Universidad nacional experimental nacional de las artes

Historia critica de la música II

José Daniel Ponce Torres

CI: 18094559

Informe resumen sobre estilos de la música

El Barroco se define comúnmente como el periodo que abarca

aproximadamente desde 1600 hasta mediados del siglo XVIII. La palabra barroco
fue usa da por primera vez a la música de la ópera de Rameau Hippolyte et Aricie
(1733), es una palabra francesa derivada portugués barroco que significa perla
desfigurada, utilizada en la época para determinar el arte de la época como áspera
e incoherente que expresaba incoherencia. En la música del periodo barroco
existieron grandes exponentes como George Frideric Handel compositor inglés
nacido en Alemania en la ciudad de Halle el 23 de febrero de 1685, nació cuando
su padre contaba con 63 años de edad; el padre era barbero y cirujano, casado
con una mujer mucho más joven, hija de un pastor protestante. Desde muy
temprana edad Handel mostró un talento especial para la música. Estudió teclados
y composición con F.W. Zachow, organista de su ciudad natal. Johan Sebastián
Bach indudablemente para el periodo Barroco y para la música en general de aquí
en adelante marco una pauta de innovador y prolífico compositor, maestro del arte
de la fuga abordo todas las formas musicales y estilos antiguos como la
Passacaglia, el Recercar o la Ciacona. Que son como los antecesores de lo que
años más tarde conocemos como el tema con variación, Bach es bien conocido
por sus 6 conciertos de Brandemburgo pero voy a enfatizar especial mente en una
obra en específico, que es el Preludio y Fuga en Mi bemol Mayor, Santa Ana
(orquestados por Schoenberg) y Ricearcar Numero “ (orquestados por anton Von
Webern) estas dos obras originales de Bach siglos más tardes orquestads por
estos grandes maestros son parte de la Ofrenda musical, esta obra es un
compendio abstracto de muchas de las formas de contrapunto que Bach había
llegado a dominar . Esta obra, como el posterior Arte de la Fuga, es un resumen
así como una culminación de sus técnicas de composición. EL tema que aparece
en todos los movimientos de la ofrenda musical fue suministrado por el Rey
Federico II de Prusia, compositor y flautista aficionado. Bach había sido invitado a
la corte del rey Federico y mientras se encontraban allí se le pidió que improvisara
una fuga sobre este tema. La sutileza y la belleza de la improvisación del “viejo
Bach” sorprendió a todos cuando la oyeron. De regreso a su casa en Leipzig, el
compositor decidió utilizar el tema real como base para una serie de fugas,
cánones y una trío sonata. Envió la colección terminada al rey Federico con la
dedicatoria Regis Iussu Cantio Et Reliquian Canonica Arte Resoluta (por el manto
del rey, el tema y otras piezas desarrolladas en el arte canónico). Las primeras
letras de esta dedicatoria en latín forman la palabra ricercar, que es una forma
antigua clase de fuga que Bach utiliza en dos movimientos de su ofrenda musical.

No cabe duda de que gran parte de el logro musical de Bach en su técnica es

matemático lo cual es algo realmente interesante desde el punto de vista de la
estética de la Belleza y la perfección para los ojos y oídos de los seres humanos,
Voy a saltar del Barroco al Siglo XX unos siglos mas tardes un gran trabajo de uno
de los más grandes investigadores como lo es Bela Bartok, compositor húngaro
años después establecido en nueva york, fue uno de los mayores investigadores
de la música popular de sus orígenes rumanos junto con George Enescu. Bela
Bartok transcribió y promovió mucha música popular rumana durante el siglo XX,
al escuchar su música uno escucha diversas texturas y formas de composición
moderna del Siglo XX con música popular. Al escuchar su música uno se
transporta a distintos escenarios húngaros al escuchar su música como el
concierto para Orquesta, La Tanz o las Danzas Rumanas. Voy hacer énfasis en el
concierto para orquesta de cuerdas percusión y celesta el cual es una obra muy
interesante la cual fue escrita de con los números de la serie de Fibonacci;
1,1,2,3,5,8,13,21,34,55,89... Cada número es la suma de de los dos anteriores.
Los oyentes dudarían de la relevancia de esta estructura numérica especial de
esta obra, pensaría que es arbitrariamente irrelevante con respecto a una pieza
musical, pero sin embargo, dejemos que cualquier escéptico musical escuche la
potencia musical emocional de acumulada en la fuga, su inteligencia y su
inconfundible equilibrio y simetría a pesar de las diferentes longitudes de las
secciones. La Longitud total de la fuga 89 compases, en realidad 88 más el
silencio final, esta subdividida en 55 más 34 por el clímax del movimiento. Los
primeros 55 compases están agrupados en 34 más 21 por la supresión de las
sordinas y la entrada de los timbales. Los últimos 34 compases están agrupados
en 13 más 21 por las reposición de las sordinas. La exposición de la fuga es de 21
compases de longitud. La última extensión de 21 compases esta subdividido en 13
más 8 por cambio de texturas. Y así siguiendo hasta el más pequeño detalle, no
importa que esta obra no transmita este sentido numérico a través del oído
inmediato como los motivos de la 5 sinfonía de Beethoven sino más bien llega al
cerebro desde el subconsciente a través de las emociones.

Ya que paso al tema de 5 sinfonías de Beethoven es una de las obras más

emblemáticas de la historia siendo escrita por el compositor alemán Ludwig van
Beethoven, representa su enorme lucha interna con sus propios fantasmas
internos, problemas amorosos y fracaso social. Beethoven marca una pauta en la
historia de la música por obras como esta sinfonía, mientras sus contemporáneos
clásicos componían música clásica que solía ser caballeresca, cortes. Beethoven
era muy humano expresaba un sinfín de emociones internas sobre sus conflictos
con sus conflictos amorosos, su fracaso social y su sordera. Emociones que más
tarde se transformaría en el periodo romántico en el cual los compositores
exteriorizaban sus más profundas emociones de amor, miedos decepciones etc.
Muchas de las obras de Beethoven son auto Biográficas como por ejemplo el
poema sinfónico del compositor Alemán Richard Strauss, que con su gran obra
vida de héroe el transcribió y transformo su autobiografía en un poema sinfónico
despegando desde el tema del héroe.
1 El héroe primer tema

2 los adversarios del Héroe (críticos) – transición

3 la compañera del Héroe (la esposa) segundo tema este es el solo de violín

4 los Actos de guerra del Héroe- desarrollo

5 las obras de Paz del Héroe (y las luchas ante las sostenidas criticas)-
recapitulación (con un episodio añadido)

6 El retiro del Héroe del mundo y la culminación de su vida – coda

Original mente Richard Strauss se inspiro en la obra de Beethoven sinfonía

3 titulada la Heroica de carácter autobiográfico también, Strauss tenía grandes
problemas con los críticos y con el público que asistía a los estrenos de sus obras,
muchos lo consideraron genio y que su música era electrizante, otros a diferencia
decían que era un presuntuoso, pomposo compositor con ínfulas de grandeza. Así
que debido a esto él decide escribir esta hermosa obra titulada Ein Hendeleben
opus 40. Richard Strauss es considerado uno de los Compositores alemanes más
importantes del siglo XIX, de la Corriente musical post romántica al igual que
Mahler y Bruckner. Estos grandes Maestros llevaron mas allá el trabajo de otros
grandes como Bach, Mozart, Bach y Brahms, como es el caso de Jean sibelius
compositor Finlandés de siglo XX postromántico que levo el sistema tonal Hasta
otro punto más adelante en la evolución de la música ganando un puesto muy
importante en la historia de la música por sus 7 sinfonías, su concierto de violín y
su gran poema sinfónico Finlandia.
 Haciendo referencia al concierto de violín de Sibelius, hago referencia a otro
gran maestro del siglo XX si no es el compositor más representativo del siglo XX
que es Igor Stravinski, referencia interesante de este concierto es que Stravinski
desconocía totalmente el violín, como recurso compositivo de hecho en el proceso
creativo escribiendo su concierto en Re Mayor dedicado a Samuel Duskin,
Stravinski le pide una consulta a Paul Hindemith por ser el único compositor de la
época que tocaba todos los instrumentos de la orquesta, además era conocido
como un gran maestro de armonía y orquestación, el consejo que este le dio fue el
siguiente: el hecho de que no conozcas el violín considera una ventaja, su
inexperiencia haría que “evitara una técnica rutinaria y haría surgir ideas que no
estarían sugeridas por el movimiento familiar de las dedos”. Dato curioso los
conciertos de violín de Hindemith jamás igualaron en colorido y vistosidad al de
Stravinski conociendo el violín como lo conocía.

El periodo entre 1948 y 2953 es una etapa de especial fermentación para la

música contemporánea, durante la cual se suceden una serie de técnicas y
métodos. A la aparición del Serialismo y la música concreta y electrónica siguieron
nuevas maneras de desarrollar el discurso musical, basadas en el azar y en el uso
más o menos amplio de las maquinas en el proceso mismo de composición. La
música ha renovado no solo su material, sino que ha encontrado nuevas formas
de organización.

El fraccionamiento de los lenguajes sonoros junto con los nuevos métodos

de reproducción y difusión, y las técnicas de captación y manipulación del sonido,
han transformado, en poco tiempo no solo la función de la obra musical, sino
también su naturaleza.

Otro método basado en los patrones numéricos en la música es el Serialismo

dodecafónico, el cual inicialmente se fabrica una escala fabricada con los 12 tonos
de la escala cromática ordenados de forma aleatoria que no presente ningún
movimiento conjunto que asemeje a un movimiento tonal como Cadencia,
Clausula, modo, arpegio en cualquiera de sus clases o clasificaciones para esto
primero debemos seguir una serie de reglas:
 Primero elegir una Serie original como esta A, Eb, B, D, C, C#, Bb, E, F, F#,
G, Ab. Después de tener nuestra serie original Fabricamos una escala cromática a
partir del primer tono de esa escala y cada uno de esos tonos le damos un número
consecutivo a partir de 0 hasta el 11: A0, Bb1, B2, C3, C#4, D5, Eb6, E7, F8, F#9,
G10, Ab11. El siguiente paso es elaborar un cuadro de doce por doce cuadros
colocando mi serie original dentro de los cuadros superiores y los números
correspondientes según mi escala cromática de la siguiente forma:
 Después completar la columna derecha con un número que complete
el diagonal a 12.
 Todo número que de 12 o superior a 12 se resta por 12, donde así
los números de una línea, más adelante después de obtener todos los
números de la columna derecha se hace el mismo procedimiento
matemático pero en forma de L de la siguiente manera:

Para la segunda fila sumamos el primer número de la columna

derecha, con cada uno de los números de la columna superior en forma de
L: 6+0=6, 6+6=12 todo número que de 12 o mayor a 12 hay que restarlo
con 12, 12-12=0, el siguiente es 6+2= 8 así sucesivamente hasta completar
la columna.

Después de terminar con esa línea terminar el proceso hasta llegar

abajo y llenar todo el cuadro, para realizar una composición original que no
tenga patrones regulares que hagan algún tipo de indicio a apuntar a algo
tonal.
Referencia

Invitación a la Música Jonathan Kramer 1993 Javier Vergara Editor

S.A, Diccionario Enciclopédico de La Música Alison Latham 2008, La
Música contemporánea Salvat Editors 1973.