EL CUBISMO

ANGIE BENITEZ RAMIREZ

LEIDY JOHANA ESPINOSA MORA
DIANA MARCELA GAVIRIA GUTIÉRREZ
VERONICA MARIN LOTERO

MYRIAM CADAVID GUZMÁN

ARTE Y ECONOMÍA

UNIVERSIDAD DE ANTIOQUIA
FACULTAD DE CIENCIAS ECONÓMICAS
DEPARTAMENTO DE CIENCIAS CONTABLES
MEDELLÍN

2017-1
 EL CUBISMO

Pérez y Gardey (2009): “El cubismo es una escuela y teoría estética de las artes plásticas y el
diseño”. El cubismo fue un movimiento desarrollado por Pablo Picasso y Georges Braque, entre
los años de 1907 y 1914, el cual dio origen con la obra de Pablo Picasso “Las Señoritas de
Avignon”. Es un movimiento que se ha caracterizado por romper con los esquemas que se habían
seguido a lo largo de la historia del arte, desapareciendo las perspectivas tradicionales de los
cuadros, representando objetos por medio de figuras geométricas, como los cubos, los triángulos
y los rectángulos, plasmando las distintas partes de los objetos en un único plano. Es por ello,
que es de gran importancia identificar cada una de las obras y momentos destacados del cubismo,
y así comprender porque este movimiento es uno los más significativos en la historia del arte.

Inicialmente, se conocerán algunas de las obras más importantes de este movimiento, que son:
Las Señoritas de Avignon, Mujer Sentada en un Sillón, Mujer del Abanico, La Fábrica de Horta
del Ebro, Cabeza de mujer, Muchacha de la mandolina, El aficionado, Retrato de Wilhelm Uhde.
Luego, se identificarán los momentos más importantes del cubismo y sus dos fases, que son: El
cubismo analitico y el sintetico. Y por último, se conocerá la importancia de este,
comprendiendo que “El Cubismo es un arte mental, que se desliga completamente de la
interpretación o semejanza con la naturaleza”, es por ello que estas obras no se deben mirar
desde una sola perspectiva, sino que hace que quien las observe tenga que formar la imagen en
su mente, esto se debe a que este movimiento hace una desvinculación de la figura, y no muestra
una visión global de ella; rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno.
Esto también hizo que desaparecieran las gradaciones de luz y sombra, y no se utilizarán los
colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro.

Para comenzar, procederemos a identificar los factores que influyeron en el nacimiento del
Cubismo, los cuales fueron diversos: En primer lugar, el descubrimiento en Occidente de la
escultura negra que aconteció a principios del siglo, con sus figuras primitivas instintivamente
geometrizadas, y más en concreto con la influencia de la escultura Ibérica en Picasso. En
segundo lugar, la exposición antológica de Seurat, en París en 1905. Y en tercer lugar, la
exposición de Cézanne en 1907 la cual sería determinante en el nacimiento del Cubismo, pues en
algunos textos Cézanne es considerado el precursor de algunas técnicas utilizadas por Picasso
para el desarrollo del cubismo, ya que en su obra “La montaña Sainte-Victoire” en 1904, la cual,
(pintó docenas de veces cada una desde una perspectiva diferente), representa la realidad,
reduciéndola a formas esenciales, tratando de representar los volúmenes sobre la superficie del
lienzo; tendencia que los cubistas siguieron.

El Cubismo supuso la gran ruptura con el arte tradicional al introducir innovaciones que
afectaron a la propia estructura del mismo. Una de las primeras innovaciones cubistas fue la de
abandonar la perspectiva del punto de vista único, suprimiendo la profundidad que la perspectiva
aportaba al cuadro. Este no se limitó a representar lo que aparentemente ve el ojo humano, sino
que fue más allá, plasmando también lo que psíquicamente contempla la persona, además de lo
que imagina y conoce.

Otros aspectos importantes son, la eliminación de los colores sugerentes característicos del
impresionismo, y se sustituyen en el cubismo por tonos pictóricos apagados como los grises,
verdes y marrones. Aunque después de la primera época del cubismo se diversificaron más los
colores. También, es importante tener en cuenta que como se mencionó anteriormente es muy
difícil poder interpretar algunas obras, sobre todo si quien la observa no tiene demasiados
conocimientos de lo que ha sido plasmado en el lienzo, ya que en el cubismo se unen las
dimensiones bidimensionales y tridimensionales, procurando así capturar la cuarta dimensión
que está en la mente humana: la del movimiento, por lo que el observador se ve obligado a
recorrer todo el cuadro con la mirada para “armar” la figura. Se elimina así, un punto de vista
determinado y la sensación de profundidad, y por ello en un mismo tiempo y plano pueden
aparecer diversas vistas de un objeto; por ejemplo se representa de frente y de perfil un mismo
rostro humano, o una botella puede aparecer en cortes verticales y horizontales en un mismo
cuadro.

Por otro lado, una de las cosas que incidió en las obras de Picasso en el cubismo, fue que en el
transcurso de su vida como artista conoció la escultura ibérica y la africana, en donde se
simplificaron más las formas y donde se ponía en evidencia que la pintura tradicional obedecía a
una pura convención a la hora de representar los objetos; los principales rasgos de sus obras son
la asociación de elementos imposibles de concretar, desdoblamiento del autor, disposición
gráfica de las palabras, sustitución de lo sentimental por el humor y la alegría, y el retrato de la
realidad a través de figuras geométricas. Dentro de las técnicas usadas se encuentra el collage, y
principalmente la descomposición de las imágenes en figuras geométricas para representar el
objeto en su totalidad, incluidos todos sus planos, en la obra.

Las Señoritas de Avignon, es una de las obras más

significativas, puesto que fue la que dio el inicio a este
movimiento. La escena de esta obra transcurre en un
prostíbulo, en este no aparecen figuras masculinas, lo cual
hace que el espectador en lugar de contemplar una habitación
con unas prostitutas, pase a ser mirado por ellas, ellas son las
que le interrogan, son quienes le solicitan un
posicionamiento. En el cuadro priman dos aspectos: el
primitivismo, que se puede apreciar en el rostro de estas
mujeres y en el uso de la combinación. Y la disgregación espacial, que es la construcción de
objetos que se ofrecen a nosotros.

Por otro lado, está la obra de la “Mujer Sentada en un Sillón”

realizada por Picasso en 1939, la cual representa “una mujer
sentada, de gran complejidad psicológica, el artista vuelca
posiblemente el dolor de la pérdida de su madre junto con las
sensaciones provocadas por la situación política de España,
fusionando asimismo las imágenes de las dos mujeres que
coexisten en su vida en esos momentos, Dora Maar y Marie-
Thérèse Walter” Leal.

Otra de las obras más importantes en el cubismo, es la “Mujer del abanico”, en ella se demuestra
un elegante equilibrio entre las diversas corrientes e influencias que estaban atravesando la
poética picassiana: Cézanne, el arte negro y la escultura griega arcaica, las cuales parecen
expresarse aquí con espontaneidad y naturalidad, sin forzarlas como a veces sucede en Las
Señoritas de Avignon. La postura rígida, que casi hace que la figura forme una unidad con la
silla en la que está sentada, recuerda a las sacerdotisas en meditación representadas en la pintura
egipcia. Por otra parte, las grandes dimensiones y la perspectiva ascendente, que obliga al
espectador a mirar el cuadro de abajo arriba, provocan una sensación de temor. A diferencia de
Cézanne, Picasso utiliza una paleta de colores menos vibrantes: dominan, en efecto, diversas
tonalidades de gris y de marrón, en una obra que hay que considerar
todavía protocubista.

Por otro lado, la historia del cubismo estuvo dividida en 2 grandes

etapas, el cubismo analítico, que buscaba la descomposición total del
objeto, y el cubismo sintético, en el cual se descarta la perspectiva
para representar todos los planos del objeto en la misma obra.

CUBISMO ANALITICO O HERMÉTICO (1909-1912)

En 1909 Braque y Picasso estrechan su amistad y consiguen

desarrollar la nueva tendencia. El cubismo analítico, en donde la pintura es casi monocroma en
gris y ocre, lo importante eran los diferentes puntos de vista y la geometrización, también se le
llama cubismo hermético, pues por la cantidad de puntos de vista representados, algunas obras
parecen casi abstractas.

Es en esta fase cuando el cubismo se presenta en público. Pero no por obra de Picasso y Braque,
que exponían privadamente en la galería Kahnweiler, sino por otros pintores que conocieron la
obra de aquellos en sus talleres. Algunos artistas provocaron escándalos y rechazo por parte del
público y la crítica. Ello llevó a que se construyera ya una obra doctrinal de primera hora,
explicando los hallazgos de la nueva tendencia. El rechazo de los tradicionalistas de la pintura,
fue centrado en dos problemas: su estatismo y su adhesión a lo figurativo, sobre todo los
futuristas objetaron que el movimiento estuviera ausente siendo así que el mundo actual es
esencialmente dinámico.

Su objetivo se convierte en una búsqueda más profunda, que trata de inferir a partir de la realidad
y representar la esencia misma de lo visible, caracterizándose así por la descomposición de la
forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. Su objeto es conocerlas,
examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión.
Es la auténtica la estética cubista, la creadora del nuevo lenguaje.
Características del arte analítico

● Se lleva al máximo la descomposición en la representación, ya sean de objetos o de

figuras humanas.
● Tiene una fuerte impronta intelectual. Por eso es tan difícil de asimilar por el gran público
(incluso hoy en día) ya que apela, no a lo inconsciente, sino a lo racional. Cualquier
indicador de sentimentalidad es apartado de la creación. En este sentido, son las técnicas,
las matemáticas y un pretendido orden los que prevalecen.
● La figura humana pierde protagonismo y es rebajada a la condición de mero objeto, a la
par que los contornos son tratados con una geometría feroz, como si estuvieran dibujados
o plasmados con tiralíneas.
● El lienzo se llena de formas en aparente desorden en un afán rupturista que proponía otra
observación de la realidad. Si los objetos son presentados en batiburrillo, el espectador
tenía como misión “ordenar” en su mente el mensaje dado por el artista. Por ello, se dice
que el cubismo es el antecedente más remoto de la filosofía de la deconstrucción a finales
del siglo XX.
● El espectador debe tomar protagonismo al tener que recomponer o reconocer esos
objetos, la mayoría de la vida cotidiana, en su mente.
● El color de las obras se reduce a los ocres, pardos, grises, azules fuertes o los rosados de,
por ejemplo, Las señoritas de Avignon. En la mente y espíritu de Picasso y Braque
parecían que estos tonos eran los que más se aproximaban al lenguaje de la razón.

CUBISMO SINTÉTICO

Se caracteriza por potenciar las partes más significativas de la figura, reduciéndose a sus formas
geométricas más puras, no es un cubismo simplificador, pero sí de más fácil lectura ya que es
altamente estructurado y se resaltan las partes más significativas.

Las características del cubismo sintético

● Una vuelta al color. Se abandonan las paletas de ocre y grises para centrarse en toda la
gama cromática.
 ● Las formas no se presentan tan marcadas desde el punto de vista geométrico llegando
incluso a desdibujarse sin confundirse con la abstracción. Aunque hay preferencia por las
estructuradas en ángulo, comienzan a utilizarse también las líneas curvas.
● Nacen obras con un marcado intento de burlar el ojo del espectador utilizando técnicas de
trampantojos o collages vanguardistas con materiales diversos.
● Eso propició un debate sobre lo real frente a lo inventado (que aún perdura en algunos
sentidos).
● La tipografía entra en los cuadros, así como las frases sueltas o palabras aquí y allá que se
unían en un todo para crear un sentido ambivalente.
● Al entrar nuevos pintores y creadores, el movimiento se hizo más heterogéneo y más
dinámico al incorporar la particular visión de cada uno de los artistas.
● Lo que propició además, que cada uno de ellos hiciera valer sus particulares sellos de
identidad. Duchamp, por poner un ejemplo, se afanó por captar el movimiento. Leger fue
uno de los primeros que vio la posible alienación humana debido al avance de las
máquinas (los coches y los artilugios comienzan a inundar las calles).
En términos generales, se puede resaltar que el arte, ha sido y sigue siendo un instrumento básico
para que la conciencia humana se desarrolle, en donde la pintura simboliza una forma de
expresar libertad, de penetrar más allá del conocimiento del mundo, y el cubismo como punto de
partida para el movimiento moderno, rompe completamente con la idea de que el arte debía
representar lo que se ve; así mismo lo afirma Picasso, el cual expresa que “El cubismo
comprende y utiliza el dibujo, la composición y el color con el mismo espíritu y de la misma
manera que todas las demás escuelas. Nuestros temas quizá son diferentes, ya que hemos
introducido en la pintura objetos y formas que antes ignoraba. Nosotros hemos mantenido los
ojos y el cerebro abiertos hacia nuestro entorno”, lo cual implica una nueva relación entre el
espectador y la obra de arte, que incita a una reconstrucción mental para poder comprenderla, y
donde se pueda determinar los detalles relativos a la apariencia de lo retratado, ya que es
evidente la descomposición de la figura en sus partes mínimas, y pintadas de forma geométrica.
En el cubismo no es el color, sino la línea la que crea la figura y compone el cuadro.

“Sólo hay una cosa valiosa en el arte: las cosas que no se pueden explicar.” Georges Braque.
Para terminar, podemos concluir que el cubismo es el movimiento más significativo y
transcendente de la historia de la pintura occidental desde el Renacimiento, por lo que tiene de
ruptura con la estética clásica, el concepto de belleza y las nuevas formas de observar la
naturaleza. Su visión del arte es tan radicalmente diferente que conmocionó todo el mundo del
arte. A partir del cubismo, el concepto de arte y de belleza cambia radicalmente, nada se podrá
hacer igual, y las obras anteriores se mirarán de otra forma.
Picasso está en el origen de la creación del cubismo y es su representante pictórico más
destacado. Pero también es su inventor teórico, junto con Georges Braque y Juan Gris. Sus
planteamientos son totalmente inéditos en el arte. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético
que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador no se puede
quedar contemplando sin más la obra, sino que debe reconstruirla en su mente para poder
comprenderla. La pintura es algo mental, el espectador interpreta la realidad según las pautas que
da la obra y se convierte en artista, en creador. La nueva estética se desliga completamente de la
interpretación o la semejanza con la naturaleza, lo que significa que la obra de arte tiene valor en
sí misma, como medio de expresión de ideas. Esta desvinculación de la naturaleza se consigue a
través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, y pintadas de forma geométrica.
Esta descomposición no es casual, sino que está muy estudiada y calculada, para permitir la
recomposición mental de la figura.
Es un nuevo lenguaje y una nueva estética, un replanteamiento integral de la pintura y las artes
plásticas. Hasta el momento, ni los más radicales fovistas se habían atrevido a romper con el
lenguaje convencional y sensitivo que representaba, en mayor o menor grado, la naturaleza,
desde los tiempos griegos. Pero el cubismo rompe con todo eso; es un arte mental no sólo en las
formas sino en la concepción de la obra. Para comprender un cuadro hay que pensarlo. Hará un
replanteamiento de la obra de arte, de lo que son las formas, de la luz, la perspectiva, el
movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Todo ello exige del espectador un esfuerzo
mental para reconstruir la figura, que no se observa a simple vista.
 BIBLIOGRAFÍA

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