 + Orbainak (Jorge Moneo Quintana) 29’

CO COMPETICIÓN OFICIAL CV COMPETICIÓN VANGUARDIAS PE PROYECCIONES ESPECIALES VL VANGUARDIAS LIVE

122
16.30 17.00 17.30 18.00 18.30 19.00 19.30 20.00 20.30 21.00 21.30 22.00 22.30 23.00 23.30 00.00

18:00 FNACG – Interview - Adolfas Mekas 4’

+ The Brig - Jonas Mekas 68’.
Con presentación de Olaf Möller

20:30 PE – INAUGURACIÓN
Love Me Not - Lluís Miñarro 86’

16.30 17.00 17.30 18.00 18.30 19.00 19.30 20.00 20.30 21.00 21.30 22.00 22.30 23.00 23.30 00.00

18.00 CO Ada Kaleh - Helena Wittmann, 20:00 CO

14’+ MS Slavic 7 - Sofia Bohdanowicz & Baixo Centro -
Deragh Campbell, 64’ Ewerton Belico, Samuel Marotta 80’
19:15 FNACG – Sunday - Dan Drasin 17’ 22:00 PE
+ Point of Order! - Emile de Antonio 97’ Ray & Liz - Richard Billingham 110’
Con presentación de Olaf Möller Con presentación del director

22:30 ME
The Movie Orgy - Joe Dante 280’

16.30 17.00 17.30 18.00 18.30 19.00 19.30 20.00 20.30 21.00 21.30 22.00 22.30 23.00 23.30 00.00

20:00 CO 22:15 CO
18:00 CO Lost Holiday - Michael Kerry
Orphan’s Blues - Riho Kudo 89’ Seven Years in May - Affonso Uchoa 41’
Matthews y Thomas Matthews 75’
Con presentación de la directora + Gulyabani - Gürcan Keltek 35’
20:00 FNACG
Goldstein - Phillip Kaufman 85’
Con presentación de Olaf Möller
20:00 PDC
PASAJES DE CINE 1
66’
18:00 FUSI Princesa Morta do Jacuí - 20:00 CV
Marcela Bordin 17’ VANGUARDIAS 1
+ Os Jovens Baumann, Bruna Carvalho 70’ 56’

VE+ME THE VIDEO ESSAY

+ METRAJES ENCONTRADOS

FNACG FOCO FUSI FOCO UM SONHO INTENSO

FDS FOCO DAN SALLITT PDC PASAJES DE CINE
THE NEW AMERICAN CINEMA GROUP CINE BRASILEÑO CONTEMPORÁNEO

123
 // DOMINGO 9 JUNIO 2019
9.30 10.00 10.30 11.00 11.30 12.00 12.30 13.00 13.30 14.00 14.30 15.00 15.30 16.00

CERVANTES
12:00 Encuentro
Y COMPAÑÍA
con Riho Kudo
LIBRERÍA

CINE ESTUDIO
CÍRCULO
DE BELLAS ARTES

CINE DORÉ
FILMOTECA ESPAÑOLA
(Sala 1)

CINE DORÉ
FILMOTECA ESPAÑOLA
(Sala 2)

CINETECA
MATADERO
(Sala Azcona)

CINETECA 12:30 VE
MATADERO The Video Essay 67’ + mesa redonda
(Sala Borau) Con presentación de Jorge Suárez-Quiñones

LA CASA ENCENDIDA

//* Con presentación de del director Álvaro F. Pulpeiro.

// VE THE VIDEO ESSAY. 67 min. Os Motivos de Reinaldo (Ricardo Vieira) 9’ + Espejo retrovisor de Chile (Francisca Lila) 5’ + Periferia de atención (Victoria Oliver Farner) 12’
+ Stranger / Things (Philip Brubaker) 12’ + Correct Machine (Eva Elcano Fuentes) 13’ + Una casa con muchas voces (Diego Cepeda y Luis Franze) 6’ + News from Taxi
Driver (Paco Casado) 10’
// PDC PASAJES DE CINE 2. 67 min. In Between Walls (Pablo Martínez Ballarín) 3’ + 592 metroz goiti (Maddi Barber) 25’
+ Millions (and Millions) of Memories (Laura Rius & Carlos Solano) 39’
// PDC PASAJES DE CINE 3. 77 min. 2006 The Only Year that I Remember (Alberto van den Eynde) España, 14’+ Ari y Yonay pasan el rato (Ariadna Rivas y Yonay Boix) 63’
// CV VANGUARDIAS 2: 66 min. Dream of a City (Manfred Kirchheimer) 39’ + Mal-Fekata (Hasabie Kidanu) 6’ + E-Ticket (Simon Liu) 13’ + O Verde (Luis Lechosa) 22’

// LUNES 10 JUNIO 2019

9.30 10.00 10.30 11.00 11.30 12.00 12.30 13.00 13.30 14.00 14.30 15.00 15.30 16.00

CERVANTES 12:00 Encuentro

13:00 Encuentro
Y COMPAÑÍA con cineastas
con Álvaro F. Pulpeiro
LIBRERÍA PASAJES DE CINE
CINE ESTUDIO
CÍRCULO
DE BELLAS ARTES

SALA EQUIS

CO COMPETICIÓN OFICIAL CV COMPETICIÓN VANGUARDIAS PE PROYECCIONES ESPECIALES VL VANGUARDIAS LIVE

124
16.30 17.00 17.30 18.00 18.30 19.00 19.30 20.00 20.30 21.00 21.30 22.00 22.30 23.00 23.30 00.00

18:00 CO* La jovencita no envejece,

20:00 CO
se descompone - Álvaro F. Pulpeiro 20’
Pig - Mani Haghighi 108’
+ Sea of Lost Time - Gurvinder Singh 45’

17:30 FNACG Shadows - Cassavetes 87’

Con presentación de Olaf Möller

20:00 FNACG Black Liberation - Edouard de Laurot

37’+ Don Peyote - Harold Humes 40’ + Pull My Daisy
- Robert Frank 30’ . Con presentación de Olaf Möller
18:00 PDC 20:00 PDC
PASAJES DE CINE 2 PASAJES DE CINE 3
67’ 77’

20:00 CV
18:00 FUSI
VANGUARDIAS 2 66’
Sol Alegria - Tavinho Teixira 95’
Con presentación de Luis Lechosa

16.30 17.00 17.30 18.00 18.30 19.00 19.30 20.00 20.30 21.00 21.30 22.00 22.30 23.00 23.30 00.00

17:30 FNACG The Cry of Jazz - Edward Bland 20:00 CO

34’ + Jazz on a Summer’s Day - Bern Stern 85’ Phaidros - Mara Mattuschka 98’
Con presentación de Olaf Möller Con presentación de la directora
22:15 PE
Romantic Comedy -
Elizabeth Sankey 77’

VE+ME THE VIDEO ESSAY

+ METRAJES ENCONTRADOS

FNACG FOCO FUSI FOCO UM SONHO INTENSO

FDS FOCO DAN SALLITT PDC PASAJES DE CINE
THE NEW AMERICAN CINEMA GROUP CINE BRASILEÑO CONTEMPORÁNEO

125
 // MARTES 11 JUNIO 2019
9.30 10.00 10.30 11.00 11.30 12.00 12.30 13.00 13.30 14.00 14.30 15.00 15.30 16.00

CERVANTES
12:00 Encuentro
Y COMPAÑÍA
con Mara Mattuschka
LIBRERÍA

CINE ESTUDIO
CÍRCULO
DE BELLAS ARTES

CINE DORÉ
FILMOTECA ESPAÑOLA
(Sala 2)

LA CASA ENCENDIDA

EL INSTANTE
FUNDACIÓN

// CV VANGUARDIAS 3: 60 min. Altiplano (Malena Szlam) 15’ + Ceniza Verde (Pablo Mazzolo) 10’ + Água Forte (Mónica Baptista) 15’ +
In Between Solstices (Jorge Suárez Quiñones) 20’

// MIÉRCOLES 12 JUNIO 2019

9.30 10.00 10.30 11.00 11.30 12.00 12.30 13.00 13.30 14.00 14.30 15.00 15.30 16.00

CINE DORÉ
FILMOTECA ESPAÑOLA
(Sala 1)

LA CASA ENCENDIDA

CASA DE CAMPO

// JUEVES 13 JUNIO 2019

9.30 10.00 10.30 11.00 11.30 12.00 12.30 13.00 13.30 14.00 14.30 15.00 15.30 16.00

CERVANTES 12:00 Encuentro con directores Vanguardias

Y COMPAÑÍA Ute Aurand + Jorge Suárez-Quiñones
LIBRERÍA + Luis Lechosa + Nicole Remy
CINE ESTUDIO
CÍRCULO
DE BELLAS ARTES

CINE DORÉ
FILMOTECA ESPAÑOLA
(Sala 1)

LA CASA ENCENDIDA

// CV VANGUARDIAS V5 (18h) Detenerte en el pulso (Nicole Remy) 6’ + Imam pesmu da vam pevam (Eluned Zoë Aiano, Alesandra Tatić) 5’
+ Rexistros (Adrián Canoura) 14’ + Party on the CAPS (Meriem Bennani) 26’

CO COMPETICIÓN OFICIAL CV COMPETICIÓN VANGUARDIAS PE PROYECCIONES ESPECIALES VL VANGUARDIAS LIVE

126
16.30 17.00 17.30 18.00 18.30 19.00 19.30 20.00 20.30 21.00 21.30 22.00 22.30 23.00 23.30 00.00

18:00 CO Black Bus Stop -

Kevin Jerome, Claudrena N. Harold 9’
+ Serpentário - Carlos Conceição 83’
18:00 CV VANGUARDIAS 3 60’
Con presentación
de Jorge Suárez-Quiñones
20:00 CO
Winter’s Night - Jang Woojin 91’
20:30 FDS
Honeymoon 90’ - Dan Sallitt
Con presentación del director
20:00 FUSI
Calypso - Rodrigo Lima y Lucas Parente, 60’
Con presentación de Rodrigo Lima
22:30 VL
Gold Film -
Wade Matthews + Deneb Martos

16.30 17.00 17.30 18.00 18.30 19.00 19.30 20.00 20.30 21.00 21.30 22.00 22.30 23.00 23.30 00.00

19:30 FDS 21:30 FDS

All the Ships at Sea 64’ - Dan Sallitt The Unspeakable Act 91’ - Dan Sallitt
Con presentación del director Con presentación del director
18:00 CV VANGUARDIAS 4 20:00 FUSI A quarta e última morada,
Rushing Green with Horses - Ute Aurand 82’ Mariana Shellard 89’
Con presentación de la directora Con presentación de la directora
22:30 VL
<3
María Antón Cabot

16.30 17.00 17.30 18.00 18.30 19.00 19.30 20.00 20.30 21.00 21.30 22.00 22.30 23.00 23.30 00.00

18:00 VL Johan - Mauritz Stiller 110’ 20:30 VL Juha - Aki Kaurismäki 85’

20:00 PE Season of the Devil - Lav Diaz 234’

18:00 CV VANGUARDIAS 5 51’ 20:00 FUSI Bring Me the Head of Carmen M.

Con presentación de Nicole Remy - Felipe Bragança, Catarina Wallenstein 61’
y Adrián Canoura Con presentación de los directores

VE+ME THE VIDEO ESSAY

+ METRAJES ENCONTRADOS

FNACG FOCO FUSI FOCO UM SONHO INTENSO

FDS FOCO DAN SALLITT PDC PASAJES DE CINE
THE NEW AMERICAN CINEMA GROUP CINE BRASILEÑO CONTEMPORÁNEO

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 // VIERNES 14 JUNIO 2019
9.30 10.00 10.30 11.00 11.30 12.00 12.30 13.00 13.30 14.00 14.30 15.00 15.30 16.00

CERVANTES 12:00 Encuentro con cineastas FUSI (Brasil)

Y COMPAÑÍA Júlio Bressane + Rodrigo Lima + Mariana Shellard
LIBRERÍA + Felipe Bragança + Catarina Wallenstein
CINE ESTUDIO
CÍRCULO
DE BELLAS ARTES

CINE DORÉ
FILMOTECA ESPAÑOLA
(Sala 1)

LA CASA ENCENDIDA

// SÁBADO 15 JUNIO 2019

9.30 10.00 10.30 11.00 11.30 12.00 12.30 13.00 13.30 14.00 14.30 15.00 15.30 16.00

CINETECA 12:30 FDS - Polly Perverse Strikes Again! -

MATADERO Dan Sallitt 98’
(Sala Borau) Con presentación del director
CINE DORÉ
FILMOTECA ESPAÑOLA
(Sala 1)

// CURSOS Y ACTIVIDADES:

/ / C U R S O O L A F M Ö L L E R The Longest Moment When Everything Seemed Possible: THE NEW AMERICAN CINEMA GROUP.
// 6 JUN > 9 JUN 2018
9.30 10.00 10.30 11.00 11.30 12.00 12.30 13.00 13.30 14.00 14.30 15.00 15.30 16.00

CURSO OLAF MÖLLER.

LA CASA ENCENDIDA The Longest Moment When Everything Seemed Possible: THE NEW AMERICAN CINEMA
GROUP. (Horario de 10:30 a 14:30)

// Necesaria inscripción previa

// SEDES:
CINE ESTUDIO - CÍRCULO DE BELLAS ARTES CINE DORÉ - FILMOTECA ESPAÑOLA LA CASA ENCENDIDA CINETECA MADRID
Calle del Marqués de Casa Riera, 4 Calle de Santa Isabel, 3 Ronda de Valencia, 2 Plaza de Legazpi, 8
METRO: Sevilla/Banco de España METRO: Antón Martín METRO: Embajadores/Lavapiés METRO: Legazpi
Precio de la entrada: 3,50 € Precio de la entrada: 2,50 € Precio de la entrada: 3 € Precio de la entrada: 3,50 €

CO COMPETICIÓN OFICIAL CV COMPETICIÓN VANGUARDIAS PE PROYECCIONES ESPECIALES VL VANGUARDIAS LIVE

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16.30 17.00 17.30 18.00 18.30 19.00 19.30 20.00 20.30 21.00 21.30 22.00 22.30 23.00 23.30 00.00

20:00 CO IO - Art Union Marmelade 20’+

18:00 CO My Dear Friend -
Je peux changer … - Amie-Sarah Barouh 40’
Yang Pingdao 106’
Con presentación de los directores

19:30 FDS Fourteen 94’ - Dan Sallitt

Con presentación del director

18:00 FUSI Sedução da Carne - 21:00 VL Memento Stella

Júlio Bressane 70’ Makino Takashi 60’
Con presentación del director Con presentación del director

16.30 17.00 17.30 18.00 18.30 19.00 19.30 20.00 20.30 21.00 21.30 22.00 22.30 23.00 23.30 00.00

21:30 PE – CLAUSURA
Au poste! - Quentin Dupieux 73’

16.30 17.00 17.30 18.00 18.30 19.00 19.30 20.00 20.30 21.00 21.30 22.00 22.30 23.00 23.30 00.00

SALA EQUIS EL INSTANTE FUNDACIÓN MUSEO CAV LA NEOMUDÉJAR CERVANTES Y COMPAÑÍA LIBRERÍA
Calle del Duque de Alba, 4 Calle San Mateo, 15 Calle de Antonio de Nebrija s/n Calle del Pez, 27
METRO: Tirso de Molina METRO: Tribunal/Alonso Martinez METRO: Atocha/ Menéndez Pelayo METRO: Noviciado
Precio de la entrada: 3,50 € Entrada gratuita hasta completar aforo Entrada gratuita hasta completar aforo Entrada gratuita a los encuentros

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+ METRAJES ENCONTRADOS

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FDS FOCO DAN SALLITT PDC PASAJES DE CINE
THE NEW AMERICAN CINEMA GROUP CINE BRASILEÑO CONTEMPORÁNEO

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/ / N OTAS :

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 Una de las posibilidades del cine es dar voz a ideas impopulares,
hacer aparecer la complejidad de la vida, ofrecer un foro para la disidencia.

Nicole Brenez. FILMADRID 2018

Why do I film? I don’t know. I am obsessed. I have no control. There is no reason.

Jonas Mekas. FILMADRID 2017

Una imagen… ¿Cuál es la fuerza de la imagen? La imagen es una memoria inconsciente

del tiempo.
Júlio Bressane. FILMADRID 2016

The battle is on the big screen, and nowhere else.

Olaf Möller
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