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¿Tiene sentido el feminismo en el arte en el presente?

La Historia del Arte es una disciplina de las ciencias sociales que estudia la evolución del arte
a través del tiempo y basa sus estudios en el análisis de las expresiones artísticas del hombre
y como este ha representado su visión particular del mundo que lo rodea a través de las
distintas técnicas y manifestaciones artísticas en cada uno de los periodos históricos.

El Arte en la actualidad

El arte goza hoy día de una amplia red de estudio, difusión y conservación de todo el legado
artístico producido por la humanidad a lo largo de su historia. Durante el siglo
XX proliferaron las instituciones, fundaciones, museos y galerías, de ámbito público y
privado, dedicados al análisis y catalogación de las obras de arte, así como su exposición a un
público mayoritario.

Se han creado museos locales y otros nacionales que contemplan diferentes y nuevas
temáticas que no se limitan solamente a las llamadas Bellas Artes. De una forma u otra el arte
se ha puesto más al alcance de las grandes masas y la influencia de estas obras artísticas
históricas se observan en incontables formas de expresión del diseño en la actualidad y en las
expresiones de los artistas.

Hay que señalar que el auge de los medios de comunicación ha sido fundamental para el
mejor estudio y divulgación del arte en nuestros días y ha contribuido a la proliferación de
artistas con nuevas visiones estéticas; pero por supuesto permeados de la herencia cultural
del pasado, ellos han crecido tanto en número como en posibilidades de expresiones
artísticas y técnicas.

Ha comenzado en la actualidad a incluirse al cine como el séptimo arte. También

la fotografía se considera como el octavo arte (aunque en ocasiones se alega que se trata de
una extensión de la pintura) y a la historieta como el noveno (algunos críticos indican que es
más bien un puente entre la pintura y el cine).

Otros medios modernos como la televisión, la moda, la pintura corporal, la publicidad y los
videojuegos son otras disciplinas consideradas como artísticas.

La información digital que Museos e instituciones culturales ponen al servicio del público en
la red de internet; ha contribuido a extender el número de personas interesadas
en conocer elementos primordiales, para conocer de dónde venimos y porqué hacemos las
cosas del modo en que las hacemos hoy. Apasionados del arte y la historia en general
incrementan el número de páginas de internet dedicadas a llevar el mensaje del arte a
través de un gigantesco número de ellas cuyas temáticas son tan diversas como lo es el arte
mismo.

Históricamente teóricos estudiosos del arte y la sociología han intentado encuadrar y

determinar las características del arte, tratando de definir; qué es el arte y como este se
manifiesta. Todo intento de determinar un concepto que generalice algo tan dinámico,
influenciable por el contexto histórico y sociopolítico es fútil, no tiene sentido querer englobar
en un concepto abstracto predeterminado e inamovible algo tan cambiante y que depende
además de la forma en que los hombres en cada cultura, religión, geografía, costumbre o
época histórica han creado y crearán, así como también la forma en que estos interpretan y
aprecian las creaciones artísticas.

El arte es un concepto global, que incluye todas las manifestaciones de la creación intelectual y
artesanal de los seres humanos, que no se mantienen fijas; ya que son muy variadas, se
modifican, se crean nuevas también. Es un concepto en evolución y abierto a nuevas
interpretaciones, así como a los cambios del pensamiento de los artistas que han estado y
siempre estarán influenciados por su entorno social. El arte no se puede categorizar de forma
convencional, sino que debe juntar todos los intentos de expresarlo y formularlo, siendo una
síntesis amplia y subjetiva de todos ellos, que están siempre modificándose además.

El arte no se puede desvincular del medio en que se crea o pierde sentido al desproveer a
aquellos a los que se destina, de las herramientas que les ayudarían a entender y apreciar las
mismas. ¿Cuál sería entonces el punto de crear algo que es tan intelectualizado o ajeno al
espectador que no cumple su objetivo de comunicar el pensamiento o intención del que lo
crea, llamase artista o artesano? La belleza por la belleza en una realización artística, sin
conexión de ideas entre público y artista, que la ayuden a identificarse con el público, pierde;
sino la mitad si una buena parte de lo que le da sentido como obra artística y la define
como tal

Las obras artísticas no son tales sólo porque el artista diga que lo es después de crearla, o por
su concepto personal e individualizado de lo que es o no es una creación artística. Lo es sin
embargo cuando otras personas lo reconocen como tal, al apreciarla y reconocer en ella, el
talento de aquel que mediante su creación artística produjo en ellos una reacción emocional,
una identificación que hace que ellos aprecien el producto de esa creación como algo valioso;
sea o no único, o que les guste o no en lo personal.

Por lo tanto hoy en día el arte no se considera una manifestación autónoma. Tiene una
estrecha relación con su entorno desde todos los ámbitos en que se puede manifestar el
mismo. Esto es algo que los artistas tienen que tener en cuenta a la hora de crear sus obras.

Esto no quiere decir que el artista tenga que limitarse en su forma de expresarse, porque su
talento y su capacidad artística tendrán siempre una audiencia por pequeña que sea, ya que
hay gustos para todo. Es solo que la misma no será tan abundante como sí lo sería si sus obras
tuvieran un mensaje que sea mejor comprendido por un amplio rango de espectadores.

Władysław Tatarkiewicz, en Historia de seis ideas (1976) expresó lo siguiente:

“El arte es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas, construir formas, o
expresar una experiencia, si el producto de esta reproducción, construcción, o expresión
puede deleitar, emocionar o producir un choque”.

Para saber hacia dónde guiar nuestro futuro tenemos que aprender sobre nuestro pasado,
tomar de este sabio caudal de información la inspiración necesaria y todo aquello que nos
aporte enriquecimiento espiritual y habilidades para manejar las herramientas
precisas que trazarán el camino más adecuado del desarrollo social.
la noche estrellada, Vicent Van Gogh

Pintores famosos y sus obras

Pablo Picasso

Pablo Picasso (1881-1973), pintor español, es posiblemente uno de los pintores más famosos
del mundo y, sin duda, el pintor más famoso del siglo XX. Además de sus méritos artísticos
como uno de los líderes del movimiento cubista, han contribuido a su popularidad su alta
cotización en el mercado del arte y las historias sobre su turbulenta vida amorosa.

Algunas de las pinturas más famosas de Picasso:

 "Guernica" (1937).

 "Las señoritas de Avignon" (1907).

 "Los tres músicos" (1921).

 "Retrato de Dora Maar" (1937).

Vincent Van Gogh

'Autorretrato' (1889), Vincent van Gogh. Óleo sobre lienzo, 65 x 54 cm (25.6 x 21.3 in). DEA /
G. DAGLI ORTI / Getty Images

Vincent van Gogh (1853-1890), pintor holandés y figura destacada del Postimpresionismo, es
uno de los pintores favoritos de las masas. Sus fans simpatizan con la interpretación expresiva
de los motivos de sus cuadros, sus colores vivos, sus pinceladas sueltas y su historia personal
llena de drama, con una serie de altas y bajas entre la pasión por el arte, el fracaso comercial y
la locura. Sus obras se hicieron famosas una vez muerto gracias a los esfuerzos de la viuda de
su hermano Theo, un negociante de arte quien siempre le ofreció a Vincent su apoyo
financiero y emocional.
Algunas de las pinturas más famosas de Van Gogh:

 "La noche estrellada" (1889).

 "Terraza de café por la noche" (1888).

 Serie: Autorretratos de Vincent van Gogh.

Claude Monet

Claude Monet en su estudio (1899). Library of Congress / Getty Images

Claude Monet (1840-1926), es un pintor francés, y otro de los favoritos de los aficionados al
arte. Además de contar con el favor del público general, cuenta con el respaldo académico
debido a su importancia en la historia del arte como uno de los fundadores del Impresionismo.
De hecho, el nombre de este movimiento artístico proviene de su cuadro "Impresión, salida del
sol" (1873).

Algunas de las pinturas más famosas de Monet:

 La serie de "Pinturas de Nenúfares".

 La serie de pinturas del "Portal de la Catedral de Ruan".

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Salvador Dalí

Salvador Dalí (1981). Hulton Archive / Getty Images

Salvador Dalí (1904-1989), pintor español, conocido por encarnar el Surrealismo y el Dadaísmo
más allá de sus obras. Polifacético, excéntrico y apasionado devoto de su esposa Gala. Para
muchos, Dalí es el vivo retrato del genio artístico, para otros uno de los artistas más
sobrevalorados. Sea cuál sea la opinión sobre su persona, lo cierto es que su genio lo hará
pasar a la historia como uno de los más talentosos y visionarios artistas plásticos.

Algunas de las pinturas más famosas de Dalí:

 "La persistencia de la memoria" (1931).

 "El gran masturbador" (1929).

 "La metamorfosis de Narciso" (1937).

 "Cristo de San Juan de la Cruz" (1951).

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Leonardo Da Vinci

Autorretrato de Leonardo da Vinci (h.1510-1515). Dibujo con sanguina sobre papel, 33 x 21

cms. Biblioteca Real de Turín, Italia. Biblioteca Reale di Torino. Westend61 / Getty Images

Leonardo da Vinci (1452-1519), es un pintor, escultor e innovador artista italiano, arquetipo

del hombre del Renacimiento, humanista de múltiples talentos y un tremendo visionario de las
posibilidades del arte y la ciencia. Algunos de sus dibujos y pinturas están entre los más
famosos del mundo, pero su popularidad va más allá de sus logros en el ámbito de la práctica
artística. Un personaje histórico excepcional, rodeado de un aura de misterio de la que se ha
surtido la industria del entretenimiento aumentando su fama.

Algunas de las pinturas más famosas de Da Vinci:

 "Mona Lisa" (1503-1506).

 "La Anunciación" (1472-1475).

 "La Virgen de las rocas" (1485).

 "La última cena" (1495-1497).

 "Hombre vitruviano" (c. 1487).

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Rembrandt

Autorretrato (1659), Rembrandt. Óleo sobre lienzo, 64 x 66 cms. Galería Nacional de Arte,
Washington D.C., Estados Unidos. Rembrandt Harmensz. van Rijn / Getty Images

Rembrandt Harmenszoon van Rijn(1606-1669), fue pintor más famoso del Siglo de Oro
holandés. Hábil delineante técnico, dibujante y creador de piezas impresas, es reconocido por
sus cuadros históricos, sus retratos y, en especial, por los autorretratos que pintó desde su
juventud. En estos, que continuara realizando a lo largo de su carrera se le ve envejecer y así
también queda explícita la evolución de su técnica pictórica. Es tan popular su dominio en el
tratamiento de las luces y las sombras que en los retratos fotográficos se practica la llamada
iluminación Rembrandt.

Algunas de las pinturas más famosas de Rembrandt:

 "La ronda de noche" (1642).

 "Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp" (1632).

 "La tormenta en el mar de Galilea" (c. 1633).

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Caravaggio

Retrato de Pietro Paolo Caravaggio (1659) aceite en canvas, 189x90 cm. DEA / VENERANDA
BIBLIOTECA AMBROSIANA / Getty Images

Michelangelo Merisi da Caravaggio(1571-1610), fue un pintor italiano famoso por el

naturalismo de sus pinturas sacras y el uso teatral del claroscuro, de gran influencia en el
desarrollo del Barroco. Pese a que en vida no le faltaron los encargos de pinturas religiosas, fue
criticado tanto por la representación realista y humana de sus personajes, como por utilizar
como modelos a mendigos y prostitutas.

Famoso por un temperamento errático, Caravaggio estuvo envuelto en escándalos más de una
vez y tuvo que radicarse en Nápoles, escapando de una amenaza de muerte causada por una
pelea. Murió a los 38 años durante un viaje, y no hay certeza de si murió por enfermedad o fue
asesinado.

Algunas de las pinturas más famosas de Rembrandt:

 "La vocación de San Mateo" (h. 1599-1600)

 "Baco" (1595)

 "David con la cabeza de Goliat" (1609).

 "Judit y Holofernes" (1599).

Francisco de Goya

Autorretrato de Francisco de Goya (1746-1828), aceite en canvas, 46x35 cm. DEA / G.

NIMATALLAH / Getty Images

Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828), fue un pintor español considerado uno de los
iniciadores de la estética del Romanticismo y precursor de las vanguardias pictóricas del siglo
XX. También es famoso por su talento como retratista, representando el aspecto psicológico
de sus modelos más allá de su apariencia. Goya pierde el oído por una enfermedad en el año
1793, evento que hace de su obra una más oscura y pesimista. Dentro de sus técnicas se
destaca el uso del grabado.

Algunas de las pinturas más famosas de Goya:

 "El tres de mayo de 1808 en Madrid" (1814)

 "Saturno devorando a su hijo" (1823)

 Serie de grabados "Los caprichos" (1799).

 Serie de grabados "Los desastres de la guerra" (1810-1815).

  Serie de grabados "La tauromaquia" (1816).

 Serie de grabados "Los disparates" (1815-1823).

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Pierre-August Renoir

Fotografía de Pierre-Auguste Renoir (h. 1910), Domac. Biblioteca Nacional de Francia

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), fue un pintor francés y uno de los principales participantes
en el desarrollo de movimiento impresionista. Es famoso por su paleta colorista, vibrante y
luminosa, y sus escenas alegres y llenas de vida.

Algunas de las pinturas más famosas de Renoir:

 "Baile en el Moulin de la Galette" (1876).

 "Almuerzo de remeros" (1881).

 "Mujer con sombrilla en un jardín" (1873-1875).

 "Retrato de Irene Cahen" (1880).

Velázquez

Autorretrato (h. 1640), Diego Velázquez. Óleo sobre lienzo, 45 x 38 cms. Real Academia de
Bellas Artes de San Carlos de Valencia, España. Vincenzo Fontana / Getty Images

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660), es el pintor más famoso del Siglo de Oro
español. Uno de los maestros del Barroco y de la pintura universal, fue un pintor de corte de
carrera brillante y modelo de los pintores realistas de las generaciones posteriores. Se le
considera, además, uno de los mejores retratistas de la historia del arte.

Algunas de las pinturas más famosas de Velázquez:

 "Vieja friendo huevos" (1618).

 "Las Meninas" (1656).

 "Cabeza de apóstol" (c. 1622).

 "La rendición de Breda" (1635).

 ¿Tiene sentido el feminismo en el arte en el presente?

BY SEMÍRAMIS GONZÁLEZ • 3 NOVIEMBRE, 2014 • ENSAYOS ABSOLUT • COMMENTS

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“Women Art Revolution”, que desde el principio revelaba un dato a tener en cuenta: a las
puertas de varios museos se preguntaba a las personas que pasaban por allí el nombre de tres
artistas mujeres, y nadie podía completar las tres. Algo estaba pasando si no era posible que
en pleno siglo XXI, cuando las comunicaciones son instantáneas, cuando podemos acceder a la
web de cualquier artista o museo en cuestión de segundos sin importar su país, no supiéramos
decir el nombre de tres artistas mujeres.

Ya en 1971 Linda Nochlin, teórica del arte y profesora americana, se cuestionaba en Art
News lo mismo que me preguntaba yo en 2010 mientras estudiaba: “¿por qué no ha habido
grandes mujeres artistas?” El texto es uno de los fundacionales de la crítica de arte feminista, y
supone un hito sobre el que volver, al parecer aún hoy, dada su vigencia. En él, Nochlin
desarrolla cuestiones que hoy pueden parecernos obvias pero que realmente habría que
pensar con atención: no existe una Paula Picasso ni una Rembrandt mujer porque los
impedimentos que estas han sufrido para formarse como artistas no tienen parangón con las
facilidades que han tenido sus homólogos varones. Desde algo tan básico como el acceso a la
formación artística, vedada a ellas hasta finales del XIX, a otros criterios sociales asociados al
hecho de ser mujer, esto es, una artista podía pintar como un aprendizaje más de cara al
disfrute privado durante la soltería, pero sólo como un accesorio más que acabaría con el
casamiento, tras el cual debería dedicarse a la maternidad y otros menesteres que se le
presuponían.

En algunas ocasiones se daban circunstancias puntuales que permitían el acceso a la formación

artística a mujeres, como ocurrió con Artemisia Gentileschi, que aprendió en el taller de su
padre, y en cuyas obras vemos una frecuente presencia de heroínas bíblicas en una actitud de
fuerza y valor, como Susana, Judith o Esther. En una de sus obras más conocidas, “Susana y los
viejos” de 1610, el gesto de la protagonista denota rechazo, casi asco, y nos remite a un triste
acontecimiento biográfico de la propia artista, que fue violada por su maestro de perspectiva,
al que su padre había contratado para que la enseñase.

Y bien, ahora os estaréis preguntando si esto tiene alguna relación con el presente. En mi
opinión sí, y es que la presencia de mujeres artistas aún es escasa. Ha habido importantes
intentos que hay que tener en cuenta, como la exposición “Genealogías feministas en el arte
español: 1960-2010” en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) entre
junio de 2012 y febrero de 2013, comisariada por Patricia Mayayo y Juan Vicente Aliaga. Sin
embargo, los datos referidos al período entre 2006 y 2011 nos hablan, por ejemplo, de queel
porcentaje de obra femenina en el MACBA es de un 18,4%, y se reduce drásticamente hasta un
8,4% en el caso de artistas españolas mujeres; por su parte, el Museo Reina Sofía tiene sólo un
12,7% de obra femenina y apenas un 3,7% de artistas españolas. Y cada año se gradúan más
del 70% de alumnas de Bellas Artes en las facultades españolas (datos tomados del “Estudio de
mujeres y hombres en las artes visuales” de la asociación Mujeres en las Artes Visuales de
2012).

Los datos nos sirven para ilustrar una realidad, y es que la presencia de mujeres aún es escasa.
En mi opinión no se trata de una cuestión abiertamente antifeminista sino de una realidad
mucho más compleja; tiene que ver con eso que comúnmente llamamos patriarcado y que
asimila determinados roles según un sexo (que no un género). Y el patriarcado es una
construcción social, y como tal afecta a los modos en que nos formamos como individuos. Está
presente desde que nacemos en los roles que asumimos, en el lenguaje que usamos, en las
imágenes que nos ilustran, en las actitudes que tomamos, y es, por tanto, algo inmaterial y
muchas veces inconsciente. Por eso no se trata de una discriminación como tal exclusiva de
unos pocos sino que es algo que todos hemos aprendido y que de alguna manera
reproducimos. Y el mundo del arte, que de por sí es una disciplina humana y social, reproduce
este modelo. Por eso es importante conocer cómo funciona una forma de pensamiento para
buscar en ella las grietas posibles que nos hagan transformarla, como sugería Foucault. Tal vez
sea esta nuestra única salida posible.

No se trata de que el feminismo sea exclusivo de las mujeres (y que por cierto genera un
rechazo instantáneo poco comparable a otros términos cuando una se define como tal) sino
que el gran logro del pensamiento feminista, y especialmente en el arte, que es un mundo de
imágenes, es la capacidad para cuestionar lo que vemos, lo que pueda parecer inocente pero
que está imbricado de unas condiciones sociales determinadas y del que nadie vive ausente, ni
siquiera los artistas.

Articulo:

Aportaciones feministas en la relación entre arte y tecnología

MUJERES, TECNOLOGÍA Y PRÁCTICAS ARTÍSTICAS

La escasa participación de mujeres en el ámbito de las ciencias y la tecnología hasta finales

del siglo XIX se puede explicar por las mismas premisas que las excluían del quehacer
artístico, pero probablemente con un sesgo machista mucho más crítico, por la propia
especificidad de este campo disciplinar. Francis Bacon, filósofo y científico, afirmaba en
su Novum Organum: «La ciencia anterior -anterior al método-representaba solo un
descendiente femenino, pasivo, débil, expectante, pero ahora ha nacido un hijo masculino,
activo, viril, generativo»5. Aun en nuestros días estamos acostumbrados a escuchar una serie
de asociaciones en torno a lo femenino y lo masculino, atribuyendo racionalidad, fuerza y
dominio como características de los hombres; y debilidad, intuición y sentimentalismo como
cualidades de las mujeres. Estos patrones reforzados por los mitos religiosos, la literatura, el
arte y la filosofía (Hegel, Shopenauer, Nietzsche y un célebre y triste etcétera) coinciden con
la orientación ideológica de la propia tecnología en la sociedad capitalista. La visibilización
de la participación femenina en el ámbito científico-tecnológico históricamente se ha
ignorado, por haber estado vinculada mayoritariamente a las labores más básicas y
mecánicas dentro del aparato productivo.

Actualmente, aún existe una menor participación de mujeres capacitadas a nivel técnico-
superior. En 2006, un estudio de la Universidad de Cambridge alertaba acerca de la
disminución de mujeres en la enseñanza y la industria tecnológica, cuestión que el mismo
estudio explicaba se debía a factores como la hostilidad de género en los ambientes
académicos y laborales, menores sueldos y presiones sociales que harían a las mujeres
volver al espacio familiar. Podríamos rastrear fácilmente las razones de este desequilibrio,
que van desde condicionamientos en el ámbito familiar: el estímulo por las ciencias y la
tecnología generalmente es dirigido al niño, no a la niña; escasez de referentes y un léxico
patriarcal (para el mundo hispano al menos) que naturaliza muchas profesiones científico-
tecnológicas con signo masculino: «ingeniero», «médico», etc. Esto se refrenda, aunque
parezca trivial, en la profusión de chistes sexistas que cuestionan las competencias de las
mujeres en el ámbito tecnológico: «Este tipo de chistes nos dicen mucho acerca de qué
piensa la sociedad sobre la división sexual del trabajo, sobre qué somos las mujeres y qué
son los hombres, quién debe utilizar la tecnología y quién no...» (Justo Suarez 11).

Así como en el campo artístico anterior al siglo XX se pueden rastrear casos excepcionales de
mujeres artistas, en el campo científico y tecnológico también hubo algunos nombres que,
por mucho que respondieran al canon de lo que configuró una «historia de», estuvieron
silenciados y aún hoy son poco conocidos6. Probablemente, la figura más emblemática sea la
de Ada Byron (1815-1852), quien creara el primer antecedente del computador, la «máquina
analítica» o «máquina programadora»7. Su persona ha inspirando el bautizo de colectivos
artístico-tecnológicos y de hijas de muchas feministas interesadas en la tecnología. Sin
embargo, la instauración de un mito fundador en torno a una figura excepcional, si bien
restaura una deuda histórica, revela al mismo tiempo la ausencia de continuidad. El
problema principal, a mi juicio, tiene que ver con el filtro con el que se entra o se sale del
relato histórico. La modernidad avanzó jerarquizando roles vinculados a la esfera
económico-productiva y la división sexual del trabajo. Tradicionalmente, se ha omitido y
restado importancia a actividades como el tejido, las prácticas agrícolas, la alquimia, el
desarrollo de invenciones para el uso doméstico, etc. Algunas aportaciones desde la
arqueología de género nos hacen observar cómo las propias ciencias sociales o humanistas
tienen una mirada sesgada. A modo de ejemplo, Encarna Sanahuja explica cómo en ciertas
prácticas arqueológicas «cuando una herramienta era encontrada en la tumba de un hombre
se decía que era un martillo; si la misma herramienta estaba al lado de restos de una mujer
se decía que era un mortero para moler alimentos» (Sanahuja 64). Desde esta perspectiva,
«la mujer» por mucho tiempo no existió como actuante histórico. Tal como ocurría en el
campo artístico, no se han nombrado mujeres dentro del relato oficial de la historia de la
ciencia y la tecnología, no porque no hayan participado, sino más bien porque el paradigma
que interpreta los hechos excluye su enunciación.

PRIMERAS PRÁCTICAS TECNOLÓGICAS DE MUJERES ARTISTAS

En la relación arte, mujer y tecnología, generalmente se documentan trabajos en torno al

llamado ciberfeminismo8. Pero podemos trasladarnos un siglo antes para analizar cómo
algunas artistas utilizaron los dispositivos tecnológicos de su tiempo para crear, desde ahí,
obras en las que la crítica protofeminista comenzaba a perfilarse.

Desde la aparición de la fotografía, las mujeres estuvieron presentes activamente. A

diferencia de la pintura o la escultura, el papel que jugarían esta vez no sería
mayoritariamente solo como modelos. Algunas se dedicaron al revelado de placas,
preparación de químicos, puesta en escena de los decorados que servían a la fotografía
social y también al retoque o incluso en la mejora y desarrollo de dispositivos. Constance
Talbot, esposa de William Fox Talbot -inventor, en 1840, de un sistema bastante más
cercano a la fotografía actual que la daguerrotipia- participó activamente experimentando
con la talbotipia, y haciendo importantes contribuciones desde un punto de vista estético.
Llama la atención que, considerando las pocas oportunidades laborales para las mujeres en
aquellos años, ya existiera la labor de fotógrafa como algo que no era tan extraño.

Una de las más conocidas es Julia Cameron (1815-1879). Sus fotografías no se pueden reducir
solamente al hecho de recrear una estética que ya estaba consagrada en la pintura
neoclásica o prerafaelista. Cameron, además, experimentaba con el uso del lente para
generar una estética onírica, que en su momento fue criticada por sus colegas varones,
tildándola de deficiente por «desenfocar permanentemente, carecer de nitidez y precisión
en la toma» (Cameron 67), lo que le valió ser excluida de la London Photographic Society.
Ella rechazaba la idea de que la cámara fuera un objeto para documentar en vez de para
crear arte. Sus trabajos tematizaban ciertos estereotipos femeninos, pero desde una óptica
dislocada: los temas religiosos eran interpretados por familiares con una intimidad
inquietante; las musas que representaban tenían una expresión cargada de ambigüedad que
conseguía gracias a una iluminación cenital débil, close up extremos y supresión de detalles.
Algunos dicen que despreciaba la técnica, pero en realidad se valía de ella de manera crítica
y experimental, tomando conciencia de la fotografía como un recurso y como lenguaje.

Menos conocida y de origen aristocrático, Clementina Hawarden (1822-1865) comenzó a

realizar fotografías en 1854, convirtiendo su casa en un set fotográfico donde realizaba
fotografías de su entorno más íntimo, utilizando espejos y disfraces y generando escenas
cuyo contenido homoerótico y sensual capturó la atención de personalidades como Lewis
Carroll (Marvor 216). En 1939 su nieta donó al Museo Victoria y Albert de Londres más de
700 fotografías de Hawarden, pero no sería sino hasta la década de los ochenta que su
trabajo empezó a ser apreciado gracias a un estudio realizado por Virginia Dodier.

Otra fotógrafa que desarrolló su trabajo durante el siglo XIX, bastante más ignorada, fue
Hannah Maynard (1834-1918), quien emigrara desde Londres a Canadá junto a su marido
para emprender la búsqueda de oro. Mientras él se aventuraba -y fracasaba- en esta
empresa, ella sustentaba el hogar gracias a su estudio fotográfico por el que pasaba toda la
elite política y social de la ciudad. Pero, además, a modo de trabajo personal, utilizaba las
técnicas del fotomontaje para crear una obra particular. Su trabajo consistía en jugar con el
montaje, haciendo aparecer su propia figura multiplicada en el frame representando
sincrónicamente los distintos roles que le tocaba ejercer en la vida cotidiana.

También es importante mencionar el trabajo de Costanza Vaccari Diotallevi, quien en 1862

fue juzgada criminalmente por realizar en su taller fotográfico, junto a las fotografías de
sociedad que le encargaban, escandalosos montajes que mostraban a personajes como el
Papa, Garibaldi, miembros del clero, políticos y aristócratas, protagonizando escenas de sexo
explícito, como una forma de protesta ante la coyuntura político social de la época (Gilardi
72) adelantándose a dadaístas como Hearthfield y sus montajes antinazi,
al «detournement»9 situacionista o a los creativos de nuestro criollo The Clinic.

En pleno florecimiento de las vanguardias del siglo XX la lista de mujeres fotógrafas se

multiplicará. Las más conocidas serán aquellas que no solo usaron el medio desde una óptica
estética, sino también política y experimental. Valga recordar los provocadores retratos de
Claude Cahun, los montajes de Hanna Hoch en los que cuestionaba tanto el sexismo como a
la cultura eurocéntrica y machista; los inquietantes ejercicios surrealistas de Dora Maar, o
los montajes de la alemana Grete Stern, quien, trabajando para la revista femenina Idilio en
Buenos Aires, recreaba los sueños que las lectoras del magazine enviaban a la sección «El
psicoanálisis le ayudará»10. Stern aprovechaba la ocasión para difundir imágenes sarcásticas
de un feminismo militante bastante literal, en donde la figura de la mujer no actuaba solo
como víctima, sino como sujeto condescendiente con un sistema que la reprimía.

Mujeres artistas que han hecho historia: Frida Kahlo

Esta pintora mexicana combina en su obra, eminentemente personal, los estilos surrealista,
naïf y folclórico. La vida de Frida Kahlo (1907-1954) estuvo marcada por una enfermedad
infantil y por un accidente en su juventud que le llevó a pasar por quirófano hasta en 32
ocasiones. Estuvo casada con el muralista mexicano Diego Rivera, en una relación que fue
tan intensa como tormentosa. Su obra pictórica gira entorno a su vida y sufrimiento además
de estar muy influenciada artísticamente por su marido. Aunque su obra fue admirada por
varios artistas de la época fue después de su muerte cuando sus trabajos lograron una mayor
trascendencia.
 Yayoi Kusama

Nació en una familia de clase media alta y desde pequeña ya apuntaba maneras. Estudió
en Nihonga(pinturas de estilo japonés) en Kyoto pero este estilo le frustraba así que decidió
probar con el avant-garde americano y europeo. En 1957 se instaló en Nueva York donde
realizó una serie de pinturas influenciadas por el expresionismo abstracto.

Pero pronto Kusama se pasa a la escultura y la instalación y comienza a adentrarse en

el estilo Arte Popcon sus trabajos expuestos al lado de figuras tan representativas de este
movimiento artístico comoAndy Warhol o George Segal. Su trabajo está basado en el arte
conceptual mostrando atributos del feminismo, el minimalismo, el surrealismo, el arte
marginal, arte pop todo ello fusionado en una obra autobiográfica, psicológica y sexual.

Las obras de la artista japonesa son de las más cotizadas a nivel mundial y siendo mujer, se
encuentra en un buen puesto del ránking de artistas mejor valorados en el mundo del arte
ostentando el número 34. En 2008, la casa de apuestas Christie'svendió en Nueva York, una
obra de la artista por 5,1 millones de dólares, un récord para ser una artista femenina viva.
 © Web

Camille Claudel

Desde la infancia, Camille (1864-1943) fue una apasionada de la escultura. En 1876 su familia
fue trasladada a Nogent-sur-Seine y allí conoció a Paul Dubois quien la introdujo en
la Escuela Superior de Bellas Artes de París. En 1884 comienza a trabajar con Auguste
Rodin, quien cayó rendido a sus pies como mujer, y como artista, convirtiéndose en su
modelo y musa. Aunque se mueven en los mismos ambientes y hacen viajes de largos
periodos de tiempo, Rodin está unido sentimentalmente a otra mujer, Rose Beuret, a quien
se niega dejar. Situación que servirá de inspiración para las obras más importantes de la
carrera de Camille como por ejemplo, La edad madura. Su fama llega a tal punto que es
promocionada por varios artistas de la época, incluso apareciendo en varias revistas de arte.

La escultora comienza otra relación pero vuelve a tropezarse con la misma piedra, ya que su
nuevo acompañante Claude Debussy está casado con otra mujer. Comienza aquí su declive
con continuos episodios de crisis nerviosas que se agudizaron hasta el punto de encerrarse
en su taller y destruir sus obras. Un final triste para una gran artista, ya que por decisión de
su familia fue ingresada en un centro psiquiátrico durante los últimos 30 años de su vida.

Beatrix Potter

¿Quién no conoce los Cuentos Completos de Beatrix Potter? La escritora e ilustradora (1866-
1943) creció en una familia de buena posición, victoriana y convencional. Su vida estaba
encaminada a convertirse en esposa y madre pero desde pequeña tuvo claro que quería ser
independiente. Se convirtió en una intelectual especializada en naturaleza e hizo varios
estudios sobre líquenes, hongos y plantas que tuvieron que ser presentados por su tío ante
el círculo de investigadores ya que a las mujeres no se les estaba permitido; misma razón por
la que la autora no pudo estudiar en los Reales Jardines de Kew.

En 1902 publica su primer cuento ilustrado y tal fue su éxito que durante los 8 años
 siguientes no dejó de escribir historias animadas. En 1905 se casa con el editor Frederick
Warne, enfrentándose a la oposición de sus padres, aunque su marido falleció ese mismo
año. Fue entonces cuando Beatrix compró la granjaTop Hill en Escocia, la que se convertirá
después en escenario de muchos de sus cuentos.

© Ilustración de Beatrix Potter

Tamara de Lempicka

Tamara de Lempicka (1898-1980) fue un pintora de origen ruso y gran exponente de

la corriente Art Decó. Muchos son los adjetivos que podrían definirla: elegante, excéntrica,
mundana... La artista vivió diez años en París, durante la época de 1920, muy felices ya que
consiguió destacar por ser la retratista más importante del estilo Art Decó. En sus obras
siempre se decantaba por la aparición de la figura femenina, la moda, el lujo y el erotismo.

Muchos la califican de femme fatale, bastante superficial y clasista ya que su indiferencia era
evidente tanto en los ambientes culturales como por el movimiento feminista. Entre la
aristocracia era de las artistas más codiciadas ya que se convirtió en retratista de moda para
esta clase social e hizo portadas para la revista de moda alemana Die Dame; aunque poco a
poco sus pinturas fueron perdiendo protagonismo ya que el gobierno nazi las consideró
porno blando.

Georgia O'Keeffe
Georgia O'Keeffe (1887-1986) pertenece a la escuela modernista norteamericana. Estudió en
la Escuela de Arte del Instituto de Chicago, bajo la dirección de John Vanderpoel. En 1907 se
trasladó a Nueva York para unirse a la Art Student League donde conoció el arte europeo de
Rodin y Matisse. La artista quería dar vida y expresión visual a sus emociones lo que le llevó
a pintar abstracciones basadas en la naturaleza. Sus obras más conocidas son las pinturas de
flores a gran escala como Black Iris (1926) así como sus series de cuadros, como por ejemplo,
Jack-in-a-Pulpit de 1930. En 1946 se traslada a Nuevo México, lugar que había conocido en
uno de sus viajes como artista. Durante los años 30 y 40 amplió su registro introduciendo a
sus pinturas huesos y cráneos de animales.

© ernst-haas.com

Helen Frankenthaler

Helen Frankenthaler (1928-2011) fue una artista expresionista abstracta influenciada por la
obra de Jackson Pollock y Clement Greenberg, con quien también se involucró en el
movimiento de arte abstracto.

Estudió en la Escuela Dalton con Rufino Tamayo y también en el Bennington College de

Vermont. La pintora desarrolló una técnica pictórica propia para aplicar la pintura al lienzo.
Dicha técnica, conocida como soak stain (mancha de empapado) consiste en licuar la pintura
al óleo con aguarrás y dejar que la tela, todavía sin tratar, absorba para eliminar cualquier
sensación tridimensional.

Asimismo, esta técnica inspiró el movimiento campos de color que fue seguido por artistas
Morris Louis y Kenneth Noland, y resultó ser el movimiento precursor del minimalismo. Su
obra más representativa es el cuadro de Montañas y mar.
 Louise Bourgeois

Louise Bourgeois (1911-2010) fue una escultora francesa-norteamericana considerada una

de las artistas más importantes del arte contemporáneo, cruzándose con los principales
movimientos vanguardistas del siglo XX como el surrealismo, el expresionismo abstracto y el
posminimalismo. Sus esculturas de araña, como la que mostramos en la imagen, hechas
en homenaje a su madre que era tejedora (así como la representación de la duplicidad de la
naturaleza y la maternidad: la madre es protectora y depredadora al mismo tiempo), se han
convertido en su seña de identidad y le han valido el apodo de la "mujer araña".

Precisamente, su obra Araña, según recientes informes publicados, se considera una de las
más valoradas en el mundo del arte femenino llegando a adjudicarse su venta por subasta
en 10,7 millones de dólares. A pesar de su amplia trayectoria con trabajos abstractos sus
obras también se relacionan con la figura humana expresando temas como la traición, la
soledad o la ansiedad. Una obra claramenteautobiográfica y marcada por un trauma de la
infancia causado por la relación de su padre con su niñera.

©
Escultura de araña de Louise Bourgeois I Web vía Kireei

Leonora Carrington

Leonora Carrington (1917-2011) fue una pintora de origen inglés que se inicia en el mundo
de la arte de la mano de Max Ernst. Nació en el seno de una familia rica de la industria textil
y debido a los cuentos de hadas que le contaba su nana durante la infancia, su posterior obra
estará más que influenciada por estas historias de fantasía.
Tras una rebelde adolescencia, en 1936 ingresa en la Academia de Amédée Ozenfantdonde
comienza sus estudios de dibujo y pintura. Un año después será cuando conozca a Max
Ernst, quien la introduce en los círculos del surrealismo.

Al comienzo de la II Guerra Mundial, en 1939 se traslada a España y Portugal donde conoce a

Renato Leduc, amigo de Picasso, con quien se casa, aunque este matrimonio durará tan solo
2 años.
 En 1943 conoce a Edward James en México, mecenas de los surrealistas y máximo
coleccionista de su obra. Allí vivió durante 43 años donde formó parte del movimiento
surrealista y conoció a Frida Kahlo y Remedios Varo, convirtiéndose en grandes amigas. Su
lenguaje pictórico combina lo siniestro, lo sobrenatural, los símbolos religiosos y la
psicología de Jung en mundos imaginados donde se mezclan sueño y realidad.

Natalia Goncharova

Natalia Goncharova (1881-1962) nació en una familia de alta burguesía rural y era biznieta
de Alexander Pushkin. Comenzó sus estudios en 1898 en la Escuela de arte, escultura y
arquitectura de Moscú donde conoció a Mijail Lariónov, quien se convirtió en su compañero
tanto sentimental como profesional. Sus obras se relacionaban con el arte icónico y el arte
popular ruso, mientas que en otras comienza a despuntar su influencia por el futurismo y el
cubismo, que evoluciona al rayonismo. Su obra fue bien acogida por el público aunque su
estilo de vida, alejada de los convencionalismos sociales, siempre causó polémica.

Con su exposición Le Coq d’or de Diághilev dió el salto a Europa dándose a conocer
como escenógrafa. Viajó junto a Diághilev y Lariónov a Italia, Suiza y España hasta asentarse
en Francia donde su trabajo comenzó a ser más que fructífero aunque con la muerte de
Diághilev comenzó su declive creativo. Pocos meses antes de su muerte el Arts Council de
Londres realizó una exposición retrospectiva de la obra de la artista y su marido donde se
reconocía su importancia dentro del panorama artístico ruso y europeo del s.XX.

Goncharova, al igual que el caso de Louise Bourgeois, es considerada una de las artistas
femeninas mejor valoradas en el mundo del arte, y ejemplo de ello es la venta que se
consiguió hacer de su cuadroFlores por 10,8 millones de dólares.
 © Obra de Natalia Goncharova

Berthe Morisot

Berthe Morisot (1841-1895) fue la primera mujer en unirse al movimiento Impresionista.

Nació en una familia de la alta burguesía y fue educada en el mundo del arte y la música.
Disciplinas que supo combinar dentro de su papel de mujer moderna y animadora social.

Fue modelo y amiga de Manet, y estuvo casada con el hermano del artista, Eugène. La artista
tuvo un papel destacado en el desarrollo del Impresionismo francés y expuso junto a artistas
de la talla de Degas, Renoir, Monet. Su obra Detrás del desayuno consiguió batir todos lo
récord de las subastas de la famosa casa de apuestas londinense Christie's, subastado por la
cantidad de 11 millones de dólares. Por ello, se le considera la mujer artista mejor valorada
del mundo del arte.

Mary Cassatt

Mary Cassatt (1844-1926) era hija de un banquero estadounidese que no veía con buenos
ojos los intereses artísticos de su hija y se posicionó en contra de su carrera como pintora.
Por fin, en 1861, Mery comienza sus estudios en la Academy of Fine Arts de Filadelfia donde
adquiere un acento académico que más tarde la llevará al taller de Chaplin en París. Durante
 estos años le delata su gusto por el trabajo de Courbet, Velázquez o Rembrabdt. Pero es
Degas quien la introduce en el mundo del Impresionismo, y aprende la técnicadel grabado y
los tonos pasteles. Es entonces cuando su estilo comienza a acercarse al de su propio
maestro, así como al del artista Renoir.

Comienza entonces a trabajar por su cuenta y empieza a ser conocida sobre todo por
sus series de niños y madres. Aunque la artista explora también otros aspectos de la vida
social y privada de las mujeres en sus obras. Una repentina pérdida de visión le hizo retirarse
antes de lo esperado del mundo de la pintura, pero gracias a su trabajo el Impresionismo se
introdujo en Estados Unidos.

Articulo:

Mujeres artistas brillan con su talento por Guatemala

Cada día las mujeres se abren espacio en la escena artística y trabajan por
demostrar que la capacidad de brillar no es cuestión de género.

En la gran pantalla destaca la actriz María Mercedes Coroy, cuya actuación en

la película Ixcanul, de Jayro Bustamante, permitió que el nombre de Guatemala se
escuchara en los festivales de cine más importantes del mundo.

En la escena musical, los nombres son más. Lorena Pinot trabaja por que su
música suene en toda Latinoamérica. Gabriela Celeste, por su parte, se abre camino en
el mercado anglosajón.

La rapera Rebeca Lane defiende con sus líricas los derechos de la mujer y su
mensaje viaja por toda la región.

Otra destacada es Magda Angélica que con su propuesta exalta las raíces
mayas.

Cada una es un claro ejemplo de que Guatemala está llena de mujeres con
talento y corazón.

María Merces Coroy (actriz)

Protagonista del filme nacional Ixcanul, la actriz es originaria de Santa María

de Jesús, Sacatepéquez. Ella interpreta a una joven que, como muchas guatemaltecas,
es obligada a comprometerse en matrimonio. Por su actuación ganó como mejor actriz
internacional en el Festival du Nouveau Cinéma en Montreal, Canadá. Hace unos días
viajó a Rusia para recibir el galardón número 41 para la producción.

Lorena Pinot (cantante)

Durante un buen tiempo radicó en Estados Unidos y fue parte de la banda

Miami Sound Machine, pero volvió a Guatemala para impulsar su carrera como solista.
El primer tema que lanzó fue La vida es una sola, que al ritmo de un pop tropical
motiva a disfrutar cada día. Actualmente prepara su segundo sencillo que lanzará en
abril próximo, al igual que el primero, su propuesta tendrá sabor latino.

Gabriela Celeste (cantautora)

 El pop rock es lo suyo. Con sus líricas y música busca crear un sello propio.
Estudio por varios años música en Estados Unidos, y a finales del 2015 regresó a
Guatemala para abrirse camino en la escena musical. Su tema debut se
titula Paradigma, y su disco estará listo a finales de año y llevará por nombre Aquí
estoy, en el que también se incluirá el tema Lejos de ti.

Rebeca Lane (rapera)

Su talento se desarrolla en la escena hip hop, y su disco Poesía venenosa, que

lanzó en octubre pasado, es prueba de ello. Recién regresó al país de una gira por
Centroamérica que hizo junto a otras exponentes del género de la región. Esta
semana viaja a México para participar en distintos festivales. Su próximo álbum se
llama Alma mestiza y saldrá entre julio y agosto próximos.

“Influencers”, la nueva tendencia para la publicidad

as empresas han evolucionado de la publicidad impresa a la digital. En Guatemala el 70 por

ciento de la población es joven, los milenials y la generación Z son quienes están ocupando
puestos de trabajos, tienen acceso a Internet y es la población que consume. Según el séptimo
estudio iLifebetl sobre el uso de redes sociales en Centroamérica y el Caribe, el 65.4 por ciento
de las personas pasan al menos tres horas diarias o más en redes sociales.

Con el tiempo, la tecnología ha obtenido mayor alcance. Las agencias de publicidad realizaron
cambios en sus estrategias de comunicación y márquetin para generar contenido de interés y
consumo hacia la población joven. Sin embargo, las generaciones X y baby boomer, se han
sumado a utilizar Internet. En 2016, el 6.40 por ciento que utilizaban redes tenían de 51 a 60
años, en 2017 creció a 17 por ciento.

Un influencer es una persona que tiene la habilidad y el poder de incidir en las decisiones de
otras personas. Parte de su trabajo es realizar fotografías, videos, comentarios y promoción de
un estilo de vida e intereses.
José Contreras, director de investigación de iLifebelt, afirma que es un hecho que los perfiles en
redes sociales están creciendo y la publicidad es más efectiva cuando alguien personaliza la
marca. Agrega que el tema es generacional, los influencers dan credibilidad a los productos a
base de experiencias.

La estrategia de utilizar influencers inicia en 2011, con la facilidad de acceso de compra a los
teléfonos celulares smartphones, el acercamiento al Internet es inmediato y simple. Facebook,
Instagram, Youtube, Twitter y Snapchat son las redes sociales más utilizadas para la
comercialización.

No obstante, Contreras explica que los influenciadores no son precisamente todos los que
tienen un gran número de seguidores en redes sociales, sino aquellos que afectan a una
comunidad o tribu en específico e incide en la opinión pública de una audiencia.

Embajadores de marca

Los influencers producen tendencia, se posicionan e intervienen en la comunicación.

Lucy López, encargada del blog Working Mommy Guatemala, quien es una mamá bloguera
desde 2015, manifiesta que para hacer una influenciadora se necesita de constancia, entender
al público y saber lo que están buscando. Añadió que su experiencia ha sido cien por ciento
positiva, no obstante un influenciador siempre está expuesto, al colocar su vida al enfoque
público.

López expresa que desde hace un año crearon la comunidad “Chispudas moms” que permite
una asociación entre cuatro blogueras para contar experiencias, posicionarse en redes sociales
y ayudar a otras mamás. Las integrantes son María Vásquez de mamakanguroo, Any Luna de
Mamás Amando el Caos, Ana Lucía Arrivillaga de Nutríre Clinic y Lucy López de Working Mommy
Guatemala.

Los embajadores de marca más conocidos en el país son aquellos que trabajan en medios de
comunicación televisiva o radial, fashion blogueras, artistas, cantantes y fotógrafos. Igualmente
existe una lista según al público objetivo, que incluye las categorías de deportes, tecnología,
ciudadanía, estilo de vida, gamers, fanes de los comics, entre otros.

De acuerdo a un estudio publicado en Hashoff, para los influencers su red social número uno
para 2018 será Instagram.

Pros y contras

Estuardo Aguilar, director de Unión Guatemalteca de Agencias de Publicidad (UGAP), explica

que la publicidad de boca en boca es el mejor servicio y eso es posible gracias a las redes sociales.
“Los líderes de opinión permiten comercializar a comunidades específicas, y no ser un monólogo
como la publicidad convencional, sino más bien un diálogo entre consumidor y marca”, dijo.

Aguilar señala que Guatemala aún está iniciando y evolucionando con el uso de estas
herramientas. Sin embargo, es importante que las empresas no solamente utilicen a
los influencers sino campañas combinadas, como lo realizan en mercados internacionales.

Asimismo, recomienda que los influenciadores deben conocer la marca y adquirir una
experiencia honesta y transparente, de lo contrario el influencer pierde su credibilidad y
desvirtúa la realidad.
Jeanny de Gandarias, relacionista pública de McDonald’s, señala que el restaurante utiliza a los
influencers desde 2017. Por otro lado, Raúl Alas, gerente de comunicación de Telefónica, indica
que la empresa inició con el proyecto los “Embajadores Movistar” en 2015.

Los influencers son una nueva estrategia, que permite impactar con base en la afinidad.

Área comercial

Las redes sociales son potencias para realizar publicidad inmediata. Muchos de
los influencersrealizan la publicidad a partir de sus experiencias. El mercado les ofrece paquetes
de mención que tienen un costo entre US$500 y US$1,000 que incluye cuatro publicaciones.
Algunos logran pagos de US$2 mil mensuales.

@stmuze

@yiyisosa92